Olympus LS-100 & OM-D E-M1 : Professional audiovisual solutions

Professional audiovisual solutions from Olympus: The LS-100 and OM-D E-M1

Olympus LS-100 and OM-D E-M1 

Photo (c) Olympus

Professional music videos combined with phenomenal sound – What is the easiest and most clever way to make professional Full HD videos that are set to impressive high-fidelity sound? Simply take a compact system camera such as the Olympus OM-D E-M1 and a Linear PCM audio recorder, e.g. the Olympus LS-100 – and you are ready to roll. 

Olympus LS-100 

Photo (c) Olympus

Professional videos combined with hifi sound

Nowadays many cameras incorporate a Full HD video function that allows you to create movies in top quality. However over the past few years it is not only the resolution that has significantly increased. Cameras such as the Olympus OM-D now provide exceptional image stabilization, creative functions and the possibility to experiment with depth of field. Thanks to bright interchangeable lenses and high ISO settings, the image quality is now often better than that of conventional camcorders. What is missing though is the perfect sound. While the OM-D already offers impressive audio recording capabilities, anyone who wishes to record in hifi quality should make use of an external Linear PCM audio recorder, such as the one from the Olympus LS series. 

Olympus LS-100 and OM-D E-M1 

Photo (c) Olympus

A sound revolution for movies

The LS-100 is a premium choice to record video sounds that truthfully convey the atmosphere of any situation. Due to its expansive 20-20,000Hz frequency response, the recorder ensures that the kick of a bass drum is captured just as precisely as the crash of a cymbal. And because the LS-100 can also handle a sound pressure level of up to 140 dBSPL it will always capture exactly what you want – from atmospheric backgrounds to thumping live concerts. Different instruments may also be individually recorded on separate tracks and mixed down later. Moreover, the LS-100 features dual XLR/Phone combo jacks for easy and direct connection of professional external microphones or other instruments. The recorder can be easily connected to the camera hot-shoe using a separately available adapter – and then you are all set: the LS-100 records in the highest possible audio quality while the camera captures the video images in Full HD splendor.

Hommage à l'artiste Chu Teh-Chun

Aurélie Filippetti, ministre de la Culture et de la Communication, témoigne de son émotion suite au décès de l'artiste franco-chinois Chu Teh-Chun

Avec Chu Teh-Chun disparaît l'une des figures majeures de la peinture chinoise du XXème siècle.

Au carrefour des cultures chinoises et françaises - il s'installa en France en 1955 - Chu Teh-Chun aura été avec son compatriote Zao Wou-Ki et le français Georges Mathieu l'un des maîtres de l’abstraction lyrique.

Chu Teh-Chun est né le 24 octobre 1920 à Baitou Zhen, dans la province chinoise de l'Anhui. Très tôt il pratique la calligraphie et entre en 1935 à l’École des Beaux-Arts de Hangzhou. C'est au travers de l'œuvre de Cézanne qu'il découvre l'Occident et l'abstraction. 

La guerre sino-japonaise de 1937 l'obligera à traverser tout le pays, itinérance au cours de laquelle il s'imprègnera des somptueux paysages chinois qui l'inspireront tout au long de sa vie. Arrivé à Paris en 1955, il y rencontrera le succès quelques années plus tard et son œuvre est désormais connue du monde entier.

Lors de son élection à l'Académie des Beaux-Arts le 17 décembre 1997, prononçant l'éloge de Jacques Despierre auquel il succédait, il avait déclaré : " Peu importe que lui et moi ayons choisi des voies si dissemblables : sans nous connaître, mais animés d'une intense passion pour notre art, nous avons œuvré l'un et l'autre à transmettre un même idéal, celui de l'unique et inépuisable Beauté."

Chu Teh-Chun était Doyen de l'Académie des Beaux-Arts et Officier de l'Ordre national du Mérite.

La France perd un grand ambassadeur de l'amitié qui l'unit à la Chine, un grand artiste qui avait su tirer le meilleur parti des formes et des traditions plastiques de ses deux patries.

Gianni Piacentino : Works and Data 1965-2014, Giacomo Guidi Arte Contemporanea, Roma

Gianni Piacentino : Works and Data 1965-2014 
Giacomo Guidi Arte Contemporanea, Roma 
Through May 18, 2014 

Gianni Piacentino 

"CROSS RACE 1 (H.R.V.F.W.)" 1999-2000 

Various materials cm. 320 x 435,6 x 35

Giacomo Guidi Arte Contemporanea, Roma, presents a solo show by GIANNI PIACENTINO. The exhibition features a selection of works by the artist that testify the great vitality and versatility of its production, in addition to a 2013 version of his classical vehicle with a tubular frame and triangular tank.

The work of Gianni Piacentino turns out to be a unique case in the Italian and international scene. He started his career in ‘65 with large monochrome canvases and in ‘66 with large geometric elements finished with absolutely invented colors, contemporary to the minimalist American art, at the time unknown in Europe, where there still was a total pop culture. 

Gianni Piacentino 

FRONTAL 4_6 (Mat Metal Titanium Gray) 2005-2008 

Water-base enamel (2K acrylic matt finish) on resin, aluminum, stainless steel cm. 56,5 x 286 x 8

Initially associated with the Arte Povera, Gianni Piacentino participated in the first exhibition of the movement at the gallery of Gian Enzo Sperone in Turin in 1966 and to the most important group shows of Arte Povera, in particular, “Arte Povera Piú Azioni Povere” at the former arsenal of Amalfi in 1968 - and then the exhibition “Prospect ‘68” at the Kunsthalle Düsseldorf. 

Gianni Piacentino, however, has developed its own autonomous language disaffiliating himself from the group. The symbols or geometric forms of his earliest works (poles, triangulars, crosses, disks, trapezoids), make space at first to everyday objects (tables, portals, windows), and consequently, by the late ‘60s, his minimalist sculptures translate into aerodynamic shapes which tend more and more to celebrate the myth of speed and engines, the movement and dynamism of the machine.

Gianni Piacentino is an artist and also manufacturer, combines an aesthetic approach to a maniacal perfectionism and self-discipline in the technical formal yield - in fact it was also a consultant for a manufacturer of specialty paints, designer and racing Sidecar “passenger”. 

Gianni Piacentino 

AILERONS ALU_SCULPTURE MS ( 2 A. 2 RV. F. W.) _2 2007- 2008 

2K acrylic (water-base) on aluminum, polished aluminum (anticorodal) cm. 14 x 253,5 x 17

His passion for “The Aesthetics of Technique” will become his trademark. His works are improbable objects, impossible vehicles prototypes, automobiles, motorcycles and aircraft, while metaphors of an object and constant investigation of the relationship between artistic creativity and the industrial process, the boundary between art and real objects. He remains a figure of great importance in virtue of originality and modernity of his vision.

Born in Coazze (Turin) in 1945, GIANNI PIACENTINO lives and works in Turin. The works of Piacentino has been exhibited in numerous galleries and national and international public institutions, such as the Centre d’Art Contemporain in Geneva, the Centro de Arte Reina Sofía in Madrid, the Nationalgalerie in Berlin, MoMA PS1 in New York, the Gesellschaft für Aktuelle Kunst in Bremen, the University Museum in Sydney, the Museum am Ostwall in Dortmund and the Palais des Beaux Arts in Brussels. In 1970 he began his collaboration with the great German art dealer and collector Reinhard Onnasch with solo exhibitions in Cologne in 1970 and 1974, in New York City in 1975 and in Berlin in 1983 and 2008. He also participated in Documenta 6 in Kassel (1977), the XLV Venice Biennale (1993) and the Quadrennial in Rome ( 1973 and 2005).

Giacomo Guidi Arte Contemporanea
Palazzo Sforza Cesarini
Corso Vittorio Emanuele II, 282-284
00186 Roma
www.giacomoguidi.it

Expo Agnès Thurnauer à Nantes : Now when then, de Tintoret à Tuymans, Musée des Beaux-arts de Nantes / Chapelle de l’Oratoire

Agnès Thurnauer : Now when then, de Tintoret à Tuymans 
Musée des Beaux-arts de Nantes / Chapelle de l’Oratoire, Nantes 
Jusqu'au 11 mai 2014 

Alors que le musée des beaux –arts de Nantes est en travaux, il invite AGNES THURNAUER à mettre en oeuvre un dialogue entre ses oeuvres et une sélection de tableaux des collections du musée à la chapelle de l'oratoire. Cette installation d’Agnès Thurnauer au coeur du musée permet de saisir « un des plus grands principes qui structurent son oeuvre : son approche assidue de tous les genres historiques, leurs motifs, leurs formes » (Roderick Mengham). 

En regard des peintures de l’artiste se déploie une galerie de portraits, issus de la collection de peintures du musée des beaux-arts de Nantes. Au début, le portrait d’un jeune enfant, à la fin celui d’un vieil homme : l’accrochage suit l’ordre biologique du déroulement d’un cycle de vie et non l’ordre chronologique classique d’une présentation historique. L’âge du sujet représenté, prime sur la date de la figure peinte. Il s’agit ici de croiser des hommes et des femmes saisis à un moment de leur existence. C’est aussi une rencontre avec la peinture et des artistes dont nous devenons en regardant leurs oeuvres les contemporains. Ce déroulement, cette fresque juxtapose Greuze, Coppi, de Lempicka, Tintoret, Burne-Jones, Ingres, Richter, Tuymans, Hesse, Redon, Picasso et Claude Cahun.

Les oeuvres d’Agnès Thurnauer invitent à faire une lecture nouvelle de l’histoire de l’art. Présentés en séries, ses travaux révèlent ici différentes étapes en même temps que des thématiques récurrentes. Peinture initiale, Big Big/ Bang bang, Biotope, Peinture/modèle, Prédelle, ces ensembles constituent pourtant les chapitres d’une même histoire. Agnès Thurnauer est peintre et parle de l’expérience de la peinture et de ses messages. Dans sa pratique picturale elle organise la confrontation des images et du langage articulé (verbal ?) pour en inventer un autre. Elle se réfère, cite, détourne, transpose des oeuvres historiques (l’Olympia de Manet), des motifs (les ailes), des signes ou des mots. L’histoire de l’art occidental s’est longtemps écrite au masculin, en démontant ses codes Agnès Thurnauer interroge la représentation des femmes dans le monde de l’art : de la femme peinte, sujet du tableau, à la femme artiste, sujet créant.

Pour l’exposition à Nantes, Agnès Thurnauer a réalisé une sculpture –installation : Matrice. Cette sculpture est constituée de moules de lettres en résine blanche, offrant le langage comme un espace de circulation ouvert, à l’opposé de définitions closes. Le regard ainsi peut déambuler dans l’oeuvre, comme il le fait dans les tableaux de l’artiste, y faisant à chaque fois son propre cheminement. Ces matrices comme l’ensemble de l’oeuvre d’Agnès Thurnauer posent la question de la lecture de l’oeuvre et mettent l’accent sur la nature mouvante et toujours renouvelée du regard et de ses interprétations. 

Le catalogue est édité par Fage.

Commissaires : Blandine Chavanne, directrice musée des beaux-arts de Nantes, Alice Fleury, Hélène Retailleau et Catherine Grenier, commissaire associée.

MUSÉE DES BEAUX-ARTS DE NANTES / CHAPELLE DE L’ORATOIRE
CHAPELLE DE L’ORATOIRE
Place de l’Oratoire – 44000 Nantes
www.museedesbeauxarts.nantes.fr 

Expo Fernand Léger - Biot & Nantes : Reconstruire le réel

Fernand Léger : Reconstruire le réel 
Musée national Fernand Léger, Biot, 1er mars - 2 juin 2014 
Musée des Beaux-arts de Nantes, 20 juin - 22 septembre 2014

Fernand Léger : Reconstruire le réel 

© Affiche Réunion des musées nationaux - Grand Palais, 2014 

Considéré comme un peintre « réaliste » en phase avec les éléments de la vie moderne, Fernand Léger propose, des années 1920 à l’immédiat après Seconde Guerre mondiale, des associations d’objets déroutantes, jouant de ruptures d’échelle, de mises en espace d’objets flottants, de motifs biomorphiques. S’il reste fidèle au « réalisme de conception » qu’il définit comme celui de la ligne, de la forme et de la couleur, Léger semble aussi attentif aux recherches plastiques des Surréalistes. Ami de Man Ray et de Duchamp, il retrouve, lors de son exil aux États-Unis, Masson, Tanguy, Matta, Breton, Ernst et affiche son amitié avec le milieu surréaliste, notamment lors de l’exposition « Artists in Exils » en mars 1942 à la galerie Pierre Matisse de New York.

Un regard approfondi sur l’oeuvre de Fernand Léger permet de dégager de grands axes qui semblent pouvoir être rapprochés de certains préceptes caractéristiques du surréalisme.

Fernand Léger, les contrastes d'objets et la perturbation des rapports d'échelle

Dans l’oeuvre de Fernand Léger, les rapprochements contrastés de formes sont à la base même des recherches engagées par l'artiste mais la confrontation incongrue d’objets devient aussi une modalité courante. L'objet est définitivement libéré de toute contrainte et devient une entité à part entière : parapluie, compas, boîte d’allumettes, trousseau de clefs en éventail, roulement à bille, balustre, machine à écrire, chapeau melon ... sont autant d'éléments qui figurent dans l'iconographie de Fernand Léger et dont le traitement, comme dans la Joconde aux clefs, permet de créer des « contrastes aigus » et des rencontres aléatoires, assez proches finalement de la définition du hasard objectif, chère aux Surréalistes. Ces derniers, rappelons-le, ont fait leur la célèbre phrase de Lautréamont : Beau comme la rencontre fortuite sur une table de dissection d’une machine à coudre et d’un parapluie, (Les Chants de Maldoror) pour en faire une des définitions de leur esthétique.

Fernand Léger et la recherche d'un nouvel espace : objets décontextualisés et objets en apesanteur

Comme les Surréalistes, Fernand Léger est fasciné par « l’art de la vitrine », cet assemblage insolite d’objets rendus libres du fait de leur décontextualisation. Ainsi, l’oeuvre de l'artiste connaît-il une période dite des « objets dans l’espace ». Il semble ainsi évoluer du monumental au sculptural et donne la priorité à une perspective inversée, repérable dans de tourbillonnantes compositions. C'est à une sorte d'oxymore visuel auquel aboutissent alors ses compositions où les objets initialement inertes sont subitement ramenés à la vie par leur mise en mouvement. Si les compositions antérieures faisaient en effet reposer les objets sur des supports (tables, guéridons), tels des ancrages dans le réel, les objets sont désormais dégagés des lois de la gravité : ils sont comme en apesanteur sur des fonds colorés, souvent monochromes, parfois seulement reliés à des cordes, torons, tresses ou autres rubans.

Fernand Léger et le biomorphisme

Souvent intéressés par les sciences du vivant, de nombreux artistes ont, dans cette période, recours à un vocabulaire formel que l'on peut qualifier de biomorphisme. Des artistes comme Arp, Miró, Tanguy ou Dalí ont fait leur ce langage qui fait lien entre le réel et l’imaginaire. Entre 1929 et 1933, Fernand Léger abandonne l'univers mécanique et industriel au profit, à son tour, de formes naturelles, d'essence minérale, végétale ou animale. Il subit l'influence de Jean Painlevé dont le cinéma scientifique élargit la conscience visuelle de l'époque en scrutant le monde microscopique. Léger délaisse le spectacle de la vie moderne pour une approche plus lente du réel. De la série des objets dans l'espace, il garde le fond neutre où flottent ses formes abstraites, souples et molles qui semblent toutes venir du monde organique.

Fernand Léger et les objets décontextualisés

Constituée de dessins austères en noir et blanc qui évoquent la technique de la gravure par leurs jeux d'ombre et de lumière, une étrange série graphique témoigne d'une recherche minutieuse du sujet. Choisis dans le périmètre quotidien de l'artiste, les objets appréhendés (veste, gants, lunettes, compas…) subissent une manière de métamorphose par agrandissement de leurs formes et par soustraction à leur univers habituel. Fruit d’une intense observation du réel, les dessins d’objet se font ainsi support de l’imaginaire et se dotent d'une puissance lyrique entièrement nouvelle.

Ainsi, l'exposition que le musée des beaux-arts de Nantes et le musée national Fernand Léger à Biot présentent cette année, entend explorer les rapports de l'oeuvre de Fernand Léger avec les préceptes d'un mouvement qui, à première vue, semblent lui être bien étrangers. L'exposition « Fernand Léger : reconstruire le réel » se propose de mettre en évidence les similitudes entre des mondes qui semblent très éloignés mais qui, étant contemporains, peuvent tout de même présenter certaines connivences.

Cette exposition est organisée par la Réunion des musées nationaux-Grand Palais, les musées nationaux du XXe siècle des Alpes-Maritimes et le musée des Beaux-arts de Nantes.

Commissaires de l'exposition : Blandine Chavanne, directrice du musée des Beaux-arts de Nantes, Maurice Fréchuret, directeur des musées nationaux du XXe siècle des Alpes-Maritimes, Diana Gay, conservatrice au musée national Fernand Léger, Claire Lebossé, conservatrice chargée de l'art moderne au musée des Beaux-arts de Nantes, Nelly Maillard, chargée des collections au musée national Fernand Léger.

FERNAND LEGER. RECONSTRUIRE LE REEL : Catalogue de l'exposition 

Fernand Léger : Reconstruire le réel 

22 x 29 cm, broché avec rabats, 144 pages, 120 illustrations 

Editions de la Réunion des musées nationaux - Grand Palais, Paris 2014 

Sommaire :
- Le réel transposé, Maurice Fréchuret
- « Il faut toujours laisser une route libre pour les artistes », Blandine Chavanne
Contrastes d'objets par Claire Lebossé
- La question de l’objet vu du cinéma, Jean-Michel Bouhours
- Léger le démiurge, Thierry Dufrêne
- Le pragmatisme de Léger, Megan Heuer
Objets dans l'espace par Claire Lebossé
- Contrastes d’objets, 1930, Jacqueline Chénieux-Gendron
- La Joconde aux clés, Emmanuelle de l'Ecotais
Biomorphisme par Diana Gay
- Brut et parfait ou l’objet « tout cru », Guitemie Maldonado
- Semence d’étoile, Le cosmos biomorphique de Fernand Léger, Arnauld Pierre
Objets décontextualisés par Diana Gay
- L’imagination matérielle de Fernand Léger, Nicolas Surlapierre
Abécédaire, Petit-répertoire de formes référencées dans l’oeuvre de Fernand Léger par Nelly Maillard
- Biographie par Nelly Maillard
Liste des oeuvres exposées
Bibliographie indicative

Auteurs :
Maurice Fréchuret, Directeur des musées nationaux du XXe siècle des Alpes-Maritimes
Blandine Chavanne, Conservatrice générale du patrimoine, directrice du Musée des Beaux-arts de Nantes
Claire Lebossé, Conservatrice du patrimoine, chargée des collections d’art moderne au musée des Beaux-Arts de Nantes
Jean-Michel Bouhours, Conservateur collections historiques, Musée national d'art moderne, Centre Pompidou
Thierry Dufrêne, Professeur à l’université Paris 10 Ouest Nanterre et à l’Institut national d’histoire de l’art
Megan Heuer, Historienne d’art
Jacqueline Chénieux-Gendron, Directrice de recherche CNRS émérite et membre du comité André Breton
Emmanuelle de l’Ecotais, Chargée des collections photographiques au Musée d’art moderne de la ville de Paris
Diana Gay, Conservatrice du patrimoine au musée national Fernand Léger
Guitemie Maldonado, Professeur d'Histoire de l'art à l'École Nationale Supérieure des Beaux-arts de Paris
Nicolas Surlapierre, Directeur des musées de Belfort
Nelly Maillard, Chargée des collections au musée national Fernand Léger

Musée national Fernand Léger
Chemin du Val de Pôme - 06410 Biot
Site internet : www.musee-fernandleger.fr

Musée des Beaux-arts de Nantes
Chapelle de l'Oratoire, Place de l'Oratoire - 44000 Nantes
Site internet : www.museedesbeauxarts.nantes.fr

Réedition du conte Grain d'Aile de Paul Eluard avec les illustations de Chloé Poizat

Réedition du conte Grain d'Aile de Paul Eluard avec les illustations de Chloé Poizat 

Illustration de Chloé Poizat 

Coédition Réunion des musées nationaux - Grand Palais / Nathan

Il était une fois une petite fille nommée Grain d'Aile. Elle était si légère qu'il lui était très facile de sauter dans les arbres pour rejoindre ses amis les oiseaux : moineaux, rossignols et pinsons qui lui apprenaient des jeux toujours nouveaux. Mais ce qu'elle désirait par-dessus tout, c'était voler avec eux. Un jour, l'écureuil lui propose de remplacer ses bras par des ailes.... 

Paul Eluard (1895-1952) est aujourd’hui considéré comme l’un des plus grands poètes français du 20esiècle. Il fait partie de l’avant-garde de son époque, participant aux mouvements dadaïste et surréaliste. Ses amis s’appellent Picasso, Dalí, Max Ernst, Man Ray, Breton, Aragon, Char… 

Auteur de magnifiques poèmes d’amour, Paul Eluard a aussi défendu durant toute sa vie les idées de paix, de liberté et de justice, en s’impliquant personnellement dans la Résistance et dans la politique. Ses poèmes les plus connus, tels Liberté ou La Terre est bleue comme une orange, sont étudiés par tous les écoliers français. 

Il a écrit vers la fin de sa vie deux contes pour enfants, Grain-d’Aile et L’Enfant qui ne voulait pas grandir. Le premier, Grain-d’Aile – clin d’œil à son véritable nom, Eugène Grindel –, parut pour la première fois en 1951, illustré par Jacqueline Duhême. En 2014, soit une soixantaine d’années plus tard, Chloé Poizat a donné à ce conte de nouvelles images. Chloé Poizat, diplômée de l'Ecole des Beaux-Arts d'Orléans, est l'auteur de plusieurs ouvrages illustrés pour enfants. 

Coédition Réunion des musées nationaux - Grand Palais / Nathan, Paris 2014, 25,5 x 25,5 cm, 48 pages, 20 illustrations, relié, 14,90 €

La Figuration libre : Combas, Di Rosa, Boisrond, Blanchard au Château de Bosc, Domazan

La Figuration libre : Robert Combas, Hervé Di Rosa, François Boisrond, Rémi Blanchard 
Château de Bosc, Domazan 
17 mai - 25 août 2014

L'ALGP (Association des amis de Louis-Guillaume Perreaux), avec la collaboration des galeries AD-Galerie de Montpellier et GZ-Galerie de Paris, présente une exposition de peinture des artistes fondateurs du dernier  mouvement créé en France: "La Figuration Libre" dans les années 1980. Ces quatre artistes sont : Robert Combas, Hervé Di Rosa, François Boisrond et Rémi Blanchard.

Robert Combas est le chef de file de la Figuration Libre, son oeuvre se base sur la BD, les graffitis, les magazines et le Rock, aux couleurs méditerranéennes et africaines. Né à Lyon en 1957, il passera son enfance à Sète. Entre aux Beaux-Arts de cette ville, puis Montpellier et enfin celle de Paris. Une grande rétrospective lui est consacrée au musée d'art contemporain de Lyon en 2012. Il vit et travaille à Paris.

Hervé Di Rosa est un artiste pluridisciplinaire qui se plait à innover dans tous les médias. Il s'est allié dans les années 80,  avec la nouvelle vague des vedettes américaines, Keith Haring, Rémi Scharp, Jean-Michel Basquiat... pour exposer les codes officiels du monde de l'art à coup de marqueurs primitifs sortis du monde de l'enfance avec des graffitis, des monstres dégoulinants et des pin-up. Il a imposé un art frais et populaire, met le feu à tout ce qu'il touche avec une liberté de style et une richesse d'invention libertaire cristallisée dans ce qu'il appelle "l'art modeste". Il est né à Sète en 1959, vit et travaille à Paris, Mexico, Séville et le monde entier au fil de ses étapes.

François Boisrond, il est faciné par les univers de la BD, du cinéma et la télévision. Il puise les sujets de sa peinture dans une mythologie personnelle. Ses peintures présentent cette particularité de s'articuler en séquences, comparable à une série de photogrammes cinématographiques, associés les uns aux autres sans toutefois qu'aucun sens ne préexiste, qu'aucune dimension narrative ne se vérifie. Né en 1959 à Boulogne-Billancourt, il vit et travaille à Paris.

Rémi Blanchard. Sa peinture, forte d'une iconographie animale, évolue progressivement vers une imagerie populaire et poétique. Né à Nantes en 1958, il décède en 1993. 

Château de Bosc
30390 Domazan (Gard)
http://art.chateau-de-bosc.com

Jean-Michel Basquiat Drawing: Work from the Schorr Family Collection at Acquavella Galleries, New York

Jean-Michel Basquiat Drawing: Work from the Schorr Family Collection 

Acquavella Galleries, New York 

May 1 - June 13, 2014

Acquavella Galleries presents Jean-Michel Basquiat Drawing: Work from the Schorr Family Collection, an exhibition of works by Jean-Michel Basquiat curated by Fred Hoffman from May 1 to June 13, 2014. The show will feature 22 works on paper and two paintings from the collection of Herbert and Lenore Schorr, who were the artist’s devoted collectors, supporters, and friends. "We have had the pleasure of knowing Herb and Lenore Schorr for over thirty years, and are delighted to present the first exhibition on their important collection of works by Jean-Michel Basquiat,” said William Acquavella. “Focusing on the significance of drawing in Basquiat's practice, we are pleased to show these remarkable works on paper, many of which are being exhibited to the public for the first time."

Herbert and Lenore Schorr began collecting the work of Jean-Michel Basquiat in 1981, before his first New York exhibition. “During the artist’s seminal years 1982-83 the Schorrs acquired several of his most important paintings, but in contrast to virtually every other early collector, the Schorrs also pursued and acquired a great number of works on paper both directly from the artist and from his early dealers,” explained curator Fred Hoffman. “The Schorrs astutely understood that working on paper was equally central to his practice as painting on canvas. Their collection demonstrates both the focus and ambition that the artist invested in the medium of drawing.”

Jean-Michel Basquiat showed an affinity for drawing at an early age and this practice was a central component of his artistic output. Between 1980-88, the artist produced approximately 1000 works on paper, which articulate complex narratives, revealing flawed power structures and hinting at fundamental failings in social discourse.

The portrait of Herbert and Lenore Schorr that will be included in the exhibition highlights the impact their support had on the artist’s short but prolific career. “We had so much confidence in him from the beginning and couldn’t understand why other people couldn’t see it,” explained Lenore Schorr. “A wonderful exhibition that he did at Fun Gallery in 1983 didn’t receive a single review and we were the only ones to buy a painting.” That painting, Leonardo da Vinci’s Greatest Hits is now considered a seminal example of the artist’s work and will be one of two paintings on view. 

Curator Fred Hoffman, Ph.D. met Jean-Michel Basquiat in 1982 and worked closely with him during the artist’s residency in Venice, California from 1982-84. With Hoffman's help, Basquiat produced five editions of prints, published in 1983 by New City Editions. Hoffman also assisted in the production of the artist’s 1984 silkscreen paintings and co-curated Basquiat’s retrospective at the Brooklyn Museum in 2005. He is the Ahmanson Curatorial Fellow at the Museum of Contemporary Art, Los Angeles. 

Jean-Michel Basquiat (b.1960 d.1988) has been the subject of numerous major museum exhibitions throughout the United States and Europe. In 2005, a retrospective exhibition, Basquiat, opened at the Brooklyn Museum of Art, and subsequently traveled to the Museum of Contemporary Art, Los Angeles and the Museum of Fine Arts, Houston. A 2010 retrospective, organized by the Fondation Beyeler in collaboration with the Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, marked what would have been Basquiat’s 50th birthday. His work is included in private and public collections throughout the world, including The Broad Art Foundation, Santa Monica; Centre Georges Pompidou, Paris; Museu d' art Contemporani de Barcelona, Spain; and The Museum of Modern Art, New York.

A fully illustrated catalogue with an essay by Fred Hoffman will accompany the exhibition.

ACQUAVELLA GALLERIES, NEW YORK

www.acquavellagalleries.com 

Sony : Nouvelle clé USB SA1 Duo 2-en-un

Nouvelle clé USB SA1 Duo 2-en-un Sony

Sony annonce sa nouvelle clé USB SONY SA1 Duo, une 2-en-un pour les utilisateurs de Smartphones et tablettes. 

Clé USB SONY SA1 Duo

La prise de photo, le visionnage et le partage sont dans le TOP 5 des utilisations du Smartphone, Sony propose alors une clé USB multi-compatible pour répondre au besoin croissant de sauvegarder, enregistrer et échanger ses données.

La clé SA1 Duo est ainsi dotée de deux connections : micro USB et USB2.0 pour une utilisation sur un Smartphone ou une tablette.

2 capacités sont disponibles pour ce modèle compact : 16Go et 32Go.

Côté design, les clés se déclinent en trois couleurs : noire, blanche et violette.

Stockage temporaire ou dispositif hôte grâce à la fonction On-The-Go, ce modèle s’adapte aux besoins sur l’instant.

La nouvelle clé USB SA1 Duo est disponible à partir de ce mois de mars 2014 au prix estimé à 25 euros pour la version 16 Go et à 42 euros pour la version 32 Go.

Nouvelle Génération, Dunkerque, Frac Nord-Pas de Calais

Nouvelle Génération 
Frac Nord-Pas de Calais, Dunkerque 
17 mai - 31 décembre 2014 

L'exposition Nouvelle Génération est la seconde du Frac Nord-Pas de Calais depuis son ouverture dans ses nouveaux locaux.

Construction, dissolution, désarticulation et réarticulation des identités, émancipation, indépendance. Les postulats implicites de l’adolescence s’ébranlent. Ne pouvant mettre au pluriel un cas singulier, une typologie ne pourrait exister si une vision d’êtres dissemblables n’était fournie. Les artistes présentés (liste en fin de post) s’emploient à en rendre compte. Leurs œuvres mettent en évidence les rituels, les rôles, les chemins de vie des constituants de cette génération. Ces recensements du réel proposent en outre des perceptions spécifiques et subjectives d’une partie de la société, la Nouvelle Génération.

L’exposition se compose de quatre volets : musique, révolte, mode et passions. Le premier, dédié à l’influence de la musique, entend l’affichage des goûts musicaux de l’adolescent comme vecteur d’identité. Le suivant souligne l’adolescence comme associée aux concepts de violence et de révolution (sexuelle, idéologique, politique, etc.). La volonté de définir certaines positions et de les défendre, des oppressions qui favorisent la révolte sont autant de sources de tensions qui agitent. Le fait de s’ouvrir également sur la mode n’est pas innocent. L’adolescent préfère revêtir les attributs qui composent une parure opérant comme un signe de reconnaissance. Enfin, le dernier volet permet de se pencher sur sa conception particulière du monde, les relations qu’il constitue entre macrocosme et microcosme humain. Le rapport au corps et à l’esprit de l’adolescent adopte de multiples visages ; autodestruction, exclusion, stigmatisation, refoulement émotionnel, renaissance et libération de soi. 

Cette exposition consiste en une sélection d’œuvres de la collection du Frac. Tout en apportant un ancrage historique, la sélection d’œuvres présentée permet d’inventer une nouvelle approche du sujet, preuve que le Frac Nord-Pas de Calais se montre attentif aux questions sociales, politiques, esthétiques et éthiques. La sensibilité des visiteurs par rapport aux différents aspects de la nouvelle génération est touchée, suscitant réflexions, discussions et actions autour de cette thématique.

Artistes : Adel Abdessemed, Boris Achour, Emmanuelle Antille, Nina Beier, Bless, Victor Boullet, Elina Brotherus, Angela Bulloch, Tom Burr, Anne Collier, Matali Crasset, Robert Doisneau, David Douard, Ruth Ewan, Jenny Gage, Ryan Gander, Georg Gatsas, Daiga Grantina, Ali Hanoon, Annika Von Hausswolff, Sarah Jones, Richard Kalvzar, Anna Klamroth, Klara Liden, Ken Lum, Helen Marten, Liza May Post, Ciprian Muresan, Arno Nollen, Nomeda & Gediminas Urbonas, David Noonan, Elodie Pong, L.A. Raeven, Torbjørn Rødland, Collier Schorr, Hedi Slimane, Meredyth Sparks, Martine Stig, Mika Tajima, Gerald Van Der Kaap, Daan Van Golden, Erik Van Lieshout, Frederik Van Simaey, Mark Wallinger, Gillian Wearing, Stephen Willats, Margot Zanni. 

Commissariat de l'exposition : Hilde Teerlinck

FONDS REGIONAL D’ART CONTEMPORAIN DU NORD-PAS DE CALAIS, DUNKERQUE
503 avenue des Bancs de Flandres - 59140 Dunkerque
Site internet : www.fracnpdc.fr

Photoshop Elements 12 pour les photographes - Au sommaire

Photoshop Elements 12 pour les photographes 

Scott Kelby & Matt Kloskowski 

448 p. – 29.90 € - 19 x 23 cm - mars 2014 

Editions Eyrolles 

Un guide pratique, complet et riche en illustrations

A travers près de 130 ateliers pratiques détaillés et illustrés, les deux auteurs livrent leur expertise et donnent des solutions concrètes aux problèmes récurrents que rencontrent les amateurs ou professionnels de la photographie numérique.

Toutes les retouches sont ici passées en revue : correction de couleurs, de netteté et d’exposition, suppression des yeux rouges et des rides, effets spéciaux en tout genre... Cet ouvrage permet aux photographes de maitriser toutes les subtilités de la dernière version de Photoshop Elements pour corriger, imprimer et partager leurs photos numériques.

Rédacteur en chef du magazine Photoshop User et cofondateur de l’Association nationale américaine des professionnels de Photoshop, Scott Kelby a écrit de nombreux best-sellers consacrés à la photographie et aux logiciels Photoshop et Lightroom.

Matt Kloskowski, collaborateur à plein temps  de l’Association nationale américaine des professionnels de Photoshop, enseigne Photoshop, Photoshop Elements et les techniques de la photo numérique à travers de nombreux supports (livres, vidéos, séminaires).

Photoshop Elements 12 pour les photographes - Au sommaire :

- Gérer ses photos avec l’Organiseur
- Traiter ses images dans Camera Raw
- Redimensionner et recadrer ses photos
- Utiliser les modes Rapide, Guidée et Expert
- Travailler avec les calques
- Comment remédier aux problèmes des appareils numériques
- Techniques de sélection
- L’art de retoucher les portraits
- Supprimer les objets indésirables de ses photos
- Effets spéciaux pour photographes créatifs
- Techniques d’accentuation
- Obtenir des couleurs fidèles à l’impression et gérer un flux de tâches 

Nouveau Canon PowerShot G1 X Mark II

Nouveau Canon PowerShot G1 X Mark II

Le PowerShot G1 X Mark II est le nouveau leader de la gamme des PowerShot et successeur du PowerShot G1 X. Il offre le meilleur niveau de performance jamais atteint par un appareil compact Canon. Garantissant une qualité d’image similaire à celle des reflex, le PowerShot G1 X Mark II arbore également le style, la compacité et l’ergonomie de la très renommée Série G des PowerShot de Canon. Complément parfait d’un reflex professionnel, il a été développé en prenant en compte les retours d’expérience et les suggestions de nombreux photographes professionnels. Fruit du savoir-faire technologique de Canon dans les domaines de l’optique et de la production d’images de haute qualité, il offre un niveau de performance et d’ergonomie inédit. 

Canon PowerShot G1 X Mark II

Photo (c) Canon

Canon PowerShot G1 X Mark II

Photo (c) Canon

Son boîtier, dont le design a été entièrement repensé, est composé d’un châssis en acier inoxydable et d’une coque en aluminium qui lui assurent une solidité extrême. Ce nouveau PowerShot se distingue également par sa large poignée-grip, conçue pour une prise en main optimale. Il constitue donc un outil parfait pour les photographes pros et experts qui recherchent un appareil léger, très performant et sur lequel ils puissent compter en permanence pour compléter leur équipement.

Canon PowerShot G1 X Mark II

Photo (c) Canon

Canon PowerShot G1 X Mark II

Photo (c) Canon

Un capteur plus intelligent pour des photos plus nettes et plus spectaculaires 

La puissance du PowerShot G1 X Mark II est en partie due à son grand capteur Canon CMOS de type 1,5 (18,7 mm x 14 mm). Avec une surface d’acquisition plus de 2 fois supérieure à celle des capteurs de type 1 (13.2 mm x 8,8 mm) des modèles concurrents, le PowerShot G1 X Mark II permet d’obtenir la même profondeur de champ qu’avec un reflex à capteur APS-C. Il est donc idéal pour réaliser des portraits, ou pour pratiquer la macrophotographie. La nouvelle configuration du capteur implique également qu’il peut exploiter le cercle-image de l’objectif de façon optimale, que ce soit par défaut au format 3:2 à la résolution de 12,8 millions de pixels, ou au ratio 4:3 à 13,1 millions de pixels. Le PowerShot G1 X Mark II assure ainsi une plus grande créativité en matière de composition et peut s’intégrer facilement dans des procédures d’éditing au format reflex.

Les pixels qui composent le capteur du PowerShot G1 X Mark II sont 4,5 fois plus grands que ceux du PowerShot G16. Ils sont donc plus sensibles à la lumière et permettent de minimiser le bruit électronique, pour des photos réussies même en basse lumière. Ils garantissent également une dynamique plus étendue, avec des détails riches dans les hautes lumières comme dans les zones d’ombres.

Canon PowerShot G1 X Mark II

Photo (c) Canon

L’excellence optique dans un boîtier compact 

Le nouveau zoom ultra-lumineux f/2-3,9 du PowerShot G1 X Mark II est le fruit de l’expertise de Canon en termes d’ingénierie optique. Il apporte la rapidité, la qualité et la polyvalence nécessaires aux photojournalistes et aux photographes experts. Malgré sa compacité remarquable, ce zoom conserve une grande ouverture de f/3,9 même dans sa position télé maximale. Il assure d’excellentes performances en faible lumière et offre la possibilité de contrôler efficacement la profondeur de champ. Ce zoom optique 5x couvre une plage focale allant de 24 à 120 mm et est doté d’un diaphragme à 9 lamelles. La fonction ZoomPlus double numériquement la portée du zoom en téléobjectif. En position grand-angle, il permet la mise au point macro jusqu’à 5 cm du sujet. Le PowerShot G1 X Mark II comporte également une fonction de contrôle manuel ultra-précis de la mise au point pour obtenir les meilleurs résultats en prise de vues macro et en portrait.

Canon PowerShot G1 X Mark II

Photo (c) Canon

Cadrage et mise au point précis et personnalisables 

Véritable compact expert, le PowerShot G1 X Mark II bénéficie de nombreuses améliorations qui permettent de l’utiliser avec un niveau d’exigence professionnelle. Il intègre ainsi un système autofocus AiAF optimisé comprenant désormais 31 collimateurs, contre 9 pour le PowerShot G1 X. Ce nombre élevé de points et leur répartition sur une surface plus étendue de la zone de cadrage assurent une mise au point ultra-précise.

Le PowerShot G1 X Mark II est doté de deux bagues de commande situées autour de l’objectif. Personnalisables, elles garantissent un paramétrage rapide et précis de l’appareil. La première permet de régler par paliers les paramètres tels que le zooming, l’ouverture et la vitesse d’obturation. La seconde en continu, permet une retouche manuelle du point en autofocus.

Le cadrage est facilité par l’écran LCD tactile capacitif de 7,5 cm (3 pouces) qui offre une alternative supplémentaire pour régler le boîtier. Sa haute résolution et l’affichage des images avec un spectre sRGB identique à celui utilisé pour réaliser les prises de vues, permet de photographier et de visualiser ses images avec une précision remarquable.

Pour répondre à l’attente des experts, la griffe porte-accessoires du PowerShot G1 X Mark II est conçue pour accueillir un viseur électronique optionnel EVF-DC1. Celui-ci est idéal pour conférer à l’appareil une ergonomie proche de celle d’un reflex, avec une visée haute résolution, un taux de rafraîchissement d’image élevé et la possibilité de l’incliner sur 90 degrés vers le haut.

Processeur DIGIC 6 et stabilisateur intelligent 

Le PowerShot G1 X Mark II est doté du processeur de traitement d’image DIGIC 6 de Canon, pour des résultats exceptionnels dans toutes les situations. Le DIGIC 6 est jusqu’à 2,4 fois plus rapide que le DIGIC 5 et sa puissance de traitement génère des fichiers JPEG et des vidéos MP4 de haute qualité avec un niveau de bruit électronique minimal, même en basse lumière. Le DIGIC 6 améliore la réactivité de l’appareil en réduisant de 56% son inertie au déclenchement et en rendant possible les prises de vues en rafale rapides et prolongées.

La puissance du DIGIC 6 permet au PowerShot G1 X Mark II d’enregistrer des vidéos Full HD 1920 x 1080 30p avec son stéréo. Le zoom optique du G1 X Mark II peut être actionné durant l’enregistrement et le Système Haute Sensibilité de Canon garantit des photos réussies, même en conditions de faible luminosité.

Les belles photos sont faites pour être partagées 

Le PowerShot G1 X Mark II propose également de nouvelles fonctions créatives. Le mode « Étoiles » propose ainsi une nouvelle option « Portrait sous les étoiles » pour des portraits parfaitement exposés sous un ciel nocturne.

Pour faciliter les prises de vues, leur partage et leur sauvegarde, le PowerShot G1 X Mark II intègre de nouvelles caractéristiques Wi-Fi, avec une connectivité NFC intégrée (communication sans fil en champ proche). Celle-ci permet de connecter deux périphériques compatibles très facilement en les plaçant à quelques centimètres l’un de l’autre. Il devient alors extrêmement simple de transférer photos et vidéos sur un smartphone pour ensuite les partager sur les réseaux sociaux, par exemple. La connectivité Wi-Fi implique également que le PowerShot G1 X Mark II peut être contrôlé à distance depuis une tablette ou un smartphone via l’application Canon CameraWindow.

Caractéristiques principales du Canon PowerShot G1 X Mark II:

- Grand capteur CMOS Canon de type 1,5

- Images de 12,8 millions de pixels (3:2) et prise de vues multi-format¹

- Ouverture f/2 et sensibilité maxi de 12 800 ISO

- Ultra-grand-angle 24 mm, zoom optique 5x

- Processeur DIGIC 6 de Canon, stabilisateur d’image intelligent

- Autofocus AiAF à 31 collimateurs et mise au point manuelle ultra-précise

- Double bague de réglage autour de l’objectif et écran tactile

- Wi-Fi NFC, contrôle de l’appareil à distance et Image Sync

- Viseur électronique en option

- Fichiers RAW sur 14 bits

¹En réglages par défaut, le capteur multi-format enregistre des images de 12,8 MP au ratio de format 3:2. Des images de 13,1 MP au ratio de format 4:3 peuvent être enregistrées avec la même focale effective.

Ipex 2014 : Fujifilm met l'accent sur le modèle économique de la production jet d'encre

A Ipex 2014, Fujifilm mettra l’accent sur le modèle économique de la production jet d’encre

Fujifilm profitera de sa présence à Ipex 2014, le salon de l'industrie de l'impression qui se tiendra à Londres du 24 au 29 mars 2014, (stand S4-E330) pour exposer les modèles économiques pour de nombreux types d’imprimés commerciaux produits en jet d’encre grâce la polyvalence et aux possibilités de ses presses. En l’occurrence, il s’agira de la presse feuille B2 Jet Press 720, de la presse rotative Jet Press 540W et de la nouvelle presse numérique pour étiquettes Graphium, présentée pour la première fois en Grande-Bretagne.

Fujifilm Jet Press 720

Photo (c) Fujifilm 

Fujifilm Jet Press 540

Photo (c) Fujifilm 

Pendant toute la durée du salon, la Jet Press 720 et la Jet Press 540W seront présentées en fonctionnement dans un contexte aussi proche que possible de celui de la production réelle. A travers un partenariat avec Intelligent Finishing Systems Ltd. et la présence d’un système Horizon Stitchliner 6000, le stand Fujifilm produira des documents finis sur ses solutions jet d’encre. Calendriers, brochures, magazines, livres, étiquettes, manuels et affiches seront réalisés avec des longueurs de tirages allant de 1 à 5000 exemplaires avec une présentation du modèle économique pour chacune de ses applications.

Alors que la demande d’imprimés en court tirages continue d’augmenter, Fujifilm vise à démontrer qu’une grande partie d’entre eux peut être réalisée d’une façon rentable sur les presses jet d’encre déjà disponibles à la vente. L’objectif est également de démontrer aux prestataires d’impression le potentiel d’opportunités commerciales offert par l’impression jet d’encre.

Fujifilm Graphium Digital UV Inkjet Press

Photo (c) Fujifilm 

La production d’étiquettes et d’imprimés spéciaux sera également à l’honneur sur le stand Fujifilm avec la Graphium, nouvelle presse numérique jet d’encre UV conçue et fabriquée par FEEI. Elle démontrera comment il est possible de réduire les coûts de production et comment une presse numérique adaptée est une solution viable dans les travaux de transformation d’étiquettes aussi bien pour les courts que les longs tirages.  Elle est associée aux nouvelles encres Uvijet Graphium de Fujifilm développées spécifiquement pour l’impression d’étiquettes. Cette solution élève le niveau de performance possible avec une presse numérique pour étiquettes.

Enfin, Fujifilm présentera la gamme XMF des solutions de flux de production. La suite logicielle de dernière génération XMF permet, non seulement de gérer la production imprimée haut volume avec données variables, mais également d’absorber le taux de rotation élevé de travaux requis dans l’impression numérique court tirage.

Graham Leeson, Directeur du Marketing et de la Communication de la Division des Systèmes Graphiques de Fujifilm Europe déclare: « Les visiteurs d'Ipex qui arriveront sur notre stand entreront dans un environnement de production jet d’encre réel. Ils auront la possibilité de constater combien il est rentable d’imprimer en court tirage de très nombreux dossiers avec un taux de rotation élevé sur des presses jet d’encre. Nous sommes déterminés à démontrer la puissance des technologies jet d’encre et à montrer aux visiteurs leur énorme potentiel. Ipex nous fournit la plateforme idéale pour atteindre cet objectif. »

ENSP Arles : Projet architectural, 5 architectes retenus

Aurélie Filippetti, ministre de la Culture et de la Communication, annonce les noms des 5 architectes retenus pour le projet architectural de l’Ecole nationale supérieure de la photographie d'Arles

Le 27 février 2014,  un jury composé de représentants du ministère de la Culture et de la Communication (Direction générale de la création artistique, Direction Régionale des Affaires Culturelles), de collectivités territoriales (Ville d'Arles, Conseil général des Bouches-du-Rhône, Conseil régional Provence-Alpes-Côte d'Azur et Communauté d'agglomération Arles Crau Camargue Montagnette), de l'Opérateur du patrimoine et des projets immobiliers de la culture (OPPIC), de l’École nationale supérieure de photographie et de personnalités qualifiées a sélectionné, parmi 176 dossiers de candidature, 5 équipes d'architectes pour la réalisation du projet de relocalisation de l'ENSP.

Les 5 architectes finalistes sélectionnés sont :

- Eduardo Souto de Moura, architecte portugais, Prix Pritzker 2011, Prix Wolf 2013 ;

- Corinne Vezzoni et associés, architecte installée à Marseille, née à Arles ;

- Rudy Ricciotti, Grand prix national de l'architecture 2006 ;

- Francis Soler, Grand prix national de l'architecture 1990 ;

- Marc Barani, Equerre d'argent 2003, Grand Prix national de l'architecture 2013.

Ces candidatures ont pour commune ambition de construire un bâtiment qui  s’intègre dans l'histoire arlésienne et de faire écho au projet de Frank Gehry qui abritera la Fondation Luma.

Le futur édifice de 4000 m² offrira des espaces de cours et de formation professionnelle, des laboratoires dédiés aux techniques argentiques et numériques, un espace d’expositions et un espace de conférence.        

Emblématique de la place qu’occupent l’image et la création visuelle dans le contexte de la révolution numérique, le nouveau bâtiment renforcera la capacité de l’école à répondre aux besoins renouvelés de formation, de recherche et d’éducation à l’image. Il contribuera également à confirmer l’identité et le rayonnement international d’Arles comme territoire de la photographie et de la création artistique contemporaine.

Le jury se réunira le 12 juin 2014 à Arles pour élire l’équipe lauréate parmi les cinq retenues.

Flash annulaire Canon Speedlite MR-14Ex II

Nouveau flash annulaire Canon Speedlite MR-14Ex II

Flash annulaire Canon Speedlite MR-14Ex II

(c) Canon

Canon complète le riche système des accessoires EOS avec le nouveau flash Canon Speedlite Macro annulaire MR-14EX II. Spécifiquement développée pour la prise de vues en macro, cette version II du MR-14 EX propose de nouvelles caractéristiques : possibilité de faire fonctionner indépendamment les 2 tubes de la couronne annulaire, durée de recharge réduite et nouvelles fonctions personnalisables. 

Le flash Macro annulaire Canon Speedlite MR-14EX II est compatible avec l’ensemble des reflex EOS. Grâce à la mesure automatique d’exposition au flash de type E-TTL II, il garantit des images nettes et parfaitement exposées. Deux LEDs blanches très lumineuses produisent un éclairage plus intense et plus homogène que celui du modèle précédent, pour une aide à la mise au point efficace en basse lumière. Le MR-14EX II apporte également une plus grande souplesse d’utilisation en permettant de contrôler indépendamment ses deux tubes à éclairs (gauche et droit) et grâce à son nombre-guide de 14. Ces caractéristiques permettent d’expérimenter des configurations d’éclairage inédites et créatives, notamment pour les prises de vues macro à fort taux de grossissement.

Les photographes peuvent également utiliser le MR-14EX II comme maître dans une configuration multi-flashes sans fil pour déclencher à distance des flashes Speedlite EX et pour les contrôler par infrarouge (jusqu’à 3 groupes). Pour une répartition de l’éclairage plus précise, la puissance des groupes de flashes peut être réglée depuis le panneau de commande et l’écran LCD du MR-14EX II. 12 nouvelles fonctions et 3 fonctions personnalisables offrent une plus grande liberté dans la gestion des réglages, pour un potentiel créatif décuplé.

Le flash annulaire Canon Speedlite MR-14EX II bénéficie également d’une ergonomie améliorée et de nouvelles fonctionnalités. Les commandes ont ainsi été repensées pour permettre d’activer le flash depuis le menu du boîtier et un indicateur affiche désormais la progression de la charge entre deux déclenchements. Ce laps de temps a été réduit à 5,5 secondes seulement. Le processus de charge a été rendu quasiment silencieux, ce qui est particulièrement utile lors des prises de vues de sujets sensibles au bruit en macro.

Le boîtier d’alimentation du MR-14EX II a été repensé et comporte désormais un nouveau dispositif de verrouillage rapide par poussoir. L’installation sur la griffe porte-accessoires du boîtier devient plus simple et plus immédiate. Le nouveau sabot en métal avec mécanisme anti-poussières assure une solidité et une fixation renforcées. Le cordon de liaison entre l’alimentation et le flash annulaire se situe désormais sur le côté gauche du boîtier d’alimentation, évitant ainsi de perturber l’accès au déclencheur. La nouvelle conception du réflecteur annulaire permet, quant à elle, de monter plus facilement des filtres devant l’objectif.

Caractéristiques principales du flash Macro annulaire Canon Speedlite MR-14EX II :

- Possibilité d’utiliser les tubes à éclairs individuellement

- Nombre–guide 14 (pour 100 ISO)

- Utilisable pour le pilotage d’autres flashes à distance

- Lampes pilotes à LEDs pour assistance à la mise au point

- Commandes ergonomiques

- Recharge rapide et silencieuse

Dan Graham, Giuseppe Penone, Danh Vo, Jeff Wall at Marian Goodman Gallery, New York

Dan Graham, Giuseppe Penone, Danh Vo, Jeff Wall
Marian Goodman Gallery, New York
March 6 - April 10, 2014 

Marian Goodman Gallery presents an exhibition of new work by gallery artists Dan Graham, Giuseppe Penone, Danh Vo, and Jeff Wall, opening March 6th and on view through April 10th. 

In the North Gallery two new colour works by Jeff Wall completed during the past year are presented: Monologue, a night scene in which three men engage in discussion under a streetlight, and Summer Afternoons, a diptych showing a young man and woman, both naked, in a sun-filled apartment. A small picture made in 2012, Flowering Plant, will also be shown.  

In an adjacent section of the North Gallery, Giuseppe Penone’s Pelle di grafite - transparenza (2005), a graphite work on white fabric is on view, alongside Germinazione (2005), a series of six hanging wall sculptures in acrylic resin that refer in essence to the bodily process of imprint and gesture at the heart of  Penone’s practice -- the physical space of touching and its impact on the metaphysical space of seeing. Germinazione originate from the negative imprint of a section of tree trunk or branch or stone compressed into the earth by the artist’s own hands and then are superimposed and developed imprint by imprint, into the resulting positive, the ‘germinated’ sculpture itself.

In the North Gallery Viewing Room, Danh Vo’s Gustav’s Wing (2013), a lifesized sculpture of a human figure in six cast bronze fragments, is based on a model of the artist’s nephew Gustav, at age 11  Gustav’s Wing originated as a photograph of the boy’s double-jointed shoulder blade, which he referred to as his ‘wing’ and later Vo began to make works produced from a full body mold.  Although the figure's posture seems to signify a peaceful moment, its display in pieces at the same time evokes an unsettling atmosphere.  Vo first created works from Gustav’s form in paper mache for the exhibition Gustav’s Wing at Porto Culturegest, Portugal. The bronze work is shown here for the first time following its inclusion at Art Basel Parcours this summer. 

In the South Gallery, Slice (2013), a new triangular pavilion by Dan Graham, is presented. The work continues the artist’s investigation in recent years into the perceptual properties of curved two-way mirror glass. With one concave and one convex side and another convex side made of perforated stainless steel, the pavilion affords intricate reflections changing from elongation to contraction. The work reveals flux and bodily movement through an open structure, reflecting the immediate surroundings.  

Current and upcoming projects by the artists include a solo exhibition of Dan Graham’s Models and Beyond, at De Pont Foundation, Tillburg, Netherlands on view through May. This summer Dan Graham will exhibit a new pavilion at the The Metropolitan Museum of Art’s Met Rooftop as part of their commissioned works exhibition program.  An exhibition co-curated by  Danh Vo, Macho Man, Tell It To My Heart: Collected by Julie Ault, opened in November and will complete its run at Artists Space on  February 23rd.  Danh Vo is producing a performance in conjunction with XiuXiu to open the Berlin Biennale on May 28th. His forthcoming solo projects include: in the summer at Nottingham Contemporary, U.K., opening July 19th; and in the Fall at The Kitchen, New York, opening September 25th.  Giuseppe Penone’s recent Ideas of Stone completed a six-month exhibition at Madison Square Park, NY in early February.  A solo exhibition will be forthcoming in the Fall 2015 at The Nasher Sculpture Center, Dallas.  Jeff Wall’s current solo exhibitions in Europe include: Jeff Wall In Munich,  Pinakothek der Moderne, Munich, on view through March 9, 2014; and Jeff Wall: Tableaux, Pictures, Photographs 1996-2013, opening March 1st at the Stedelijk Amsterdam and on view through August 3, 2014. The Stedelijk show will travel to Kunsthaus Bregenz, Austria from October through January 2015, and Louisiana Museum, Denmark, from February to June 2015.

MARIAN GOODMAN GALLERY
www.mariangoodman.com

Art Paris Art Fair 2014 : Promesses

ART PARIS ART FAIR 2014 : PROMESSES 

Inauguré avec succès en 2013, ce secteur incite à la découverte de nouveaux talents internationaux et accueille 12 jeunes galeries de Beijing (Pékin), Bruxelles, Genève, Londres, New-York, Paris et Saint Pétersbourg qui participent pour la première fois à la foire et ont moins de cinq ans d’existence.

Selon les directeurs généraux d’ART PARIS ART FAIR (www.artparis.com), Julien et Valentine Lecêtre : « aider les jeunes galeries, par la prise en charge de 50% du coût de leur stand, permet de renforcer l’axe défricheur de la foire. Il était également important pour nous de faire monter une nouvelle génération talentueuse de galeristes, qui contribue à changer le visage du salon ».

La GALERIE ALB – ANOUK LE BOURDIEC, Paris (www.galeriealb.com), expose les artistes français Florence Obrecht (1976), Jean-Baptiste Perrot (1972), Samuel Martin (1976), The Kid (1991), Léo Dorfner (1985), Valentin Van der Meulen (1979). 

The Kid

The morning I was born again - 2014

Encadrement noir, 340x185cm

Technique : stylo bic sur papier

La Galerie ALB met à l’honneur le travail de trois artistes de la jeune scène contemporaine française. The Kid montre deux très grands dessins au stylo bic ainsi qu’une sculpture hyperréaliste inspirés par les bas fonds américains, où violence rime avec survie. Samuel Martin présente sa nouvelle série « Dystopia small » : au-delà de l’impression première d’une captation photographique, le dessin de l’artiste, de par sa technicité, révèle une image de l’optimisme à « l’état pur ». Florence Obrecht présente un portrait, « Sainte Lucie », aux dimensions et aux couleurs saisissantes.

La GALERIE CHARLOT, Paris (www.galeriecharlot.com), sous la direction de Valérie Hasson-Benillouche, expose le travail de Thomas Israël (Belgique, 1975), Mikhail Margolis (Russie, 1975), Zaven Paré (Algérie, 1961).

Mikhail Margolis

Mémo - 2010

Techniques : film & vidéo, Installation, mixed media, 90x190x120cm

Depuis 2010, la galerie Charlot défend la création numérique. Elle montre ainsi le travail de Mikhail Margolis, représentant de l’« Arte povera digitale ». Son installation interactive « Mémo » retrace une correspondance issue d’archives de l’époque stalinienne. Zaven Paré propose une version revisitée de « l'Origine du Monde » de Courbet, ou encore « Lindberg Flug », installation inspirée d’une oeuvre de Kurt Weil. Est également présentée une sculpture vidéo de Thomas Israël, « Lisière ».

La GALERIE DEROUILLON, Paris (www.galeriederouillon.com), expose des oeuvres de Micky Clément (1977), Nils Guadagnin (1985), Fabien Boitard (1973), Roman Moriceau (1976), Yué Wu (1983), Jonas Unger (1975), Nøne Futbol Club.

Nøne Futbol Club

Work n° 54-1: Keep warm burnout the rich - 2011

Technique : acier forgé, 200x105x10cm

Les membres du collectif Nøne Futbol Club ont été les lauréats du salon de Montrouge 2013. Ils ont participé à l’exposition « Cookbook » (commissariat général de Nicolas Bourriaud). Leur travail a également été présenté à la dernière biennale de Lyon (Modules du Palais de Tokyo). Work n° 54-1: « Keep warm burnout the rich » (« Chauffez-vous, brûlez les riches ») reprend le slogan des émeutes athéniennes de 2008. Transposé sur un tampon métallique destiné au marquage industriel des bestiaux, il symbolise le courroux de la jeunesse qui élève la voix face aux outrances d’un système déréglé. 

La GALERIE DIX9 – HÉLÈNE LACHARMOISE, Paris (www.galeriedix9.com), expose des oeuvres de Catalin Petrisor (Roumanie, 1978), Mehdi-Georges Lahlou (France et Maroc, 1983), Cui Xiuwen (Chine, 1970). Personal structure réunit ces trois artistes questionnant l’existence et l’hybridation. La sélection d’oeuvres en noir et blanc témoigne du choix esthétique de chacun des artistes pour traiter du concept à sa manière. Spiritualité de la peinture traditionnelle chinoise chez Cui Xiuwen, référence à Molinier ou à la Kabaah chez Mehdi-Georges Lahlou, palette érigée en principe chez Catalin Petrisor. 

Mehdi-Georges Lahlou

Créature pour Chaman ou Hommage à Pierre Molinier - 2012

Technique : photographie, 70x70cm

Fort de sa double appartenance, chrétienne et musulmane, Mehdi-Georges Lahlou procède à d’ambigus collages pour questionner l’identité sous toutes ses formes. Renouvelant le vocabulaire de la sculpture et de l’image, toute son oeuvre manifeste une tension qui va de pair avec une étonnante liberté. Catalin Petrisor peint des tableaux d’un monde étrange, composé d’images de réalités différentes qu’il manipule et sur lesquels il intervient souvent au crayon. Usant d’une palette réduite au noir et blanc, ses oeuvres d’une grande maitrise technique créent des couleurs étonnantes.

La GALERIE E.G.P, Paris / Londres (www.artegp.com), sous la direction de Reine Ullmann Okuliar et Lydie Ullmann, présente les oeuvres de deux artistes : Takesada Matsutani (Japon, 1937), Igor Josifov (Macédoine, 1966). En 2013, Takesada Matsutani prit part à la rétrospective "Gutaï : Splendid Playground" au musée Guggenheim de New York, avant son exposition personnelle à la galerie Hauser & Wirth de Londres. 

Igor Josifov

Nelson Mandela - 2013

Technique : papier brûlé, 115x115cm

Igor Josifov est un performeur auquel le Musée National d’Art Contemporain de Skopje a consacré une exposition personnelle, en 2012, peu après sa participation à la rétrospective "Marina Abramovic" au MoMA à New York en 2010. Il rend hommage à Nelson Mandela avec un portrait réalisé en papier brûlé.

FEIZI GALLERY, Bruxelles (www.feizi-gallery.com), sous la direction de Irène Laub et Stéphane Gautier, expose les artistes chinois Qin Ga (1971), Xiao Yu (1965), He Yunchang (1967), Shi Jinsong (1969), Jiang Zhi (1971), Li Yiwen (1982), Ye Linghan (1985), Cang Xin (1967). L’énergie de la nouvelle génération d’artistes chinois fut palpable lors de la dernière biennale de Venise et He Yunchang, présent au sein du pavillon chinois, y montra combien les artistes chinois du XXIe siècle peuvent parvenir à se libérer de la tradition séculaire.

Qin Ga

The Miniature long march 21-YAN AN - 2005

Technique : photographie, film & vidéo, 75x55cm

Et même si les générations qui se succèdent montrent une influence moins axée sur l’histoire politique chinoise, celle-ci se retrouve tatouée sur la peau de Qin Ga. « Yan’an Precious Pagoda 2005 » est une photographie extraite de son oeuvre « La Longue Marche ». Les aquarelles sur papier de Ye Linghan tout comme les toiles sur acrylique de Li Yiwen, montrent une liberté d’esprit et un réalisme plus acerbe encore que celle de ses prédécesseurs. 

JIALI GALLERY, Beijing (Pékin) (www.jialigallery.com), sous la direction de Daphné Mallet, a choisi quatre artistes chinois qui font partie de la génération post-1970 : Ma Yongfeng (1971), Guo Peng (1982), Ren Bo (1974), Cindy Ng Sio Leng (1966). 

Ma Yongfeng

The Origin of Species #03 - 2005

Technique : photographie, 80x80cm

Ils ont grandi dans une société au développement extrêmement rapide, et sous influence occidentale. Cette génération d’artistes chinois nés dans les années 1970 a tendance à représenter le monde avec un style et des points de vue qui leur sont propres. En comparaison avec leurs prédécesseurs, nés dans les années 1950 et jusqu’au début des années 1960, ils ont un autre rapport à leur histoire et à l’occident - ils se laissent moins enfermer dans des « caractéristiques chinoises » et se prêtent davantage au dialogue.

MURIEL GUÉPIN GALLERY, New York (www.murielguepingallery.com), présente « Nutured Nature », une exposition de cinq artistes : Matthew Conradt (Etats-Unis, 1982), Esther Traugot (Etats-Unis), Sara Frantz (Etats-Unis), Michiyo Ihara (Japon et Etas-Unis), Keun Young Park (Corée du Sud et Etats-Unis).

Keun Young Park

Dream #10 - 2011

Format : mosaïque photo, collage sur papier, 102x76x4cm

Ces artistes, inconnus en Europe, restituent et recomposent une nature alliant fragilité et délicatesse et posent la question de la maitrise de l’homme sur la nature.

NAMEGALLERY, Saint-Pétersbourg (www.namegallery.ru), sous la direction de Oxana Korneeva, expose quatre artistes russes issus de la Nouvelle Académie des Beaux Arts, un mouvement artistique fondé par Timur Novikov en 1990 à Saint-Pétersbourg.: Olga Tobreluts (1970), Ilya Gaponov (1980), Andrey Gorbunov (1979), Victor Kuznetsov (1960). 

Olga Tobreluts

Heaven - 2013

Technique : peinture, 187x137cm

Le travail d’Olga Tobreluts développe les principes d’un Néo Académisme, qui mixe les canons de la peinture classique avec les idoles des mass médias. 

ON/GALLERY, Beijing (Pékin) (www.on-gallery.com), sous la direction de Lingyun Wang, expose le travail des artistes Yi Ling (Chine, 1961), Li Baoxun (Chine, 1983), Li Shigong (Chine, 1963), Luo Wei (Chine, 1989), Zhang Zhenyu (Chine, 1974), Zhang Quan (Chine, 1967), Ludovic de Vita (France, 1975), Liu Tao (Chine, 1985). 

Li Baoxun

Life is so so - 2012

Technique : peinture, 120x90cm

La Chine fait rêvée. L’Occident s’est tourné vers elle, intéressé depuis 1989 à découvrir les formes d’art qui s’y pratiquaient alors. Depuis la Chine a changé, parfois en apparence. La pensée contemporaine chinoise quant à elle évolue et les artistes émergents s’interrogent d’une manière nouvelle sur cette société chinoise issue de la globalisation à laquelle il leur faut à présent se confronter avec des moyens nouveaux. « Perspectives Elémentaires », l’exposition conçue pour ART PARIS ART FAIR 2014 rassemble soit des artistes autodidactes soit des diplômés de la célèbre École des Beaux-Arts de Pékin. Ils proposent avec subtilité une lecture renouvelée de ce qui fait sens en ce début de XXIe siècle. 

RED ZONE GALERIE D’ARTS CONTEMPORAINS, Genève (www.red-zone.ch), sous la direction de Brigitte Catherin, présente trois artistes chinois contemporains : Qiu Jie (Chine, 1961), Lifang (Chine-France, 1973), Hong Leng (Canada-Chine, 1955). Qiu Jie, né à Shanghai, vit entre Genève et sa ville natale. L’artiste dessine comme il écrirait un roman en regardant le monde et, avec ce pouvoir de le transcender, de le rêver, d’y penser différemment jusqu’à le ré-inventer.

Lifang

Chinese nude, n°16 - 2012

Technique : huile sur toile, 100x100x4cm

Lifang, née près de Nankin, vit à Paris. Sa peinture à l’huile est figurative avec de grands à-plats et une sorte de voile plutôt que de flou, avec des couleurs volontiers pastel qui n’excluent ni les noirs ni les couleurs vives. Leng Hong, né à Shanghai, vit entre le Canada et Shanghai. Il joue avec les techniques picturales chinoises et occidentales dans ses oeuvres et invente une poétique qui dit toute la fragilité du monde.

La GALERIE SCRAWITCH, Paris (www.scrawitch.com), sous la direction de Julien Bezille, Mathias Énard et Thomas Marin, présente le travail des artistes Peter Briggs (UK, 1950), Nicolas d’Olce (France, 1962, -), Hakima El Djoudi (France, 1977), Paul Pouvreau (France, 1956), Edouard Prulhière (France, 1965).

Peter Briggs

Fiaschi - 2010

Table : 200x121x94cm - Miroir : 65x65x5cm

La galerie Scrawitch présente une oeuvre emblématique de ses artistes. Une peinture grand format de la série des “black paintings” d’Édouard Prulhière, l’oeuvre “Fiaschi” de Peter Briggs, une table en marbre « puddingstone » supportant des flacons de verre réfléchissants. Elle montre également un grand panneau de verre gravé de Nicolas d’Olce, une vidéo d’Hakima El Djoudi, tournée dans une obscurité où les sentiments semblent noyés dans la matière, une photographie de Paul Pouvreau.