2025 Annual Exhibition @ The Campus, Hudson, NY - A platform for expansive thought and free-ranging artistic expression

2025 Annual Exhibition

The Campus, Hudson, NY

Through October 26, 2025

The Campus presents its second annual exhibition, on view through October 26, 2025. Organized by Timo Kappeller, this exhibition stretches over 35 rooms and the surrounding grounds of the former Ockawamick School in Claverack, NY, newly revived as a dynamic venue for contemporary art. As in the 2024 edition, The Campus seeks to build community and foster dialogue in upstate New York, and many of the included artists have ties to the region. Performances and programming are scheduled throughout the run of the exhibition.

A diverse group of artists has been invited to respond to the spatial rhythm of the site and layer new meaning atop existing associations and touchstones. Thirty solo and duo full-room installations anchor the show alongside focused group presentations of painting, photography and ceramics. These site-responsive activations, recently created artworks, and historical reevaluations were developed through a yearlong process-led and artist-driven curatorial strategy. Rather than situating these works within a thematic framework, The Campus functions as a platform for expansive thought and free-ranging artistic expression.

Selected highlights:

Recent large-scale paintings by Rita Ackermann take earlier work as a starting point to reexamine a scene from multiple angles. Relationships between bodies of work, camera and picture plane, and abstraction and figuration are layered in a state of continual flux.

Corydon Cowansage’s murals and paintings suffuse a former classroom with hypnotic color and sensual shapes, straddling the space between biological and botanical imagery.

Rarely seen sculptures by Ming Fay explore the symbolic resonance, shape, color, and texture of fruits, seeds, seashells, and other nature-inspired hybrid forms—enlarged to invite both encounter with and appreciation of the natural world.

Katharina Grosse, known for large-scale site interventions, has conceived two adjoining silk-draped rooms in visual dialogue with mirrored works by Daniel Buren and improvisational sculptures by Arlene Shechet.

Exploring the unknowability of his own body, Naotaka Hiro presents a bronze sculpture along with a pair of new paintings—maps of a body’s workings as it grapples with the painting’s surface from above and below.

Char Jeré’s layered installation draws on Afro-fractalist theory, her own autobiography, and a background in data analytics to examine the ways in which the built networks of our world enact a complicated relationship between race and technology.

A group of vibrant soft sculptures by Marta Minujín epitomize her ongoing pursuit of a radically dynamic and temporal art, implicating the body of the artist, the viewer, and the body politic.

Drawing sessions hosted by Oscar Murillo Studio took place throughout the opening weekend (end of June), and visitors of all ages were invited to draw freely on canvases in a celebration of collective spirit. The canvases will go on to become part of a collaborative artwork for the 36th São Paulo Biennial.

Naudline Pierre debuts new paintings and works on paper in a large former classroom, inviting viewers to step into her immersive and otherworldly landscapes that situate personal mythology and transcendent intimacy alongside canonical narratives of devotion.

Dana Schutz and Ryan Johnson—partners in life and studio—present an exchange between their practices, combining Schutz’s paintings with Johnson’s sculptural forms in a spirited interplay.

Kiki Smith’s dreamlike photographs, sculptures, and textile works illustrate a multifaceted reflection on how the literal and symbolic meanings of light and sight affect the human condition.

A compelling group of sculptural wooden wall works by Richard Tuttle, recently made in New Mexico and on view for the first time, offer insight into the artist’s ongoing investigation of material and form.

An immersive, museological display by Francis Upritchard features sculpture and works on paper that tread the line between realism and fantasy, fusing her idiosyncratic blend of references from literature, ancient sculptures, burial grounds, science fiction, folklore, miniatures, and frescoes.

Participating artists include: Rita Ackermann, Lisa Alvarado, Jean Arp, Tauba Auerbach, Trisha Baga, Ranti Bam, Ernie Barnes, Huma Bhabha, Blinn & Lambert, Katherine Bradford, Daniel Buren, William Copley, Corydon Cowansage, Sarah Crowner, Carmen D’Apollonio, Michael Dean, Mark Dion, Hadi Falapishi, Monir Shahroudy Farmanfarmaian, Ming Fay, Jason Fox, Magdalena Suarez Frimkess, Vanessa German, Ann Gillen, Jan Groover, Katharina Grosse, Nicolás Guagnini, Daniel Guzmán, Maren Hassinger, Cynthia Hawkins, Paula Hayes, Lena Henke, Naotaka Hiro, Marcus Jahmal, Xylor Jane, Ann Veronica Janssens, Char Jeré, Ryan Johnson, Allison Katz, Byron Kim, Zak Kitnick, Andrew Kuo, Alicja Kwade, Dr. Lakra, Jim Lambie, Liz Larner, Margaret Lee, Fernand Leger, Richard Long, Liz Magor, Sylvia Mangold, Marta Minujín, Oscar Murillo, Aliza Nisenbaum, Mary Obering, Virginia Overton, Paul Pfeiffer, Naudline Pierre, Charles E. Porter, Nancy Rubins, Dana Schutz, Nancy Shaver with Wolf, Arlene Shechet, Dana Sherwood, Elias Sime, Skuja Braden, Kiki Smith, Monika Sosnowska, Vivian Suter, Toshiko Takaezu, Cynthia Talmadge, Richard Tuttle, Francis Upritchard, Nari Ward, Lawrence Weiner, Jordan Wolfson, Stanley Wolukau-Wanambwa, Molly Zuckerman-Hartung.

The Campus is owned and operated by a consortium of six galleries: Bortolami, James Cohan, kaufmann repetto, Anton Kern, Andrew Kreps, and kurimanzutto. 

The exhibition is curated by Timo Kappeller, Artistic Director of The Campus. Curatorial team: Jesse Willenbring and Shira Schwarz. Embracing a collaborative model, the galleries have turned an abandoned former school building into a platform for cultural exchange.

THE CAMPUS 

341-217 Hudson, NY

www.thecampusupstate.com

2025 Annual Exhibition @ The Campus, Hudson, NY, June 28 - October 26, 2025

Daniel Burren @ Tucci Russo Studio per l’Arte Contemporanea, Torre Pellice - "Bas-reliefs and High Reliefs. In situ and situated works 2020-2024"

Daniel Buren

Bassorilievi e Altorilievi

Lavori in situ e situati 2020-2024*

Tucci Russo Studio per l’Arte Contemporanea, Torre Pellice

10 March - 28 July 2024

* “Bas-reliefs and High Reliefs. In situ and situated works 2020-2024”

Tucci Russo Studio per l’Arte Contemporanea presents the fifth exhibition of the French artist DANIEL BUREN with the gallery in its Torre Pellice venue, following his first solo show in 1985 in the then premises, Mulino Feyles, in Corso Tassoni in Turin.

One of the leading exponents of Conceptual Art, Daniel Buren boasts an international career spanning more than 50 years. Since the mid-1960s, the artist has chosen to experiment with the zero degree of painting by using an industrial fabric with vertical stripes 8.7 cm wide, alternating white with another colour. Starting from a simple visual register, Daniel Buren leads the observer to shift his attention from the work to the entire physical and social environment on which he intervenes. Since 1967, the artist has abandoned studio work in favour of interventions made in situ (streets, galleries, museums, landscapes, buildings), creating works that are simultaneously related to painting, sculpture and architecture. Believing in the combination of art and life and playing with colours, light, viewpoints and movement, the artist radically transforms the surrounding space and stimulates the direct involvement of the public.

Daniel Buren’s work lies between action and intervention and undergoes constant development and diversification. The exhibition unfolds in two exhibition halls of the gallery where the artist will present a nucleus of 14 works, 7 of which are situated (to use the term Buren himself adopts) and 7 made in situ; in other words, they have been created in relation to their surroundings and inspired by the space in which they are placed. Reconnecting with the concept of sculpture, the title of the exhibition picks up on the techniques of high relief and bas-relief used by man since earliest times. Whereas in high relief the figures stand out strongly from the surface and protrude almost in the round from the plane, in bas-relief they emerge to a much lesser extent. Similarly, some of Daniel Buren’s works in the exhibition feature coloured prisms and/or striped decoration that clearly emerge from the wall, unfolding one after the other or alternating with mirrored surfaces. The latter, reflecting their surroundings, incorporate the space and interact with it and the viewer. Together with the prisms, they create a succession of voids and solids (as in Baroque art), positioning themselves between painting, sculpture and architecture. Other works on display, on the other hand, are realised by means of square iron grids with different textures which, as they develop in sequence, protrude to a lesser extent from the wall, creating an effect (like a bas-relief) that is less projecting and recalls a relief painting. With their decorative force, Daniel Buren’s works transform the place in which they are placed and stimulate the visitor to reflect on his perception of it.

DANIEL BUREN (Boulogne-Billancourt, France, 1938) lives and works in situ. Earlier he trained at the École des Métiers d’Art. The many locations of his interventions include some of the major Parisian institutions such as Fondation Vuitton, Palais de Tokyo, Centre George Pompidou. He is also the author of the permanent in situ work “Les Deux Plateaux” (1985-86) located in the Court of Honor of the Palais-Royal in Paris, as well as hundreds of in situ and permanent works conceived and made for public places all around the world among which Japan, Italy, Spain, Germany, USA, Canada, Mexico, China, Korea etc... A brief selection of international interventions as one-man shows includes: Städtisches Museum, Mönchengladbach, Germany (1971); Stedelijk Museum, Amsterdam, Netherlands (1976); Kröller-Müller Museum, Otterlo, Netherlands (1976); Van Abbemuseum, Eindhoven, Netherlands (1976); PAC - Padiglione d’Arte Contemporanea, Milan, Italy (1979); Detroit Institute of Arts Museum, Detroit, USA (1981); Brooklyn Art Museum, New York, USA (1988); Kunstmuseum Bonn, Germany (1995); San Francisco Museum of Modern Art, USA (2003); Guggenheim Museum, New York, USA (2005). In 1965 he won the Paris Biennale Prize, then in 1986 he represented France at the 42nd Venice Biennale where he won the prestigious Golden Lion as best pavilion. In 2007 he received the Praemium Imperiale for Painting from the Japan Art Association and in 2024 the Premio Internacional de Mecenazgo awarded by the Callia Foundation of Spain.

For further information: www.danielburen.com

TUCCI RUSSO STUDIO PER L'ARTE CONTEMPORANEA

Via Stamperia 9 - 10066 Torre Pellice (near Turin)

www.tuccirusso.com

Daniel Buren @ Musée des Beaux-Arts de Dijon - BJRV in situ sur plateau

Daniel Buren

BJRV in situ sur plateau

Musée des Beaux-Arts de Dijon

17 novembre 2021 - 28 février 2022

Grâce à un partenariat initié par l’association Interface, le Musée des Beaux- Arts de Dijon réactive un ensemble d’éditions de Daniel Buren, issu du projet développé par l’artiste en 2013 pour la page centrale du journal horsd’oeuvre n°32. Le journal, édité par Interface, propose à chaque numéro une page blanche centrale, offerte comme support à un artiste invité, et conçue comme une extension à son activité de programmation d’expositions.

Sur le format A2 du journal (59,4 x 42 cm), Daniel Buren a laissé le champ ouvert à 4 possibilités grâce à 4 couleurs (bleu, jaune, rouge, vert) utilisées une par une, à chaque quart du tirage global avec un renversement ou/et une inversion « en miroir » de la forme proposée, qui permettent d’obtenir 4 pages différentes. Pour réunir une vue d’ensemble, il fallait donc, au moment de la diffusion du journal, cueillir 4 exemplaires différents déposés arbitrairement dans les lieux d’art contemporain où il est distribué.

Chaque page fonctionne toutefois de façon autonome, sans trahir le principe de base du travail de l’artiste, malgré le format imposé : une répartition de rayures verticales (d’une largeur habituelle de 8,7 cm) à partir du centre du papier, le tout coupé par sa diagonale pour former un aplat de la même couleur que les rayures qui formaient le reste du format. La largeur du papier n’étant pas un multiple exact de 8,7 cm, les bandes sur les extrémités gauche et droite sont légèrement plus petites : ce n’est donc pas une erreur d’impression, la diagonale ne passe pas tout à fait par les angles du papier. Ces dimensions données offrent à l’artiste une manière de questionner la notion d’espace, de hors champ, et d’amorcer une réflexion au-delà du format imposé. La diagonale est tracée comme si les bandes extrêmes étaient complètes, d’où ce décalage de quelques millimètres par rapport à l’angle du papier. Le jeu des 4 couleurs, le renversement ou basculement du dessin original apportent de la matière à faire oeuvre et pas seulement édition.

Au moment de certifier les éditions, l’artiste propose deux principes fondamentaux qui déterminent la façon de les présenter. Il s’agit tout d’abord de respecter l’ordre alphabétique des couleurs de haut en bas (donc : bleu, jaune, rouge, vert) et de présenter les unes au-dessus des autres les 4 éditions. Une liberté est laissée à l’acquéreur de tourner dans un sens ou dans l’autre (tête-bêche) chacune des éditions en respectant évidemment le sens des rayures verticales. Ce détail produit au final 16 variantes d’accrochage à partir d’un même ordre des couleurs.

Dans une nouvelle configuration, à plat sur un plateau permettant une vue plongeante opposée à la lecture habituelle sur murs verticaux, l’oeuvre vient poser sa rigueur géométrique et ses combinatoires géométriques au sein du décor médiéval de la Tour de Bar, le plus ancien bâtiment du musée. Cette présentation témoigne du dialogue toujours fécond qu’entretiennent le musée et sa collection avec l’art d’aujourd’hui.

Au-delà de l’installation, Interface fait don au musée d’une série de quatre tirages originaux numérotés par l’artiste, qui permettra à l’oeuvre de Daniel Buren de faire son entrée dans les collections du Musée des Beaux-Arts de Dijon.

Après les expositions Yan Pei-Ming L’Homme qui pleure, organisée en 2019 en partenariat avec le Consortium, et après Halle 38 années tropiques, fruit en 2020 d’un travail en commun avec le Frac Bourgogne, associant des jeunes artistes pour la plupart issus de l’ENSA de Dijon, le Musée des Beaux-arts poursuit une politique de collaboration avec les acteurs de l’art contemporain dijonnais en offrant à Interfaces la possibilité d’investir une salle du musée. 

Cette présentation des éditions de Daniel Buren au musée des Beaux-Arts de Dijon s’inscrit en écho à l’oeuvre Point de vue ascendant, travail in situ produit par Interface pour le jardin de la Banque de France et visible par tous depuis la rue piétonne des Godrans à Dijon.

MUSÉE DES BEAUX-ARTS DE DIJON

Palais des ducs et des États de Bourgogne

Place de la Sainte-Chapelle, 21000 Dijon

beaux-arts.dijon.fr

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Daniel Buren, Bozar Palais des Beaux-Arts, Bruxelles

Daniel Buren. Une Fresque
BOZAR Palais des Beaux-Arts, Bruxelles
19 février - 22 mai 2016

Daniel Buren, artiste français de renommée internationale est connu pour ses interventions in situ, caractérisées par la présence d’un motif récurrent constitué d’une alternance de bandes blanches et colorées. Le caractère spécifique et la nature souvent éphémère des travaux de Daniel Buren (80% de ses oeuvres n’existent plus !) rendent impossible l’idée d’une rétrospective classique de son oeuvre.

Avec cette exposition intitulée Une Fresque, Daniel Buren propose une réponse originale à cette problématique. Cette exposition est conçue comme une traversée visuelle et temporelle au cours de laquelle Daniel Buren instaure un dialogue entre son travail et des oeuvres choisies de plus de 70 artistes du XXe et XXIe siècle. Ces artistes qui ont marqué son propre parcours artistique, de Paul Cézanne, Fernand Léger à Pablo Picasso, en passant par Jackson Pollock, Sol LeWitt jusqu'à Pierre Huyghe et bien d’autres.

En outre, une oeuvre spécifique, sous la forme d’un film réalisé par l’artiste, proposera un vaste panorama de ses travaux des années ’60 à nos jours, et plus particulièrement de ses interventions éphémères. Cette véritable ‘fresque’ aux multiples écrans sera constituée d’images d’archives, d’extraits de films, de commentaires et d’interviews…

En marge du circuit d’exposition, Daniel Buren va réaliser une intervention dans le Hall Horta en relation avec l’architecture du Palais des Beaux-Arts.

Daniel Buren a conçu et imaginé Une Fresque spécifiquement pour les espaces du Palais des Beaux- Arts, en collaboration avec le commissaire Joël Benzakin. Cette exposition se veut une étape incontournable dans le parcours récent de Daniel Buren.

DANIEL BUREN : COURTE BIOGRAPHIE

Daniel Buren (né en 1938, Boulogne- Billancourt) est l’un des artistes contemporains les plus connus et influents de sa génération. Depuis la fin des années 1960, cet artiste français jouit d’une renommée internationale grâce à ses interventions in situ. Ses oeuvres sont toujours liées à un lieu ou une situation spécifiques, qu’il s’agisse d’institutions artistiques, de lieux privés ou d’espaces publics. Si la majeure partie de ses interventions sont éphémères, Daniel Buren a également à son actif des oeuvres permanentes, conservées dans des collections publiques et privées les plus prestigieuses. L’une des plus célèbres étant Les Deux Plateaux (1986), une gigantesque installation de 3000 m² dans la cour d’honneur du Palais-Royal, à Paris. Il a ainsi investi, entre autres, le Centre Georges Pompidou en 2002, le Guggenheim de New York en 2005, et plus récemment, la nef du Grand Palais lors de Monumenta 2012.

Daniel Buren compte à son actif plus de 2600 expositions dans le monde entier. Buren a participé à plusieurs reprises à la Documenta de Kassel et à la Biennale de Venise (où il a remporté de Lion d’or en 1986). En 2007, il a reçu le Praemium Imperiale, décerné par l’empereur du Japon – une distinction considérée comme le prix Nobel des arts visuels.

Depuis 1967, Daniel Buren utilise pour ses interventions un motif récurrent inspiré des stores des magasins et bistrots parisiens : une alternance de bandes verticales blanches et colorées, chacune d’une largeur de 8,7 cm. L’artiste cherchait un signe, un outil visuel, capable de s’imposer dans et en dehors du musée. La rue ou les espaces d’exposition de toute nature sont ainsi devenus ses lieux d’intervention privilégiés, les bandes alternées n’ayant de signification que par le rapport qu’elles entretiennent avec le site où elles sont installées. L’erreur serait de ne les considérer que pour elles-mêmes, car elles ne sont qu’un moyen destiné à révéler un lieu et opérer le nécessaire déplacement du regard voulu par l’artiste.

DANIEL BUREN. UNE FRESQUE : L'EXPOSITION

Cette exposition est avant tout construite à partir du point de vue de l’artiste, de ses réponses particulières à la possibilité - compte tenu des exigences de son travail - de « figurer » une traversée, un parcours dévoilant les relations qu’il entretient avec son époque et les différentes tendances de l’art, ou plus largement de la culture, qui ont intéressé ou influencé sa pratique. Travaillant in situ, Daniel Buren continue d’affirmer sa spécificité au travers de nombreuses interventions, la plupart du temps éphémères, qui constituent la majorité de ses travaux. Comment, dès lors, rendre compte de la richesse de ses réalisations et de leurs rapports aux contextes de leurs apparitions, qu’elles soient éphémères ou pérennes? Cette simple question a immédiatement soulevé les problèmes posés par l’idée d’une rétrospective et de son impossibilité, comme l’avait très bien montré son exposition au Centre Georges Pompidou, « Le Musée qui n‘existait pas », en 2002.

Une Fresque cherche à répondre, d’une manière active, non chronologique et comme souvent, surprenante, à ces questions. Construite autour d’un dialogue entre l’artiste et le commissaire de l’exposition, Joël Benzakin, elle s’articule autour de deux grandes propositions : une ‘exposition collective’ et un film.

Cette exposition de Daniel Buren constitue donc une étape incontournable pour une plus large compréhension de son travail, des enjeux esthétiques qu’il affirme et de la richesse insoupçonnée de ses nombreuses réalisations permanentes et éphémères dont la mémoire ne nous était jusqu’alors accessible qu’au travers de nombreuses publications.Cette grande ‘fresque’ des travaux de Daniel Buren va enfin nous permettre de mieux entrevoir la diversité, l’intelligence, la générosité et l’importance de son oeuvre.

Une « Exposition collective »

La quasi-totalité du parcours de l’exposition et des espaces qui lui sont attribués accueillera un choix d’oeuvres, non exhaustif, de plus de 70 artistes du XXe et XXIe siècle, sélectionnées et disposées par Daniel Buren. Cette proposition est conçue comme une traversée visuelle et temporelle au cours de laquelle Daniel Buren instaure un dialogue entre son travail et les oeuvres sélectionnées. Elles ont marqué d’une manière ou d’une autre son propre parcours artistique, de Paul Cézanne, Fernand Léger à Pablo Picasso, en passant par Jackson Pollock, Sol LeWitt jusqu'à Pierre Huyghe et bien d’autres.

DANIEL BUREN : « Chaque choix - celui d'un artiste et celui d'une oeuvre précise - a été décidé en suivant une ligne directrice articulée autour de mon propre parcours d'artiste. Je parle donc ici en termes d'admiration, d'influence, de rapprochement, d'interrogation, de stimulation et de projection, en traversant l'histoire de l'art de ces 150 dernières années. Toutes les oeuvres représentent des étapes essentielles dans ma pratique, aucune n'est anodine ou aléatoire, et je me permets d'insister sur l'apport essentiel que constitue chacune d'entre elles dans l'exposition ».

Le film

Le second axe important de cette exposition est constitué par un film de Daniel Buren, qui est à la fois document et oeuvre à part entière. Le film réunit une très large sélection de ses interventions, depuis le début de sa carrière jusqu’à aujourd’hui, au travers d’une minutieuse sélection d’images de ses travaux et de leur contexte, d’archives audio-visuelles d’expositions, d’entretiens, d‘interviews, de débats, d’extraits de films sur Daniel Buren, d’archives sonores, radiophoniques, de commentaires et d’interviews actualisés de personnalités de différentes disciplines parlant de leur rapport aux oeuvres de Daniel Buren. Un film qui sera présenté comme un mur d’images où se croisent, sans brouhaha, une multitude d’images, fixes et animées, de paroles et de sons ; le déroulement d’un parcours artistique, vu par son auteur et ouvert simultanément à d’autres points de vues : par analogie, une véritable ‘fresque’.

DANIEL BUREN : « Le film qui s'intitulera ‘Une Fresque, sera la première tentative de mettre en images une sorte de rétrospective la plus complète possible de mon travail depuis les années 60 à aujourd'hui. Comme j'ai déjà effectué plus de 2.600 expositions, il ne s'agira pas d'être exhaustif, mais de remettre en mémoire une majorité d'oeuvres détruites et permettre ainsi une perspective cohérente et la plus complète possible, aux spectateurs. Ce film comportera des images d'archives, des entretiens (anciens) et d'autres réalisés spécialement pour ‘Une Fresque’, des extraits de films, des extraits de vidéos, et tout autant d'images, de sons, s'étendant sur plus d'une cinquantaine d'années de travail... »

DANIEL BUREN, PERFORMANCE "COULEURS SUPERPOSEES", 23 avril 2016

Daniel Buren présentera sa performance Couleurs superposées au Palais des Beaux-Arts lors du week-end de ART BRUSSELS (22-24 april 2016). Couleurs superposées a été initié à Genazzano en Italie en 1982 dans le cadre du projet collectif intitulé « La zattera di Babele » (Le radeau de Babel). Travail réalisé en public, d’une durée d’une heure, et composé d’actions successives de collage et de décollage. Pendant une quarantaine de minutes, cinq acteurs collent sur un mur des papiers rayés de blanc et de couleurs en suivant les instructions de l’artiste et en faisant se superposer exactement les bandes blanches. Les spectateurs découvrent des couleurs et des formes qui apparaissent puis disparaissent lors de chaque nouvelle superposition. Durant les vingt autres minutes, les acteurs, toujours en suivant les indications de l’artiste, déchirent les papiers qui viennent d’être collés, faisant réapparaître les couches précédentes par fragments. Les spectateurs sont les témoins de l’évolution du travail, sur un tableau qui n’est jamais fini et dont les différentes étapes ne sont retenues qu’en souvenir.

Publication

La publication consacrée à cette exposition prendra la forme d’un journal dans l’esprit du The Buren Times en 2005. Ce journal aux diverses rubriques abordera certes l’exposition, mais aussi l’historique des interventions de Daniel Buren en Belgique, des déplacements récents de l’artiste et documentera une sélection de ses travaux les plus marquants de ces dix dernières années en Europe, ainsi qu’une sélection de ses travaux dans des domaines aussi divers que le théâtre, la danse, la mode, la musique et l’architecture. Avec des interviews et textes de Daniel Buren, Joël Benzakin, Rudi Fuchs, Luk Lambrecht, Paul Dujardin etc.

Commissaire de l'exposition : Joël Benzakin

Partenariat privilégié : Musée national d’art moderne Paris, Centre Pompidou

BOZAR Palais des Beaux-Arts, Bruxelles
www.bozar.be

Daniel Buren, One Thing To Another, Situated Works. Exhibition at Lisson Gallery, London

Daniel Buren

One Thing To Another, Situated Works

Lisson Gallery, London

Through 14 January 2012

Daniel Buren is one of France's most influential living artist. An exhibition of new site specific and situated works is on view in London at Lisson Gallery (29 Bell Street gallery's space). The exhibition include a large scale installation and outdoor work. For over forty years Daniel Buren has examined the role of the gallery as a supposedly neutral space. He creates works “in situ”, by working within the context of existing architectural, spatial and social elements. 

Since the 1960s Daniel Buren’s critical analysis of painting -attempting to refine the act to an elemental form - led him to find what is now a trademark “visual tool”, the use of 8.7cm wide white and coloured vertical stripes. Once chosen for its anonymity and neutral presence, the stripe has become a signature for Buren’s work. Daniel Buren explains: “The visual tool is no longer a work to be seen, or to be beheld, but is the element that permits you to see or behold something else”.

For his exhibition at Lisson Gallery, Daniel Buren developed A Perimeter for a Room (2011), a new work in situ for the gallery main space. The work traces a line following the full perimeter of the space. The horizontal transparent Plexiglas panels coloured with self-adhesive vinyl, lined up sequentially at a set height along the walls, alter our perception of space by introducing a new height within the room and by washing the walls with coloured shadows.  While the work uses a familiar vocabulary in Daniel Buren’s oeuvre: colour, light and black and white 8.7 cm stripes, A Perimeter for a Room defines an entirely new system in its treatment of interior space that opens the way for new developments. 

The gallery front rooms present a series of works based on an entirely new material made of woven fibre optics. Daniel Buren started to develop works using this technology in 2006, in collaboration with fabric specialists Brochier in Lyon, and presented it in exhibitions in Lille, Lyon and most recently as part of his solo exhibition in Kunsthalle Baden Baden earlier this year. The panels in combinations of rectangular and square shapes create a powerful visual effect, with alternating white and coloured stripes illuminating the space that surrounds them. When unlit, they present a simple surface of white, equivalent to a piece of suspended cloth in linen or cotton.  The relationship of the works to the space is architectural, with the panels placed either at the middle of the wall or defining its vertical or horizontal limits.

The exhibition extends outdoor with 4 colours at 3 metres high (2011), a variation on the theme of pergola and ‘attrape soleil’, which Daniel Buren has explored in several public works, which play with outdoor light, the movement of the sun and coloured shadows such as La Tonnelle, presented at the Venice Biennale in 2007, or the covered walkway Passages under a colored sky (2007) in Anyang, South Korea.

SHORT BIOGRAPHY: DANIEL BUREN was born in 1938, in Boulogne-Billancourt (near Paris). Today he is considered one of the most significant figures in conceptual art, pushing the once self-imposed limit and developing it into a complex and varied language. He employins the stripe across canvas, plexiglas, aluminium, wallpaper, and architectural elements, experimenting with light, colour and reflection.  Although now one of the most in demand artists by commissioning bodies across the world, in 1969 he was once arrested for covering billboards in Berne with his stripes. The occasion was Harald Szeemann’s seminal exhibition ‘When Attitude Becomes Form’, in which the artist decided to take part without being invited. In 1971, Daniel Buren created an epic installation at the Guggenheim, New York by dressing the central rotunda with a 20 metre high striped cloth. The work was so commanding that it was removed, to great outrage, after fellow artists Donald Judd and Dan Flavin claimed it compromised their works in the same group exhibition. Buren was invited back in 2005, creating a reflective tower that reached the roof of the rotunda, accentuating the powerful architectural features of Frank Lloyd-Wright’s iconic building while placing no works along the ascending ramp with the exception of the projection of coloured sunlight.

Daniel Buren’s major public interventions can now be seen worldwide at locations including The Palais-Royal in Paris; Odaïba Bay, Tokyo and the Ministry of Labour, Berlin. Few artists are invited as regularly to take part in major international exhibitions as Daniel Buren. The french artist was invited three times to Documenta in Kassel and more than ten times to the Venice Biennale, being awarded the Golden Lion in 1986. Recent exhibitions include a work in situ commissioned for the opening of Turner Contemporary, Margate and his large scale retrospective of works in situ, a joint initiative between Mudam, Luxembourg and Centre Pompidou Metz, France. Daniel Buren has been commissioned to create a new permanent installation for the Oxford Street entrance and ticket hall at the upgraded Tottenham Court Road tube station, to be completed in 2016. 200,000 passengers will pass the work each day.

Daniel Buren's recent public exhibitions: Chapelle Jeanne d'Arc, Thouars, France (2011); Centre Pompidou Metz, France (2011); Mudam, Luxembourg (2011); Turner Contemporary, Margate (2011); Staatliche Kunsthalle, Baden-Baden, Germany (2011); Synagogue Stommeln, Pulheim, Germany (2010); and Neues Museum, Nuremberg, Germany (2010).

LISSON GALLERY, LONDON 

www.lissongallery.com 

Daniel Buren au Mudam Luxembourg

Daniel Buren, Architecture, contre-architecture : transposition. Travail in situ.
Mudam Luxembourg
9 octobre 2010 - 22 mai 2011

L’exposition de Daniel Buren dans le Grand Hall du musée est le fruit d’une invitation qui lui a été faite conjointement par le Mudam et le Centre Pompidou-Metz à imaginer une installation spécifique en réponse à leurs espaces respectifs. Comme souvent dans son oeuvre, l’installation que l’artiste a conçue pour le Mudam s’intéresse aux « cadres » – qu’ils soient esthétiques, architecturaux ou institutionnels – qui conditionnent tout art exposé, en en rendant visibles certains aspects.

L’oeuvre que Daniel Buren développe depuis plus de quarante ans est familière aux Luxembourgeois grâce notamment à une série d’oeuvres extérieures, intitulée D’un cercle à l’autre – Le paysage emprunté, installée depuis 2001 à différents endroits autour de la vieille ville. Prenant la forme de panneaux carrés, rayés de bandes oranges et blanches et percés de grandes ouvertures rondes, elle pointe notre attention vers différentes vues pittoresques sur la ville, en proposant une « image » encadrée. Les rayures ont pendant longtemps été considérées par l’artiste comme un « outil visuel » : sans signification propre mais emblématiques de son oeuvre, elles font office de signalétique, servant essentiellement à attirer l’attention et à orienter les regards. Au fil du temps, elles sont également devenues la signature de l’artiste.

Avec son installation au Mudam, Daniel Buren s’attaque au « cadre » le plus symbolique du musée, à savoir l’architecture d’Ieoh Ming Pei, tout en détournant, non sans une certaine ironie, l’invitation à exposer dans l’espace central du Grand Hall, qui condense à lui seul le discours architectural de Pei. En réponse à ces « contraintes », Daniel Buren déplace dans le Grand Hall un fragment entier de l’architecture : son installation reprend à l’échelle 1 : 1 la forme du pavillon du musée, qui partage avec le Grand Hall de nombreuses similitudes, à commencer par le même type de verrière. En exposant, avec cette installation d’une envergure rare, l’architecture dans l’architecture, Daniel Buren ne souligne pas seulement certaines caractéristiques architecturales du musée, il met également l’accent sur la fonction du bâtiment comme « enveloppe » de l’art. Ce n’est pas la première fois que Daniel Buren détourne l’architecture muséale. Comme dans certaines de ses interventions passées, il expose ici le musée dans le musée, mettant ainsi l’accent sur les limites entre intérieur et extérieur, non seulement du bâtiment, mais aussi de l’art lui-même. 

Au-delà de cette lecture critique des « cadres » artistiques, se distinguent également dans les oeuvres récentes de Daniel Buren des considérations davantage picturales, qui peuvent évoquer ses premières oeuvres, lorsque, dans les années 1960, il s’est approché d’une peinture la plus immédiate possible, n’ayant d’autre signification qu’elle-même. En utilisant la couleur et la lumière, deux matériaux de base de l’art pictural, Buren crée, avec cette verrière colorée, une sorte de peinture tridimensionnelle qui ne s’accomplit qu’à travers le regard attentif des spectateurs déambulant dans l’espace. C’est l’expérience visuelle du spectateur qui est ici au centre de l’intérêt de l’artiste.

Commissaire : Enrico Lunghi

En collaboration avec le Centre Pompidou-Metz. Invitation conjointe à Daniel Buren - Exposition au Centre Pompidou-Metz : 16/05 - 12/09/2011

Mudam Luxembourg
Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean
3 Park Dräi Eechelen, L-1499 Luxembourg
www.mudam.lu