27/09/03

Frank Bowling, Skoto Gallery, NYC - Works from the Studio - Curated by Spencer Richards

Frank Bowling 
Works from the Studio
Skoto Gallery, New York
Curated by Spencer Richards
September 25 - November 1, 2003

Skoto Gallery presents Works from the Studio – an exhibition of paintings by Frank Bowling curated by Spencer Richards. This is the third occasion that Frank Bowling’s work are on display at the Skoto gallery. 

One of the most important artist of his generation, Frank Bowling has spent over forty years in total dedication to the practice and career in art. The axiom of his consumate skill as a master has been over these years gloriously articulated, with a non-flagging intensity and energy on the surfaces of his pictures. Through them, he has extended the paradigms of abstraction, which by 1971 had become the mainstay of his vision.

His pictures are creations that seem to evolve from the collision of chance – chance which is conjured up then assembled through placement of color, drops of paint, rhythm of brushstroke or splash of beer to further explore expressions inherent but still hidden in abstract painting. Their construction is verified in many places – in his head, on the floor or on the wall – before they are stitched canvas to canvas, yielding surfaces which offer themselves to viewers scrutiny masked behind constantly surprising subtlety and occasionally capturing those fleeting moments of magic in picture making.

The pictures in this exhibition illustrate Frank Bowling’s longstanding preoccupation with recolonization of space, of weaving new commentaries around the narratives of the tradition in painting. There is a great deal of critical experience, of knowledge and admiration of other artists’ researches in his dynamic abstractions as well as an ever sensitive deftly balanced interaction between modernism’s formal concerns with a belief in the emotive potential of painting. In the arena of modernism, Bowling as an “outsider” clearly has not only mastered its tenets but extended them, and like the powerful phalanx of Black artists (some of whom have been on the scene since the dawn of the genre) has brought into the arena a different declaration and a new way of making art.

At the Royal College of Art in the 1960s Frank Bowling was one of the brightest of a young generation of painters which included David Hockney, Boshier and Peter Phillips who were soon to initiate the next phase in the evolution of British art. Bowling’s famous painting “The Staircase” synthesized into one huge canvas all the stylistic concerns of the period and in doing so created a new pictorial strategy, namely, making a unified pictorial field with compositional elements belonging to different formal styles.

Frank Bowling’s work works are in several public and private collections around the world including the National Gallery of Jamaica, Kingston, West Indies; Tate Gallery, London; Victoria and Albert Museum, London; The Metropolitan Museum of Art, New York; Museum of Modern Art, New York; De Menil Foundation, Houston, Texas; Lloyd’s of London and The New Jersey Museum of Art, Trenton, New Jersey. Some of his “map” paintings from the late 1960s and early 1970s were included in FAULTLINES: Contemporary African Art and Shifting Landscapes at the recent 50th Venice Biennale.

SKOTO GALLERY
529 West 20th Street, New York, NY 10011

23/09/03

Sanyo XACTI C1 Dual Shot Function

This is a cross-over product unites the digital camera and digital camcorder in a single device. Thanks to its ergonomic form, the stylish aluminum housing of Sanyo's latest ultra-compact fits your hand perfectly.

With 3.2 Megapixels, the XACTI can deliver colorful photos and entertaining movie clips with true VGA resolution. The proven SD card storage medium eliminates costly drive mechanisms. The result: A camera with a small and robust construction.

A true innovation: The digital data is stored in MPEG4 format. With a 512 MB storage card, the Digital Movie C1 can record 31 minutes of video in TV mode (640x480 resolution at 30 frames/sec.). Despite its limited storage space requirements, the MPEG4 standard delivers dazzling, high-resolution recordings – with rich 16-bit stereo sound at all times.

The data recorded in the MPEG4 format is transferred to a computer, television or DVD recorder using the supplied accessories: Either the Docking Station or USB/AV cable. Thanks to the ultra-fast USB 2.0 port, captured images and video can be transferred to computers or hi-fi units in no time at all. Because the MPEG4 format is already recognized and reproduced by numerous devices, the recorded films can be stored on other storage media directly – without time-consuming conversions to other file formats.

The "Dual Shot Function" is truly a world's first: Individual images can be taken in full 3.2 Megapixel resolution even while recording video.

Like all SANYO products, camera operation is simple and well-designed. All of the camera's functions are easily controlled with your right thumb. Thanks to the clear, ergonomic layout of the control options, users can focus completely on their subject. With the intuitive jog dial, users can "flip" through the entire menu quickly and comfortably.

The XACTI Digital Movie C1 is the ideal partner for discriminating users who want a high-quality camera with powerful digital camcorder functions. No matter whether you want to present something in your business or quickly record a family video, the ultra-compact housing and innovative features like MPEG4 recording, Dual Shot, and USB 2.0 interface will open up a new dimension in photography and video.

Standard Accessories

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Price: EUR 699,- (SRP) incl. VAT -- Availability: End of November 2003

19/09/03

Le monde selon François Dubois au Musée des Beaux Arts de Lausanne

Exposition
Le monde selon François Dubois
Musée des Beaux-Arts, Lausanne
19 septembre 2003 - 4 janvier 2004

L’exposition Le monde selon François Dubois, conçue par Ralf Beil, trouve son point de départ ainsi que son centre de gravité dans une des œuvres les plus célèbres de la collection lausannoise: Le Massacre de la Saint-Barthélemy, tableau d'histoire peint vers 1572-1584 par François Dubois. Les thèmes inhérents au tableau - religion, cruauté, mort et mémoire - seront déployés dans une présentation d’envergure, mêlant librement l'art de tous les siècles. Le monde selon François Dubois englobe les expressions artistiques les plus diverses, d’une statuette égyptienne d’Isis lactans à la World Map 2001 de l’artiste écossaise Louise Hopkins, en passant par des œuvres clefs de Matthias Stomer, Charles Gleyre, Ernest Biéler, Marcel Broodthaers, Christian Boltanski ou Ugo Rondinone.

Catalogue : A l’occasion de cette exposition paraît le 13ème numéro de la série des Cahiers du Musée des Beaux-Arts de Lausanne, catalogue publié sous la direction de Ralf Beil.

Conférences
3 octobre à 19h, rencontre avec Luc et Christian Boltanski à propos de la parution d'A l'instant, ouvrage composé à quatre mains. En collaboration avec la Bibliothèque Cantonale et Universitaire de Lausanne.

20 novembre à 18h30, "L'imaginaire du massacre et la conscience moderne: autour de la Saint-Barthélemy", conférence par Biancamaria Fontana, professeur à l'Institut d'Etudes Politiques et Internationales de Lausanne.

La Nuit des Musées au musée des Beaux-Arts
Projections vidéo de la collection du Kunsthaus de Zurich
27 septembre 2003, 14h00-2h00

Après la présentation de sa propre collection d’art vidéo en 2001, puis celle du Centre pour l’Image Contemporaine de Saint-Gervais, Genève, en 2002, le Musée cantonal des Beaux-Arts invite cette année le Kunsthaus de Zurich qui joue un  rôle de premier plan dans la présentation et la conservation de l’art vidéo qu’il collectionne depuis 1979 et dont il possède aujourd’hui environ 600 oeuvres.

Conçue spécialement pour la Nuit des musées, la programmation dialogue avec les oeuvres de l’exposition Le monde selon François Dubois et répond aux thématiques évoquées dans les différentes salles du musée : la religion, la cruauté, la mort, et la mémoire. Des pionniers de l’art vidéo des années 1960 à la vidéo contemporaine, cette programmation offre un panorama d’artistes de renommée internationale et une sélection affinée de la production suisse : Vito Acconci, Emanuelle Antille, Michel Auder, John Baldessari, Stefan Banz, Biefer/Zgraggen, Christoph Büchel, Sophie Calle, Christoph Draeger, Dan Graham, Fabrice Gygi, Masuyama Hiroyouki, Alexej Koschkarow, Zilla Leutenegger, Christian Marclay, Bruce Nauman, Yves Netzhammer, Arnulf Rainer/Dieter Roth, Pipilotti Rist, Carolee Schneemann, Smith/Stewart.

Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne
Palais de Rumine
6, place de la Riponne
CH - 1000 Lausanne 17
ma-me,11h-18h / je, 11h-20h / ve-di, 11h-17h
les 24 et 31 décembre, 11h-17h
fermé le lundi du Jeûne, le 25 décembre 2003 et le 1er janvier 2004

14/09/03

Paul Seawright, Irish Museum of Modern Art, Dublin - Hidden

Paul Seawright: Hidden
Irish Museum of Modern Art, Dublin
18 September - 30 November 2003 

An exhibition of large-format photographs by the Belfast-born artist Paul Seawright, created in response to recent travels in Afghanistan, opens to the public at the Irish Museum of Modern Art. In June 2002, Paul Seawright was commissioned by the Imperial War Museum, London, to travel to Afghanistan to investigate landscapes that had been contaminated with exploded ordinance and mines. The twelve works in Paul Seawright: hidden are his response to that experience.

Paul Seawright deliberately avoids the more familiar, exotic vision of Afghanistan, as the spectacle of ruins portrayed by the media. His photographs of bleached desert landscapes and bomb-damaged buildings are sparse and understated, silent and depopulated; less concerned with the visible scars of war than the hidden malevolence of its terrain. Paul Seawright’s response to these heavily mined desert landscapes draws upon, extends and reworks the distinctive aesthetic he has established through earlier photographs of contested, politically contaminated landscapes made first within his home city of Belfast and more recently on the fringes of a number of European cities. In one of the catalogue essays Mark Durden, Reader in the History and Theory of Photography, University of Derby, draws parallels with Seawright’s Sectarian Murder series, made in Belfast in the late 1980s: “One finds a similar pictorial innocence, a contradictory sense of calm and normality in the image. One also finds the attempt to confront that which cannot be seen, the sense of an invisible threat on menace.”

Born in Belfast in 1965, Paul Seawright studied at the University of Ulster and Surrey College of Art and Design. Since first coming to international attention in the 1980s, his work has been widely exhibited throughout Europe and the USA. In 1997 he was awarded the IMMA/Glen Dimplex Artists Award. He lives and works in Newport, Wales, where he is Professor and Director of the Centre for Photographic Research.

Paul Seawright: hidden is an Imperial War Museum commissioned exhibition and is curated by Angela Weight, its Keeper of the Department of Art. The exhibition tour is organised in collaboration with the ffotogallery, Llanduno, Oriel Mostyn Gallery, Cardiff, and IMMA. Paul Seawright’s visit to Afghanistan was made possible with assistance from Landmine Action, the HALO Trust and the United Nations.

A fully-illustrated catalogue, published by the Imperial War Museum, with essays by Mark Durden and John Stathatos, artist and writer, accompanies the exhibition.

IMMA - IRISH MUSEUM OF MODERN ART 
Military Road, Kilmainham, Dublin 8
www.modernart.ie

11/09/03

John Margolies Seattle Art Museum

John Margolies Lecture at Seattle Art Museum (SAM) About the Evolution of the American Movie Theatre

JOHN MARGOLIES, an author and photographer who immortalizes American roadside culture and vernacular architecture, spoken on the evolution of the American movie theatre at the Seattle Art Museum.

Movie theatres, with giant awnings and larger-than-life marquis, once dominated Main Street. John Margolies discussed their beginnings as ramshackle storefronts that transformed into grandiose buildings that offered the magic and fantasy of film. The demise of these pleasure palaces became inevitable as the concept of Main Street withered away.

John Margolies is an author, photographer and lecturer fascinated by the dying culture of teapot-shaped gas stations and themed resort getaways. His images capture nearly extinct commercial architecture and designs that sprung up along Main Street and highways and paved a new landscape catering to the automobile culture. Roadside lodging, drive-ins, gas stations and miniature golf courses enticed drivers with kitschy designs and flashy lights.

He has traveled approximately 100,000 miles over the past 30 years while gathering his extensive collection of photos. His prolific body of work includes images of over 15,000 buildings, signs and other forms of commercial construction, which document the demise of the individualistic “mom and pop” tradition. He has authored 10 books, including See the USA (2000) Chronicle Books, which he co-authored with Eric Baker, and Fun Along the Road (1998) Bulfinch Press. He has also taught at the Universities of California at Los Angeles and Santa Barbara, the California Institute of the Arts and Pratt Institute.

 

Seattle Art Museum
On September 18, 2003

09/09/03

Laetitia Benat - Pierre Bismuth, Cosmic Galerie, Paris

Laetitia Benat - Pierre Bismuth
Cosmic Galerie, Paris
9 septembre - 11 octobre 2003

Surtout connue pour ses vidéos et ses photographies, LAETITIA BENAT livre dans ses oeuvres des fragments de mondes intérieurs, comme autant de fenêtres sur des paysages intimes. Ses séries de photographies sont comme les images d'un film placardées à l'entrée d'un cinéma : récits à peine amorcés, elles permettent à celui qui les regarde d'imaginer son propre film.

Pour sa première exposition personnelle en France et sa première apparition dans une galerie française, Laetitia Benat expose par ailleurs pour la première fois son oeuvre graphique, qu'elle transfère pour l'occasion aux murs. Souvent tirés de cahiers intimes, ses dessins sont l'endroit où l'artiste parle le plus : ils remplacent l'écriture, comme la vidéo et les photographies remplacent le regard. Les dessins muraux sont la transposition dans l'espace de ces cahiers, la déambulation du visiteur remplaçant la succession des pages. Réalisés à main levée d'un trait délicat, ils conservent l'esprit et la spontanéité du petit format. Des fleurs, des animaux, des corps de femmes esquissés se font écho ; les dessins sont purs, vidés, pour se focaliser sur un détail qui suffit à les rendre lisibles. Ces traces évanescentes d'images mentales sont comme une condensation de l'imaginaire de Laetitia Benat sur les murs. Ces pensées tirant parfois vers le fantastique, mêlées au sentiment de suspension du temps et de l'image, induisent dans cet univers en apparence fragile un calme menaçant.

Cette oscillation entre anxiété et sérénité est particulièrement frappante dans le travail vidéo de Laetitia Benat, dont cinq oeuvres, sélectionnées par bdv (Bureau des Vidéos - Stéphanie Moisdon-Trembley et Nicolas Trembley), sont projetées.

Nearby (2000, 20'9''), série d'allers-retours entre l'intérieur (une chambre aux murs blancs où des filles passent leur ennui) et l'extérieur (des paysages en apparence anodins), renverse le sentiment d'enfermement. En effet, ce sont les extérieurs, filmés en longs plans séquences 16 mm statiques, pesants, qui finissent par produire une sensation inconfortable d'enfermement. Dans ces paysages mentaux, l'attente apparaît comme une menace.

Black Sanna (2002, 6'43'') est un récit fantastique en noir et blanc mettant en scène et tournant en dérision ce qui semble être une mystérieuse réunion de sorcières.

Halvimar (2002, 22'70"), titré d'après le prénom inventé pour le personnage féminin, pourrait être la suite de Black Sannah, mais aussi son début. Un jeune homme et une jeune femme errent, désincarnés, dans un château. Ces corps devenus des ombres évoquent le souvenir indicible d'une histoire amoureuse tragiquement terminée.

Blood (2002, 2'40") et MC/CW (2000, 1'25'') sont des vidéos d'animation. Laetitia Benat utilise pour base un portrait féminin dessiné, qu'elle s'applique à animer en le maculant de motifs entre la salissure et le sang. Dans MC/WC, c'est le visage de la chanteuse Mariah Carey qui se couvre de sang comme le visage de l'héroïne Carrie White, interprétée par Sissy Spacek, du film Carrie (1976) de Brian de Palma.

LAETITIA BENAT est née à Vichy en 1971. Elle vit et travaille à Paris. Elle a exposé, entre autres, à la Villa Arson à Nice, au Centre Georges Pompidou à Paris, au Rectangle à Lyon, au Centre national de la photographie à Paris, au Centre régional d'art contemporain de Sète, à la Hayward Gallery à Londres et à la Fri Art Kunsthalle à Fribourg. Elle participe activement à la revue Purple, et collabore avec Claudia Cargnel depuis 1995.

PIERRE BISMUTH utilise la pratique artistique comme moyen d'examiner notre perception de la réalité, notamment dans notre relation aux productions culturelles. Son travail tente avec humour et un minimum de moyens de déstabiliser les codes de lecture afin de redonner au spectateur une position incrédule même à l'égard des éléments de notre culture les plus acquis. Sa démarche se développe autour de l'idée que c'est en manipulant simplement la définition communément donnée aux choses que l’on en change la perception.

Cosmic Galerie présente pour la première fois à Paris un ensemble d'oeuvres basées sur les idées de substitution et d'équivalence.

Ainsi, En prévention de mauvais fonctionnement technique (vidéo de Bruce Nauman débranchée) se résume en la présentation d'une vidéo de l'artiste américain, débranchée. Pierre Bismuth cherche par là à tirer profit et en quelque sorte rentabiliser ces périodes plus ou moins courtes où les oeuvres vidéo sont installées sans être nécessairement en état de marche, dans le cas de problèmes techniques ou tout simplement de clôture de l'exposition en fin de journée.
Des choses en moins des choses en plus consiste en une série de cloisons légères, trouées de cercles jusqu'à élimination du plus de matière possible ; les cercles ainsi retirés de la surface des murs s'accumulent au sol comme autant d'objets à devoir gérer. Comme le travail précédent qui exploite les périodes de non fonctionnement d'une vidéo, cette installation joue sur la gestion des résidus de fabrication.

La mise en espace est complétée par deux nouveaux états des séries De rouge à rien et De vert à quelque chose d'autre. Chaque nouvelle présentation de chacune des deux séries reproduit la couleur utilisée dans une exposition précédente avec une différence peu perceptible, par ajout régulier de blanc pour De rouge à rien et de couleur dans De vert à quelque chose d'autre. Ce n'est qu'après un certain nombre d'expositions que l'évolution devient sensible pour qui suit la série, vouée à se terminer par le blanc dans un cas et virtuellement sans fin dans l'autre.

Dans la même salle, la nouvelle série Remplacer par le même joue sur l'idée de la substitution d'une chose par son double sur chacune des photos produites par l'artiste et ne présentant entre elles aucune cohérence thématique sont collés à l'identique des éléments prélevés sur des duplicata.

Enfin, les Pliages, aussi présentés pour la première fois, sont des origamis réalisés sur des supports divers - magazines, journaux, posters, plans etc. L'origami une fois produit est présenté déplié, ne montrant plus que la trace de sa réalisation ; chaque pièce garde néanmoins le nom de la chose que l'origami correspondant est censé figurer. Cette salle inaugure également une nouvelle série de suites chromatiques De noir à rien.

Cinq oeuvres vidéo de Pierre Bismuth, également sélectionnées par bdv, sont présentées chaque jour en alternance.

Link (work in progress depuis 1999, 14' à ce jour) explore le rapport continuité / discontinuité. Pour point de départ et matériel de base, l'artiste se sert du film classique Sleuth (1972) (''détective'' en argot anglais) de Joseph L. Mankiewicz. Le ''remake'' est financé par morceaux, à raison de 170 secondes pour chaque nouveau financeur. Link est le filmage de la projection de Sleuth sur des téléviseurs dans des appartements privés , le cadrage large laisse apparaître le moniteur dans son environnement domestique. Si, à la base, Sleuth se caractérise par le fait qu'il n’a tourné que sur un seul plateau, chaque nouveau plan dans le film d'origine correspond à sa diffusion dans un nouveau cadre.

Back to the jungle (the Jungle Book project) (2002, 75') est une interprétation du Livre de la Jungle «J'ai toujours été fasciné par l'habitude qu'ont les enfants de regarder la même vidéo, écouter le même disque, encore et encore, plusieurs fois par jour, pendant des semaines ou des mois. En décembre 2001, cherchant un cadeau pour ma filleule, je me demandais si Le Livre de la Jungle pourrait la débarrasser de son addiction (qui durait depuis quelques mois) à Winny l'Ourson. L'idée cependant n'était pas d'acheter une seule version, mais trois ou quatre : hollandais, anglais, espagnol, italien… Je voulais voir comment une enfant de 18 mois réagirait en regardant le même film, mais en entendant quelque chose de différent. Avant même de lui envoyer les cassettes je fus moi-même fasciné en faisant l'expérience de toutes ces versions doublées. Je voulais donner un langage différent à tous ces personnages.» (Pierre Bismuth).

Respect the dead (2001-2002) est une série de films dont chacun s'arrête net dès que survient la première mort à l'écran - la plupart des films ainsi montés ne durent pas plus de quelques minutes. Etablissant de nouveaux critères de montage, l'artiste se refuse à prendre en compte la signification normale et la fonction de la mort au cinéma - mise en place du décor, développement de l'action etc ; il perturbe ainsi l'équilibre du film, donnant une identité et un rôle différent aux personnages et aux évènements.

La Partie (1997-2001, 95') est centrée sur un texte produit à partir de l'écoute de la bande-son du film éponyme de Blake Edwards (1968). «Sans avoir jamais vu le film, dans le temps d'une seule écoute et sans en interrompre le cours, une dactylo a eu pour tâche de décrire les ambiances et les actions qu'elles supposaient, de retranscrire tous les dialogues dans la mesure de ses possibilités. Confrontée à la fois à un problème d'écoute, d'interprétation, de mémoire et de vitesse d'exécution, elle a produit ainsi un nouveau scénario dans lequel objectivité et subjectivité se mélangent et donnent autant d’informations sur le déroulement du film que sur tout un processus de compréhension.

Le texte, ainsi ajouté à l’image du film, se substitue à un éventuel sous-tirage. Il intervient comme commentaire absurde et décalé sur l’image et devient ainsi l’action principale. » (Stéphanie  Moidson-Trembley)

One Man Show (2002, 6’) a pour matériau le film de Buster Keaton The playhouse (1921), dont l’action est basée sur l’idée de symétrie et qui a été ici manipulé pour créer deux écrans : une image de la partie droite de l’écran et une image miroir de la partie gauche.

PIERRE BISMUTH est né à Paris en 1963. Il vit et travaille à Londres et Bruxelles. Son travail a été montré lors d’expositions personnelles notamment au Centre d’Art Contemporain de Brétigny, à la Kunsthalle de Bâle, au Witte de With Museum à Rotterdam, au Sprengel Museum à Hanovre et à la Kunsthalle de Wien, ainsi que lors d’expositions collectives au Stedelijk Museum à Amsterdam, au Casino Luxembourg, à la Manifesta 4 à Frankfurt, au Museum für Moderne Kunst à Frankfurt, au MAMCO à Genève, à la 49ème Biennale de Venise, au Musée d’art moderne de la ville de Paris et à la Fondation Cartier à Paris.

Un document filmé sur Laetitia Benat et Pierre Bismuth, réalisé par Sabine Bouckaert pendant le montage de l’exposition, est présenté dans la première salle.

COSMIC GALERIE
76, rue de Turenne, 75003 Paris
www.cosmicgalerie.com

07/09/03

Richard Prince: Nurse Paintings, Barbara Gladstone Gallery, New York

Richard Prince: Nurse Paintings
Barbara Gladstone Gallery, New York
September 20 – October 25, 2003

Barbara Gladstone Gallery presents an exhibition of new paintings by Richard Prince. Never before seen in the U.S., Richard Prince’s “Nurse” paintings reflect his distinctive approach to popular culture. An avid book collector, Prince appropriates covers of pulp novels that present the iconic white-uniformed Nurse and then applies layer upon layer of rich, brilliant hues to his printed canvases. The paint acts both to obscure and reveal the images lying beneath as Richard Prince, through a film of paint, consciously allows traces of background to emerge in ghost-like forms while the Nurses themselves and their corresponding titles are left visible.

Through his repetition and reworking of the Nurse novel covers Richard Prince plays upon the anonymity of the figures and the inevitably unstable issues of identity, authenticity and authorship. Richard Prince’s painterly brushstrokes, drips and splatters that pervade the canvas and shroud the Nurses also evoke the era of the pulp novel, the era of Abstract Expressionism. Thus, Richard Prince allows us to reconsider the post-war aesthetic through the codes of mass culture as unearthed for us by the keen eye of an ardent bibliophile. The Nurses partake in Richard Prince’s game of irony as the intense colors and near theatrical play of light reveal them to be seductresses of a hypnotically fictional world. One increasingly becomes aware of the sneaking suspicion that something sinister lies within these emblems of caring and nurturing.

Richard Prince was born in 1949 and lives and works in upstate New York. A retrospective of Richard Prince's paintings and photographs was held in 2002 at the Kunstmuseum Wolfsburg, which conjoined the previous exhibition of paintings at Kunsthalle Zurich and photographs at Museum für Gegenwartskunst Basel. Other solo exhibitions include: MAK Center for Art and Architecture, Schindler House, Los Angeles; MAK Vienna; Kestner Gesellschaft, Hannover; Museum Boymans-van Beuningen, Rotterdam; San Francisco Museum of Modern Art; Kunstverein and Kunsthalle, Dusseldorf; IVAM Centre del Carme, Valencia; and the Whitney Museum of American Art, New York.

BARBARA GLADSTONE GALLERY
515 West 24th Street, New York, NY 10011

Concrete Abstraction: Aaron Siskind Photographs, Madison Art Center

Concrete Abstraction: Aaron Siskind Photographs
Madison Art Center
September 7, 2003 - January 4, 2004

Concrete Abstraction: Aaron Siskind Photographs celebrates one of the giants of American photography. The exhibition spans the artist’s career, from his first major series documenting Harlem in the 1930s to subsequent works in which urban graffiti is transformed into visual poetry. As the artist told an interviewer late in life, “There are things in motion, there are things in conflict…but I am trying to make a picture out of it.”

Aaron Siskind is best known for black and white images—buildings or landscapes photographed in extreme close-up—whose formal abstraction invites comparison to works of the Abstract Expressionists. He dedicated a series of his mature photographs to Franz Kline, one of the New York painters with whom he was friends. For his part, Aaron Siskind’s legacy lay in using straight photography to create compelling compositions, capturing what he called “the drama of objects.”

Though many of the images in Concrete Abstraction document the artist’s travels at home and abroad, the title is often the only indication of the locale. In Jerome, Arizona (1949) the paint peeling from the side of a building betrays the print’s flat surface; a rock formation on Martha’s Vineyard (1950) is an object lesson in balance and proportion. In two photographs taken in Brazil, colorfully painted beach stools captured in full sunlight make for a breathtaking departure from five decades of black and white imagery.

As the centenary of Aaron Siskind’s birth, 2003 has brought a long overdue re-assessment of Sikind’s unique contribution to the medium. “If Siskind had lived his life as an artist only, his place in photography’s history would be secure” writes exhibition curator James Rhem, “but he was also one of photography’s most influential teachers in the twentieth century.” The artist’s commitment to teaching is commemorated in Two of My Students, the earliest image in the exhibition. An affectionate memento, the portrait also announces Aaron Siskind’s keen eye for architectural details that would dominate his mature works.

Born in New York in 1903, Aaron Siskind devoted most of his life to teaching, first in the New York school system, then at the Institute of Design (successor to the New Bauhaus and later merged with the Illinois Institute of Technology) Chicago. He published his first book of photographs in 1959 and had his first major retrospective at the George Eastman House, Rochester, in 1965. He continued to make photographs into his eighties, before establishing the Aaron Siskind Foundation in 1984. Aaron Siskind died in 1991 at the age of 87.

Guest curator James Rhem is an independent scholar and critic who lectures frequently on photography and has contributed art reviews to newspapers around the country. This is his first exhibition to be presented at the Art Center. Working closely with the Aaron Siskind Foundation, Rhem authored the recently published volume on Aaron Siskind for Phaidon’s popular “55” series on photography.

Concrete Abstraction: Aaron Siskind Photographs is a Bassett Exhibit Series Event. Generous support has also been provided by the Steinhauer Charitable Trust; the Dane County Cultural Affairs Commission with additional funds from the Madison Community Foundation and the Overture Foundation; the Terry Family Foundation; The Art League of the Madison Art Center; the Exhibition Initiative Fund; the Madison Art Center’s 2003-2004 Sustaining Benefactors; and a grant from the Wisconsin Arts Board with funds from the State of Wisconsin.

MADISON ART CENTER
211 State Street, Madison WI 53703
www.madisonartcenter.org