Rétrospective Suzanne Duchamp @ Kunsthaus Zürich

Rétrospective Suzanne Duchamp 

Kunsthaus Zürich

Jusqu'au 7 Septembre 2025

Le Kunsthaus Zürich consacre à SUZANNE DUCHAMP la première rétrospective au monde. Ses compositions minimalistes et pourtant graphiquement marquantes, associées à des titres suggestifs comme «Usine de mes pensées», sont entrées dans l’histoire de l’art et néanmoins source d’inspiration jusqu’à nos jours. Malgré son appartenance à l’une des familles d’artistes les plus célèbres, son oeuvre est restée jusqu’à présent largement inconnue du grand public. Cette exposition, qui réunit des prêts exceptionnels provenant d’institutions publiques et de collections privées renommées, rend à Suzanne Duchamp la place de premier plan qu’elle mérite.

Dadaïste, peintre, SUZANNE DUCHAMP (1889, Blainville-Crevon – 1963, Neuilly-sur-Seine) a laissé à la postérité une oeuvre aux multiples facettes dont certains éléments figurent dans des collections réputées, mais qui pour l’essentiel est surtout appréciée d’un public d’initié(e)s. Duchamp entretenait des liens étroits avec les avant-gardes de son époque et a enrichi l’histoire de l’art d’apports très personnels. Soeur de Marcel Duchamp, de Raymond Duchamp-Villon et de Jacques Villon, elle échangeait beaucoup avec eux. En 1919, elle a épousé l’artiste suisse Jean Crotti, dont le Kunsthaus Zürich possède des oeuvres clés, et avec qui Suzanne Duchamp a occasionnellement coopéré. La dernière exposition d’ampleur consacrée aux deux artistes a eu lieu en 1983 au Centre Pompidou, à Paris, en coopération avec la Kunsthalle Bern. Il est donc grand temps de mettre à l’honneur le travail de Suzanne Duchamp et d’en montrer toute la profondeur. Par son langage visuel subtil, esthétique et plein d’humour, elle incarne une combinaison hors du commun dans le mouvement dadaïste. Quelle ville conviendrait mieux que Zurich, cité natale de Dada, pour enfin donner à cette artiste d’exception toute l’attention qu’elle mérite?

SUZANNE DUCHAMP : À LA FOIS ABSTRAITE ET FIGURATIVE

Dans son art, Suzanne Duchamp a exploré des voies variées. À Paris, dans le sillage du cubisme, elle commence par se pencher sur la fragmentation d’intérieurs intimes et de paysages urbains, avant de se tourner vers le mouvement Dada. Ses oeuvres associent peinture et poésie dans une démarche expérimentale qui joue avec différents supports et matériaux.

Même si sa peinture évolue de plus en plus vers l’abstraction dans les années 1910, Suzanne Duchamp reste toujours fidèle à certains repères visuels, renforcés par des titres énigmatiques. En 1922, pour des raisons diffuses, elle rompt inopinément avec Dada pour se tourner vers une peinture figurative aux accents souvent ironiques et naïfs.

Dans les décennies qui suivent, elle crée des oeuvres contenant un large spectre de motifs, qui se caractérisent par des expérimentations sur les pigments et par l’importance structurante du dessin. En 1949, son influente amie Katherine S. Dreier la qualifie de « peintre semi-abstraite » – ce qui est une formulation pertinente pour une oeuvre échappant à toutes les conventions de l’histoire de l’art.

UNE EXPOSITION INTÉGRANT LES TOUTES DERNIÈRES RECHERCHES

Cette rétrospective réunit les oeuvres dadaïstes de Suzanne Duchamp et des travaux datant de ses phases antérieures et postérieures de création. Talia Kwartler, commissaire invitée, a étudié pendant plusieurs années l’oeuvre de Suzanne Duchamp et soutenu une thèse de doctorat sur cette artiste au University College de Londres. En 2024, elle a été chargée de cours à l’université de Zurich sur le thème des femmes dans le mouvement Dada.

La détermination de Talia Kwartler a permis de transformer la présentation prévue en une vaste rétrospective, la première jamais consacrée à cette artiste, élaborée avec Cathérine Hug, commissaire au Kunsthaus et spécialiste du mouvement Dada. L’exposition s’inscrit ainsi dans la longue tradition des présentations de Dada organisées au Kunsthaus Zürich depuis 1966, et peut être considérée comme un événement majeur dans la recherche en histoire de l’art. Réunissant près de 50 tableaux, 20 travaux sur papier ainsi que des documents d’archives rares et des photographies d’époque, cette rétrospective offre une vue d’ensemble de toute l’oeuvre de Suzanne Duchamp. De nombreux travaux n’ont été redécouverts qu’au terme d’intenses recherches. Parmi les prêteurs figurent des institutions comme le MoMA de New York, le Philadelphia Museum, l’Art Institute de Chicago, le Centre Pompidou de Paris, la Bibliothèque nationale de France et la Bibliothèque littéraire Jacques Doucet à Paris, le Musée des Beaux-Arts de Rouen, mais aussi d’importantes collections privées comme la Bluff Collection et la collection de Francis M. Naumann et Marie T. Keller. Cette rétrospective a vu le jour en étroite collaboration avec l’Association Duchamp Villon Crotti.

SUZANNE DUCHAMP : PUBLICATION

À l’occasion de l’exposition, la première monographie consacrée à Suzanne Duchamp vient de paraître, avec de nombreuses reproductions. L’ouvrage comporte une biographie détaillée rédigée par Talia Kwartler, ainsi que des articles d’historiennes de l’art comme Carole Boulbès, Cathérine Hug et Effie Rentzou, auxquels s’ajoutent des perspectives artistiques de Jean-Jacques Lebel (interview) et Amy Sillman (images). La postface est signée Anne Berest, autrice de best-sellers. Cet ouvrage de 192 pages est paru aux éditions Hatje Cantz.

Cette rétrospective est une coopération avec la Kunsthalle Schirn de Francfort (10 octobre 2025 - 11 janvier 2026), où le commissariat est assuré par Ingrid Pfeiffer.

KUNSTHAUS ZURICH  

Heimplatz, 8001 Zurich

www.kunsthaus.ch

Retrospective Suzanne Duchamp 

Kunsthaus Zürich, 6 Juin - 7 Septembre 2025

Max Ernst: Collages @ Kasmin Gallery, NYC

Max Ernst: Collages

Kasmin Gallery, New York

January 23 - February 29, 2020

Kasmin prsents an exhibition of paper collages by German surrealist MAX ERNST (1891–1976). Staged in collaboration with the Destina Foundation, Collages features approximately forty collages on paper, ranging in both scale and subject matter, and spanning 1920 to 1975. Many of the works, with a focus on the 1960s and 70s, have never before been exhibited.

According to art historian Werner Spies, nearly everything in Max Ernst’s oeuvre can be traced back to collage. Bringing the fracture and disassociation of post-World War I existentialism into pictorial form, collage complements Ernst’s equally novel adoption of frottage and assemblage. The uniquely illusionistic quality and contextual depth of Ernst’s collages speak to his ability to seamlessly create new realities formed upon the Dada and Surrealist tenets of poetry, imagination, and dream.

Using source materials that include illustrations, periodicals, catalogs, newspapers, and scientific journals, these collages are often further altered using painting and drawing. They reveal fundamental aspects of Ernst’s art-making—the uncanny juxtaposition of unassociated forms and images. The exhibition consists of early works such as Loplop présente (1931), a superb example of Ernst’s use of indirect self-portraiture through his alter ego Loplop, who appears for the first time during the early 1930s and recurs throughout his oeuvre. Loplop is recognizable by his division into head, showcard, and feet, and calls to mind the structure of the cadavre exquis, the exquisite corpse.

A selection of collaged lettrines, or drop-caps, created by Ernst primarily for inclusion in artist books, are a focal point of the exhibition and demonstrate the artist’s range and fluidity of style within the medium of collage. Originating in European medieval illustrated manuscripts, lettrines acted to introduce a decorative flourish to the text and to indicate the beginning of a new chapter. In Lettrine D (1948) the forking branches of a tree intersect with an eel and a prehistoric winged creature to form the body of a Frankensteinian figure that frames the capital D. This particular lettrine was made for inclusion in a limited-edition catalogue designed by Ernst and published on the occasion of his 1949 retrospective at the Copley Galleries in Beverly Hills.

Eight of the works on display were originally presented at Alexander Iolas’ Paris gallery in 1971, the same year in which Max Ernst celebrated his eightieth birthday. Titled Lieux Communs, the exhibition featured twelve original collages and eleven poems by Ernst, highlighting his aptitude as an artist of both images and words. The collages and poems were also published as a limited edition print portfolio. Lieux communs translates directly to “truisms,” or more generally to “banalities,” or “trivialities,” reflecting the quotidian nature of the imagery selected by Ernst. Utilizing repeating patterns and dense cross-hatching, the artist folds the curvilinear shapes of the natural world—including animals such as Loplop—into scenes defined by the geometric structures of both classical and modern architecture. His composition of intimate domestic interiors, household objects, and indicators of bourgeoisie living are subtly unsettling. For example, Les Filles La Mort Le Diable (1970), translated as “Girls, Death, and the Devil,” can be demarcated into three vertical columns. Whilst at first glance the contents signal legibility, on closer inspection, it is clear that they misalign: the world has been rearranged by Ernst.

As articulated by Werner Spies, “Collage is the thread that runs through all of his works; it is the foundation on which his lifework is built. Once we have realized this, Max Ernst takes on the stature of an artist who opened the collage process—the combining of existing visual material—to possibilities that completely transformed its meaning, both technically and ideologically.”

Timothy Baum and Dr. Jürgen Pech contribute to the research and preparation of the exhibition.

MAX ERNST (1891–1976) was a German painter, sculptor, poet, and printmaker celebrated as one of the primary pioneers of Dada and Surrealism. Working in Europe during the heyday of Modernism, and in the US from 1941 to 1953, Ernst developed a style that melds metaphor, mythology, and memory, and draws upon the depths of the irrational and unconscious mind. His masterful illusionistic techniques and uncanny juxtapositions transform impossible compositions into unsettling realities. Whilst the menacing atmosphere of both world wars loom large in his work, Max Ernst's oeuvre is more accurately defined by an abundant life-force born out of a combination of the fanciful logic of dreams, the recurring and dynamic presence of animals, and Ernst’s enduring biting humor.

KASMIN

297 Tenth Avenue, New York, NY 10001

www.kasmingallery.com

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Francis Picabia @ Kunsthaus Zürich

Rétrospective Francis Picabia
Notre tête est ronde pour permettre à la pensée de changer de direction
Kunsthaus Zürich
Jusqu'au 25 septembre 2016

A l’occasion du centenaire de la naissance à Zurich du mouvement Dada, Francis Picabia (1879-1953), artiste encore sous-estimé, se voit consacrer une vaste rétrospective. À travers quelque 200 oeuvres et documents embrassant toute sa carrière, cette exposition, qui a lieu dans le cadre des Festspiele Zürich, s’intéresse aux succès précoces obtenus par Picabia comme peintre impressionniste ainsi qu’à sa contribution essentielle au dadaïsme et à l’histoire de l’art moderne.

FRANCIS PICABIA : IMPRESSIONNISTE, DADAÏSTE, FIGURATIF ET ABSTRAIT

Élevé dans un milieu aisé, Francis Picabia entre à l’âge de 17 ans à l’École des Arts Décoratifs de Paris. Il vend avec succès ses tableaux de style impressionniste. Mais les trouvant trop décoratifs à son goût, il part en 1913 pour New York, où il participe à la mythique exposition Armory Show. Il y rencontre l’influent galeriste Alfred Stieglitz, qui, la même année, lui consacre une exposition particulière. C’est à cette époque que Picabia réalise ses plus grands tableaux, dans lesquels il incorpore des éléments orphiques cubistes. Mais à la différence des cubistes Pablo Picasso et Georges Braque, ces toiles reflètent un plaisir d’expérimenter avec la couleur et intègrent l’analyse de formes en mouvement dans l’espace extérieur.

FRANCIS PICABIA : AMOUREUX DE LA LANGUE ET DE L’IMPRIMÉ, MÉCÈNE DE TZARA

Francis Picabia ne rentre en Europe qu’après la Première Guerre mondiale. Il n’est donc pas à Zurich lors de la naissance de Dada le 5 février 1916. Toutefois, du fait de son étroite amitié avec Tristan Tzara, cofondateur du mouvement, il va vite en devenir l’un des représentants et l’un des principaux financeurs. À Barcelone, en janvier 1917, il fonde la revue dadaïste «391», qui paraîtra 19 fois avant de s’arrêter en 1924. On voit donc apparaître ici une autre passion de Francis Picabia: l’imprimé comme format à part entière, et la langue, qu’il s’agisse de prose ou de poésie. De son vivant, Picabia publie des aphorismes, des manifestes, des essais et des textes illustrés d’une inventivité extraordinaire. Entre 1915 et 1920, pendant sa période dadaïste, il réalise les tableaux «mécanomorphes», qui comptent parmi ses oeuvres les plus célèbres. Mais des querelles internes conduisent Picabia à se séparer officiellement du groupe Dada en 1921.

FRANCIS PICABIA : CONTRE LE NÉOCLASSICISME. THÉATRE, DANSE ET CINÉMA

Pour Picabia, comme pour Jean Cocteau, Pablo Picasso et beaucoup d’autres artistes de sa génération, les années 1920 marquent le début du «Retour à l'Ordre» – retour nostalgique à des valeurs sûres. Sur le plan artistique, cela se traduit par un langage formel conservateur, tributaire de la la figuration et du naturalisme. Si Picabia suit cette tendance générale, ce n’est toutefois pas sans distance critique. Cette décennie est en effet celle où il créé son ensemble d’oeuvres le plus varié. Entre 1923 et 1926, il réalise des collages d’objets muraux comme «Femme aux allumettes» (collection privée) et «Pailles et cure-dents» (Kunsthaus Zürich). S’y ajoutent les «Monstres» au propos fortement empreint de critique sociale (à partir de 1924), et les «Transparences» aux filigranes d’inspiration classique (à partir de 1927). La diversité des contenus de l’oeuvre de Picabia s’exprime aussi dans le plaisir manifeste qu’il avait à expérimenter différentes techniques: il recourt par exemple à la peinture émail Ripolin, utilisée d’ordinaire pour peindre les bateaux. En 1924, il collabore comme scénariste, costumier et décorateur au ballet «Relâche» ainsi qu’au film «Entr’acte», auquel participent également René Clair, Erik Satie, Man Ray et Marcel Duchamp. À partir de 1925, l’artiste tourne le dos à l’agitation parisienne et entame une vie mondaine sur la Côte d’Azur. Dans les années 1930 et 1940, son oeuvre se caractérise par de véritables expérimentations stylistiques. En attestent par exemple ses «pin-up» controversées, à dimension clairement érotique et politique, qui reposent sur la fusion de différents modèles photographiques empruntés à la culture de masse et peuvent donc être considérées comme annonciatrices du Pop Art. Autre exemple, ses «Points», qui révèlent son obsession des empâtements de peintures à l’huile sous une forme réduite à l’extrême. Picabia cherche inlassablement à se réinventer lui-même. Après l’attaque dont il est victime en 1951 et jusqu’à sa mort en 1953, il oscille constamment entre agonie artistique et euphorie – mais cette tendance était apparue dès les premiers traitements contre la neurasthénie qu’il avait suivis à partir de 1912 à Étival et à Lausanne.

FRANCIS PICABIA : UNE OEUVRE QUI RÉSERVE ENCORE DES SURPRISES

Parmi les grands artistes du 20ème siècle Francis Picabia reste une personnalité controversée. Tout au long de sa vie, il a sapé les mécanismes des jugements de valeur visant à différencier et à hiérarchiser le grand art et le kitsch ou le conservatisme et le radicalisme. Très critique envers lui-même, armé d’un humour mordant, il remet en cause les fondements de l’art moderne. Les oeuvres sélectionnées par la commissaire Cathérine Hug (Kunsthaus Zürich) en collaboration avec Anne Umland, commissaire au MoMA de New York, illustrent cette personnalité aux multiples facettes. L’oeuvre de Picabia défie notre compréhension de ces fameux «ismes» apparus en nombre dans la première moitié du 20ème siècle et qui sont profondément ancrés dans la mémoire collective de l’histoire de l’art. Outre quelque 130 peintures, seront également visibles des revues d’avant-garde et des exemples de ses travaux théâtraux et cinématographiques – un total d’environ 200 oeuvres et documents provenant d’importantes collections publiques et privées. La structure de l’exposition est en grande partie chronologique – avec des ruptures reflétant les mutations stylistiques de l’oeuvre de Picabia. On est tout de suite frappé par la diversité des techniques picturales: peintures de style impressionniste, représentations stéréotypées d’Espagnoles, abstractions d’aspect technico-mécanique ou «Nus» inspirés de photos de la publicité et de la presse de boulevard sont réunis en différents groupes. Si les oeuvres de Picabia datant des années Dada sont bien connues, l’ensemble de son travail réserve encore bien des surprises. On a ainsi redécouvert une série d’oeuvres présentées lors de l’exposition organisée à la Galerie Dalmau, en 1922 à Barcelone, dont André Breton avait préfacé le catalogue. Seront visibles pour la première fois à Zurich les grands formats de trois mètres sur trois «Edtaonisl (ecclésiastique)» qui vit le jour en 1913 (The Art Institute of Chicago) et «Udnie» (Musée national d’art moderne, Paris), qui date de la même année. Ce couple d’abstractions, réalisé peu après la visite de l’Armory Show en 1913 et exposé au Salon d’Automne de Paris 1913, laisse imaginer l’enthousiasme et l’émoi que suscitèrent ces oeuvres il y a 100 ans. Pour la première fois depuis bientôt 70 ans, elles sont réunies et de nouveau visibles ensemble.

PUBLICATION

Un catalogue en trois langues (français, anglais, allemand) richement illustré (368 pages, environ 300 reproductions) contenant de nouveaux articles scientifiques de Cathérine Hug (avec des propos contemporains de Peter Fischli, Albert Oehlen, Rita Vitorelli et d’autres personnalités), Anne Umland, George Baker, Carole Boulbès, Masha Chlenova, Michele Cone, Briony Fer, Gordon Hughes, David Joselit, Jean-Jacques Lebel, Bernard Marcadé, Arnaud Pierre, Rachel Silveri, Juri Steiner, Adrian Sudhalter et Aurélie Verdier, est paru aux éditions Fonds Mercator (Bruxelles).

Cette exposition est le fruit d’une collaboration avec le Museum of Modern Art de New York, qui l’accueillera à son tour du 20 novembre au 19 mars 2017.

Avec le soutien des Festspiele Zürich, de la Fondation Ernst Göhner et de la Fondation Truus und Gerrit van Riemsdijk.

Kunsthaus Zürich
www.kunsthaus.ch

Dada and Surrealist Art from Arturo Schwarz Collection at Israel Museum, Jerusalem

Dreaming with Open Eyes
Israel Museum, Jerusalem
December 22, 2000 - June 2001

On december 2000, the Israel Museum, Jerusalem presented its first comprehensive exhibition of the Vera, Silvia and Arturo Schwarz Collection of Dada and Surrealist Art.

Dreaming with Open Eyes includes over 300 works by leading artists including Duchamp, Man Ray, Ernst, Breton, and Goya. Donated in 1998, this unique collection of over 750 works of art by some 200 artists were on view at the Israel Museum from December 22, 2000 through June 2001.

The gift of the Arturo Schwarz Collection, together with a library of over one thousand related books, pamphlets and artifacts donated in 1991, has transformed the Israel Museum into the largest repository in the world of Dada and Surrealist art and a global center for the study and display of these movements. "Dreaming with Open Eyes" takes advantage of Schwarz's scholarly insight to reveal the importance of the works on view, and incorporates his personal approach to the material in the exhibition. Paintings, drawings, sculptures, ready-mades, photographs and prints are complemented by unique items from the Museum's Dada and Surrealist library of art periodicals, documents, letters, and artists' books.

The presentation in Jerusalem will be followed by a major international tour. The exhibition will travel to the San Francisco Museum of Fine Arts, February - April 2002; the Art Gallery of Ontario, June - September 2002; and a third North American venue; and the Norton Museum of Art, West Palm Beach, Florida, and conclude with two venues in Japan. James Snyder, Director of the Israel Museum states: "Our Museum has a long history of important holdings in Modern Art and particularly in the fields of Surrealism and Dada. The Arturo Schwarz gift in 1998, on the occasion of the 50th Anniversary of the State of Israel, consolidates our position as a world center for these two movements, so central to the aesthetic and intellectual progress of the 20th century. We are proud that, in "Dreaming with Open Eyes", we are able to expose the full riches of these holdings and then to share them on tour in North America and in Japan."

Dada
The Dada movement emerged in Europe and the United States in reaction to the horrors of World War I. This enclave of artists rebelled against artistic convention and sought to subvert the existing social and political order. Artists such as Marcel Janco, Raoul Hausmann, Max Ernst, and Francis Picabia represent this movement through works exemplify the key tenants of Dada: the accidental, the absurd, protest, and criticism.

Marcel Duchamp and Man Ray
The revolutionary work of Marcel Duchamp and Man Ray had a profound influence on Dada and Surrealist artists and was central to later trends in twentieth-century art. Duchamp and Man Ray met in New York in 1915, and from that time on were active, both independently and jointly, in avant-garde circles in New York and Paris. Arturo Schwarz met the two artists in the 1950's and demonstrated his appreciation for their work by arranging exhibitions, acquiring dozens of works, and composing scholarship on them. Seventy works by Man Ray and Duchamp reflect their fertile imaginations, and their preoccupation with humor, playfulness, and eroticism.

Forerunners of Surrealism
The Arturo Schwarz collection includes a sizable body of pre-Surrealist work, which, like the Surrealist movement that would follow, demonstrates a timeless interest in dreams, the supernatural, and the irrational. This portion of the collection includes paintings, prints, and drawings from the 16th through the 20th centuries by artists such as Durer, Goya, Moreau, and Redon, along with tribal masks and artifacts from Africa, Oceania, and North America. Surrealism The works of dozens of Surrealist artists from the 1920's to the 1980's are arranged in the exhibition according to visual and thematic criteria. The ideological platform of the Surrealist movement, formulated by Andre Breton in the 1920's, called for a new way of seeing. Disappointed by modern Western culture, many artists and writers had been inspired by Dada and had adopted a nihilist or anarchic stance. But Surrealism did not simply advocate subversion, it called for a change in values. The movement sought to stimulate the imagination, to expand the limits of awareness, and to tap into a non-rational, subconscious psychological realm, like that revealed in dreams and madness. Among the artists represented are some of the members of the original circle of the Surrealist movement in the 1920's and 1930's, such as Andre Breton, Joan Miro, Yves Tanguy, Andre Masson, and Max Ernst. Women artists including Claude Cahun, Remedios Varo, Kay Sage, and Dorothea Tanning are prominently featured among the Surrealist group on display, many of which achieved central standing in the canon of 20th century art history.

The Library
The final component of the exhibition is drawn from the Museum's extensive library of Dada and Surrealist materials, including a display of portraits of Surrealist artists and writers immortalized by their photographer and painter colleagues, as well as a selection of original Dada and Surrealist literary documents. The collaboration between artists revealed through these portraits and publications demonstrates the spiritual bond that existed among members of the movement.

About Arturo Schwarz
Scholar and collector Arturo Schwarz was born in 1924 in Alexandria, Egypt to Jewish parents. In his youth he was very active in clandestine political circles and was arrested a number of times prior to his expulsion from Egypt in 1949. Settling in Milan in the early 1950's, he opened a publishing house and a bookstore that evolved into the Schwarz Gallery, which closed in 1975. The gallery held exhibitions of the best Dada and Surrealist artists and of contemporary artists from throughout the world. Simultaneously, Schwarz wrote poetry, published scholarly books including a catalogue raisonne of the works of Marcel Duchamp, gave lectures, and organized international Dada and Surrealist exhibitions. His intense involvement in the Surrealist movement and his personal acquaintance with many of its members has made him a leading authority on its history. "Dreaming with Open Eyes" is curated by Tamar Manor-Friedman and is accompanied by a comprehensive 250-page catalogue, which includes an illustrated inventory of the works in the Arturo Schwarz collection in the Israel Museum.