WANAFOTO: 11/2020

29/11/20

Robert Smithson @ Galerie Marian Goodman, Paris - Primordial Beginnings

Robert Smithson: Primordial Beginnings

Galerie Marian Goodman, Paris

1 December 2020 - 9 January 2021

Galerie Marian Goodman, Paris and Holt/Smithson Foundation present the first exhibition of ROBERT SMITHSON at the Gallery. Born in Passaic, New Jersey, Robert Smithson (1938-73) recalibrated the possibilities of art. For over fifty years his work and ideas have influenced artists and thinkers, building the ground from which contemporary art has grown.

Primordial Beginnings investigates Robert Smithson’s exploration of, as he said in 1972, “origins and Primordial Beginnings , […] the archetypal nature of things.” This careful selection of works on paper demonstrates how Smithson worked as, to use his words, a geological agent. He presciently explored the impact of human beings of the surface of our planet. The earliest works are fantastical science fiction landscape paintings embedded in geological thinking. These rarely seen paintings from 1961 point to his later earthworks and proposals for collaborations with industry. Between 1961 and 1963 Smithson developed a series of collages showing evolving amphibians and dinosaurs. Paris in the Spring (1963) depicts a winged boy atop a Triceratops beside the Eiffel Tower, while Algae Algae (ca, 1961-63) combines paint and collage turtles in a dark green sea of words.

For Robert Smithson, landscape and its inhabitants were always undergoing change. In 1969 he started working with temporal sculptures made from gravitational flows and pours, thinking through these alluvial ideas in drawings. The first realized flow was Asphalt Rundown, in October 1969 in Rome, and the last, Partially Buried Woodshed, took place on the campus of Kent State University in Ohio. A selection of drawings related to these important event sculptures are on display in Primordial Beginnings. Robert Smithson was invested in a definition of sculpture that was timebound and precarious, that would not claim monumental status, and would instead collaborate with entropy.

An autodidact, Robert Smithson's interests in travel, cartography, geology, architectural ruins, prehistory, philosophy, science-fiction, popular culture, and language spiral through his work. In his short and prolific life, Smithson produced paintings, drawings, sculptures, architectural schemes, films, photographs, writings, earthworks, and all the stops between. From his landmark earthworks to his 'quasi-minimalist' sculptures, Nonsites, writings, proposals, collages, detailed drawings, and radical rethinking of landscape, Smithson's ideas are profoundly urgent for our times. By exploring the conceptual and physical boundaries of landscape Smithson raised questions about our place in the world, their relevance heightened as the dangers of global warming move ever closer.

Primordial Beginnings is accompanied by a simultaneous exhibition, Hypothetical Islands, at Marian Goodman Gallery, London. Both exhibitions feature rarely seen works from the personal collection of the artist Nancy Holt (1938-2014). Holt married Smithson in 1963 and managed his Estate between 1973 and 2014. Primordial Beginnings and Hypothetical Islands are organized in partnership with Holt/Smithson Foundation, an artist endowed foundation dedicated to continuing the creative legacies of Nancy Holt and Robert Smithson.

Born in Passaic, New Jersey, ROBERT SMITHSON (January 2, 1938 – July 20, 1973), spent his formative years in New Jersey. In 1963 he married the artist Nancy Holt (1938–2014), who managed the Estate of Robert Smithson from 1973-2014, and who literally willed Holt/Smithson Foundation into being. Robert Smithson is best known for his earthworks Spiral Jetty (1970), Broken Circle/Spiral Hill (1971), and Amarillo Ramp (1973). Prior these earthworks Smithson created performative entropic land works, such as the ephemeral sculptures Asphalt Rundown (1969, Rome), Glue Pour (1969, Vancouver), Concrete Pour (1969, Chicago), and Partially Buried Woodshed (1970, Kent State) speak poignantly to issues of time and the human condition. Robert Smithson’s first solo exhibition, with emphasis on what he described as ‘expressionistic work’, took place in 1957 at Allan Brilliant’s gallery in New York. The artist’s peripatetic life took him to Rome in 1961, when George Lester offered him his first solo international exhibition at Galleria George Lester, where he explored quasi-religious subject matter. His early paintings, drawings and sculptures made between 1961 and 1963 were imbued with references to concrete poetry, popular culture, and science fiction. Influenced by minimalism, in 1964 Smithson declared his quasi-minimal sculptures made from industrial materials of metal and mirrored Plexiglas as his ‘mature’ works, distancing himself from his early expressionistic paintings and drawings. Robert Smithson’s writings on art, western culture, graphic texts, and interviews, are published in The Writings of Robert Smithson, edited by Nancy Holt (1979, New York University Press, with an expanded version edited by Jack Flam published in 1998). His works are in numerous museum collections, including the Art Institute of Chicago, Dia Art Foundation, Museum of Modern Art New York, National Museum of Modern Art Tokyo, Solomon R. Guggenheim Museum, and Whitney Museum of American Art.

GALERIE MARIAN GOODMAN

79 rue du Temple, 75003 Paris

www.mariangoodman.com

____________________________

28/11/20

Peter Fend @ Galerie Barbara Weiss, Berlin - Birds Reign

Peter Fend: Birds Reign

Galerie Barbara Weiss, Berlin

November 21, 2020 – January 23, 2021

Galerie Barbara Weiss presents „BIRDS REIGN“, the second solo exhibition at the gallery by PETER FEND.

At the center of the exhibition is the installation Urban Extrusion, which was first shown in the context of „Wonderful: Visions of the Near Future“ at the Arnolfini, Bristol, UK in 2004. In an experimental approach, Urban Extrusion pursues the practical and ecological potential of transforming urban waste into artificial feathers, which can rehabilitate ecosystems when they are scattered back into nature. Fend hypothesizes that feathers can be generated out of waste via the help of yeasts and other organisms, creating keratin, the main component of any feather. The newly derived keratin can then be further processed to form artificial feathers. And in turn, these could be dispersed into lakes, rivers and wetlands, where they would be taken up by ducks, swans and migrating birds. The importance of waterways in sustaining life is one of Peter Fend’s longest standing areas of research. These regions are elemental to ecosystems that stretch far beyond the banks of rivers or shores of oceans, and Fend treats these sites as a possible origin point for targeted rejuvenation. Searching for ways out of our ecological impasse, Fend’s proposal aims to solve two environmental issues at once — taking an excess from one environment and transforming it into something useful for one that is lacking.

The show’s title: „BIRDS REIGN“ refers not only to the capacity for birds (and their feathers) to positively effect large and complex networks of life, but also their disregard for human-derived hierarchies and dominions. Accompanying the installation Urban Extrusion are new drawings by Peter Fend that depict the flyways of migratory birds. Like a global circulatory system, these trajectories cross vast bodies of water, borders and hemispheres. In depicting such large swaths of the world, Fend implicitly includes sites of international conflict and areas where ecosystems have been ruined by human activity. In ever-widening space, notions of nationality and ideology collapse under the effort of the journey. Peter Fend asks how things might improve for the world at large if humanity began taking its cues from the birds.

For more than 40 years, Peter Fend has expanded the boundaries of how an artistic practice can relate to society and, moreover, to the world that society inhabits. His unique methodology incorporates architecture, art history, activism, and business acumen to propose ecologically responsible solutions to real world problems. Through his work across mediums, Peter Fend aims to spark discussion amongst policy-makers, corporations and individuals in a manner that transgresses the context of art. His efforts as founder of OCEAN EARTH pioneered new methods of engaging the public through artistic action. The group employed aesthetic and art-derived strategies for analyzing civilian satellite data, uncovering geopolitical events with global ramifications, making its findings accessible to an audience of millions via major news outlets.

PETER FEND (b. 1950) has been featured in notable survey exhibitions around the world, including: Documenta IX, 1992, Kassel; the 45th Venice Biennial, 1999 and the 47th Venice Biennial, 2003; the Liverpool Biennial, 2003; and the 8th Sharjah Biennial, 2007. He has had solo exhibitions at Kunsthalle Dusseldorf; The Kitchen, New York; Kunstraum Daxer, Munich; American Fine Art, New York; Arnolfini, Bristol; Roger Pailhas, Paris; Georg Kargl, Vienna; and Essex Street, New York.

A newly commissioned project by Peter Fend is included in Manifesta 13, Marseille, which is on view until the end of November. A series of works that were recently acquired by the Migros Museum, Zurich are currently featured in a survey exhibition there on the topic of ‘potential worlds’.

GALERIE BARBARA WEISS

Kohlfurter Strasse 41/43, 10999 Berlin

galeriebarbaraweiss.de

___________________

27/11/20

PhotoBrussels Festival 05 @ Hangar, Bruxelles - 2021 - The World Within

PhotoBrussels Festival 05

The World Within

Hangar, Bruxelles

21 Janvier - 27 Mars 2021

Après le succès de la 4ème édition en 2019, Hangar, le centre photographique de Bruxelles lance la 5ème édition de PhotoBrussels Festival. Depuis sa création en 2016 par Delphine Dumont, PhotoBrussels Festival se déploie sur les 1000 m2 du Hangar avec une exposition thématique et propose un parcours photographique dans la ville (35 lieux) ainsi que différents évènements (conférences, workshops…). Hangar a ainsi accueilli une première édition sur le thème du paysage (« Landscape », 2016 ) et successivement mis en avant le portrait (« Portrait », 2017), la ville (« City », 2018) et la nature morte (« Still Life », 2019).

PhotoBrussels Festival 05 fera mémoire de l’année 2020 : 420 artistes confinés en Europe ont répondu au « Call for European Photographers » lancé pendant le confinement (mars-juin 2020). Un jury d’experts a sélectionné vingt-sept projets lauréats qui seront présentés au Hangar : une mission photographique comme souvenir et une scénographie immersive rappelant la condition de « confiné ».

A travers vingt-sept sensibilités photographiques et/ou vidéographiques différentes, Hangar dévoile les germes de la résilience humaine. Chaque artiste présente sa vision du « monde intérieur », faisant ainsi voler en éclat l’univers pesant de la quarantaine. Créativité, humour, empathie, réflexion, amour, inspiration de la nature sont autant de principes promettant une guérison rapide et un « après » meilleur.

Le lauréat du « Coup de coeur Leica » (choisi parmi les sélectionnés) recevra un Leica Q2 le jour du vernissage.

Comme le souligne la directrice de Hangar, Delphine Dumont : "Au jour d’aujourd’hui, alors que le « semi- lock down » et la privation de liberté sont devenus notre quotidien, nous mesurons à quel point, les artistes sont nos alliés dans l’épreuve. Leur regard sur le monde nous soutient, est comme un miroir à travers lequel s’expriment nos tensions, nos angoisses, nos joies, nos espoirs."

Les membres du Jury

Giovanna Calvenzi, éditrice et curatrice (IT)

Christian Caujolle, écrivain, curateur et critique d’art (FR)

Rodolphe de Spoelberch, fondateur Hangar et collectionneur (BE)

Bruno Devos, éditeur et directeur Stockmans Art Books (BE)

Delphine Dumont, directrice Hangar et fondatrice PhotoBrussels Festival (BE)

Gaëlle Gouinguene, communication et responsable projets culturels Leica (FR)

Organisé chaque année par Hangar, PhotoBrussels Festival c’est

- une grande exposition thématique au Hangar ;

- un Festival Tour*, un parcours dans la ville recensant toutes les expositions photos du moment ;

- un programme d’évènements : conférences, workshops, visites guidées, signatures de livres, lectures de portfolios, etc ;

- une publication* comme archive visuelle vendue en ligne et dans le bookshop.

* Festival Tour

Le PhotoBrussels Festival se déploie dans différents lieux de la capitale grâce au Festival Tour et fait ainsi vibrer Bruxelles au rythme de la photographie. Le Festival Tour répertorie toutes les expositions et initiatives liées au médium photographique pendant la période du festival. Equipé d’un plan de Bruxelles, le public est invité à passer d’une exposition photographique à une autre, dans des lieux d’art emblématiques ou des espaces moins connus, dont Hangar est le point de départ. Cette année, font partie notamment des lieux importants tels que Bozar, Botanique, Wiels, Le Musée Juif de Belgique, Contretype, ADAM Design Museum mais également des jeunes lieux tels que Geopolis ou L’Enfant Sauvage.

* Publication The World Within

Le livre révèle l’exceptionnel travail créé par des photographes confinés en Europe durant le premier lockdown de la pandémie COVID-19. Cette archive visuelle peut être commandée dès maintenant en ligne sur le site du hangar.art

THE WORLD WITHIN, HANGAR

23 x 29 cm, 312 pages, 524 illustrations couleur

€ 45,00 (prévente: € 39,00) - ISBN 978-2-9602519-1-3

Textes en anglais

Les vingt-sept artistes sélectionnés

Gérome Barry

“Ce soir je vais à l’opéra dans mon salon”

Photo extraite du court métrage “Films as an escape”, 2020

Né en 1984 en France. Vit et Travaille à Paris.

Gérome Barry a étudié les sciences politiques avant d’entrer à l’école de cinéma La Fémis à Paris. Il produit une dizaine de courts métrages, primés dans des festivals internationaux. Tout en travaillant pour la société de production Moby Dick Films, il réalise trois courts métrages : The Big Musical Number, Séraphin et Suicide Express. Il termine actuellement son premier long métrage, Swing Rendez-Vous.

Lucile Boiron

“Mise en Pièce”, 2020

Née en 1990 à Paris, France. Vit et travaille à Paris.

Lucile Boiron étudie les Arts Appliqués à Nantes avant de se tourner naturellement vers la photographie lorsqu’elle entre à l’Ecole Nationale Supérieure Louis-Lumière (Paris). En 2019, elle remporte le Libraryman Prize et publie son premier livre, Womb. Le livre est présenté lors de la Foire du livre d’art de New-York (2019), puis exposé dans le cadre de la triennale New Visions (Oslo). Travaillant comme coloriste, Lucile Boiron se concentre sur la chair et les angles. Loin de vouloir provoquer la répulsion, elle questionne, par la photographie, la vérité biologique du corps ainsi que la question du bon et du mauvais goût. Son oeuvre fait partie du Fonds municipal d’art contemporain de Paris (FMAC).

Marguerite Bornhauser

“Quarantine Journal”, 2020

Née en 1989. Vit et travaille à Paris, France.

Après des études de lettres et de journalisme à la Sorbonne (Paris), Marguerite Bornhauser intègre l’École nationale supérieure de photographie d’Arles et obtient son diplôme en 2015. Son travail a été exposé notamment à la MEP (Paris), Paris Photo (Paris, 2019), Musée d’art de Cincinnati (Cincinnati), Festival de la photographie (Arles), Festival Planches Contact (Deauville), Agnès B. (Paris), Festival MAP (Toulouse), au musée des sciences (Londres). Son premier livre auto-édité, Plastic Colors, a été sélectionné parmi les finalistes du Mack Books Award en 2015. Elle collabore avec des magazines et journaux français et internationaux et travaille aussi comme photographe de mode.

Ferhat Bouda

“Frankfurt Airport, 21 March 2020”, 2020

Né en 1976 en Algérie. Vit et travaille en Allemagne.

Ferhat Bouda a grandi en Kabylie, en Algérie. En 2000, il s’installe en France dans le but de faire un film. Il se tourne finalement vers la photographie en 2002, technique qui s’avère être à la hauteur de sa sensibilité et de son engagement. Son travail se concentre sur la préservation de la culture berbère et de ses multiples formes. Il développe sa mission photographique en France et en Allemagne, où il vit depuis 2005, mais aussi en Algérie, au Maroc, en Libye, en Tunisie et au Mali. Il est membre de l’Agence VU depuis 2014. En 2016, il remporte le prix Pierre et Alexandra Boulad (France) et bénéficie de la bourse de la Hessische Kulturstiftung (Allemagne).

Bruno Boudjelal

“30/03/2020” (série “Garder les yeux ouverts”, 2020

Né en 1961 à Montreuil, France. Vit et travaille entre l’Algérie et la France.

Bruno Boudjelal est membre de l’Agence VU. Il pratique la photographie comme un mode de vie qui interroge constamment sa propre identité et nous confronte à la nôtre. En 1993, il part sur les traces de ses origines paternelles en Algérie. Cette découverte sera le point de départ de 10 ans d’explorations très personnelles qui l’amèneront à assumer la subjectivité de son point de vue. Régulièrement publié dans la presse, lauréat de bourses institutionnelles et de prix prestigieux - dont le prix Nadar en 2015 pour son livre L’Algérie, clos comme on ferme un livre ?, Bruno Boudjelal a publié six monographies. Ses oeuvres sont entrées dans les collections publiques françaises et font l’objet de nombreuses expositions en France et dans le monde. En plus de sa pratique photographique, il est également curateur et réalise des vidéos, des installations et des workshops.

Sarah Bouillaud

“Day 31. Find some allies”, 2020

Née en 1985 à Paris. Vit et travaille à Paris, France.

Sarah Bouillaud est photographe et illustratrice indépendante. Titulaire d’un Bachelor en photographie de l’ICART Paris, elle travaille désormais sur différents projets en photographie et photomontage pour des journaux français (Libération, Les Echos, Le Monde, La Croix). Lauréate de SFR jeunes Talents 2013, elle participe en 2017 au Festival Les Rencontres Photographiques du 10ème à Paris. En 2019, son oeuvre Odissea a été présentée à la projection de Voies Off d’Arles. Elle est membre du Studio Hans Lucas.

Jean-Marc Caimi & Valentina Piccinni

Caimi & Piccini

“Sofia”, 2020

Lui est franco-italien, elle est italienne, ils collaborent depuis 2013.

Ils travaillent sur des projets documentaires et photographiques, avec une attention particulière sur l’aspect humain et personnel pour chacune des histoires. Leur travail est régulièrement présenté dans la presse et les médias du monde entier (Der Spiegel, Politico, Le Monde, L’espresso, Internazionale, Wired, GQ, Newsweek, The Sunday Times). Ils sont lauréats de plusieurs prix tels que le PHmuseum Of Humanity Grant 2020 dans la catégorie exposition personnelle, le Sony World Photography Award 2019 dans la catégorie «Discovery», le prix du livre photo d’Istanbul 2018, le prix Gomma Grant 2016 du meilleur documentaire en noir et blanc. Ils sont exposés dans toute l’Europe et l’Asie, notamment à la Biennale Für Aktelle Fotografie (Mannheim), au Delhi Photo Festival (Delhi), au Lumix Festival (Hanovre), Fotoleggendo (Rome), Phest (Monopoli), Voies Off (Arles). Ils ont déjà publié cinq livres dont certains ont reçu des prix.

Gonçalo Fonseca

“Fatima” (série “Squatting Moms”), 2020

Né en 1993 au Portugal. Vit et travaille à Lisbonne.

Gonçalo Fonseca est un photographe documentaire, explorant les sujets du logement et des droits de l’homme. Il photographie depuis son adolescence et découvre au fur et à mesure le pouvoir de la narration. Après des études de journalisme à l’Université catholique de Lisbonne (2011-2014), il décide de poursuivre sa passion et de se consacrer à la photographie. En 2015-2016, il étudie le photojournalisme à l’Université autonome de Barcelone. Ses projets sont lauréats du prix Allard pour l’intégrité internationale (2019) et du prix Young Talent at Educating the Eye (2019). Il est publié par certains des plus grands magazines et journaux du monde tels que TIME, Washington Post, Der Spiegel, El País, entre autres. Il parle régulièrement de son travail lors de conférences comme TEDx à Lisbonne en 2019.

Julia Fullerton-Batten

“Penelope” (série “Looking out from Within”), 2020

Née en 1970 à Brême, Allemagne. Vit et travaille au Royaume-Uni (depuis 1986).

Après avoir terminé ses études, elle a étudié la photographie et assisté des photographes professionnels pendant cinq ans. Photographe professionnelle depuis 2001, Julia Fullerton-Batten a déjà réalisé 13 projets majeurs. Au début de sa carrière, la National Portrait Gallery de Londres lui a demandé de photographier les portraits de seize personnalités du service de santé britannique, ces portraits font partie de leurs collections. Ses oeuvres sont exposées dans le monde entier et ont reçu de nombreux prix. Ambassadrice Hasselblad et conférencière, Julia Fullerton-Batten a publié deux livres. Ces projets explorent les thèmes tels que la cécité, la figure idéale dans la société moderne, l’industrie du sexe et sont guidées par l’hyper-réalisme et le cinéma. Elles placent souvent ses modèles dans des décors surréalistes et utilise un éclairage dramatique pour créer à la fois tension et mystère.

Gabriele Galimberti

“Rebecca Casale”, 2020

Né en 1977 dans le Val di Chiana, Italie. Vit et travaille à Milan.

Gabriele Galimberti a passé ces dernières années à travailler sur des projets de photographie documentaire à travers le monde, dont certains sont devenus des livres. Son travail consiste principalement à raconter les histoires, à travers des portraits et des nouvelles, d’habitants du monde entier. Il s’engage dans la photographie documentaire après avoir débuté en tant que photographe commercial et après avoir rejoint le collectif artistique Riverboom. Il travaille aussi pour des magazines et journaux internationaux tels que National Geographic, The Sunday Times, Stern, Geo, Le Monde, La Repubblica et Marie Claire. Ses photos ont été exposées notamment au Festival Images (Vevey), aux Rencontres de la Photographie (Arles) ou au célèbre musée V&A (Londres). Il remporte le prix Fotoleggendo Festival (Rome) et le prix Best In Show au New York Photography Festival.

Nick Hannes

Série “An Unexpected Lesson in Joy”, 2020

Né en 1974 à Anvers, Belgique. Vit et travaille à Ranst, Belgique.

Nick Hannes a étudié la photographie à l’Académie royale des beaux-arts (KASK) à Gand où il est aujourd’hui enseignant. Après 8 ans en tant que photojournaliste, il décide de se concentrer sur des projets documentaires autoinitiés à l’orientation socio-politique. Utilisant l’humour, l’ironie et les métaphores visuelles, il se concentre sur la relation problématique entre l’homme et son environnement. Nick a publié 3 livres dont l’un, intitulé Garden of Delight, a reçu le Magnum Photography Award en 2017 et le Zeiss Photography Award en 2018. Nick Hannes a exposé au FotoMuseum, (FOMU, Anvers), De Garage (Mechelen), Fotofestiwal (Lodz), Organ Vida (Zagreb), Photolux (Lucca), Centro Andaluz de la Fotografia (Almeria), Triennale de la photographie (Hambourg), ImageSingulières (Sète), Photomed (Beyrouth), Lianzhou Foto Festival.

Giovanni Hänninen

“Via Madonnina - Milano - April 2020”, 2020

Né en 1976 à Helsinki, Finlande. Vit et travaille à Milan, Italie.

Giovanni Hänninen est docteur en ingénierie aérospatiale à Milan et enseigne la photographie d’architecture au Politecnico de Milan. Depuis 2009, il est photographe pour l’orchestre Filarmonica della Scala. En 2012, il est présenté par Gabriele Basilico dans l’exposition 20X20. En 2015, il participe à la Triennale Off (Milan). La Fondation Josef et Anni Albers l’invitent à photographier sa propre résidence d’artiste au Sénégal et ses photos sont présentées chez David Zwirner (2017, New York). En 2018, il expose un projet à Biennale d’art de Dakar et à Paris pour la Nuit Blanche. En 2019, il expose dans divers lieux notamment la Fondazione Studio Marangoni (Florence), MACAAL (Marrakech), Fondazione Sozzani (Milan), AKAA Paris lors de la foire AKAA, BAM (Palerme). La même année, il développe une campagne photographique pour le Complesso Museale della Pilotta pour la ville de Parme, nommée capitale de la culture.

Philip Hatcher-Moore

Série “It is solved by walking”, 2020

Né en 1982, au Royaume-Uni. Vit et travaille au Pays de Galles.

Avant une carrière en photographie, Philip Hatcher-Moore étudie l’informatique à l’Université de Sheffield, où il commence un doctorat en Intelligence Artificielle, avant de prendre un poste de technicien directeur d’une start-up Internet à Paris. Philip Hatcher-Moore est basé au Kenya durant 5 ans, où il couvre des sujets politiques, sociétaux et de conflits. Depuis son retour au Royaume-Uni en 2016, ses travaux se concentrent surtout sur la relation de l’homme à son environnement. Son travail est publié dans de grands journaux et magazines du monde entier, du New York Times à Vanity Fair. Il reçoit des prix lors de grands concours internationaux de photojournalisme et est exposé à travers le monde.

Pierre Jarlan

“ Roger, 95 ans. Bordeaux”, 2020

Né en 1983 en France. Vit et travaille à Paris.

Pédopsychiatre et photographe, Pierre Jarlan a un parcours pour le moins atypique. De 2009 à 2011, il est l’assistant du photographe Jean-François Rauzier, avec qui il collabore pour des expositions. En 2011, il fait une résidence à la School of Visual Art (New York). Il a exposé notamment en France et aux Etats-Unis. Passionné de technologie, il crée des dispositifs de production d’images pour explorer le quotidien, mêlant objectivité de la vision scientifique et rencontre humaine et artistique.

Kíra Krász

“Composite 3” (série “Squaring each other to fit”), 2020

Née en 1995 en Hongrie. Vit et travaille à Brighton, au Royaume-Uni.

Kíra Krász est diplômée en 2019 de l’Université de Brighton en photographie. Ayant principalement exposé en Angleterre et en Hongrie, son travail se concentre sur l’interaction entre les images et leurs propriétés physiques. Elle explore les possibilités de la photographie en expérimentant les techniques d’impression, la superposition, les textures et l’installation. Elle recadre et découpe des images imprimées, qu’elle re-contextualise. Son objectif est d’atteindre un état d ’« intemporalité » en matière de création d’images, que ce soit en choisissant des papiers vieillis, en travaillant avec des techniques traditionnelles en chambre noire ou en utilisant le jet d’encre et l’impression avec des matériaux incompatibles. Le portrait, l’abstraction, les paysages et les nus ont une importance égale dans sa pratique.

Yann Laubscher

Série “ La Baumette”, 2020

Né en 1986 en Suisse. Vit et travaille à Lausanne.

Après avoir étudié les sciences naturelles, il se forme à la photographie à l’Ecole des Arts Appliqués de Vevey. Il rédige sa thèse sur le lien entre exploration et photographie. Son approche documentaire se concentre sur la relation entre les humains et la nature. Son travail est exposé en Suisse, France, Serbie et Russie. Il reçoit le Prix Clara Camera pour son travail The Call. En 2016, il est lauréat du Globetrotteur World Photo dont la bourse lui permet d’entreprendre un projet en Sibérie. Il est également en charge de l’éducation environnementale à La Maison de la Rivière, il est éducateur de la nature et membre de NEAR and Strates, association incluant plusieurs photographes.

Lucas Leffler

Série “Home-Play”, 2020

Né en 1993 à Gaume, en Belgique. Vit et travaille à Bruxelles.

Lucas Leffler a obtenu une licence en photographie à HELB (Bruxelles) qu’il a complété par un Master à KASK (Gand). Son parcours artistique se concentre sur la dimension technique de la photographie à laquelle il intègre une dimension expérimentale. Son travail a été exposé à Contretype (Bruxelles), à la Galerie Satellite (Liège) et sera présenté au Musée de l’Elysée (Lausanne) pour l’exposition reGeneration4, ainsi qu’à l’Espace PINGUIN (Bruxelles). Son livre Zilverbeek a été publié à l’automne 2019.

Edgar Martins

Série “The strange case of Achilles and the Tortoise”, 2020

Edgar Martins

Série “The strange case of Achilles and the Tortoise”, 2020

Née en 1977 à Évora, Portugal. Vit et travaille au Royaume-Uni.

Edgar Martins grandit en Chine où il publie son premier roman. En 1996, il déménage au Royaume-Uni où il obtient un BA en photographie au London Institute et une maîtrise en beaux-arts et photographie au Royal College of Art. Il est doctorant à l’Université de South Wales. Son travail fait partie de diverses collections à travers le monde, telles que celles du V&A (Londres), du National Media Museum (Bradford, Royaume-Uni), du RIBA (Londres), du Dallas Museum of Art (États-Unis); Museu Calouste Gulbenkian / Modern Art Center (Lisbonne), MAAT / EDP (Lisbonne), Fondation Carmignac (Paris), MAST (Italie), etc. Il reçoit, avec son premier livre, le Thames & Hudson et le prix d’art du livre de la RCA Society. Entre 2002 et 2018, Edgar Martins publie diverses monographies. Ces oeuvres sont exposées dans de prestigieuses institutions à New York, San Diego, Rome, Lisbonne, Rio, Londres, Dublin, Séoul, etc. Edgar Martins reçoit de très nombreux prix pour son travail et est sélectionné pour représenter Macao (Chine) à la 54e Biennale de Venise.

Alisa Martynova

Série “Sleeping Pill”, 2020

Née en 1994 à Orenbourg, Russie. Vit et travaille en Italie.

Alisa Martynova fait des études en philologie étrangère dans son pays d’origine et poursuit, en Italie, un programme de photographie à la Fondazione Studio Marangoni (Florence) qu’elle termine en 2019. Pendant ses études, elle est assistante pour le collectif Riverboom. En 2019 elle est lauréate du Premio Combat Prize et la deuxième lauréate du Premio Canon Young Photographers. Elle projette son travail lors de la soirée d’ouverture des Rencontres d’Arles. En 2019 toujours, elle est sélectionnée parmi les finalistes du Photolux Award, du PHmuseum Women Photographers Grant et début 2020, elle est sélectionnée pour participer à Giovane Fotografia Italiana, une section du Festival Fotografia Europea (Reggio Emilia) et est nominée pour le Leica Oscar Prix Barnack. Elle est actuellement membre d’une agence de photographie italienne Parallelo Zero.

Patrick Messina

Série “Bout du Monde”, 2020

Né en 1967 à Paris. Vit et travaille à Paris.

Eclectique, Patrick Messina a un intérêt égal pour les paysages urbains, les territoires ruraux ou les portraits. Ses photos sont régulièrement exposées à travers le monde et sont présentes dans divers musées et collections privées. Il a publié quatre livres : Wayfaring, Courtes Echelles, Paris, Portait de Ville. Il est l’un des quatre fondateurs de la mission France(s) Territoire Liquide, une recherche collective sur le paysage français, initiée en 2011 et réalisée sous la direction artistique de Paul Wombell. L’oeuvre est exposée, publiée et fait l’objet d’un film.

Alice Pallot

“Suillus”, 2020

Née en 1995 à Paris, France. Vit et travaille à Bruxelles, Belgique.

Alice Pallot a étudié la photographie à l’ENSAV La Cambre à Bruxelles. Elle a exposé sa dernière série L’Île Himero au Festival Voies Off des Rencontres d’Arles, en juillet 2018. Elle a remporté le prix Roger De Conynck avec cette série. Alice Pallot a également exposé son travail au Botanique, Galerie Été 78, La Réserve, etc (Bruxelles). Elle expose également à Paris, à l’Artothèque Benjamin Rabier dans le cadre de Japonismes 2018 ainsi qu’au festival Diep-Haven. Elle est exposée au Hangar lors du PhotoBrussels Festival 2019. Elle a deux expositions prévues en 2020, notamment à la Biennale de l’image à Liège. Son livre Land est exposé en 2019 au Fotomuseum d’Anvers (FOMU) dans le cadre de l’exposition Belgian Photobook.

Elea Jeanne Schmitter & Le Massi

Elea & Le Massi

Photo du court-métrage “Ode à.”, 2020

Elle est née en 1993 en France. Il est né en 1989 au Canada. Ils vivent et travaillent à Paris. Ensemble, ils font des films.

Artiste plasticienne, Eléa Jeanne Schmitter obtient son BFA de l’Université Concordia en 2018. Elle présente son travail dans de nombreuses galeries à travers l’Europe et l’Amérique du Nord notamment à Montréal au Centre des Arts actuel SKOL, Le Livart et la galerie FOFA. Elle fait partie du livre On Death publié par Kris Graves Project en association avec Humble Arts Foundation. Elle est actuellement étudiante dans la section Art et Image de l’école Kourtrajme dirigée par l’artiste JR et le réalisateur Ladj Ly.

Le Massi est un artiste visuel, musicien et acteur. Il obtient en 2019 son BFA en photographie à l’Université Concordia, à Montréal. Son travail visuel a été exposé au Canada, en France, en Angleterre et aux États-Unis. En 2019, il est l’un des lauréats de Portrait of Britain.

Ensemble, ils ont eu un solo show au InCadaqués Photo Festival en October 2020.

Alexandra Serrano

“Jeudi 26 Mars 2020 - 15h30. Exposition : 47 minutes”, 2020

Née en 1988 à Fontainebleau, France. Vit et travaille à Paris.

La pratique d’Alexandra Serrano est sensible et poétique. Elle aborde des thèmes tels que ceux de l’identité, de l’histoire et de la mémoire qu’elle explore à travers l’expérience physique et émotionnelle des espaces construits et investis par l’homme. Son travail figure dans diverses publications et a été exposé dans des expositions collectives et individuelles à travers l’Europe, l’Amérique du Nord et l’Asie. Ses photographies ont été montrées au Festival Circulations(s) (Paris), à Fotoleggendo (Rome) et aussi lors de la 8ème édition de Chobi Mela (Dhaka), ainsi qu’à Londres, Toronto, Portland et Boston pour le Flash Forward Festival. En plus de sa pratique artistique personnelle, Alexandra enseigne la photographie aux étudiants en BA à l’université de la Sorbonne et donne des ateliers de photographie en collaboration avec divers musées et institutions à Paris comme la MEP, le BAL, le musée Nicéphore Niepce ou le Centquatre.

Frédéric Stucin

“Rue Rambuteau/ Rue Saint Denis, Paris” (série “The setting”), 2020

Né en 1977 en France. Vit et travaille à Paris.

Diplômé de l’Ecole des Arts décoratifs de Strasbourg et de l’Ecole nationale supérieure Louis Lumière, il commence à travailler comme photographe de presse en 2002. Il réalise de nombreuses commandes, pour la presse, pour des entreprises et pour des institutions. Parallèlement, il développe son travail artistique. Il expose à travers le monde, notamment en France, aux Etats-Unis et en Australie. De 2016 à 2019, il publie quatre livres.

Mattia Sugamiele

“Gate #7, 3d compositing technique on Mecca landscape image, April 07”, 2020

Né en 1984 à Erice, Italie. Vit et travaille à Milan.

Après un diplôme en production et audio vidéo à l’IED de Milan, Mattia Sugamiele développe un intérêt particulier pour la peinture et décide de s’inscrire à l’Académie Brera de Milan, où il obtient un diplôme en Arts visuels en 2016. Il participe à des expositions collectives à la First Art Biennale (Trapani, 2013), Villa Gori (Lucca, 2013), Magi Museum (Pieve di Cento, 2014), Former Studio of Piero Manzoni (Milan, 2014) et Space Rivoli 2 (Milan, 2016). Parallèlement à la pratique picturale, Mattia Sugamiele intègre la musique à la production vidéo notamment pour des projets au Meet Factory (2014), au Festival of European Photography (Reggio Emilia, 2014) et au Caf Central (Bruxelles, 2015). À partir de 2017, l’artiste se consacre entièrement à ses recherches incluant photographie, vidéo et peinture. Il participe à Photo Israel (Tel Aviv, 2017), Manifesta 12 (Palerme, 2018), Studi Festival (Milan, 2018 et 2019) et est inclus dans le collectif Kaleidoscope aux Art Warehouses (Trapani, 2019).

Simon Vansteenwinckel

“Wuhan Radiography”, 2020

Né en 1978, à Bruxelles. Vit et travaille à Bruxelles.

Simon Vansteenwinckel est photographe et graphiste. Fasciné par le cinéma, il réalise de nombreux reportages photo documentaires. Il est membre de l’agence Haytham Pictures de 2014 à 2015, du collectif Cyklope de 2010 à 2016, du comité de rédaction de la revue Halogénure et de l’agence Hans Lucas de 2017 à 2018. Simon Vansteenwinckel a exposé à divers endroits, notamment : Centre Rabelais (Montpellier), Voies Off (Arles), Recyclart, (Bruxelles), Festival Photo Patagonia (Rio Gallegos), Zoom Photo Festival (Saguenay), Musée de la Photographie (Charleroi), etc. Il reçoit divers prix, comme Grand Prix du public au concours Cultures on My Street (2008), Le Prix National Photographie Ouverte (2017) ou encore le Grand Prix du Jury à la 4ème édition des Nuits Photographiques d’Essaouira. Rédacteur aux éditions Le Mulet, il a déjà quelques publications à son actif.

Laure Vasconi

“Paris - 05.04.2020” (série “Léonard at Home”, 2020

Née en 1965, à Stuttgard, Allemagne. Vit et travaille à Paris.

Après des études d’architecture (Paris), Laure Vasconi étudie la photographie à l’ICP de New York. De retour à Paris, elle assiste quelques photographes de l’agence Magnum et réalise ses premiers projets personnels. Elle débute comme photographe indépendante en 1990, pour la presse et des institutions culturelles tout en exposant en France et à l’étranger et publie son premier livre en 1997. Elle participe à de nombreux festivals internationaux et expose dans différentes fondations, instituts, galeries, musées… Elle donne des cours d’art dans des écoles et collèges avec le Ministère de l’Education et de la Culture et participe aux Masterclasses des Rencontres de la Photographie à Arles. Intéressée par la mémoire, les archives, le territoire et l’identité, elle collectionne des images et histoires de familles. Elle travaille actuellement sur la mission photographique France(s) Territoire Liquide et Paysages Français à la Bibliothèque nationale de France.

HANGAR. PHOTO ART CENTER

Place du Châtelain 18, 1050 Brussels

hangar.art

25/11/20

Celeste Dupuy-Spencer @ Galerie Max Hetzler, Berlin - But the Clouds Never Hung So Low Before

Celeste Dupuy-Spencer

But the Clouds Never Hung So Low Before

Galerie Max Hetzler, Berlin

Through 9 January 2021

CELESTE DUPUY-SPENCER

There’ll Be Nobody Hiding

(When That Rough God Goes Riding), 2020

Photo: def image, Courtesy Galerie Max Hetzler

Galerie Max Hetzler presents the solo exhibition But the Clouds Never Hung So Low Before with recent paintings by CELESTE DUPUY-SPENCER at Goethestraße 2/3 in Berlin. This is the artist’s first solo exhibition outside of the USA, and with the gallery.

Celeste Dupuy-Spencer creates blistering paintings, loaded with a complex mix of iconography, drawn from the real and the imaginary. The artist grapples with urgent and fundamental issues through the symbolic and at times historical nature of its subjects. Both unflinching and empathic, Dupuy-Spencer gives life to arresting compositions that can be bleak and troubling, at times softer and endearing, in which the worldly and the extraordinary, the holy and the base, merge to present a multitude of possible meanings and narratives.

The paintings exhibited at Galerie Max Hetzler are filled with rich, hyper-narratives which do not cohere into one style, or iconographic concern. Pulling the viewer in different directions, the works form a fragmented, challenging panorama, speaking of humanity in all its duality and contradiction, as it relates to religion, politics, or nature. Moving between the literal and the existential — tensions vital in Celeste Dupuy-Spencer’s practice — the works provide an immediate and powerful emotional impact on the viewer, as they come together to explore a range of feelings, from love and hope, to fear, loss, and pain.

There is a strong religious theme running through the exhibition — a subject which has come to the fore of Celeste Dupuy-Spencer’s interrogation of contemporary experience, in recent years. Included are depictions of Christ and significant places tied to his figure and history such as the Church of the Holy Sepulchre in Jerusalem and the Messiah’s presumed tomb site nearby. As such, they seek to generate an open discussion around beliefs surrounding the divine, and how they constitute the foundations of our society.

Further works include apocalyptic scenes, such as a seascape in the aftermath of a devastating oil spill, with towering pillars of smoke and birds shown migrating away, and a monstruous volcanic eruption, with glowing lava spills engulfing an entire city. Linking to current affairs, these works hold a mirror up to the viewer, reflecting a society going up in flames. They are lucid and heart-breaking observations, which, devoid of excessive pathos or sentimentalism, reveal Celeste Dupuy-Spencer’s painting as an existential act, in a world slouching towards oblivion.

CELESTE DUPUY-SPENCER (*1979, New York City) lives and works in Los Angeles. Dupuy-Spencer was awarded the Yale Norfolk Painting Fellowship in 2006. The artist's work has been the subject of several exhibitions in renowned institutions like the Hammer Museum, Los Angeles (2018); Whitney Museum, New York (2017); Samek Art Museum, Bucknell University, Lewisburg (2016); Institut of Contemporary Art (ICA), Boston and Museum 52, New York (both 2011); Museo Tamayo Arte Contemporáneo, Mexico City and San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco (both 2010); MoMA PS1, New York and Bronx Museum (both 2008); as well as Los Angeles Contemporary Exhibitions (LACE), Los Angeles (2007). Works by Celeste Dupuy-Spencer are in the collections of the San Francisco Museum of Modern Art; Los Angeles County Museum of Art; Hammer Museum, Los Angeles; and Whitney Museum of American Art, New York.

GALERIE MAX HETZLER

Goethestraße 2/3, 10623 Berlin-Charlottenburg

www.maxhetzler.com

24/11/20

Masterwork by Clyfford Still @ Phillips' Evening Sale of 20th Century & Contemporary Art

Monumental Rare Masterwork by Clyfford Still to Star in Phillips’ Evening Sale of 20th Century & Contemporary Art

Phillips, New York

Auction: December 7, 2020

CLYFFORD STILL

PH-407, 1964

Estimate: In the Region of $17 million

Photo Courtesy of Phillips

Phillips announces a rare, Maryland work by Clyfford Still as a major highlight of the fall season. Known as one of the fathers of Abstract Expressionism, Still was regarded as an influencer to some of the most significant artists of the 20th century, including Mark Rothko and Jackson Pollock. This magnificent, large scale work was painted in 1964 after Still left the New York art scene and relocated to the Maryland countryside, specifically keeping his work out of public view. A testament to his concern for the paintings he created during this time, he left a will with strict instructions to keep them together in a Museum dedicated to his works. As a result, PH-407 is now one of only a few dozen paintings that are estimated to remain in private hands. It is a superb example from the artist’s body of work from the Maryland years of production, which are being celebrated for the first time in the current exhibition at the Clyfford Still Museum in Denver. Bearing impeccable provenance and exhibition history, this monumental masterpiece is estimated in the region of $17 million and will be included in Phillips’ Evening Sale of 20th Century & Contemporary Art on 7 December at 7pm, marking the first time that it is being sold publicly.

Miety Heiden, Deputy Chairwoman and Head of Private Sales, said, “Clyfford Still is a titan of 20th century Abstract Expressionism, but his work seldom appears on the market. Only 30 to 40 are estimated to remain in private hands, with the vast majority held in The Clyfford Still Museum and other institutional collections around the globe. His Maryland works, such as PH-407, are especially rare as he only allowed one gallery show in the last two decades of his career, refusing to part with these works and only selling on the fewest of occasions. We are honored to include such a magnificent work in our December sale, especially during a larger art historical reconsideration of his mature period.”

Despite his widespread influence, Clyfford Still’s process was particularly unique. Instead of filling canvases with expressive yet momentary gestures, as many of his peers did, the artist would gradually build up the surface of his works layer by layer, forming complex expanses of paint and emotion. While the red field that composes much of PH-407 may appear monochromatic at first glance, upon further inspection the tonal nuances and brushstrokes begin to reveal themselves. Featuring a chromatic intensity and emotive depth characteristic of Clyfford Still’s finest works, the incendiary crimson expanse and jagged black and blue shapes of PH-407 pulsate with energy. What truly defines Clyfford Still’s late work, however, is the sense of simmering movement that permeates throughout. Towards the bottom of the painting, a black form evoking a flame flickers, emitting a vibrant cobalt ember and scarlet smoke. This dynamism—lent to the work not by one form but by the relationship between multiple forms—is characteristic of Still’s mature canvases, which coalesce kinetic energy with a reductive approach. Continuously shifting in color and texture, PH-407 is emblematic of Clyfford Still’s extraordinary approach, which forever altered the course of art history. The concept for the work was originally conceived five years earlier in 1959 in a pastel study that is now part of the Clyfford Still Museum’s permanent collection. He did not return to the subject until 1964, during his famed Maryland years.

Clyfford Still refused to conform to the rules of the commercial art world and the desires of critics. And so, in 1961, he relocated from New York to an overgrown ranch in rural Maryland, a lifestyle closely resembling his childhood in Alberta, Canada. Though he had already disconnected himself from the New York art world, in order to keep developing his craft and to continue growing as an artist as he aged, Still felt he had to establish empty physical space around him to fill with his work. He converted a barn on the homestead into a studio and felt a renewed and refreshed drive to paint.

Clyfford Still went on to spend the last two decades of his life in Maryland, unequivocally the most fertile period in the artist’s career. Between 1961 and 1980, he executed approximately 380 paintings and 1,100 works on paper, more than he had created in the forty years prior. Most of these works remained in his collection and are now held in the Clyfford Still Museum, as he strived to keep them all. In 1969, however, he sold about 35 works on canvas, including PH-407, to Marlborough-Gerson Gallery—the only time his works entered the commercial art world following his disassociation from his gallerists in 1951. Several of those Marlborough works have since entered institutional collections: one has found its way back to the Clyfford Still Museum, and others are now housed by the San Francisco Museum of Modern Art and the Hirshhorn Museum & Sculpture Garden, Washington, D.C.

In 1979, the Metropolitan Museum of Art honored Clyfford Still with the greatest highlight of his career, a monumental retrospective, for which he selected 79 paintings to include from his own collection. The Met retrospective’s emphasis on Clyfford Still’s time in Maryland illuminated how the artist regarded his late period as the culmination of his oeuvre: almost half of the paintings exhibited were from the last two decades of his career.

PH-407 is only the third work from Clyfford Still’s Maryland period to ever appear at auction.

PHILLIPS NEW YORK

450 Park Avenue, New York, NY 10022

www.phillips.com

23/11/20

Jan Matejko's Copernicus @ National Gallery, London - Conversations with God

Conversations with God:

Jan Matejko’s Copernicus

National Gallery, London

25 March – 27 June 2021

JAN MATEJKO

Copernicus. Conversations with God, 1873

Jagiellonian University, Kraków

In spring 2021, an iconic painting of astronomer Nicolaus Copernicus, by the most famous Polish painter of the 19th century, Jan Matejko, will make a rare visit to the National Gallery, the first time it will ever have been seen in the UK.

The 10-foot wide painting, which rarely leaves its home in the Senate Chamber of the Jagiellonian University, Kraków, will be part of a new exhibition introducing visitors to the work of Jan Matejko (1838–1893). Despite being largely unknown outside his homeland, this highly original and distinctive artist is widely regarded as the national painter of Poland.

Jan Matejko, (pronounced Ma – tay – coe), is revered by Poles for his huge, teeming, minutely detailed depictions of key moments in the nation's history. This particular work celebrates the achievements of Polish astronomer Copernicus (1473–1543), the first person since the ancient Greeks to realise that the sun rather than the earth is at the centre of our planetary system and that we revolve around it.

The monumental canvas was painted in 1873 to mark the 400th anniversary of the astronomer’s birth. Rather than depicting Copernicus at the moment of his discovery of heliocentrism – in the painting his chart of the heavens can already be seen there by his side – Jan Matejko chose to paint him on a rooftop in his hometown of Frombork discussing the matter with God. Unlike Galileo, some 73 years later, who reached similar conclusions but who alienated the Catholic Church, Copernicus was never excommunicated for challenging traditional belief; indeed, enlightened clerics of the day celebrated his breakthrough.

This painting of a genius at work achieved almost instant fame when it was first exhibited in Kraków. It was circulated in thousands of reproductions and was subsequently acquired by subscription for the Jagiellonian University in 1873.

At the time Poland was still partitioned and debate raged about the nationality of Copernicus with both Germany and Poland claiming the astronomer as their own. This painting, showing him kneeling awestruck against a starry sky on the rooftop of the Tower at Frombork near the city’s cathedral where he served as canon, clearly positions Copernicus as Polish, thereby striking a chord with Polish people then in search of national figureheads and the work became both a symbol of Polish cultural identity and a vehicle for Polish nationalism.

The exhibition will include a copy of Copernicus’s 'De revolutionibus orbium coelestium', 'On the Revolutions of the Celestial Spheres', published in 1543 (National Maritime Museum, Greenwich, London) which marked a turning point in human understanding of our place in the universe, together with astronomical instruments (The Jagiellonian University Museum, Kraków) and a self portrait and study for 'Copernicus, Conversations with God' (The National Museum in Kraków).

Christopher Riopelle, The Neil Westreich Curator of Post-1800 Paintings at the National Gallery, says: ‘Matejko saw his role not merely as recording great events from Polish history but at expressing their deep inner meaning for Poles. He stands at the end of the long tradition of history painting and, as the wider world is re-discovering, was one of its most ingenious and provocative exponents.’

Dr Gabriele Finaldi, Director of the National Gallery, says: ‘This is the second in a series of exhibitions supported by the Capricorn Foundation, in memory of Mr H J Hyams, and brings one of Poland’s most famous pictures to the National Gallery. Matejko’s Copernicus demonstrates the artist’s ambition to create defining images for a nation that yearned to recover its sovereignty and independence.’

THE NATIONAL GALLERY

Trafalgar Square, London WC2N 5DN

www.nationalgallery.org.uk

22/11/20

Raphaël Barontini @ Mariane Ibrahim Gallery, Chicago - The Night of the Purple Moon

Raphaël Barontini

The Night of the Purple Moon

Mariane Ibrahim Gallery, Chicago

23 January - 26 february 2021

RAPHAËL BARONTINI

Eweka 1, 2020

Acrylic, ink and silkscreen on canvas.

Courtesy Mariane Ibrahim.

Mariane Ibrahim presents a solo exhibition with RAPHAËL BARONTINI, The Night of the Purple Moon, marking the gallery’s inaugural presentation with the artist and his first solo gallery show in the United States.

The gallery will be transformed into a Galerie des Illustres, an otherworldly environment with large scale portraits on canvas, cloaks, chaps and flags. Fictional heroes and historical reinterpretations embellish subjects from classical and canonical histories: from the Caribbean, Voodoo and magical deities, to function as a way for formerly enslaved humans to hold on to their African identity, despite the violence of Western colonialism. Raphaël Barontini illuminates disparities in the visual and cultural history of the French Caribbean, which is rooted in African ancestry, yet virtually saturated with culture of an insular Caribbean.

The Night of the Purple Moon, is a lyrical coalescence of classical painting and fragments of contemporary culture. The paintings unveil works that adorn and disrupt the architype of heroes and, bestow a counter history and moment of reinvention of the Hero as an assemblage of various synergetic forces. The aim of this estrangement is primarily to alert the spectator of a different perception of the world; to renew the senses by distancing them from their conventional representations. The Night of the Purple Moon then becomes a place to nurture found freedom, creativity and pride.

Inspired by creatives such as Romare Bearden, and Hannah Höch who collaged a handful of materials and ideas to reflect the glitches of modern civilization during their time, Raphaël Barontini meticulously builds a vernacular language of symbolism, artifact, and ritual.

The Night of the Purple Moon, embraces a nocturnal environment, where vibrant purples imbued with magic and new possibilities in which narratives emerge to catalyze a forthcoming revolution. From works on canvas, to large scale textile pieces to wearable garments – the artist presents the possibility of a new visual language, while referencing modern technology. Mixing different eras, spaces and geographies, the composite portraits arise from different types of media.

RAPHAËL BARONTINI (b.1984, France; works and lives in Saint-Denis, France) is influenced by processes of creolization and the philosophies of French Caribbean thinkers. He intentionally depicts real and imaginative heroes from Africa and the Caribbean to present narratives that are under-represented in the dominant history of art. Raphaël Barontini’s installations become site specific, and his works draw attention to architecture by obscuring its legibility and orthodox arrangement, while reconstructing and sharing a sort of counter-history.

Raphaël Barontini’s practice involves bold silkscreens and digital prints that embellish a variety of materials including flags, banners, pennants, curtains, tapestries, capes and more. His primary medium is painting of which he uses to question the classical codes of the bi-dimensional medium. His works are immersive, and have been activated by live performances. They are also often creatively installed as standing or suspended objects. The large scenographies enable him to engage the spectrum of classical painting. The subjects, patterns, and archival material draw attention to postcolonial rhetorical questions and criticisms that confront history and emphasize its present day relevance within large scale streams of information and media.

Raphaël Barontini has exhibited work in galleries and institutions globally including MAC VAL Museum, Museo Nacional de Bellas Artes, The Pill, New Art Exchange Museum and the SCAD Museum of Art. He has also participated in international biennales in Bamako, Casablanca, Lima and Thessaloniki.

He was the 2020 artist in residence in Singapore for LVMH Métiers d’Art.

MARIANE IBRAHIM

437 North Paulina Street, Chicago, IL 60622

marianeibrahim.com