Miró and the United States @ Fundació Joan Miró, Barcelona + The Phillips Collection, Washington DC - A Major Exhibition

Miró and the United States

Fundació Joan Miró, Barcelona

10 October 2025 – 22 February 2026

The Phillips Collection, Washington 

21 March – 5 July 2026

The Fundació Joan Miró in Barcelona, in collaboration with The Phillips Collection in Washington, presents a new and revealing exhibition entitled Miró and the United States, which highlights the intense, bidirectional and intergenerational relationship between Joan Miró and his contemporaries in North America. While it is well known that many North American artists were inspired by Miró, it is less well known that he was also inspired by North American art, particularly gestural, action and large format painting. This exchange and creative flow spanned continents and generations and is one of the central themes of the exhibition, which is part of the commemoration of the 50th anniversary of the Fundació Joan Miró. Coming from a Spain devastated by the Franco dictatorship, the United States represented for Joan Miró not only art, but also a country of large open horizons, hope, democracy, future and endless possibilities.

Miró and the United States brings together an outstanding selection of paintings, drawings, sculptures, prints, films and archival documents from American and European collections, as well as new studies by renowned specialists on Miró’s artistic evolution.

Miró and the United States is a unique exhibition because it offers a fresh look at Miró’s place in modern art, a reading that places the North American context at its heart. In other words, rather than focusing on the French context, which is essential for understanding his work from the 1920s and 1930s onwards, the show situates the United States as a pivotal territory in the evolution of Joan Miró’s artistic language, his international recognition and his connections with other artists. The United States enabled Joan Miró to undertake large-scale public projects – such as the sculpture Moon, Sun and One Star, made for Chicago – that would have been unfeasible in Spain at the time. The open and experimental environment of the United States helped Miró to consolidate his creative freedom and international recognition.

The exhibition therefore showcases key moments in Miró’s career in the USA: his two retrospectives in New York (in 1941 and 1959), his seven visits between 1947 and 1968, and also the pivotal role played by his dealer, Pierre Matisse, as well as the support of various American institutions and collectors.

The exhibition is a unique event as it displays 138 works from American and European collections as well as those from the Fundació Joan Miró’s own holdings, including both works by Joan Miró and approximately forty other artists. The selection is based on known connections and intergenerational relationships of admiration, including the likes of Louise Bourgeois, Alexander Calder, Helen Frankenthaler, Arshile Gorky, Lee Krasner, Alice Trumbull Mason, Jackson Pollock and Mark Rothko, among many others. This artistic conversation demonstrates how Miró’s legacy continues to live on.

Based on years of research, the exhibition re-examines the established narratives about Miró’s position in the history of art through the selection of artists who feature in it. The different sections of Miró and the United States explore this relationship between Joan Miró and forty-nine contemporary artists from different generations. The exhibition also includes many artists who, despite not being originally from the country, moved or went there temporarily to develop part of their artistic careers. Driven by immigration, exile, the search for opportunities or cultural exchange, these creators played a decisive role in shaping the diverse and international North American art scene.

Although it has become commonplace, the fact that the centre of the art world shifted from Paris to New York is historically grounded. The global upheaval of the Second World War led to many European artists and intellectuals being exiled to the United States, fostering the emergence of North American Abstract Expressionism. This geopolitical and cultural shift was examined in a pioneering manner by Serge Guilbaut in How New York Stole the Idea of Modern Art (1985), in which he argues how New York appropriated the symbolic leadership of modern art.

Joan Miró witnessed and participated in the shift of artistic capital from Paris to New York in the period immediately following the turbulent years of the Second World War. This geopolitical and cultural reconfiguration, which may have once seemed distant, now resonates with an urgency and topicality that would have seemed unimaginable just a few years ago. One of the major attractions of Miró and the United States is the curatorial proposal, which brings together works and artists that reveal connections between Miró and the North American art scene that have never been seen before. The exhibition also offers the public an exceptional opportunity to view works that have never previously been exhibited in Spain, including Lee Krasner’s The Seasons, which is on loan from the Whitney Museum for the first time.

Another exhibition highlight is the presence of Miró's Mural Painting, 20 March 1961 (1961), a monumental work that was exhibited several times in the 1960s: in 1961 at the Galerie Maeght in Paris and the Pierre Matisse Gallery in New York, and in 1964 in London and Zurich as part of the Miró retrospective organised by Roland Penrose. Since then, once Josep Lluís Sert had donated the mural to the Harvard Art Museums, this is the first time they have authorised its loan for an exhibition in Europe, a fact that makes its presence in the Miró and the United States exhibition a truly exceptional event.

Moreover, in an unprecedented move, the first two works that Joan Miró exhibited in the United States are reunited for the first time: Le Renversement (1924) and Painting (1926), which were originally presented at the Brooklyn Museum.

As part of Miró and the United States, the Fundació Joan Miró is presenting 22 pochoirs on paper of Constellations, dated 1959. Like the original Constellations of 1940-1941, they were conceived by Joan Miró so that they could be viewed from both sides. While these pieces have been previously exhibited in other settings, this is the first time they have been displayed according to this original, double-sided design, exactly as the artist had intended. This unprecedented curatorial commitment recovers his original vision, offering the public a fresh look at the formal freedom and experimental spirit that define his work.

Alongside important works admired by Joan Miró, such as Jackson Pollock's Number 14, are more surprising dialogues, such as that with Janet Sobel, whose Illusion of Solidity (1945) shows her to be the precursor of the dripping technique One of the exhibition’s crowning works is Lee Krasner’s The Seasons, a piece of imposing dimensions and sublime visual and emotional impact that is travelling to Spain for the first time. The exhibition also sheds light on female artists who had to use male pseudonyms to gain recognition, such as Henrietta Myers (Peter Miller) and Corinne Michelle West (Michael West).

The Miró and the United States exhibition arrives at a particularly opportune moment, filling a clear need in Miró’s artistic story. It transports us to another time and place – full of light, curiosity and risk – when art was a bold commitment to a better future. Amidst a 20th century marked by repression and instability, contact with the United States represented a source of creative energy and openness for Joan Miró, a democratic and dynamic horizon full of artistic opportunities. Miró actively engaged in dialogue with the North American artistic community, which became a place of inspiration and transformation. This fruitful exchange not only renewed his career, but also reinforced his ability to connect with a world in motion, full of contrasts and possibilities. The exhibition therefore invites us to look back and move forward with hope, to continue taking risks and to believe in the power of art as a tool for change and expanding horizons.

Miró and the United States

© Courtesy Fundació Joan Miró, Barcelona

The exhibition is accompanied by the publication Miró and the United States, available in Catalan, Spanish and English. It includes texts by renowned Miró curators and specialists: Dawn Ades, Beatriz Cordero Martín, Marko Daniel, Matthew Gale, Patricia Juncosa, Robert Lubar Messeri, Teresa Montaner, Dolors Rodríguez Roig, Élisa Sclaunick, Elsa Smithgall and Anne Umland.

The Miró and the United States exhibition, co-organised with The Phillips Collection in Washington, will also be on show there from 21 March to 5 July 2026.

Curatorship: Marko Daniel, Matthew Gale and Dolors Rodríguez Roig from the Fundació Joan Miró, in collaboration with Elsa Smithgall from The Phillips Collection

FUNDACIO JOAN MIRO, BARCELONA

www.fmirobcn.org

Exposition Miró @ Musée de Grenoble - Miró. Un brasier de signes. La collection du Centre Pompidou + Catalogue

MIRÓ Un brasier de signes

La collection du Centre Pompidou

Musée de Grenoble

20 avril - 21 juillet 2024

Le musée de Grenoble présente, en partenariat avec le Centre Pompidou, une exposition consacrée à Joan Miró (Barcelone, 1893 - 1983, Palma de Marjorque). Comprenant plus de 130 œuvres, Un brasier de signes offre un panorama de l’œuvre de l’artiste dans la collection du Musée national d’art moderne, complétée par des œuvres du musée de Grenoble et de la Fondation Miró de Barcelone. Au sein de ce prêt remarquable, figurent les trois « Bleu » qui voyagent exceptionnellement hors de Paris et resteront en dépôt au musée de Grenoble. L’exposition qui met l’accent sur l’iconoclasme, l’énergie créatrice et la modernité artistique du peintre jalonne la totalité de sa carrière tout en offrant un regard privilégié sur son œuvre ultime, des années 1960-1970, une période d’exil intérieur et d’expérimentation intense. Elle s’inscrit dans le cycle des grandes expositions du musée de Grenoble revisitant l’oeuvre d’artistes majeurs du XXe siècle, comme Picasso, Bonnard, Twombly. Cet événement préfigure le programme Centre Pompidou | Constellation construit en partenariat avec les plus grandes institutions culturelles à Paris, en France et à l’international et qui fera rayonner le Centre Pompidou durant ses travaux de rénovation.

Au même titre que celle de Picasso, l’œuvre de Joan Miró, par sa liberté créatrice et son iconoclasme latent, occupe au XXe siècle une place inédite qui lui confère la stature du mythe et l’élève au rang de l’universalité. Ancrée dans la terre catalane de son enfance, elle voit le jour dans les années 1910 avec les peintures dites « détaillistes » de Montroig, scènes réalistes et paysannes qui retiennent la leçon de l’art naïf et du cubisme naissant. Puis, au milieu des années 1920, ses « peintures de rêve » dont la magie poétique séduit les surréalistes tels que Robert Desnos et Michel Leiris lui apportent la reconnaissance artistique. Posant un regard tantôt émerveillé, tantôt plus sombre sur le monde qui l’entoure, le peintre donne progressivement corps à ce que son biographe, le poète Jacques Dupin, a élégamment qualifié de « Mirómonde ».

A partir de 1956, l’installation à Palma de Majorque constitue un nouveau tournant dans son oeuvre. Durant cette période de créativité intense, sa peinture se métamorphose, devient de plus en plus gestuelle, directe et n’est pas sans évoquer les « peintures sauvages » nées dans les années 1930, dans le contexte de la montée du nazisme. 

Portant sur un ensemble de près de 90 oeuvres réalisées dans les années 1960-1970, la dernière période de création de l’artiste est particulièrement bien représentée dans la collection du Centre Pompidou - Musée national d’art moderne. Dans l’exposition, une attention particulière est portée à ces ultimes années d’une extraordinaire fécondité où l’artiste affirme avec une puissance inédite son désir de liberté et d’expérimentations, antidote absolu à toute forme d’académisme et d’oppression. Parmi les œuvres présentées, les trois « Bleu » (1961) marquent un moment fort de l’exposition. Incarnant trois temps d’une même œuvre, ils soulignent l’accomplissement de toute la recherche plastique et poétique de Miró. Leur couleur céleste, célébrant le calme et la sérénité, invite à un voyage méditatif.

Commissariat de l'exposition

Sophie Bernard, conservatrice en cheffe des collections d’art moderne et contemporain du musée de Grenoble, commissaire

Aurélie Verdier, conservatrice en cheffe Centre Pompidou - Musée national d’art moderne, commissaire associée

CATALOGUE DE L'EXPOSITION

Miró. Un Brasier de signes

La collection du Centre Pompidou

Édition In fine

Les auteurs :

Sophie Bernard, Aurélie Verdier, Anne Foucault, Jean-Christophe Bailly, Guitemie Maldonado, Juan-José Lahuerta et Anne Montfort-Tanguy.

Sommaire :

• Brève excursion au pays de Miró, Jean-Christophe Bailly

• Le Nourrisson savant. Joan Miró et l’enfance révolutionnaire, hiver 1923, Aurélie Verdier

• Le Langage d’Éros. Surréalisme, inconscient, élan vital et féminin dans l’oeuvre de Miró, Sophie Bernard

• « Anti-peinture » et « danseuses espagnoles » de Joan Miró : deux actes analogues, Juan-José Lahuerta

• « La négation de toutes les négations. » Miró dans l’Espagne franquiste, 1939-1975, Anne Montfort-Tanguy

Notices de Sophie Bernard, Anne Foucault et Aurélie Verdier

MUSÉE DE GRENOBLE

5, place de Lavalette, 38000 Grenoble 

www.museedegrenoble.fr

Bronzes, Galerie Maeght, Paris

Bronzes
Galerie Maeght, Paris
23 janvier - 7 mars 2015

Georges Braque, Pur-sang, 1956. 

Bronze sur pierre. 35 x 29 cm. 

© Galerie Maeght, Paris

La Galerie Maeght met à l’honneur le bronze dans une exposition où les oeuvres sculptées des plus grands maîtres dialoguent avec celles, récentes, d’artistes contemporains : de Georges Braque, Eduardo Chillida, André Derain, Alberto Giacometti, Roger de La Fresnaye, Joan Miró, Paul Rebeyrolle, Jean-Paul Riopelle et Raoul Ubac, à Ruth Adler, Nicolas Alquin, Marco Del Re, Joanet Gardy-Artigas, François Lamore, Daniel Milhaud et Manolo Valdès.

Isabelle Maeght, directrice de la Galerie Maeght, rend hommage au matériau noble et exigeant qu’est le bronze par une sélection de très belles oeuvres d’artistes majeurs du XXe et XXIe siècle. L’exposition est l’occasion de (re)découvrir ce matériau à travers un ensemble d’oeuvres originales ou inédites comme l’un des rares bronzes qu’Ubac ait réalisé. Couleurs, formes, toucher, classicisme et contemporanéité : Isabelle Maeght a choisi de montrer la fascinante diversité offerte par ce médium.

« Le bronze, matériau aussi mythique qu’exigeant techniquement, offre aux artistes des possibilités immenses en même temps qu’il leur permet de renouveler leur langage artistique. L’oeuvre sculpté de Miró a révolutionné ce champ artistique. Le « Pur-Sang » de Braque qui semble jaillir de fouilles archéologiques revendique un héritage classique en même temps qu’une intense modernité », précise Isabelle Maeght.

Joan Miró, Femme, 1968 

Bronze, 69,5 x 32 x 23,5 cm. 

© Galerie Maeght, Paris

Joan Miró, Tête de Tériade, 1975 

Bronze, 32 x 39 x 25 cm. 

© Galerie Maeght, Paris

Miró, sculpteur. L'exposition présente une dizaine d’oeuvres sculptées de Miró. D’une puissance exceptionnelle, ses bronzes témoignent de l’importance qu’il accorde au rendu des matières et aux textures. Recouverts d’une patine naturelle, ses bronzes gardent une certaine rugosité comme ils incitent à la caresse. Sans cesse à la recherche de nouvelles formes et supports, Miró transgresse avec le bronze les règles établies et traditionnelles de la sculpture. Il ira jusqu’à se l’approprier et en faire une peinture. Chacune de ses créations est le résultat d’un dialogue étroit et complice avec les maîtres-artisans. Attentif au travail des fondeurs, Miró surveille avec minutie l'élaboration de ses bronzes, guide la main des artisans ou crée lui-même sa patine. « Le travail que je réalise avec plusieurs fonderies me donne à chaque fois des nouvelles idées », avait-il déclaré.

Manolo Valdès, Dama de Barajas I, 2004 

Bronze, 22 x 12 x 7 cm. 

© Galerie Maeght, Paris 

Manolo Valdès, Dama de Barajas II, 2004 

Bronze, 18 x 10 x 8,5 cm. 

© Galerie Maeght, Paris 

Manolo Valdès, Dama de Barajas III, 2004 

Bronze, 20,5 x 10,5 x 6,5 cm. 

© Galerie Maeght, Paris 

« Les dames de Barajas » de Manolo Valdès. L’oeuvre de Valdès, que ce soit ses peintures, ses sculptures ou son oeuvre graphique, éveille le toucher. Plus particulièrement avec le bronze, Valdès part à la recherche de textures informelles. Il décide de ne pas polir les défauts de fonte. Il recherche la texture, l’éveil des sens. Conçues comme des icônes qui dialoguent à trois, « Les dames de Barajas » se parlent, se regardent, se répondent. Le bronze devient le support tant de la forme que de la voix. Les personnages, qu’il réalise en taille réelle ou surdimensionnée, sont figés, immobiles, et en même temps, profondément humains. Ils traduisent l’éternité de la matière. Leurs coiffures, volumineuses, étonnantes, renvoient à des expériences plastiques antérieures. La rêveuse, la coquette, la réaliste, les qualifiait l’écrivain Marco Vargas Llosa dans les poèmes accompagnant ce trio de têtes féminines « grands formats » installé dans le nouvel aéroport de Madrid réalisé par Lord Richard Rogers en 2004.

Marco Del Re, Assyrien moderne, 2009. 

Bronze, 110 x 70 x 63 cm. 

© Galerie Maeght, Paris.

« Assyrien moderne » de Marco Del Re offre avec le bronze une nouvelle lecture de son travail. Son oeuvre sculpté est un voyage où se réinventent et se côtoient la tradition classique et le contemporain. Ses bronzes patinés imitent la couleur de la pierre des temples romains et évoquent les héritages grec et étrusque en même temps qu’ils témoignent d’une grande liberté. Escargots de mer, animaux, bateaux de guerre s’y croisent comme autant clins d’oeil à un univers aussi poétique qu’onirique.

La sélection proposée par Isabelle Maeght rassemble plus de cinquante bronzes, de petits comme de grands formats, édités par Maeght Éditeur. Chaque pièce témoigne du soutien sans faille des Maeght aux artistes d’hier et d’aujourd’hui dans leur création.

« C’est aujourd’hui un enjeu pour les artistes contemporain de redécouvrir ce médium. Les pièces les plus récentes qui sont présentées aujourd’hui, avec François Lamore et Nicolas Alquin par exemple, en témoignent », déclare Isabelle Maeght.

Reconnu aujourd’hui comme le plus important éditeur de lithographies et de gravures originales au monde, Maeght Editeur travaille depuis longtemps avec la Fonderie Susse, véritable entreprise du patrimoine vivant au service de la sculpture depuis plus de 200 ans qui a collaboré avec les plus grands : de Matisse à Giacometti, en passant par Miró, Braque, Ubac. L’exposition est l’occasion de mettre en lumière les relations amicales qui ont existé entre eux.

« La Fonderie Susse a depuis toujours bénéficié de notre confiance, de notre passion pour l’art et le bronze. Chaque pièce exposée porte en elle toute cette histoire, ces rapports très étroits avec les artisans et leur savoir-faire », ajoute Isabelle Maeght.

GALERIE MAEGHT
42, rue du Bac
75007 PARIS
www.maeght.com

Obras Gráficas, Galerie Maeght, Paris - Oeuvres graphiques

Obras Gráficas (Oeuvres graphiques)

Galerie Maeght, Paris 

Jusqu'au 1er mars 2014 

Joan Miró, Pablo Palazuelo, Antoni Tàpies, Eduardo Chillida, Antonio Saura, Eduardo Arroyo, Joanet Gardy-Artigas, Manolo Valdès et Equipo Crónica, José Manuel Broto, Xavier Grau, Susana Solano : la Galerie Maeght célèbre son amitié avec de grands artistes espagnols, qu’elle a accompagnés et édités, en consacrant une exposition à leur oeuvre gravé. Des oeuvres d’une grande diversité et d’une étincelante puissance graphique dont plusieurs chefs-d’oeuvre de Joan Miró notamment.

Joan Miro 

Cap i cua, 1979 

Lithographie originale, 99,5 x 72,5 cm 

75 exemplaires signés et numérotés 

© Galerie Maeght Paris

Jaillissement artistique. 1947 : Joan Miró rejoint la Galerie Maeght nouvellement créée par Aimé Maeght. Cette rencontre historique, après celle de Pierre Bonnard ou Henri Matisse, marque durablement l’avenir et les choix artistiques de la Galerie Maeght. « Plusieurs générations d’artistes espagnols ont été accompagnées par notre famille depuis sept décennies. A leurs côtés, nous avons vécu les bouleversements politiques de l’Espagne et de la Catalogne, mais aussi une intense créativité artistique » précise Isabelle Maeght, nommée en 2011, Commandeur dans l’Ordre d’Isabelle la Catholique pour sa contribution à favoriser les échanges artistiques entre la France et l’Espagne. Une distinction qui souligne ses attaches particulièrement fortes, tant artistiques que personnelles, avec de nombreux artistes espagnols.

Puissance graphique. Joan Miró, Pablo Palazuelo, Antoni Tàpies, Eduardo Chillida, Antonio Saura, Eduardo Arroyo, Joanet Gardy-Artigas, Manolo Valdès, Equipo Crónica, José Manuel Broto, Xavier Grau… : si la Galerie Maeght a exposé ces grands artistes, elle a également été leur imprimeur et leur éditeur. Tous ont développé, dans ses ateliers, un travail gravé d’une grande énergie graphique. « Les artistes ont très souvent pratiqué gravure ou lithographie comme champ d’expérimentation avec une grande liberté dans nos ateliers » commente Isabelle Maeght. 

Depuis quelques années, nous constatons un regain d’intérêt pour les éditions originales signées, rencontres entre art et technique. La Galerie Maeght a un grand rôle à jouer car elle possède un fond d’oeuvres gravées important et varié. De très nombreux amateurs d’art souhaitent voir et revoir ces grands artistes et, à travers leurs oeuvres imprimées, connaître leur approche des techniques employées.

L’imprimerie ARTE, créée par Adrien Maeght en 1964 rue Daguerre, n’a depuis lors eu de cesse que de mettre à disposition des artistes toutes les techniques ou même de les adapter à leurs besoins, des plus anciennes - lithographie, phototypie, eau-forte - aux plus modernes ou innovantes dont Adrien Maeght sut souvent percevoir avant l’heure le potentiel considérable. Miró comme Tàpies réalisèrent grâce au procédé inédit du carborundum des oeuvres aujourd’hui considérées comme des chefs-d’oeuvre de l’édition d’art du XXème siècle.

Joan Miró (1893-1983). Miró écrivit au sujet des contraintes de la gravure, qui le passionna tant : « Il fallait y résister, les déborder, et alors un immense champ de possibilités s’offrait au regard et à la main.» Miró reçut en 1954 le grand prix de l’oeuvre graphique de la Biennale de Venise. Pour cette exposition, Isabelle Maeght a souhaité présenter plusieurs séries, telle l’étonnante Série Gossos, la puissante Série Commedia dell’arte, la respectueuse Série Hommage à Gaudi ou encore, en référence à Altamira, la Série Rupestres. 

Pablo Palazuelo 

Galerie Maeght Barcelone, 1984 

Lithographie originale sur Velin d’Arches, 84,5 x 59,5 cm 

150 exemplaires signés et numérotés 

© Galerie Maeght Paris 

Pablo Palazuelo (1916-2007) réalise sa première exposition personnelle à la Galerie Maeght en 1955, après avoir participé à l’exposition collective Tendances en 1952 qui présentait les jeunes artistes de l’époque tels Olivier Debré et Ellsworth Kelly, pour laquelle Palazuelo réalise la couverture du catalogue et l’affiche. 

Pablo Palazuelo étudie l’architecture à Oxford puis intègre l’Ecole des Arts et Métiers de Londres. Il développe ainsi un esprit d’analyse aiguisé qui lui permet de structurer singulièrement l’espace. Ses premières réalisations se fondent sur l’étude des éléments naturels : cristaux de neige, cellules vivantes… qu’il examine au microscope. D’esprit géométrique à ses débuts, son art évolue vers l’emploi de lignes plus sinueuses, tout en gardant ce tempérament austère qui le caractérise. Viendront les thèmes des pierres et des ondes qui s’accordent à sa gamme chromatique composée essentiellement d’ocres, de terres de Sienne et de rouges.

La Galerie Maeght présente la série de gravures originales Sigilla (1977) et la lithographie originale Inaugural (1974), des oeuvres fortes et sensibles, comme l’est tout l’oeuvre de Pablo Palazuelo. 

Antoni Tàpies 

Z, 1981 

50 x 65 cm, eau-forte originale et collage sur Vélin d’Arches signés et numérotés

© Galerie Maeght Paris

Antoni Tàpies (1923-2012) fait partie de ceux qui ont apporté au XXème siècle une vision nouvelle de la gravure. Son oeuvre gravé est intense et complexe, tant sur le plan symbolique que technique. Parfois il apporte des matériaux tels du crin, des cartes à jouer, du sable… et ainsi intervient sur chaque exemplaire.

Dans les ateliers de l’imprimerie ARTE, Antoni Tàpies se livre à un travail de recherche, considérant ce médium comme un champ d’expérimentation à part entière. Au travers des objets qui circulent entre sa peinture et sa gravure, l’artiste affirme que son oeuvre gravé est aussi important que son oeuvre peint. Les oeuvres Grande croix et collage (1977) et Z (1981) sont emblématiques des matériaux que Tàpies a superposés sur une gravure originale.

Eduardo Chillida (1924-2002), « sculpteur devenu forgeron » (Gaston Bachelard), est célèbre pour ses sculptures monumentales ou ses collages graphiques et poétiques. Son oeuvre graphique est tout de contrastes et d’équilibre, entre puissance et fragilité. Après sa première exposition personnelle à la Galerie Maeght, qui a lieu en 1956, il réalise dans l'atelier ARTE-Adrien Maeght de grandes gravures et eaux-fortes originales. Pour « Obras Gráficas », Isabelle Maeght a sélectionné notamment Hildokatu II (1982), eau-forte originale sur papier Japon.

Antonio Saura 

Gris, 1975 

47.5 x 58.5 cm. Lithographie originale sur Velin d’Arches 

75 exemplaires signés et numérotés 

© Galerie Maeght Paris

Antonio Saura (1930-1998), cofondateur du groupe El Paso dans les années cinquante après s’être éloigné du surréalisme, expose à la Galerie Maeght en 1975. Intellectuel très engagé, son écriture formelle si personnelle croise avec ses réflexions politiques et sa volonté de retravailler l’histoire et la mémoire espagnoles, se confrontant aux oeuvres de ses grands prédécesseurs comme aux icônes. C’est à son oeuvre sur papier, très riche, qu’est consacrée l’exposition de la Galerie Maeght en 1975. Pour « Obras Gráficas », Isabelle Maeght a notamment choisi d’exposer Gris (1975), Don (1984), Amasijo (1984) lithographies originales éditées par Maeght.

Susana Solano 

Entre tres, 1986 

94,5 x 76 cm, eau-forte originale sur Vélin d’Arches 

50 exemplaires signés et numérotés 

© Galerie Maeght Paris

Susana Solano. Née en 1946, cette artiste catalane intègre l’école des Beaux-Arts de Barcelone où elle étudie la peinture. Dans les années 1980, elle s’initie aux techniques de ferronnerie et consacre une grande partie de son oeuvre à la sculpture. Elle rencontre alors une reconnaissance internationale.

Lauréate de plusieurs prix, le travail de Susana Solano s’articule autour de la relation entre l’espace et la matière. Elle crée notamment des formes libérées, quasi-aériennes, ou à l’inverse cloisonnées par des armatures métalliques où grillages en fer, plomb, aluminium et acier inoxydable viennent structurer le vide.

Les oeuvres gravées de Susana Solano intègrent son processus de recherche : dessins analytiques, planches préparatoires… Elles sont un moyen pour l’artiste de laisser des traces évidendes de ses expérimantations plastiques. La Galerie Maeght présente Entre tres, créée en 1986.

José Manuel Broto et Xavier Grau, tous deux nés en 1949, incarnent dans les années 1970 une jeune génération d'abstraits ; leurs oeuvres sont exposées par la Galerie Maeght dès 1976. Les oeuvres gravés de José Manuel Broto et celles de Xavier Grau méritent une attention très particulière pour la complémentarité qu’ils ont su déployer, chacun à leur manière, avec leur peinture, très gestuelle, marquée par l’abstraction américaine. Leurs gravures sont quant à elles marquées par la luminosité.

Joanet Gardy-Artigas 

Thoracique jaune, 1977 

65 x 49.5 cm. Lithographie originale sur Velin d’Arches 

75 exemplaires signés et numérotés

© Galerie Maeght Paris

Joanet Gardy Artigas est le fils Josep Llorens Artigas, célèbre céramiste et grand ami de Miró. Il grandit en plein coeur de l’émulsion artistique parisienne d’après-guerre. Très vite, il suit les traces de son père et ouvre un atelier de céramique à Paris dans lequel il travaille avec Braque, Chagall et Miró. Avec ces artistes, il prend goût à la sculpture monumentale, à l’architecture et découvre les techniques de la lithographie et de l’eau-forte qu’il expérimente pour la première fois à l’imprimerie ARTE. Ces moyens d’expression deviendront complémentaires et essentiels à l’ensemble de son travail. Son oeuvre gravé se nourrit particulièrement de sa sculpture : son goût pour les couleurs, les jeux de lumière et les tracés voluptueux éclatent dans ses gravures. Explicites ou suggérées, ses créations sont des odes au corps féminin.

Eduardo Arroyo, cofondateur du mouvement de la Figuration narrative, réalise ses premières lithographies originales pour la Galerie Maeght dès 1977, année de sa première exposition Parmi les peintres. « Obras Gráficas » est l’occasion de redécouvrir Parmi les peintres (1977) ou Pont d’Arcole (1977). 

Equipo Crónica 

Las bolas, 1978 

47 x 61 cm. Lithographie originale sur Velin d’Arches 

© Galerie Maeght Paris

Equipo Crónica. De 1964 à 1981, le collectif espagnol formé par Rafael Solbes, Manolo Valdès et Juan Antonio Toledo crée une oeuvre à la fois jubilatoire et sarcastique. Marqué par le franquisme, leur art est avant tout un art de dénonciation et, demeure, à ce titre, très politisé. Pour illustrer les thèmes de la violence, de la dictature, de la censure, de l’injustice sociale, ils ont recours à toutes les données culturelles de l’histoire de l’art, de Velázquez à Picasso, de Mondrian à Lichtenstein. L’exposition présente la lithographie originale Las bolas illustrant la série des Billards, exposée pour la première fois à la Galerie Maeght en 1978. 

Manolo Valdes 

Affiche “Galerie Maeght Barcelone”: “Reina Mariana” avant, 1982 

79 x 54 cm, Sérigraphie originale sur Guarro 

© Galerie Maeght Paris

Manolo Valdès. La Galerie Maeght présente, dès 1982, la première exposition de Valdès en solo. Son oeuvre rencontre un grand succès international, confirmé par l’enthousiasme du public lors de l’exposition que lui a consacrée la Fondation Maeght en 2006. Peintre autant que sculpteur, Manolo Valdès s’est passionné pour la gravure. Il s’intéresse de près à la texture de la surface, il prend plaisir à expérimenter les différents types de papiers qu’il rehausse souvent avec des collages. Ses assemblages lui permettent de réinterpréter l’histoire de l’art, reprenant des éléments emblématiques des grands maîtres. A l’occasion de « Obras Gráficas », Isabelle Maeght propose de redécouvrir les lithographies d’Equipo Crónica comme les sérigraphies originales des premières années de Valdès « en solo ». Citons notamment Lluvia en el puerto (1982) ou Reina Mariana (1982), qui peut être interprétée tant comme un hommage à Velasquez et ses Ménines qu’à Kandinsky.

Galerie Maeght
42 rue du Bac, 75007 Paris
www.maeght.com

Exposition Joan Miro, Lausanne, Fondation de l'Hermitage : Miro Poésie et Lumière

MIRÓ, Poésie et lumière
Fondation de l'Hermitage, Lausanne
Jusqu'au 27 octobre 2013

La Fondation de l’Hermitage accueille jusqu'au 27 octobre 2013 un ensemble exceptionnel de 80 œuvres de JOAN MIRO (1893-1983), provenant de la Fondation Pilar i Joan Miró à Palma de Majorque, qui détient une grande partie du patrimoine de l’artiste. L’exposition se concentre sur les œuvres de la maturité, réalisées au cours des trente dernières années de sa vie dans l’atelier majorquin où le grand maître vécut de 1956 à sa mort, en 1983. 

L’exposition illustre l’ultime phase de production de la longue carrière du peintre, au moment où il concrétise son rêve : celui d’avoir à sa disposition un grand atelier et un laboratoire où travailler en paix et en silence, en contact direct avec la nature, source d’inspiration infinie. "Majorque est la poésie et la lumière", affrmait Joan Miró en 1957. Vaste espace propice à la création, l’atelier conçu par l’architecte catalan Josep Lluís Sert lui permit de réaliser plusieurs œuvres à la fois, dans un foisonnement constant d’idées nouvelles.

Dans les années 1960 à 1970, les motifs de femmes, oiseaux et empreintes de main, et les paysages, rythment une œuvre aux couleurs vives et puissantes. A partir de ces thèmes, Joan Miró simplifie les figures ; son iconographie devient plus abstraite. Divers modes d’exécution cohabitent alors dans sa production, des œuvres statiques comme Mosaïque (1966) aux coups de pinceau véhéments de Poésie (1966). Les grands paysages monochromes des années 1970 révèlent ensuite l’attrait de Joan Miró pour l’expressionnisme abstrait et la calligraphie extrême-orientale. Ces influences confèrent à ses tableaux un aspect dépouillé, caractérisé par des lignes noires jaillissant sur la toile immaculée. Son langage fait de taches, de signes, de jets de peinture, d’empreintes et d’éraflures, traduit particulièrement bien l’esprit protéiforme du génie catalan. Durant les dernières années de sa vie, il crée une série de motifs stylisés sur un fond bleu roi d’une rare intensité, comme Sans titre (1978). Simultanément, Joan Miró délaisse les pinceaux pour peindre avec les doigts sur des matériaux composites (carton, papier de verre, bois, …), reflet d’une inventivité sans faille.

Suivant un parcours chronologique et thématique, la sélection comporte une série de cinquante peintures à l’huile, dont de nombreux grands formats (comme Femme dans la rue, 1973), mais aussi des sculptures en terre cuite et en bronze (Femme, 1967), ainsi que des œuvres sur papier (gravures, encre de Chine). Plusieurs esquisses réalisées pour des projets d’art public, comme les décorations murales de la Harkness Commons à l’université de Harvard ou du Terrace Plaza Hotel de Cincinnati, sont également présentées.

Une reconstitution scénographique de l’atelier de Joan Miró à Palma de Majorque, ainsi qu’un ensemble d’objets originaux ayant appartenu à l’artiste offrent au visiteur l'occasion de découvrir l’univers captivant du maître catalan. Une importante section biographique, des archives photographiques, ainsi qu’un film documentaire sur l’artiste viennent compléter l’exposition.

Commissaire : María Luisa Lax, conservatrice de la Fondation Pilar i Joan Miró
Commissaire générale : Sylvie Wuhrmann, directrice de la Fondation de l’Hermitage

FONDATION DE L’HERMITAGE 
2, route du Signal
CH - 1000 LAUSANNE 8 Bellevaux
www.fondation-hermitage.ch

Exposition Joan Miro, Landerneau, Bretagne, Fonds Hélène & Edouard Leclerc

Joan Miro, L'Arlequin artificier

Centre d'art du Fonds Hélène et Edouard Leclerc pour la culture, Landerneau, Finistère

15 juin - 3 novembre 2013

Avant le 50e anniversaire que s’apprête à célébrer la Fondation Marguerite et Aimé Maeght en 2014, celle-ci s’associe au Fonds Hélène & Edouard Leclerc pour rendre hommage à JOAN MIRO à l’occasion du 120e anniversaire de sa naissance. L’artiste est né le 20 avril 1893 à Barcelone et mort il y a trente ans, le 25 décembre 1983 à Palma de Majorque.

Première exposition de l’artiste catalan dans le grand ouest de la France, l’exposition Miró au centre d’art du Fonds Hélène & Édouard Leclerc réunira environ 400 œuvres. Elle se construit essentiellement autour des ensembles exceptionnels d’œuvres en provenance de la Fondation Maeght à Saint-Paul de Vence dans les Alpes-Maritimes. Excepté la Fondation Miró à Barcelone, aucune autre institution ne peut offrir à partir d’un seul site, de façon aussi riche, documentée et réfléchie par l’artiste lui-même, une telle représentation de son œuvre à partir de 1930. C’est donc de cette date jusqu’à 1983, et à partir de la relation privilégiée qu’il a entretenue avec la famille Maeght, que s’organise cette exposition.

Elle présente des ensembles provenant de la Fondation Maeght : sculptures, peintures, gouaches, dessins, éditions, mais également des œuvres appartenant à la famille Maeght. Pour illustrer significativement l’ensemble de la période sur laquelle repose l’exposition et la diversité des techniques abordées par l’artiste, d’autres prêts complètent les différentes étapes de ce parcours : Musée National d’Art Moderne - Centre Georges Pompidou, Bibliothèque Nationale de France, collections particulières, descendants et proches de l’artiste.

Cette exposition porte sur la deuxième période de la carrière de Joan Miró, quand celui-ci, tout en restant fidèle à la peinture, aborde de nouvelles expressions artistiques et développe une œuvre exceptionnelle, inventive et singulière. 

L’exposition Joan Miró s’organise autour de cinq univers :

• Miró, explorateur

• Miró, artificier et danseur

• Miró, constructeur d’objets mentaux

• Miró, penseur, philosophe et poète

• Miró, navigateur aérien

L'œuvre de Joan Miro est ponctuée de rencontres fortes, primordiales. Elles donnent lieu à de multiples collaborations avec les poètes, les écrivains, les artistes qui marquent de leur empreinte l’histoire de l’art qui s’écrit avec eux. Ainsi Prévert, Eluard ou encore Calder.

Dans son œuvre, ainsi que le confirment ses entretiens, il cherche à travers les formes, les attitudes, les espaces, à exprimer un univers nous permettant de situer l’homme dans sa relation au monde grâce à un certain nombre de sujets mais aussi de positions vis-à-vis des idées comme de la matière.

Ce sont ces univers, facilement accessibles, qui sont proposés au public comme autant d’aventures et d’expériences à partager.

Invitation à découvrir également les grands dialogues de Joan Miró avec la littérature, l’architecture et les architectes, particulièrement son grand ami Josep Lluis Sert, architecte de la Fondation Maeght à Saint-Paul de Vence et de la Fondation Miró à Barcelone. Enfin les dialogues et les relations privilégiées de Miró et Maeght avec l’extraordinaire aventure de la construction de la Fondation Maeght et de son œuvre majeure in-situ, le Labyrinthe, où se tiennent seize œuvres monumentales de marbre, de ciment, de fer et de céramique conçues avec l’aide de Sert et des Artigas, père et fils. 

Commissariat général :

Pour le Fonds Hélène & Édouard Leclerc, Patrick Jourdan, directeur.

Commissariat artistique de l’exposition : Pour la Fondation Marguerite et Aimé Maeght, Olivier Kaeppelin, directeur, et Isabelle Maeght. 

Horaires : Ouvert tous les jours de 10h à 19h en juin / juillet / août et de 10h à 18h en septembre / octobre / novembre 2013

Joan Miró: The Ladder of Escape – A Retrospective of six decades of an extraordinary artistic career at Tate Modern, London

Joan Miró: The Ladder of Escape 

Tate Modern, London 14 April - 11 September 2011

Fundació Joan Miró, Barcelona, October 2011
National Gallery of Art, Washington, May 2012

Tate Modern will present the first major retrospective of JOAN MIRO (1893–1983) to be held in London for almost 50 years. Opening on 14 April 2011, Joan Miró: The Ladder of Escape will bring together over 150 paintings, works on paper and sculptures by one of the twentieth century’s greatest artists. The exhibition will draw on collections from around the world to represent the astonishing breadth of Miró’s output. It will also explore the wider context of his work, bringing to light the artist’s political engagement and examining the influence of his Catalan identity, the Spanish Civil War and the rise and fall of Franco’s regime.

Joan Miró was among the most iconic of modern artists, evolving a Surrealist language of symbols that evokes a sense of freedom and energy in its fantastic imagery and direct colour. Often regarded as a forefather of Abstract Expressionism, his work is celebrated for its serene, colourful allure. However, from his earliest paintings onwards, there is also a more anxious and engaged side to Joan Miró’s practice, reflecting the turbulent political times in which he lived. This exhibition will explore these responsive, passionate characteristics across six decades of his extraordinary career.

Joan Miró: The Ladder of Escape will examine the artist’s varying degrees of engagement over his lifetime. These are rooted in the complex identity politics associated with Catalonia, as revealed through Miró’s representation of its landscape and traditions. These depictions range across images of rural life, such as The Farm 1921-2 which Ernest Hemmingway bought from the artist in Paris, to the masterly sequence of the Head of a Catalan Peasant 1924-5. The tensions that erupted with the Spanish Civil War in 1935-9 elicited Miró’s explicit protests in Aidez l’Espagne and Le Faucheur 1937, as well as more private and troubled responses disguised in the renowned Constellation paintings of 1940, made in the Second World War.

Under Franco’s regime, Miró worked in a kind of internal exile in Spain while cultivating a reputation abroad as a hero of post-war abstraction. Joan Miró: The Ladder of Escape will showcase masterpieces from this era, including the sublime The Hope of a Condemned Man triptych 1973. The exhibition will also reveal how he captured the atmosphere of protest in the late 1960s. Whether blackening or setting fire to his works, such as May 1968 and Burnt Canvas II 1973, or creating euphoric explosions of paint in Fireworks 1974, Miró continued to reflect the political mood in his radical and pioneering practice.

JOAN MIRO (1893 - 1983) – Short biography

Joan Miró i Ferrà was born in Barcelona on 20 April 1893 and trained as an artist at the Galí Academy from 1912-15. From 1923, he spent part of each year in Paris and became a key figure in the Surrealist movement. With his young family he remained in France during the Spanish Civil War, but returned to Spain when the Germans invaded in 1940. Miró settled in Majorca and remained based there for much of the rest of his life, travelling for major commissions and exhibitions around the world. He died at home on 25 December 1983.

Joan Miró: The Ladder of Escape is co-organised by Tate Modern and the Fundació Joan Miró, Barcelona, where it will be seen in October 2011, before travelling to the National Gallery of Art, Washington in May 2012. The exhibition is conceived by Tate curators Matthew Gale, Marko Daniel and Kerryn Greenberg in collaboration with Teresa Montaner, curator at Fundació Joan Miró. Rosa Maria Malet, Director, Fundació Joan Miró, and Vicente Todolí, former Director, Tate Modern, are consultants.

http://www.tate.org.uk

Joan Miró, Galerie Sandrine Mons, Nice - Graphics

Joan Miró: Graphics

Galerie d’Art Moderne et Contemporain Sandrine Mons, Nice

10 décembre 2005 – 18 février 2006

La Galerie d’Art Moderne et Contemporain Sandrine Mons à Nice présente une sélection d’œuvres graphiques par l’artiste catalan, Joan Miró (1893-1983). 

L’œuvre de Joan Miró n’est pas seulement gigantesque, fruit d’une vie entière consacrée à la création artistique, elle perdure dans sa capacité à nous interroger, à nous fasciner. Elle fascine parce qu’elle cache plus qu’elle ne révèle, concilie l’infime et l’infini. Elle présente des couleurs et des formes dont les harmonies rythmiques et suggestives allient l’humour et la fraîcheur enfantine à l’intuition du surnaturel. 

Celui dont André Breton disait qu’il est le plus surréaliste de tous n’aura de cesse de chercher à « atteindre le maximum d’intensité avec le minimum de moyens » (Joan Miró). 

Grâce à l’épuration de sa rhétorique visuelle et l’alliance des mots, il créa un langage plastique singulier qui fera de lui une figure à part dans l’histoire de l’art du XXème siècle. En constant dialogue avec ses contemporains, il dit préférer l’écriture à la peinture et fait de sa collaboration avec des écrivains l’une de ses principales activités. 

Joan Miró est à l’origine d’une multitude d’œuvres sur tous supports dont la production et la distribution s’écartent des réseaux traditionnels liés aux Beaux-Arts. Il crée des livres, des affiches,  des estampes, des œuvres qui peuvent circuler et faire de son art un bien commun. Dans l’exposition présentée par la Galerie d’Art Moderne et Contemporain Sandrine Mons, ces pièces révèlent combien ces œuvres de distribution plus large ne forment pas seulement un écho de son œuvre picturale mais constituent le cœur même de la pensée artistique de celui qui dira qu’« un brin d’herbe est aussi gracieux qu’un arbre ou une montagne ».

Catherine Somzé, Amsterdam 2005

Galerie d’Art Moderne et Contemporain Sandrine Mons

8 rue Dalpozzo, 06000 Nice

www.galeriemons.fr

Exposition Joan Miró & Alexander Calder, Fondation Beyeler, Riehen / Bâle

Calder – Miró

Fondation Beyeler, Riehen / Bâle

2 mai – 5 septembre 2004 

Joan Miró et Alexander Calder font connaissance à la fin du mois de décembre 1928, dans les milieux de l'avant-garde parisienne. L'amitié durable qui se noue alors entre ces deux artistes ne prendra fin qu'en 1976, à la mort de Calder. Les groupes d'ouvres datant de 1920 à 1949 que nous avons choisi pour cette exposition présenteront plusieurs thématiques communes et révéleront la similitude des stratégies artistiques. Soixante peintures de Miró feront face à près de soixante-dix mobiles et stabiles d'Alexander Calder, illustrant divers aspects de leur création et permettant de percevoir un certain nombre de correspondances formelles. La multiplicité des points de vue sera organisée en dix cycles thématiques assez ouverts, qui articuleront notre présentation dans l'espace. La fluidité des transitions préservera cependant l'impression d'ensemble. On remarquera tout particulièrement un autre point commun aux deux artistes : l'appréhension de l'art comme espace total, qui leur permet de dépasser les limites traditionnelles des genres. Le Pavillon espagnol de l'Exposition universelle de Paris de 1937 fait figure de préalable à une nouvelle collaboration de grande ampleur, l'aménagement du Terrace Plaza Hotel de Cincinnati en 1947, réalisé à l'occasion du premier voyage de Miró en Amérique. Le monumental Cincinnati Mural Painting de ce dernier et le mobile de Calder Twenty Leaves and an Apple , prêtés ici pour la première fois, constituent le point culminant et la conclusion chronologique de cette exposition. La conception absolument novatrice de Calder, qui considérait ses sculptures dans leur contexte architectural, et les premiers exemples de peinture murale de Miró ont également servi de leitmotive à l'ensemble de ce projet.

Le chapitre Jouets et Cirque (Toys and Circus) ouvre la ronde, présentant des ouvres antérieures à leur amitié proprement dite, née au cours des années vingt. Revendiquant ainsi une totale autonomie, elles sont en mesure de révéler de manière impressionnante les éléments fondamentaux qui sont à l'origine de l'attirance entre ces deux artistes. La passion pour le cirque et le jeu, formes d'expression poétique pure, a inspiré de manière différente mais connexe les peintures oniriques de Miró et les sculptures en fil de fer de Calder qui ont vu le jour durant ces années. Le célèbre « Cirque de Calder » sera présenté dans l'exposition grâce au court-métrage du même nom de Carlos Vilardebó (1961 / 18 min.).

La section suivante, Sensation of the Universe - titre emprunté à Calder -, illustre les aspects formels de l'espace, de la ligne et de l'équilibre. Les objets-sculptures de Calder inspirés de la mécanique céleste, avec leurs sphères et leurs constellations en équilibre, sont placés en regard avec les fonds picturaux entièrement vidés de Miró. Ceux-ci peuvent donner lieu à une interprétation spatiale, ou passer pour une équivalence entre surface picturale et mur. Peinture (La Naissance du monde ), un tableau exemplaire, qui constitue sans doute l'ouvre majeure de cette exposition, peut faire figure d'anticipation de l'ensemble de la peinture murale de Miró.

Le titre de Performed Portraits désigne les portraits réalisés par Calder à l'aide de fil de fer, qu'il fabriquait dans les cafés avec une rapidité époustouflante sous les yeux fascinés du Tout-Paris. C'est ainsi que naquirent Kiki de Montparnasse et Miró . Le peintre espagnol donne l'impression de répondre à ces sculptures linéaires par des tableaux appliquant le même principe de la ligne sans fin. On en trouve d'excellents exemples dans Peinture de 1930 ou dans la série de Têtes de 1931.

Sous le titre général de Found Forms , des configurations biomorphiques, le jeu avec le hasard et le principe de libre association emprunté aux surréalistes constituent des aspects marquants de la juxtaposition entre les Peintures d'après collages de 1933 de Miró et les sculptures de Calder qui renoncent de plus en plus à la géométrie rigide, comme Tightrope ou Cône d'ébène . Nous exposerons quatre des plus beaux exemples de ces Peintures (une série de 18 toiles), qui communiquent fort bien l'effet spatial grandiose de ces ouvres. En ce sens, celles-ci anticipent directement la frise murale en trois parties, Murale I-III , que Miró a réalisée en 1933 pour la chambre d'enfants de son galeriste parisien, Pierre Loeb.

Il s'agit du premier cycle de peintures murales de l'ensemble de l'ouvre de Miró. Enfin localisé au terme de quarante années, il sera présenté ici au public pour la toute première fois. Par son titre Dans l'esprit des Jeux d'enfants , la section suivante de l'exposition rappelle l'esprit libre et ludique de Jeux d'enfants , un spectacle de ballet réalisé par Miró pour les Ballets russes de Monte-Carlo . Elle renvoie également aux premiers stabiles de grande envergure de Calder, Big Bird ou Devil Fish , dans lesquels le langage formel géométrique abstrait se fond de plus en plus avec des éléments proches de la nature.

Ayant quitté Paris en 1933, Calder achète une vieille ferme à Roxbury, aux États-Unis. Le vaste terrain dont il dispose explique les possibilités et l'échelle nouvelles de ses sculptures. Calder ne reverra Miró qu'en 1937 dans le cadre de l'Exposition Universelle de Paris. Ces retrouvailles se concrétisent par une collaboration inattendue destinée au Pavillon espagnol de la République antifranquiste, où l'on peut voir, aux côtés de Guernica , la peinture légendaire de Picasso, la géniale Fontaine de mercure de Calder et Le Paysan catalan en révolte une peinture murale bouleversante de Miró, aujourd'hui disparue. Une autre peinture murale destinée à la chambre d'enfants du marchand new yorkais de Miró, Pierre Matisse, et le premier stabile proprement monumental de Calder Black Beast , permettent de percevoir, dans le chapitre Bestiaire et Chambre d'enfants, la trace que la menace durable et l'effroi provoqués par la situation internationale ont laissée dans l'ouvre des deux artistes.

Avec des tableaux de petites dimensions réalisés sur une grossière toile de sac, l'ouvre de Miró esquisse, à la fin des années trente, une tendance croissante à la miniaturisation. Celle-ci conduira l'artiste, qui fuit la guerre et la dévastation, aux cosmogonies intériorisées des Constellations de 1940-1941, révélant une structuration en all-over de son expression poétique. Nous avons pu réunir à Bâle - un événement exceptionnel - dix de ces précieuses Constellations . La section intitulée Les Années de guerre : solitude et constellations éclaire cette phase de repli obligé et d'intériorisation artistique. La pénurie de matières premières, de métal et d'aluminium, ainsi que l'isolement des années de guerre incitent Calder à renouer avec un langage formel biomorphique. Des éléments taillés d'un geste fluide dans le bois, peints pour certains de couleurs vives et assemblés à l'aide de fil de fer en éléments spatiaux évoquant la scène d'un théâtre, caractérisent la nouvelle forme d'expression des Constellations de l'Américain.

Dans la section Cadres et fantasmagorie , Calder met en scène des situations à l'aide de panneaux de fond ou de cadres qui viennent s'interposer au premier plan, transformant ses éléments formels et ses mobiles en véritables acteurs. En parallèle, les toiles de Miró, aux coloris clairement articulés, semblent répondre à ce monde formel épuré de son ami Calder, dans lequel les silhouettes occupent une place majeure.

L'immédiat après-guerre voit la naissance de certains des mobiles les plus compacts de Calder. Entièrement noirs, ils font, dans leur fonctionnement, la part belle aux jeux d'ombre et de lumière ainsi qu'au mouvement. La multiplicité parfaitement pondérée des parties et leur vibration qui se communique à l'espace environnant, constituent sans doute, au-delà de toute spéculation sur une influence réciproque, la meilleure preuve de la profonde affinité artistique entre Calder et Miró. Espace et poésie associe des ouvres dans lesquelles les deux artistes exploitent pleinement ces nouvelles possibilités ainsi que l'harmonie spatiale dans son ensemble. De remarquables exemples des séries de grands formats de Miró datant de 1945 sur fond blanc, noir ou gris (complète pour cette dernière) trouvent un étonnant écho dans les compositions spatiales équilibrées de Calder. Le premier mobile destiné à un édifice public, qui anticipe les nombreuses commandes et les projets d'art architectural des années cinquante et soixante, sera présent dans cette exposition au même titre que le premier « Performing Mobile » conservé, Ogunquit ( Orange Fish ), créé en 1946 pour un projet théâtral de Padraic Colum. Nous avons le plaisir de le présenter à Bâle grâce à un prêt exceptionnel du musée d'art contemporain de Téhéran. Toutes ces ouvres conduisent au point culminant de l'exposition et au dernier projet commun d'Alexander Calder et de Joan Miró : le mobile et la peinture murale destinés au Terrace Plaza Hotel de Cincinnati. Ces deux ouvres illustrent remarquablement, dans le dernier cycle thématique intitulé Comme des Grandes Fresques : une nouvelle monumentalité, les aspirations de Miró à un art « public », qui l'entraînent progressivement vers le tableau mural, ainsi que la prise de conscience précoce de Calder qui savait avoir besoin du contexte architectural pour façonner l'espace environnant à l'aide de ses mobiles ou de ses stabiles.

Cette exposition a vu le jour à l'initiative de Eliabeth Hutton Turner, conservateur en chef de la Phillips Collection de Washington et a été réalisée en collaboration avec Oliver Wick, commissaire invité de la Fondation Beyeler. Les familles des artistes, dont l'amitié se prolonge à deux générations d'intervalle, ont soutenu ce projet avec enthousiasme. Alexander S. C. Rower, représentant de la famille et directeur de la Calder Foundation, n'a pas seulement soutenu les recherches nécessaires, mais nous a, avec une grande générosité, prêté des ouvres du fonds familial. De même, pour la Successió Miró, Joan Punyet Miró et Emilio Fernández Miró se sont engagés activement en faveur de notre projet.

Le catalogue de l'exposition est publié en allemand et en anglais chez Philip Wilson Publishers, à Londres. Il contient des contributions d’Elisabeth Hutton Turner et d’Oliver Wick, une chronologie établie par Susan Behrends Frank du point de vue de l’amitié entre les deux artistes, ainsi que la correspondance inédite à ce jour et illustrée des deux artistes. 312 pages avec 135 planches en couleurs et plus de 150 illustrations en noir et blanc et en couleur dans le texte.

FONDATION BEYELER

Baselstrasse 101, 4125 Riehen/Basel

www.beyeler.com