Daniel Arsham @ Perrotin Dubai - 'What Remains' Inaugural Exhibition of the New Gallery

Daniel Arsham

What Remains

Perrotin Dubai

October 30, 2025 – January 10, 2026

Daniel Arsham

Members of the Future, Cenote Exploration, 2024 

Acrylic on canvas panel 

Unframed: 121.9 × 147.3 × 5.7 cm | 48 × 58 × 2.25 in. 

Framed: 110.5 × 134.6 × 5.7 cm | 43 1/2 × 53 1/2 × 2.25 in. 

Photo: Guillaume Ziccarelli 

© Daniel Arsham. Courtesy of the artist and Perrotin

Daniel Arsham

Audio Bonsai 003, 2025

Copper wire, wood, speakers

153 × 132.1 × 101.6 cm | 60 1/4 × 52 × 40 in

© Daniel Arsham. Courtesy of the artist and Perrotin

Perrotin Dubai presents a debut solo exhibition What Remains by American artist Daniel Arsham. This exhibition marks the first solo show since the opening of the Perrotin Dubai gallery. What Remains features several new series from Arsham's extensive practice, including sculpture, painting and drawing, and a new sound installation, focusing on themes of cultural memory, and the passage of time.

Daniel Arsham transforms the gallery into a sonic installation with his latest sculptural series of copper wrapped bonsai tree sculptures. Doubling as functional stereo speakers, these works will play ambient music throughout the exhibition. This new series pays homage to Japanese Zen Buddhist culture and Arsham’s past presentations of sand zen gardens, which he has exhibited around the world at the Lotte Museum, South Korea and the Musée Guimet, France, among others.

Daniel Arsham

Stairs in the Labyrinth, 2025

Sand. 72 × 44.5 × 45.7 cm | 28 3/8 × 17 1/2 × 18 in.

© Daniel Arsham. Courtesy of the artist and Perrotin

Daniel Arsham also unveils a new suite of works relating to his recent Labyrinth series. Composed in cast sand, Arsham’s Stairs in a Labyrinth draws influence from artists like M.C. Escher and Renee Magritte’s maze-like works to create a sculptural double portrait. From head-on the work appears as a portrait bust of a sitter, transforming in the profile view into a maze of architectural levels and stairwells. Alongside the sculpture, Daniel Arsham presents a stilllife painting of another labyrinth bust and a selection of charcoal prepatory drawings. In this series, Daniel Arsham beckons viewers to navigate intricate compositions, suggesting an interplay of layers and pathways reminiscent of archeological sites where the past reveals itself in unexpected ways.

Alongside these new series, Daniel Arsham expands his decades-long project of “Fictional Archaeology,” where the artist examines objects from the twentieth century that are containers for collective cultural memory. Cast in his signature materials of geologic crystals and pigmented hydrostone, patinated bronze, and fiberglass, Daniel Arsham presents objects like a Rolling Stone magazine eroded with pink quartz crystals, a NY Yankees hat that appears to be emerging out of the architecture of the wall, and a bronze scaled replica of a 1985 DMC Delorean car - immortalized in the film Back to the Future.

Daniel Arsham has spent over twenty years cultivating an artistic universe that challenges conventional perceptions of time and reality. His works often evoke a sense of nostalgia and imaginative exploration, encouraging viewers to reflect on our collective history and the artifacts that shape our cultural identity. 

Artist Daniel Arsham Biography

Born in Cleveland, Ohio, in 1980, New York based artist Daniel Arsham’s work explores the fields of fine art, architecture, performance, design and film. Raised in Miami, Daniel Arsham attended the Cooper Union in New York City where he received the Gelman Trust Fellowship Award in 2003. Soon thereafter Daniel Arsham toured worldwide with the Merce Cunningham Dance Company as the company’s stage designer. The experience led to an ongoing collaborative practice which continues as Arsham works with world renowned artists, musicians, designers, and brands including Moët & Chandon, Tiffany’s, Porsche and Dior, among others. In 2021 Arsham was appoint ed the role of creative director of the Cleveland Cavaliers, becoming the first ever fine artist to hold a position of this nature.

Arsham’s uchronic aesthetics revolves around his concept of fictional archaeology. Working in a multitude of disciplines he creates and crystallizes ambiguous in-between spaces and situations, and stages what he refers to as future relics of the present. Always iconic, most of the objects that he turns into stone refer to the late 20th century or millennial era, when technological obsolescence unprecedentedly accelerated along with the digital dematerialization of our world. While the present, the future and the past poetically collide in his haunted yet playful visions between romanticism and pop art, Arsham also experiments with the timelessness of certain symbols and gestures across cultures.

Daniel Arsham has presented solo exhibitions at the Lotte Art Museum in Seoul, South Korea; Sculpture Center, Cleveland, Ohio; Orange County Museum of Art, Costa Mesa and the Petersen Automobile Museum, Los Angeles, California; Yorkshire Sculpture Park, Leeds, U.K.; Musée Guimet, Paris and MAMO Cité Radieuse Arts Center, Marseille, France; UCCA Center for Contemporary Art, Dune, Beidaihe, and HOW Museum, Shanghai, China; MOCO Museum London and Amsterdam; Contemporary Arts Center Cincinnati, Ohio; and the High Museum of Art in Atlanta, Georgia, among others.His work has been presented at MoMA PS1, The New Museum and LongHouse Reserve in New York, Norton Museum in Palm Beach, The Athens Biennale in Athens; Musée Fenaille in Rodez, La Defense in Paris, and Carré d’Art de Nîmes in France, and SCAD Museum of Art in Savannah, Georgia, among others.

Arsham’s works are in the public collections of Blanton Museum of Art, Texas; Centre Pompidou, Paris; Georgia Museum of Art, Athens; ICA Miami, Florida; Musée Guimet, Paris; National Gallery of Victoria, Melbourne, Australia; National Museum of Qatar, Doha; Pérez Art Museum Miami (PAMM), Florida; Rhode Island School of Design (RISD); and the Walker Art Center, Minneapolis.

PERROTIN DUBAI

DIFC, Gate Village, Building 5, Unit 1, Podium Level, Dubai

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Sophie Calle @ Galerie Perrotin, Paris - Exposition "Catalogue raisonné de l’inachevé. SÉANCE DE RATTRAPAGE"

Sophie Calle

Catalogue raisonné de l’inachevé

SÉANCE DE RATTRAPAGE

Galerie Perrotin, Paris

26 avril - 24 mai 2025

Please scroll down for English Version

« En 2023, pour une exposition intitulée “À toi de faire, ma mignonne”, j’ai investi le musée Picasso.

Le Catalogue raisonné de l’inachevé occupait le dernier étage.

J’avais commencé par dresser la liste de tous les projets réalisés depuis mes débuts, afin d’établir une sorte de bilan de ma vie professionnelle.

Puis, je me suis demandé ce qu’il adviendrait, quand ma vie s’interromprait, des idées qui piétinent, qui attendent leur heure dans des tiroirs, des boîtes… des cercueils?

J’ai donc décidé d’inventorier et d’analyser les ébauches, les tentatives, les abandons.

Donner vie aux intentions. Achever l’inachevé.

Seulement, soit il y avait trop à lire dans les trois premiers étages, soit le musée allait fermer, et certains visiteurs ne sont jamais parvenus au quatrième.

C’est pourquoi j’ai souhaité organiser à la galerie Perrotin Paris, une séance de rattrapage. Sophie Calle  

“In 2023, for an exhibition entitled ‘À toi de faire ma mignonne’, I took over Picasso museum.

The project Catalogue raisonné de l’inachevé occupied the top floor.

I began by listing all the projects I had completed since the start of my career—taking stock of my professional life.

Then I asked myself: What happens, when life ends, to the ideas that remain dormant—languishing in drawers, boxes…and coffins?

So I decided to inventory and analyze the sketches, the attempts, the abandonments.

To give life to intentions. To finish the unfinished.

However, either there was too much to read on the first three floors or the museum was about to close—but some visitors never made it to the fourth floor.

That’s why I wanted to organize a catch-up session at Perrotin Paris.” Sophie Calle 

GALERIE PERROTIN PARIS

76 rue de Turenne, 75003 Paris

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La Cité Universitaire de Jean Prouvé @ Galerie Perrotin, Paris

La Cité Universitaire de Jean Prouvé

Galerie Perrotin, Paris

19 janvier — 25 février 2023

Perrotin Matignon présente La Cité Universitaire de Jean Prouvé, une exposition réalisée en collaboration avec la Galerie Downtown/François Laffanour. Conçues pour les résidences universitaires, ces créations iconiques de Jean Prouvé exposées sont mises en regard avec un ensemble audacieux d’œuvres de second marché qui questionnent le rapport au monde de l’académie et son esthétique.

Figure emblématique de l’aventure moderniste au XXe siècle, Jean Prouvé (1901-1984) fut à la fois architecte, ingénieur, constructeur et designer. Homme engagé dans les réflexions sociales de l’après-guerre, le créateur nancéien conçoit des meubles pratiques aux formes épurées ayant pour but l’alliance entre l’art et l’industrie. Il utilise une approche à la fois fonctionnelle et humaniste pour mettre ses créations à la portée de tous. Après ses débuts dans la ferronnerie d’art (pratique à l’origine de remarquables rampes d’escaliers, lampes, grilles d’ascenseur, ferronnerie de portes) il se tourne rapidement vers la construction architecturale suite à la découverte de la soudure et de l’acier inoxydable. L’idée maîtresse de Jean Prouvé est celle du principe constructif, selon lequel «il n’y a pas de différence entre la construction d’une maison et celle d’un meuble». Ses bâtiments comme ses meubles exposent leurs systèmes d’articulation et d’assemblage, dévoilent les forces en présence qui s’exercent les unes contre les autres, tels que les piètements de sa chaise standard, «en forme d’égale résistance», pensée pour ne pas casser quand on se balance. 

Le contexte d’après-guerre incite la France à trouver des solutions innovantes en terme d’équipements pour les résidences universitaires, logements les plus courants pour les étudiants français à l’époque. Parmi les grands chantiers entrepris par Jean Prouvé, les Cités Universitaires occupent une place centrale. Il se consacre d’abord à l’aménagement de la Cité Universitaire Monbois à Nancy en 1933, où il imagine le mobilier de soixante-dix chambres alliant modernité, sobriété et ergonomie, et à l’ameublement de la faculté de droit de l’université d’Aix-Marseille en 1952. Ensuite, la résidence universitaire Jean Zay à Antony en région parisienne, conçue entre 1954 et 1955 selon une structure «à l’américaine» particulièrement moderne, fait intervenir plusieurs designers et architectes dont Jean Prouvé lui-même. En plus des salles communes et de la cafétéria, le constructeur aménage cent quarante-huit chambres qui prennent la forme d’ensembles simples à l’agencement symétrique avec lits, chaises, bureaux dont la série «Antony» deviendra l’emblème: un mobilier simple, économique pouvant résister au passage des étudiants, et du temps.

Ed Ruscha

If, 2007 

Acrylic on linen, 201/8×24 1/8 in. 

Courtesy of the artist and Perrotin

Sterling Ruby

SP29, 2008

Spray paint on canvas. 100×144in | 254×365, 76cm

Courtesy of the artist and Perrotin

C’est dans la relecture de cet univers proposée au sein du 8 Avenue Matignon que le royaume des graffiti évoqué par les œuvres de Keith Haring (1958-1990) et de Sterling Ruby (1972) tisse un lien avec les broderies d’Alighiero Boetti (1940-1994), pièces phares de l’art d’après-guerre italien au croisement entre écriture et géométrie. La fascination pour l’urbanisme de Fernand Léger (1881-1955) se révèle dans des paysages aux formes nouvelles, tandis que dans l’œuvre de Peter Halley (1953) c’est la ville de New York avec sa géographie complexe et cellulaire qui devient le terrain de ses recherches. Le parcours s’enrichit également des œuvres de KAWS (1974) et de Yoshitomo Nara (1959) dont le caractère tantôt fantasque, tantôt ludique fait écho aux personnages de bande dessinée. Sont également exposées des oeuvres de Ed Ruscha, Mark Grotjahn, Joseph Kosuth, Sol Lewitt, Joan Miro, François Morellet ainsi que de Francis Picabia.

PERROTIN PARIS MATIGNON

8 avenue Matignon, 75008 Paris

www.perrotin.com

Jean-Philippe Delhomme @ Galerie Perrotin, Paris - Los Angeles Langage

Jean-Philippe Delhomme: Los Angeles Langage
Galerie Perrotin, Paris
23 mai — 14 août 2020

JEAN-PHILIPPE DELHOMME

Jesus Auto Repair, 2019 

Huile sur panneau / Oil on panel

30.5 cm x 40.6 cm x 5 mm / 12 x 16x 03/16 inch

© Courtesy of the artist and Perrotin

Pour Ernest Hemingway, un Américain à Paris, Paris était une fête. Pour Jean-Philippe Delhomme, un Français à Los Angeles, Los Angeles est un langage.

La galerie Perrotin présente pour la première fois une série de peintures de Jean-Philippe Delhomme. Connu pour ses illustrations, Delhomme propose avec Los Angeles Langage, une exposition inspirée d’un séjour prolongé dans la ville américaine et qui réunit une cinquantaine d’huiles de petits formats réalisées d’après des clichés instantanés.

Jean-Philippe Delhomme est avant tout un homme de lettres. Le langage occupe une place primordiale dans tout son travail. Des histoires sous-tendent ses illustrations qui mettent en scènes avec humour et tendresse des protagonistes croisés dans divers cercles sociaux. Il a commencé une relation avec les États-Unis avec ses célèbres illustrations pour le magasin Barney’s, campagnes publicitaires entre 1993 et 1995 qui restent pertinentes presque trente ans plus tard. Il explore avec Los Angeles Langage sa perception du « nouveau monde » d’une manière plus silencieuse que le commentaire social de ses travaux pour la presse.

Jean-Philippe Delhomme poursuit depuis de nombreuses années un travail de peintre qu’il a gardé privé jusqu’à une première exposition à New York en 2015. Il peint des scènes vides de toute présence humaine à partir d’une observation directe du paysage urbain des grandes villes comme New York, Paris et Los Angeles. Son regard sur ces villes témoigne de la coalescence du passé, présent et futur que le tissu architectural manifeste dans des environnements en constante transformation : l’immeuble industriel menacé de démolition qui fera place à une nouvelle résidence retient son attention et ses « vistas » sont chargées de références littéraires et artistiques. Le paysage de Jean-Philippe Delhomme participe à un regard d’auteur qui est le fil conducteur entre les différentes formes d’expression qu’il maitrise : dessin, écriture et peinture.

L’exposition déploie des suites de tableaux de petits formats qui amorcent des narrations potentielles en capturant l’émerveillement de moments fugaces aperçus en passant. Los Angeles est en effet une ville que l’on découvre depuis le point de vue de sa voiture : on y marche peu, on emprunte des autoroutes pour aller de Santa Monica à Silver Lake ou depuis Bel Air Downtown. Pour un étranger, la ville a la familiarité des images de films et un air de déjà-vu. Pour Jean-Philippe Delhomme, les références s’orientent moins vers le monde du cinéma que vers l’oeuvre d’artistes qui ont exprimé les signes de la Californie comme Ed Ruscha qui répertoria ses Twentysix gasoline stations et Thirtyfour parking lots à Los Angeles dans les années soixante, David Hockney et l’hédonisme lumineux de ses villas Hollywoodiennes ou encore Chris Burden et ses constructions maximales de Metropolis mais aussi l’écho de ses performances radicales des années soixante-dix. Des photographes tels que William Eggleston, Lee Friedlander, Garry Winogrand, Julius Shulman, Robert Frank ou Dennis Hopper guident le regard de Jean-Philippe Delhomme lorsqu’il sillonne la ville au volant de sa voiture de location. A la fois au bord et au centre, et toujours en mouvement.

JEAN-PHILIPPE DELHOMME

Paint and Body 1, 2018

Huile sur panneau / Oil on panel

27.9 cm x 35.6 cm x 5mm / 11 x 14 x 0 3/16 inch

© Courtesy of the artist and Perrotin

Son approche picturale emprunte aussi bien à l’imaginaire développé par une certaine avant-garde des années soixante/soixante-dix, notamment par le choix du cadrage scénique et la banalité du paysage urbain, qu’à certains peintres de la représentation américaine comme Milton Avery ou Fairfield Porter par sa pratique assumée d’une figuration expressive du réel.

Les tableaux présentés au premier étage de la galerie sont des huiles de petits formats, à l’exception de quelques toiles réalisées avec le recul dans l’atelier de New York. Ils sont exécutés sans croquis ni tracés préalables à partir des photos prises en voiture, à la différence des vues de New York ou de Paris que Jean-Philippe Delhomme peint en observant directement le paysage, « sur le motif ». La photo, mise à l’oeuvre pour saisir un instantané à partir de la voiture, est un outil autant qu’un aide-mémoire et les tableaux n’ont en aucune manière un aspect photo réaliste. Leur petit format et la sérialité évoquent la structure discursive d’un carnet de voyage et le mode opératoire d’un index lexical du titre Los Angeles Langage. Jean-Philippe Delhomme propose un vocabulaire de la ville dans lequel la représentation de la voiture est clé. La voiture est à la fois un signifiant porteur de mythologies (la DS de Roland Barthes), et sculpture en soi (John Chamberlain). Des grilles de petites toiles représentant des voitures sur un fond perdu blanc fonctionnent comme des portraits des véritables habitants de Los Angeles.

Cette exposition est organisée par Lucien Terras.

Lucien Terras (né en 1962) est un galeriste Français qui vit à New York et collabore avec la galerie Perrotin depuis 2013. Cette exposition de Jean-Philippe Delhomme est la troisième qu’il organise avec l’artiste, chaque fois centrée autour d’une thématique de représentation (Bushwick Landscape Oct-Nov 2015 / Studio aux Formes Variables, Nov-Dec 2017).

PERROTIN PARIS
76 rue de Turenne, 75003 Paris
perrotin.com

Takashi Murakami @ Galerie Perrotin, Paris

Takashi Murakami 
Learning the Magic of Painting
Galerie Perrotin, Paris
September 10 - December 23, 2016

Takashi Murakami

“The Moon Over the Ruined Castle”, 2015

Acrylique, feuille de platine et d’or sur toile montée sur panneau de bois

Acrylic, platinum leaf and gold leaf on canvas mounted on wood panel

Ø 250 cm / Ø 98 7/16 inches

© 2015 Takashi Murakami/Kaikai Kiki Co., Ltd. All Rights Reserved.

Courtesy Galerie Perrotin

Takashi Murakami

“Dragon Heads - Gold” 2015

Gold leaf on carbon fiber and glass fiber

Feuille d’or sur la fibre de carbone et fibre de

verre

51 7/8 x 32 3/4 x 33 in / 131.6 x 83.2 x 83.8 cm

© 2015 Takashi Murakami/Kaikai Kiki Co., Ltd. All Rights Reserved.

Courtesy Galerie Perrotin

Ever since I started studying painting at nineteen to this day, at fifty-four, I have been, and still am in the middle of, learning the magic of painting.

A painting’s process of generation starts with an intent.

A painting approaches becoming a painting in the moment it transcends the intent.

A painting is no longer a painting once it becomes a painting.

Its essence is truly magical and ungraspable.

Yet when we physically stand in front of the painting among paintings, we can comprehend that it is a true painting.

A genius may easily achieve such a state.

I have humbly and respectfully examined the magical recipes of painting a handful of geniuses have left behind. They are truly brilliant, these magical recipes. But the various factors surrounding such geniuses’ lives, from their places of origin to the eras in which they lived and their social standings are so extremely different from my own that I am unable to immediately apply such recipes myself.

I would try incorporating some of the magical recipes into my brain, but they are not compatible; in fact, at times they would trigger rejections.

The spark of idea that would bring me to the magic never arrives. And so, day after day, I simply and diligently keep up with my learning and paint the product of that learning.

Yet when I look back, I realize that there remains a trace of my own magical spells even in my pictorial memos from twenty some years ago, those left in the process of such wretchedly laborious efforts, albeit somewhat difficult to discern—self-pitying and extremely deformed as they are—unlike those of the past geniuses. If I now reassemble these individual memos, they might constitute a section of a magic circle; a little bit of magic might even emerge.

Nay, perhaps this will merely turn out to be a tragedy triggered by my misconception.

Still, it will give me hope to live on.

By continuing to learn and paint the result day after day so as to leave even a faintest of trace, my hope to live my possibly tragic life, the recipe for my magic circle for painting, accumulates.

Until the moment my body expires, in the near future, I wish to continue perfecting my magic circle that may summon the magic, to understand the essence of the magic of painting, and to try and complete the recipe for generating the magic of painting.

The works for this show, then, are also the records of my learning along the way. I have been working my way in earnest, but I am still far from arriving at the essence of my magic. But I believe each of the works contains some fragments of the essence―even if they turn out to be tragedies! I choose to believe so anyway.

Will I really manage to create the magic circle that can summon magic, or is everything a misconception and I am merely living a tragic life?

Whichever it may turn out to be, today, as always, I am learning the magic of painting.

Takashi Murakami

Galerie Perrotin, Paris, presents Takashi Murakami’s 12th solo exhibition with the Gallery over more than 20 years. Spanning across the 3 spaces in Paris at 76 rue de Turenne & 10 impasse Saint-Claude, more than 40 recent and heretofore never seen artworks have been gathered for this special occasion. Some of the works were displayed until recently at Murakami’s major solo retrospective “The 500 Arhats,” which was on view at Mori Art Museum in Tokyo from 2015 to early 2016. These include a monumental multipanel painting entitled “A Picture of Lives Wriggling in the Forest at the Deep End of the Universe” (2015), conceived as an anthology of iconic themes of Murakami’s cosmology, from 727, Gerotan/Mr. Dob, Dragon, and Panda series to mythological animals, lion, elephant, tiger, goat, etc.

A second group of works will focus on the theme of the arhats. Originally explored by Murakami in a 100-meter long painting “The 500 Arhats” produced for his solo retrospective in Qatar in 2012, the arhat paintings represent the 500 wise followers of Buddha who attained enlightenment by overcoming their greed, hatred, and delusions, destroying their karmic residue from previous lives. The faith in the arhats was conveyed to Japan during the Heian period (8th-12th century) and flourished throughout the country during the Edo period (17th-19th century) in the form of paintings and sculptures. Kano Kazunobu’s “Five Hundred Arhats” (housed at Zojoji Temple in Shiba, Tokyo), a 100-scroll series of paintings made directly following the fearful 1855 Edo Ansei earthquake, has greatly inspired Murakami, who in turn painted his “The 500 Arhats” in response to the 2011 East Japan Earthquake and Tsunami, an event which profoundly changed the overall direction of his work. The representations of arhats presented in the Paris show are both continuations and excerpts of this masterpiece. In an ironic touch, Murakami has even portrayed himself as a robot sculpture, “Arhat”.

Galerie Perrotin will also feature a selection of paintings from Murakami’s “Ensō” series. The subject of these new paintings is one of the most famous motifs in Japanese Zen painting, the Ensō (literally, ‘circle’) that symbolizes emptiness, unity, and infinity in Zen Buddhism, and is also a form of meditation. Since 2007, Murakami has been painting the great figures of Zen Buddhism: Daruma the Great, the founder of Zen, and the severed hand of the monk Eka (Huike), a sacrifice to his master Daruma (Bodhidharma) whom he later succeeded. The Ensō paintings represent another epiphany for the artist, resulting from quiet and ongoing spiritual practice. The Ensō is the prerequisite to every act of creation, a moment when the mind is free to let the body create. Traditionally traced with a brush in one fluid and highly mastered stroke, the circle does not allow for a change of heart. Murakami executes the Ensō in his unique style, using spray paint over his signature accumulations of flowers and skulls. The Ensō is a true homage to Japanese tradition, a return to a more unfettered minimalist practice; the result of a complex artistic and spiritual path.

Lastly, Galerie Perrotin will present an entirely new series of diptychs and triptychs inspired by the work of mid-20th century master Francis Bacon. Takashi Murakami has already paid homage to Francis Bacon in 2002 through 2 paintings, “Homage to Francis Bacon (Study of Isabel Rawsthorne)” and “Homage to Francis Bacon (Study of George Dyer)”. The new works will once again focus on tortured figures, where moving flesh reveals the scars & agonies of the soul of the human being, as in the portraits of Lucian Freud.

Amidst all of these works, viewers will notice several of the motifs and characters which have defined Murakami’s art over the past twenty years. One particular focus is the motif of the skull, an image which has always been featured in Takashi Murakami’s iconography. In Murakami’s universe, the skull symbolizes the impermanence of our lives, as in Buddhism, or the western tradition of vanitas. They can be an element of the composition of the paintings (for example a bridge made of skulls on which lions sit, or skull rocks on which different animals stand) or sometimes animate the background of the painting as a whole, for example in the Monochrome or Ensō series. They can even be the central motif to contemplate.

Some of Takashi Murakami’s new paintings refer to the 17th-century Japanese artist Ogata Kôrin, whose white chrysanthemum motifs left a deep impression on Murakami (in 2009 a first series was presented at the Gallery). The flowers stand out on gold or platinum-leaf backgrounds in the purest Japanese tradition. Their precious materials create a delicate contrast with the fragility of the ethereal plants, once again evoking memento mori.

The abstract patterns in Takashi Murakami’s paintings, sometimes comprising entire works, combine hypnotic visions of outer space phenomena with the artist’s reminiscences of abstract expressionism, as well as citing artists such as Cy Twombly, Roy Lichtenstein, and Sigmar Polke (whose style is evoked with the use of Ben-Day dots). Lastly, viewers will notice frequent appearances by Murakami’s famous alter ego, Mr. Dob, who appears in diverse contexts, morphing its own form, and whose ambivalent personality shifts from friendly to fierce, seemingly at will.

Takashi Murakami, who has a PhD in Nihonga painting, combines the most cutting-edge techniques with the precision and virtuosity of traditional Japanese art. Inspired by manga and kawaii culture, his irresistible world is peopled by monstrous and charming characters alike, as facetious descendants of past myths. His theory of the Superflat aesthetic, which he introduced in 2001 with the trilogy exhibition he curated (the third part was entitled “Little Boy,” which refers to the codename for the atomic bomb dropped on Hiroshima in 1945), attempts to blur the boundaries between popular art and high art; it has explored the evolution of Japan’s understanding of its post-Hiroshima condition and the interrelationships between vanguard art, manga, anime and their forerunner, Ukiyo-e woodblock prints. The absence of perspective, the two-dimensionality of ancient Japanese art, filters in to every medium.

Since his first monographic exhibition outside Japan in 1995 at Galerie Perrotin, Takashi Murakami has become recognized as one of the most prominent contemporary artists of his time, and his work has been featured in numerous solo exhibitions at museums and art institutions throughout the world, including “The Meaning of the Nonsense of the Meaning” (title of his doctoral thesis) in New York at the Center for Curatorial Studies Museum, Bard College in 1999; MoMA PS1 in Long Island City, NY (2000); Grand Central Station in 2001; the Fondation Cartier and the Serpentine Gallery in 2002; the Rockefeller Center in 2003, the traveling retrospective “©MURAKAMI,” shown first at the Museum of Contemporary Art in Los Angeles in 2007, then the Brooklyn Museum in New York, the Museum für Moderne Kunst (MMK) in Frankfurt, and the Guggenheim Museum in Bilbao. In 2010, France’s renowned Château de Versailles organized an important solo exhibition of his works inside the palace and its gardens. In 2012, a retrospective entitled “Murakami-Ego” was organized by QMA at Al Riwaq Exhibition Hall, Doha, Qatar and included the 100m masterpiece painting “The 500 Arhats”. Murakami’s own personal art collection was unveiled for the first time at the Yokohama Museum of Art in early 2016, in a show entitled “Takashi Murakami’s Superflat Collection —From Shōhaku and Rosanjin to Anselm Kiefer—”

GALERIE PERROTIN
www.perrotin.com

Expo Happy Birthday Galerie Perrotin, Tripostal, Lille

Happy Birthday Galerie Perrotin / 25 ans 

Tripostal, Lille3000, Lille 

11 octobre 2013 - 12 janvier 2014

Un événement à ne pas manquer. Dans la dynamique des invitations faites aux grandes collections (François Pinault Foundation, Saatchi Gallery, CNAP), lille3000 accueille la Galerie Perrotin dans les espaces du Tripostal, à Lille.

Cette exposition sera l’occasion de rendre compte de la vision d’un galeriste français, Emmanuel Perrotin, à travers une sélection d’oeuvres d’artistes qu’il a exposés tout au long de son parcours depuis 25 ans, oeuvres pour la plupart issues de collections publiques ou privées.

Les grands plateaux du Tripostal permettront de présenter plus d’une centaine d’oeuvres : des sculptures et installations monumentales de Wim Delvoye, Daniel Firman et Tatiana Trouvé, des mobiles de Lionel Esteve, « la filature » et « vingt ans après » de Sophie Calle, « INRI » de Maurizio Cattelan (photo).

Maurizio Cattelan

Sans titre, 2009 : Vue de l'exposition (Tate Modern, London, 2009) 

Cheval naturalisé, verre, bois, 158,5 x 200 x 190 cm 

Photo : Zeno Zotti 

Courtesy Maurizio Cattelan's archive and Galerie Perrotin - Collection de l'artiste

Egalement au programme, des oeuvres spécialement conçues pour le lieu par Gelitin, Guy Limone, Pieter Vermeersch. D’autres salles réuniront des artistes japonais dont Aya Takano, Mr et Chiho Aoshima. De nombreux artistes français seront représentés dont Bernard Frize, JR, Kolkoz, Ange Leccia, Jean-Michel Othoniel, Philippe Parreno, Xavier Veilhan et Jean-Luc Vilmouth. Le public découvrira également deux sculptures du duo nordique Elmgreen & Dragset et un film projeté sur grand écran de Jesper Just.

Emmanuel Perrotin, né en 1968, ouvre sa première galerie à Paris en 1989 dans un appartement du Marais à Paris près du Centre Pompidou. Après avoir investi neuf lieux de 1989 à 2005, la galerie est aujourd’hui installée dans un hôtel particulier Rue de Turenne. En 2012, il ouvre une deuxième galerie à Hong Kong. Une troisième sera inaugurée en septembre prochain à New York.

Il démarre très jeune dans le monde de l’art contemporain. A 17 ans, il devient l’assistant du jeune galeriste Charles Cartwright qui travaille alors avec des artistes comme Marina Abramovic ou Alighero Boetti. Autodidacte passionné, Emmanuel Perrotin est un dénicheur de talents. En 1991, il organise la premiere exposition commerciale de Damien Hirst dans le monde, puis en 1992 présente le subversif Maurizio Cattelan ; l’année d’apres, il débute sa collaboration avec Takashi Murakami (photo). 

Takashi Murakami

Homage to Francis Bacon (Study of Isabel Rawsthorne), 2002 

Acrylique sur toile montée sur bois / Acrylic on canvas mounted on board, 120 x 120 x 5 cm 

©2002 Takashi Murakami/Kaikai Kiki Co., Ltd. All Rights Reserved 

Courtesy Galerie Perrotin - Collection Galerie Perrotin

Depuis, Emmanuel Perrotin représente aussi Johan Creten, Klara Kristalova, KAWS, Farhad Moshiri,Gianni Motti, Paola Pivi...

HAPPY BIRTHDAY GALERIE PERROTIN : ARTISTES DE L’EXPOSITION :

Chiho Aoshima, Ivan Argote, Daniel Arsham, Mark Barrow, Hernan Bas, Anna Betbeze, Jes Brinch et Henrik Plenge Jakobsen, Sophie Calle, Maurizio Cattelan, Peter Coffin, Martin Creed, Johan Creten, Matthew Day Jackson, Wim Delvoye, Eric Duyckaerts, Elmgreen & Dragset, Kate Ericson & Mel Ziegler, Leandro Erlich, Lionel Estève, Tom of Finland, Daniel Firman, Mark Flood, Bernard Frize, Giuseppe Gabellone, Gelitin, Dominique Gonzalez-Foerster, Thilo Heinzmann, John Henderson, Gregor Hildebrandt, Noritoshi Hirakawa, Damien Hirst, Information Fiction Publicité (IFP), Wendy Jacob, Sergej Jensen, Bernard Joisten, Pierre Joseph, JR, Yeondoo Jung, Jesper Just, KAWS, Jean-Pierre Khazem, Bharti Kher, Kolkoz, Klara Kristalova, Ange Leccia, Guy Limone, Adam McEwen, Ryan McGinley, Mariko Mori, Farhad Moshiri, Olivier Mosset, Gianni Motti, Mr., Takashi Murakami, Kaz Oshiro, Jean-Michel Othoniel, Philippe Parreno, Paola Pivi, R.H. Quaytman, Terry Richardson, Claude Rutault, Michael Sailstorfer, André Saraiva, Aya Takano, Tatiana Trouvé, Piotr Uklanski, Chris Vasell, Xavier Veilhan, Pieter Vermeersch, Jean-Luc Vilmouth, John Waters, Pae White, Kenji Yanobe, Sun Yuan Peng Yu, Peter Zimmermann.

TRIPOSTAL - LILLE3000

Avenue Willy Brandt - 59000 Lille 

Site internet : www.lille3000.eu

Takashi Murakami - Yves Klein, Expo à Paris à la Galerie Emmanuel Perrotin

Takashi Murakami 

Homage to Yves Klein 

Galerie Emmanuel Perrotin, Paris 

Jusqu'au 7 janvier 2012 

TAKASHI MURAKAMI rendant hommage à YVES KLEIN à la Galerie Emmanuel Perrotin, voilà une exposition qui laissera des traces dans les mémoires. Takashi Murakami se confronte à l’oeuvre de Yves Klein en s’emparant de certaines de ses peintures dont il a conservé les formats originels (11 peintures dont 9 inédites de Takashi Murakami ainsi que 6 oeuvres de Yves Klein sont exposées, « Monochrome bleu sans titre (IKB 67) »,  « Monogold sans titre (MG 8) », « Monochrome rose sans titre (MP19) » et 3 reliefs éponges).  

« Je pense que l’on s’accorderait à dire que la couleur est l’un des éléments les plus importants de mon travail et quand on observe la vie de Yves Klein, la raison devient éclatante, palpable. La couleur est comme le boudhisme Zen au Japon, un outil qui peut instantanément guider chacun vers un monde extérieur à soi, qui nous échappe.

J’aimerais dédicacer cette exposition à l’artiste qui a le plus passionnément poursuivi cette quête de la couleur - Yves Klein. »  

Takashi Murakami 

Takashi MURAKAMI

«MCRST, 1962->2011», 2011

Acrylique sur toile montée sur bois

Acrylic on canvas mounted on board

36 1/4 x 28 1/2 inches

©2011 Takashi Murakami/Kaikai Kiki Co., Ltd. All Rights Reserved.

Courtesy Galerie Perrotin, Paris

Déjà en 1991, Takashi Murakami peint des monochromes rappelant les recherches de Yves Klein (« Azure »). En 1995, il réalise un triptyque de feuilles d’or et d’argent sur bois (« Rose II ») évoquant tels les monochromes de Yves Klein, les fonds fabuleux de la tradition picturale au Japon. En 2006, il dissimule l’empreinte de son corps sur la toile - à la manière des anthropométries - par des carrés de couleur hypnotiques et ‘énergétiques’ (« Acupuncture Paintings »).

Takashi Murakami réinterprète ici l’art des vanités à travers des accumulations de crânes (photos) ou de fleurs, vertiges de l’infni où le motif semble disparaître, s’effacer à travers sa propre répétition abstractisante ; « MGST, 1962->2011 » (photo ci-dessous) ; « MCBST, 1959->2011 » ; « MCRST, 1962->2011 » (photo ci-dessus), etc. 

Takashi MURAKAMI

« MGST, 1962->2011 », 2011

Acrylique et feuille d’or sur toile montée sur bois

Acrylic and gold leaf on canvas mounted on board

81,5 x 72 cm - 32 x 28 1/2 inches

©2011 Takashi Murakami/Kaikai Kiki Co., Ltd. All Rights Reserved.

Courtesy Galerie Perrotin, Paris

Docteur en peinture Nihonga de l’Université des Arts de Tokyo, Takashi Murakami développe un style unique et une oeuvre protéiforme aux techniques les plus modernes associées à la précision et la virtuosité de l’art traditionnel japonais, celui de l’estampe ukiyo-e (monde fottant) en particulier. Inspiré de la culture manga et kawaï (mignon), son monde irrésistible est peuplé de personnages monstrueux ou charmants, descendants facétieux des mythes passés. L’esthétique Superfat, qu’il a théorisée en 2001, tente de brouiller les frontières entre art populaire et grand art. 

L’absence de perspective, la bi-dimensionnalité de l’art ancien s’infltrent sur tous les supports, peinture, sculpture, prints/sérigraphies, wallpaper, films d’animation, accessoires. Dès sa première exposition monographique hors du Japon organisée par la Galerie Emmanuel Perrotin en 1995, il devient l’un des artistes contemporains les plus marquants et il investit les principales institutions internationales : le Center for Curatorial Studies Museum, Bard College à New York, en 1999, avec l’exposition The Meaning of the Nonsense of the Meaning ; PS1 en 2000, Grand Central Station en 2001, la Fondation Cartier et la Serpentine Gallery en 2002, le Rockfeller Center en 2003. Récemment, de 2007 à 2009, la rétrospective ©MURAKAMI a été présentée successivement au Museum of Contemporary Art, Los Angeles, au Brooklyn Museum, New-York, au Museum fur Moderne Kunst, Frankfort et enfn au Guggenheim Museum, Bilbao. En 2010, Le Château de Versailles lui consacre une importante exposition monographique dans les salles et les Jardins.

4 prints représentant des sculptures emblématiques de l’exposition « Murakami Versailles » sont également montrés à la Galerie Perrotin.

L'exposition a lieu dans l'espace du 10 impasse Saint-Claude (Paris 3e) de la Galerie Emmanuel Perrotin. Elle a bénéficié de la collaboration des ayants droits d'Yves Klein.

Site internet de la Galerie Emmanuel Perrotin