Exposition Soulages, une autre lumière. Peintures sur papier @ Musée du Luxembourg, Paris

Soulages, une autre lumière

Peintures sur papier 

Musée du Luxembourg, Paris

17 septembre 2025 - 11 janvier 2026

Pierre Soulages a toujours refusé d'établir une hiérarchie entre les différentes techniques qu'il utilise. À côté des peintures sur toile, il est également l'auteur d'un ensemble considérable de peintures sur papier qu'il a mené, avec quelques interruptions tout au long de son parcours pictural, jusqu'au début des années 2000. D'une certaine façon, on peut dire que son œuvre commence sur le papier avec, dès 1946, des peintures aux traces larges et affirmées, réalisées au brou de noix, qui vont véritablement voir son oeuvre se distinguer des autres démarches abstraites de l'époque.

En 1948, alors qu'il vient à peine de commencer à exposer, il est invité à une manifestation itinérante sur la peinture abstraite française dans les musées allemands, en compagnie d'artistes beaucoup plus âgés. C'est une de ses peintures qui est choisie pour l'affiche et va contribuer à le faire connaître.Privilégiant le brou de noix dans les premières années, Pierre Soulages reviendra souvent à cette matière qu'utilisent les  ébénistes et dont il aime les qualités de transparence et d'opacité, de luminosité également en contraste avec le blanc du papier. Il emploiera aussi l'encre et la gouache pour des oeuvres dont les formats en général restreints ne cèdent en rien à la puissance formelle et à la diversité.

L'oeuvre sur papier de Pierre Soulages qui fut longtemps conservé par l'artiste, a été moins souvent montré que les peintures sur toile et rarement rassemblé dans des expositions à part entière. Il constitue pourtant un ensemble indispensable à la compréhension de sa peinture. Cette exposition présente 130 œuvres dont plus d'une trentaine inédites.

Exposition produite par le GrandPalaisRmn

Cette exposition a bénéficié des prêts exceptionnels du Musée Soulages, Rodez.

Commissariat : Alfred Pacquement

Directeur honoraire du Musée national d'art moderne, Centre Pompidou

Soulages, une autre lumière. 

Peintures sur papier

Catalogue de l'exposition

GrandPalaisRmnEditions, 2025

208 pages, 160 illustrations, 40 €

En librairie le 10 septembre 2025

En vente dès parution dans toutes les librairies 

et sur boutiquesdemusees.fr

© GrandPalaisRmnÉditions, 2025

Sommaire

Entretien avec Colette Soulages

[avec un avant-propos d’Alfred Pacquement]

Tout a commencé sur le papier

Alfred Pacquement

Les peintures sur papier de Soulages et les expositions

Camille Morando

Les Ateliers de Soulages (extraits)

Michel Ragon

Soulages, papiers, Japon

Benoît Decron

Annexes

Présentation biographique

Expositions de peintures sur papier

Bibliographie sélective

OEuvres et documents exposés

Musée du Luxembourg

19 rue de Vaugirard, 75006 Paris

museeduluxembourg.fr

Sonia Gomes @ Pace Gallery, London - "É preciso não ter medo de criar" Exhibition Curated by Paulo Miyada

Sonia Gomes 

É preciso não ter medo de criar

Pace Gallery, London

October 14 – November 15, 2025

Sonia Gomes 

Raw | Cru, 2025 

© Sonia Gomes, courtesy the artist 

and Mendes Wood DM 

Photo by Ding Musa

Pace presents É preciso não ter medo de criar, the first solo exhibition in the UK by São Paulo-based artist SONIA GOMES, on view at its gallery in London. Curated by Paulo Miyada, the exhibition will feature all-new works, including the artist’s signature pendants and torsions, alongside paintings and new sculptural explorations in bronze. Sonia Gomes will sign copies of her new catalogue, Assombrar o mundo com Beleza (I Haunt the World with Beauty), at the opening reception on Monday, October 13, from 6 to 8 p.m.

One of Brazil’s foremost contemporary artists, Sonia Gomes combines second-hand textiles with everyday materials such as birdcages, driftwood, and wire to create abstract sculptures that reclaim traditions rooted in Afro-diasporic experiences and craft modes of artmaking from the margins of history. In 2015, she was the only Brazilian artist invited by the late curator Okwui Enwezor to the Arsenale exhibition of the 56th Venice Biennale, and in 2018, she became the first living Black woman artist to receive a monographic exhibition at the Museu de Arte de São Paulo (MASP). Last year, in 2024, she returned to Venice, showing work as part of the Holy See Pavilion for the 60th Venice Biennale.

Born in 1948 in Caetanópolis, a former textile hub in Minas Gerais, southeastern Brazil, Sonia Gomes has cultivated a singular practice anchored by her deft and meticulous manipulation of varied materials. Across these transformations, her approach remains rooted in gestures of care and reinforcement: sewing, tying, and wrapping.

The exhibition’s title—translated as “one must not be afraid to create”—is drawn from Clarice Lispector’s 1943 novel Near to the Wild Heart and has guided Gomes’s embrace of new materials and techniques for this show. In addition to her ongoing experimentation with found and gifted fabrics, Gomes has created bronze sculptures for the first time. These forms—casts of textile-wrapped tree burls and branches—extend the artist’s visual language, highlighting the tension between vulnerable materials and elevated finishes. This relationship recurs in a new group of wall-mounted works made from reclaimed lumber, transformed by the artist with gold leaf and fragments of a 19th-century liturgical vestment. Rectangular in form, they bring together weathered wood and gilded surface, continuing Gomes’s engagement with contrast and transformation.

A major new work included in the show, titled Tereza (2025), fuses a group of Gomes’s previously unrealized pendant works into one commanding form. Suspended from the ceiling and meandering through the exhibition space, this sculpture holds a vital, organic quality. In Brazilian Portuguese prison slang, tereza refers to the makeshift ropes used in escape attempts that are often fashioned from tied-together bedsheets and other fabrics. Gomes’s hanging works, such as this one, embody the word’s liberatory implications, allowing their textile remnants—carriers of collective and individual memory—to slip free from oblivion.

The artist’s Torção (torsion) sculptures, two of which feature in the exhibition, emerge from a single line. To create these, Gomes engages her whole body in describing the sculpture’s composition with uncoiled construction wire and steel reinforcing bars for the base. Choosing from her extensive trove of fabrics, Gomes forms the sculpture’s body by wrapping, twisting, tying, weaving, and stitching scraps of these materials around and through its skeleton. In her studio, she separates handcrafted textiles—such as laces, embroideries, and knits—from industrially made materials, treating the former as compositional tools and the latter as a color palette. In a new wall-based Torção included in the exhibition, Gomes has explored an unprecedented level of openness in her composition: for the first time leaving one extreme of the spiral-wire structure hanging freely in the air.

Other highlights include two-dimensional artworks from Gomes’s Raio de Sol (Sunbeam) series and new paintings. Throughout these, open and expansive forms layer and coalesce. These gestures, created by Gomes in Posca pen, watercolour, acrylic, thread, beads, and oil, recall the spiral forms that are deeply embedded in cyclical conceptions of time. In one work, Gomes has woven history into the present by embedding within it a 2.3 × 1.5 m length of shibori-dyed, hand-stitched cotton—crafted in two days by Bai artisans on China’s Tibetan border and first encountered by the artist in a London market in 2019—so that the fabric’s contorted surface collapses past and present into a single poetic return.

Since 2018, Sonia Gomes has been modifying six volumes of Enciclopédia de Fantasia (Encyclopaedia of Fantasy), a collection of classic children’s fables gifted to her by a friend. A video work included in the exhibition—the artist’s first foray into the medium—shows a dreamlike version of this process in which Gomes’s interventions and additions fluidly interact with the text and pages.

Concurrent with her exhibition in London, Gomes’s first-ever solo museum show in the United States, Sonia Gomes: Ó Abre Alas! The exhibit at Storm King Art Center is on view through November 10. She is also presenting works in the Glass Pavilion at Louvre-Lens, France, until early next year, and at Instituto Tomie Ohtake in November 2025.

Artist Sonia Gomes

Sonia Gomes (b. 1948, Caetanópolis) combines secondhand textiles with everyday materials, such as furniture, driftwood, and wire, to create abstract sculptures that reclaim Afro-Brazilian traditions and feminized crafts from the margins of history. Juxtaposing tensile and slack forms, Gomes’s contorted sculptures exude a corporeality and dynamism that she attributes to her love of popular Brazilian dances. Sonia Gomes uses found or gifted fabrics, which, according to her, “bring the history of the people that they belonged to.” “I give a new significance to them,” she adds. Her assemblages thus tie Brazil’s historical trajectory to the long-disregarded narratives of women, people of color, and countless anonymous individuals.

Through its recycling of used fabric, Gomes’s work also evinces a principle of thrift that is both a consequence of Brazil’s rapid and uneven industrial development and a dissenting answer to its accompanying culture of wasteful consumption and environmental destruction. As a whole, her art is marked by a decolonizing impulse, providing oblique responses to the social inequities and ecological urgencies of present-day Brazil and, more broadly, a globalized world.

Gomes’s work is represented in numerous collections around the world, including the Museum of Contemporary Art Chicago; the Pérez Art Museum Miami; the Rubell Museum in Miami; the Minneapolis Institute of Art; the San Antonio Museum of Art in Texas; the Pinacoteca do Estado de São Paulo; the Museu de Arte de São Paulo; the Museu de Arte do Rio, Rio de Janeiro; the Instituto Inhotim in Brumadinho, Minas Gerais, Brazil; both the Guggenheim New York and Abu Dhabi; and Tate in London.

PACE LONDON

5 Hanover Square, London 

www.pacegallery.com

Rétrospective Suzanne Duchamp @ Kunsthaus Zürich

Rétrospective Suzanne Duchamp 

Kunsthaus Zürich

Jusqu'au 7 Septembre 2025

Le Kunsthaus Zürich consacre à SUZANNE DUCHAMP la première rétrospective au monde. Ses compositions minimalistes et pourtant graphiquement marquantes, associées à des titres suggestifs comme «Usine de mes pensées», sont entrées dans l’histoire de l’art et néanmoins source d’inspiration jusqu’à nos jours. Malgré son appartenance à l’une des familles d’artistes les plus célèbres, son oeuvre est restée jusqu’à présent largement inconnue du grand public. Cette exposition, qui réunit des prêts exceptionnels provenant d’institutions publiques et de collections privées renommées, rend à Suzanne Duchamp la place de premier plan qu’elle mérite.

Dadaïste, peintre, SUZANNE DUCHAMP (1889, Blainville-Crevon – 1963, Neuilly-sur-Seine) a laissé à la postérité une oeuvre aux multiples facettes dont certains éléments figurent dans des collections réputées, mais qui pour l’essentiel est surtout appréciée d’un public d’initié(e)s. Duchamp entretenait des liens étroits avec les avant-gardes de son époque et a enrichi l’histoire de l’art d’apports très personnels. Soeur de Marcel Duchamp, de Raymond Duchamp-Villon et de Jacques Villon, elle échangeait beaucoup avec eux. En 1919, elle a épousé l’artiste suisse Jean Crotti, dont le Kunsthaus Zürich possède des oeuvres clés, et avec qui Suzanne Duchamp a occasionnellement coopéré. La dernière exposition d’ampleur consacrée aux deux artistes a eu lieu en 1983 au Centre Pompidou, à Paris, en coopération avec la Kunsthalle Bern. Il est donc grand temps de mettre à l’honneur le travail de Suzanne Duchamp et d’en montrer toute la profondeur. Par son langage visuel subtil, esthétique et plein d’humour, elle incarne une combinaison hors du commun dans le mouvement dadaïste. Quelle ville conviendrait mieux que Zurich, cité natale de Dada, pour enfin donner à cette artiste d’exception toute l’attention qu’elle mérite?

SUZANNE DUCHAMP : À LA FOIS ABSTRAITE ET FIGURATIVE

Dans son art, Suzanne Duchamp a exploré des voies variées. À Paris, dans le sillage du cubisme, elle commence par se pencher sur la fragmentation d’intérieurs intimes et de paysages urbains, avant de se tourner vers le mouvement Dada. Ses oeuvres associent peinture et poésie dans une démarche expérimentale qui joue avec différents supports et matériaux.

Même si sa peinture évolue de plus en plus vers l’abstraction dans les années 1910, Suzanne Duchamp reste toujours fidèle à certains repères visuels, renforcés par des titres énigmatiques. En 1922, pour des raisons diffuses, elle rompt inopinément avec Dada pour se tourner vers une peinture figurative aux accents souvent ironiques et naïfs.

Dans les décennies qui suivent, elle crée des oeuvres contenant un large spectre de motifs, qui se caractérisent par des expérimentations sur les pigments et par l’importance structurante du dessin. En 1949, son influente amie Katherine S. Dreier la qualifie de « peintre semi-abstraite » – ce qui est une formulation pertinente pour une oeuvre échappant à toutes les conventions de l’histoire de l’art.

UNE EXPOSITION INTÉGRANT LES TOUTES DERNIÈRES RECHERCHES

Cette rétrospective réunit les oeuvres dadaïstes de Suzanne Duchamp et des travaux datant de ses phases antérieures et postérieures de création. Talia Kwartler, commissaire invitée, a étudié pendant plusieurs années l’oeuvre de Suzanne Duchamp et soutenu une thèse de doctorat sur cette artiste au University College de Londres. En 2024, elle a été chargée de cours à l’université de Zurich sur le thème des femmes dans le mouvement Dada.

La détermination de Talia Kwartler a permis de transformer la présentation prévue en une vaste rétrospective, la première jamais consacrée à cette artiste, élaborée avec Cathérine Hug, commissaire au Kunsthaus et spécialiste du mouvement Dada. L’exposition s’inscrit ainsi dans la longue tradition des présentations de Dada organisées au Kunsthaus Zürich depuis 1966, et peut être considérée comme un événement majeur dans la recherche en histoire de l’art. Réunissant près de 50 tableaux, 20 travaux sur papier ainsi que des documents d’archives rares et des photographies d’époque, cette rétrospective offre une vue d’ensemble de toute l’oeuvre de Suzanne Duchamp. De nombreux travaux n’ont été redécouverts qu’au terme d’intenses recherches. Parmi les prêteurs figurent des institutions comme le MoMA de New York, le Philadelphia Museum, l’Art Institute de Chicago, le Centre Pompidou de Paris, la Bibliothèque nationale de France et la Bibliothèque littéraire Jacques Doucet à Paris, le Musée des Beaux-Arts de Rouen, mais aussi d’importantes collections privées comme la Bluff Collection et la collection de Francis M. Naumann et Marie T. Keller. Cette rétrospective a vu le jour en étroite collaboration avec l’Association Duchamp Villon Crotti.

SUZANNE DUCHAMP : PUBLICATION

À l’occasion de l’exposition, la première monographie consacrée à Suzanne Duchamp vient de paraître, avec de nombreuses reproductions. L’ouvrage comporte une biographie détaillée rédigée par Talia Kwartler, ainsi que des articles d’historiennes de l’art comme Carole Boulbès, Cathérine Hug et Effie Rentzou, auxquels s’ajoutent des perspectives artistiques de Jean-Jacques Lebel (interview) et Amy Sillman (images). La postface est signée Anne Berest, autrice de best-sellers. Cet ouvrage de 192 pages est paru aux éditions Hatje Cantz.

Cette rétrospective est une coopération avec la Kunsthalle Schirn de Francfort (10 octobre 2025 - 11 janvier 2026), où le commissariat est assuré par Ingrid Pfeiffer.

KUNSTHAUS ZURICH  

Heimplatz, 8001 Zurich

www.kunsthaus.ch

Retrospective Suzanne Duchamp 

Kunsthaus Zürich, 6 Juin - 7 Septembre 2025

Giacometti / Marwan Obsessions Exhibition @ Institut Giacometti, Paris

GIACOMETTI / MARWAN OBSESSIONS

Institut Giacometti, Paris

21 October 2025 - 21 January 2026

In the coming autumn, Institut Giacometti in Paris will present the exhibition GIACOMETTI / MARWAN OBSESSIONS, an original encounter between two artists who, having chosen to work in a country different from their birth country - France and Germany respectively - questioned the issues around modernity from two different cultural spaces: Europe and the Middle-East. Alberto Giacometti and MARWAN turned the representation of the head into the core of an enduring research that established their position as artists. This exhibition, the first joint presentation of their works, proposes a trail in which surrealism and MARWAN’s first works (1962-1972), drawings, large heads and sculpted portraits, echo one another, asserting a strong connection between visual art research and reflection on the human. 

Marwan Kassab-Bachi, called MARWAN, was born in Damascus in 1934. After having studied Arabic literature at the University of Damascus, determined to embrace an artistic career, politically committed and highly conscious of the mutations taking place in his country following colonialism, he settled in 1957 in Berlin, the epicentre of the Cold War. Like Georg Baselitz and Eugen Schönebeck, also students at the Hochschule für Bildende Kunst in Berlin, he chose figuration, breaking from the informal art dominating West-Germany at the time. For him, it was not a position from which to confront the traumas of recent European history but a theatre for the intimate.

In the 1950s and 1960s, Giacometti also resisted the attraction of informal abstraction, reiterating his commitment to figuration and the representation of the human. From 1919, and even more from 1935, when he returned to working with a model, it was on heads that were focused his questioning on the perception of reality.

From 1985 to his death in 2016, MARWAN took Heads as his sole subject. Before that, after he arrived in Berlin in 1957, his first works (1962-1972) were portraits and intimate scenes, whose framing and execution express the challenges of being alive that echo Giacometti’s works like Mother and daughter, The Cage and Walking Woman from 1932.

From 1964 and 1972, MARWAN’s first works were focused on figures with deformed bodies, “portraits” of icons of Arab modernity: the Iraqi poet Bader Chaker al Sayyab, the political thinker Munif al-Razzaz, both exiled from their country, persecuted for their ideas. All seem to be suffused with a strange melancholy.

His year as artist in residence at la Cité internationale des arts in Paris in 1973, marked a break. He began a new series of large format paintings in which heads, painted in broad sinuous touches size up the visitors.

MARWAN linked those Heads-landscapes to the outlines and colours of the Syrian countryside. With the still life and puppets coming after, he continued to experiment with colour while placing the human at distance. From 1983, he went back to tall Heads, endowed with a cosmic character, covering the totality of the support, a series uninterrupted till his death.

MARWAN worked little with models, and his huge Heads have the quality of apparitions. They are strangely close to Giacometti’s post-war plasters and bronzes, remarkable for their spiky matter. Like those, the Heads emerge from a profusion of touches, marks that create their own space and in which only the eyes and a wide red mouth, like a horizontal stroke, arise. Clay, plaster, drawings, paintings, all the mediums Giacometti used embody his intense and involved attention to the model. From the study of his close relatives, his wife Annette and his brother Diego, to the large heads in plaster from the beginning of the 1960s, Giacometti kept, even in his work from memory, the reminiscence of the face-to-face with the model. In this observation, there’s no realist purpose, but the manifestation of a gesture repeated, at times erased and absolutely necessary that grounds the existence of the artist as a human being. Here too Giacometti and MARWAN connect.

Curator: Françoise Cohen

GIACOMETTI / MARWAN. OBSESSIONS - The catalogue

Catalogue under the direction of Françoise Cohen, exhibition curator

Co-edited by Fondation Giacometti, Paris / Fage éditions, Lyon

Bilingual French / English, 122 pages, 16.5 x 2.5 cm

Texts by Françoise Cohen and Rasha Salti

A not previously published interview of MARWAN by Hans Ulrich Obrist

Unpublished extracts of the artist’s journal

INSTITUT GIACOMETTI

5 rue Victor-Schoelcher, 75014 Paris

www.fondation-giacometti.fr

Rose Wylie @ Zentrum Paul Klee, Bern - "Flick and Float" Retrospective Exhibition

Rose Wylie. Flick and Float

Zentrum Paul Klee, Bern 

19 July - 5 October 2025 

Rose Wylie in her studio, June 2023

Photograph: Will Grundy

© Rose Wylie. Courtesy the artist and David Zwirner

Rose Wylie. Flick and Float presents the nonconformist and fascinating work of the British artist Rose Wylie (b. 1934). Her unique artistic practice has won her international recognition. In her large-format paintings, Rose Wylie strips down figurative representations to their essentials. Expressive, direct and full of subversive humour, these works testify to her engagement with pop culture, film and art history. With more than fifty paintings and around a dozen drawings, the Zentrum Paul Klee is showing a retrospective of Wylie’s work over the last thirty years. New works have been made for the exhibition.

Rose Wylie

Dinner Outside, 2024

Oil on canvas, 183 × 328 cm, two parts

© Rose Wylie. Courtesy the artist and David Zwirner

Photo: Jack Hems

Rose Wylie

Lilith and Gucci Boy, 2024

Oil on canvas, 207 × 306 cm, two parts

© Rose Wylie. Courtesy the artist and David Zwirner

Photo: Jack Hems

Rose Wylie - An unconventional career: from reading to seeing

The ninety-year-old artist lives and works in a cottage not far from London. Rose Wylie received her artistic training at Folkestone and Dover School of Art, Goldsmiths College and the Royal College of Art in London. While raising her three children, she put her artistic career on pause, and, alongside her family life, spent a lot of time reading books. It was not until the late 1990s that seeing took over from reading again, as Rose Wylie explained on a visit to her studio in March 2024. She started devoting herself intensively to painting again, and finally achieved international recognition with her unique work and major solo exhibitions, at Tate Britain in London and elsewhere. The Zentrum Paul Klee is devoting a major retrospective to Rose Wylie featuring over fifty paintings and around a dozen drawings. The artist has painted eight works specially for the exhibition, which are being shown to a museum-going public for the first time in the Zentrum Paul Klee.

Rose Wylie

Jesus of Prague, 1989

Oil on canvas, 184 × 183 cm

© Rose Wylie. Courtesy the artist and David Zwirner

Photo: Anna Arca

Rose Wylie

Manor, 2004

Oil on canvas, 183 × 188 cm

Courtesy the artist and David Zwirner

Photo: Soon-Hak Kwon

© Rose Wylie

Photograph courtesy of Jari Lager

Rose Wylie

The Fat Controller, 2006

Oil on canvas, 366 × 248 cm, four parts

Courtesy the artist and David Zwirner

Photo: Soon-Hak Kwon

© Rose Wylie

Photograph courtesy of Jari Lager

Rose Wylie - Inspiration from pop culture, film and art history

Rose Wylie’s large-format works, made in the studio on the first floor of her cottage, reflect a deep understanding of pop culture, film and art history. She often works with a subversive humour that also connects her to Paul Klee. Stripped down to its essentials, and with a highly expressive lightness of touch, her artistic language references an aesthetic of ‘bad painting’ and post pop. On closer examination, Wylie’s works prove to be sharply observed and subtly polished meditations on the nature of humanity.

Rose Wylie

Singing Life Model, 2017

Oil on canvas, 169 × 182 cm

Karen and Mark Smith

© Rose Wylie. Courtesy the artist and David Zwirner

Photo: Anna Arca

Rose Wylie

Yellow Strip, 2006

Oil on canvas, 183 × 777 cm, five parts

© Rose Wylie. Courtesy the artist and David Zwirner

Photo: Jack Hems

For Rose Wylie, the process by which a painting is made often begins with a visual stimulus. No limits are placed on her inspiration. As indicated by the title of the exhibition, Flick and Float – the artist’s own suggestion – in her working process Wylie ‘flicks’ through a flood of images until a motif attracts her attention. The motif might be a newspaper photograph on her studio floor, a scene from a film, an everyday situation from her life, an artwork or a picture that she found while surfing the internet. What the motifs share, however, is always a special detail that does not match the norm – ‘Toujours la difference!’ is a phrase of which Rose Wylie is particularly fond. So for example, in Singing Life Model, Rose Wylie shows a photographic model posing with a strangely opened mouth, while Yellow Strip shows the football star Ronaldinho with his characteristically thin pony tail, which whips in time with his every movement on the pitch.

Rose Wylie - Painting from memory

Rose Wylie usually begins by capturing her visual impressions in drawings. The drawings in the exhibition provide an insight into her creative process. Rose Wylie does not return to the reference material, but with a few strokes reduces the picture in her memory to what she sees as essential. Speaking of her ‘Film Notes’, for example, she explains:

‘When I do film paintings, I usually work from memory […] – I do not go back to the film or to film stills to check… It’s the original visual excitement I want to work with.’

Rose Wylie, on the letter ‘F’ in the A–Z of the catalogue Rose Wylie. Flick and Float

Rose Wylie then reworks the drawing until the composition and central details are consistent. If lines have to be corrected, Rose Wylie does not erase them, but sticks a new piece of paper over them, which sometimes makes the sketches look like collages. This process of discovery is also repeated on the big canvases in Wylie’s studio. Where necessary, Rose Wylie scrapes the oil paint off again and adds whole new parts of canvases. This genesis provides the second part of the exhibition title, because Rose Wylie describes the process by which her works are created as ‘floating’.

Rose Wylie - Compositional investigations with picture and writing 

Rose Wylie

Bagdad Cafe (Film Notes), 2015

Oil on canvas, 182 × 372 cm, two parts

Courtesy of the British Council Collection

Photo: Soon-Hak Kwon

© Rose Wylie. Courtesy the artist

Photograph courtesy of Jari Lager

Rose Wylie develops pictorial compositions that go beyond traditional perspectival representation. In her multi-panel works, for example, she juxtaposes apparently disparate images, giving rise to visual rhymes and resonances. One example is the two-part work Bagdad Cafe (Film Notes): while in the left half of the painting Rose Wylie reworks visual stimuli from the film of the same name, in the right half she shows scenes from her everyday life – including a flower from her garden, her own mouth when eating and a coffee stain.

‘I spell often phonetically – I paint how things look and I spell how things sound.’

Rose Wylie, in an interview with Fabienne Eggelhöfer during a visit to her studio in January 2025

Rose Wylie also includes writing as part of the composition of her works. What is central here is not so much the content of what is written as the form and arrangement of the letters on the picture surface. She places the writing deliberately to perfect her compositions. The process of writing is more important than the correct way of writing. For this reason Rose Wylie often writes words as she hears them, spelled incorrectly. Her writing style can be experienced in the A–Z section of the exhibition catalogue. In reflections on 26 ideas, Rose Wylie provides a deeper insight into her intellectual world.

Rose Wylie - Biography

Rose Wylie was born in 1934 in Hythe, in Kent in England. She lived with her family in India until the age of five. Her return to England coincided with the outbreak of the Second World War, which Rose Wylie experienced as a child.

Beginning in 1952 she studied painting at Folkestone and Dover School of Art. From 1956 she continued her training at Goldsmiths College in London with a view to teaching. It was here that she met her husband, the artist Roy Oxlade. When their first child was born she put her artistic career on pause and concentrated on the family. In the 1970s she taught painting at Sittingbourne College of Further Education. From 1979 she resumed her artistic activity by studying for a Masters at the Royal College of Art in London.

She began to submit her works for exhibitions with an open application procedure, which was how she came to be selected by Neo Rauch for EAST International at Norwich University of the Arts in 2004. In 2010 her works were shown in the exhibition Women to Watch at the National Museum of Women in the Arts in Washington, which led the feminist Germaine Greer to describe her as the ‘hottest new artist’ in an article in The Guardian. In 2013 she had her first institutional solo exhibition at Tate Britain in London, and won the renowned John Moores Painting Prize the following year. She was also appointed a Senior Royal Academician of the Royal Academy in London. Further exhibitions followed, including shows at the Serpentine Gallery in London (2017), in the Centro de Arte Contemporáneo in Málaga (2017), Aspen Art Museum in Colorado (2020), Hangaram Art Museum in Seoul (2021) and the Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (S.M.A.K.) in Ghent (2022) to name only a few. Next year her works will be shown at the Royal Academy in London. 

Rose Wylie. Flick and Float

Catalogue of the exhibition ; Snoeck Verlag, 2025

Published by Fabienne Eggelhöfer and Nina Zimmer

With an A–Z by Rose Wylie, photographs by Juergen Teller, 

as well as a foreword by Nina Zimmer, 

Director of the Kunstmuseum Bern – Zentrum Paul Klee, 

and an introduction by Fabienne Eggelhöfer, 

Chief Curator at the Zentrum Paul Klee.

136 pages ; Language: English ; ISBN 978-3-86442-464-9

Curator: Fabienne Eggelhöfer

Curatorial assistant: Josephine Rechberg

ZENTRUM PAUL KLEE 

Monument im Fruchtland 3, 3006 Bern

zpk.org

Stephen Pace @ Dowling Walsh Gallery, Rockland - "A Lifetime in Paint" Exhibition

Stephen Pace 

A Lifetime in Paint

Dowling Walsh Gallery, Rockland

August 1 - 30, 2025

Stephen Pace

A Lifetime in Paint

Oils and Watercolors 1948-2004

Essay by Carl Little

Dowling Walsh Gallery, 2025

© The Estate of Stephen Pace

© Courtesy of Dowling Walsh Gallery

Throughout his long and productive career, STEPHEN PACE (1918-2010) made significant contributions to American painting as a prominent member of the New York School, known for his forceful abstract expressionist paintings and later luminous representational paintings and watercolors, which were inspired in large part by his home and surroundings in Stonington, Maine. As art critic and writer Carl Little notes in the exhibition catalog, "From humble beginnings in the Midwest to the artistic hotbed of Abstract Expressionism in New York City to the working waterfront of his Maine home, this artist carried a lifetime's worth of commitment to paint."

Born in Charleston, Missouri, in 1918, Stephen Pace began his art studies at age 17 with WPA artist Robert Lahr in Evansville, Indiana. After serving in World War II, he continued his studies on the GI Bill at the Instituto Allende in San Miguel de Allende, Mexico, where he met Milton Avery, who became a lifelong friend and mentor. The two artists shared a kinship in outlook, an economy of color, line, and form, as well as an involvement in art as a way of life.

In 1953, Stephen Pace made his first trip to Maine, traveling down the coast to the small fishing village of Stonington on Deer Isle, which would become his longtime summer home. In 2007, Stephen Pace bequeathed his house and studio in Stonington to the Maine College of Art & Design as an artist residency to ensure its continued use as an artistic haven and inspiration for future generations.

Featuring more than two dozen oil paintings and watercolors, Stephen Pace: A Lifetime in Paint includes prime examples of the artist's abstract expressionist canvases and favorite recurring motifs—sunflowers, the working waterfront, horses, the figure in the landscape, and the lily pond near his Stonington home.

Celebrated for his radiant use of color and agility in distilling the essence of a subject in succinct and telling strokes, Stephen Pace's work has been the subject of over 85 solo exhibitions at galleries and museums throughout the United States. It is represented in over 50 museum collections, and the subject of the monograph Stephen Pace (Hudson Hills, 2004), with text by art historian Martica Sawin.

DOWLING WALSH GALLERY

357 Main Street, Rockland, Maine 04841

www.dowlingwalsh.com

Exposition Niki de Saint Phalle, Jean Tinguely, Pontus Hulten @ Grand Palais X Centre Pompidou, Paris

Niki de Saint Phalle, Jean Tinguely, Pontus Hulten

Grand Palais X Centre Pompidou, Paris

20 juin 2025 – 4 janvier 2026 

Niki de Saint Phalle (1930−2002) et Jean Tinguely (1925−1991) marquent les premières décennies du Centre Pompidou avec des réalisations spectaculaires, telles Le Crocrodrome de Zig & Puce (1977) dans le forum du bâtiment ou la Fontaine Stravinsky (1983) au pied de l’Ircam. Cette exposition – qui inaugure la collaboration entre le Centre Pompidou et le GrandPalaisRmn pendant la fermeture pour rénovation du site « Beaubourg » – met en lumière des moments clés de la carrière de ce couple mythique, uni par des liens artistiques indéfectibles et une vision de l’art comme acte de rébellion contre les normes établies.

C’est par le prisme de Pontus Hulten (1924−2006), premier directeur du Musée national d’art moderne au Centre Pompidou de 1977 à 1981, que l’exposition revient sur les créations de Niki de Saint Phalle et Jean Tinguely. Grâce à l’impulsion donnée par cette personnalité très tôt remarquée dans le monde des musées, les deux artistes bénéficient d’une importante visibilité. Pontus Hulten, animé par l’idée rimbaldienne de « changer la vie » et porté par une approche muséale radicale et novatrice, offre un soutien inconditionnel au couple d’artistes. Il partage leurs conceptions anarchistes au service d’un art pour tous, pluridisciplinaire et participatif, qui bouscule les conventions et déplace les lignes

Pontus Hulten favorise l’acquisition par les institutions d’œuvres majeures de Niki de Saint Phalle et Jean Tinguely, et organise au Centre Pompidou des rétrospectives des deux artistes, celle de Niki de Saint Phalle en 1980 et de Jean Tinguely en 1988. Il orchestre également la réalisation de leurs projets d’installations hors normes, tant au Moderna Museet de Stockholm, la première institution qu’il dirige, avec la gigantesque Nana pénétrable Hon – en katedral en 1966, qu’à Paris au Centre Pompidou avec Le Crocrodrome de Zig & Puce et ses éléments de fête foraine, en 1977. C’est aussi grâce à Pontus Hulten que Niki de Saint Phalle parachève la réalisation d’une vie de Jean Tinguely après son décès, Le Cyclop, monstre de métal visitable ponctué d’œuvres d’amis artistes et caché au cœur des bois de Milly-la Forêt, près de Paris.

L’exposition « Niki de Saint Phalle, Jean Tinguely, Pontus Hulten » propose un parcours à la fois historique et ludique, où s’entrelacent art, amour, amitié et engagement, tout en soulignant la part d’utopie et de provocation artistique partagée par les trois protagonistes.

La richesse de la collection du Centre Pompidou, associée à des prêts majeurs d’institutions nationales et internationales, permet de découvrir ou redécouvrir des œuvres emblématiques des deux artistes. Les machines animées, plus ou moins autodestructrices et «inutiles», de Tinguely, sont une critique acerbe de la mécanisation et du progrès technologique de la société industrielle des Trente Glorieuses. Les Tirs de Niki de Saint Phalle, reliefs blancs renfermant des poches de couleurs sur lesquels elle tire pour «faire saigner la peinture », renversent tant les codes de l’art que de la société, en mettant en évidence le pouvoir féminin. Ses célèbres Nanas colorées et joyeuses s’inscrivent dans la continuité de cette approche iconoclaste. L’exposition présente également des films d’archives rares et toute une correspondance de lettres-dessins autour des œuvres et des projets titanesques de Niki Saint Phalle et Jean Tinguely, menés en complicité avec Pontus Hulten.

Au-delà de la célébration de deux artistes majeurs du 20e siècle, portés par la vision d’un homme de musée d’exception, cette exposition interroge leur horizon de pensée selon lequel la revendication d’une autonomie de l’art, la remise en question de l’institution et l’adresse directe au public, deviennent des moteurs de la création.

2025 marque le centenaire de la naissance de Jean Tinguely

Commissariat : Sophie Duplaix, conservatrice en chef, service des collections contemporaines, Musée national d’art moderne – Centre Pompidou

Commissaire associée : Rita Cusimano, chargée de recherches, attachée de conservation, Musée national d’art moderne – Centre Pompidou

Un catalogue est publié à l'occasion de cette exposition.

Niki de Saint Phalle, Jean Tinguely, Pontus Hulten

Sous la direction de Sophie Duplaix

21 × 30 cm, 336 pages, 45€

Coédition Centre Pompidou / GrandPalaisRmn

Photo de couverture Niki de Saint Phalle

Photo repeinte de « Hon », 1979

Niki Charitable Art Foundation, Santee, Californie 

© 2025 Niki Charitable Art Foundation / Adagp, Paris

Exposition coproduite par le Centre Pompidou et le GrandPalaisRmn avec la participation de la Niki Charitable Art Foundation

GRAND PALAIS, PARIS

Galeries 3 et 4

www.grandpalais.fr

CENTRE POMPIDOU, PARIS

www.centrepompidou.fr

Steina: Playback @ Buffalo AKG Art Museum

Steina: Playback 

Buffalo AKG Art Museum

Through June 30, 2025 

Steina: Playback surveys the work of pathbreaking media artist Steina Vasulka (Icelandic, active in the United States, born 1940) whose career traverses video, performance, and installation. Since cofounding The Kitchen in New York City in 1971, Steina has created works shaped by her experimental approach to electronic processing tools, persistent explorations of what she called “machine vision,” and an enduring ethos of play. A classically trained violinist, Steina took up video in 1970, bringing to her new instrument—initially a Sony Portapak—a musician’s attention to the “majestic flow of time.” Unlike many of her peers working in video in its early decades, the Iceland-born artist did not consider television culture in the United States as a central force against which her video activity was defined. Instead, human perception was a key site of confrontation as she sought the exuberant and even utopian possibilities of an “intelligent, yet not human vision.”

Steina also shaped the avant-garde media arts environment that characterized Buffalo in the 1970s. Steina: Playback represents a homecoming for the artist, who taught at the Center for Media Study, SUNY at Buffalo for the majority of that decade, and exhibited at the 1978 Albright-Knox Art Gallery exhibition, The VASULKAS / Steina: Machine Vision, Woody: Descriptions.

With more than a dozen single-channel works and multi-channel environments, this focused retrospective surveys Steina’s fearless DIY approach to new media and her pioneering synthesis of the electronic and the natural. While Steina’s early collaborative works with her life partner Woody Vasulka centered largely around the pair’s obsession with video’s signal and the custom-designed hardware that could distort and manipulate it, her independent works from 1975 onward probe the limits of human perspective and pursue non-anthropocentric modes of visualizing the natural world.

“This exhibition not only offers a revolutionary new view of Steina’s work, but it serves as a compelling reminder of the depth and richness of the media arts environment in Buffalo more broadly,” said Helga Christoffersen, Curator-at-Large and Curator of the Nordic Art and Culture Initiative at the Buffalo AKG Art Museum. “Steina was a key figure in the arts community in Buffalo in the 1970s and the breadth of her influence is evident in this immersive, evocative exhibition.”

Throughout her career, her works were continually shaped by her shifting environments: from downtown New York’s avant-garde and Buffalo’s experimental media arts scene of the 1970s, to the vast landscapes of New Mexico and Iceland. In her works from the 1990s onward, new projection technologies allowed her video environments to become even more immersive: flows of river, waves, light, and wind spatialize what the human eye cannot see and seem to offer analogues to the electronic flow of video and audio signals. With her distinctive translation of musical modes, like polyphony, into the visual realm and her effort to exceed human perception, Steina reveals an electronic sublime and attunes us to the vibrant, invisible energies inherent to both video and natural phenomena.

STEINA - BIOGRAPHY

Steina, born Steinunn Briem Bjarnadottir, in Iceland in 1940, lives in Santa Fe, New Mexico. She trained as a violinist in Reykjavik and Prague, and she emigrated to New York City in 1965 with her life partner Woody Vasulka. Initially working as a freelance musician, she began to focus on video in 1970 and, in 1971, cofounded The Electronic Kitchen (later The Kitchen), the legendary alternative art space in New York City. After moving to Buffalo in 1973, Steina helped develop the production lab at the Center for Media Study at SUNY Buffalo. She moved to Santa Fe, New Mexico in 1980 where she has lived and worked ever since. Steina has exhibited at leading institutions internationally, including the Centre Georges Pompidou, Paris; Museum of Art, Carnegie Institute, Pittsburgh (now the Carnegie Museum of Art); San Francisco Museum of Modern Art; and the Whitney Museum of American Art, New York, among others. Important collections with her work include the Museum of Modern Art, New York; the Smithsonian American Art Museum; the San Francisco Museum of Modern Art; the Julia Stoschek Foundation; Tate, London; Thyssen-Bornemisza Art Contemporary; and ZKM | Center for Art and Media Karlsruhe. Awards and grants include: Rockefeller Foundation and NEA grants (1982); the Maya Deren Award (1992); the Siemens Media Arts Prize from ZKM | Center for Art and Media Karlsruhe, Germany (1995); as well as an honorary doctorate from the San Francisco Art Institute (1998).

STEINA

MIT List Visual Arts Center, MIT Press, 

and Buffalo AKG Art Museum, 2025

238 pp., Hardcover, 8 1/4 x 12 1/4 in.

ISBN: 978-0262551625

Accompanying the exhibition at MIT List Visual Arts Center and the Buffalo AKG Art Museum is the new monograph, Steina, which brings renewed recognition to the artist, tracing her oeuvre from early collaborative works with her partner Woody Vasulka to her independent explorations of optics and a liberated, non-anthropocentric subjectivity. The book is the first comprehensive monograph on the pioneering video artist in more than a decade. Contributors include scholars Gloria Sutton, Joey Heinen, and Ina Blom, who consider how Steina's generative sense of play gave way to methods of processing and computation; contextualize Steina alongside a group of her peers who shared an obsession with the electronic signal; and argue for her interest in video as a proto-virtual space. 

Steina: Playback is organized by MIT List Visual Arts Center in collaboration with the Buffalo AKG Art Museum and is curated by Natalie Bell, Curator, MIT List Visual Arts Center and Helga Christoffersen Curator-at-Large and Curator, Nordic Art and Culture Initiative, Buffalo AKG Art Museum. 

BUFFALO AKG ART MUSEUM

1285 Elmwood Avenue, Buffalo, New York 14222

buffaloakg.org

Steina: Playback @ Buffalo AKG Art Museum, March 14 - June 30, 2025

Fêtes et célébrations flamandes - Brueghel, Rubens, Jordaens... @ Palais des Beaux-Arts de Lille

Fêtes et célébrations flamandes

Brueghel, Rubens, Jordaens...

Palais des Beaux-Arts de Lille

26 avril - 1er septembre 2025

Fêtes et célébrations flamandes

Brueghel, Rubens, Jordaens...

Palais des Beaux-Arts de Lille

Affiche de l'exposition

Pieter II Brueghel (ou atelier de)

Kermesse avec théâtre et procession

Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruxelles

© Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruxelles /

photo : J. Geleyns - Art Photography

Les fêtes répondent à deux impératifs : constituer un moment de sociabilité, visant à créer et à entretenir un sentiment d’appartenance à une communauté, et une manifestation de réjouissances. C’est à travers le prisme du divertissement collectif que cette exposition se propose d’explorer les fêtes flamandes aux XVIe et XVIIe siècles, des bals princiers, cérémonies religieuses et fêtes solennelles et urbaines aux kermesses et fêtes des rois. Dans une société hiérarchisée et corporative, la fête sert à la fois de rituel social et de soupape de décompression. Aux XVIe et XVIIe siècles, les habitants des Pays-Bas sont touchés régulièrement par des épidémies et subissent les outrages de la Guerre de Quatre-Vingts Ans. La fête constitue alors un moment crucial pour relâcher les tensions et renforcer le tissu social. 

Comme le souligne Juliette Singer, Directrice du Palais des Beaux-Arts de Lille et du Musée de l'Hospice Comtesse, et commissire générale de l’exposition : "La fête a bien sûr valeur d’exutoire. Mais elle est aussi une réaction vitale ; faire la fête, revient à faire société, réunir ensemble une population qui dans sa mixité, s’unit le temps de la fête : hommes et femmes, enfants, vieillards, mais aussi mendiants et puissants."

Pieter Brueghel I

Les Mendiants, 1568

Paris, musée du Louvre

© GrandPalaisRmn (musée du Louvre) / Tony Querrec

L’exposition explore les sens de l’imagerie festive. Des représentations telles que les kermesses et la Fête des rois constituent des genres picturaux à part entière, appréciés bien au-delà des frontières. Aux Pays-Bas, l’État spectacle puise abondamment dans les coutumes locales, faisant des solennités un moyen de négociation entre les différents niveaux d’autorité. Les multiples représentations de ces célébrations montrent aussi comment l’État et l’Église tentent, à cette époque, de réguler les excès festifs. Malgré cela, l’aspect ludique et divertissant des fêtes perdure.

L’exposition met en lumière les collections du Palais des Beaux-Arts et du musée de l’Hospice Comtesse, enrichies par des prêts prestigieux du Musée du Louvre et des Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique. Elle réunit un corpus de peintures, albums, gravures et dessins du XVIe au XVIIe siècle, ainsi que divers objets (instruments de musique, céramiques...).

Le parcours permet aux visiteurs de plonger dans l’univers des fêtes flamandes, un patrimoine immatériel, toujours riche aujourd’hui, incarnant des valeurs telles que la mixité, le vivre-ensemble et le sens du collectif.  

Fêtes et célébrations flamandes - Un pacours en quatre sections :

I. Introduction : Guerre et fête

Au 16e et 17e siècle, aux Pays-Bas, comme dans le reste de l'Europe, la guerre est une réalité omniprésente. C'est au cours des périodes de paix que les fêtes prennent place. 

II. Fêtes et cérémonies urbaines

Alexander van Bredael

Fête traditionnelle à Anvers avec le géant Druon Antigon

XVII siècle

Lille, musée de l'Hospice Comtesse

© GrandPalaisRmn / Stéphane Maréchalle

Antoon Sallaert (et atelier)

L'infante Isabelle abattant l'oiseau au tir de la corporation

des Arbalétriers de Notre-Dame, le 15 mai 1615 au Sablon à Bruxelles

Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruxelles

© Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruxelles /

photo : J. Geleyns - Art Photography

Section la plus fournie en oeuvres, elle présente les principaux types de fête dans les villes des Pays-Bas. On y trouve ainsi des oeuves présentant les cérémonies fêtant l'arrivée du prince dans la ville, comme celle du Cardinal Infant Ferdinand en 1635 qui a fait l'objet de plusieurs tableaux de Rubens (deux appartiennent au Musée des Beaux-Arts de Lille). On trouve aussi dans cette section de l'exposition les fêtes religieuses et celles organisées par les corporations "militaires".

III. Kermesses, noces et fêtes villageoises

Gillis van Tilborgh

Fête villageoise

Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruxelles

© Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruxelles /

photo : J. Geleyns - Art Photography

Thomas van Apshoven

Fête de village avec joueur de cornemuse sur un tonneau

Milieu du XVII siècle

Lille, Palais des Beaux-Arts

© GrandPalaisRmn (PBA, Lille) / Hervé Lewandowski

Tout comme les fêtes des villes, celles des villages ont bien sûr aussi inspirés les artistes de l'époque. Il ne faut pas manquer d'admirer le tableau Les noces paysannes en présence des archiducs Albert et Isabelles, oeuvre de Jan Brueghel l'Ancien, appartenant au musée du Prado à Madrid.

IV. Fêtes de cour, fêtes des rois

Jacques Jordaens

Le roi boit

Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruxelles

© Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruxelles /

photo : J. Geleyns - Art Photography

Dans cette section les fêtes ne se déroulent plus à l'extérieur mais à l'intérieur avec, en particulier, les banquets de cour. Là aussi, parmi les impressionnantes oeuvres exposées, il ne faut manquer le tableau Le Roi boit de Jacques Jordaens qui est une des peintures les plus connues de l'art flamand du 17e siècle.

Concerts, banquets et rencontres enrichissent la programmation de cet événement, faisant du Palais des Beaux-Arts de Lille un lieu incontournable de cette saison lille3000

Commissariat général : Juliette Singer, Directrice du Palais des Beaux-Arts de Lille et du Musée de l’Hospice Comtesse

Commissaires scientifiques

Blaise Ducos, Conservateur en chef, responsable des peintures flamandes et hollandaises au Musée du Louvre

Sabine Van Sprang, Conservatrice de la peinture flamande, 1550 - 1650 aux Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique

Un catalogue publié par GrandPalaisRmnEditions accompagne l'exposition. Connaisance des arts publie un hors-série à l'occasion de l'exposition.

Fêtes et Célébrations Flamandes :

Brueghel, Rubens, Jordaens...

GrandPalaisRmnEditions

Catalogue de l'exposition

Direction d’ouvrage :

Juliette Singer, Sabine van Sprang et Blaise Ducos

208 pages - en français - Prix: 39€

Fêtes et Célébrations Flamandes

Connaissance des arts, Hors-série

Exposition coproduite par le GrandPalaisRmn et le Palais des Beaux-Arts de Lille, dans le cadre de la saison Fiesta de lille3000. Elle bénéficie d’un partenariat exceptionnel avec les Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, et le musée du Louvre, Paris.

PALAIS DES BEAUX-ARTS DE LILLE

Place de la République, 59000 Lille

pba.lille.fr

De verre et de pierre. Chagall en mosaïque - Exposition @ Musée national Marc Chagall, Nice

De verre et de pierre

Chagall en mosaïque

Musée national Marc Chagall, Nice

24 mai - 22 septembre 2025

Tout comme le vitrail, la tapisserie ou la céramique, la mosaïque fait partie des nouvelles expressions artistiques que Marc Chagall expérimente après la Seconde Guerre mondiale après son retour en France en 1949 à Vence. Elle ouvre à l’artiste de nouvelles voies dans ses recherches sur la lumière, la matière et la couleur et la création d’oeuvres monumentales dialoguant avec l’architecture.

L’entente artistique que Marc Chagall met en place avec les mosaïstes incarne une synergie où se rencontrent innovation et patrimoine, révélant la manière dont une technique ancestrale peut stimuler la création contemporaine. Ainsi, Marc Chagall réalisera de 1958 à 1986, quatorze mosaïques réparties entre le Sud de la France (Nice, Vence, Saint-Paul-de-Vence, Les-Arcssur Argens), les États-Unis (Chicago et Washington), Israël (Jérusalem) et la Suisse avec une oeuvre créée pour un hôtel particulier à Paris puis transférée à la Fondation Gianadda à Martigny en 2003.

Cette exposition est l’occasion d’offrir, pour la première fois, un panorama complet des quatorze projets de mosaïque réalisés par Chagall, à travers de nombreuses oeuvres et documents d’archives. Quelque vingt-cinq esquisses et maquettes préparatoires pour les mosaïques de Chagall illustrent le processus de recherches et de création de l’artiste, tandis que quatre à cinq pièces en mosaïque sont exceptionnellement réunies et constitueront un temps fort de l’exposition.

Cette manifestation est également l’opportunité de mettre en valeur la mosaïque Le Char d’Elie, réalisée en 1971 pour le musée national Marc Chagall en la présentant en vis-à-vis des deux maquettes de cette oeuvre dont celle inédite acquise en 2023. Un ensemble de peintures, dessins, gravures et lithographies complètent le propos.

Issues de collections particulières et d’institutions nationales et internationales, ces oeuvres sont mises en valeur par une scénographie faisant la part belle à de larges photographies de mosaïques en grand format ainsi qu’à des dispositifs destinés à faire découvrir cette technique ancestrale aux publics. Le musée rend accessible cette exposition au plus grand nombre par le biais de dispositifs tactiles permettant de comprendre la technique de la mosaïque, à destination de tous, notamment des familles et des personnes atteintes de déficience visuelle.

Exposition organisée par le Musée national Marc Chagall, le GrandPalaisRmn et le Museo d’Arte della città di Ravenna.

L'exposition sera accompagnée d'un catalogue, à paraître.

De verre et de pierre. Chagall en mosaïque

Catalogue de l'exposition

Rmn Edition

L’exposition sera présentée d’octobre 2025 à janvier 2026 au Museo d’Arte della citta di Ravenna (Italie).

Commissariat général de l'exposition

Anne Dopffer, Directrice des musées nationaux du XXe siècle des Alpes-Maritimes

Grégory Couderc, Responsable scientifique des collections du musée national Marc Chagall, Nice

A l’occasion de cette exposition, le catalogue raisonné des mosaïques de Marc Chagall sera publié le 24 mai 2025 sur le site :

https://www.marcchagall.com/fr

Il est réalisé par l’Association des Amis de Marc Chagall, en collaboration avec le Comité Marc Chagall et les Archives Marc et Ida Chagall à Paris.

Musée national Marc Chagall

Avenue du Docteur Ménard, 06000 Nice

musees-nationaux-alpesmaritimes.fr

Une passion chinoise. La collection de Monsieur Thiers @ Musée du Louvre, Paris

Une passion chinoise 

La collection de Monsieur Thiers  

Musée du Louvre, Paris

14 mai - 25 août 2025

Il est un fait relativement méconnu : l’art chinois est bien présent au Louvre. Le musée du Louvre conserve au département des Objets d’art plus de 600 œuvres d’origine chinoise, principalement issues des collections d’Adolphe Thiers, d’Adèle de Rothschild et des collections royales. Parmi elles se trouvent de véritables trésors.

De récents travaux ont mis en lumière celles de la collection Thiers, journaliste, historien, figure politique majeure du 19e siècle : député, ministre, président du conseil et, enfin président de la République française.

L’exposition se donne pour vocation de révéler au grand public ces œuvres exceptionnelles, en les rapportant au contexte historique, diplomatique et culturel de leur création puis de leur collecte par Thiers. Elle met en lumière la passion jusqu’alors méconnue de Thiers pour la Chine.

Elle rassemble plus de 170 œuvres datant majoritairement du 18e et du 19e siècle : rouleaux, pages d’albums, gravures, estampes, porcelaines, jades, laques, ivoires, bronze ou en bois incrustés de pierres et de nacres… La première section présente brièvement Adolphe Thiers, son regard particulier sur l’art, son approche de la collection, sa passion pour la Renaissance. La seconde section, formant le cœur de l’exposition, présente la collection chinoise, prise dans son ensemble. Thiers voulant écrire sur l’art chinois collectionnait livres sur la Chine, documents et objets d’art de manière concomitante. 

L’exposition suit les grands thèmes que l’on peut observer dans sa collection : l’histoire ancienne et contemporaine, les images de la Chine (paysages, architecture, costumes), quelques thèmes clés de la culture chinoise (la langue, l’écriture, les lettrés), les « trois sagesses » (bouddhisme, taoïsme, confucianisme), la porcelaine chinoise – dont il était un expert reconnu et enfin l’art impérial. Dans ce dernier domaine, la collection compte plusieurs chefs-d’œuvre dont un exceptionnel rouleau du Qingming Shanghe Tu réalisé pour l’empereur Qianlong. 

Commissaire de l'exposition : Jean-Baptiste Clais, conservateur en chef au département des Objets dArt, musée du Louvre.

Un catalogue, sous la direction de Jean-Baptiste Clais, accompagne l'exposition (à paraître le 14 mai 2025).

MUSÉE DU LOUVRE, PARIS

louvre.fr