Picasso and Braque: The cubist experiment, 1919-1912. Kimbell Art Museum, Texas, and Santa Barbara Museum of Art

Picasso and Braque: The Cubist Experiment, 1910-1912
Kimbell Art Museum, Fort Worth
Through August 21, 2011 

Santa Barbara Museum of Art 
September 17, 2011 - January 8, 2012

PICASSO AND BRAQUE: THE CUBIST EXPERIMENT, 1910-1912  is the first exhibition to unite many of the paintings and nearly all of the prints created by Pablo Picasso and Georges Braque during these two exhilarating years of their artistic dialogue, is now on view at the Kimbell Art Museum . “This small-scale exhibition examines a brief moment with huge implications for the history of art,” commented Eric M. Lee, director of the Kimbell Art Museum. “This show is the first to focus exclusively on this landmark period of intense productivity and adventure for Picasso and Braque.” This international loan exhibition is organized by the SANTA BARBARA MUSEUM OF ART and the KIMBELL ART MUSEUM and has its debut in Fort Worth. 

During the years 1910 through 1912, these two great masters invented a new style that took the basics of traditional European art—modeling in light and shade to suggest roundedness, perspective lines to suggest space, indeed the very idea of making a recognizable description of the real world—and toyed with them irreverently. 

“These are beautiful, enigmatic, playful works of art. They’re like conversations in the artist’s studio or favorite café, not to be hurried,” remarked Malcolm Warner, deputy director at the Kimbell Art Museum. “We hope our visitors will take the time to savor them.” Following up on hints they found in the work of Paul Cézanne, and brimming with youthful bravado, Picasso and Braque created pictorial puzzles, comprehensible to a point but full of false leads and contradictions. Viewers pick up a few clues—a figure, a pipe, a moustache, a bottle, a glass, a musical instrument, a newspaper, a playing card—and these start to suggest a reality in three dimensions. The impression is that of a fast, modern world, with glimpses of models, friends, and the paraphernalia of drinking and smoking. But things never fully add up, either in detail or as a whole—and deliberately so. Teasingly elusive, the image is a construction of forms and signs that the artist has put together in a spirit of parody and play. The pleasure for the viewer is to let go of all normal expectations and enter into the game, which is an endlessly intriguing one. 

More than any avant-garde artists before them, Picasso and Braque called into question conventional ideas about art as the imitation of reality. They collaborated so closely and like-mindedly (“roped together like mountain climbers,” in Braque’s own phrase) that their works of this period are sometimes difficult to tell apart. Their radical experiment in picture-making, which came to be known as Analytic Cubism, has been as far-reaching in its implications for art as the theories of Einstein for science.

This choice, intimately scaled exhibition, featuring 16 paintings and 20 etchings and drypoints, was conceived and organized by Eik Kahng, chief curator at the Santa Barbara Museum of Art, in partnership with the Kimbell and Mr. Warner. The Kimbell is a natural collaborator on the project since the Museum’s collection includes an outstanding example of the work of each artist from the Analytic Cubist period, Picasso’s Man with a Pipe and Braque’s Girl with a Cross, both painted in 1911. 

In the exhibition these appear among paintings from a number of other distinguished collections, including the Metropolitan Museum of Art and the Museum of Modern Art in New York, the Museum of Fine Arts in Boston, the Philadelphia Museum of Art, the Cleveland Museum of Art, the Dallas Museum of Art, the Menil Collection and the Museum of Fine Arts in Houston, the Tate in London, the Museo Thyssen-Bornemisza in Madrid, and the Robert B. and Mercedes H. Eichholz Collection. The etchings and drypoints are selected from several sources, most notably the extraordinary holdings of Cubist prints in the Melamed Family Collection.

Not surprisingly in light of its importance in the history of art, Cubism has been the subject of numerous museum exhibitions. Some of them have been dauntingly large, especially given the amount of time each of these highly complicated works demands of the viewer. The guiding principle of the present exhibition is that less can be more. It offers the kind of small, carefully calibrated selection that invites the viewer to spend time exploring each work in detail. 

The inclusion of a good number of etchings and drypoints ensures that printmaking emerges with a proper sense of its importance to Picasso and Braque at this moment in their careers. Other themes suggested by the exhibition and discussed in the accompanying catalogue include the role of format, especially the use of oval-shaped canvases. What part does this play in the Cubists’ pictorial game? How do the visual push and pull of the oval format differ from those of the rectangle or square? How did the artists intend their oval compositions to be framed? 

This last question is especially relevant to the Kimbell’s Picasso, an oval canvas that has been lined and framed as a rectangle. In an essay in the catalogue, Kimbell conservators Claire Barry and Bart Devolder present the discovery that this painting appears in an early photograph of the artist’s studio—as a work in progress, much different from its final form, but clearly on an oval stretcher. This, along with results of their research into the materials and techniques of the Cubists, will also be presented in a special section of the exhibition. 

For the past year, the Santa Barbara Museum of Art has been working with California-based MegaVision to capture spectral images of select works in the exhibition. The quality of spectral imaging surpasses that of normal professional photography. Thanks to recent advances in the technology of LEDs (light-emitting diodes), RGB (red, green, and blue) filters have been removed from behind the lens and replaced with LED-produced RGB light, which is aimed directly onto the object that is being photographed. Beyond the visible spectrum, spectral imaging allows options for ultraviolet and infrared, which can reveal features invisible to the human eye. The elimination of the filters in the optical path allows for a higher-quality image, greater accuracy of color, and, especially important in the art world, a huge reduction of harmful light.

The spectral imaging created by MegaVision will be incorporated into interactive software that will allow visitors and online users to manipulate and study works with a level of detail and precision never before possible for museum audiences.  Produced in partnership with the Santa Barbara Museum of Art and the Kimbell Art Museum, this cutting-edge visual technology introduces new ways to look at and understand the processes, relationships, and stylistic developments of this important movement. Hand-held, touch-screen computers will provide mobility and interactive media content to exhibition visitors.  For the first time in a museum setting, every visitor will have the opportunity to sit in front of an actual painting by Picasso or Braque and independently zoom in on the smallest brush strokes and specks of color. This is just an example of the many explorations that this program will make available to visitors.

EXHIBITION CATALOGUE

The exhibition catalogue includes essays by some of today’s most talented scholars in the field: Eik Kahng, Charles Palermo, Harry Cooper, Annie Bourneuf, Christine Poggi, Claire Barry, and Bart Devolder. It is distributed by Yale University Press, New Haven and London, and is available in the Museum Shop in hardcover ($30).

Picasso and Braque: The Cubist Experiment, 1910–1912 is on view at the Kimbell Art Museum since May 29 through August 21, 2011, and at the Santa Barbara Museum of Art from September 17, 2011, through January 8, 2012. It is supported by an indemnity from the Federal Council on the Arts and the Humanities. 

Kimbell Art Museum

3333 Camp Bowie Boulevard, Fort Worth, TX 76107

Kimbellmuseum.org

iCubist: iPad application to delve more deeply into Cubism

Visitors to the upcoming Kimbell Art Museum exhibition Picasso and Braque: The Cubist Experiment, 1910-1912 will be able to use a specially created iPad application to delve more deeply into Cubism.

"Advances in digital imaging and the convenience of an iPad provide new ways to look at and understand the processes, relationships, and stylistic developments of the revolutionary art form now known as Analytic Cubism," commented Eric M. Lee, director of the Kimbell Art Museum. "I'm thrilled that the Kimbell is able to provide this unique opportunity to Museum visitors."

The Santa Barbara Museum of Art and the Kimbell have been working with MegaVision, a digital-imaging company based in California, to capture spectral images of select pieces in the exhibition. The quality of spectral imaging surpasses that of normal professional photography, and it allows options for ultraviolet and infrared, which can reveal features invisible to the human eye.

Affectionately titled iCubist, the app was designed specifically for the Picasso and Braque exhibition. It will showcase the spectral images along with three other original activities and will be made available exclusively to exhibition visitors, free of charge, on 40 preloaded iPads.

The iCubist activities allow users to:

View and study works with a level of detail and precision never before possible for museum audiences. Users will have the ability to manipulate a succession of digitized spectral images that show the artworks at different light frequencies (ultraviolet and infrared), revealing the most minute details. Such fascinating views of the paintings uncover important decisions made by the artists in developing their compositions.

Deconstruct a Cubist composition and attempt to put it back together. By rebuilding these composite reproductions, visitors learn first-hand about the intellectual and creative processes employed by Picasso and Braque in their paintings. The physical act of moving visual elements emphasizes compositional choices made by the artists to create, for example, a sense of balance or movement. It also highlights recognizable elements and describes their significance.

Compare digital reproductions of paintings by the featured artists, Picasso and Braque, by clicking on markers that pop up to explain key aspects of their individual styles. This interactive activity will help visitors exercise connoisseurship to distinguish between the artists' hands, despite their close similarity during the Cubist years.

Explore the history of Cubism by means of an illustrated timeline that includes vintage photography of the artists and their friends and reproductions of key works of art.

The iCubist app was designed and produced by REZA ALI for the Santa Barbara Museum of Art and the Kimbell Art Museum. 

Kimbell Art Museum, Fort Worth, Texas 

www.kimbellart.org

Wereldmuseum Rotterdam is 125 years old. 125 masterpieces exhibition mark the anniversary

125 Masterpieces 
Wereldmuseum, Rotterdam 
23 June - 13 November 2011

The Wereldmuseum in Rotterdam is 125 years old. It has survived a wave of criticism, completed a total renovation in a single year, recovered its original grandeur, published eight catalogues within one year, mounted four major exhibitions, and cooperated in international projects with Venice, Beijing, Taichung and Taipei. 

Courtesy WERELDMUSEUM ROTTERDAM (Persbericht)

125 Masterpieces mark the anniversary

To mark the anniversary, collectors and connoisseurs of non-western art have selected the 125 most beautiful works of art from the museum's collection for the exhibition 125 Masterpieces. Beauty is the exhibition's keyword. In the hushed atmosphere of soberly furnished rooms, where each masterpiece is displayed aesthetically and on its own, all attention is drawn to the breathtaking refinement and the powerful expression and vitality of works from Tibet, China, Japan, Oceania, America, Africa and Indonesia. In the context of religion and spirituality, these works are comparable to those of Da Vinci, Raphael and Michelangelo in western art. In terms of expression, they can be compared to Picasso, Max Ernst and Roberto Matta. Only when the best products of a culture are shown, is a claim of cultural authenticity justified.

Exhibition Catalogue

The Wereldmuseum is also presenting the masterpieces in a five-part catalogue: I. Restored to former glory; II. Tibet-China, Japan; III. Indonesia & Islamic art; IV. Oceania; and V. Africa & America. Each part contains text and photos that illustrate the texture and beauty of the objects. The part called 'Restored to former glory' recounts the history and development of the Wereldmuseum, which began as the Royal Yacht Club of Prince Hendrik and has evolved into a progressive, contemporary museum with a rich, historical art collection. The five-part catalogue was created in collaboration with external art historians, collectors and connoisseurs.

WERELDMUSEUM, ROTTERDAM
www.wereldmuseum.nl

La Brasserie, Espace d'Art, Foncquevillers - Expo inaugurale de ce nouveau lieu d'exposition d'art contemporain dans le Nord-Pas-de-Calais

Art Contemporain - Photographie contemporaine - Nouveau lieu d'exposition : La Brasserie, nouvel Espace d'Art Contemporain à Foncquevillers - Nord Pas-de-Calais  


Exposition inaugurale : Passés (re)composé  
Marie AMAR, Nicolas BLUCHE, Nicolas KOWALSKI, Photographies
Commissaire d'exposition : Roger Szmulewick 
Jusqu'au 29 août 2011

Nouveau lieu dédié à l'art contemporain dans le Nord de la France, à Foncquevillers, Pas-de-Calais. L'initiative en revient à la journaliste Véronique DAMAGNEZ. L'exposition inaugurale, Passés (re)composés, présente des photographies contemporaines de trois artistes : Marie AMAR, Nicolas BLUCHE et Nicolas KOWALSKI. Les photographies exposées portent sur le lieu même de l'exposition, une ancienne fabrique de bière à l'architecture en brique et acier, typique du Nord-Pas-de-Calais. Le nouvel espace d'art contemporain offre 140 m2 d'exposition dans l'ancienne brasserie au sud d'Arras. 

L'exposition inaugurale dont le vernissage a lieu aujourd'hui est à voir jusqu'au 29 aoüt 2011. Véronique Damagnez à confié à Roger SZMULEWICK, directeur de la Galerie Fifty One Art Photography, à Anvers, le commissariat de cette exposition. Chaque photographe offre un regard original sur ce lieu en reconversion, passant de l'entrepôt, un peu oublié, marqué par le passé, à un espace ouvert à des artistes d'aujourd'hui, un lieu recomposé tourné vers l'avenir, celui de l'art contemporain en mouvement, dans sa diversité, son dynamisme. 

Journaliste, experte passionnée en art contemporain, Véronique DAMAGNEZ en connait bien les acteurs, réseaux, galeries, salons et institutions, tant en France qu'au niveau international. Elle a choisit d'investir un lieu en milieu rural, agréable, auquel elle est attachée de par sa famille même si elle est plus habituée à travailler à Paris. C'est un choix intéressant, d'autant plus qu'elle souhaite bien que l'espace d'exposition soit ouvert aux habitants et puisse, par exemple, être un lieu de découverte artistique sous formes d'activités pédagogiques, sous la conduite des enseignants, pour les élèves des environs. Le projet, peut être amené à se développer pour accueillir plus tard une résidence d'artistes. Quoi qu'il en soit, Véronique Damagnez est une femme dynamique qui ne manque pas de projets et compte bien mettre en valeur cet espace d'art de Foncquevillers. Un espace auquel Véronique Damagnez a choisit, et c'est tant mieux, de conserver le cadre original du bâtiment qui a été aménagé comme il se doit mais non dénaturé. Le site internet de La Brasserie est en développement et tiendra bien sûr informé de l'actualité du lieu. 

LES PHOTOGRAPHES

MARIE AMAR, 2011

Photo © Marie Amar, Sans titre, 2011 - Courtesy de l'artiste et de la Galerie La Brasserie

MARIE AMAR (né en 1962) s’intéresse à la déclinaison du temps, de l’espace et de la matière. La photographe plasticienne s’approprie l’espace de La Brasserie. Il est question de déplacement, de transcription, de codage et de poésie, de dérivation et de mue du territoire. Ces œuvres prennent ainsi en compte à la fois l'architecture et l'expérience d'une traversée. Ces images rencontrent l'esprit du regardeur et il en résulte quelque chose d’exclusif pour chacun où se combinent jeux de matières, textures, reflets, illusions et détournements. L’artiste explore la matérialité et fait surgir des figures subtiles et éphémères par les formes qui les entourent. Du chaos émerge la construction d’un paysage emprunt de raffinement. Les photographies de Marie Amar initie une réflexion sur le temps et les déformations subies par la mémoire. Le visiteur est porté par la vision de l’écoulement du temps.

NICOLAS BLUCHE, 2011

Photo © Nicolas Bluche, Clocher, 2011 - Courtesy de l'artiste et de la Galerie La Brasserie

NICOLAS BLUCHE (né en 1965) reconstruit des images éparses issues du réel, que notre mémoire visuelle a collectées. Ces images sont ensuite recomposées afin de renoncer aux originaux dont elles sont issues, et ainsi nous placer face à une représentation illusoire, créée de toute pièce. Les photographies de Nicolas Bluche offrent des regards ambigüs, questionnant la perception. L'artiste nous amène à douter par le questionnement constant de notre habilité à observer et à comprendre. Il saisit les espaces, les plans fuyants, reconstitue les strates observées, et les recompose en leur offrant un autre volume. Il bouscule les perspectives et nous incite à rentrer dans l’image en profondeur, comme dans un rêve instantané. Les traces du passé se fixent dans le présent, et nous offrent un parcours de voyage en multiples dimensions. Les œuvres s’interprètent librement au fil du regard de chacun.

NICOLAS KOWALSI, 2011

Photo © Nicolas Kowalski, Sans titre, 2011 - Courtesy de l'artiste et de la Galerie La Brasserie

NICOLAS KOWALSKI (né en 1967) s'intéresse ici à la mémoire visible ou invisible des lieux et des personnes. L’artiste attire notamment l'attention sur des objets dont nous considérons rarement les qualités esthétiques. Ses photographies d’objets hétéroclites font référence à des souvenirs que chacun s’approprie. Il s’agit en réalité d'objets abandonnés sur place. L’image a fait franchir à ces objets pour le moins banals la frontière de l’art. Ils deviennent vivants par le simple fait d’avoir été extraits du lieu surchargé auquel ils appartiennent. Aucune mise en scène n’a été nécessaire. Simplement détachés de leur contexte, ils changent de statut, sinon de nature, et apparaissent comme des installations artistiques. Entre documentaire et imaginaire, les photos de Nicolas Kowalski placent réalité et fiction dans une sorte d’incertitude. Le regard posé devient point de départ d’un cheminement historique vers une vérité revisitée.

L'exposition a lieu dans le cadre des Transphotographiques 2011

LA BRASSERIE / Véronique Damagnez

5 rue Basse - 62111 Foncquevillers - Pas-de-Calais 

www.artbrasserie.com

Siri Derkert at Moderna Museet, Stockholm

Siri Derkert
Moderna Museet, Stockholm
28 May – 4 September, 2011

Siri Derkert is one of Sweden’s most prominent artists. Her oeuvre spans from early cubism to monumental works for public spaces. In this generous retrospective, Moderna Museet presents the entire compass of Siri Derkert’s art and gives insights into her personal life and political commitment to feminism, environmentalism and peace, issues that are as relevant today as they were then, for her generation.

Siri Derkert (1888–1973) was a major presence in 20th century Sweden, and several decades have passed since her artistic production was shown on a larger scale. The first major retrospective of a living artist at Moderna Museet took place in 1960 and featured Siri Derkert, who was 72 at the time. She was also nominated to represent Sweden in 1962 at the newly inaugurated Nordic Pavilion at la Biennale di Venezia. Now, half a century later, Moderna Museet presents a generous retrospective that includes her early works, her cubist paintings, fashion drawings from the 1910s, profound child portraits and life studies, drawings and later works in concrete, strip iron and clay. Siri Derkert’s early cubist paintings belong to international modernism, while her later work for the Östermalmstorg underground station (1965) in Stockholm marked a radical change in the notion of public embellishment.

“Her background in the Parisian avant-garde of the 1910s, her continuous artistic work spanning two world wars, and her impact on political and artistic modernity in Sweden in the 1960s, make her a unique 20th century figure. She has also become something of a legend or icon. Siri Derkert was a popular and regular guest in the early days of TV, and occurred frequently in the press and on radio. She was a major public policy maker and a strong voice in political debates,” says Annika Öhrner, curator of the exhibition.

Siri Derkert’s fierce commitment to the causes of feminism, peace and environmentalism is reflected in many of her works and in what she said and wrote, making her one of Sweden’s most well-known and popular artists. This exhibition also documents the personal side of Siri Derkert, with photographs, films and recordings from radio broadcasts and interviews.

A comprehensive and richly illustrated catalogue will be published in conjunction with the exhibition, with recent essays by art historians on Siri Derkert’s cubist art, her political notes and her art for public spaces. Moreover, the Swedish National Library’s research project on Siri Derkert’s archives will be publishing an anthology, Att alltid göra och tänka det olika. Siri Derkert i 1900-talet (To Always Do and Think the Different. Siri Derkert in the 20th Century) in June. The Library will also present a display and online exhibition featuring documents from the archive.

MODERNA MUSEET, STOCKHOLM
www.modernamuseet.se

Robert Bourdeau, Stephen Bulger Gallery, Toronto - The Station Point

Robert Bourdeau: The Station Point 

Stephen Bulger Gallery, Toronto

Through June 11, 2011

Exhibition of work by artist ROBERT BOURDEAU  is on view in Toronto at Stephen Bulger Gallery. THE STATION POINT presents a survey of Robert Bourdeau's work in conjunction with the release of a major monograph co-published by the Stephen Bulger Gallery Press and the Magenta Foundation. This exhibition also marks the first time in his career that Robert Bourdeau has shown enlargements of his large format negatives.

Robert Bourdeau (b. Kingston, On, 1931) spent several years photographing before being drawn into a deeper understanding of the medium by his discovery of Aperture Magazine. This led to a crucial encounter with Minor White in 1958, and a spiritual, decade-long friendship. The tie with the school that emerged from Camera Work was further enhanced by Robert Bourdeau's friendship with Paul Strand in the late 1960s and 1970s.

Taken over the past four decades throughout Europe and North America, these large format photographs are of age old landscapes, historical treasures of architecture nestled in the countryside and inactive industrial sites reclaimed by nature. Robert Bourdeau is deeply interested in how certain structures lose their identity and take on other feelings and ambiguities, and at other times become guardians or sentinels of physical and emotional space.  He is also fascinated by the dark mysticism of mediaeval architecture and by brooding landscapes; the exactness of his photography disclosing the hidden geometry of nature.

Working with a large-format view camera, Robert Bourdeau favours long exposures. Most of his photographs are contact printed, either from an 11 x 14 inch or an 8 x 10 inch negative, a method that allows for a minimal loss of definition in reproduction. Robert Bourdeau has exhibited internationally since 1967.  His work is in the collections of the Centre Georges Pompidou, Paris; the Smithsonian Institution, Washington, DC; the Museum of Contemporary Art, Chicago, Illinois;  University of Chicago, Chicago, Illinois; The Renaissance Society, Chicago, Illinois;  Museum of Fine Arts, Houston, Texas;  Museum of Fine Arts, Boston, Massachusetts; George Eastman House, Rochester, New York; National Gallery of Canada, Ottawa, Ontario; Canadian Centre for Architecture, Montreal, Quebec; Vancouver Art Gallery, Vancouver, B.C. and the Art Gallery of Ontario, Toronto, Ontario.

STEPHEN BULGER GALLERY, TORONTO

www.bulgergallery.com

Imprimante très grand format Fujifilm Uvistar II

La presse Fujifilm Uvistar II a été présentée aujourd'hui par Fujifilm au cours de la première journée du salon FESPA Digital 2011 qui se tient à Hambourg jusqu'au 27 mai. Ce nouvel équipement est destiné à l’impression très grand format pour les marchés de la PLV et de la publicité extérieure.

Photo de la presse UVISTAR II - Courtesy (c) Fujifilm Corporation

L'imprimante de production très grand format FUJIFILM UVISTAR II lancée aujourd'hui est la seconde génération de presses Uvistar qui rencontré une importante demande depuis son lancement en 2010.

Les imprimantes Uvistar produisent des impressions de haute qualité à des vitesses dépassant 350 m2/h (selon les données Fujifilm), sur des supports pouvant atteindre 5 mètres de laize. La première génération était dédiée aux applications extérieures avec des encres aux couleurs éclatantes sur des supports adéquates, dont le polyéthylène. En raison d’une demande croissante, la deuxième génération a été conçue pour adresser également des applications d’intérieur, où les images sont vues de plus près et où les supports rigides sont plus répandus.

Un système exclusif avec deux tailles de gouttes (PDS, parallel drop size) constitue l’une des principales nouveautés de cette deuxième génération. Cette technologie permet de renforcer la qualité tout en préservant la vitesse et la couverture d’encre, les utilisateurs pouvant imprimer simultanément des gouttes de 40 pl (la taille actuelle) et des gouttelettes plus petites de 20 pl. Les premières assurent la couvrance de l’encre, tandis que les secondes garantissent la précision des détails, le tout sans réduire la vitesse d’impression.

Parmi les autres améliorations, on peut citer le chauffage de la tête d’impression afin d’obtenir une densité d’encre plus uniforme et la possibilité d’imprimer en recto verso sur des supports souples et rigides grâce à des modifications d’ordre mécanique et à l’ajout de moteurs linéaires, sans pour autant nuire à la cadence de production.

La plate-forme Uvistar II est bien sûr compatible avec les encres Uvijet QK de Fujifilm. 

www.fujifilmgraphic.fr  

Agfa :M-Press Leopard concentrates on quality ink-jet and speed

The new Agfa Graphics :M-Press Leopard incorporates the same ink-jet shuttle technology as the :M-Press Tiger, enabling users to output high quality and speed at sizes of up to 1.6 x 2,6 m. The Agfa Graphics' UPH 2 (Universal Print Head) greyscale variable droplet technology guarantees precision dot placement for the reproduction of the finest graduations and vivid solid colours. Instant curing ensures jobs are ready for finishing as soon as they have been printed.

Agfa Graphics :M-Press Leopard utilises a simplified feed system, with manual loading based on the ergonomic concept and proven technology of Thieme's 55 vacuum zoned universal print table. This ensures accurate and fast positioning of the substrate onto the bed, with precise registration pins on both the left and the right side of the bed to make single and double-sided printing easy. Heavy substrates up to 20 kg/m2 can be pushed towards registration pins in the back side of the table. The variable vacuum zones hold the thinnest and most flexible papers or materials completely flat so that they can easily be printed alongside rigid substrates.

The :M-Press Leopard is designed for print service providers who look for quality and speed and who require fast change-over between jobs. The prints are suited for all interior and exterior applications where colour gamut and accurate durability are essential. The machine can work with a broad range of materials in thicknesses of up to 5 cm, and output onto multiple sheets in the same job.

Agfa Graphics' :M-Press Leopard will be launched officially this week at Fespa Digital 2011. The new production printer joins the company's expanding portfolio of wide-format solutions which ranges from the entry-level and mid-range UV-curable :Anapurna series, through the :Jeti family of industrial units to the high-end :M-Press Tiger.

Agfa Graphics is at Fespa Digital 2011 (May 24 - 27, 2011) in the city of Hamburg, Germany.

www.agfa.com

Photos de Elie Semoun dans le film L'élève Ducobu de Philippe de Chauveron

Photos : Elie Semoun est Mr Latouche dans L'élève Ducobu, un film de Philippe de Chauveron, d'après la BD de Gobi et Zidrou 

Sortie le 22 juin 2011 

L'affiche du film L'élève Ducobu de Philippe de Chauveron 

Courtesy © Les films du 24, TF1 Films Production, UGC

Voilà un rôle qui rôle qui colle parfaitement au son style d'humour d'Elie Semoun. Un rôle dans lequel il n'a pas du avoir beaucoup de mal à entrer. Ces professeurs ont certainement été parmi les premières "victimes" de ses dons d'observation, d'analyse des situations et d'imitation à sa sauce de ses contemporains. Le sérieux de Mr Latouche, l'enseignant qu'il incarne si bien, est un des principaux ressort du comique de son interprétation. 

Les acteurs : Elie Semoun, Vincent Claude, Joséphine de Meaux, Bruno Podalydès, Helena Noguerra et Juliette Chappey.

Scenario : Philippe de Chauveron et Marc de Chauveron 

Production : Les films du 24 en coproduction avec TF1 Films Production.

L'élève Ducobu - Synopsis :

L'élève Ducobu s'est encore fait renvoyer d'une école. Cette fois, pour éviter de finir en pension, il n'a plus qu'une seule chance : réussir à Saint-Potache. Pour s'en sortir, ce cancre attachant va devoir se surpasser et mettre au point les tricheries les plus ingénieuses et les plus spectaculaires jamais imaginées. La partie est loin d'être gagnée car Mr Latouche (Elie Semoun), son redoutable professeur, est un adversaire coriace et Léonie, la première de la classe sur qui il tente de copier, ne va pas rester longtemps sous son charme... 

Les photos d'Elie Semoun dans le film

Courtesy © Les films du 24, TF1 Films Production, UGC

Courtesy © Les films du 24, TF1 Films Production, UGC

Courtesy © Les films du 24, TF1 Films Production, UGC

Courtesy © Les films du 24, TF1 Films Production, UGC

Courtesy © Les films du 24, TF1 Films Production, UGC

Courtesy © Les films du 24, TF1 Films Production, UGC

Courtesy © Les films du 24, TF1 Films Production, UGC

Courtesy © Les films du 24, TF1 Films Production, UGC

Un des mérites de l'interprétation d'Elie Semoun est qu'il parvient à nous faire ressentir ce qu'il y a de touchant chez Mr Latouche. Cela rend son personnage plus crédible, moins caricaturale en un sens, et renforce finalement sa dimension comique. 

Elie Semoun souligne ce choix d'interprétation lorsqu'il note : 

" Je ne voulais pas représenter un Latouche aussi caricatural que dans les BD, où il hurle tout le temps. Je lui ai inventé une vie à lui, celle d’un mec de quarante ans qui vit encore chez sa maman, vraisemblablement très peu expérimenté avec les femmes. Pourquoi est-il ainsi ? Pourquoi toute sa vie est-elle basée sur l’école ? Que représente Ducobu pour lui ? Cet enfant est-il seulement un grain de sable dans sa petite machinerie bien huilée  ? Le déteste-t-il ou l’aime-t-il  ? Pourquoi est-il amoureux de Mlle Rateau ? Je me suis posé mille questions. Jamais je n’avais creusé un personnage à ce point. Pour mieux le cerner, je me suis même amusé à écrire sa journée type en précisant tout ce qui fait son quotidien. En fait, il est complètement psychorigide ! Il cherche le contrôle absolu mais il a du mal, d’où ses petits pétages de plombs réguliers… "

Dans les salles le 22 juin 2011 

Ecotone, Exposition au Centre d'Art Contemporain de Carjac, Maison des arts Georges Pompidou

Exposition : Ecotone 

Emmanuelle Castellan, Erik Göngrich, Sylvia Henrich, Stéphane Pichard 

Centre d'Art Contemporain, Carjac

Jusqu'au 5 juin 2011

© STEPHANE PICHARD, Random afternoon, 2010. Courtesy de l’artiste

ECOTONE

Cajarc - Berlin, aller et retour

Un projet entre le Kunstverein Tiergarten / Galerie Nord à Berlin et la Maison des arts Georges Pompidou, à Cajarc dans le cadre du projet de coopération artistique franco-allemand Thermostat dont Ecotone clos le calendrier d'expositions.

Commissaires d'exposition : 

Martine Michard, Cajarc 

Claudia Beelitz et Ralf F. Hartmann, Berlin 

Texte de présentation de la commissaire MARTINE MICHARD, Carjac 

Le texte n'a pas été modifié afin de lui conserver toute sa saveur. Wanafoto précise juste, pour une meilleur compréhension des non connaisseurs des lieux, que la Maison des arts Georges Pompidou (MAGP), comprend le Centre d'art contemporain situé à Carjac même (à une trentaine de kms de Cahors) mais aussi les Maisons Daura, résidences d'artistes, dans le village de Saint-Cirq-Lapopie situé à 20 kms de Carjac (et dont Martine Michard est la directrice). Toutes les infos sont disponibles sur le site web  de la MAGP.

Le projet ECOTONE propose une réfexion sur l’environnement culturel, social et politique de la Maison des arts Georges Pompidou à Cajarc et du Kunstverein Tiergarten à Berlin. Emprunté à la biogéographie, le terme Ecotone (gr. oikos : maison ; tónos : tension) renvoie à une zone dans laquelle deux écosystèmes se superposent et entrent en déséquilibre. Dans cette zone aux règles abrogées et aux antagonismes mouvementés émergent des phénomènes inouïs, transgressifs et inédits.

ECOTONE est l’un des 12 projets qui prend place dans le cadre de la coopération franco-allemande THERMOSTAT et sonde les possibilités de collaboration entre des centres d’art français et des Kunstvereine allemands. Des résidences croisées ont permis à quatre artistes de mener une réfexion intensive dans le contexte d’Ecotone. Chacun d’eux est allé dépister les différences, les connexions ou les confrontations. Ouvrant des perspectives extrêmement hétérogènes, les travaux exposés successivement à Berlin et Cajarc instaurent un dialogue ouvert entre les deux lieux. 

1621 km dont 1469 km sur autoroutes - 15h02 dont 12h43 sur autoroutes. Le projet élaboré entre nos deux centres d’art trouve matière à réfexion dans cette distance. Les artistes d’ECOTONE ont éprouvé et expérimenté les écarts et les similitudes qui, de Moabit aux Maisons Daura, interrogent les états d’une nature dont on peut douter de l’intégrité, comme les projets d’une ville qui convoite la moindre vacuité. 

Dans sa peinture, EMMANUELLE CASTELLAN met le réel à distance, il y a donc peu de référence évidente aux paysages fréquentés, mais sa peinture est cependant toujours une expérience du lieu. L’artiste raconte sa relation aux images, leur oubli, leur insistance, leurs signifances dans des compositions minimales et denses à la fois. Si la photographie sert de base à son travail, Emmanuelle C. ne fait apparaître que des éléments épars, objets, personnages et gestes, en partie avalés par la surface. L’aventure picturale se prolonge de la résidence à l’atelier puis à la galerie d’exposition pour proposer une circulation, des déplacements, des scénarios différents qui permettent de voir autrement la peinture.

D’ ERIK GONGRICH, la légende dira qu’il a glissé sur une fgue en posant le pied à Saint-Cirq-Lapopie et qu’ainsi est né son projet de résidence dans le Lot. De fait, son arrivée à l’automne a coïncidé avec la profusion des récoltes fruitières. Il a glané baies et châtaignes dans les chemins alentour et s’est peaufné une aura de cuisinier - très appréciée de ses co-résidents. Un parfum de confitures a bientôt enveloppé les Maisons Daura. Dans la lignée des traditions culinaires du Quercy, Erik G. aurait pu se contenter de compléter le manuel de recettes d’artistes pour faire œuvre. Il a heureusement poussé plus loin la recherche. Une visite aux archives départementales, puis dans une coopérative en activité, ont engagé son propos vers une enquête anthropologique, puis architecturale. La découverte d’une photographie d’un bâtiment moderne, érigé en 1933 et ayant abrité une coopérative fruitière prospère, a engendré la série de projets de musées dessinés. Le sérieux de la recherche - la ruine d’une économie et le défi touristique - rivalise avec le burlesque d’une situation où la culture serait l’héroïne salvatrice, avec ses 16 musées, dont le probable MNC, Musées des Noix et des Châtaignes. A contre-courant des évidences, Erik G. voit dans la situation contrastée entre les deux contextes, autant de similarités que de différences. 

SYLVIA HENRICH connaît l’attrait pour les sites touristiques, dont elle s’attache le plus souvent à faire valoir l’identité pervertie. C’est au final une réfexion moins spectaculaire sur la perception qui a retenu son intérêt. Elle a collecté des brindilles de vigne vierge qui pousse à profusion et dont les tonalités d’automne enfamment la minéralité austère du village. Sylvia H. a invité des personnes à réaliser deux teintes pour représenter la couleur des feuilles et celle de la tige. Le même motif végétal posé sur ces fonds peints produit un ensemble de déclinaisons colorées qui questionnent dans le même temps la peinture et la photographie. D’une question simple naît toute la complexité d’une vision et la radicalité d’une exploration conceptuelle et sensible du paysage.

STEPHANE PICHARD évoque explicitement les deux territoires où il a résidé à quelques années d’intervalle. La question du point de vue s’est imposée en un contraste révélateur : en contre-plongée sans horizon à Saint-Cirq-Lapopie ; au ras du sol et ouverte sur le ciel à Berlin. Question de géographie et de rythme : le mode de captation lent et régulièrement égrené, chaque jour à la campagne, a connu à Berlin la fulgurance d’une demi-journée. Stéphane P. a ce regard mobile d’un observateur attentif aux détails qui traversent l’écran du réel et lui offrent de sculpter des moments singuliers où le document se tient au bord de basculer dans la fiction. 

Regardés par ces quatre artistes, les deux sites peuvent être considérés comme des enclaves dans le réel. Il résulte de leurs visions, une polyphonie atonale dont l’exposition s’efforce de traduire les lignes de force, les plans lumineux et la résistance à des protocoles normés, trop souvent synonyme d’absence d’échanges et d’humanité. 

Martine Michard 

Février 2011 

MAISON DES ARTS GEORGES POMPIDOU 

CENTRE D’ART CONTEMPORAIN  / CAJARC 

46160 Cajarc

www.magp.fr

Stéphane Thidet, Je n'existe pas - Expo CAB Grenoble - Centre d'Art Bastille

Exposition : Stéphane Thidet 

Je n’existe pas 

CAB - Centre d'Art Bastille, Grenoble 

1er juillet - 11 septembre 2011 

" STEPHANE THIDET dérègle les conventions, les règles auxquelles s’arrime d’habitude notre perception et l’engage dans un cheminement discontinu qui l’affecte peu à peu. Ses œuvres proposent ainsi une mutation du réel bien qu’à chaque fois l’essentiel des caractéristiques qui l’organise soit respecté et que leurs apparences ne nous éloignent que peu du vraisemblable. Il organise de cette manière une perméabilité entre la réalité et l’imaginaire. En défaisant nos certitudes par l’envoi du visible hors du réel, il matérialise la possibilité de nous replier sur notre imaginaire et de n’être pas atteints par ce réel. En effet, si l’échelle et donc l’espace, la présence et donc le temps, l’apparence et donc l’exercice permanent des forces sur les choses sont, par leur interaction, les conditions qui donnent à notre perception l’impression rassurante de l’existence du monde, donc, le passage de la réalité à la fiction se constitue dans la désolidarisation de ces coordonnées. Il suffit alors qu’un de ces trois éléments soit déplacé pour que la stabilité des apparences se défasse. Dans le travail de Stéphane Thidet, cette opération a un nom précis : le contretemps. Le contretemps est cette syncope produite dans le fil d’une journée quand un incident en modifie le déroulement et introduit l’inattendu ou l’anachronique. Stéphane Thidet opère donc dans ses œuvres une condensation du temps qui permet à l’œuvre de devenir une concrétion temporelle où l’effet d’un passé qui peut être lointain et la situation présente ne sont pas attirés vers la nostalgie de l’autrefois mais empesés par la conjonction des temporalités. " - Centre d'Art Bastille, Grenoble.

STEPHANE THIDET est né 1974 à Paris. Il vit à Paris et travaille à Aubervilliers. Diplômé de l’Ecole nationale supérieure des beaux-arts de Paris en 2002 et de l’Ecole supérieure des beaux-arts de Rouen en 1996. Il est représenté par la galerie Aline Vidal à Paris.

Vernissage le samedi 1er juillet à partir de 12h 

CAB - Centre d’Art Bastille - Grenoble 

Site sommital de la Bastille

Fort de la Bastille - Grenoble

www.cab-grenoble.net 

Galerie Aline Vidal, Paris 

www.alinevidal.com

Etienne Boulanger, Infra-muros - CAB Grenoble - Centre d'Art Bastille

Exposition : Etienne Boulanger 

Infra - muros 

CAB - Centre d'Art Bastille, Grenoble 

Jusqu'au 19 juin 2011 

ETIENNE BOULANGER, INFRA-MUROS, CAB GRENOBLE

ETIENNE BOULANGER (1976-2008) a développé un travail artistique basé sur la réappropriation de zones transitoires en opérant des interventions parasites et furtives dans l’environnement urbain, et des installations éphémères dans des galeries ou des institutions. Artiste nomade, il arpente les villes emblématiques de la métropolisation, telles Berlin, Pékin, Shanghai, Tokyo ou New York. Il y repère interstices, friches, et espaces résiduels pour les investir par une habile stratégie de camouflage. Ses œuvres, réalisées in situ, ne se situent pas dans une logique de reproduction ou de production d’objet : par des interventions temporaires et des occupations clandestines de ces lieux, il tend à poser un regard critique sur notre environnement, en s’adressant par un activisme discret aux autres usagers de ces espaces.

Les oeuvres d’Etienne Boulanger disent l’acuité de son regard sur les circonvolutions de notre société, elles sont un signal bienveillant adressé à la trivialité de nos vies. L’ambition de ses oeuvres, de ses interventions, repose sur une méthode éprouvée : quadriller, observer, élaborer, intervenir, et parfois habiter. A cette méthode s’ajoutent l’exigence, l’adaptation, l’investissement.

Etienne Boulanger se bat ainsi contre la standardisation de nos existences, il lutte contre la rationalisation, la marchandisation, contre le pouvoir diffus, contre l’autorité. Il défend avec ferveur la différence, l’alternative, la révolte, la clandestinité, la liberté. A bien y regarder, Etienne Boulanger c’est l’infini potentiel de subversion.

L’exposition du CAB revient sur le parcours de cet artiste surprenant à travers la présentation d’un ensemble d’œuvres emblématiques de sa recherche artistique. 

ETIENNE BOULANGER est né à Longeville-lès-Metz, France, en 1976 et décédé à New York, USA, en 2008.  Il a fait ses études à l’Ecole Nationale d’Art de Nancy, où il a été diplômé en 2000 (DNSEP).

Cette exposition est réalisée grâce au soutien de la Ville de Grenoble, de la Régie du Téléphérique,  de la Drac Rhône-Alpes, de la Région Rhône-Alpes, du Conseil général de l’Isère et de fonds privés grâce aux mécénats d’entreprises et de particuliers. Le Centre d’Art Bastille est membre de DCA - Association pour le développement des centres d’Art. Le CAB remercie l’Association Etienne Boulanger pour sa contribution à la réalisation de cette exposition.

CAB - Centre d’Art Bastille - Site sommital de la Bastille

Fort de la Bastille - Grenoble

www.cab-grenoble.net 

Site web de l'Association Etienne Boulanger 

www.etienneboulanger.com

Ancienne Photo : Portrait, Argentine, 1911

Anciennes photographies : Portrait, Argentine, circa 1911 

Vintage photograph from Argentina, c. 1911

La photographie montée sur carton dont les photos ci-dessous présentent les détails 

Comme j'ai déjà eu l'occasion de le faire sur ce blog, je vous présente ici une ancienne photographie de ma collection. Il s'agit du portrait d'un homme dont le nom est inscrit en manuscrit au dos de la photo mais que je ne parviens pas à "déchiffrée". Cet homme l'a envoyé à un ami en 1911 (manuscrit au verso - la photo peut être antérieure). Cette photo n'a pas vraiment de valeur en soi mais c'est une belle photo réalisée en studio par un photographe P. Ferrari (ou Jerrari ?), de Vera, ville située dans la province de Santa Fe, en Argentine. Etant donné que pas mal de photos anciennes sont aujourd'hui mises en ligne sur internet, j'ai tenté de trouver des infos sur le photographe ou d'autres photos prises par lui. Mais je n'ai rien trouvé (j'ai bien sûr regardé sur les sites argentins). Il faut dire que le nom ne facilite pas les recherches ;) La photographie est montée sur carton avec un ornement en relief couleur argenté.

Détail du portrait

Signature du photographe

Adresse du photographe

Blason de Vera (à vérifier)

Ornement en relief. Treifle à quatre feuilles ?

Détail du col de la chemise avec le noeud que porte l'homme

Je sais qu'il s'agit d'un noeud courant mais je n'en connais pas le nom : merci de laisser l'info en commentaire pour compléter :)

(c) 2011 Wanafoto Blogzine

Kristina Bength: Within Cuts and Bends - L MD galerie, Paris

Exposition : Kristina Bength 
Within Cuts and Bends 
L MD Galerie, Paris
31 mai - 16 juillet 2011 

KRISTINA BENGHT, Within Cuts and Bends-9, 2010, 

Aquarelle sur papier / Watercolor on paper, 62 x 77 cm

Courtesy Kristina Bength & L MD galerie, Paris 

English version below

La galerie L MD à Paris présente, dans son espace principal, la nouvelle série d'acquarelles de l'artiste suédoise KRISTINA BENGHT, Within Cuts and Bends (dont une partie seulement a été présenté au Salon du Dessin Contemporain en mars dernier). Le travail Kristina Bength est une réactivation et une réinterprétation de faits passés à travers la pratique du dessin. Elle montre la possibilité de falsifier la mémoire et de rejouer le présent, à travers la vie et la destinée de la mystérieuse Amanda Kristina Pedersen.

Within Cuts and Bends reprend le point de départ des deux séries de dessins Transpositions Within The Image Of A Name et Physionomic Inquiries By Amanda Kristina Pedersen : l’histoire de la photographe et comédienne Amanda Kristina Pedersen, condamnée en 1904 pour fraude et falsification d’identités. Le procès eut lieu à Falun en Suède, la ville natale de l’artiste Kristina Bength qui, depuis 2008, s’est emparée de la vie et du destin de la faussaire.

La série d’aquarelle Within Cuts and Bends présente au spectateur des espaces vides et muets, inspirés par des photographies prises par Pedersen -qui fut photographe dans un hopital- au cours de ses multiples « vies ». La transposition de l’image argentique en aquarelle provoque un contraste, celui de la qualité liquide de l'eau créant des surfaces indéfinies qui défient le temps statique de photographie. Within Cuts and Bends joue sur la présence de cette eau, métaphore du souvenir et de l'oubli. En effet, en utilisant des images d’archives et en les réinterprétant dans sa peinture, Bength écrit de nouvelles histoires. Elle révèle les pièges de la mémoire et la réécriture de l'histoire au présent.

Les installations des dessins sont essentielles dans le travail de Kristina Bength. La série Transpositions Within The Image Of A Name fut suspendue sur câbles en tableaux successifs avec en fond sonore, le verdict prononcé à l’issue du procès de Pedersen. La série Physionomic Inquiries By Amanda Kristina Pedersen était exposée en plans horizontaux, sur des lits de fer rigoureusement ordonnés, accompagnée d’un tiroir d’archives présentant les notes du journal de Pedersen, un texte fictif écrit par l’auteur Vendela Fredricson. La scénographie clinique mise en place par Bength n’échappe pas à une relation physique avec les œuvres et au mélange des genres. D’une part, elle oblige à adopter soi-même le va-et-vient d’un médecin examinateur qui scrute les images comme s’il s’agissait de radiographies pour Transpositions Within the Image of a Name ou la position d’un patient pour Physionomic Inquiries by Amanda Kristina Pedersen.

Ainsi, pour l’installation de Within Cuts and Bends dans la galerie L MD, la succession des images suspendues par des fils d'acier donne l'impression d'être une construction qui a soudainement été arrêtée et a été abandonnée, à l’image de la série d’espaces représentés. Entre photographie, peinture et cinéma, le spectateur doit reconstruire le scénario imaginaire de Kristina Bength. L’histoire continue…

Kristina Bength est née en 1984 à Falun en Suède où elle vit et travaille.

Exhibition: Kristina Bength 

Within Cuts & Bends 

L MD Galerie, Paris - France

31 May - 16 July 2011 

L MD galerie (Paris - France) presents the last series of watercolors Within Cuts and Bends of the Swedish artist KRISTINA BENGTH.

Kristina Bength reactivates and translates past events into paintings and drawings. She reveals the possibility of distorting history and memory and replaying the present. For her participation to « Le Salon du Dessin Contemporain » at Carrousel du Louvre Kristina Bength shows a sample of the project Within Cuts and Bends that will open at L MD galerie in 31 May through 23 July 2011. Within Cuts and Bends departs from photographic archive material that comes from the photographer, actress and impostress Amanda Kristina Pedersen, who in 1904 was convicted of fraud and forgery in Falun, Kristina Bength’s hometown.

Since 2008, Kristina Bength has worked on the story of Amanda Kristina Pedersen by bringing the game of fraud and imposture into play in several ways. Within Cuts and Bends is a slide of watercolour paintings that resembles an immovable silent film telling a story in fragments at the point where photographic realism meets the flowing motion of the aquarelle. The paintings depict spaces devoid of human presence, and they both invite and exclude the spectator from entering these spaces. Mute surfaces that keep the gaze out are alternated with surfaces that move freely and provoke forms that heavily contrast with photography. In other words, the aquarelle paintings give dominant significance to how the water’s fluid, transformative quality conquers and challenges the static time of photography.

In terms of material and technique as well as content, water plays an important part in Within Cuts and Bends. Being both a means of the painting process and a motif alluded upon, Water signifies the attempt to trace histories/stories and give new form to them by changing them. In this sense water becomes a metaphor of recollection and oblivion, referring back to the overall question of what it means to remember and forget, but also to what it means to use archive material and restage it in new stories. The difficulties and pitfalls of returning to the past and re-write history is the main theme of Kristina Bength’s art. The events as such cannot return, but they can recur in other forms if painting succeeds to put the storytelling potential of the archive into use.

The installation’s sculptural form establishes an allegorical relation to cinema, and there is also something mechanical over the installation. The paintings creates a separate form and are attached to steel wires that outline their own geometry of lines and forms in the exhibition space, and the installation gives the impression of being a construction that has suddenly stopped, lost its motion and been abandoned, quite similar to the milieus that the series of paintings are showing. Another dimension of Bength’s installation is the tense meeting between the metallic firmness of the wires and the fragility of the aquarelle paintings’ paper and tape. This tension is also emphasized in the paintings.

Kristina Bength was born in 1984 in Falun (Sweden) where she also works and live.

L MD GALERIE
56 rue Charlot
75003 Paris - France

www.lmd-art.com

L MD galerie : Silent Significance - Expo collective - Group Show

Exposition : Silent Significance 
L MD Galerie, Paris 
Jusqu'au 28 mai 2011 

English version below

Artistes : Noriko Ambe (née en 1967), Claudia Angelmaier (1972), Marisa Baumgartner (1980), Anne-Lise Broyer (1975), Florian Fouché (1983), Morgane Fourey (1984), Hae-Sun Hwang (1969), Manuela Marques (1958), Aiko Miyanaga (1974), Charwei Tsai (1980), Motoi Yamamoto (1966), Xavier Zimmermann (1966) 

HAE-SUN HWANG

Weigth of the Wind, 2006

Video, 37'12

Edition 5/5

Courtesy of the artist and L MD Galerie, Paris

L MD galerie, en collaboration avec Béatrice Andrieux, présente jusqu'au 28 mai l’exposition collective Silent significance qui réunit douze artistes internationaux. Epure des formes, apparente sérénité, sobriété des techniques utilisées, les travaux sélectionnés questionnent les multiples significations et interprétations de l’œuvre d’art dans son rapport au temps : celui de la création, du contexte historique, de la mise en exposition, de la marchandisation et de la réception.

Hae-Sun Hwang travaille sur la persistance des images et leur pouvoir évocateur, à l’image de la vidéo Weigth of the wind (2006). Noriko Ambe et Motoi Yamamoto dessinent inlassablement des cartographies mystérieuses qui invitent à suivre les pleins et les vides d’un parcours sans fin. La sculpture d’Aiko Miyanaga et la vidéo de Charwei Tsai mettent en lumière la notion d’éphémère à travers la transformation de la matière. Claudia Angelmaier, Marisa Baumgartner et Anne-Lise Broyer s’approprient des images et les réinterprètent tout en interrogeant la transmission de l’œuvre à travers le temps. Les sculptures de Florian Fouché et de Morgane Fourey jouent avec la perception du spectateur, le laissant imaginer ce qui ne se voit pas au premier regard. Enfin, les photographies de Manuela Marques et de Xavier Zimmermann proposent une nouvelle vision d’intérieurs ou de paysages nocturnes, qui provoque un sentiment de tension et de sourde inquiétude.

Silent Significance - Group show

L MD galerie, Paris - France

Through 28th May 2011

In collaboration with Béatrice Andrieux, L MD galerie present Silent Significance, a group show with twelve international artists. The featured pieces question the multiple meanings and interpretations of the work of art in time: during the creation, within the historical context, during the exhibition, its sale and interpretation by the audience.

Hae-Sun Hwang work on images' persistence and their evocative dimension as he shows us in the video titled Weigth of the wind (2006). Noriko Ambe and Motoi Yamamoto draw mysterious maps which invite to follow the full and empty spaces of an endless route. The sculpture of Aiko Miyanaga and the video of Charwei Tsai bring to light the ephemerality through the transformation of the material. Claudia Angelmaier, Marisa Baumgartner and Anne-Lise Broyer appropriate and divert images while questioning the transmission of the work of art through time. The sculptures of Florian Fouché and Morgane Fourey play with the reception of the viewer, letting him imagine what is not visible at the first glance. Finally, the photographs of Manuela Marques and Xavier Zimmermann show interiors or night-landscapes which reveal dark and disquieting stories.

L MD Galerie 
56 rue Charlot
75003 Paris - France

www.lmd-art.com