WANAFOTO: Bâle

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25/06/25

Vija Celmins @ Fondation Beyeler, Riehen / Bâle

Vija Celmins

Fondation Beyeler, Riehen / Bâle

15 juin – 21 septembre 2025

Vija Celmins

Snowfall #1 (Chute de neige #1), 2022-2024

Huile et alkyde sur lin, 132 x 184 cm

Glenn and Amanda Fuhrman Collection, New York City, États-Unis

Photo: Aaron Wax, Courtesy Matthew Marks Gallery

Vija Celmins

Astrographic Blue (Bleu astrographique), 2019-2024

Huile sur toile, 50 x 33 cm

Matthew Marks Gallery

Photo: Aaron Wax, Courtesy Matthew Marks Gallery

Vija Celmins

Untitled (Web #1) [Sans titre (Toile #1)], 1999

Fusain sur papier, 56,5 x 64,9 cm, Tate,

ARTIST ROOMS, Londres, Royaume-Uni

Photo: Tate

La Fondation Beyeler présente l’une des plus importantes expositions personnelles jamais consacrées à l’artiste américaine VIJA CELMINS (*1938, Riga) en Europe. Connue pour ses peintures et ses dessins envoûtants de galaxies, de surfaces lunaires, de déserts et d’océans, Vija Celmins nous invite à ralentir, à observer de près et à nous immerger dans les surfaces captivantes de ses œuvres. Telles des toiles d’araignée, elles nous happent et nous incitent à contempler les tensions entre surface et espace, proximité et distance, immobilité et mouvement. Organisée en étroite collaboration avec l’artiste, l’exposition réunit environ 90 œuvres, principalement des peintures et des dessins, de même qu’un petit nombre de sculptures et d’œuvres graphiques.

Née à Riga (Lettonie) en 1938, Vija Celmins fuit son pays natal en 1944 avant d’émigrer avec sa famille aux États-Unis en 1948. Elle grandit à Indianapolis puis part suivre des études d’art à Los Angeles, avant de s’installer au Nouveau-Mexique, à New York et enfin à Long Island, où elle vit et travaille aujourd’hui. Son travail, tenu en très haute estime, est prisé tant par les musées que par les collections privées de tout premier plan. Cependant, les occasions de face-à-face approfondi avec ses œuvres sont extrêmement rares, dû entre autres au fait qu’au fil de sa carrière l’artiste n’a réalisé qu’environ 220 peintures, dessins et sculptures. Vija Celmins a toujours travaillé à son propre rythme, refusant de se plier aux courants dominants du monde de l’art et maintenant une attention résolue à sa pratique minutieuse.

L’exposition propose un aperçu très complet d’une carrière remarquable qui s’étend sur six décennies, présentant des ensembles soigneusement sélectionnés de peintures, de dessins, d’œuvres graphiques et de sculptures. S’ouvrant sur une sélection d’importantes peintures d’objets du quotidien datant des années 1960, l’exposition culmine avec une salle de magistrales peintures récentes de neige tombant d’un ciel nocturne, qui évoquent tout le mystère du cosmos.

Vija Celmins

Lamp #1 (Lampe #1), 1964

Huile sur toile, 62,2 x 88,9 cm

Vija Celmins, Courtesy Matthew Marks Gallery

Photo: Aaron Wax

Vija Celmins

Clouds (Nuages), 1968

Graphite sur papier, 34,9 x 47 cm

Collection Ayea + Mikey Sohn, Los Angeles

Photo: McKee Gallery, New York

L’exposition débute avec les peintures réalisées par Vija Celmins de 1964 à 1968, lorsqu’elle vivait dans un atelier sur Venice Beach à Los Angeles. À la différence de nombreux·ses artistes travaillant dans la ville dans les années 1960, Vija Celmins n’était pas attirée par la lumière et les couleurs éclatantes de Californie. Son univers personnel était principalement d’ordre intérieur. En 1964, elle réalise un ensemble de tableaux représentant chacun un objet ou un appareil du quotidien, parmi eux une assiette, un radiateur, une plaque chauffante et une lampe. Inspirée par les œuvres de Giorgio Morandi et Diego Velázquez vues lors d’un voyage en Italie et en Espagne en 1962, et prenant ses distances avec les couleurs vives du pop art, elle utilise une palette sourde de bruns et de gris, agrémentée d’occasionnels éclairs de rouge électrique.

Pendant les deux années suivantes, de 1965 à 1967, Vija Celmins réalise plusieurs peintures basées sur des images de la Seconde Guerre mondiale et d’autres conflits trouvées dans des livres et des magazines ; des bombardiers suspendus dans un ciel gris ou écrasés au sol, un homme en feu s’enfuyant d’une voiture embrasée, les émeutes raciales de Los Angeles en couverture du magazine Time. Silencieux et statiques, ces tableaux inquiétants évoquent à la fois la mémoire de la guerre et une réalité plus récente, dans laquelle l’omniprésence des images produit un effet de distanciation.

Vija Celmins

Untitled (Big Sea #2) [Sans titre (Grand océan #2)], 1969

Graphite sur fond acrylique sur papier, 85,1 x 111,8 cm

Collection privée

Vija Celmins

Untitled (Coma Berenices #4)

[Sans titre (Coma Berenices #4))], 1973

Graphite sur fond acrylique sur papier, 31,1 x 38,7 cm

UBS Art Collection

Vija Celmins

Untitled (Regular Desert)

[Sans titre (Désert régulier)], 1973

Graphite sur fond acrylique sur papier, 30,5 x 38,1 cm

Collection privée

Photo: Kent Pell

Vija Celmins

Desert Surface #1 ( Surface du désert #1), 1991

Huile sur bois, 45,7 x 54,9 cm

Mary Patricia Anderson Pence

De 1968 à 1992, Vija Celmins se consacre presque exclusivement au dessin. Elle continue de travailler à partir de photographies, trouvées dans des livres et des magazines ou prises par elle-même. Ses sujets sont les nuages ainsi que la surface de la lune, du désert et de l’océan. Elle commence avec un ensemble de dessins de paysages lunaires basés sur des images prises à la fin des années 1960 par les sondes lunaires américaines, qui rapportent dans les foyers de nombreux·ses habitant·e·s de la planète des gros plans d’un lieu jusqu’alors inaccessible. En 1973 s’ensuivent de premiers dessins de galaxies basés sur des images des télescopes de la NASA. Ces photographies incitent Vija Celmins à créer des images qui transforment en expérience visuelle la tension entre la profondeur de ces espaces et la surface de l’image – un élan qui anime encore et toujours son travail.

Pendant ses années de résidence à Los Angeles, Vija Celmins arpente les déserts de Californie, du Nevada et du Nouveau-Mexique, où elle réside également plusieurs mois. Fascinée par ces paysages démesurés, elle commence à représenter par le dessin le silence et la sensation de temps suspendu qui les caractérisent. Vers la fin des années 1970, Vija Celmins crée une sculpture qui donne une forme nouvelle à sa confrontation avec la réalité. To Fix the Image in Memory I-XI, 1977–1982, comprend onze pierres différentes ramassées dans le désert du Nouveau-Mexique, présentées côte à côte avec leurs doubles ; onze copies de bronze, peintes de telle manière que l’original et sa réplique puissent à peine être distingués à l’œil nu.

Les images de Vija Celmins sont basées sur des photographies ou, dans le cas de ses rares sculptures, sur des objets servant de modèles. Celmins use de ces matrices comme d’un outil, qui lui permet de ne pas avoir à se soucier de questions de composition et de cadrage. Cependant, elle ne réalise pas de copie d’un original ; il ne s’agit pas de photoréalisme. On pourrait plutôt dire que Vija Celmins recrée ou reconstitue l’original. Ses images sont construites d’innombrables couches de graphite ou de fusain sur papier et de peinture à l’huile sur toile. C’est comme si Vija Celmins cherchait à saisir et à tracer l’inconcevable immensité à la main. Ceci apparaît tout particulièrement dans ses nombreuses peintures de ciels nocturnes étoilés, un motif qui fascine Vija Celmins depuis ses débuts.

En 1992, Vija Celmins tombe sur des illustrations de toiles d’araignée dans un livre. Attirée par leurs fils fragiles et leurs formes concentriques, elle réalise un ensemble de peintures et de dessins au fusain. Cette exploration se poursuit avec des peintures d’objets aux surfaces texturées ; la couverture d’un livre japonais, l’émail craquelé d’un vase coréen, la surface éraflée d’ardoises dénichées dans des brocantes à Long Island, la forme grêlée d’un coquillage travaillé par l’érosion – chacune de ces peintures proposant une méditation exquise sur le passage du temps.

Dans la dernière salle de l’exposition, cette méditation se poursuit avec les tableaux les plus récents de Veja Celmins, qui sont parmi les plus vastes qu’elle ait jamais réalisés. Basés sur des photographies de flocons de neige illuminés dans un ciel nocturne, ils véhiculent un sens profond de silence et de révérence émerveillée.

Pour accompagner l’exposition, la Fondation Beyeler présente « Vija », un court-métrage des cinéastes de renom Bêka & Lemoine. En 30 minutes, le film dessine un portrait tout en spontanéité de l’artiste, qui partage ses réflexions sur la pratique de toute une vie, ouvrant les portes de son atelier et les tiroirs de ses archives. Le portrait entraîne les spectatrices et les spectateurs dans un voyage au fil des formes, des images et des pensées qui nourrissent la sensibilité incomparable de Vija Celmins.

L’exposition « Vija Celmins » est placée sous le commissariat de Theodora Vischer, Chief Curator de la Fondation Beyeler, et de l’écrivain et commissaire d’exposition James Lingwood.

Un catalogue richement illustré, réalisé sous la direction de Theodora Vischer et James Lingwood pour la Fondation Beyeler et conçu par Teo Schifferli, est publié au Hatje Cantz Verlag, Berlin. Sur 208 pages, il réunit « Notes » de Vija Celmins et de brèves contributions de Julian Bell, Jimena Canales, Teju Cole, Rachel Cusk, Marlene Dumas, Katie Farris, Robert Gober, Ilya Kaminsky, Glenn Ligon et Andrew Winer, avec une introduction de James Lingwood.

FONDATION BEYELER

Baselstrasse 101, 4125 Riehen

www.fondationbeyeler.ch

01/06/24

Vilhelm Hammershoi: Silence @ Hauser & Wirth Basel - Inaugural Exhibition

Vilhelm Hammershøi: Silence

Hauser & Wirth Basel

1 June - 13 July 2024

Vilhelm Hammershøi

Double Portrait of the Artist and His Wife, Seen

through a Mirror. The Cottage Spurveskjul, 1911

Oil on canvas, 55 x 76 cm / 21 5/8 x 29 7/8 in

Vilhelm Hammershøi

Interior in London, Brunswick Square, 1912

Oil on canvas, 53 x 76 cm / 20 7/8 x 29 7/8 in

Photo: Annik Wetter Photographie

Hauser & Wirth inaugurates its new gallery in Basel at Luftgässlein 4 with the exhibition ‘Vilhelm Hammershøi. Silence’. Curated by art historian Felix Krämer, a leading expert on Vilhelm Hammershøi, it is the first ever solo exhibition of the celebrated 19th- and early 20th-century Danish artist in Switzerland, bringing together 16 works from private collections dating between 1883 and 1914, some of which have rarely been exhibited before. Characterized by their mesmerizing composure and omnipresent minimal color palette, ‘Vilhelm Hammershøi. Silence’ devotes its attention to these genre paintings without narratives and is accompanied by a catalog by Hauser & Wirth Publishers, featuring essays from the curator Felix Krämer and art historian and writer Florian Illies (author of ‘Love in a Time of Hate’ and ‘1913: The Year Before the Storm’).

Alongside the interior paintings for which Vilhelm Hammershøi is highly renowned, including nine works featuring a figure, the exhibition features several of the artist’s early farmstead paintings and cityscapes of Copenhagen and London, as well as a rare self-portrait of the artist with his wife. The quiet but radical originality that emanates from these works situates Hammershøi as a precursor to the modern masters who were to follow, including Giorgio Morandi, Edward Hopper and Andrew Wyeth. Highlighting Hammershøi’s powerfully prescient vision, Florian Illies writes, ‘The future already spoke through him. More than a hundred years in advance, he intuited the spaces in which our souls now wish to reside.’

Vilhelm Hammershøi’s timeless paintings defy categorization, visually bridging the art of the Old Masters with that of the modern era. Drawing from both the past and his present, Hammershøi created a highly individual artistic language that has captured the imaginations of contemporary audiences from beyond his native Denmark. Major international retrospectives and exhibitions of his work over the last 20 years have been held at The Royal Academy of Arts, London, UK (2008), Kunsthalle München, Germany (2012) and Tokyo Metropolitan Museum of Art, Japan (2020), among others.

Vilhelm Hammershøi

Interior with the Artist’s Wife, Seen from Behind, 1901

Oil on canvas, 45 x 39 cm / 17 3/4 x 15 3/8 in

Photo: Annik Wetter Photographie

Vilhelm Hammershøi

Morning Toilette, 1914

Oil on canvas, 87 x 73 cm / 34 1/4 x 28 3/4 in

Born in Copenhagen in 1864, the son of a merchant, Vilhelm Hammershøi remained loyal to his hometown of Copenhagen where he lived until his death in 1916. Through early travels to the European centers of Paris and London with his wife, Ida Hammershøi, née Ilsted, whom he married in 1891, he familiarized himself with the rapidly evolving international art of his time. Yet, it was Dutch 17th-century genre painting, particularly the enigmatic domestic interiors of Johannes Vermeer, and the early 19th-century Danish Golden Age, that became a wellspring of inspiration for the artist. Following their travels, the couple settled in their 17th-century apartment, Strandgade 30, in the Christianshavn district of Copenhagen, where they would reside from 1898 to 1909. Described by his contemporaries as a recluse, the artist preferred to paint at home rather than in a studio, resisting the influences and distractions of the outside world. Hammershøi’s interior paintings, each depiction imbued with a contemplative stillness, were to remain the artist’s enduring fascination and most renowned motif.

Among the works in the exhibition are major paintings of interiors with a singular female figure, most noticeably depicting Vilhelm Hammershøi’s wife, Ida. Within the interiors that Hammershøi created, Ida repeatedly appears as an isolated figure with her back turned towards the viewer, giving these paintings a timeless quality by denying any sort of emotional or narrative reading. Certain motifs reappear in different configurations alongside his wife, often in an artificial and dream-like manner, creating an inherent tension between the figure and its environment. The uncanny placement of household objects, such as candlesticks, chairs, desks and mirrors, can be seen as evocative of the still life compositions that Giorgio Morandi painted decades later. In the painting ‘Interior with the Artist’s Wife, Seen from Behind’ (1901), Ida stands ambivalently next to a pianoforte; however, there is no interaction between two. The presence of a musical instrument emphasizes the absence of sound, adding to the profound feeling of stillness. These ephemeral interior paintings conjure a voyeuristic intimacy which anticipates the atmosphere of works by 20th-century artists such as Edward Hopper or René Magritte.

Vilhelm Hammershøi

Interior with a Standing Woman, 1898

Oil on canvas, 48.5 x 42.4 cm / 19 1/8 x 16 3/4 in

Vilhelm Hammershøi

Woman before a Mirror, 1906

Oil on canvas, 46 x 38.5 cm / 18 1/8 x 15 1/8 in

Vilhelm Hammershøi’s reductive color palette and masterful use of diffused light give the interiors a contemplative, melancholic quality and stand in stark contrast to the bold expressionists and fauvists of his time. In one of the earliest interiors on view, ‘Interior with a Standing Woman’ (1898), the artist experiments with brown and ochre tones seen in his early farmstead paintings. In later paintings, Vilhelm Hammershøi began to employ the grey toned color palette that would come to define his minimal aesthetic, as seen in the work ‘Woman Before a Mirror’ (1906). Although evocative of black and white or sepia photography, his palette was radical since it ultimately alienated his images from realism. Asked about his color use in 1907, the artist replied: ‘Why do I use so few and muted colors? Frankly, I don’t know. It’s quite impossible for me to say anything on the matter. It feels natural to me. In purely coloristic terms I absolutely believe that a painting works best the fewer colors are used in it.’ The seriality of the isolated figure, setting and disconnection from verisimilitude are traits that arguably characterize Hammershøi’s works as precursors to conceptual and modernist approaches.

Many of Vilhelm Hammershøi’s later paintings utilize an experimental approach to perspective, with several works reminiscent of photographic compositions and viewpoints. A rare example of a self-portrait of the artist with his wife, ‘Double Portrait of the Artist and His Wife, Seen through a Mirror. The Cottage Spurveskjul’ (1911) features the artist’s own reflection within the confines of an elliptical shaped mirror, allowing the viewer’s gaze to merge with the artist’s, whilst Ida is distanced from the viewer in the background. ‘Morning Toilette’ (1914) is one of the latest paintings on view featuring the artist’s wife and is in stark contrast to earlier examples; here, Vilhelm Hammershøi crops the figure from the waist upwards. These angular compositions and perspectives imbue the artist’s work with a striking contemporary relevance which, alongside Hammershøi’s use of the figure and color, reveal a remarkably modernist sensibility that continues to garner new generations of followers who join those steeped in the history of art of the 19th and early 20th Centuries.

HAUSER & WIRTH BASEL

Luftgässlein 4, 4051 Basel

www.hauserwirth.com

16/05/24

Exposition When We See Us : Un siècle de peinture figurative panafricaine @ Kunstmuseum Basel | Gegenwart

When We See Us

Un siècle de peinture figurative panafricaine

Kunstmuseum Basel | Gegenwart

25 mai - 27 octobre 2024

Sungi Mlengeya

Constant III, 2019

Acrylic paint on canvas, 140 x 140 cm

Courtesy of the Ditau Collection

Zéh Palito

Que Se Chama Amor, 2022

Acrylic on canvas, 162 x 125 cm

Courtesy the artist, Simões de Assis and Luce Gallery

Avec l’exposition When We See Us, le Kunstmuseum Basel présente un kaléidoscope qui raconte un siècle de peinture figurative noire. Il s'agit d’une reprise de l’exposition organisée au Zeitz Museum of Contemporary Art of Africa au Cap. Installée dans les espaces du Gegenwart, elle réunit plus de 150 peintures d’environ 120 artistes, jamais exposées en Suisse pour la plupart, et apporte un éclairage sur la puissance et la dimension politique de la « Black Joy ».

Le titre de l’exposition s’inspire de la mini-série de Netflix When They See Us (2019). La réalisatrice afro-américaine Ava DuVernay y aborde la manière dont des Blancs perçoivent indifféremment de jeunes Noirs innocents comme de potentiels criminels constituant une menace. En remplaçant « They » par « We », l’exposition opère un changement de perspective et offre ainsi un espace aux artistes pour montrer la manière dont il voient leur condition. Elle accorde une place centrale à leur perception propre et révèle comment la vie des Noirs ne cessa d’être représentée par d’autres de manière biaisée et fausse.

When We See Us est le résultat de recherches approfondies menées par Koyo Kouoh, directrice et cheffe curatrice du Zeitz MOCAA au Cap, et son équipe. De novembre 2022 à septembre 2023, ce musée dédié à l’art contemporain africain le plus grand au monde a présenté cette vaste exposition. Celle-ci est représentative d’une nouvelle perception de soi et de l’autodétermination d’artistes noir.e.s qui, après des siècles de domination par le canon artistique blanc, écrivent leur propre histoire de l’art. Au Kunstmuseum Basel, elle succède à une série d’expositions monographiques consacrées à des artistes afro-américain.e.s : Theaster Gates, Sam Gilliam, Kara Walker et dernièrement Carrie Mae Weems. Ces expositions et bien d’autres explorent la « Blackness » dans le monde, notamment au regard des traumatismes et des aspects du colonialisme. D’après les commissaires Koyo Kouoh et Tandazani Dhlakama, When We See Us se concentre quant à elle sur le quotidien ainsi que sur la « puissance de la joie », éliminant ainsi les stéréotypes liés au racisme, à la violence ou aux crises. L’exposition s’attache à proposer aux individus un nouvel angle de vue tour à tour solennel, puissant et digne : « Il faut que nous parlions beaucoup plus de nous-mêmes, d’une manière qui stimule notre esprit » disent-elles.

Wangari Mathenge

Sundials and Sonnets, 2019

Oil on canvas, 137.2 x 172.7 cm

Credit : Pascale M. Thomas and Tayo E. Famakinwa

Six sections du quotidien

Plus de cent cinquante oeuvres d’art sont réparties en six chapitres d’exposition : Le quotidien, Joie et allégresse, Repos, Sensualité, Spiritualité et Triomphe et émancipation. Les salles ne sont pas aménagées de manière chronologique, ni selon le pays d’origine ou le lieu de travail des artistes.

La déclinaison en des thèmes universels indique également pour la première fois que les artistes ont travaillé aux mêmes thématiques à différents endroits en Afrique et au sein de la diaspora africaine. Ainsi, des parallèles iconographiques s’esquissent entre les oeuvres de Romare Bearden (1911–1988), artiste afro-américain, et de George Pemba (Afrique du Sud, 1912–2001), ou entre le Congolais Chéri Samba (*1956) et l’Afro-Américain Barkley L. Hendricks (1945–2017).

When We See Us occupe l’ensemble des espaces du Kunstmuseum Basel | Gegenwart. Comme au Zeitz MOCAA, Ilze Wolff, associée de l’agence Wolff Architects au Cap, a été chargée de la scénographie, tandis que le musicien Neo Muyanga a conçu les stations sonores. Une frise chronologique précise le contexte de création des oeuvres exposées et un audioguide adapté pour le Kunstmuseum Basel fournit des informations sur les oeuvres.

Le programme qui accompagne l’exposition met en avant différentes voix noires à travers la musique, la littérature, des ateliers, des visites guidées, des groupes de discussion et des événements universitaires. Au rez-de-chaussée, une salle spécialement conçue pour accueillir ce programme sert de lounge public ainsi que de lieu de rassemblement et d’événements pour les ateliers, séminaires, concerts et autres.

Chapitres d’exposition et liste des artistes

Triomphe et émancipation

Le sentiment de fierté envers sa propre histoire et ses réussites malgré l’adversité et une oppression longue de plusieurs siècles figure au coeur de ce chapitre. Au rez-de-chaussée du musée, les visiteur.euse.s croisent des icônes mondialement connues, à l’instar du tableau de Chéri Chérin Obama Revolution (2009), sur un pied d’égalité avec des figures certes anonymes, mais fortes, comme dans le Portrait of a Sudanese Gentleman (1951) d’Ibrahim El-Salahi. Les personnes représentées s’occupent des biens culturels des ancêtres ou sont des hommes et des femmes politiques engagés et des individus ayant obtenu le succès et la reconnaissance sociale.

Chéri Samba

Hommage aux anciens créateurs, 2000

Acrylic on canvas, 135 x 200 cm

Private Collection, courtesy of MAGNIN-A Gallery, Paris

Artistes : Benny Andrews, Margaret Taylor Burroughs, Chéri Chérin, Kudzanai Chiurai, Aboubacar Diané, Ibrahim El-Salahi, Ben Enwonwu, Gherdai Hassell, Wifredo Lam, Akinola Lasekan, Mustafa Maluka, Eria Nsubuga ‘Sane’, Augustin Okoye, George Pemba, Chéri Samba, Mmapula Mmakgabo Helen Sebidi, Gerard Sekoto, Katlego Tlabela, Cyprien Tokoudagba

Sensualité

Sensualité présente des corps noirs de manière intime et avec aplomb comme ne l’avait guère permis le canon visuel occidental. Le modèle noir, d’après Félix Vallotton (2019) de Roméo Mivekannin fait directement écho à ce canon, de même que Reclining Nude with Lemon (2021) de Sahara Longe. Ce chapitre montre toute la palette de la sensualité, de l’amour et des relations intimes. L’ensemble des oeuvres ont en commun l’autodétermination des protagonistes.

Chris Ofili

Within Reach 7, 2002

Gouache, India ink, charcoal and gold leaf on paper, 114 x 69 cm

Artistes : Nina Chanel Abney, Olusegun Adejumo, Tunji Adeniyi-Jones, Maxwell Alexandre, Tiffany Alfonseca, Dominic Chambers, Somaya Critchlow, Njideka Akunyili Crosby, Elladj Lincy Deloumeaux, Aboubacar Diané, Ibrahima Kébé, Yoyo Lander, Sahara Longe, Danielle McKinney, Roméo Mivekannin, Moké, Geoffrey Mukasa, Chris Ofili, Kambui Olujimi, Tschabalala Self, Monsengo Shula, Mickalene Thomas, Bob Thompson, Kehinde Wiley.

Spiritualité

Selon les commissaires de l’exposition, il est difficile d’imaginer un quotidien noir sans spiritualité. Cette section représente le « triple héritage » décrit par l’écrivain kenyan et américain Ali Mazrui (1933-2014) dans son livre The Africans: A Triple Heritage : la "Black Life" perméable aux rituels et traditions locales, islamiques et chrétiennes. Les oeuvres présentées ici montrent une spiritualité vivante, à l’instar de Genesis Creation (1989) de Jacob Lawrence et The Dumb Oracle (2019) de Michael Armitage.

Michael Armitage

You, Who Are Still Alive, 2022

Oil on Lubugo barkcloth, 150 x 200 cm

Kunstmuseum Basel, purchase with funds from the Efren Fund,

Freiwillige Akademische Gesellschaft Basel

Photo : Max Ehrengruber

Cassi Namoda

To Live Long Is To See Much (Ritual Bathers III), 2020

Oil on canvas, 152.4 x 233.6 cm

Courtesy of Jorge M. Pérez Collection, Miami

Artistes : Michael Armitage, Gerard Bhengu, Wilson Bigaud, Edouard Duval-Carrié, Aaron Douglas, Scherezade García, Jacob Lawrence, Cassi Namoda, Malangatana Ngwenya, Kambui Olujimi, Emma Pap’, Naudline Pierre, Prosper Pierre-Louis, María Magdalena Campos Pons, Cinga Samson, Gerard Sekoto, Devan Shimoyama, Alex Shyngle, Sthembiso Sibisi, Olivier Souffrant, Pamela Phatsimo Sunstrum, Nirit Takele.

Le quotidien

Des tableaux à l’instar de Boy with a Toy Plane (1938) d’Aaron Douglas, The Reader (1939) de William H. Johnson, Gisting in the Kitchen (2018) de Joy Labinjo ou encore l’affiche publicitaire de Johnny Arts pour Ozor International Barber also Specialist in Hair Dying and Shamporing (1962) montrent la beauté de la vie quotidienne. Ce chapitre présente des scènes de la vie publique et privée avec des moments de joie ou de contemplation, que ce soit au sein de la famille ou de la communauté, à l’occasion de jeux, à l’école, lors du portage de l’eau ou de la réalisation de tresses.

Artistes : Johnny Arts, Malang Badji, Romare Bearden, Aaron Douglas, Gervais Emmanuel Ducasse, Ben Enwonwu, Ablade Glover, Gavin Janties, William H. Johnson, Kangudia, Ibrahima Kébé, Joy Labinjo, Petson Lombe, Marvelous Mangena, Luis Meque, Moké, Meleko Mokgosi, Richard Mudariki, Theresa Mungure, Lavar Munroe, Chemu Ng’ok, Nicholous Njau, Boris Nzebo, Antoine Obin, Télémaque Obin, Bruce Onobrakpeya, George Pemba, Horace Pippin, Kingsley Sambo, Gerard Sekoto, Ancent Soi, Moustapha Souley, Edward Saidi Tingatinga, Zandile Tshabalala, Sane Wadu, Richard Witikani

Joie et allégresse

Cette section est consacrée aux moments d’allégresse et de loisir : d’après les commissaires, il reste toujours du temps pour une chanson ou une danse. Dans The Birthday Party (2021) d’Esiri Erheriene-Essi, on chante pour Steve Biko ; dans Un mardi de Carnaval (1960) de Philomé Obin, on participe aux célébrations au sein d’un défilé ; dans Jazz Rhapsody (1982) de Romare Bearden, on écoute les rythmes musicaux.

Esiri Erheriene-Essi

The Birthday Party, 2021

Oil, ink and Xerox transfer on linen, 150 x 200 cm

Courtesy of Jorge M. Pérez Collection, Miami

Cinthia Sifa Mulanga

Wait your turn – Competitive Sisterhood, 2021

Mixed media on canvas, 76 x 101 cm

Courtesy of Serge Tiroche and the Africa First Collection

Moké

Kin oyé ou Couloir Madiokoko à Matonge, 1983

Oil on canvas, 67 x 87 cm

André Magnin Collection,

Courtesy of MAGNIN-A Gallery, Paris

Artistes : Romare Bearden, Esiri Erheriene-Essi, Barkley L. Hendricks, Clementine Hunter, Jacob Lawrence, Arjan Martins, Moké, Cinthia Sifa Mulanga, Eric Ndlovu, Nicholous Njau, Nestor Vuza Ntoko, Philomé Obin, George Pemba, Chéri Samba, Matundu Tanda, Katlego Tlabela, Charles White.

Repos

Le troisième étage du Gegenwart réserve une place aux moments de repos, équivalents à ceux d’allégresse. Ici, on s’étire dans un canapé dans Sundials and Sonnets (2019) de Wangari Mathenge, on se promène dans la campagne dans Surveying the Family Seat (2017) de Toyin Ojih Odutola ou bien on savoure simplement le calme assis sur une chaise comme dans An evening in Mazowe (2019) de Kudzanai-Violet Hwami. Partout, des personnes détendues, seules ou dans une atmosphère familière.

Lynette Yiadom-Boakye

A Culmination, 2016

Oil on canvas, 200.5 x 250 x 3.8 cm

Kunstmuseum Basel, purchase

Photo credit: Jonas Hänggi

Zandile Tshabalala

Two Reclining Women, 2020

Acrylic paint on canvas, 91.5 x 122 cm

Courtesy of the Maduna Collection

Artistes : Cornelius Annor, Gideon Appah, Firelei Báez, Amoako Boafo, Beauford Delaney, Kudzanai-Violet Hwami, Wangari Mathenge, Neo Matloga, Sungi Mlengeya, Ian Mwesiga, Thenjiwe Niki Nkosi, Toyin Ojih Odutola, Eniwaye Oluwaseyi, Marc Padeu, Zéh Palito, Otis Kwame Kye Quaicoe, Henry Taylor, Zandile Tshabalala, Kehinde Wiley, Lynette Yiadom-Boakye

A propos des commissaires de l'exposition

Koyo Kouoh

Depuis 2019, Koyo Kouoh est directrice et cheffe curatrice du Zeitz Museum of Contemporary Art Africa (Zeitz MOCAA) au Cap. Elle a grandi en Suisse puis s’est installée à Dakar, au Sénégal, dans les années 1990, où elle a fondé le RAW Material Company, un centre pour l’art, le savoir et la société en 2008. Elle en fut également la directrice artistique. Avant et parallèlement à cela, elle a organisé et assuré le commissariat d’expositions majeures et de biennales dans le monde entier (notamment Ataraxia au Salon Suisse de la Biennale de Venise en 2017). Koyo Kouoh a beaucoup publié sur la portée internationale de la communauté artistique panafricaine. En 2020, elle a reçu le Prix Meret Oppenheim et a été reconnue comme l’une des personnalités les plus importantes et influentes du monde artistique. En tant que curatrice et critique ainsi que fondatrice d’institutions culturelles, elle a proposé de nouvelles formes de médiation et a fortement contribué à porter l’art africain sur la scène internationale.

Tandazani Dhlakama

Née au Zimbabwe, Tandazani Dhlakama travaille depuis 2017 au Zeitz MOCAA comme curatrice et dans le domaine de la médiation artistique. Auparavant, elle a travaillé à la National Gallery of Zimbabwe et occupé différentes fonctions lors d’expositions, de conférences et de biennales en Afrique. Tandazani Dhlakama possède un master en Art Gallery and Museum Studies de l’université de Leeds au Royaume-Uni (2015) et un bachelor en Beaux-Arts et Sciences Politiques de l’université St. Lawrence de New York aux États-Unis (2011). Dernièrement, elle a assuré le commissariat de Witness: Afro Perspectives from the Jorge M. Pérez Collection à El Espacio 23 de Miami – une exposition consacrée à l’oppression systématique, aux traumatismes intergénérationnels, aux nouvelles visions du monde, à l’identité et au territoire.

Le Kunstmuseum remercie Kadiatou Diallo, Sindi-Leigh McBride et Lorena Rizzo du Centre d'études africaines de l'Université de Bâle pour leur regard critique sur l'adaptation de l'exposition au Kunstmuseum de Bâle.

KUNSTMUSEUM BASEL

St. Alban-Graben 8 - 4010 Basel

www.kunstmuseumbasel.ch

10/05/24

Art Basel 2024 in Basel - Galleries, artists, artworks, Sectors highlights....

ART BASEL 2024 IN BASEL

June 13 - 16, 2024

François Morellet

5 néons au hasard de p n° 1, 2016

A ARTE INVERNIZZI

Courtesy A arte Invernizzi, Milan

Photo Bruno Bani, Milan

Etel Adnan

Nuit, 2003

ANTHONY MEIER

Photo by Chris Grunder, San Francisco

Elisabeth Neudörfl

Future World (series of 80 black and white photographs), 2002

GALERIE BARBARA WIEN

Courtesy of the artist and Galerie Barbara Wien, Berlin

Nicole Miller

Michael in Black, 2018

CARLIER | GEBAUER

Courtesy of the artist and carlier | gebauer, Berlin/Madrid

Photo by Jeff Mclane.

Flaka Haliti

Whose Bones?, 2022

DEBORAH SCHAMONI

Courtesy of the artist and Deborah Schamoni

Graham Little

Untitled (Mountain Top), 2023

DEPENDANCE

Courtesy the artist and dépendance, Brussels

Photo by Alice Pallot

For its 2024 edition in Basel, Art Basel will bring together 285 leading international galleries to present artworks of the highest quality across all media – from painting and sculpture to photography and digital works – by artists ranging from early-twentieth-century Modern pioneers to emerging contemporary practitioners. Art Basel in Basel will once again reaffirm its unparallelled position as a platform for discovery and encounters that drive the art world.

The outstanding diversity of artistic perspectives on view at the fair will be complemented by lively events and activities spanning the entire city and its prominent cultural institutions, highlighting Basel’s unique appeal, and underscoring the significant impact of Art Basel on its hometown.

Maike Cruse, Director of Art Basel in Basel, said: ‘I am looking forward to welcoming the global art community to Basel come June for the upcoming edition of our show. With the addition of 22 new participants, it promises to be exceptionally dynamic and filled with exciting discoveries. I am thrilled about the expansion of the city-wide program, which now includes the public art sector Parcours on Clarastrasse newly curated by Stefanie Hessler. Additionally, I eagerly anticipate our project at Hotel Merian, which will contribute to the continued growth of Art Basel's presence in the city through a fresh approach.’

22 galleries will join Art Basel in Basel for the first time, including five galleries entering directly into the main sector of the show. They are:

• Karma (Los Angeles, New York)

• Tina Keng Gallery (Taipei)

• Madeln Gallery (Shanghai)

• Mayoral (Paris, Barcelona)

• Yares Art (New York,Santa Fe)

The Feature sector, dedicated to art-historical projects, will welcome 11 first-time participants:

• Almeida & Dale Galeria de Arte (São Paulo)

• Bank (Shanghai)

• Thomas Brambilla (Bergamo)

• Larkin Erdmann Gallery (Zurich)

• Galerie Le Minotaure (Paris)

• Maruani Mercier (Brussels, Knokke, Zaventem)

• Galerie Mueller (Basel)

• Gallery Wendi Norris (San Francisco)

• Parker Gallery (Los Angeles)

• Meredith Rosen Gallery (New York)

• The Third Gallery Aya (Osaka)

The Statements sector, dedicated to solo presentations by emerging artists, will welcome six galleries not having participated in Art Basel in Basel before:

• Galerie Anne-Sarah Bénichou (Paris)

• Felix Gaudlitz (Vienna)

• Nome (Berlin)

• OSL contemporary (Oslo)

• ROH Projects (Jakarta)

• Wooson (Daegu, Seoul)

Seven galleries that previously exhibited in Feature or Statements will graduate into the main sector of the fair. They are Commonwealth and Council (Mexico City, Los Angeles), Crèvecœur (Paris), Gaga (Guadalajara, Mexico City, Los Angeles), Garth Greenan Gallery (New York), Tina Kim Gallery (Seoul, New York), Mazzoleni (Turin, London), and Galerie Bene Taschen (Cologne).

Expanded City-Wide Programming

Art Basel’s public sector Parcours will be curated for the first time by Stefanie Hessler, Director of Swiss Institute (SI) in New York, succeeding Samuel Leuenberger, who successfully managed and expanded the sector over the past eight years. Hessler aims to recontextualize Parcours as a curated exhibition that will meander through empty storefronts, a hotel, operational shops, and other urban spaces on Basel’s Clarastrasse, which connects the fairgrounds to the Rhine. Through ambitious projects, many of which will be site-specific and newly created, the sector will explore ideas of transformation and circulation within the realms of trade and globalization, the flow of information, and the varied climates and weathers spanning geographies and generations.

In addition, Art Basel will expand its presence within the city by activating the Hotel Merian as a continuous, around-the-clock venue for artistic events and showcases. The Film sector, curated by writer and curator Filipa Ramos, will return with a compelling selection of moving image works, presented throughout the show week at Basel’s Stadtkino. Free to the public and hosted on Art Basel's fair ground, the renowned Conversations program will be for the first time curated by Berlin-based writer, editor, and educator Kimberly Bradley.

Cabello / Carceller

Una película sin ninguna intención (Guión),#6, 2022

GALERIA ELBA BENITEZ

Courtesy by the artists and Galería Elba Benítez, Madrid

Photo by Jonás Bel

William Copley

Don't Walk, 1965

GALERIE 1900-2000

Courtesy of Galerie 1900-2000, Paris-New York

Ugo Rondinone

zweiundzwanzigsteraprilzweitausendundvierundzwanzig, 2024

GALERIE EVA PRESENHUBER

Courtesy the artist and Galerie Eva Presenhuber, Zurich / Vienna

Auguste Herbin

Le grand arbre déraciné, 1913

GALERIE LAHUMIERE

Courtesy of Galerie Lahumière

Tania Pérez Córdova

From a Friend's House, 2022

GALERIE MARTIN JANDA

Courtesy of the artist

Photo by Gerardo Landa and Eduardo López

Robert Kushner

Goddess, 1986

GALERIE NATHALIE OBADIA

Courtesy of the artist and

Galerie Nathalie Obadia, Paris/Brussels

Photo by Steven Bates

ART BASEL 2024 - Galleries

The fair’s main sector will feature 243 of the world’s leading galleries, presenting painting, sculpture, drawing, installation, photography, video, digital art, and editioned works of the highest quality. Seven galleries that previously exhibited in Feature or Statements will graduate into the main sector of the fair, showcasing the full range of their program, while the sector welcomes five first-time exhibitors.

ART BASEL 2024 - Feature

Now focusing uniquely on art-historical projects, the sector will include 16 curated presentations and welcome 11 first-time exhibitors. Highlights from the sector include a condensed retrospective of artist Jean Tinguely by newcomer Galerie Mueller (Basel); a presentation of exemplary oil paintings by Basel-born artist Irène Zurkinden by first-time participant Meredith Rosen Gallery (New York); a presentation of Senegalese artist Viyé Diba – an emblematic figure of Modern Senegalese art – by OH Gallery (Dakar); works by prolific American artist Peter Halley, presented by newcomer Maruani Mercier (Brussels, Knokke, Zaventem); and a showcase of the remarkable artistic partnership between Maryn Varbanov and Song Huai-Kuei (aka Madame Song), presented by Bank (Shanghai).

The 25th Annual Baloise Art Prize, comprising a cash prize of CHF 30,000 per winner, will be awarded to up to two artists exhibiting in Statements. In addition, the Baloise Group will acquire works by the selected artists to donate to two leading European museums, which will hold solo exhibitions of the artists’ works.

ART BASEL 2024 - Edition

Spread across both floors of Hall 2, the sector will feature eight leading galleries in the field of prints and editioned works: Borch Editions (Copenhagen), Cristea Roberts Gallery (London), Gemini G.E.L. (Los Angeles), knust kunz gallery editions (Munich), Carolina Nitsch (New York), René Schmitt (Westoverledingen), Susan Sheehan Gallery (New York), and STPI (Singapore).

In addition to remarkable presentations in its Galleries, Feature, Statements, and Edition sectors, around 70 large-scale installations and performances will be on view in the show’s Unlimited sector, while the Kabinett sector will return for the second time to Art Basel’s Swiss edition to spotlight distinct, curated exhibitions within the main booths of exhibitors.

This year’s show will also present an expanded city-wide program, which will include Agnes Denes’ seminal land art work Honouring Wheatfield - A Confrontation (2024) on the Messeplatz, curated by Samuel Leuenberger. The reconceptualized Parcours sector, curated for the first time by Stefanie Hessler, will unfold along Clarastrasse up to the Middle Bridge, where Art Basel will activate the Merian to provide audiences with a stimulating venue for around-the-clock artistic events and showcases. Free to the public, Art Basel’s Conversations series, curated for the first time by Kimberly Bradley, will focus on ways to build and shape the art world’s future, while the Film program, curated by Filipa Ramos, will showcase a unique lineup of surveys, feature films, and a special program for young audiences from age four onwards.

Maike Cruse, Director of Art Basel in Basel, said: ‘I am particularly excited about this year’s expanded city-wide program as a testament to Basel’s cultural pulse. The Messeplatz project, featuring Agnes Denes’ transformative installation Honouring Wheatfield - A Confrontation (2024), redefines the dialogue between environment, land art, and the value of things. Our Parcours sector transforms the Clarastrasse into an exhibition exploring the topics of circulation and transformation. And the Merian will not only showcase Petrit Halilaj’s installation on the façade but will also extend Art Basel’s activation into the evening and night. Join us to celebrate community and the limitless possibilities of artistic expression along the Rhine.’

Sirous Namazi

Patterns of Failure, 2023

GALERIE NORDENHAKE

Courtesy of the artist and

Galerie Nordenhacke, Berlin/Stockholm/Mexico City

Photo by Peter Hansen

Robert Frank

Mabou Winter Footage, 1977

GALERIE THOMAS ZANDER

Courtesy of Pace Gallery and Zander Galerie

Xie Nanxing

Untitled, 2023

GALERIE URS MEILE

Courtesy of the artist and Galerie Urs Meile.

Roni Horn

Untitled, no. 13, 1998/2006

GALLERIA RAFFAELLA CORTESE

Courtesy the artist and Galleria Raffaella Cortese, Milan - Albisola.

André Butzer

Untitled, 2023

GIO MARCONI

Courtesy of the artist and Gió Marconi, Milan.

Photo by Fabio Mantegna.

Poppy Jones

Whilte Tulips (Monday), 2024

HERALD ST

Courtesy of the artist and Herald St, London.

Photo by Jackson White.

ART BASEL 2024 - Unlimited

Art Basel’s unique sector for large-scale projects, Unlimited provides exhibitors the opportunity to present monumental installations, colossal sculptures, boundless wall paintings, comprehensive photo series, and expansive video projections. Unlimited will be curated for the fourth time by Giovanni Carmine, Director of Kunst Halle Sankt Gallen.

Highlights from Unlimited include:

• A site-specific installation by Swedish artist Anna Uddenberg, titled Premium Economy (2023-2024), presented by Kraupa-Tuskany Zeidler and Meredith Rosen Gallery

• A reenactment of American artist Faith Ringgold's first multimedia performance, titled The Wake and Resurrection of the Bicentennial Negro (1976), presented by Goodman Gallery in collaboration with ACA Galleries

• Untitled (2022), an installation by American artist Henry Taylor, presented by Hauser & Wirth

• Greek Italian artist Jannis Kounellis’ installation Senza titolo (vele) (1993), presented by Kewenig

• An installation of a significant section from American artist Keith Haring’s mural Untitled (FDR NY) #5-22 (1984), presented by Gladstone Gallery and Martos Gallery

• A new video installation titled DOKU The Flow (2024) by Chinese artist Lu Yang, presented by Société

• Chess (2012), a seminal installation by American artist Lutz Bacher, presented by Galerie Buchholz

• ARCHITEKTURTRAUM (2001) by Swiss artist Miriam Cahn, presented by Meyer Riegger and Galerie Jocelyn Wolff

• A complete set of Robert Frank’s The Americans (1954-1957) presented by Pace Gallery and Thomas Zander

Art Basel’s Unlimited Night will return on Thursday, June 13, providing visitors the chance to experience the sector alongside special performances during extended opening hours. For the first time, visitors of Unlimited will have the opportunity to vote for their favorite artwork for the whole duration of Art Basel. The Unlimited People's Pick will then be announced towards the end of the show week. Further details around the prize will follow in due course.

ART BASEL 2024 - Parcours

Curated for the first time by Stefanie Hessler, Director of Swiss Institute (SI) in New York, Art Basel’s public art sector will unfold along Clarastrasse up to the Middle Bridge, connecting the fairgrounds with the Rhine. Hessler’s concept for Parcours is a curated exhibition that meanders through empty stores and operational shops, a hotel, a restaurant, a brewery, and other quotidian spaces on Basel’s Clarastrasse. Through ambitious projects, many of them site-specific and newly produced, the sector explores transformation and circulation in areas such as trade, globalization, and ecology. Hessler takes over Parcours from Samuel Leuenberger, who successfully managed and expanded the sector over the past eight years.

Highlights from Parcours include:

• An architectural structure lined with paintings that houses produce on sale at the Tropical Zone store by London-based artist Alvaro Barrington, presented by Sadie Coles HQ, Thaddaeus Ropac, and Massimodecarlo

• An installation combining traditional Chinese shadow play and digital animation by Swedish artist Lap-See Lam, unfolding in a food court, and presented by Galerie Nordenhake

• A portable garden by Austrian artist Lois Weinberger, transposing nature into an urban context with the aim to attract insects and birds, presented by Galerie Krinzinger

• A performance by London-based artist Mandy El-Sayegh interrogating the circulation of information and goods inside a partially vacant shopping mall, presented by Thaddaeus Ropac and Lehmann Maupin

• A series of pirate flags by Rirkrit Tiravanija, lining the Middle Bridge crossing the Rhine, presented by neugerriemschneider

• Peruvian artist Ximena Garrido-Lecca’s Conversion systems contraposing ancestral techniques and artisanal materials with industrial applications in petrol extraction, installed inside a brewery, presented by Galerie Gisela Capitain

Newly the Parcours Night will be hosted on Wedneday, June 12, from 8 to 11pm, offering a festive night filled with live performances and other acts along Clarastrasse and at the Merian. All Parcours locations will have extended opening hours to provide visitors a unique experience.

Siobhán Hapaska

Medici Lion, 2023

KERLIN GALLERY

Courtesy of the artist and Kerlin Gallery

Liza Lou

Get Off My Cloud, 2024

LEHMANN MAUPIN

Courtesy the artist and Lehmann Maupin, New York, Seoul, and London.

Photo by Joshua White

Michelangelo Pistoletto

Dono di Mercurio allo Specchio, 1971

MAZZOLENI

Courtesy of Mazzoleni, London/Torino.

Prudence Flint

Second Banana, 2022

MOTHER'S TANKSTATION LIMITED

Courtesy of the artist and mother's tankstation Dublin/London.

Ai Weiwei

Ai Quadruplex in Dripping, 2022

NEUGERRIEMSCHNEIDER

Photo by Jens Ziehe, Berlin

Carlos Amorales

Fragmented States (paintings) 01, 2024

NILS STÆRK

ART BASEL 2024 - Film

For its 25th edition, the Film program will present a week of extraordinary artists’ cinema projects. Film is curated by Filipa Ramos, founding curator of the online video platform Vdrome and lecturer at the Arts Institute of the FHNW in Basel, in collaboration with Marian Masone, a New York-based independent curator. This year’s program will address topics such as ecology, intimacy, history, and politics in a series of short film programs, surveys, and feature films.

The program starts on Wednesday, June 12 with ‘The Political Life of Plants’, a series of short films by Nefeli Chrysa Avgeris, Zheng Bo, Ulla von Brandenburg, Kyriaki Goni, and Tiffany Sia. Inspired by the title of two films by Bo, the program looks at how the vegetal world has been a major figure in recent artists’ cinema. On Saturday, June 15, ‘Bats and Rockets’ will celebrate artists’ films for young audiences, from age four onwards. This year’s film program will then conclude with Taking Venice (2023), a documentary about Robert Rauschenberg’s participation in the 1964 Venice Biennale by Amei Wallach.

ART BASEL 2024 - Conversations

Art Basel’s flagship talks program returns for its 20th anniversary edition with an exciting lineup, curated for the first time by Berlin-based art critic Kimberly Bradley. Bringing together more than 25 thought leaders, the 2024 edition features 11 focused panels, all relating to the pressing issue of how to build and shape contemporary culture’s future. The discussions will explore the art trade’s challenges and opportunities in a super election year, the potentials of increased interdisciplinarity in museums, how artists relate to politics in a time of global crisis, and the ways digital technologies are recasting art’s social and economic ecosystems. Conversations is free and accessible to all.

Highlights from this year’s Conversations series include:

• Launching the program with a special celebration of 20 years of Conversations, Hans Ulrich Obrist will speculate on worldbuilding and revisit the notion of utopia with pioneering digital artists Rebecca Allen and Danielle Braithwaite Shirley, as well as architect Carlo Ratti.

• Ahead of her Hyundai Commission at Tate Modern’s Turbine Hall, artist Mire Lee reflects on her practice – which references the art-historical lineage of kinetic sculpture – in the Premiere Artist Talk.

• Ben Davis, Artnet News’ Editor-at-Large, will discuss how technology is blurring the lines of art’s communities and art’s valuation with artist Cecile B. Evans.

• Legal experts Katalin Andreides and Till Vere-Hodge, along with UBS’s Paul Donovan, will debate the ways potential political and legal reorientations in an election year could change how art is bought, sold, and distributed, in a talk moderated by Georgina Adam.

• The talks will conclude on a light note, with Basel-based artist Sophie Jung and curator/critic Francesco Bonami discussing the multiple roles humor and satire play in contemporary art.

• During the show’s final weekend, a curated series of videos of Conversations’ most notable debates, spanning nearly two decades, will be on view in the Conversations auditorium.

Conversations will take place from June 13 to 16 at the Auditorium in Hall 1. The series is free to attend.

ART BASEL 2024 - Kabinett

The sector dedicated to curated and thematic presentations featured in a separate section within galleries’ main booths, Kabinett will present 22 projects by 23 galleries for the second year.

Highlights from Kabinett include:

• Air de Paris’ presentation of works by American artist Sarah Pucci and her daughter Dorothy Iannone. The presentation aims to shed light on Pucci’s mesmerizing objects by contextualizing them within the loving relationship with her daughter.

• Croy Nielsen’s presentation of paintings by German Japanese artist Ernst Yohji Jaeger, addressing intimacy and emotion with a moody palette and mysterious subject matter

• Experimenter’s presentation of Indian artist Kanishka Raja’s Switzerland for Movie Stars (2014), which plots a speculative Google map journey from Srinagar to Geneva through a panoramic panel painting and an accompanying brochure

• Catriona Jeffries’ presentation of paintings by Canadian painter Elizabeth McIntosh, which respond to the ever-shifting workflows of contemporary industrialization

• Sies + Höke’s presentation of works by German artist Gerhard Richter, including mirror pieces of various tints and dimensions as well as Richter’s quintessential stainless-steel spheres.

Ulla von Brandenburg

Thoughts are Things 3, 2024

PILAR CORRIAS

Courtesy of the artist and Pilar Corrias, London.

Alex Hanimann, 1985

(Pierrot le Fou), 2023-24

SKOPIA / P. - H. JACCAUD

Courtesy of the artist and Skopia, Geneva.

Chrysanne Stathacos

Condom Mandala II, 1991

THE BREEDER

Tony Cragg

In Frequencies, 2018

TUCCI RUSSO STUDIO PER L'ARTE CONTEMPORANEA

Courtesy of the artist and Tucci Russo Studio

per l’Arte Contemporanea, Torre Pellice/Torino

Photo by Archivio fotografico Tucci Russo.

Alighiero Boetti

Aerei, 1989

VEDOVI GALLERY

Courtesy of Vedovi Gallery

Cultural events in Basel coinciding with ART BASEL 2024

The city of Basel will offer visitors an exceptional program of events and special projects throughout the fair week. Beyond the fair, the city's premier museums and foundations will host a wide range of outstanding exhibitions. Major shows coinciding with Art Basel include:

• Fondation Beyeler

‘The Summer Show’

With contributions by Michael Armitage, Federico Campagna, Ian Cheng, Marlene Dumas, Frida Escobedo, Peter Fischli, Cyprien Gaillard with Victor Man, Dominique Gonzalez-Foerster, Wade Guyton, Carsten Höller with Adam Haar, Pierre Huyghe, Arthur Jafa, Koo Jeong A, Dozie Kanu, Cildo Meireles, Fujiko Nakaya, Precious Okoyomon, Philippe Parreno, Rachel Rose, Tino Sehgal, Rirkrit Tiravanija, Ramdane Touhami und Adrián Villar Rojas, amongst many others.

• Kunstmuseum Basel

‘Dan Flavin: Dedications in Lights’

‘When We See Us: A Century of Black Figuration in Painting’

‘Ingenious Women: Women Artists and their Companions’

‘Made in Japan: Colored Woodcuts by Hiroshige, Kunisada and Hokusai’

• Kunsthalle Basel

‘Ghislaine Leung’

‘Toyin Ojih Odutola: Ilé Oriaku’

‘Nolan Oswald Dennis: a recurse 4 [3] worlds’

• Kunsthaus Baselland

‘Rewilding: Opening exhibition of the new Kunsthaus Baselland at Dreispitz’

• Museum Tinguely

‘Mika Rottenberg: Antimatter Factory’

• Vitra Design Museum

‘Transform! Designing the Future of Energy’

• Vitra Schaudepot

‘Science Fiction Design: From Space Age to Metaverse’

ART BASEL

www.artbasel.com