21/05/05

Christopher Harris Highlighed by PRC

Christopher Harris (Medina, WA) captures the aura of the Northwest in abstract color pinhole photographs. The images seem to glow from within as they depict the horizon, weather, or time of day.

Harris holds a PhD from Brown University in American Civilization and a MA from Boston University in Religion and the Arts.

He has been featured in many juried shows and is represented by Lisa Harris Gallery, Seattle, and ClampArt, New York City.

Christopher Harris is one of the 14 photographers highlighted at the 2005 Photographic Resource Center (Boston University) Members' Photographs Exhibition from May 20 to June 26, 2005. [click on the link for more information]

Other Photographers Highlighed

    • Jonathan Bailey
    • Mara Bro
    • Ales Hlousek
    • Peter Holzhauer
    • Stella Johnson
    • Patricia Kelliher
    • Kelly Kleinschrodt
    • Wally Mason
    • Sandra Matthews
    • Jamie Lyn Mitchell
    • Dona Schwartz
    • Paul Weiner
    • Stephanie Wratten

Jonathan Bailey Summer Ice Photos

Jonathan Bailey (Tenants Harbor, ME) photographed 14 icebergs off the coast of Newfoundland from chartered boats, rowboats, and even inflatable crafts in what he hopes will be an ongoing, long-term project titled Summer Ice.

Jonathan Bailey is one of the 14 photographers highlighted at the 2005 Photographic Resource Center (Boston University) Members' Photographs Exhibition from May 20 to June 26, 2005. [click on the link for more information]

Known for his masterful toning, Bailey is included in many museum collections, including Center for Creative Photography and the Museum of Fine Arts, Houston.

Other Photographers Highlighed

    • Mara Brod
    • Christopher Harris
    • Ales Hlousek
    • Peter Holzhauer
    • Stella Johnson
    • Patricia Kelliher
    • Kelly Kleinschrodt
    • Wally Mason
    • Sandra Matthews
    • Jamie Lyn Mitchell
    • Dona Schwartz
    • Paul Weiner
    • Stephanie Wratten

Alison Devine Nordström

A historian of photography, Alison Devine Nordström, Ph.D., is Curator of Photographs at Georges Eastman House International Museum of Photography and Film.
Prior to joining the Eastman House in January 2004, she served as Executive Director of the New Hampshire Humanities Council and the Senior Curator/Founding Director of the Southeast Museum of Photography. At SMP, she was noted for the contemporary biennial Fresh Work and the NEA-funded project Voyages (per)Formed, which commissioned new work from contemporary artists to interpret historical photographic collections.
Widely published, Nordström has received the Ansel Adams and NEH Fellowships at the University of Arizona and City University of New York, respectively, and the William Darrah Award for excellence in writing on historical photography. For the exhibition Picturing Paradise: Colonial Photography of Samoa, which she curated and which traveled to Europe and the Metropolitan Museum of Art, Nordström earned the UNESCO Decade Label for Cultural Significance. She has curated exhibitions throughout North America and in Germany, England, and Japan.
Related Post : 2005 PRC Members' Exhibition

2005 PRC Members' Photo Exhibition

Photographic Resource Center at Boston University
Photographic Talent Showcased in Annual Juried Show
May 20-June 26, 2005
Each year, the Photographic Resource Center at Boston University host a juried exhibition for its members. This year, 14 photographers were selected out of a record 271 submissions—the largest number of entries ever received in the exhibition’s ten-year history.
(c) Jonathan Bailey (Tenants Harbor, ME),
Iceberg #8, Twillingate, Newfoundland, 2004,
from the series “Summer Ice,” 2004,
Gold-toned gelatin silver print,
19 x 19 inches, Courtesy of the artist
PRC Members’ Show History
The PRC Members’ Exhibition is a great opportunity to view a slice of the best and brightest as well as see topics in which contemporary minds are engaged. Further, it is a testament to the depth of talent in the PRC membership. In total, over 230 photographers from New England and beyond have shown in the PRC Members’ Exhibitions—representing both established photographers and those cited as “ones to watch”. Guest jurors represent esteemed curators, photographers and photography professionals.
This year the PCR Members' Exhibition's juror is Alison Devine Nordström, Curator of Photographs at the George Eastman House International Museum of Photography and Film (Rochester, NY), one of the world's premiere photographic institutions. About Alison Devine Nordström [click the link for more information]
14 Photographers Highlighted

Jonathan Bailey

Mara Brod

Christopher Harris

Ales Hlousek

Peter Holzhauer

Stella Johnson

Patricia Kelliher

Kelly Kleinschrodt

Wally Mason

Sandra Matthews

Jamie Lyn Mitchell

Dona Schwartz

Paul Weiner

Stephanie Wratten

About the PRC
The Photographic Resource Center is a non-profit organization that exists to facilitate the study and dissemination of information related to photography. Operating from the campus of Boston University, it provides a highly acclaimed exhibition program, a bi-monthly newsletter, lectures, workshops, special events, and a 4,000-volume resource library to our members and the general public. It is supported by grants from the Massachusetts Cultural Council, the Boston Cultural Council, numerous private foundations, and the ongoing generosity of its members.
The PRC is located at 832 Commonwealth Avenue, Boston, MA, 02215. Public transportation: Green B Line, outbound, BU West stop. Hours are Tuesday through Friday from 10 to 6pm, Thursdays from 10 to 8pm, Saturday and Sunday 12-5pm. Admission is $3/general public, $2/students and seniors and free to all on Thursdays and on the last weekend of every month. The PRC is always free to members, Institutional Plus member schools, children under 18, BU students, faculty, and staff, as well as all school groups with appointments.
For more information visit PRC website at http://www.prcboston.org/

20/05/05

Tilda Lovell, Galleri Lars Bohman, Stockholm

Tilda Lovell
Galleri Lars Bohman, Stockholm
May 21 - June 19, 2005

Galleri Lars Bohman presents Tilda Lovell's first exhibition at the gallery.

Tilda Lovell works in a variety of media, including sculpture, installation, performance and video. In this exhibition she mixes the kinetic with the quietly contemplative. Characteristic for her work, regardless of chosen media, is the exploration of questions dealing with belonging and existence. The questions become more pertinent as her creatures are often made of small twisted branches, parts of skeletons and other found objects. One wonders where they come from and perhaps where they are going. The figures evolve into separate individuals that despite their strong characteristic features find a common lebensraum and a common stage to act upon in the artist's installations.

Sound and light are important components in Tilda Lovell's art. Her installations come to life not only through their mechanical parts, but mainly through the accompanying songs, many of which are written by the artist. The light heightens and deepens, and thereby strengthens the visual effect. With her figures and animations, Tilda Lovell creates space - both for physical existence and for reflection. But, above all, it is perhaps the sublime sensitivity that runs like a red thread through the exhibition that is the strongest trait in Tilda Lovell's art.

Born in 1971 in Mölndal, Tilda Lovell lives and works in Stockholm. She received her artistic education at the Royal College of Fine Arts in Stockholm 1998-2003. In 2003 she received the prestigious Maria Bonnier Dahlin Foundation award. She has exhibited her animations at several film festivals in both Sweden and abroad. Her latest animated film 'Who is Gunnar?' (on view in this exhibition) was shown at the London Gay & Lesbian Film Festival in April 2005.

GALLERI LARS BOHMAN
www.gallerilarsbohman.com

19/05/05

Leaf next-generation digital camera back

New Leaf Aptus digital camera back system. This next-generation digital camera back is being introduced in two models: the Leaf Aptus 22 and the Leaf Aptus 17, with resolutions of 22 million and 17 million pixels respectively.
The Leaf Aptus was designed to accommodate the needs of professional photographers. A user-friendly and intuitive 6 x 7 cm touch screen display enables photographers to shoot up to 1000 frames without interruption.
Images are shot at an unprecedented speed of up to 1.2 seconds per frame, and can be evaluated and edited on the spot. A unique user button is customizable and enables the photographer to quickly access vital image information and perform tasks without removing his or her hands from the camera.
“Following extensive research of our users’ needs and requests, we designed the innovative Leaf Aptus family with intuitive use, robust functions, and enhanced workflow all tailored for professional photographers,” said Ilan Carmi, Leaf product marketing manager. “Initial sales and orders have been extremely promising and reflect the market’s enthusiasm for the benefits the new Leaf Aptus delivers.”
The Leaf Aptus further offers a range of storage methods for any shooting situation: a standard CompactFlash card; the fast and portable 20 GB and 30 GB Leaf Digital Magazine (holds over 1000 lossless raw files); a high-volume portable FireWire disk; and the tethered option of shooting straight to a computer.
The Leaf Aptus is delivered with the enhanced Leaf Capture 10 software, which offers a range of image-editing tools to adjust, select, and process images quickly and efficiently. The software enables photographers to simultaneously edit multiple 16-bit raw HDR files, batch process, and create and modify color profiles. The digital loupe tool, unique to the Leaf Capture 10 software, enables users to zoom into any sized preview or thumbnail for focus and detail verification.

14/05/05

Mark Di Suvero, Knoedler & Company, NYC - Indoors

Mark Di Suvero: Indoors
Knoedler & Company, New York
May 12 - August 12, 2005

Mark di Suvero (b. 1933), one of today’s most respected and innovative sculptors, have his first exhibition at Knoedler & Company, Mark di Suvero: Indoors, consisting of nine sculptures dating from 2002 through 2005. The works range in size from sixteen inches to over eight feet in height, with moving components that, as John Yau writes in the catalogue essay, “invite the viewer to actively participate with the work, to make it turn, spin, and swing, and rock.” Di Suvero began his experimentation with kinetic compositions as early as 1962: progressing from the “spinning” or “balance” pieces, to the “variable” or “tumbling” works, and finally to the “puzzle” sculptures. The exhibition also includes a selection of recent works on paper.

Mark di Suvero: Indoors is accompanied by a fully-illustrated publication (in hard and soft cover), with a new poem and essay by John Yau. The poem, “Ghost Guest”, is dedicated to the artist and titled after one of the sculptures included in the exhibition. Yau’s essay considers the musicality and poetry in di Suvero’s sculpture, exploring its playfulness, exhilaration, and accessibility.

Concurrent with the Knoedler show, Storm King Art Center, in Mountainville, New York will celebrate its forty-fifth anniversary with the exhibition Richard Bellamy and Mark di Suvero, which will be on view from June 8 – November 13, 2005 and again from April 1 – November 15, 2006. In addition to the permanent installation of four monumental outdoor sculptures by Mark di Suvero, there will be a survey of indoor and outdoor works on loan for the exhibition. Importantly, there will be a special selection of fifty photographs of Mark di Suvero’s work taken by Richard Bellamy between 1975 and 1998. Richard Bellamy (1927-1998) was Mark di Suvero’s longtime dealer and close friend.

Knoedler & Company presents this exhibition in collaboration with Paula Cooper Gallery, New York.

KNOEDLER & COMPANY
19 East 70th Street, New York, NY 10021
www.knoedlergallery.com

10/05/05

OKI Data Corporation se repositionne sur le marché mondial de l 'impression et devient OKI Printing Solutions

OKI Data Corporation, filiale du groupe OKI Electric dédiée aux solutions d'impression, dévoile aujourd'hui sa nouvelle identité de marque mondiale, OKI Printing Solutions, et franchit ainsi une nouvelle étape vers la reconnaissance de son statut de challenger n°1 sur le marché mondial de l'impression, et plus particulièrement celui des solutions d'impression laser couleur.
Cette nouvelle appellation traduit la volonté de OKI Printing Solutions de donner à la marque un nouvel élan pour accéder à la notoriété qu'elle mérite et d'évoluer avec les besoins de ses clients. « Aujourd'hui, il ne suffit plus de proposer des imprimantes mono fonction ; les entreprises - de la TPE au grand compte - recherchent des solutions globales, flexibles, s'intégrant parfaitement au système informatique en place », explique Maurice Cassès, Président-Directeur Général pour la France. « Aujourd'hui, le challenge consiste à pouvoir proposer des solutions améliorant la productivité des utilisateurs, tout en réduisant les coûts, mais bien évidemment sans concession sur la qualité », ajoute-t-il.
Devenir OKI Printing Solutions c'est dire clairement que l'offre produits du constructeur japonais s'est complexifiée et permet désormais d'offrir à chaque entreprise LA solution qui répond à ses besoins. C'est aussi concevoir son activité comme orientée marché et utilisateurs, autrement dit s'engager à aider les entreprises à atteindre leurs objectifs, prendre en compte les besoins des utilisateurs, mettre au premier plan la valeur d'usage.
L'objectif du nouveau positionnement d'OKI Printing Solutions est également de se forger une identité cohérente dans les 120 pays où le constructeur est représenté. Il va permettre de traduire sa position réelle sur le marché, son savoir-faire et l'étendue de ses solutions d'impression, tout en lui conférant la souplesse et la capacité d'adaptation nécessaires pour rivaliser avec ses concurrents mondiaux.
« Nous nous dotons aujourd'hui d'une image et d'une identité toutes nouvelles, en ligne avec notre conception du marché de l'impression actuel et à venir », affirme Mikihiko Maeno, Président et directeur général de OKI Data Corporation. « Ces cinq dernières années, OKI Data Corporation est devenu l'un des principaux challengers sur le marché mondial des imprimantes, en commercialisant une succession de solutions d'impression reconnues, qui font désormais référence. Cette expertise nous permet aujourd'hui de pouvoir décider clairement et avec confiance dans quelle direction orienter notre activité
Soucieux de préserver son rôle de moteur en tant que marque challenger, OKI Printing Solutions élargit son portefeuille de solutions et annonce son entrée sur le marché des solutions multifonctions couleur, avec le lancement de systèmes multifonctions A4 et A3. Ces modèles, lancés aujourd'hui reposent sur la technologie des séries d'imprimantes C5000 et C9000, produits déjà reconnus sur le marché.
« En exploitant toutes les possibilités de notre réseau, nous avons la capacité de construire et de mettre en oeuvre une approche plus globale, et d'endosser un rôle de challenger sérieux sur un marché très concurrentiel, avec des acteurs disposant d'une excellente visibilité », explique Maurice Cassès, Président-Directeur Général pour la France. « C'est ce que nous allons nous attacher à démontrer au cours des mois à venir, pendant lesquelles nous allons toujours garder pour objectif de rendre l'impression couleur accessible à toutes les entreprises, sans jamais transiger sur la qualité, la rapidité ou le coût », conclut-il.
Oki Printing Solutions - Communiqué de presse - 10.05.2005

Multifonction couleur OKI C9800 MFP

OKI Printing Solutions lance un nouveau multifonction numérique couleur (A3/A4), baptisé C9800 MFP, destiné aux entreprises qui souhaitent optimiser la gestion et la qualité de leur communication
Positionné au centre de l'activité des entreprises, le C9800 MFP dispose de fonctions avancées d'impression, de numérisation et de copie couleur, ainsi que de télécopie en réseau à partir d'une seule unité intégrée. Grâce à la technologie d'impression monopasse développée par OKI Printing Solutions, le C9800 MFP offre une vitesse d'impression et de copie exceptionnelle de 36 pages par minute en couleur ou 40 en monochrome au format A4. Sa capacité multi-supports, sa simplicité d'utilisation et son coût d'utilisation réduit contribuent à rendre l'un des tout premiers multifonctions laser couleur du marché très attractif.
Avantage technologique
Tirant profit de l'expertise de OKI Printing Solutions dans l'introduction de solutions d'impression innovantes, le C9800 MFP bénéficie également de la nouvelle technologie multi-niveaux ProQ4800 qui permet une impression haut de gamme, grâce à des teintes et à un dégradé de nuances subtiles qui confèrent une véritable qualité photo à tous vos documents, impressions ou copies. La balance automatique des couleurs garantit en outre constance et fidélité des couleurs. Avec une résolution de 1 200 x 1 200 dpi réels, les entreprises peuvent ainsi produire elle-même très rapidement des documents d'une qualité professionnelle, ce qui est un véritable atout dans un environnement très concurrentiel.
Par ailleurs, un partenariat stratégique avec EFI, numéro un mondial de l'imagerie numérique et des solutions de gestion de l'impression, a permis de combiner les meilleures technologies pour élaborer un produit multifonction proposant ce qui se fait de mieux en termes de qualité d'impression et de gestion de documents. En intégrant la toute dernière technologie FieryTM d'EFI, le C9800 MFP permet aux utilisateurs de vérifier les tâches placées dans la file d'impression, d'équilibrer la charge de travail et de sauvegarder des modèles et des profils ICC de gestion des couleurs.
Le C9800 MFP se caractérise également par une manipulation aisée, quels que soient le format et le grammage du papier. Les utilisateurs finaux disposent d'un large choix de formats et de tailles d'impression : A6, cartes de visite, étiquettes pour CD, A3 (documents de grande dimension), et jusqu'aux bannières de 1,2 m, avec un grammage pouvant atteindre 268 g/m². Le module de finition proposé en option permet également de réaliser des livrets pliés, agrafés et perforés. Il est ainsi facile de créer, de A à Z, des documents dignes d'un professionnel.
Simplicité d'utilisation
Le C9800 MFP est spécialement conçu pour être toujours simple à utiliser. Son écran tactile en couleur, le plus large de sa catégorie, facilite l'accès à toutes les fonctions (impression, scan, copie et télécopie sur réseau). De surcroît, les utilisateurs n'ont à faire l'apprentissage que d'une seule machine, et non de plusieurs, d'où une économie de coûts et de temps.
Le C9800 MFP se distingue également par sa polyvalence : un document scanné par le C9800 MFP peut ensuite être diffusé par courrier électronique, par envoi FTP (protocole de transfert de fichier) ou par télécopie en réseau, afin d'être partagé ou archivé. De surcroît, la technologie monopasse d'OKI Printing Solutions se traduit par des fonctions inédites de scan recto-verso et de copie couleur, qui permettent de retrouver une information facilement et instantanément, tout en améliorant le traitement des documents.
« Le nouveau modèle C9800 MFP présente un excellent rapport qualité/prix pour les gros utilisateurs et les services administratifs généraux, qui en fait le meilleur de sa catégorie », explique Gérard Bouhanna, Directeur Commercial et Marketing de OKI Systèmes (France) S.A.. « Son large éventail de fonctions, sa simplicité d'utilisation et ses performances donnent aux entreprises la possibilité de gérer et de produire des documents de première qualité. »
Et Gérard Bouhanna de conclure : « Produit robuste destiné à un usage collectif, polyvalent et fiable, le C9800 MFP contribue à rationaliser l'utilisation de l'espace, ainsi que les coûts et dépenses liées à l'impression et à la copie, tout en optimisant la gestion et la qualité de la communication écrite
Élément-clé de la stratégie de OKI Printing Solutions, le C9800 MFP vient compléter une vaste gamme de solutions d'impression, qui mettent à la portée de tous les utilisateurs des systèmes multifonctions, couleur ou monochromes, rapides, professionnels et d'un prix abordable.
Oki Printing Solutions - Communiqué de presse - 10.05.2005

Prix TIPA pour le Nikon Coolpix 7900

NIKON - COMMUNIQUE DE PRESSE - 10.05.2005
Le Nikon COOLPIX 7900 "Meilleur compact numérique européen en 2005"
Le COOLPIX 7900 de Nikon a été élu “Meilleur appareil photo numérique compact 2005” par l’association TIPA. Avec ses 7,1 millions de pixels et son design séduisant, ce compact numérique propose des fonctions intelligentes comme :
  • L'impressionnante fonction D-Lighting : système inédit de Nikon, qui éclaircit les zonessous-exposées sans altérer les zones correctement exposées.
  • La fonction de correction logicielle de l’effet "yeux rouges", qui le détecte automatiquement puis le corrige au moment de la prise de vue.
  • L'incroyable fonction inédite de détection des visages (AF priorité visage). Comme son nom l’indique, cette fonction assure une mise au point très précise lors de la réalisation de portraits, en détectant automatiquement la présence de visages humains puis en effectuant la mise au point sur ceux-ci.
  • Et aussi 16 modes "Scène" pré-programmés
Disponible en version Silver ou Noire au prix public conseillé de 469,99 Euros TTC

Prix TIPA pour le Nikon AF-S VR 200 f/2

NIKON - COMMUNIQUE DE PRESSE - 10.05.2005

La TIPA vient de decerner le prix du Meilleur objectif professionnel européen en 2005 au Nikon AF-S VR 200 f/2

Objectif Nikon AF-S VR 200 f/2G IF-ED
  • Verre Super ED pour des aberrations chromatiques minimales
  • Deux modes de réduction des vibrations
  • SWM (Silent Wave Motor) : mise au point automatique silencieuse et ultra-rapide
  • Option M/A exclusive pour passer instantanément du mode AF au mode manuel
  • Verre eco-glass conforme au respect de l’environnement

Prix TIPA pour le Nikon F6

Le Nikon F6 a été consacré “Meilleur Reflex Argentique européen en 2005" par la TIPA.
Quelques caractéristiques du Nikon F6
  • 5,5 vps / 8 vps (avec poignée d'alimentation MB-40 optionnelle)
  • Système AF Multi-Cam2000 avec 11 collimateurs autofocus
  • Mesure matricielle couleur 3D
  • Contrôle du flash i-TTL
  • 41 fonctions personnalisées

La TIPA recompense Nikon

La presse photo européenne récompense 3 fois Nikon
Nikon, l'un des principaux fabricants de matériels photo - appareils et objectifs photo -argentiques et numériques, vient de remporter plusieurs prix décernés par l’association TIPA (Technical Image Press Association), réunissant les magazines photo européens. Le COOLPIX 7900 a ainsi reçu le prix du “Meilleur appareil compact numérique européen de l’année 2005”, l’AF-S VR NIKKOR 200mm f/2G IF-ED celui du “Meilleur objectif Professionnel européen en 2005” et l’appareil argentique NIKON F6 a été élu “Meilleur Reflex Argentique européen en 2005 ».
Nikon - Communiqué de presse - 10.05.2005

Lionel : Peintures Mémoires Méditatives - Galerie Marie Demange

Exposition d'art contemporain

Lionel, Mémoires

Galerie Marie Demange, Paris

10 mai - 10 juin 2005

 

La galerie Marie Demange présente un ensemble des oeuvres les plus récentes de Lionel, ses « Mémoires Méditatives ». Cet artiste à la renommée aujourd’hui incontestée nous invite à découvrir les traces, les empreintes et les rides de son passé sans jamais en dévoiler le secret dans des oeuvres où se jouent sans cesse la transparence, l’opacité et la déchirure.

« Peintre depuis toujours de mes visions, mon art aujourd’hui me guide vers d’autres mystères. Ceux de ma mémoire ». En se consacrant aujourd’hui à ses « Mémoires », que Lionel a choisi de peindre plutôt que d’écrire, l’artiste offre au regard des images plutôt que des mots, la sincérité des traits, des formes, des couleurs plutôt que l’ambiguïté du verbe. Des images abstraites, comme peuvent l’être les souvenirs, lorsque ne restent plus que les sensations, les émotions, les couleurs encore d’un passé enfoui dans les profondeurs de la mémoire, mais présents, toujours, et essentiels. Des images abstraites, car pour Lionel, peindre n’est pas reproduire le visible, mais « comprendre une réalité intérieure » dans la richesse d’une vie intime qui ne se suffit pas de l’apparence.

Ces « Mémoires » sont comme des affiches sur les murs des villes : lisses et brillantes en apparence, le temps les a marquées, lacérées, laissant apercevoir les aspérités, la brutalité de la pierre (de la vie ?) derrière elles. Voilées, dévoilées, les formes sur la toile se superposent, comme autant de souvenirs masqués, suggérés, montrés ou cachés, visibles ou enfouis. Ça et là, des traces, de ce qui reste, de ce qui a disparu. L’oeuvre de Lionel est d’une grande élégance. Il n’y a là rien à voir, seulement à ressentir, à saisir : une intimité qui ne s’expose pas mais s’entraperçoit sous les plis, dans les déchirures et les transparences du papier de soie. Au-delà d’un apparent formalisme, et d’une technique sûre, issue de sa dextérité de graveur, se cache la plus grande des sensibilités.

Pour Lionel, l’art est le médium par excellence. Il transmet la vie, la beauté de la vie, la beauté dans la vie. En ce sens, Lionel est à sa manière un artiste « engagé », dans sa volonté de chercher, de produire et de transmettre « quelque chose de beau », convaincu sans doute que l’art peut changer la vie des hommes. Si ses oeuvres sont miroirs, elles le sont pour Lionel tout autant que pour nous, réfléchissant en nous pensées ou émotions. En donnant une dimension universelle à son art, Lionel espère y trouver le moyen d’unir les hommes entre eux et au-delà d’eux.

L’art, « lieu intermédiaire » et réconciliateur entre l’esprit et la matière, est alors pour lui l’instrument d’une quête spirituelle toujours inachevée, et toujours tendue vers l’espérance.

BIOGRAPHIE de l'artiste LIONNEL

Né à Paris en 1949, Lionel peint depuis l’âge de 14 ans. Lors d’un voyage familial et culturel à Colmar, il découvre le fameux Retable d’Issenheim peint par Grünewald. De cette rencontre, naît sa vocation d’artiste. Suivra un long apprentissage, fait d’expériences picturales et de « périodes » diverses. Son oeuvre, riche d’environ 3000 peintures est exposée dans le monde entier, de Paris à New-York, d’Istambul à Brazzaville, de Vienne à Zürich, où eut lieu, en 1999, une des deux rétrospectives déjà organisées sur son oeuvre. Présentée dans les plus grandes foires d’art contemporain, l’oeuvre de Lionel sera exposée, en mai 2005, à la Spring Fair de Shangaï.

Parallèlement à son activité de peintre, il se consacre à la gravure au carborundum dont il a déjà signé plus de 300 éditions. Il vit et travaille aujourd’hui à Brion, en Anjou, dans son atelier du Domaine des Hayes. Son épouse, Isabelle Taunay, y dirige l’atelier de gravure au carborudum, attirant de nombreux artistes passionnés par cette technique de gravure.

Retour aux sources : depuis 2002, son grand projet est de réaliser dans les mêmes dimensions et sur les mêmes thèmes sa propre interprétation du Retable d’Issenheim.

Galerie Marie Demange

Exposition LIONEL, MEMOIRES

10 mai - 10 juin 2005

Galerie Marie Demange
12, rue Beautreillis
75004 Paris  

Précédente exposition : Monica Mariniello, Sculptures, 26 mars – 6 mai 2005

07/05/05

Mario M. Muller, DCKT Contemporary, New York - Heaven or Las Vegas

Mario M. Muller: 
Heaven or Las Vegas 
DCKT Contemporary, New York
May 7 - June 18, 2005

DCKT Contemporary presents MARIO M. MULLER’s second New York solo exhibition. The show consists of India ink drawings from "The Las Vegas Suite (2004-5)", ranging in scale from 48x68 inches to 26x40 inches. This exhibition marks the debut of Mario M. Muller’s Las Vegas Suite which was begun in 2004 and which the artist sees as an on-going series.

Drawn to the high and incredibly bright desert light of Las Vegas, Mario M. Muller offers a view of this tourist and gambling destination that transcends the fleeting glances a typical stroll down the strip might afford a casual viewer. Mario M. Muller’s visual paradigm has been to transform the instantly recognizable aspects of an urban existence and offer them anew, stripped of detail and feature. For this new body of work, the artist has departed from the human form and focused on the architectural details of a city where veneer replaces substance. Each work is a still life in high-contrast silhouette and shadow depicting building facades, marquees, artificial parking lot lights, and surveillance technology.

The largest scale drawing in the exhibition, LV #10, is of an ornamental cupola of iron filigree and rows of light bulbs as seen from a severe vertical angle, silhouetted against the stark desert sky. The immense amount of vertiginous detail acts abstractly when viewed from near and, as one recedes, snaps into focus.

The entire oeuvre creates a visual pendulum swing between the immediately identifiable landscape and an abstracted and narrow view of light and shadow patterns on three-dimensional objects. Throughout, Muller harnesses the high contrast and liquid nature of India ink to mimic the pooling and fluid aspects of sunlight. The strong horizontal proportions of these compositions are reminiscent of the panoramic vistas of the West.

Mario M. Muller’s work is included in the permanent collections of The Speed Art Museum, Louisville, KY; University of Louisville, KY; Northwestern University, Evanston, IL. Mario M. Muller was recently commissioned by the MTA Network Poster Program to interpret the New York City subway system and was named an Art in Transit commission finalist for the Kingsbridge Road Station in the Bronx.

DCKT CONTEMPORARY
552 West 24th Street, New York, NY
www.dcktcontemporary.com

01/05/05

The Photographs of Paul Strand, Getty Center, Los Angeles

Three Roads Taken: The Photographs of Paul Strand
Getty Center, Los Angeles
May 10 – September 4, 2005

“Three important roads opened for me… My work grew out of a response, first, to trying to understand the new developments in painting; second, a desire to express certain feelings I had about New York where I lived; third… I wanted to see if I could photograph people without their being aware of the camera.” — Paul Strand

One of the country’s most profound photographers, Paul Strand (1890–1976) developed a modernist aesthetic that revealed itself in over half a century’s work with the camera, shaping the development of American photography. The power and impact of his creations are explored in the new exhibition Three Roads Taken: The Photographs of Paul Strand, on view at the Getty Center.

The exhibition features approximately 75 of the 186 Strand prints in the Getty Museum’s collection. The works on view trace the development of Paul Strand’s aesthetic as he sought to express the principles of modern art through photography, convey a sense of place, and create truthful portraits of people. The exhibition presents these three approaches in a chronological survey of the photographer’s work, and includes a continuous screening of Paul Strand’s experimental and influential short film Manhatta, made in 1920 and considered the first avant-garde film in America. 

Three Roads Taken: The Photographs of Paul Strand is part of American Visions, a sequence of four exhibitions featuring works by some of the country’s preeminent practitioners drawn from the Getty Museum’s renowned photographs collection. Together, the exhibitions offer insight into 75 years of photographic innovation, exploring the medium’s versatility as a new creative language used to document reality and as a means for artistic expression. Three Roads Taken will be on view concurrently with The Photographs of Frederick Sommer: A Centennial Tribute, offering a rare opportunity to explore and contrast the almost parallel growth of two very different creative sensibilities. In September, American Visions will focus on photojournalism with Scene of the Crime: Photo by Weegee and Pictures for the Press, featuring sometimes sensational tabloid pictures by the great crime photographer Weegee and memorable news images recording key events in American history from the 1940s to the 1970s.

Paul Strand’s work reflects a particular moment in the history of photography, when a modernist vision was explored, defined, and celebrated. He saw the medium as an expressive fine art, taking inspiration, in particular, from Cézanne’s landscape paintings, which he admired for their ability to unite depth and space. Strand paid careful attention to the structure of his own compositions and the interaction of key elements in his images by exploiting line, shape, and mass. In his still lifes, Strand uses light and shadow to define near-abstract arrangements of shapes and forms. And although more documentary in nature, his portraits and cityscapes, particularly those of New York City, are as equally composed. With its nontraditional perspective and elongated format, one image titled City Hall Park, New York captures the vitality of the modern metropolis while evoking Japanese scrolls.

Paul Strand’s interest in expressing the truth was guided by his search for a sense of humanism in his subjects—something he referred to as the “essential character” of a person. Early in his career, he strove to achieve this by using a camera fitted with a false lens that would allow him to create portraits of people without them being aware of it.

The exhibition includes a continuous screening of Strand’s influential short film Manhatta, made in 1920 with fellow American photographer Charles Sheeler (1883–1965). The film attempts to capture the spirit of New York in seven minutes, tracing a day in the life of the city, beginning with the arrival of the Staten Island Ferry and ending with a sunset on the Hudson River. The sequences in Manhatta display a similar approach to the still photographic work of both Strand and Sheeler, with extreme camera angles used to capture the dynamic character of the city.

PAUL STRAND: BIOGRAPHY

Born in New York in 1890, Paul Strand received his first camera, a Kodak Brownie, when he was 12. He attended the Ethical Culture School in New York from 1907–1909, which shaped Strand’s outlook with its humanist emphasis on creative, critical, and pragmatic approaches to learning. It was here that Strand met and studied with Lewis Hine, whose powerful images of child labor helped guide Strand’s social ideals.

As a young man, Paul Strand was exposed to modern European art at the 1913 Armory Show and at Alfred Stieglitz’s “291” Gallery, where works of art by Cézanne, Matisse, Picasso, and Duchamp were on display for the first time in America. Paul Strand took inspiration from the modernist movement and, in turn, explored its ideas and themes in his photography.

After serving in the army during World War II, Paul Strand experimented with filmmaking, which he practiced in the 1920s through the 1930s. A founding member of Frontier Films, a New York documentary film cooperative, and a director of the Photo League, which was dedicated to social photography in the United States, Strand’s affiliation with both organizations reflected his growing involvement with leftist politics. Finding the political climate inhospitable with the rise of McCarthyism, Paul Strand left the U.S. in 1950 to permanently settle in France, where he worked until his death on March 31, 1976. Throughout his career, Strand applied elements of modernism, realism, and portraiture to all of his works, making for an interesting and diverse body of work that reflects the three roads taken.

RELATED PUBLICATION: In Focus: Paul Strand. Photographs from the J. Paul Getty Museum
Anne M. Lyden
Featuring significant examples of Paul Strand’s far-reaching and powerful work from a 40-year period, this newest addition to the In Focus series is a perfect accompaniment to the current exhibition Three Roads Taken: The Photographs of Paul Strand.

Three Roads Taken is sponsored by Merrill Lynch.

GETTY CENTER, LOS ANGELES
www.getty.edu