Roy Lichtenstein: Pop Remix, National Gallery of Australia

Roy Lichtenstein: Pop Remix 
National Gallery of Australia, Canberra 
Through 27 January 2014

Roy Lichtenstein: Pop remix is the first travelling exhibition from the National Gallery of Australia to focus on the work of this seminal and influential artist. His works stand today as icons of 60s and 70s America with his characteristic comic strip and Benday dot imagery continuing to inspire our visual culture.

“Roy Lichtenstein’s work is instantly recognisable. His bright, brash paintings and prints have entered our cultural consciousness as icons of the Pop Art movement,” said Ron Radford AM, Director, National Gallery of Australia. 

Roy Lichtenstein 

Untitled head I 1970

brass

National Gallery of Australia, Canberra

Purchased 1973

© Estate of Roy Lichtenstein.

Roy Lichtenstein’s name is synonymous with Pop Art. As a master of appropriation, he applied a refined strategic approach to his creative energies and constructed his entire body of work following a sophisticated process of image selection, reinterpretation and reissue. Lichtenstein developed a central creative principle that became a potent formula: an ability to identify cultural clichés and to repackage them as monumental remixes. 

Roy Lichtenstein 

A Cherokee brave 1952

woodcut

National Gallery of Australia, Canberra

Gift of Kenneth and Marabeth Cohen-Tyler 2010

© Estate of Roy Lichtenstein.

“Roy Lichtenstein: Pop remix traces the artist’s print projects from the 1950s to the 1990s, exploring how the artist appropriated, transformed and ‘remixed’ numerous art historical sources including Claude Monet’s Impressionism, Max Ernst’s Surrealism and de Kooning’s Abstract Expressionism. Lichtenstein reinterpreted the work of these artistic giants and significant art movements using an instantly recognisable graphic aesthetic, effectively ‘branding’ himself with a signature Lichtenstein ‘look’ to secure his place alongside those masters he so admired. Slick, intelligent and humorous, Lichtenstein’s ‘remixes’ of romance and war comics, brushstrokes and nude girls are amongst the best known Pop prints,” said Jaklyn Babington, exhibition curator.

Roy Lichtenstein 

Ten dollar bill 1956

lithograph

National Gallery of Australia, Canberra

Gift of Kenneth and Marabeth Cohen-Tyler 2010

© Estate of Roy Lichtenstein.

This exhibition of 88 multiples and works on paper is drawn from the extensive holdings of Roy Lichtenstein at the National Gallery of Australia, and were produced by the artist over a fifty year period. For more information on the prints in this exhibition go to the NGA’s Kenneth Tyler collection website – a virtual institute for fine art printmaking which provides background context for the prints Lichtenstein created with Tyler at his various print workshops:

www.nga.gov.au/internationalprints/tyler 

Roy Lichtenstein: Pop remix was previously on view in Australia at the Mornington Peninsula Regional Gallery, Mornington, VIC, 19 April - 11 June 2012, the QUT Art Museum, Brisbane QLD, 25 June - 26 August 2012, the Araluen Arts Centre, Alice Springs, NT, 16 November 2012 - 20 January 2013.

NGA, National Gallery of Australia, Canberra, ACT
www.nga.gov.au 

Robert Mapplethorpe, Sean Kelly Gallery, New York

Robert Mapplethorpe

Saints and Sinners 
Sean Kelly Gallery, New York 
Through January 25, 2014

ROBERT MAPPLETHORPE, Christopher Holly, 1980 

© Robert Mapplethorpe Foundation. Used by permission.

This December marks the twenty-fifth anniversary of the landmark exhibition Robert Mapplethorpe: The Perfect Moment. On the occasion of the anniversary of that defining juncture, not just in Mapplethorpe’s career, but also in the larger dialogue regarding freedom of expression in the arts, Sean Kelly brings together twenty-seven pairings of Mapplethorpe images exploring the theme of Saints and Sinners.

While some pairings in the exhibition may have more obvious connections, others are more ambiguous in their associations. The fifty-four images that comprise Saints and Sinners, some of which have rarely been exhibited, afford the viewer an opportunity to find personally meaningful connections in the work. Mapplethorpe himself deftly subverted any moral implications by presenting his subject matter in an objective, even classical manner, putting the onus on the viewer to draw their own conclusions. 

ROBERT MAPPLETHORPE, Bruce Mailman, 1981

© Robert Mapplethorpe Foundation. Used by permission.

Mapplethorpe’s Self-Portrait (1980) in drag is paired with a portrait of the french singer and actress, Amanda Lear (1976) – two unique depictions of female sexuality. The profile of a marble sculpture of Ermes (1988) is shown next to a vanitas-like composition of a human skull (1988); the former perhaps represents an ideal of physical perfection whilst the latter reminds one of the realities of mortal existence. Bruce Mailman (1981) and Christopher Holly (1980) are, in different guises, potentially perceived as either playful or nefarious – in each case the viewer is called upon to decide the implications for themselves.

Together, the photographic pairings in Saints and Sinners offer the possibility of seemingly endless personal interpretations of the work and a fresh perspective on Mapplethorpe’s practice and his fearless contribution to contemporary photography. 

ROBERT MAPPLETHORPE was born in 1946 in New York. He earned a B.F.A. from Pratt Institute in Brooklyn, where he produced artwork in a variety of media, mainly collage. The shift to photography as Mapplethorpe’s sole means of expression happened gradually during the mid-1970s. He took his first photographs using a Polaroid camera, and later became known for his portraits of artists, architects, socialites, stars of pornographic films, members of the S&M community and an array of other characters many of whom were personal friends. During the early 1980s, his photographs shifted to emphasize classical formal beauty, concentrating on statuesque male and female nudes, flowers, still lifes and formal portraits. Mapplethorpe died from AIDS on March 9, 1989, in Boston, at age 42. Since that time, his work has been the subject of innumerable exhibitions throughout the world, including major museum traveling retrospectives.

Sean Kelly represents the Robert Mapplethorpe Estate in the Americas.

SEAN KELLY GALLERY
475 Tenth Avenue - New York, NY 10018
www.skny.com

Andy Warhol: Robots & Space Ships, Honor Fraser Gallery, Los Angeles

Andy Warhol: Robots & Space Ships 
Honor Fraser Gallery, Los Angeles 
Through December 21, 2013

Honor Fraser Gallery presents its second ANDY WARHOL exhibition, this time focusing on his drawings and paintings of toy robots and space ships.

Throughout art history artists have created work incorporating toys, games, and play. The Surrealists famously invented the exquisite corpse, a game that liberated image making from the constraints of rational and discursive order, and resulted in an unexpected drawing. Games and play allow participants to perceive the world with new eyes, and most importantly, position established hierarchies at risk. The excitement exists in taking turns at playing different roles – the privileged or the underdog, the policeman or the robber – and foreseeing how events will unfold. If Surrealist games liberated the process of image making for artists, games provide a method for addressing conflict in a more manageable framework, that of popular culture. At play in this exhibition are Warhol's positive assessments of popular culture and his contributions to moments of hierarchical reversals of power.

Despite the small scale of the drawings and paintings in this exhibition, the work captures the grandiosity of the Warholian Pop Art strategies that transformed the art world from the late 1950s on, like no other series of works. These strategies include consumerism, appropriation, seriality, and abstraction. The work in the exhibition is from a series first exhibited in the 1980s by Bruno Bischofberger, a Swiss art dealer, and was intended to be hung low; a protest against the typical installation height. Warhol and Bischofberger selected a total of sixteen images for the series. The images do not reference the actual toys but the images printed on their packages, which is consistent with Warhol's interest in consumer culture, commodities, and the container, rather than the contained. The exhaustive repetition of the image, typical of Warhol as well, attests to his fascination with the proliferation of images in popular culture. His signature silkscreen style, where the overlaid fields of color do not match the line drawing, points towards Warhol's interest in abstraction. However, these drawings and silkscreens present a unique aspect in the Warhol saga: his unrealistic dream to be a machine, a conglomerate of author-free industrial products, or, to have a proxy robot that looked like him and would be his replacement when needed. These observations shed new light on the series, and in particular, to the somewhat anthropomorphic robot works. 

The exhibition is accompanied by a new publication, Andy Warhol: Robots & Space Ships, with an essay by Vincent Fremont. 

Upcoming exhibitions:
Annie Lapin, January 11 - February 22, 2014
Meleko Mokgosi, April 19 - May 31, 2014

HONOR FRASER, LOS ANGELES 
www.honorfraser.com

Stéphane Calais, en France, CCC, Tours - Centre de Création Contemporaine

Stéphane Calais, en France 
CCC, Centre de Création Contemporaine, Tours 
Jusqu'au 2 février 2014 

Le CCC, Centre de Création Contemporaine, à Tours, présente actuellement la nouvelle exposition personnelle de STEPHANE CALAIS. Considéré comme l’un des artistes français importants de sa génération, Stéphane Calais a multiplié ces dernières années de nombreux projets en France et à l’étranger, en galerie ou dans le cadre de commandes privées comme les peintures murales monumentales réalisées en 2012 pour la Tour Havas. « en France » est la première exposition personnelle qui lui est consacrée depuis 2008 dans une institution française.

C’est l’occasion pour l’artiste de se concentrer sur l’un des multiples aspects de sa pratique : l’exposition est en effet exclusivement consacrée à la peinture. Elle réunit un ensemble de tableaux récents ou inédits ainsi que plusieurs grandes peintures murales. Explorant les possibles de ce medium, Stéphane Calais joue ici de la diversité des formats et des matériaux, accordant une importance égale au papier et aux oeuvres murales, utilisant des cadres épais, des petites toiles achetées dans des bazars ou des toiles-objets d’une forte épaisseur.

Multiple dans ses références, ses styles et ses univers chromatiques, la peinture hybride de Stéphane Calais intègre tout à la fois les codes du décoratif, de l’abstraction et de la représentation. Une ambiguïté à laquelle font écho les seules figures présentes dans l’exposition : les masques. Comme le décor, ils sont des surfaces appliquées sur d’autres, dissimulant tout en se montrant avec évidence.

L’artiste se joue aussi des changements d’échelles, entre extrait et totalité, détail, all over et cadrage. Il repeint les détails de certains tableaux agrandis à la dimension du mur, en accroche d’autres sur les reproductions numériques de leurs propres fragments. Tout au long de l’exposition, Stéphane Calais opère ainsi des glissements, des déplacements de la lecture et de la perception : “tout concourt à placer différents regards sur un même paysage ou créer différents paysages pour un seul regard” (S. Calais)

Le choix d’une exposition de peinture, en deux dimensions, peut avoir un caractère singulier pour qui connaît le travail protéiforme de Stéphane Calais. L’artiste pratique tout autant le dessin, la sérigraphie, la sculpture ou l’installation. Mixant les mediums, il circule tout aussi librement dans l’histoire de l’art et des idées, les références et les champs artistiques, passant du grand art à l’ornement ou la bande dessinée. L’hétérogénéité est pour lui un choix délibéré depuis ses débuts. Un positionnement qui lui offre différents points de vue et lui permet d’exprimer les différents niveaux du réel dont il s’attache à explorer les strates.

Jusqu’à présent, le dessin a toujours été revendiqué par Stéphane Calais comme son langage premier, à la base de tous les autres. L’exposition proposée au CCC fait le point sur la spécificité et le développement de sa pratique picturale qui accède peut-être aujourd’hui à une nouvelle forme de liberté et d’autonomie.

STEPHANE CALAIS est né en 1967 à Arras. Il vit et travaille à Paris. Il est représenté par les galeries Aliceday (Bruxelles), Ziehersmith (New-York) et Bernier-Eliades (Athènes).

Site de l’artiste : www.stephanecalais.net

CENTRE DE CRÉATION CONTEMPORAINE
55 rue Marcel Tribut - 37000 Tours
Ouvert du mercredi au dimanche, de 14h à 18h. Entrée libre.
Site internet : www.ccc-art.com

Domenico Zindato, Andrew Edlin Gallery, NYC - Recent Drawings

Domenico Zindato: Recent Drawings

Andrew Edlin Gallery, New York

December 12, 2013 – January 18, 2014 

Andrew Edlin Gallery presents Domenico Zindato: Recent Drawings, its second solo exhibition for the artist. 

Domenico Zindato’s work certainly has evolved since he presented his first solo exhibition in New York, at the Phyllis Kind Gallery, in 2000. At that time, his drawings were smaller. Large patches of color and his signature, symbol-like motifs figured in those earlier pictures, but they were less densely compacted than they appear today. As his drawing surfaces grew bigger, the images he created on them did not automatically grow larger in scale, too; that is, he enlarged his compositions’ background swaths of solid colors but he continued to render the lines and sizes of his repeated, random-pattern motifs—hands, eyes, snakes, heads, birds and more—as tiny and as meticulously as ever. As a result, seen from a distance, Domenico Zindato’s works of recent years read visually as rhythmic plays of abstract, colored forms. Up close, they pull viewers into thickets of finely elaborated patterns, made up of the artist’s tiny motifs, which are set against those dynamic fields of color.

Born in 1966 in Reggio Calabria, Italy, Domenico Zindato lived in Rome, and then Berlin for many years before moving to Mexico City in 1997. He has resided in Cuernavaca since 2005. His work is in the permanent collections of the Philadelphia Museum of Art, Milwaukee Art Museum, the American Folk Art Museum (New York), the Museum Charlotte Zander (Bonnigheim, Germany) and the Collection de L’Art Brut (Lausanne).

Domenico Zindato: Recent Drawings

© 2013 Andrew Edlin Gallery

A 56-page color catalog with an essay by Edward M. Gomez accompanies the show.

ANDREW EDLIN GALLERY

134 Tenth Avenue, New York, NY 10011

edlingallery.com

Expo Verres, Musée Arts décoratifs, Bordeaux : Verres d'usage et d'apparat, de la Renaissance au XIXe siècle - La collection du Mesnil

Verres d'usage et d'apparat, de la Renaissance au XIXe siècle - La collection du Mesnil
Musée des Arts décoratifs, Bordeaux 
13 décembre 2013 - 30 mars 2014 

Coupe en verre rubis monture en argent doré 

© Jean-Christophe Garcia 

Le musée des Arts décoratifs de Bordeaux accueille la collection du Mesnil, des verres anciens allant de la Renaissance jusqu’au XIXe siècle, comprenant un ensemble particulièrement remarquable de verres vénitiens. Durant quatre mois, deux visions de collectionneur sont ainsi réunies sous un même toit, l’une publique, l’autre particulière. La première s’est constituée avec l’objectif de créer et constituer un patrimoine, la seconde s’est faite avec liberté, aux grés des passions d’un amateur.

En acceptant avec beaucoup de générosité de déposer ses verres précieux au musée, ce collectionneur dévoile l’intimité de ses choix, parfois emballés, parfois raisonnés.

On observe un goût particulier pour les verres de la Renaissance vénitienne, des verres soufflés aux XVIe et XVIIe siècles, des objets raffinés et fragiles, à couper le souffle de beauté. C’est leur très belle transparence, leur extrême pureté que le collectionneur apprécie tout particulièrement. Des caractéristiques qui le conduisent également à acquérir de rares pièces des pays du Nord, tel ce verre gravé à la roue d’un décor de vignoble, autour de 1735.

Sont exposés des verres à boire, des verres de mariage, des pièces d’ostentation ou de rares aiguières en verre opalescent, en rubinglass, ce verre rouge intense, ou encore en verre bleu profond. Ces objets nous renvoient à cette culture de la Renaissance où les verres font partie du cérémonial des banquets. Les verres d’usage n’étaient alors apportés à table que lorsque le convive souhaitait boire. Il faut attendre le XIXe siècle pour que le verre devienne un élément primordial du décor de la table.

Sont ici réunies quelques cent trente pièces d’exception, qui sont comme autant d’enfants que le collectionneur a souhaité lui-même transporter au musée, refusant ainsi toute prise de risque par un autre. Une sortie qui se montre exceptionnelle, une occasion unique d’admirer ces pièces délicates.

Première exposition qui ouvre un cycle dédié aux collectionneurs d’Arts décoratifs et de design, c’est également un premier témoignage de cette ardeur fébrile du collectionneur qui l’incite à chercher sans répit la pièce rare, la pièce exceptionnelle, sans laquelle la collection demeure incomplète. Après plus de dix ans en quête de ces pièces du puzzle, si tant est qu’on puisse imaginer qu’une collection soit un jour finie, cet amateur bordelais a réuni un exceptionnel ensemble de verres d’usage et d’apparat. Cette collection fait aujourd’hui partie des plus belles collections privées en Europe. 

MUSEE DES ARTS DECORATIFS, BORDEAUX
39 rue Bouffard - 33000 Bordeaux

Eric Guglielmi, Galerie Maubert, Paris : Exposition Parce que jusqu'ici tout va bien…

Eric Guglielmi, Parce que jusqu'ici tout va bien… 
Galerie Maubert, Paris 
12 décembre 2013 - 25 janvier 2014 

Photo © ERIC GUGLIELMI

Courtesy Galerie Maubert, Paris

La Galerie Maubert présente Parce que jusqu'ici tout va bien… exposition personnelle du photographe ERIC GUGLIELMI. Vernissage le 12 décembre de 18h à 22h.

" Et si tout venait à basculer plus encore… ? " Chaque jour cette question oriente mon regard sur le monde. Je n'ai évidemment pas de réponse préconçue. Alors je pars photographier. Là où se montrent les tensions qui constituent notre quotidien. Sur les ruines douloureuses du travail surexploité à Dacca, dans les villes hantées par le passage de Rimbaud, dans les ports de la traite négrière, le long des gazoducs qui sillonnent l'Ukraine ou au coeur des Ardennes, cette région qui s'interroge, elle aussi, sur son avenir ; poussé par le sentiment de l'urgence, " Parce que jusqu'ici tout va bien ". -- Eric Guglielmi.

" Et si tout venait à basculer plus encore… ? " C’est tout le propos de cette exposition personnelle d’Eric Guglielmi qui nous amène du Bangladesh aux Ardennes en passant par l'Ukraine et l'Afrique : Quels lendemains nous réservent nos actions d’aujourd’hui ? Un face-à-face avec nous-mêmes.  

Eric Guglielmi s’appuie sur une démarche organisée autour de la marche, l’attente et de l’observation. Ses photographies font parties des collections du Musée Arthur Rimbaud et de la BnF. Sa série Je suis un piéton rien de plus..., a fait l’objet de la publication d’un livre aux Editions Gang et d’une exposition de 4 mois au musée Arthur Rimbaud (2011) dont nous avions rendu compte ici.

Galerie Maubert
20 rue Saint-Gilles
75003 Paris
www.galeriemaubert.com

Exposition actuelle : Derrière la couleur, du 3 octobre au 7 décembre 2013.

Expo Ulla von Brandenburg, Art : Concept, Paris

Ulla von Brandenburg : Die Straße 

Galerie Art : Concept, Paris 

30 novembre 2013 - 25 janvier 2014 

“ Voudriez-vous me dire, s’il vous plaît, par où je dois m’en aller d’ici? - Cela dépend beaucoup de l’endroit où tu veux aller. - Peu importe l’endroit... - En ce cas, peu importe la route que tu prendras. - .... pourvu que j’arrive quelque part”, ajouta Alice en guise d’explication. “Oh, tu ne manqueras pas d’arriver quelque part, si tu marches assez longtemps.”Lewis Carroll, Alice au pays des merveilles, éd. Gallimard, 1994, p. 105

Pour sa troisième exposition personnelle à la galerie Art : Concept, ULLA VON BRANDENBURG présente Die Straße, son dernier film, qu’elle intègre dans une installation labyrinthique en tissu métamorphosant ainsi l’espace de la galerie. Comme dans Die Straße qui met en scène un homme évoluant dans une rue délimitée par des décors de théâtre, le spectateur va être invité à progresser dans un espace clos, défini par les pans de tissus. Comme souvent dans le travail d’Ulla von Brandenburg, l’installation a son importance car elle permet un ancrage spatial, elle est spécifique au lieu qui l’accueille car elle développe un dialogue avec lui et préfigure ce qu’il va se passer dans le film. 

ULLA VON BRANDENBURG

Die Straße (extrait du film / still from video), 2013

film noir et blanc, sonore, 11’20 min / film b&w with sound, 11’20 min

Image courtesy Art : Concept, Paris 

Après 8, Singspiel, Chorspiel ou Spiegellied I & II dont l’action se situait dans des maisons ou des intérieurs supposés (Chorspiel), Die Straße a été tourné en plein air et l’histoire se passe dans une rue. L’écrin protégé qu’est la maison permettait à Ulla von Brandenburg d’évoquer la thématique de la famille, des relations entre les individus, créant ainsi une sorte de toile connectant les différents protagonistes entre eux. Dans la rue, en revanche, les habitants qui la peuplent peuvent se connaître sans pour autant être liés, la rue est un espace ouvert et les choses qui s’y passent diffèrent de celles inhérentes à la sphère privée. Dans Die Straße, un visiteur entre dans la rue et devient le témoin d’une série d’événements tout en restant à l’écart. Rappelant les mécanismes d’Alice au pays des merveilles, dans lequel le personnage principal maintient sa position de regardeur et essaie de comprendre le fonctionnement de ce monde qui lui est étranger, l’acteur principal devient un être à part, en marge du monde qu’il découvre, devenant au fur et à mesure suspect aux yeux des autres. Dans son errance à travers la rue, il devient nous, les spectateurs, étrangers venus d’un autre monde, d’un autre temps et débarquant ici, incapables de comprendre les rites, les actions de ces hommes et femmes qui nous entourent. Comme la jeune Alice, les rares fois où il tente d’intervenir, on assiste au télescopage de ces deux mondes et à l’incompréhension des autres protagonistes. Lui veut aider mais le fait-il vraiment ? Ne finit-il pas par déstabiliser l’équilibre existant au sein de ces rituels, de ces événements ? 

ULLA VON BRANDENBURG

Die Straße (extrait du film / still from video), 2013

film noir et blanc, sonore, 11’20 min / film b&w with sound, 11’20 min

Image courtesy Art : Concept, Paris 

A cette notion de mise à distance s’ajoute la question de l’intemporalité, thème souvent abordé par Ulla von Brandenburg dans son travail, qu’elle explique ainsi : “Quand on ne peut pas définir quelque chose temporellement parlant, on lui attribue automatiquement une affiliation au passé. Mais qui peut dire qu’en fait il ne s’agit pas plutôt du futur ? C’est important pour moi de placer l’action hors du temps et de jouer avec les différentes époques. Mes films évoquent davantage une perspective historique que le passé en tant que tel”. Dans ses films et installations, Ulla von Brandenburg crée une distance entre le “ici et maintenant” et la temporalité/espace. Cette mise à distance fonctionne comme une sorte de vide qui peut être comblé par des images ou des objets que l’on retrouve à la fois dans le film et en même temps dans l’espace d’exposition. 

Les objets ont un rôle prépondérant dans l’art théâtral d’Ulla von Brandenburg et on les retrouve aussi bien dans ses films que dans ses oeuvres plastiques. Dans le cadre des films, ils prolifèrent dans l’espace et ne cessent de dépasser le statut d’accessoire ou de simple élément de scénographie. Dans ses aquarelles et papiers découpés ils deviennent autant de références à des époques différentes, des rites, des symboles qui ont construit nos sociétés. Car finalement de ces objets et références multiples découle ce que nous sommes, nous nous fabriquons et évoluons ou non avec eux. Prenons l’exemple du miroir, objet central dans le travail d’Ulla von Brandenburg, ce dernier est utilisé comme objet, artifice de théâtre et de jeu, il permet d’établir un lien en la fiction et la réalité. En regardant à travers un miroir, nous accédons à un autre niveau de perception et de sens. Le miroir est un symbole, symbole de la connaissance, du savoir, il montre et reflète différents états de la réalité qui nous entoure: connaissance, réflexion, conscience. Sans pour autant rentrer dans une analyse lacanienne des choses où le miroir permet de prendre conscience du “Je” et de notre propre développement en tant qu’individu, Ulla von Brandenburg en utilisant un tel objet fait allusion à l’individu, sa place dans la société, qui fait quoi? Qui utilise quoi ? Quel prix doit-on payer afin de prendre place dans la pyramide du pouvoir ? 

ULLA VON BRANDENBURG

Die Straße (extrait du film / still from video), 2013

film noir et blanc, sonore, 11’20 min / film b&w with sound, 11’20 min

Image courtesy Art : Concept, Paris 

A ces objets, ces personnages errants, ces protagonistes indatables, s’ajoutent des paroles souvent chantées, toujours en allemand. Les textes rappellent l’écriture automatique des Surréalistes et sont écrits en une seule fois sans pause. Il s’agit toujours d’un discours direct, avec des jeux de mots, des références à des chansons... Ce dialogue, davantage associatif que narratif, permet alors au cerveau de créer automatiquement des connexions et de donner des significations émotionnelles à l’individu qui regarde. 

Via le théâtre, la mise en scène, les artefacts, les rites, l’ombre, la lumière ou les traditions populaires, le travail d’Ulla von Brandenburg amène le spectateur à regarder, appréhender des mondes étranges, mais finalement l’amène à se poser la question fondamentale de la place qu’il occupe et du rôle qu’il joue... 

Aurélia Bourquard

ART : CONCEPT

13, rue des Arquebusiers - 75003 Paris 

www.galerieartconcept.com

Expo Joel Kyack, Galerie Praz-Delavallade, Paris

Joel Kyack, Point at The Thing That’s Furthest  Away 
Galerie Praz-Delavallade, Paris 
23 novembre 2013 - 11 janvier 2014 

JOEL KYACK 

Wake Up Dead People, 2013 

canvas, framed images, acrylic, marker, wire, wood 

180,3 x 91,5 x 5,7 cm - 71 x 36 x 2 1/4 inches 

Image courtesy Galerie Praz-Delavallade, Paris 

La galerie Praz-Delavallade consacre une exposition à l’artiste américain JOEL KYACK intitulée “Point at The Thing That’s Furthest  Away”. Avec son humour si particulier comme matière première, cette nouvelle exposition permet à Kyack de faire évoluer sa pratique toujours proche du bricolage vers la  sphère picturale. Seront présentées ici sept peintures d’une nouvelle série ainsi qu’une sculpture fontaine. 

“Il y a un an de cela, j’emménageais dans mon nouvel atelier, niché sur une petite parcelle entre une rivière, une voie de chemin de fer et une autoroute, et situé à seulement un bloc de deux grands thrift stores (*) dans un quartier de Los Angeles par ailleurs essentiellement industriel. Ces entrepôts (et les rues aux alentours) sont devenus le lieu de dépôt privilégié pour de nombreux objets jugés désormais inutiles et invendables. J’ai commencé à me promener quotidiennement dans ces magasins à la recherche d’objets potentiellement utilisables pour de futures oeuvres.  

Surveillant le rythme de restockage de ces boutiques, je me suis trouvé attiré par leurs étalages d’images encadrées. Réapprovisionnées fréquemment, ces images proviennent de contextes extrêmement variés: dessins d’artistes amateurs, posters et affiches, diplômes universitaires ou objets de collection, souvenirs, portraits de famille ou encore publicités encadrées. Re-contextualisées dans des peintures pleines d’humour et d’énergie, faisant usage d’une gestuelle forte, ces images statiques commencent à prendre un nouveau sens. Un jeu s’instaure entre la toile peinte et l’image encadrée.  

Je m’intéresse au pouvoir de transformation que possède le cadre, permettant à toute personne d’exprimer et de souligner l’intérêt ou la valeur donnée à un objet. Le cadre signifie que l’oeuvre est terminée et lui concède une certaine qualité. Elle est prête à rencontrer son public, l’artiste n’y touche plus. Dans mes tableaux, ces images deviennent un matériau parmi d’autres dans un contexte élargi, elles sont libérées de leur état d’inertie. La fabrication de l’oeuvre, l’emprunt et l’appropriation sont mis en lumière, de manière à questionner les sources de l’inspiration et les différentes façons de les interpréter.”  

– Joel Kyack, Octobre 2013 

(*) Thrift stores : magasins qui écoulent principalement de la marchandise de seconde main, à des fins caritatives, à l’image de l'Armée du Salut ou Emmaüs en France. 

JOEL KYACK a reçu son BFA à la Rhode Island School of Design et son MFA à l’University of Southern California. Il vit et travaille actuellement à Los Angeles et a récemment fait l’objet de plusieurs expositions personnelles : “Escape to Shit Mountain” à la galerie François Ghebaly à Los Angeles, “River / Stream / In-Between” à la galerie Kate Werble à New York, ainsi que “Superclogger”, un projet d’art public initié par le Hammer Museum et LAXART, Los Angeles. Il a réalisé également des performances comme par exemple “Growing Pains Leave Stains” pour “Kaleidoscope” au MARCO Testaccio à Rome et “Wattis up with this guy?” au Wattis Institute de San Francisco. Ses oeuvres sont présentes dans de nombreuses collections publiques et privées, dont la Rubell Family Collection à Miami. 

Galerie Praz-Delavallade 
5, rue des Haudriettes - 75003 Paris
www.praz-delavallade.com

Photo Exhibition: Danny Lyon, Foto Colectania Foundation, Barcelona

Danny Lyon 
Foto Colectania Foundation, Barcelona 
Through April 17, 2014

The Foto Colectania Foundation, Barcelona, exhibits three iconic series of the photographer DANNY LYON

Danny Lyon is considered one of the most influential and original documentary photographers of the 20th century. His work highlights for the special involvement he demonstrated with the communities he photographed in the United States. With works from the Martin Z. Margulies Collection, the Foto Colectania Foundation exhibits in Barcelona three of his most iconic series, "Conversations with the Dead" (1971) where he reveals the situation of Texas state prisons in the late sixties, "The Bikeriders" (1967), showing the lives of the American Midwest bikers, and "Uptown" (1965), which reflects the life of the immigrant neighborhood in northern Chicago. This exhibition dedicated to Danny Lyon is presented in two consecutive shows at Foto Colectania: "Conversations with the Dead" from the 18th October to the 18th January 2014, and "The Bikeriders" and "Uptown" from the 23th January to the 17th April 2014.

Danny Lyon is one of the main promoters of the "New Journalism" and he is also one of the representatives of the "concerned photographers". As it happens with Robert Frank and William Klein, his series and books, beyond seeking only political commitment, show that the author is more important than the subject. Furthermore, in the case of Danny Lyon the photographic practice as a personal learning process and the desire to live the experiences outside the official story are characteristics reflected in all his work.

Danny Lyon: Conversations with the Dead

through January 18, 2014

DANNY LYON

USA. Huntsville, Texas. 1968. 

Ferguson, a prison farm for young men ages seventeen to twenty one.

© Danny Lyon / Magnum Photos, courtesy Edwyn Houk Gallery, New York

This series composed of 76 photographs illustrates a fourteen month period between 1967 and 1968 in which Danny Lyon photographed six prisons in the state of Texas. The photographer wanted to transmit by his snapshots that the penal system of this state is a symbol for incarceration globally: “I tried with whatever power I had to make a picture of imprisonment as distressing as I knew it to be in reality”.

DANNY LYON

USA. Huntsville, Texas. 1968. 

The Walls is a walled penitentiary, it is the oldest unit of the system and is located near the center of the town of Huntsville. Cell block table. 

© Danny Lyon / Magnum Photos, courtesy Edwyn Houk Gallery, New York

The project, which was done with the full cooperation of the Texas Department of Corrections and was published in 1971, reveals a new and distinctive approach as the images are interspersed with texts from various sources, letters, works by the convicts and even fiction. 

Danny Lyon: The Bikeriders / Uptown 

from January 23 through April 17, 2014

DANNY LYON

USA. Louisville, Kentucky. 1966. 

Crossing the Ohio.

© Danny Lyon / Magnum Photos, courtesy Edwyn Houk Gallery, New York

From January on, Foto Colectania will exhibit another two very emblematic portfolios by Danny Lyon:

The series "The Bikeriders" (whose book was published in 1967), is based on the life of the American midwest bikers from 1963 to 1967. In these four years, Danny Lyon went beyond mere documentation and traveled the roads as a member of the motorcycle club known as the Chicago Outlaws, sharing their lifestyle. The series, which got great popularity in the 60s and 70s, is "an attempt to record and glorify the life of the American bikerider", according to the author. As he says, "(the bikeriders) is the personal record, dealing mostly with bikeriders whom I know and care for. If anything has guided this work beyond the facts of the worlds presented it is what I have come to believe is the spirit of the bikeriders: the spirit of the hand that twists open the throttle on the crackling engines of big bikes and rides them on racetracks or through traffic or, on occasion, into oblivion.” 

DANNY LYON

USA. Chicago. 1965. 

Uptown. Three young men.

© Danny Lyon / Magnum Photos, courtesy Edwyn Houk Gallery, New York

The strength transmitted by Danny Lyon's photographs already exists in his first series as the one made in Chicago’s neighborhood called Uptown, which gives its name to the series "Uptown" (1965). In the mid-60s Lyon portrayed recent immigrants from the Appalachia and the southern America. The photographer describes that his intention was to give visibility to people who never would have it if it was not for his images. In the author's words: “To freeze from time some moments, some gestures, a face, to be looked upon forever or a brief while by those who will never see it if it is not shown. The pictures are not made to disturb people’s consciences but rather to disturb their consciousness. The pictures do not ask you to “help” these people, but something much more difficult; to be briefly and intensely aware of their existence, an existence as real and significant as your own”. 

Fundació Foto Colectania
Julián Romea, 6 - 08017 Barcelona, Spain
www.colectania.es

Expo Peter Soriano, Galerie Jean Fournier, Paris

Peter Soriano : Panorama 

Galerie Jean Fournier, Paris 

21 novembre 2013 - 4 janvier 2014

La galerie Jean Fournier présente Panorama, une exposition des œuvres récentes de PETER SORIANO sous la forme d’un dialogue entre une peinture murale monumentale et un ensemble inédit d’oeuvres sur papier.

L'année 2012 constitue un tournant dans l’œuvre de Peter Soriano. L’artiste délaisse les câbles en acier, les tuyaux en aluminium et les lignes et symboles peints à la bombe utilisés ces dernières années. Il en résulte un travail plus dépouillé mais également plus complexe. « Le travail a été réduit à son essence : les éléments en trois dimensions ont été aplatis et fusionnés avec la peinture sur le mur. Plus complexe parce qu’une fois réduite, l’œuvre peut être plus difficile à comprendre, sans les fils et les câbles. La relation entre l’œuvre et l’espace qu’elle occupe devient moins tangible, plus théorique. (Peter Soriano, décembre 2012)

Pour cette exposition, Peter Soriano réalise une grande peinture murale spécifiquement conçue pour la galerie. Cette œuvre reproduit ce que l’artiste voit depuis son atelier dans le Maine dont la fenêtre surplombe quatre rochers escarpés, rochers que l’on retrouve régulièrement dans la composition sous la forme de quadrilatères aux formes irrégulières. Pour l’artiste, ces œuvres murales sont considérées comme des paysages, donnant ainsi à l’exposition son titre, Panorama.

Les éléments peints à la bombe, plus déliés, entrent en contraste avec les tracés réguliers des quadrilatères et des rectangles, les flèches guidant le regard du spectateur. Ces lignes de peinture fines et nettes suggèrent des espaces en trois dimensions.

Peter Soriano détaille toutes les instructions nécessaires à la réalisation de l’œuvre dans un document autonome à sa présentation offrant ainsi une « spontanéité guidée ». L’artiste compare parfois ses pièces à des partitions musicales, certains détails étant laissés à la discrétion et l’imagination de celui qui reproduit l’oeuvre.

Le regard se laisse guider pour découvrir peu à peu le « panorama » lequel, telle une phrase se déployant le long du mur de la galerie, conduit jusqu’à l’espace sous la verrière de la galerie. Dans les oeuvres sur papier, autonomes et réalisées en écho de la peinture murale, on retrouve les lignes, flèches, cercles, annotations, zones d’ombres mais également des éléments plus figuratifs. Sur des feuilles de papier Japon superposées et pliées aux bords irréguliers, Peter Soriano traduit ici ce que son œil voit et le mouvement que celui-ci fait lorsque l’artiste laisse errer son regard dans l’espace retranscrit, souvent des lieux de vie ou de l’atelier. Ces oeuvres sont désignées comme des dessins « sites ».

Les œuvres sur papier présentent une palette de couleur plus variée grâce au recours de techniques diverses. La peinture à la bombe côtoie la mine de plomb et l’aquarelle. Les signes graphiques, les lignes, les lettres rappelant le titre de l’exposition, les traces de pliage des feuilles de papier traduisent l’ensemble des mouvements opérés par le regard de l’artiste.

Ainsi, l’exposition Panorama présente un ensemble d’œuvres où l’œil se fait moteur, du regard créatif de l’artiste jusqu’aux déplacements du spectateur.

A l’occasion de l’exposition, publication d’un dépliant conçu par l’artiste. 

Galerie Jean Fournier 

22, rue du Bac, 75007 Paris 

www.galerie-jeanfournier.com

Artistes, architectes et artisans. L’art canadien de 1890 à 1918, MBAC, Ottawa

Artistes, architectes et artisans. L’art canadien de 1890 à 1918
Musée des beaux-arts du Canada, Ottawa
8 novembre 2013 - 2 février 2014

Le Musée des beaux-arts du Canada (MBAC) invite à se plonger dans l’atmosphère du Canada de la fin du 19e et du début du 20e siècle en parcourant son ambitieuse exposition Artistes, architectes et artisans. L’art canadien de 1890 à 1918. Réunissant plus de 320 objets, cette exposition met en lumière le dynamisme et la productivité des dessinateurs et fabricants d’art pendant cette période prospère de l’histoire du Canada. 

« Artistes, architectes et artisans aborde un chapitre méconnu de notre histoire de l’art, » a expliqué le directeur général du MBAC, Marc Mayer. « Elle ne se veut pas une étude définitive de cette période de créativité foisonnante au Canada. Elle propose plutôt de nouvelles façons d’envisager l’histoire de l’art de notre pays et elle ouvre de nombreuses pistes que les visiteurs et les chercheurs pourront explorer et approfondir. »

L’exposition fait découvrir l’architecture, l’urbanisme, la peinture décorative, les arts appliqués, les arts graphiques et la photographie qui ont marqué les jeunes années du Canada en atteignant des niveaux de qualité jusqu’alors inconnus dans la brève histoire du pays.

Parmi les nombreux artistes représentés, citons les peintres Ozias Leduc, George Reid, Marc-Aurèle de Foy Suzor-Côté, Tom Thomson et Lawren Harris, les sculpteurs Louis-Philippe Hébert et Alfred Laliberté, les photographes Sydney Carter et Harold Mortimer Lamb, et les architectes Edward et William Maxell, Percy Nobbs et Samuel Maclure.

1890 – 1918 : un période prospère et prolifique au Canada

Au cours des quelques décennies qui s’écoulent entre l’achèvement de la voie ferrée transcontinentale du Canadien Pacifique en 1886 et la fin de la Première Guerre mondiale, le Canada, qui était jusqu’alors une alliance fragile d’anciennes colonies indépendantes, se mue en une nation agricole et industrielle. L’optimisme et un nouvel esprit de fierté nationale marquent le point culminant de cette période d’expansion, stimulée par l’immense accroissement de la population dû à l’immigration. De la croissance urbaine naît une demande pour de nouveaux bâtiments, qui deviennent le cocon des ambitions civiques et offrent aux artistes de nouveaux débouchés. Depuis l’ameublement et l’aménagement intérieur des résidences privées jusqu’à la conception et la décoration des bâtiments publics, en passant par l’aménagement du paysage et du tissu urbains, l’époque est à la réforme. Artistes, architectes et artisans unissent leurs talents dans des projets communs, introduisant la peinture dans l’architecture, le design et l’ameublement.

Une exposition, un portrait national

En entrant dans la première salle d’Artistes, architectes et artisans. L’art canadien de 1890 à 1918, les visiteurs sont accueillis par la superbe sculpture en bronze Garçon au dindon (Air), 1915, d’Alfred Laliberté, déplacée de la fontaine devant le marché Maisonneuve, à Montréal, le temps de l’exposition, tout comme Garçon au poisson (Eau), qui orne la sortie de la dernière salle, les deux généreusement prêtées par la Ville de Montréal.

En parcourant les 12 salles de l’exposition qui explore plusieurs thèmes, les visiteurs découvriront de nombreux objets – peintures murales, plans de villes, dessins architecturaux, estampes, photos, bijoux, céramiques, œuvres en métal, sculptures, vitraux, meubles et textiles – provenant de toutes les régions du pays, depuis Halifax et Charlottetown, jusqu’à Burnaby, Vancouver et Victoria, en passant par l’Ile d’Orléans, Trois-Rivières, Montréal, ainsi que Toronto, Winnipeg, Regina, Calgary et Edmonton.

Au sujet des commissaires

Le conservateur de l’art canadien du Musée des beaux-arts du Canada, Charlie Hill, est le commissaire principal d’Artistes, architectes et artisans. L’art Canadien de 1890 à 1918. Dans l’élaboration de cette exposition qui s’est échelonnée sur une période de six ans, il a été appuyé par l’expertise d’une équipe de conservation formée de la conservatrice associée de la photographie du MBAC, Andrea Kunard et des conservateurs et historiens de l’art Christine Boyanoski, Laurier Lacroix, Rosalind Pepall, Bruce Russell et Geoffrey Simmins.

Charles Hill travaille depuis plus de quarante ans en art canadien au sein du Musée des beaux-arts du Canada. En tant que conservateur de l’art canadien, il est responsable des acquisitions, de la recherche et de la présentation de peintures, sculptures et d’objets d’arts décoratifs canadiens historiques. M. Hill est fait membre de l’Ordre du Canada en 2000, reçoit un doctorat honorifique de l’Université Concordia de Montréal en 2007 et le Prix du service méritoire de l’Association des musées canadiens en 2012.

Artistes, architectes et artisans. 

L’art Canadien de 1890 à 1918

Catalogue de l'exposition

Image Courtesy MBAC

Catalogue

L’exposition Artistes, architectes et artisans. L’art Canadien de 1890 à 1918 s’accompagne d’un catalogue illustré de plus de 400 illustrations qui détaille les façons dont les interprètes des diverses disciplines encourageaient une esthétique qui se manifestait dans tous les aspects du quotidien. Publié par le MBAC, l’ouvrage de 340 pages présente des essais de Charles Hill, Andrea Kunard, Laurier Lacroix, Geoffrey Simmins, Rosalind Pepall, Christine Boyanoski et Bruce Russell. 

Organisée par le MBAC, Artistes, architectes et artisans. L’art canadien de 1890 à 1918 est commanditée par la Maison de vente aux enchères Heffel.

Musée des beaux-arts du Canada
380, promenade Sussex - Ottawa (Ontario) K1N 9N4
www.beaux-arts.ca

Un regard sur l’abstraction lyrique, Galerie Bertrand Trocmez, Clermont-Ferrand

Un regard sur l’abstraction lyrique 
Galerie Bertrand Trocmez, Clermont-Ferrand 
23 novembre - 21 décembre 2013

La galerie Bertrand Trocmez, créée à Issoire en 1983, fête ses 30 ans. Cette galerie d'art est bien connue des connaisseurs. Depuis 1993, elle s'est installée à Clermont-Ferrand où elle représente des grands noms de l'art, notamment des années 1950. 

Pour ce trentième anniversaire, la galerie Bertrand Trocmez propose une exposition d'un des courants artistiques dont elle représente des artistes de talents : l'abstraction lyrique, dont l'un des représentant le plus connu est Hans Hartung. A travers la peinture abstraite l'artiste se concentre pleinement sur ce qu'il ressent en l'exprimant sur la toile. Pour le spectateur, cet art du ressentir s'exprime davantage dans l'abstraction lyrique que dans l'abstraction géométrique qui peut donner un sentiment de construction conceptuelle, donc plus rationnelle. Alors que c'est la dimension émotionnelle qui prédomine dans l'abstraction lyrique. Il s'agit là d'un raccourci dont le but est de faire comprendre ce qu'on entend par abstraction lyrique.

Les artistes dont des oeuvres sont présentées lors de cette exposition sont : Huguette-Arthur BERTRAND (1920-2005), Olivier DEBRÉ (1920-1999), Joe DOWNING (1925-2007), Luis FEITO, Pierre FICHET 1927-2007), Oscar GAUTHIER (1921-2009), Jacques GERMAIN (1915-2001), Hans HARTUNG (1904-1989), Ida KARSKAYA, John Franklin KOENIG, Sigismond KOLOS-VARY (1899-1983), Jean LE MOAL (1909-2007), Marcelle LOUBCHANSKY (1917-1988), Maria MANTON (1910-2003), André MARFAING (1925-1987), Georges MATHIEU (1921-2012), Jean MESSAGIER né en 1920), Henri MICHAUX 1899-1984), Jacqueline PAVLOWSKY (1921-1971), Gérard SCHNEIDER (1896-1986), Pierre TAL-COAT (1905-1985), Leon ZACK (1892-1980).

Galerie Bertrand Trocmez 
11, rue Philippe Marcombes, 63000 Clermont-Ferrand
www.galerie-trocmez.fr

American Abstraction, 1930-1945, Michael Rosenfeld Gallery, New York

American Abstraction, 1930-1945

Michael Rosenfeld Gallery, New York

November 2, 2013 - January 4, 2014

Comprised of works by twenty-one artists including Burgoyne Diller, Charles Shaw, Louis Stone, Theodore Roszak, Irene Rice Pereira, Albert E. Gallatin, Raymond Johnson, Agnes Pelton, and John Ferren, American Abstraction, 1930-1945 centers on one of Michael Rosenfeld Gallery’s foundational areas of expertise, early American abstraction. Although the gallery has mounted one-person exhibitions (often with full color catalogues) for many of the artists, this exhibition is the first group show of its kind in nearly a decade. It is also the second time the gallery has brought the work of the largely New-York-based AAA into dialogue with their Southwest contemporaries, the TPG.

In 1936, a group of artists that included Josef Albers, Burgoyne Diller, Werner Drewes, Carl Holty, Ibram Lassaw, and Charles Shaw founded the American Abstract Artists as an “organization of all artists in this country who have produced work which is sufficiently in character with [a] liberal conception of the word ‘abstract.’” At a time when abstraction remained on the fringes of the art world, the group aimed to “foster public appreciation of [abstract] painting and sculpture,” and grant “each artist an opportunity for developing his own work by becoming familiar with the efforts of others.” To accomplish these goals, the AAA collected dues of four dollars a year and organized annual exhibitions as well as studio visits with artists and group discussions and debates on the meaning of abstraction in art.

In 1938, several abstract painters living and working in Santa Fe, New Mexico formed a group dedicated to promoting non-objective art in a nation that—even two years after the founding of the AAA—remained skeptical about the merits of abstraction. Known collectively as the Transcendental Painting Group (TPG), these artists—whose ranks included Emil Bisttram, Raymond Jonson, Florence Miller Pierce, and Stuart Walker—strove to find a greater meaning in art and life. The group chose “transcendental” for their name because they believed it implied a manner of expression that existed outside of nature, acknowledged intuition, and invoked that which eluded direct representation. Seeing a kindred spirit and guide in Agnes Pelton, the TPG named her their honorary president. Pelton did not attend their meetings, but she did correspond and exhibit with them regularly.

Artists in both groups strove to place abstraction at the center of modern art, and both grew out of the needs of individuals who had been working with abstract art long before either group was established. While both groups valued abstract painting as a “purer” form of art, there were also significant differences between them. The AAA was a large, national organization organized around a generous interpretation of “abstract art,” and it encouraged members to join smaller artist groups oriented around more specific sets of concerns. It became a long-lasting institution, and later members included artists as diverse as Jackson Pollock, Alfonso Ossorio, Claire Falkenstein, and Louise Bourgeois. By contrast, the TPG was more local, geographically and artistically, and shorter lived. Like von Wiegand, TPG members were interested in Theosophy and drew inspiration from Buddhism, and like many abstract artists, they were influenced by neoplasticism as well as Wassily Kandisnky’s theories on color and the spiritual. But the TPG artists also followed Jay Hambridge’s theory of dynamic symmetry, which claimed that artistic perfection could be achieved through mathematical principles based on the symmetry of human and plant forms. Whereas abstract artists often reveled in the material properties of a given medium, TPG artists sought “to carry painting beyond the appearance of the physical world, through new concepts of space, color, light, and design.” At a time when a sense of urgency and crisis prevailed in art from the United States and Europe, the TPG unearthed a language that spoke of the spirit and soul, emphasizing hope and affirming vitality. Fittingly, their logo (designed by Emil and Mayrion Bisttram) took the form of a butterfly, suggesting metamorphosis, flight, and renewal.

The TPG as a formal organization was short-lived but its accomplishments were enduring. Like the AAA, the group organized lectures, published articles, and mounted exhibitions. TPG artists gained notoriety with their participation in several landmark exhibitions, including the Golden Gate International Exposition in San Francisco (1939), the New York World’s Fair (1939), and a 1940 group exhibition at the Museum of Non-Objective Painting (now the Solomon R. Guggenheim Museum) in New York City. The group dispersed in 1941, and the AAA continues to promote abstract art to this day.

MICHAEL ROSENFELD GALLERY

100 Eleventh Avenue @ 19th, New York, NY, 10011

www.michaelrosenfeldart.com

Expo Sigmar Polke, Musée de Grenoble

Exposition Sigmar Polke 

Musée de Grenoble 

9 novembre 2013 - 2 février 2014 

Douze ans après la dernière exposition consacrée à SIGMAR POLKE en France, et trois ans après sa disparition à l'âge de 69 ans, le musée de Grenoble présentera du 9 novembre 2013 au 2 février 2014 un important ensemble d'œuvres de l'artiste réalisées entre le début des années 80 et le milieu des années 2000. Essentiellement consacrée à la peinture, cette sélection comprendra néanmoins une section d'œuvres sur papier. Elle a été constituée grâce à l'appui et à la générosité de la Succession Sigmar Polke ainsi qu'aux prêts de nombreuses collections publiques et privées européennes.

Figure de premier plan de la peinture de ces cinquante dernières années, SIGMAR POLKE (1941-2010) comme beaucoup d'artistes allemands de sa génération a grandi en Allemagne de l'Est avant de passer à l'Ouest en 1953. Après avoir reçu une formation auprès d'un maître verrier, il suit au début des années 60 les cours de l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf, dominée alors par la personnalité charismatique de Joseph Beuys. C'est là qu'il rencontre Gerhard Richter et Konrad Lueg avec qui il fonde le Réalisme capitaliste qui se veut une réponse germanique au Pop- Art américain. Préférant à l'analyse méthodique d'un Richter une approche expérimentale, libre et iconoclaste des éléments constitutifs de la peinture, il s'ingénie à rendre caduques les classifications entre figuration et abstraction, culture classique et culture populaire, sacré et profane...

De fait, tout en s'inscrivant dans les grands courants de la création artistique de son époque, du Pop Art à Fluxus en passant par l'art conceptuel, Sigmar Polke a profondément renouvelé le langage pictural de la fin du 20e siècle. Son désir incessant d'expérimentation touche aussi bien les images dont il met en question la hiérarchie et interroge le mode d'apparition, que le support qu'il active au point de le rendre pleinement constitutif du tableau, ou encore les couleurs dont il traque les potentialités tant physiques que plastiques. Sa démarche se place dans une perspective de revitalisation du pouvoir subversif de l'art en s'appuyant tant sur la déstabilisation des mécanismes de perception que sur le bouleversement des genres et des catégories.

L'exposition rendra compte, à travers les différents médiums utilisés par l'artiste, des recherches qu'il a conduites avec une extraordinaire capacité de renouvellement et un sens inné de l'iconoclasme. Prenant en compte la profonde évolution qui se produit dans sa peinture au début des années 1980, elle s'attachera aux œuvres réalisées durant les trois dernières décennies de sa vie. Elle témoignera, sous l'apparent foisonnement des expérimentations, de la très grande cohérence de cette démarche exceptionnelle.

Guy Tosatto, conservateur en chef, directeur du musée de Grenoble

Musée de Grenoble

5, place de Lavalette 38000 Grenoble

www.museedegrenoble.fr

Fiac 2013 - La 40eme édition

FIAC - THE FIRST FORTY YEARS

Grand Palais & Hors les murs

24-27 octobre 2013

Affiche de la FIAC 2013

(c) M/M, Paris

Cette année la FIAC célèbre sa 40ème édition. Elle poursuit son développement et confirme son statut de foire internationale de premier plan. Rester attentif aux évolutions et aux enjeux de la création contemporaine ; s’interroger devant les transformations des métiers de galeriste et de l’exposition ainsi que les pratiques artistiques elles-mêmes ; mener des actions prospectives ; être créatif et réactif tout en assurant un esprit de continuité dans la conception de l’événement ; tels sont les fondements de cette quarantième édition de la FIAC.

La FIAC 2013 rassemblera au Grand Palais 184 galeries venues de 25 pays. La France est représentée par 55 galeries, puis viennent les Etats-Unis avec 33 galeries, l’Allemagne avec 22 galeries, l’Italie avec 13 galeries, le Royaume-Uni avec 12 galeries, la Belgique avec 11 galeries, la Suisse et le Brésil avec 5 galeries chacun. Les pays nouvellement représentés cette année sont le Canada, l’Irlande et la République Tchèque. 36 galeries participent pour la première fois ou sont de retour à la FIAC.

La FIAC témoigne cette année encore de son ouverture aux différentes formes de création en amplifiant son programme Hors les Murs : Rayonnant depuis sa base historique, le Jardin des Tuileries, Domaine National du Louvre, premier site Hors les Murs inauguré en 2006, la FIAC s’étend au Jardin des Plantes et aux différents espaces du Muséum national d’Histoire naturelle, à la Place Vendôme et pour la première fois le long de la Seine grâce au réaménagement des Berges de Seine rive Gauche, projet phare de la Ville de Paris pour l’année 2013. 

Le programme de performances de la FIAC, Ouvertures/Openings, conçu et réalisé en collaboration avec le Musée du Louvre, trouve cette année un complément avec l’inauguration de In Process, cycle de performances dédié à la jeune création conçu en collaboration avec le commissaire d’exposition Medhi Brit. Les programmes de films d’artistes au Cinéphémère (réalisé en collaboration avec la Fondation d’entreprise Ricard) et à l’Auditorium du Grand Palais se poursuivent et s’étoffent grâce à la collaboration avec MK2. Initiés en 2012, les deux programmes de conférences sont renouvelés cette année, ainsi que les cartes blanches du Silencio proposées aux artistes.

La 40ème édition de la FIAC sera aussi l’occasion de découvrir une programmation artistique exceptionnelle à Paris et en régions. Les synergies que la FIAC développe avec les acteurs de la vie culturelle par des initiatives telles que le Parcours Privé et la Nocturne des galeries parisiennes, jeudi 24 octobre, participent à la valorisation internationale de la scène artistique française.

GRAND PALAIS 

Avenue Winston Churchill, 75008 Paris

JARDIN DES TUILERIES 

Entrées Place de la Concorde 

Rue de Rivoli 

Quai des Tuileries 

Avenue du général Lemonnier 

Passerelle Solferino

JARDIN DES PLANTES 

Entrées 57 rue Cuvier

2 rue Buffon 

36 rue Geoffroy-Saint-Hilaire 

place Valhubert 

75005 Paris 

PLACE VENDÔME 

Chrifra 1, Exposition Chine-France, Paris

CHIFRA#1 L’EXPOSITION CHINE - FRANCE 

Face au Grand-Palais, Avenue des Champs-Elysées, Paris 

22-28 octobre 2013

Ce projet d’envergure a été créé sur l’impulsion d’une collectionneuse de Pékin, DENG Xihong, mue par le désir de montrer trois générations d’artistes chinois, de premier plan, qui devraient bénéficier en Occident d’une aura comparable à celle des stars de l’art contemporain promues par les médias internationaux. En effet, les artistes qu’elle soutient, formés aux techniques de l’art pictural tiennent une place de première importance dans le panorama culturel chinois, ont l’amour du public et constituent des valeurs sûres du marché de l’art asiatique.

Cette exposition, est coordonnée par le directeur du Namoc à Pékin (Musée d’Art national de Chine), FAN Dian. Elle a reçu le soutien du Ministère de la culture de la RP de Chine.

L’exposition, voulue par DENG Xihong, mécène du projet montre le rôle décisif qu'a tenu la France au XXème siècle, Paris étant alors le socle de l'art international.

En effet elle souligne combien l’enseignement traditionnel de l’art en France a influencé la peinture et la sculpture chinoise. La première génération d’artistes chinois est venue en France au début des années 30, avant de repartir en Chine pour transmettre aux plus jeunes les techniques apprises à Paris.

Après la fin de la Révolution culturelle, dans les années 80, la Chine s’ouvrant au monde et créant de nouveaux rapports avec le « monde occidental » , les nouvelles générations d’artistes ont pu s’exprimer avec une diversité de sources d’inspiration et de mediums et participer au développement de l’art chinois contemporain, pendant que de nouvelles avant-gardes voyaient le jour.

« En Chine, la modernité en art n’est pas une valeur en soi. Chaque génération d’artiste n’a pas à provoquer de rupture pour s’affirmer et exister. Les transmissions et enseignements aussi bien dans la peinture sur papier que dans la peinture à l’huile, n’ont pas changé et on y apprend à peindre comme toujours mais sans fermer les yeux sur le monde », déclare Rémy ARON, fondateur de l’association ChiFra Paris.

Un éloge de la peinture, loin des jeux de la spéculation

Selon Alin AVILA, curateur, cette exposition est avant tout un éloge de la peinture. « Deux sources de l’art sont en confluence, permettant d’en apprécier les différences mais aussi de mesurer ce qu’ils ont en commun.

Si les valeurs, les techniques et les sujets en Chine et en Occident sont différents, la peinture joue un même rôle philosophique et symbolique. La peinture revient au coeur de son mystère, celui qui lie l’homme à la nature et aux autres. On retrouve son métier, l’invention des lumières, des mythes et des forces tutélaires.

Cette exposition renonce à tous les jeux spéculatifs qui altèrent l’image de l’artiste, pour en faire l'otage de, l'idéologie, du marché et de la mode.

L'artiste redevient démiurge, sa main redevient créatrice, et son oeuvre un univers à part entière, ouvert à toutes les inventions ».

CHIFRA#1 L’EXPOSITION CHINE - FRANCE : LES ORGANISATEURS

DENG Xihong, mécène et coordination générale

Rémy ARON, président de l’association ChiFra Paris, Artiste

FAN Dian, curateur pour la sélection chinoise

Directeur du NAMOC (National Art Museum of China)

Alin AVILA, curateur pour la sélection française, critique d’art et curateur indépendant

CHIFRA#1 L’EXPOSITION CHINE - FRANCE : LES ARTISTES

ARTISTES CHINOIS

BAI Ming, CHAO Ge, DU FangXiao, DUAN Zhengqu, FEI Zheng, GUANG Jun, GUO Runwen, HAO Qiang, HONG Ling, JIA Juanli, LI Dongxia, LI Lei, LI Xiangming, LIN Mao, LUO Ling, SUN Jiabo, TAN Ping, TIAN Haipeng, WANG Keiju, WANG Wenming, WANG Yishi, WU Yang, XU Ze, XU Zhongou, YAN Ping, YANG Yongsheng, YANG Feiyun, YUAN Zhengyang.

ARTISTES FRANCAIS

Pat ANDREA, Rémy ARON, Jean CARDOT, Pierre CARRON, Erik DESMAZIERES, Philippe GAREL, Abraham HADAD, Christine JEAN, Natalie MIEL, Zwy MILSHTEIN,  Moreno PINCAS, Serge PLAGNOL, Marie RAUZY, Vladimir VELICKOVIC.

INFORMATIONS PRATIQUES

Avenue des Champs-Elysées, Paris, face au Grand Palais pendant la Fiac

Ouverture au public tous les jours de 11h00 à 20h00

Vernissage le mercredi 23 octobre, de 15h00 à 22h00

Tarifs : 8€ (dont une partie sera reversée aux associations d’aide à l’éducation artistique d’orphelins en Chine) - Gratuit pour les étudiants, les demandeurs d’emploi, les jeunes de moins de 25 ans.

Métro : Lignes 1 ou 13 [Champs-Elysées-Clémenceau] et Lignes 1, 8 ou 12 [Concorde]

Catalogue en vente

Expo Art Arborigène, Bordeaux, Musée d'Aquitaine

Mémoires Vives, Une histoire de l'art Arborigène 
Musée d'Aquitaine, Bordeaux 
16 octobre 2013 - 30 mars 2014

Le musée d'Aquitaine présente à travers l'exposition Mémoires Vives une introduction à l’histoire de l’art Aborigène australien dans sa relation à l’ancien et au moderne. Le parcours confronte objets traditionnels et oeuvres contemporaines pour comprendre les transformations et le dynamisme de cette tradition artistique vieille de plus de 40.000 ans, à l’origine de nombreux mouvements contemporains en Australie.  

Imants Tillers & Michael Nelson Jagamara 

Fatherland, 2008 

Acrylique et gouache sur panneaux, 228 x 356 cm 

Collection particulière, Australie 

William Barak 

Danse du boomerang, début du 20e siècle 

Aquarelle 

Collollection du Musée d'ethnographie de Neuchâtel, © Alain Germond 

La colonisation européenne de l’Australie à la fin du 18e siècle a provoqué une dislocation partielle des 250 cultures aborigènes qui vivaient sur le continent. L’art rituel, au cœur de la vie religieuse et sociale aborigène, a cependant réussi à survivre dans de nombreuses régions et à constituer la base de nouvelles formes d’art qui ont émergé comme réponses créatives à l’invasion européenne. Fresques éphémères sur sable, peintures sur le corps ou sur la roche, gravures sur bois ont ainsi été transposées sur de nouveaux supports mobiles et permanents: écorces, toiles, photographies, vidéos, installations révélant une profonde capacité d’innovation tant formelle que conceptuelle. Alors que la plupart des pratiques traditionnelles donnent à voir l’origine mythique de lieux sacrés, les œuvres actuelles participent aussi à définir la place des artistes autochtones dans un monde globalisé.

La question de l’authenticité des œuvres créées depuis l’irruption coloniale traverse l’ensemble de la création Aborigène et tend à montrer que tradition et modernité ont toujours été deux forces simultanément actives dans les expressions artistiques australiennes.

De nombreux artistes Aborigènes aux influences interculturelles variées réinterprètent aujourd’hui la culture matérielle de leurs ancêtres et lui confèrent un sens nouveau, posant la question de la place des artistes non occidentaux dans la société australienne et dans le monde. C’est donc ce mouvement de renaissance d’une culture ancienne que l’exposition se propose de montrer en reliant des œuvres contemporaines à leurs sources traditionnelles. 

Brook Andrew 

YOU'VE ALWAYS WANTED TO BE BLACK (white friend), 2006 

Néon et peinture murale 

Galerie nationale d’Art Zachęta, Varsovie & Centre d'art contemporain, Vilnius

© Courtesy the artist and Tolarno Galleries 

Artistes : Brook Andrew, William Barak, Tommy Mc Rea, , Albert Namatjira, David Mowarljarlai, Uta Uta Jangala, Yala Yala Gibbs Tjungurrayi, Mick Namarari Tjapaltjarri, Shorty Lungkarda Tjungurrayi, Timmy Payungka Tjapangati, Turkey Tolson Tjupurrula, Coiley Campbell, Cliff Reid, Reko Rennie, Archie Moore, James Iyuna, Tom Djawa, Dawidi, John Mawurndjul, Kay Lindjuwanga, Rover Thomas, Paddy Bedford, Boxer Milner, Ray James Tjangala, Nora Wompi, Eubena Nampitjin, Gordon Bennett, Zhou Xiaoping, Imants Tillers, Karel Kupka, Sidney Nolan, Esther Giles Nampitjinpa, Nyurapayia Nampitjinpa, Shorty Jangala Robertson, George ward Tjungurrayi, Michael Nelson Jagamarra, Curtis Taylor, Lily Hibberd, Sally Gabori, Pierre Alechinsky, Mike Kelley, Danie Mellor, Paji Honeychild Yan Karr, Johnny Bulunbulun, Garry Jones, Tim Johnson, Christian Thompson, Lydia Balbal. 

Commissaires de l'exposition : Paul Matharan, conservateur chargé des collections extra-européennes (Musée d’Aquitaine) et Arnaud Morvan, anthropologue, Laboratoire d’Anthropologie sociale (Paris)

MUSEE D'AQUITAINE, BORDEAUX
20 Cours Pasteur, 33000 Bordeaux
www.musee-aquitaine-bordeaux.fr