Art Exhibition: Half Life at Fieldgate Gallery, London

 

Half Life

Fieldgate Gallery, London

23 June - 16 July 2006

Artists: Maxwell Attenborough, Christopher Davies, Richard Ducker, Lee Holden, Mat Humphrey, Caroline List, Gretta Marchant, Gavin Nolan, Terry Smith, Isabel Young

Radioactive decay rates are normally stated in terms of their half-lives, and the half-life of a given nuclear species is related to its radiation risk. The different types of radioactivity lead to different decay paths which transmute the nuclei into other chemical elements. The radioactive half-life for a given radioisotope is the time for half the radioactive nuclei in any sample to undergo radioactive decay. After two half-lives, there will be one-fourth the original sample, after three half-lives one-eighth the original sample, and so forth.

This exhibition addresses a notion of decay where each artist appears to represent it at different stages before entropy takes over.  However hard it tries, art will always struggle to capture the present, and is therefore left playing catch-up. These artists exploit this state of affairs by exploring differing points of decay: half lives from moments that have passed, ideologies lost.  They reveal a world of physical or emotional instability, exploiting surface corruption to expose psychological wounds. Paint can either exquisitely open a world of illusion, while illusion can state an ugly opposite. Materials elegantly evoke a fading memory, or are assembled with precarious balance.

There is also a biological half life: the time required for half the quantity of a drug or other substance deposited in a living organism to be metabolized or eliminated by normal biological processes. Here at the beginning, there is the possibility of elation and intoxication, at least before the process of the hangover begins. The exhibition reveals a world caught at various stages of transition from one state to another, in flux, and on the edge of collapse.

Fieldgate Gallery is a new 10,000 sq. ft. gallery and project space founded and run by artist-curator Richard Ducker. 

The gallery is located at 14 Fieldgate Street, London E1, on the ground floor under Atlantis Art Materials, a 10 minute walk from the Whitechapel Art Gallery.  The nearest tube station is Aldgate East.

Chaim Soutine and Modern Art at Cheim & Read, NYC

Soutine and Modern Art: The New Landscape / The New Still Life 

Cheim & Read, New York

June 22 - September 8, 2006

Willem de Kooning chose Chaim Soutine as his "favorite artist," one whose paintings "had a glow that came from within." Jack Tworkov spoke of "his [Soutine's] completely impulsive use of pigment as a material, generally thick, slow-flowing and viscous, with a sensual attitude toward it, as if it were the primordial material, with deep and vibratory color." Clement Greenberg wrote that "one has to go back to Rembrandt to find anything to which his touch can be likened."

Cheim & Read announced: The New Landscape / The New Still Life: Soutine and Modern Art, an exhibition featuring the landscapes and still lifes of Chaim Soutine in conjunction with works by contemporary painters and sculptors from the post-war generation to the present. Artists who have acknowledged the importance of Chaim Soutine to the development of their art and whose work reveals shared elements of expression and style include: Willem de Kooning, Jackson Pollock, Jean Dubuffet, Philip Guston, Lucian Freud, Frank Auerbach, Leon Kossoff, Georg Baselitz, Joan Mitchell, Richard Diebenkorn, Milton Resnick, Jack Tworkov, Alice Neel, Bill Jensen, Louise Fishman, Susan Rothenberg, Avigdor Arikha, Philippe Pasqua, Louise Bourgeois and Joel Shapiro. In embracing the unique power and vision of the earlier artist, these contemporary masters have also succeeded in bringing Soutine into the central stream of modern art history. 

The exhibition is accompanied by a fully illustrated catalogue published by Cheim & Read with text by Maurice Tuchman and Esti Dunow, co-curators of the exhibition and authors of the Chaim Soutine catalogue raisonné.

Soutine and Modern Art: The New Landscape / The New Still Life 

Cheim & Read's exhibition catalogue

(c) Cheim & Read, 2006

The curators have opted to focus specifically on the landscapes and still lifes vision of Chaim Soutine, rather than his equally important portraits, and on the relationship between these works and that of twenty-one artists of the past half-century. 

All modern artists carry with them the consciousness of past art, and often incorporate into their work elements from vastly different periods and schools that resonate with their own souls. But few modern artists are especially eager to identify any particular predecessor as their major source, since no artist in this day and age wants to be perceived as a follower (and indeed none of the artists in this exhibition would ever be regarded as such). Be that as it may, the response of contemporary artists to the work and legacy of Chaim Soutine is of a profoundly different kind. 

"Repeatedly," the curators write, they "have been struck and at times even surprised by the spontaneous outpouring of praise for the work of Chaim Soutine by each and every artist contacted. This includes statements made decades ago by artists such as Francis Bacon, Willem de Kooning, Philip Guston, Jean Dubuffet and Richard Diebenkorn. When artists look at Soutine, something else comes into play: in fact there are two decisive factors: the essential vision of Chaim Soutine's expressiveness, his natural masterly painterly powers; and his poignant status as an Outsider in the history of modernism."

Indeed, since World War II, the truest champions of Chaim Soutine, who have demonstrated consistent and unflagging commitment to Soutine, whether overtly or subconsciously, have been the artists. To this broad generalization one must add the names of these influential art historians and critics: Meyer Schapiro, Clement Greenberg, David Sylvester. Professor Schapiro, with the image of Soutine's paintings on view at MoMA in 1950, suggested to De Kooning that Woman I was successful and a finished work, and urged that it not be destroyed by de Kooning, as he was actively considering. Greenberg, also at this time, claimed that Soutine's painterly touch could be likened only to Rembrandt, in an essay read by most every prominent art world figure at the time. David Sylvester's dedication to Soutine in his 1963 Arts Council exhibition at London's Tate Gallery altered the course of painting in London for decades to come, as can be seen today in the strong paintings of Cecily Brown and Jenny Saville.

Painters such as Francis Bacon acknowledged the shock of liberation when encountering Soutine in the London galleries in the late 1930s. Bill Jensen speaks of his epiphany at seeing Soutine's Beef in the Minneapolis Institute of Art as a teenager. Similar statements of acknowledgment, often in extremely vivid language, were expressed by virtually all the break-through artists of the post-war period: de Kooning, Dubuffet, Philip Guston, Georg Baselitz and the subsequent generations of serious painters – that is, artists consumed by their search for seeing, artists not inspired in the main by the advantages of the camera (although often benefiting from photography) or by the sometimes academic strictures of Conceptualism. 

Soutine's example contributed to the formation and development of many artists' work. In other cases, artists independently developed their work and found affinities in Soutine that validated and encouraged their own efforts.

This exhibition will demonstrate these influences and affinities – readily visible with certain artists in a common energy, brushwork, and all-over gesture, or a shared approach to subject matter; with others, less apparently so but fully ingested and transformed.

The exhibition features loans from the Albright-Knox Art Gallery (their monumental Soutine Carcass of Beef) and the Metropolitan Museum of Art (a Soutine masterpiece, View of Cagnes) and many prominent private collectors and galleries. Some works are for sale.

Following Chaim Soutine Cheim & Read organized an exhibition of new paintings and sculpture by Donald Baechler, September 14 - October 28, 2006 and after an exhibition of new work by Jannis Kounellis, November 2, 2006 - January 6, 2007

CHEIM & READ gallery's website: www.cheimread.com.

New Vice President of Associated Press Images

Ian Cameron appointed vice president of AP Images

The Associated Press has appointed Ian Cameron to the new position of vice president of AP Images, responsible for global commercial photo sales for the world's oldest and largest news organization.

Ian Cameron comes to the AP most recently from Getty Images where he was director of editorial sales for North America, based in New York.

Prior to his nearly two years with Getty Images, Cameron worked as a vice president of sales for data solutions at TV Guide.

Before that he spent more than two years with Reuters, first as Canadian sales director and then as media sales director for the Americas. He was Canadian sales manager for Dow Jones for nearly four years before going to Reuters.

A retired lieutenant colonel in the Canadian Armed Forces Reserves, he has a bachelor of arts degree in history from Concordia University/Loyola campus.

AP Images is the world's largest bank of historical and news photos, providing instant access to AP's iconic images. It adds new images every minute of every day from every corner of the world, making it an essential source of photos and graphics for professional image buyers and commercial customers.

Ollivier Pourriol, Le Peintre au couteau, roman

Ollivier Pourriol, Le Peintre au couteau

© Le Livre de Poche / avec son autorisation

Le Livre de Poche, Collection « Littérature & Documents »
Date de parution : Avril 2006
324 pages - 5,50 €

Le roman d'Ollivier Pourriol, paru initialement chez Grasset, a été réédité par Le Livre de Poche.

« Qui sait que ces couleurs sont celles du visage de ma femme disparue et aimée tendrement et regrettée éternellement ? Là où l'oeil exercé voit un vert Véronèse, moi je sais qu'il s'agit du bleu des yeux de ma femme, mais d'un bleu en mouvement, ce n'est pas encore un vert, mais ce n'est plus vraiment un bleu, c'est un bleu en fuite, c'est le bleu des yeux de ma femme qui me trahit. Quel marchand de couleurs osera vendre un jour un tube de « Bleu des yeux de ma femme qui me trahit » ? »

Un peintre de quatre-vingt-cinq ans, cloué par une appendicite, ouvre à son chirurgien un monde sur le point de disparaître, où l'on croise Dubuffet, Camus, Simone de Beauvoir, Nicolas de Staël, René Char, Braque, Music, Gischia. Le temps de quelques conversations, l'homme du pinceau et du couteau transmet à l'homme de l'art et du scalpel ce qu'il a de plus précieux : son oeil. Que peut-on contre la mort ? Pas grand-chose, répond le chirurgien. Apprécier les couleurs de la vieillesse, répond le peintre. Et, si possible, finir en beauté.

EAN / ISBN : 9782253115199

A lire également sur Wanafoto un message consacré à l’essai d’Ollivier Pourriol, Alain, le grand voleur qui introduit notamment à une approche de l’art par le philosophe Alain.

Sony parraine le Prix Arcimboldo

SONY - COMMUNIQUE DE PRESSE - 08.06.06

Sony lance son premier appareil photo numérique Reflex (D-SLR) et soutient le développement de la création artistique numérique en parrainant le prix Arcimboldo 2006.

Une nouvelle philosophie de la photographie.

α (prononcez Alpha) est synonyme d'inspiration, d'exploration, de découverte et de créativité. L’α 100, 1er modèle de cette nouvelle gamme, est au cœur d’un système complet destiné à développer l’attrait de la photographie reflex numérique auprès du plus grand nombre de photographes. Conçu et créé par Sony, α allie la technologie la plus avancée, des composants optiques de précision et une conception novatrice. Résultat : une toute nouvelle famille d'appareils photo numériques, d'objectifs et d'accessoires reflex exclusifs. α rend la photographie plus simple, plus accessible et surtout plus agréable que jamais. Avec α, vous pouvez donner libre cours à votre créativité.

Le prix Arcimboldo

Crée en 1999 par l’association Gens d’Images, le Prix Arcimboldo récompense les meilleures créations d’images photographiques numériques. C’est tout naturellement que Sony France s’associe à ce prix et attribue ainsi une bourse de travail au lauréat en dotant le Prix Arcimboldo 2006 de 10 000 € (7500 € + 2500 € de matériel Sony). Sony France, à travers sa gamme d’appareils photo numériques, a pour vocation de mettre la valeur ajoutée de ses produits au cœur de la création artistique et d’être au service de la progression des photographes professionnels et amateurs.

Cette contribution au prix Arcimboldo manifeste l’attachement de Sony France et de l’association Gens d’Images à des valeurs communes de création et de haute technologie.

Nicolas Moulin, grand lauréat du Prix Arcimboldo 2006 pour son travail "ViderParis "et Aviafluenza exposera à la Cosmosgalerie, 56 Bd Latour Maubourg, 75007 Paris, du 30 juin au 25 août 2006.

Expo 40mcube-Rennes au Chateau : L’Ambassade des Possibles

 

L’Ambassade des Possibles

Virginie Barré, Julien Celdran, Philippe Parreno, Sébastien Vonier

40mcube, Rennes

3 juin - 29 juillet 2006

 

© Julien CELDRAN, L’Ambassade des Possibles, 2000
Courtesy 40mcube, Rennes

 

Pour l’inauguration et la première exposition du Château (voir la note ci-dessous), Julien Celdran (né en 1976 à Schiltigheim, France, il vit et travaille à Bruxelles) met en place L’Ambassade des Possibles, reprenant les éléments de façade, drapeaux et plaque de cuivre, d’une telle institution. Celle-ci, en l’occurrence, représente un Etat imaginaire, ou un Etat sans pays, lieu de tous les possibles.

 

 

Philippe  PARRENO, No more Reality 2, vidéo, 1991
collection Frac Lorraine © Philippe Parreno et le Frac Lorraine
Courtesy 40mcube, Rennes

 

Prêtée par le Frac Lorraine, la vidéo No more reality de Philippe Parreno (né à Oran, Algérie. il vit et travaille à Paris), par le biais d’enfants défilant avec banderoles et slogans, revendique son titre et constitue un véritable manifeste.

 

© Sébastien VONIER, 533, 2006
Courtesy 40mcube, Rennes

 

Les sculptures inspirées de plans de villes de Sébastien Vonier, présentées dans l’espace documentation du rez-de-chaussée, prennent une tournure ambiguë. Leurs formes familières oscillent entre fonctionnalité et abstraction.

 

© Virginie BARRE, Simple dames, 2005
Courtesy 40mcube, Rennes

 

Une envolée qui se poursuit et se traduit dans le travail de dessin et de texte que Virginie Barré (née en 1970, elle vit et travaille à Douarnenez) réalise au premier étage du Château.

Ainsi l’exposition et les œuvres de L’Ambassade des Possibles créent une certaine progression. Elles partent d’éléments tangibles du réel, en adoptent les formes et le réalisme, tout en glissant vers des imaginaires, avec des récits qui prennent la liberté de ne pas garder les pieds sur terre.

Site internet de Julien Celdran : http://julienceldran.free.fr/
Site internet de Philippe Parreno : http://www.airdeparis.com/parreno.htm
Site internet de Virginie Barré : http://www.loevenbruck.com/artist.php?id=barre

Note : 40mcube au Château

Depuis le mois d’avril 2006, 40mcube a intégré pour un an et demi un hôtel particulier du centre ville de Rennes, et met en place un projet spécifique à ce contexte.

Cet espace domestique est investi comme lieu de travail, de résidence et d’exposition, d’événements rendus publics.

L’architecture du lieu est chargée d’un prestige passé qui agit sur l’imaginaire collectif et constitue un décor singulier pour une fiction. La programmation qui y prend place est pensée comme un tout décliné dans le temps, avec des expositions thématiques et monographiques qui donnent lieu à des productions de nouvelles œuvres, et des événements ponctuels comme des projections de films, des concerts et performances.

Ainsi Le Château, entre Kafka et la Star academy, est à la fois un cadre et un support d’expositions et d’oeuvres. Tout peut y être investi par les artistes : des espaces du premier étage dévolus aux exposition, aux bureaux et à la cuisine du rez-de-chaussée, à la façade et au jardin,… dans un projet où la notion de temps est incontournable, et qui prend par là un caractère d’urgence.

En effet, cette maison bourgeoise du début du 20ème siècle est un lieu idyllique et en même temps déchu, préempté et voué à l’issue des 18 mois à une démolition certaine.

Jusqu’au 31 août 2007, Le Château est un lieu incontournable à Rennes.

Une édition clôturera et rendra compte du projet.

Prochaine exposition 40mcube au Château : Terminator, septembre - octobre 2006.

40mcube / Le Château reçoit le soutien du Ministère de la Culture et de la Communication – DRAC Bretagne, de la Ville de Rennes, du Conseil régional de Bretagne, du Conseil général d’Ille-et-Vilaine, des cidre et jus de pommes Bernard - Bannalec.

Le Château
30 av. Sergent Maginot
35000 Rennes

www.40mcube.org

Sony Reflex α 100 : 10 mégapixels et stabilisateur optique

Reflex Sony α 100 

Sony présente son premier appareil photo numérique reflex (D-SLR) avec une résolution de 10 mégapixels et le stabilisateur optique Super SteadyShot intégré au boîtier.

• Le capteur CCD 10 mégapixels de taille APS-C offre une qualité d’image exceptionnelle en alliant faible bruit et sensibilité élevée
• Le stabilisateur optique Super SteadyShot intégré au boîtier aide à lutter contre les tremblements de l’appareil avec tous les objectifs compatibles
• Système antipoussière
• Plus de vingt objectifs Sony α interchangeables d’ici la fin 2006, y compris des optiques Carl Zeiss haut de gamme
• Le système complet comprend boîtier, objectifs interchangeables, systèmes d’éclairage et accessoires
• Le processeur BIONZ et l’optimisateur de plage dynamique garantissent des résultats supérieurs et une qualité d’image améliorée
• Chaque charge de la batterie lithium-ion à technologie STAMINA permet 750 prises de vue selon la norme CIPA

Sony annonce aujourd’hui, 6 juin 2006, le lancement de l’α 100, son premier appareil photo numérique reflex. Il porte le nom α (Alpha) la nouvelle marque de Sony pour la photographie reflex numérique.

L’α 100 est au cœur d’un système complet destiné à développer l’attrait de la photographie reflex numérique auprès du plus grand nombre de photographes. L’appareil est accompagné par un ensemble de systèmes d’éclairage et d’autres accessoires, ainsi que par une gamme complète d’objectifs compatibles α basés sur des optiques haut de gamme Carl Zeiss.

Des technologies de pointe pour prendre de meilleures photos

L’α 100 dispose de plusieurs technologies qui servent la créativité des utilisateurs et garantissent ainsi aux photographes de tous niveaux des résultats supérieurs dans des conditions de prise de vue très variées. Ces technologies comprennent :

Le capteur CCD APS-C de 10 mégapixels

Avec une résolution exceptionnelle de 10 mégapixels (10,2 millions de pixels effectifs), le capteur CCD de taille APS-C (15,8 x 23,6 mm) muni d’un filtre de couleurs primaires RVB garantit des photos parfaitement nettes et détaillées en plus d’une plage tonale étendue et de subtils dégradés. Sensibilité élevée, haute résolution et bruit exceptionnellement faible autorisent de splendides reproductions, même sur des tirages grand format.

Le stabilisateur optique Super SteadyShot intégré au boîtier

Au moment où l’obturateur s’ouvre, le stabilisateur optique SteadyShot compense les vibrations de l’appareil en décalant le capteur CCD en temps réel pour produire une image plus nette. Le système est intégré au boîtier de l’appareil, ce qui élimine le besoin d’optique spécialisée à stabilisation d’image intégrée, souvent coûteuse. Compatible avec tous les objectifs Sony α, y compris les objectifs macro, les téléobjectifs et les zooms, le Super SteadyShot permet généralement un gain de vitesse d’obturation de 2 à 3,5 fois. Cela permet aux utilisateurs de diminuer le réglage ISO de l’appareil pour augmenter la qualité de l’image ou éliminer le flou de leurs photos même lors de prises de vue sans trépied, en faible éclairage et avec une longue durée d’exposition.

Le système de protection antipoussière

Le système antipoussière évolué de l’appareil minimise les effets produits par les particules de poussière pénétrant dans le boîtier lors d’un échange d’objectifs. Le revêtement antistatique du capteur CCD sert de barrière antipoussière, tandis que le capteur CCD vibre brièvement pour déloger les particules à chaque mise sous tension de l’ 100. Le déclenchement de la vibration du capteur est également accessible via le menu de configuration.

Le moteur BIONZ de traitement d’image

Ce processeur, récemment développé, optimise les données du capteur CCD 10 mégapixels en diminuant le niveau de bruit ; il garantit dans le même temps une reproduction fidèle et éclatante des couleurs naturelles, des dégradés de tons riches et des détails d’une remarquable finesse.

L’optimisateur de plage dynamique

L’optimisateur de plage dynamique garantit une exposition parfaite des photos, même pour des scènes au contraste ou au contre-jour marqués pour lesquelles certains détails risqueraient de se perdre dans les accents et les ombres. L’optimisateur de plage dynamique fonctionne en mode standard ou avancé ; il ajuste automatiquement la courbe de gamma et les niveaux d’exposition pour produire des images plus naturelles et à l’exposition mieux répartie dans des conditions d’éclairage « difficiles », notamment pour les prises de vue face au soleil.

L’écran Clear Photo LCD Plus : 2,5 pouces et 230 000 pixels

L’écran de 2,5 pouces est grand, lumineux et très net. Il offre une résolution de 230 000 pixels et dispose de la technologie Clear Photo LCD Plus pour reproduire toute la finesse des détails et la subtilité des nuances. Le revêtement AR (antireflet) de l’écran et la couche Clear Treatment anti-éblouissement garantissent vivacité et exactitude des couleurs dans un grand champ visuel et même à la lumière du soleil. L’écran de navigation affiche, très lisiblement les réglages de l’appareil et les informations-clés sur la prise de vue. L’orientation de l’écran passe automatiquement du mode paysage au mode portrait lorsque l’utilisateur fait pivoter l’appareil.

Une gamme d’optiques de qualité et en pleine expansion

Dès son lancement, l’α 100 est accompagné de divers objectifs compatibles Sony α, allant des zooms aux téléobjectifs en passant par les objectifs macro et autres convertisseurs de focale.

• Gamme G Lens - Très lumineux, ces objectifs collectent un maximum de lumière pour produire de superbes images et affichent par ailleurs peu de distorsion et une qualité constante pour toutes les distances focales des zooms. Le revêtement spécial des surfaces optiques réduit les reflets et les images fantôme, même pour les prises de vue complexes face au soleil.

• Gamme Carl Zeiss - Offrant les plus hauts niveaux d’excellence optique, de performances et de fiabilité, la série d’objectifs haut de gamme Planar, Sonnar et Vario-Sonnar de Carl Zeiss s’appuie sur 150 années d’expérience dans la production d’instruments optiques d’une précision et d’une qualité ultimes.

• L’α 100 est également compatible avec plus de 16 millions d’objectifs à monture Konica Minolta, précédemment commercialisés dans le monde entier sous les marques Maxxum et Dynax.

Disponibilité : juillet 2006.

SONY - COMMUNIQUE DE PRESSE - 06.06.2006

Auction: Modern Design, Murano Glass, Tribal Art in Munich

Quittenbaum Art Auctions, Munich

Modern Design - Murano Glass - Tribal Art 

May 29, 2006

Quittenbaum Art Auctions is pleased about obtaining a sales rate of 45% in its Modern Design auction. The total sum of hammer prices went up to 360,000€ already on auction’s day. Above all, it was design from the Sixties that raised the interest of German and international collectors.

Classics from the 'Bauhaus' era were the most sought after in Quittenbaum's head-office in Hohenstaufenstrasse, Munich. A New York Museum secured itself a telephone designed at Dessau in 1929 for 2,000€. Four 'Barcelona' chairs and a 'Tugendhat' table by Ludwig Mies van der Rohe were sold to a German collector for 5,000€. Also the 'B282' writing desk by Bruno Weill for Thonet France went to a Munich-based afficionado who paid 1,400€ (estimate: 1,000€).

Most of the highlights in this auction surpassed their estimates. The pair of elegant armchairs, designed by Gio Ponti for the 'Parco dei Principi' Hotel in Rome, 1964, beginning at a moderate 15,000€ was eventually bought by a Briton for 25,000€. The unique gaudy folding chair by Alessandro Guerriero, founder of 'Alchimia’ in 1974, was worth 10,500€ to a German collector. After a long bidding combat with participants in the room and on several telephones, the price for the leather-covered three-seater sofa by Florence Knoll went up to 8,500€ from an estimated 3,000€. A minimalistic writing desk in rosewood by Bodil Kjaer, 1959, received the most outstanding price of 12,000€ offered by a Munich-based collector. The 'Zink' newspaper stand by Jonas Bohlin, 1984, brought 1,300€. One of his earliest designs, the 'Concrete chair', from 1981, unfortunately was bought in.

All in all, Scandinavian design received excellent results. The 'X' chair, by Peter Hvidt and Orla Mölgaard-Nielsen, 1961, went to a Swiss dealer for 3,000€. The '223' three-seater sofa by Börge Mogensen stayed in Germany for 3,200€. Eero Saarinen’s 'Pedelstal' set, dinner table and five chairs, doubled its estimate to 3,300€. Two 'Tulip' highback chairs by Jörgen Kastholm and Preben Fabricius had a similar succes and went from 1,400 up to 2,800€.

Also Italian lighting design was favoured by the international clientele. A Swiss collector bought the 'Calla' floor lamp by Arredoluce for 2,800€, twice its estimate. The 'Amalassunta' standard lamp by the Italian architect Vittorio Gregotti,1968, stayed at 3,600€, a little lower than its estimate of 3,800€.

Traditionally, Ingo Maurer’s humourous-poetic lighting designs found their buyers, too.

The most unusual results were attained by two screens by Robert Crowder who used to decorate the houses of Hollywood celebrities with his handpainted and/ or printed wallpapers. Both screens were bought by an English dealer, who paid 8,000€.

In the Murano glass section the most expensive items sold best. An American collector bought the 'siderale' object by Flavio Poli for 5,600€. Ermanno Toso’s 'Nerox' bottle vase went also to the US for 4,200€, as did his 'San Nicolo’ vase for 3,400€.

The most coveted item of the Tribal Art section was a relic figurine of the Mbete/ Congo. Estimated at 2,400€, a Belgian dealer secured it for himself for 3,700€. Two German collectors bought the Antelope dance accessory of the Mali and a Lobi figurine from Burkina Faso for 2,600€ each. The highest prices were attained by a monkey fetish of the Baule (Ivory Coast) that went to an American collection for 6,000€ and a Maternité of the Lulua (Congo), sold for 5,500€ to a German enthusiast.

The unsold lots can be viewed from May 30 to June 23, 2006 in Quittenbaum Art Auctions' new showroom at Theresienstrasse 60 in Munich Schwabing.

Walton Ford, John Berggruen Gallery, San Francisco

Walton Ford
John Berggruen Gallery, San Francisco
June 1 – July 8, 2006

John Berggruen Gallery presents an exhibition of works on paper by Walton Ford.

When Walton Ford received his B.F.A. from the Rhode Island School of Design in Providence, RI, he intended to become a filmmaker. But he instead would later put his skills and talents into creating large-scale precise, ornate depictions of the natural world. For this current exhibition, Walton Ford has created a 10-foot long watercolor depicting a ferocious lion, staring directly at the viewer while attacking an alligator in a meticulously groomed pastoral setting. An admirer of the naturalist painter John James Audubon, Walton Ford's work satirizes the history of colonialism and forms of political oppression on today's social and environmental landscape. The animals portrayed in Walton Ford's watercolors imbue complex symbols in scenes which evoke lessons in colonial literature and folktales.

Walton Ford (b.1960, Larchmont, NY) has received several prestigious awards including a grant in 1989 from The Pollock-Krasner Foundation; a fellowship in 1991 from the National Endowment for the Arts; and a fellowship in 1992 from the John Simon Guggenheim Memorial Foundation. Ford's work is included in public collections such as the Museum of Modern Art and the Whitney Museum of American Art, NY. The artist currently resides in upstate New York.

JOHN BERGGRUEN GALLERY
228 Grant Avenue, San Francisco, CA 94108
www.berggruen.com

Meret Oppenheim, Musée des Beaux-Arts de Berne

Meret Oppenheim

Musée des Beaux-Arts de Berne

2 juin – 8 octobre 2006

Meret Oppenheim, qui avait trouvé à Berne pendant plus de trente ans sa patrie d’élection, a légué en 1985 au Musée des Beaux-Arts de Berne la collection la plus importante ses œuvres. Le Musée des Beaux-Arts de Berne expose actuellement après plus de 20 ans une rétrospective qui permet de redécouvrir la vie et l’œuvre de la célèbre artiste et l’une des éminentes représentantes du Surréalisme.

Meret Oppenheim (1913-1985) fut une artiste exceptionnelle dont les œuvres représentent une contribution importante à l’art du 20ème siècle. Mais elle doit avant tout sa renommée à l’une de ses œuvres surréalistes– le Déjeuner en fourrure qui est devenu un monument moderne de l’art de l’objet et se trouve en possession du MoMA de New York. Au début des années trente, alors qu’elle était encore très jeune, elle recherchait dans l’effervescence de la vie artistique parisienne la liberté qui lui était nécessaire. C’est ici qu’elle édifia son propre mythe en se faisant photographier par Man Ray à l’âge de vingt ans dans la série de clichés devenus célèbres. Conjointement avec lui et Alberto Giacometti, Hans Arp, Max Ernst, René Magritte, Juan Mirò, Salvador Dali, Yves Tanguy, et Wassily Kandinsky, elle put exposer en 1933 au 6ème Salon des Surindépendants.

Grâce à son Déjeuner en fourrure, elle fut propulsée sous les feux de la rampe dans le cercle des Surréalistes et suscita une atmosphère de scandale, mais ce succès lui posa problème et elle retourna à Bâle où elle fréquenta l’Ecole d’Arts Appliqués et s’intéressa intensément à ses rêves et à la théorie du rêve de C.G. Jung. La Steinfrau (La femme pierre) est l’expression de la crise de stagnation, une œuvre clé pour comprendre la torpeur que vécut l’artiste et son impuissance physique. Dans un nouveau départ de créativité, elle élargit le format traditionnel et créa une œuvre diversifiée, souvent basée sur son subconscient et qui lui donna sa renommée de représentante éminente du Surréalisme.

Il n’est pratiquement pas d’autre personnalité artistique qui ait autant expérimenté, recherché, réprouvé, se soit attelée de nouveau à la tâche. Elle s’est toujours servie de ce qui était caché et invisible pour en faire un thème de son œuvre et elle a puisé dans une origine profonde des rêves, des associations, des pensées et des jeux. L’exposition reprend la méthode de travail mouvante de l’artiste et n’est pas classée selon des critères purement chronologiques mais selon des thèmes qui obéissent à son univers imaginaire: des scènes oniriques et des mascarades, des représentations de nuages multiformes et de nappes de brume, des peintures de paysages représentant des astres et des planètes, des serpents et des mythes, des peintures grotesques et des métamorphoses.

L’exposition offre ainsi la possibilité d’avoir une vision d’ensemble sur sa peinture, ses sculptures, dessins, objets, sa poésie, ses annotations de rêves et ses travaux de design et de voir sa célèbre œuvre surréaliste, le Déjeuner en fourrure, dans un contexte global.

KUNSTMUSEUM BERN

Musée des Beaux-Arts de Berne

Hodlerstrasse 8 - 12, 3000 Bern 7

www.kunstmuseumbern.ch

Denise A. Aubertin, Cooked books

Exhibition at La Maison Rouge – The Red House in Paris

 

Denise A. Aubertin, Cooked books

La Maison Rouge - The Red House, Paris

June 8 - September 24, 2006

 

Denise A. Aubertin began working with books in 1969, after discovering the artists' books of Lettrist Gil Wolman and of Tom Phillips, and the food art of Dieter Roth.

Closed books with their pages stuck together... sometimes forced open months later causing bizarre rips, pages, sentences, words overlapping... Sculpted, carved books... Books thrown into hamster cages... Books with transformed covers... Books taken along on trips that have retained traces of the places visited...

In 1974, as a continuation of this process of alteration and recreation, Denise A. Aubertin made her first "cooked books". Following whatever the book's size, cover colour, title and contents inspired in her, she creates unique "book-based" recipes with flour, spices, herbs, rice, pasta and candied fruits, which she then bakes in the oven.

"I love the sensuality of the ingredients, the colours and thickness of the substance. The uncontrollable factors which cooking brings to each work make every copy unique, just like pottery". Denise A. Aubertin.

For her exhibition at la maison rouge, Denise A. Aubertin presents a hundred or so of her "forbidden content" works.

Denise A. Aubertin is represented by Galerie Lara Vincy, Paris.

 

DENISE A. AUBERTIN, Cooked books

June 8 - September 24, 2006

La Maison Rouge - The Red House
Antoine de Galbert Foundation
10, boulevard de La Bastille –
75012 Paris

Contemporary Art: Nicolas Darrot’s Exhibition

Exhibition at La maison rouge – The Red House in Paris

 

Passage au noir, Nicolas Darrot

La Maison Rouge – The Red House, Paris

June 8 - September 24, 2006

 

NICOLAS DARROT (born 1972 in Le Havre, France) continues the cycle of events created especially for la maison rouge and its patio, an open-air space under climatic influence.

Nicolas Darrot, who is fascinated by the relationship between living creatures and machines, is a kind of artist sorcerer. He transforms insects into chimera, gives the power of speech to hunting trophies, creates automatons which come to life when a visitor approaches. The world of Nicolas Darrot stimulates the imagination on several levels: that of myth and fable but also in the equally vast realm fed by technological advances and scientific discovery.

Nicolas Darrot has taken his project beyond the limits of what was originally asked of him, creating a spectacular device that fills the patio and the heart of the foundation, the "red house".

A white, air-filled probe encircles the house. A flock of larger-than-life crows attached to their perches begin to caw and flutter when the probe comes near them. This encounter takes place in the patio in what resembles a courtship ritual. The event recurs in an endless cycle which the spectator can take in at leisure as he strolls around inside the foundation.

Nicolas Darrot is represented by Galerie Eva Hober, Paris.

 

Passage au noir, Nicolas Darrot

June 8 - September 24, 2006

LA MAISON ROUGE – THE RED HOUSE
Antoine de Galbert Foundation
10, boulevard de La Bastille –
75012 Paris

Epson R-D1s

EPSON - COMMUNIQUE DE PRESSE - 31.05.2006

Le mariage inhabituel de deux univers photographiques

Epson ouvre un nouveau chapitre dans l'histoire de la photographie : Avec le R-D1s, la firme japonaise présente le successeur du premier appareil-photo numérique à visée télémétrique, l'Epson R-D1, et souligne ainsi une fois de plus son expertise dans le domaine de la photographie. Alliant les avantages de la technologie numérique la plus récente à l'expérience et la tradition de l'argentique, cette dernière mouture séduit d'emblée par ses nombreux perfectionnements. Parmi les nouveautés figurent le zoom 16x pour une visualisation immédiate et détaillée des clichés, l'option d'atténuation du bruit de fond pour les prises de vues avec une exposition prolongée. L'Epson R-D1s prend en charge l'espace colorimétrique RGB Adobe. Même s'il se pare de multiples nouveautés, l'Epson R-D1s n'en perpétue pas moins ce "feeling" innovant et néanmoins traditionnel, dont de nombreux photographes passionnés ne voudraient plus se passer. Dès juin prochain, l'Epson R-D1s sera disponible au prix de CHF 3 145 * dans les boutiques spécialisées. Flexible et rectiligne

La souplesse de la technologie numérique dans un boîtier classique au design rectiligne : l'Epson R-D1s est impressionnant et fascinant à la fois. C'est aussi l'appareil idéal pour les adeptes du noir et blanc les plus intransigeants comme pour les amateurs de la photographie en couleur. Grâce à des vitesses d'obturation de 1 à 1/2000 de seconde et une option d'exposition prolongée, le système peut immortaliser des moments et des évènements. Avec le "bulb setting", une fonction rarissime sur les appareils-photos numériques, les prises de vues sont toujours réussies, y compris dans les situations de faible luminosité. Afin de tirer pleinement parti de cette fonctionnalité, Epson a doté le R-D1s d'une option d'atténuation du bruit de fond, ce phénomène indésirable qui se produit dans les ambiances peu lumineuses. Grâce à une optique spécialement conçue pour la visée télémétrique, garante d'une netteté irréprochable même lorsque l'éclairage est médiocre, cet appareil-photo s'illustre notamment avec les prises de vue nocturnes. Les professionnels et les photographes amateurs exigeants sauront apprécier la compatibilité du boîtier avec plus de 200 objectifs , ce qui permet à l'utilisateur de choisir l'équipement adapté à chaque situation. Dès lors, plus rien ne s'oppose à des photos parfaitement réussies.

Place à la créativité

Les images sont enregistrées sur une carte mémoire SD au format JPEG ou RAW non comprimé, voire dans les deux formats si nécessaire. Contrairement à son prédécesseur, l'Epson R-D1s prend en charge les deux espaces colorimétriques sRGB et RGB d'Adobe. Ce dernier est sensiblement plus étendu, ce qui se traduit par une amélioration significative de la qualité de l'image. Sans préjudice de sa convivialité, cet appareil numérique à visée télémétrique accorde une place importante à la créativité – laquelle peut être expertisée sur le champ, grâce à la fonction QuickView, à l'aide de l'écran LC de 2" orientable à 360°. Le nouveau zoom 16x met en lumière tous les moindres détails.

Une chambre noire virtuelle

Avec son R-D1s, Epson présente un appareil 6,1 mégapixels inhabituel et attrayant à la fois, avec une chambre noire virtuelle fournie par le logiciel Epson PhotoRAW (inclus dans le coffret). Celui-ci permet d'agrandir des images en 4 512 × 3 000 pixels avec la technologie Epson Print Image Control - l'obtention d'un tel résultat nécessiterait un capteur à 13,5 mégapixels. Parmi les autres fonctions de ce logiciel figurent la correction des vignettes ou encore la création de photographies en noir et blanc. "L'Epson R-D1s est un appareil numérique impressionnant, qui séduit d'emblée non seulement par l'excellente qualité des photos, mais aussi par sa grande simplicité d'utilisation. Il fonctionne de façon intuitive et se comporte comme un appareil analogique, depuis l'armement manuel jusqu'au clic du déclencheur, en passant par les indications analogiques", commente Karsten Jahn, directeur du marketing produit chez Epson Allemagne. "Pourtant, l'Epson R-D1s n'en est pas moins un appareil numérique. Ce modèle conjugue l'élégance, la valeur et la qualité intemporelle de la photographie argentique à tous les avantages de l'ère numérique - un mariage qui, deux ans après sa ‘première’ mondiale, n'a rien perdu de son attrait." Les possesseurs du modèle antérieur, l'Epson R-D1, pourront profiter des avantages du R-D1s. Une mise à jour du firmware, ainsi que le logiciel Epson PhotoRaw 1.2, sont disponibles en libre téléchargement sur le site d'Epson. L'Epson R-D1s en bref

• appareil-photo numérique à visée optique de 6,1 millions de pixels (effectifs)

• agrandissements en 40 x 60 cm max, offrant une résolution de 190 dpi avec le logiciel Epson PhotoRaw 1.2 (compatible Mac et PC)

• fonction d'exposition prolongée (bulb setting) et vitesses d'obturation de 1 à 1/2000 de seconde

• fonction d'atténuation du bruit de fond (exposition prolongée, valeurs ISO élevées)

• compatible avec les objectifs Leica à baïonnette L et M

• écran LCD 2 " avec QuickView

• sauvegarde en JPEG et/ou RAW

• espaces colorimétriques Adobe RGB et sRGB

• disponible depuis le 1er juin 2006

Henry Darger (1892-1973): Sound and Fury

Exhibition at La Maison Rouge - The Red House in Paris

 

Sound and fury, the work of Henry Darger (1892-1973)

La Maison Rouge - The Red House, Paris

June 8 - September 24, 2006

 

Bruit et fureur (Sound and Fury), the works of Henry Darger, is the first French monographic show devoted to this reclusive American artist who lived alone in a room on Webster Street in Chicago.

It wasn't until 1972, when he left his home for the hospital where he would later pass away, that his landlord Nathan Lerner, himself a photographer and a professor at Chicago's New Bauhaus, discovered the written works and paintings of his eccentric boarder.

This exhibition presents the artist's early work, including five recently restored collages, which have never before been on view.

HENRY DARGER, BIOGRAPHY

Henry Joseph Darger was born in 1892 to a poor Chicago family. Shortly before his fourth birthday, his mother died while giving birth to a baby girl. His father placed the baby in an orphanage the same day.

Until the age of 9, Henry lived alone with his father. At school, he was considered aggressive with his schoolmates and with a tendency towards pyromania. He was subsequently placed in a boys' home and later in an institution for feebly-minded children, where he received minimal education and was mistreated.

At 17, and after several failed attempts, he managed to escape. He moved back to Chicago where, with his father now deceased, he lived alone. He found employment as a janitor in a Catholic hospital.

Henry Darger was a solitary young man who, while working to earn his living, remained cut off in the imaginary world he had elaborated for himself, a means of compensating the lack of affection and poor education he had always known.

For 50 years, Henry Darger shared his days between his job at the hospital and his neighbourhood church, attending up to four services a day. Throughout this time, he never breathed a word about his "other" life, the evenings and nights he entirely devoted to his life's work, The Story of the Vivian Girls, in What is known as The Realms of the Unreal, of the Glandeco-Angelinnian War Storm, Caused by the Child Slave Rebellion.

The Realms of the Unreal

This 15.000-page epic narrative, begun in 1911, recounts life in a kingdom ruled by a general who has seven pretty young daughters, the Vivian Girls. The kingdom falls under attack by surrounding countries, and the valiant Vivian Girls attempt to save the children who have been forced into slavery and violently massacred by enemy soldiers. The story ends with the little girls' victory and the return to an idyllic world, a veritable Garden of Eden. When writing this narrative, Henry Darger was largely inspired by the events of the First World War, by his readings about the American Civil War, but also his own fantasies.

The collages and drawings

Around the 1920s, Henry Darger decided to illustrate his writings. He began with collages, a technique he had experimented with a few years earlier with vast illustrations of battle scenes. He cut figures from newspapers and magazines which he glued onto increasingly large panels.

Considering himself incapable of drawing, he created a method which could be called "proto-pop art". He searched children's books, advertisements, children's clothing catalogues and magazines for illustrations which he traced on carbon paper, then painted with watercolours. Using this technique, he painted ream upon ream of paper, on both sides, which he then glued together to form panels over two metres long. For decades, Henry Darger kept these paintings in his room, though he never dated them.

"[...] While almost all his drawings were done from tracings, they have a value of their own, because they reflect part of Darger's world, which far exceeds that which one might usually expect from a tracing. One feels he really could have produced his own drawings had he not found his creative method, a sort of pictorial "adoption", so significant in itself." -- John M. MacGregor, Henry Darger: In the Realms of the Unreal, Delano Greenridge Editions, 2002.

The force, the violence, the very technique of this unique oeuvre sets it apart in the history of art. Discovered by an artist 35 years ago, it continues to influence the work of the new generations, including the Chapman brothers, Paul Chan, Marcel Dzama and Grayson Perry.

Bibliography

J. M. MacGregor, Henry Darger: In the Realms of the Unreal, Delano Greenridge Editions, 2002.

M. Bonesteel, Henry Darger: Art and Selected Writings, Rizzoli, New York, 2000.

Klaus Biesenbach, Kiyoko Lerner, Henry Darger: Disasters of War, KW Institute of Contemporary Art, Berlin, 2000.

B. D. Anderson & M. Thévoz, Darger: The Henry Darger Collection at the American Folk Art Museum, Harry N. Abrams, New York, 2001.

Catalogue

A catalogue published by Andrew Edlin Gallery in New York accompanies Sound and fury at la maison rouge with text by Edward Madrid Gomez. In French and English, 80 pages, illustrated.

Related events

In the Realms of the Unreal  The Mystery of Henry Darger, 82 min. film about the life and work of Henry Darger, directed by Jessica Hu in 2003, will be screened in parallel to the exhibition.

 

Aknowledgment of The Red House: This exhibition could not have taken place without the kind contribution of Mrs Kiyoko Lerner, custodian of Henry Darger's estate, who opened her archives in Chicago and has allowed to show its treasures.

 

SOUND AND FURY, THE WORK OF HENRY DARGER (1892-1973)

June 8 - September 24, 2006

La Maison Rouge - The Red House
Antoine de Galbert Foundation
10, bld de La Bastille –
75012 Paris

Also on view from June 8 through September 2006 at The Red House, Paris:

An exhibition of the french artist Nicolas Darrot

Michaël Borremans: Recent Paintings and Drawings

Exhibition at La maison rouge – The Red House in Paris

 

Michaël Borremans, The good ingredients

Recent paintings and drawings

La Maison Rouge - The Red House, Paris

June 8 - September 24, 2006

 

La maison rouge presents the first showing in France of the work of Michaël Borremans, a Belgian artist, born in 1963 and who lives and works in Ghent.

The viewer is instantly struck by the technical virtuosity of Michaël Borremans' works, both his canvas oil paintings and his pencil drawings, watercolours and gouaches, which he sometimes creates on pages taken from old books. References to the Flemish masters and, to an even greater extent, Manet immediately come to mind. However, the subject matter brings us closer to the present day, or at least to the mid-20th century, with references to illustration, 1940s cinema, and most of all Belgian Surrealism.

Indeed, there is something disquieting in Michaël Borremans' works. The narrative themes are often dreamrelated or drawn from the imagination, and the characters hold enigmatic poses as they perform difficult-todecipher tasks. Meticulous factory workers or small groups of middle-class figures appear just beyond the grasp of a reality that is only suggested by a detail.

Many of his drawings use elements of scale and mise en abîme. The figures seem to be living inside an architect's model or a theatre decor, observed by some external entity. Texts often accompany the drawings, transforming them into draft sketches or blueprints.

The artist's scathing sense of humour, the intriguingly strange titles and the technical mastery of the works themselves all give Michaël Borremans a singular status in the contemporary art world.

At la maison rouge, Michaël Borremans shows eight recent paintings in which the patterns of light and shadow, the earthy brown, grey and ochre tones and the subdued brushstrokes all play an essential role. The composition is austere, uncluttered and tightly framed, drawing all the more attention to the absurdity of the human condition in what is, here, a uniquely masculine environment.

Another room shows ten drawings entitled The House of Opportunity, a series which Borremans commenced in 2002 and has regularly added to since then. The house in question is a parallelepiped with a three-sided roof and hundreds of red shutters covering its walls.

The house appears again in each of the small pencil drawings and watercolours, seemingly as models, projects or monuments in environments as diverse as the open countryside and a museum room, always throwing back to the Flemish masters

This critical view of modern architecture, the repression of the "happiness for all" which society promised us, is evident in all these works.

Paradoxically, Michaël Borremans also presents an object, a white and red cube that is also an allusion to contemporary art and to sculpture, and which he makes the subject of his work, an "opportunity" for himself.

In The Hostages, his latest drawings which make up The Good Ingredients series, Michaël Borremans tackles a burning issue with ferocity and derision.

He paints bodies that have lost their identity, bodies at the mercy of those who are threatening them with guns.

These bodies, which are used as objects to be arranged into patterns, inevitably recall the images of Abou Ghraib prison in Iraq, but also countless other moments in history.

 

Publications

"The Performance", S.M.A.K. catalogue, Parasol unit foundation and Royal Hibernian Academy, published by Hajte Cantz 2005.

"Michaël Borremans, Zeichnungen/Tekeningen/Drawings", Cleveland Museum, S.M.A.K., Kunstmuseum Basel, Verlag der Buchhandlung Walther König, Cologne, 2004.

 

Michaël Borremans is represented by Galerie Zeno X in Antwerp and by Zwirner Gallery in New York.

 

MICHAEL BORREMANS, The good ingredients
Recent paintings and drawings

June 8 - September 24, 2006

La Maison Rouge - The Red House
Antoine de Galbert Foundation
10, boulevard de La Bastille –
75012 Paris