The Best European Film 2009

 

The winners of the 22nd European Film Awards are :

 

Best European Film 2009 :

Das weisse band - The White Ribbon, Le Ruban blanc,

Germany/Austria/France/Italy

Director and Screenwriter: Michael Haneke
Director of photography: Christian Berger
Producer: Stefan Arndt, Veit Heiduschka, Margaret Menegoz, Andrea Occhipinti
Cast: Christian Friedel, Leonie Benesch, Ulrich Tukur, Ursina Lardi, Michael Kranz, Burghart Klaussner, Maria-Victoria Dragus, Josef Bierbichler, Rainer Bock, Branko Samarovski, Roxanne Duran
Production designer: Christoph Kanter
Costume designer: Moidele Bickel
Editor: Monika Willi
Production companies: X Filme Creative Pool, Les Films du Losange, Wega Film, Lucky Red
Sales: Les Films du Losange
145 minutes

European Director 2009 : Michael Haneke for Das weisse band - The White Ribbon

European Actor 2009 : Tahar Rahim in Un Prophète - A Prophet

European Actress 2009 : Kate Winslet in The Reader - Der Vorleser

European Screenwriter 2009 : Michael Haneke for Das weisse band - The White Ribbon

Carlo di Palma European Cinematographer Award : Anthony Dod Mantle for Antichrist and Slumdog Millionaire

European Film Academy Prix d’excellence 2009 : Brigitte Taillandier, Francis Wargnier, Jean-Paul Hurier and Marc Doisne for the Sound Design of Un Prophète - A Prophet

European Composer 2009 : Alberto Iglesias for Los abrazos rotos - Broken Embraces

European Discovery 2009 : Katalin Varga, Romania/UK/Hungary, written and directed by Peter Strickland - produced by Tudor Giurgiu, Oana Giurgiu and Peter Strickland

European Film Academy Animated Feature Film 2009 : Mia et le Migou - Mia and the Migoo, France/Italy, directed by Jacques-Rémy Girerd

European Film Academy Short Film 2009 : Poste restante by Marcel Lozinski

European Film Academy Lifetime Achievement Award 2009 : Ken Loach

European Achievement in World Cinema 2009 : Isabelle Huppert

European Film Academy Documentary 2009 – Prix Arte 2009 : The Sound of Insects - Record of a Mummy, Switzerland by Peter Liechti

European co-production Award – Prix Eurimages 2009 : Diana Elbaum and Jani Thiltges

European Film Academy Critics Award 2009 – Prix Fipresci 2009 : Andrzej Wajda for Tatarak - Sweet Rush

People’s Choice Award for Best European Film 2009 : Slumdog Millionaire, UK, directed by Danny Boyle, written by Simon Beaufoy and produced by Christian Colson

It's a Wonderful Afterlife Gurinder Chadha Film

 

It's a Wonderful Afterlife

 

Director: Gurinder Chadha

Screenwriters: Paul Mayeda Berges and Gurinder Chadha

Cast:  Shabana Azmi, Goldy Notay, Sendhil Ramamurthy, Sally Hawkins.

 

A comedy centered on an Indian mother who discovers that finding the perfect son-in-law can be murder. 

 

It's a Wonderful Afterlife will be screening out of competition at the 2010 Sundance Film Festival (its world premiere). .

Gurinder Chadha has screened three films at the Sundance Film Festival:

Bend it Like Beckham (2003)

What's Cooking? (2000)

I'm British But... (1992)

 

Art Work Space Gallery London

 

ART WORK SPACE is a new independent gallery, situated in The Hempel Hotel, London. The dc gallery is the brainchild of NAOMI MURTAGH, whose ambition is to create a forum in which to showcase the work of emerging Artists working in all the various disciplines of Fine Art.

The gallery is situated in what was the hotel’s restaurant; a beautiful, minimalist space that cries out for work to be displayed within it. Naomi Murtagh, who was already a successful fashion designer with a passion for the Arts and a desire to move closer towards them, heard The Hempel had plans to move its restaurant. She took a chance and approached them with a proposal to house a gallery in the resulting empty space. The hotel, which has an impressive design heritage of its own, saw the drive and talent that could be brought to the space and agreed to let her take it, without condition; giving absolute curatorial freedom over the artistic programming.

Naomi Murtagh’s ambition for ART WORK SPACE is that it becomes a platform for upcoming artists and is recognised for the consistently high quality of work exhibited within it.

 

Past Exhibition:

A Tale of Two Towers, paintings by the artist Haslam Fox
1st October — 8th November 2009

 

Current Exhibition:

The First People, paintings by the artist Conrad Frankel
20th November 2009 — 5th January 2010

 

Upcoming Exhibitions :

The Sony World Photography Awards 2009/10 exhibition opens at the gallery on 20 January 2010. The London stop is part of a global tour which has taken in leading photographic institutions in New York, Toronto, Mexico, Paris, Hong Kong, Berlin, Kuala Lumpur and Bangkok.
20 – 29 January 2010

Good Rats by photographer and filmaker Niall O'Brien
1st February — 11th March 2010

 

ART WORK SPACE
Lower Ground Floor
The Hempel Hotel
31-35 Craven Hill Gardens
LONDON, W2 3EA, UK

www.artworkspace.co.uk

Georgia O’Keeffe: Abstraction – US Landmark Exhibition

 

                            

  Georgia O'Keeffe, Series I—No. 1, No. 3 and No. 4, 1918

Georgia O’Keeffe: Abstraction is a US landmark exhibition debuting at the Whitney Museum of American Art. Following its New York debut, the show travels to

The Phillips Collection, Washington D.C., February 6– May 9, 2010, and to

the Georgia O'Keeffe Museum, Santa Fe, May 28 – September 12, 2010.

 

While Georgia O’Keeffe (1887–1986) has long been recognized as one of the central figures in 20th-century art, the radical abstract work she created throughout her long career has remained less well-known than her representational art. By surveying her abstractions, Georgia O’Keeffe: Abstraction repositions O’Keeffe as one of America's first and most daring abstract artists. The exhibition is one of the largest of Georgia O'Keeffe's work ever assembled.

Including more than 125 paintings, drawings, watercolors, and sculptures by Georgia O'Keeffe as well as selected examples of Alfred Stieglitz’s famous photographic portrait series of Georgia O’Keeffe, the exhibition has been many years in the making.

 

While it is true that Georgia O’Keeffe has entered the public imagination as a painter of sensual, feminine subjects, she is nevertheless viewed first and foremost as a painter of places and things. When one thinks of her work it is usually of her magnified images of open flowers and her iconic depictions of animal bones, her Lake George landscapes, her images of stark New Mexican cliffs, and her still lifes of fruit, leaves, shells, rocks, and bones. Even O’Keeffe’s canvasses of architecture, from the skyscrapers of Manhattan to the adobe structures of Abiquiu, come to mind more readily than the numerous works—made throughout her career—that she termed abstract.

This exhibition is the first to examine Georgia O'Keeffe's achievement as an abstract artist. In 1915, O'Keeffe leaped into the forefront of American modernism with a group of abstract charcoal drawings that were among the most radical creations produced in the United States at that time. A year later, she added color to her repertoire; by 1918, she was expressing the union of abstract form and color in paint. First exhibited in 1923, Georgia O’Keeffe’s psychologically charged, brilliantly colored abstract oils garnered immediate critical and public acclaim. For the next decade, abstraction would dominate her attention. Even after 1930, when Georgia O’Keeffe’s focus turned increasingly to representational subjects, she never abandoned abstraction, which remained the guiding principle of her art. She returned to abstraction in the mid-1940s with a new, planar vocabulary that provided a precedent for a younger generation of abstractionists.

Abstraction and representation for Georgia O’Keeffe were neither binary nor oppositional. She moved freely from one to the other, cognizant that all art is rooted in an underlying abstract formal invention. For O’Keeffe, abstraction offered a way to communicate ineffable thoughts and sensations.

As she said in 1976, “The abstraction is often the most definite form for the intangible thing in myself that I can only clarify in paint.”

Through her personal language of abstraction, she sought to give visual form (as she confided in a 1916 letter to Alfred Stieglitz) to “things I feel and want to say - [but] havent [sic] words for.” Abstraction allowed her to express intangible experience—be it a quality of light, color, sound, or response to a person or place.

As Georgia O’Keeffe defined it in 1923, her goal as a painter was to “make the unknown—known. By unknown I mean the thing that means so much to the person that he wants to put it down—clarify something he feels but does not clearly understand.”

This exhibition and catalogue chronicle the trajectory of Georgia O'Keeffe's career as an abstract artist and examine the forces impacting the changes in her subject matter and style. From the beginning of her career, she was, as critic Henry McBride remarked, “a newspaper personality.” Interpretations of her art were shaped almost exclusively by Alfred Stieglitz, artist, charismatic impresario, dealer, editor, and O’Keeffe’s eventual husband, who presented her work from 1916 to 1946 at the groundbreaking galleries “291”, the Anderson Galleries, the Intimate Gallery, and An American Place. Alfred Stieglitz’s public and private statements about O’Keeffe’s early abstractions and the photographs he took of her, partially clothed or nude, led critics to interpret her work—to her great dismay—as Freudian-tinged, psychological expressions of her sexuality.

Cognizant of the public’s lack of sympathy for abstraction and seeking to direct the critics away from sexualized readings of her work, Georgia O’Keeffe self-consciously began to introduce more recognizable images into her repertoire in the mid-1920s. As she wrote to the writer Sherwood Anderson in 1924, “I suppose the reason I got down to an effort to be objective is that I didn’t like the interpretations of my other things [abstractions].” Georgia O’Keeffe’s increasing shift to representational subjects, coupled with Alfred Stieglitz’s penchant for favoring the exhibition of new, previously unseen work, meant that Georgia O’Keeffe’s abstractions rarely figured in the exhibitions Alfred Stieglitz mounted of her work after 1930, with the result that her first forays into abstraction virtually disappeared from public view.

Georgia O’Keeffe: Abstraction was organized by the Whitney Museum of American Art, New York; The Phillips Collection, Washington, DC; and the Georgia O’Keeffe Museum, Santa Fe, NM. The curatorial team, led by Whitney curator Barbara Haskell, includes Barbara Buhler Lynes, the curator of the Georgia O’Keeffe Museum and the Emily Fisher Landau Director of the Georgia O'Keeffe Museum Research Center; Bruce Robertson, professor of the history of art and architecture at the University of California, Santa Barbara; Elizabeth Hutton Turner, professor and vice provost for the arts at the University of Virginia and guest curator at The Phillips Collection; and Sasha Nicholas, Whitney senior curatorial assistant.

 

The exhibition is accompanied by a fully illustrated catalogue with essays by the organizers. In addition to rethinking Georgia O'Keeffe's place in American modernism, the book reappraises the origin and singular character of her abstract vocabulary and the stylistic shifts which her art underwent over the span of her long career. It adds significant new insight into her art and life, publishing for the first time excerpts of recently unsealed letters written by Georgia O’Keeffe to photographer and gallerist Alfred Stieglitz, whom she married in 1924. These letters, along with a contextual chronology and other primary documents referenced by the authors, offer an intimate glimpse into her creative method and intentions as an artist.

 

Whitney Museum of American Art
September 17, 2009-January 17, 2010

 

Image Credits, from left to right:

Georgia O'Keeffe, Series I—No. I, 1918
Oil on composition board, 19 3/4 x 16 in. (50.2 x 40.6 cm)
Amon Carter Museum, Fort Worth, Texas
Purchase with assistance from the Anne Burnett Tandy Accessions Fund, 1995.8
© Georgia O’Keeffe Museum/Artist Rights Society (ARS), New York

Georgia O’Keeffe, Series I—No. 3, 1918
Oil on board, 20 x 16 in. (50.8 x 40.6 cm)
Milwaukee Art Museum
Gift of Jane Bradley Pettit Foundation and The Georgia O’Keeffe Foundation
M1997.192, © Milwaukee Art Museum
Photography by Larry Sanders

Georgia O'Keeffe, Series I, No. 4, 1918
Oil on canvas, 20 x 16 in. (50.8 x 40.6 cm)
Städtische Galerie im Lenbachhaus, Munich
Gift of The Georgia O'Keeffe Foundation
© Städtische Galerie im Lenbachhaus

Omer Fast Nostalgia 2009 Film

 

Nostalgia, a new film by the artist OMER FAST, receives New York Debut at the Whitney Museum of American Art. Nostalgia is currently receiving its West Coast premiere at the UC Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive, in Berkeley, CA.

 

Omer Fast, Nostalgia III (production still), 2009. Super 16mm film transferred to high-definition video, color, sound; 32:48 minutes. Photograph by Thierry Bal.
Courtesy gb agency, Paris; Postmasters, New York; and Arratia, Beer, Berlin

 

Omer Fast: Nostalgia is a new three-part film and video installation that continues Omer Fast's fascination with exploring configurations of fact and fiction through narrative and filmic constructions, intertwining modes of documentary and dramatization. In this exhibition, organized by Tina Kukielski, senior curatorial assistant, the work receives its New York debut at the Whitney Museum of American Art. It is presented as part of the 2008 Bucksbaum Award.

Nostalgia (2009) begins with a fragment from an interview between the Omer Fast and an African refugee seeking asylum in London, during which the artist/interviewer is told how the refugee built a trap for catching a partridge back home in his native Nigeria. Themes of cultural and geographical dislocation fall against a backdrop that seamlessly distorts a sense of time, blending past, present, and future in each of the three parts of Nostalgia. The installation itself becomes a metaphor for the traps of storytelling, history, and memory, the experience of making our own truths and building our own identities from these truths.

Omer Fast (b. 1972) tracks individual stories in the midst of larger social or historical circumstances/situations, in this case immigration and asylum. His earlier works include Spielberg’s List (2003), a video installation in which the artist visited Krakow, the city in Poland that served as the setting for Steven Spielberg’s Schindler’s List, and interviewed city residents who had worked as extras on the film. In Godville (2005), the artist interviewed costumed performers at the Colonial Williamsburg living-history museum in Virginia; they describe the lives of their eighteenth-century characters and their own personal lives in ways that seem interchangeable. In The Casting (2007), shown in the 2008 Whitney Biennial, Fast, appearing as himself, interviews a young American army sergeant who recounts two stories, which seem to be his own anguished memories, one about dating a woman while stationed in Germany, and the other of accidentally killing a civilian in Iraq. These two narrative strands are blended as if they had become inextricable in the mind of the narrator.

Writing in The Washington Post at the time of the showing of The Casting in the 2008 Biennial, Blake Gopnik singled out the work as one of the exhibition’s best: “It's no news to anyone that the stories that we tell about ourselves and our times are mostly built from fragments and imaginings. But I can't think of any artist who has managed to depict … the realities of that construction as subtly, as convincingly, or as engrossingly as Fast.”

 

About the Artist

Omer Fast was born in Jerusalem and currently lives in Berlin. His work has been shown at the Whitney in the 2002 and 2008 Biennials. In addition to receiving the Whitney’s Bucksbaum Award in 2008, he won the Nationalgalerie Prize for Young Art in 2009. Solo exhibitions include UC Berkeley Art Museum; South London Gallery, UK; Kunsthaus Baselland, Basel; Lunds Konsthall, Sweden; Kunstverein Hannover; and the Museum of Modern Art, Vienna. This fall his work is being featured in New York in Performa 09. Fast received his M.F.A. from Hunter College of the City University of New York. Omer Fast’s work has entered the collections of many museums, including the Whitney, the Guggenheim, Berlin’s Hamburger Bahnhof, the Hirshhorn, the Metropolitan Museum, the Tate, and the San Francisco Museum of Modern Art. He has been included in group exhibitions most recently at ZKM, Karlsruhe; Liverpool Biennial 2008; Manifesta 7; Centre Georges Pompidou, Paris; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C. This is Omer Fast’s first solo museum exhibition in New York.

 

Nostalgia was co-produced by South London Gallery; the UC Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive; and the Verein der Freunde der Nationalgalerie, Berlin.

Major support for Omer Fast: Nostalgia is provided by an endowment from the Martin Bucksbaum Family Foundation.

 

Omer Fast: Nostalgia is on view at the Whitney Museum of American Art from December 10, 2009, through February 14, 2010.

Scott Rothkopf Curator at the Whitney

Since December 1, 2009, SCOTT ROTHKOPF is Curator at the Whitney Museum of American Art in New York.

Scott Rothkopf comes to the Whitney from Artforum, where he has been Senior Editor since January 2004. During his time at the magazine he has been intimately involved in planning its editorial direction and has worked closely with many distinguished writers and artists on essays, projects, and special issues. He was a guest curator at Harvard University’s Fogg Art Museum, where he organized Mel Bochner Photographs 1966-1969 (2002), a survey of Bochner’s photographic works and related drawings, which traveled to the Carnegie Museum of Art in Pittsburgh. At the Fogg, Rothkopf was also co-curator, with Linda Norden, of Pierre Huyghe’s This Is Not a Time for Dreaming (2004), a site-specific installation, performance, and film made by Huyghe in response to Le Corbusier’s Carpenter Center for the Visual Arts. The work has been exhibited internationally at venues including Tate Modern, the Institute of Contemporary Art, Philadelphia, and the Centre Pompidou, Paris, where it has entered the permanent collection of the Musée national d’art moderne. Scott Rothkopf was a contributing curator of the 2007 Lyon Biennial, for which he selected and installed the work of Wade Guyton.

“I’m delighted to join the Whitney and its distinguished curatorial team at this pivotal moment for the museum,” said Scott Rothkopf. “The Whitney has long been a venturesome advocate for contemporary artists and an imaginative steward of a rich historical collection. I look forward to advancing that dual mission and to exploring new approaches to our understanding of art in the United States within a broader international context.”

As a frequent contributor to Artforum, Scott Rothkopf has written on exhibitions such as the Venice Biennale and the Whitney Biennial, and on topics ranging from the art and architectural criticism of the 1980s to the writings of 1960s critic Gene Swenson. His texts for the magazine have addressed the work of Ed Ruscha, Sol LeWitt, Paul Chan, Carroll Dunham, Josiah McElheny, T. J. Willcox, Katharina Fritsch, Richard Aldrich, Diller & Scofidio, Francesco Vezzoli, and Karen Kilimnik, who was the subject of his 2007 book, Period Eye: Karen Kilimnik’s Fancy Pictures, co-authored with Meredith Martin. Scott Rothkopf’s museum and gallery catalogue contributions include essays on Jeff Koons, Wade Guyton, Eva Hesse, Jasper Johns, Roy Lichtenstein, Kelley Walker, Terry Winters, and Takashi Murakami, as well as interviews with James Rosenquist and Laura Owens, for, among others, Tate Modern, the Museum of Contemporary Art, Los Angeles, the Kunsthalle Zürich, the Kunstverein in Hamburg, Le Magasin, Grenoble, and the San Francisco Museum of Modern Art. In addition to writing for the catalogue of Roni Horn aka Roni Horn, on view at the Whitney from November 6, 2009, through January 24, 2010, Scott Rothkopf is contributing to a book on Paul Thek, which will accompany the Whitney’s retrospective in the fall of 2010.

Scott Rothkopf has served as a visiting critic at the Yale University School of Art and the School of the Museum of Fine Arts, Boston, and has participated in numerous public lectures and panels, as well as having organized and chaired “Photography and Conceptual Art” with Ed Ruscha, John Baldessari, and Jan Dibbets at Harvard University, and “Transatlantic,” a College Art Association session devoted to the interchange between American and European artists in the 1960s and ’70s. He received his undergraduate and masters degrees in the history of art and architecture from Harvard University, for which he is completing his Ph.D. on the work of Jeff Koons and the art of the 1980s .

Dana Miller Curator at the Whitney Permanent Collection

Dana Miller

Whitney Museum of American Art, New York

Since December 1, 2009, DANA MILLER  is Curator, Permanent Collection, at the Whitney Museum of American Art in New York. 

As the Whitney’s Associate Curator, Permanent Collection, for the past seven years, Dana Miller has concentrated primarily on the Museum’s collection, working with her colleagues on acquisitions, loans, and conservation projects, as well as curating exhibitions drawn from the collection. During this time, she also organized the major loan exhibition Buckminster Fuller: Starting with the Universe, co-curated with Michael Hays, which was awarded first prize for Architecture and Design exhibitions by the International Association of Art Critics in 2008. Dana Miller also co-edited the prize-winning catalogue that accompanied the exhibition. She is currently in the planning stages of a retrospective of the artist Jay DeFeo for the Whitney, which will build on an earlier show of DeFeo’s work, Beside the Rose: Selected Works by Jay DeFeo, organized by Dana Miller in 2003. 

“It has been a pleasure working with the Whitney’s talented staff for more than a decade,” said Dana Miller. “It continues to be a great privilege to participate in the development, research, and care of the permanent collection, which lies at the heart of the institution. I am particularly excited by the prospect of reconsidering narratives of American art at this time in history, and especially as the Whitney moves closer to realizing our goal of making more of our collection accessible to a wider audience.” 

Earlier this year Dana Miller co-curated Claes Oldenburg: Early Sculpture, Drawings, and Happenings Films and Claes Oldenburg and Coosje van Bruggen: The Music Room, along with curators Carter Foster and Chrissie Iles. In 2006 she was one of the co-curators of Full House: Views of the Whitney’s Collection at 75, an exhibition that filled the entire museum. She curated Overhead/Underfoot: The Topographical Perspective in Photography (2005) and was the coordinating curator for Picasso and American Art (2006–2007) as well as the Whitney installations of Cy Twombly: Fifty Years of Works on Paper (2005) and Isamu Noguchi: Master Sculptor (2004–2005). She has also organized traveling collection exhibitions, including Picturing America, which circulated to six museums in Japan (2005–2006) and Extra-Ordinary: The Everyday Object in American Art (2005–2007), which toured the United States for more than a year. She has written about the Whitney’s collection works for numerous publications.

Within the museum, Dana Miller also sits on committees dedicated to loans, issues of replication, the museum’s website, and visitor experience. Miller received her B.A. from Duke University and her M.A. in art history from Columbia University. She is a peer of the General Services Administration’s Art in Architecture Program.

Lou Reed, Romanticism Photo Exhibition

 

  © LOU REED / Steven Kasher Gallery

 

Steven Kasher Gallery (New York) presents an exhibition of NEW PHOTOGRAPHS BY LOU REED accompanying the publication of his book, ROMANTICISM (Edition 7L/Steidl, 2009). The book and exhibition feature stunning black and white and color images of landscapes and architectural motifs, shot on the artist’s travels to Scotland, Denmark, Big Sur and elsewhere. The photographs are taken with a specially altered digital camera, which gives them an aura of strangeness, or otherworldliness.  They have a timeless quality but are simultaneously very modern, like Reed himself. They are surprisingly small in scale, making these striking natural images personal, portable, and intimate.

First with his group, The Velvet Underground, and then as a solo artist, Lou Reed has been making innovations in music since the 1960s. His name has become synonymous with the New York avant-garde, and with the city itself.  With his photography, Reed has been moving out of New York, while his first collection featured portraits of the city, this new one focuses on more pastoral settings.

This collection of photographs takes its name from the 18th and 19th century art movement that sought a return to the emotion, beauty, and unknowability of the natural as a counterpoint to industrial era’s emphasis on technological development and the pursuit of rational knowledge. Reed’s images recall this impulse: they focus on the aesthetic and the sublime; the splendor of a single tree against a cloudy Scottish sky, suffused with light. There is, however, also something uncanny and eerie about some of the photographs; the absence of human figures, a road leading over a bridge into a dense, shadowy forest. Reed has recently adapted the poet and writer Edgar Allen Poe’s The Raven, the supernatural is a theme that underwrites much of his recent work. Perhaps, like the Romantics, Reed is commenting on another Industrial Revolution — the rapid developments of globalization are once again placing the natural into both literal and metaphoric danger — the beauty of his landscapes takes on a more urgent meaning.

 

Lou Reed says of his work:

          “I love photography. I love digital. I love digital. It’s what I’d always wished for. Being in the camera and experiencing the astonishing accomplishment of the creations of life sparked through the beauty of the detailed startling power of the glass lens. A new German lens brings a mist to me. The colors and light I come to see through the beauty of the camera. A love that lasts forever is the love of the lens of sharpness – of spirit warmth and depth and feeling. It makes my body pour emotion into the heartbeat of the world. A great trade and exchange. I think of the camera as my soul. Much like a guitar. My lovely Alpa has rosewood grips. What more could you need?”

 

Lou Reed has been working in multiple media for over thirty years. Along with his band, The Velvet Underground, he was inducted into the Rock 'n' Roll Hall of Fame in 1996. He has acted in and composed music for a number of films, and is the recipient of the Chevalier Commander of Arts and Letters from the French government. He is the author of Pass thru Fire: The Collected Lyrics and the play The Raven. Reed acted as guest art director for the Winter 2008/2009 issue of Francis Coppolla’s Zeotrope Magazine. His previous books of photography, both published with Steidl, are Lou Reed’s New York and Emotion in Action. Lou Reed’s latest work The Raven, published by Le Seuil, is a reworking in play form of some works of Edgar Allan Poe, illuminated by the graphic artist Lorenzo Mattotti.

 

Steven Kasher Gallery is located at 521 W. 23rd St. New York, NY 10011.

Lou Reed: Romanticism one-day exhibition was on view on December 17 and continue in back gallery from December 18 through January 9, 2010.

 

Other post on Wanafoto about Steven Kasher Gallery’s Exhibitions: Tracey Moffatt, Love and Adventures

Catalogue Expo Lanterne Magique et Film peint

 

 

CATALOGUE D’EXPOSITION

Lanterne magique et film peint
400 ans de cinéma
Une coédition Cinémathèque Française / Les Editions La Martinière

 

Auteurs :
Laurent Mannoni (Cinémathèque française)
et Donata Pesenti Campagnoni (Museo Nazionale del Cinema de Turin)
Avec un avant-propos de Francis Ford Coppola

 

Ce livre, illustré par 500 documents (plaques de verre, lanternes d’époque, films peints, affiches…) issus des collections de la Cinémathèque française et du Museo Nazionale del Cinéma de Turin, retrace toute l’histoire des lanternes magiques à travers les 10 thématiques abordés lors de l’exposition :

Vie quotidienne – Voyages - Contes et légendes - Religion et ésotérisme - Sciences et enseignement - Arts et spectacles – Erotisme - Le monde à l'envers – Fantômes – Abstraction.

Laurent Mannoni et Donata Pesenti Campagnoni racontent la révolution esthétique et technique que constituèrent les lanternes magiques ainsi que leur influence sur les débuts du cinéma.

 

Publication : octobre 2009
336 pages, format 22x28 cm
Plus de 500 illustrations
Prix de vente : 45 €

 

Présentation de l’exposition (plus d’info)

 

 

Pour les enfants à partir de 6 ans :

Lanternes magiques d’Elodie Imbeau (plus d’info)

Une co-édition Actes Sud Junior / Cinémathèque française

Lanternes Magiques Livre pour enfant

 

 

Lanternes magiques. Un livre pour les enfants à partir de 6 ans par Elodie Imbeau publié en coédition par Actes Sud Junior et la Cinémathèque Française dans la collection Atelier Cinéma

 

Ce livre a été publié alors qu’à lieu en ce moment, depuis le 14 octobre 2009 jusqu’au 28 mars 2010 l’exposition Lanterne magique et film peint. 400 ans de cinéma à la Cinémathèque française à Paris. Un beau livre, idéal pour les "petits” et que les “grands” prendront aussi plaisir à lire :)

 

Au temps où le cinéma n'existait pas encore, on connaissait déjà le secret des images projetées. Des colporteurs parcouraient les routes avec, sur le dos, de curieuses lanternes... magiques ! Dans les villages, ils racontaient toutes sortes d'histoire en projetant des images drôles, effrayantes ou mystérieuses. Parfois ces images s'animaient...

A la rencontre des inventeurs, des explorateurs et des bonimenteurs, découvrons le secret de ces étonnantes machines à rêves.

 

Chez votre libraire - 54 pages, 14 €

 

 

Pour en savoir plus sur l’exposition, sur les conférences qui l’accompagnent, sur les activités spécialement organisées pour les enfants (plus d’info)

Et pour les adultes un superbe catalogue d’exposition  (plus d’info)

Ken Kitano, Flow and Fusion

© 2009, Ken Kitano / Hisako Motoo / MEM Inc.

Dernier livre de KEN KITANO (né en 1968 à Tokyo), Flow and Fusion, vient de paraître. Le photographe japonais était présent à Paris Photo 2009, les 20 et 21 novembre, pour une séance de signature avec la galerie qui le représente, la MEM Gallery d’Osaka.

Ce livre rassemble 90 photographies en noir et blanc prises avec une obsturation lente (et un trépied) qui explique le titre de l'ouvrage du fait du rendu que produit une longue exposition. Ainsi la photo ci-dessus - que je n'ose reproduire en plus grand pour des raisons de copyright - on "voit" une foule, un flux humain, circulant sur un grand escalier urbain (*). De prime abord, sans réfléchir, la photo, vue en petite dimension ou de loin, peut donner l'impression d'une rivière photographiée en pose de longue durée (ou alors c'est le fruit d'un association d'idées liée au titre anglais : flow - flot). Cette photo illustre également parfaitement le titre de l'ouvrage dans la mesure où cette marée humaine, ainsi photographiée, donne l'image d'une fusion entre les individus. Ce que l’on voit donc surtout c’est combien la photographie nous éloigne ici de la réalité puisque cette image d'une fusion va à l'opposé de ce qui est vécu par ces hommes et ces femmes en mouvement, cherchant à tenir leur place (et sans doute, plus simplement, à tenir debout), à se frayer un chemin dans ce qui peut plus rapidement devenir une grande bousculade qu'une bonne grosse embrassade entre personne d'une même communauté fusionnelle. C'est l'une des deux photos parmi lesquels les acquéreurs de l'édition limitée à 100 exemplaires peuvent choisir. L'autre photo représente une scène de feu d'artifice avec, en contrebas, la ville. La première photo date de 1991, la seconde de 1997. La série de photos présentée dans l'ouvrage a été prise sur plusieurs années et a pour cadre la ville. En l’occurrence Tokyo où Ken Kitano est né et habite, ou sa banlieue.

Le nom complet de cette série de photos est "City Flow and Fusion". Ken Kitano a commencé à y travailler en 1989. En 1994 a lieu la première exposition qui s'intitule bien "City Flow and Fusion" et non pas seulement "Flow and Fusion". Cela est sans doute secondaire mais je le note juste dans la mesure où le véritable intitulé rend bien mieux compte du travail rassemblé dans le livre que le titre raccourcit. Pour information, l'exposition de 1994 a lieu à Tokyo à l'ICAC Weston Gallery.

Le tirage total est limité à 500 exemplaires avec :

Une édition limitée à 400 exemplaires numérotés et signés. Prix : 180 € - ¥ 18,900.

Une édition limitée et spéciale [ ;) ] de 100 exemplaires numérotés et signés par Ken Kitano, avec une photographie originale de 8x10 pouces (format d'origine). Prix : 480 € - ¥ 50,400.

(*) Pour ceux et celles qui veulent voir ou revoir les photographies de Ken Kitano et notamment des photos parmi celles figurant dans ce livre, le mieux est de vous rendre sur son site :

www.ourface.com

Dans le menu en allant sur “Works” et ensuite sur “City Flow and Fusion”, vous avez accès au texte rédigé par Ken Kitano à l’occasion de la première exposition de cette série ainsi qu’à un diaporama. La photo qui apparaît ci-dessus est la première du diaporama. La seconde pouvant être acquise avec le livre est la cinquième photo du diaporama.

FLOW AND FUSION

KEN KITANO PHOTOGRAPHS

Photographies de Ken Kitano Directeur artistique : Satoshi Machiguchi Edité par Hisako Motoo avec la participation de la MEM Gallery Octobre 2009 Couverture rigide - 108 pages - 330x360mm

Modernist Jewelry Arthur Smith

 

Exhibition Catalog is available at Brooklin Museum

 

From the Village to Vogue:
Modernist Jewelry of ART SMITH

From the Village to Vogue: The Modernist Jewelry of Art Smith will honor the gift of twenty pieces of silver and gold jewelry created by the Brooklyn-born modernist jeweler ARTHUR SMITH (1917–1982), primarily from CHARLES RUSSEL, Smith’s companion and heir. This small exhibition is on view at the Brooklyn Museum since May 14, 2008 through March 14, 2010 (and not May 17, 2009 as previously announced)

The presentation of Art Smith jewelry will be enhanced by archival material from the artist’s estate, including his working tools, the original shop sign designed by Smith, period photographs of models wearing his jewelry, preparatory sketches, and account books. Presented along with Smith’s work are twenty-three pieces of modernist jewelry from the permanent collection by such artists as Elsa Freund, William Spratling, Frank Rebajes, Eva Eisler, Ed Weiner, Claire Falkenstein, Jung-Hoo Kim, and others. Inspired by surrealism, biomorphicism, and primitivism, Art Smith’s jewelry is dynamic in its size and form. Although sometimes massive in scale, his jewelry remains lightweight and wearable due to his awareness of the female form. The jewelry dates from the late 1940s to the 1970s and includes his most famous pieces, such as a “Patina” necklace inspired by the mobiles of Alexander Calder; a “Lava” bracelet, or cuff, that extends over the entire lower arm in undulating and overlapping forms; and a massive ring with three semiprecious stones that stretches over three fingers.

Trained at Cooper Union, Art Smith, an African American, opened his first shop on Cornelia Street in Greenwich Village in 1946. He later moved the business to 140 West Fourth Street, where it remained throughout his career. Not only one of the leading modernist jewelers of the mid-twentieth century, Smith was also an active supporter of black and gay civil rights, an avid jazz enthusiast, and a supporter of early black modern dance groups.

This exhibition is organized by Barry Harwood, Curator of Decorative Arts, Brooklyn Museum. The exhibition is supported by the Harold S. Keller Fund with additional support from the Donald and Mary Oenslager Fund.

On View Since May 14, 2008 through March 14, 2010, at Brooklyn Museum

 

BROOKLIN MUSEUM
200 Eastern Parkway, Brooklyn, NY 11238-6052

http://www.brooklynmuseum.org/

 

Updated 12-2009

Galerie Arts Mel’ - Nantes

Rubrique Lieux d’exposition > Galerie d’art > France > Nantes

GALERIE ARTS MEL’

4, rue Jean Jaurès 44000 NANTES

Direction : Alexandra CHIPAN

02 51 72 11 15

artsmel [ at ] gmail.com

www.artsmel.com

Le site internet de la galerie Arts Mel' vous informe sur les expositions à venir et passées. Vous pouvez y voir des oeuvres des artistes. Le site est également doté d'un Art Shop, une galerie de vente d'oeuvres en ligne, où vous pouvez voir les oeuvres en vente avec indication de la dimension, du prix, de la technique utilisée et même payer en ligne de façon sécurisée via Paypal. La vente en ligne est assez récente et sera peut être davantage développée à l'avenir (le nombre d'oeuvres disponibles reste, pour l'instant, relativement limité). Le site permet également l’accès au blog de la galerie Arts Mel’

Comme son nom l'indique (Mel'...ange), cette jeune galerie, qui a commencé à exposer à Nantes fin 2006, est ouverte à différentes formes d'expression artistique. Cependant, comme vous pouvez le voir dans la liste des expositions passées, la très grande majorité est consacrée à la peinture... mais avec des oeuvres contemporaines de styles, d’inspiration et aux techniques extrêmement variées. Toutefois, outre la calligraphie traditionnelle chinoise (qui reste dans la famille de la peinture mais qui agrandie encore la palette des styles exposés), la galerie Arts Mel' a exposé des oeuvres en céramique de Sophie Esquenazi. Et deux expositions de photographies ont eu lieu dans cette jeune galerie nantaise.

© Galerie Arts Mel’ – Carton d’invitation à l’exposition pour le 3ème anniversaire de la galerie. Oeuvres représentées © Elie Ménard (haut - gauche) © Luis Carlos Acevedo (haut - centre) © Gautier Pitré (droite) © Tuel Le Guillerm (Peinture Pop Art)

Exposition actuelle, du 5 au 31 janvier 2010, Oeuvres de : Gautier Pitré Wenjue ZHUANG Ghislaine Ferreira Luis Carlos Acevedo Lionel Pirault

Voici la liste des expositions passées organisées par la galerie Arts Mel’ :

Exposition de peintures « Mixitude » Wenjue Zhuang (calligraphie traditionnelle chinoise) Ghislaine Ferreira Luis Carlos Acevedo 20 novembre - 31 décembre 2009

Participation au Festival Tissé Métisse le 12 novembre 2009.

Exposition anniversaire (3 ans) Avec les différents artistes de la galerie 1er octobre - 19 novembre 2009

Exposition de peintures Elie Ménard 1er juillet - 30 septembre 2009

Exposition de peintures Edith Verdickt 15 juin - 31 août 2009

Exposition de peintures Luis Carlos Acevedo Du 12 mai au 30 juin 2009

Exposition de sculptures en céramique de Sophie Ezquenazi 1er mars - 30 avril 2009

Exposition de peintures Sylvie Legendre 1er mars - 30 avril 2009

Exposition de peintures Marienne Julie 1er mars au 30 avril 2009

Les Marchés Mobiles / Abricadabroc 21 - 22 mars 2009

Exposition de peintures Tual Le Guillerm 16 décembre - 15 janvier 2009

Exposition de peintures « Icône temporelle » Laurence « LOL » Le Claire 10 novembre - 11 décembre 2008

Exposition de peintures Carlos Dominguez 17 octobre - 3 novembre 2008

Exposition de peintures « Portraits » Yves Gaudin 15 septembre - 15 octobre 2008

Exposition de peintures Gautier Pitré 15 juillet - 14 septembre 2008

Exposition de peintures « Née en 68 » Sylvie Colin Frédérique Callu 5 juin - 5 juillet 2008

Exposition de peintures « Présence Africaine » Obidie Irié Tanoh François Andrault 8 mai - 3 juin 2008

Exposition de peintures Doreen Le Marinel Denis Gautier 8 avril - 6 mai 2008

Exposition de peintures Cyril Goury-Laffont 8 avril - 6 mai 2008

Exposition de peintures Jimmy Duvauchelle 5 février - 7 avril 2008

Exposition de peintures Isabelle Lamour 5 décembre 2007 - 31 janvier 2008

Exposition de peintures « Nature Vivante » Armen Saakyan 20 octobre - 3 décembre 2007

Exposition de peintures « Urbanité » Estelle Verner Laetitia Lesafre 14 septembre - 16 octobre 2007

Exposition de peintures Fleur Claireux 2 juillet - 31 août 2007

Exposition de peintures Jean-Baptiste Célestin : 2 - 27 juin 2007

Exposition de photographies « Une invitation au voyage : Les Caraïbes » Lucien Coutil 2 - 27 mai 2007

Exposition de photographies « Les inédits de Cuba ou Cuba revisitée» : Robert To 10 - 30 avril 2007

Exposition de peintures Armen Saakyan 17 mars - 10 avril 2007

Exposition de peinture « Amba Soley La » Bruno Bourdet 5 - 16 mars 2007

Exposition de peintures « Mél’ange et Ronaces » Laure Houzé 4 février - 4 mars 2007

Exposition de peinture « Obuntu » Estelle Verner Patrick Nupert 5 janvier - 3 février 2007

Exposition de peintures « D’ici et d’ailleurs » Doreen Le Marinel Roselyne Gicquiaud-Bouchet 27 novembre 2006 - 5 janvier 2007

Exposition de peintures « Une invitation au voyage » Marie Toravel Jean-François Glabik 16 octobre 2006 - 25 novembre 2007 Updated 01-2010

Ilex Photo Books January 2010

 

  © Ilex Press

 

Ilex Press presents six new Digital SLR Photography Tips new books available on or around January 26, 2010. These Camera Bag Companions (TM) will be on your store for $6.95.

 

Digital SLR Shooting Tips

This handy camera bag guide is packed with instantly accessible insider hints and tips for perfect photography, all gleaned from some of the world's best professional photographers.

 

Digital SLR Exposure Tips

This one-stop practical guide provides an essential, concise, ready-reference to one of the most important - and elusive - aspects of photography: interpreting and capturing the right amount of light for the perfect shot.

Understanding exposure is critical for a perfect photograph. This little book provides all the answers to beginners and advanced photographers alike in learning to control and set the right exposure in all kinds of lighting conditions.

 

Digital SLR Color Photography

Inspirational as well as practical, this compact guide provides an instant reference to digital color for all those itinerant photographers who insist on traveling light.

 

Digital SLR Black & White Photography

This quick-reference guide to black and white photography offers tips into creating unique, elegant, and sophisticated images while on the move with your digital camera. The book provides instant instruction on how to see and compose great black & white shots, and how to capture images that make great results.

 

Nikon D-SLR Shooting Modes

These concise guides provide instantly accessible reminder information to those important shooting features of a Nikon camera which, sometimes, in the heat of the creative moment, one can’t quite remember how to use or set them. Each guide is specific to Nikon cameras, but not to specific models because the shorthand for the shooting features, and where to access them, is very consistent across each Nikon’s digital model.

 

Canon D-SLR Shooting Modes

These concise guides provide instantly accessible reminder information to those important shooting features of a Canon digital camera which, sometimes, in the heat of the creative moment, one can’t quite remember how to use or set them. Each guide is specific to Canon cameras, but not to specific models because the shorthand for the shooting features, and where to access them, is very consistent across each Canon’s digital model.

 

This edition: Trade Paperback, 112 / 128 pages
Publication Date: January 26, 2010
Price: $6.95

 

Ilex Press books are published under its own imprint, ILEX, throughout the World (excluding North America) in the English language, and are distributed in these markets by Thames & Hudson. In North America Ilex Press books are sold under various imprints by well-known publishers such as The Reader's Digest, Chronicle Books, Abrams, Harper Collins, Watson Guptill, St Martin's Press, Running Press, and O'Reilly.

Ilex books are translated into many languages including French, German, Dutch, Spanish, Portuguese, Italian, Polish, Russian, Chinese, Korean, etc.

Palais Lumière – Evian – Expositions

Rubrique : Lieux d’exposition > France > Haute-Savoie

 

Exposition actuelle :

Léonard Gianadda d’une image à l’autre, Exposition de photographies (plus d’infos) 

Jusqu’au 31 janvier 2010

 

Prochaines expositions :

Du 20 février au 23 mai 2010
Jean Cocteau « Sur les pas d’un magicien » (Arts graphiques, littérature, photos, cinéma, théâtre, céramique...)

Du 12 juin au 19 septembre 2010
Fondation Sandretto - Collection d’art contemporain sur la thématique de l’eau

 

Inauguré en juin 2006, le Palais Lumière a obtenu le Grand prix national de l’ingénierie touristique décerné par ODIT France en 2007.

Le Palais Lumière est à l’origine un établissement thermal. Il est l’un des plus beaux témoignages de l’architecture des villes d’eaux du début du XXe siècle. Situé face au splendide lac Léman, il bénéficit d’un emplacement privilégié. Il est tout proche de l’hôtel de ville qui était l'ancienne villa des frères Lumière.

En 1996, la Ville d’Evian est redevenue propriétaire du bâtiment et s’est préoccupée de sa préservation. Peu après, sa façade principale, son hall d’entrée, son vestibule et ses décors ont été inscrits à l’inventaire des Monuments historiques. Une réflexion sur une nouvelle utilisation du lieu a été lancée et a abouti au projet de reconvertir l’édifice en centre culturel et de congrès. Le projet s’inscrit dans la perspective plus générale de redynamiser l’économie touristique locale. Le Palais Lumière devant devenir le symbole de la ville - à la place de son casino, serait-on tenté de dire.

Autour du hall central restauré à l’identique, le bâtiment (4200 m2 de surfaces utiles) accueille :

- un centre de congrès de 2200 m2, pour l’accueil de congrès nationaux et internationaux, comprenant une salle de 382 places, huit salles de séminaires et des espaces de détente ;
- un espace culturel de 600 m2 de salles d’exposition sur deux niveaux, hautement équipées.
- une médiathèque de 800 m2 sur trois niveaux abritant bientôt des archives historiques. Elle met à disposition tous documents confondus, quelque 40 000 références.

A l’issue d’un appel d’offres européen, la maîtrise d’oeuvre de la reconversion des Anciens-Thermes d’Evian-les-Bains a été confiée aux architectes Michel Spitz, architecte mandataire et François Chatillon, architecte du patrimoine. L’équipe a veillé à : « restituer l’esprit et la lettre de l’oeuvre de l’architecte d’origine, Brunnarius ».

Inscrit à l’inventaire des Monuments historiques, le hall principal était autrefois un lieu de mondanités qui faisait à la fois office de salle d’attente et de "buvette". Eclairé par de beaux vitraux, il a été restauré à l’identique. Il abrite en particulier quatre statues allégoriques de sources signées du sculpteur Louis-Charles Beylard.

Les parois latérales du porche d’entrée sont ornées de deux toiles marouflées « Nymphes à la Source » et « Nymphes au bord de l’eau », attribuées à Jean D. Benderly, élève de Puvis de Chavanne. La façade principale alterne pierre blanche et faïence jaune paille. C’est un choix unique dans l’architecture thermale lémanique (c'est-à-dire autour du lac Léman).

Par ailleurs, l’édifice a retrouvé le dôme qui le coiffait à l’origine. Des recherches de représentations d’époque dans les archives municipales ont permis en effet, à l’architecte du patrimoine et à un artiste de redessiner avec exactitude la géométrie de la structure et ses décors.

Enfin, les architectes ont veillé à restituer les dispositifs architecturaux majeurs comme la boîte à lumière du dôme pour privilégier la lumière naturelle au sein du bâtiment. Sur le toit, les six verrières intérieures d’origine ont été maintenues et restaurées sur place.

Grâce à son équipement et à sa programmation, la Ville d'Evian souhaite faire du Palais Lumière un espace d’exposition de référence, à l’instar des musées genevois proches, de la fondation Gianadda à Martigny ou de la fondation de l' Ermitage à Lausanne. L'objectif étant de s' inscrire dans le circuit des grands lieux d'exposition et d'activités culturelles autour du lac Léman. En trois ans le Palais Lumière est déjà parvenu à se faire un nom.

Ce nouveau bâtiment vise aussi à renforcer la capacité d’accueil de congrès nationaux et internationaux. Avec ce nouvel espace de congrès, la Ville se positionne sur les congrès de taille moyenne (moins de 400 personnes), principalement sur le marché des congrès associatifs et des conventions d’entreprise.

 

INFORMATIONS PRATIQUES

PALAIS LUMIÈRE
Quai Albert Besson
74500 Evian

La ville est située à côté de celle de Thonon (autre ancienne ville thermale) proche de Genève et de Lausanne dont elle se trouve quasiment en face, de l'autre rive du lac Léman. Montreux, Martigny, Avoriaz sont tout prêt aussi. Un service de bateaux assure des liaisons fréquentes entre les principales villes du bord du lac Léman, côté français et suisse. Evian-Lausanne est à une-demie heure par ce moyen.

Renseignements :

+33(0)4 50 83 1590 / 4 50 83 1000
courrier[@]ville-evian.fr / www.ville-evian.fr 

Ouvert tous les jours sauf le lundi de 10h à 18h

Tarifs :

• Plein tarif : 5 EUR – Dites que vous venez de la part de Wanafoto, vous aurez peut-être droit à un sourire en prime, à moins que non...
• Tarif réduit : 3 EUR (groupes d’au moins 10 personnes, enfants de 10 à 16 ans, étudiants, demandeurs d’emploi, personnes handicapées, familles nombreuses - sur présentation de justificatifs).
• 50 % de réduction sur présentation d’une carte de quotient familial « Ville d’Evian » sur le prix des entrées (plein tarif ou tarif réduit).
• Gratuit pour les enfants de moins de 10 ans, les groupes scolaires et les journalistes (sur présentation d’une carte de presse).
• Visites commentées pour les groupes, y compris scolaires, sur réservation : 50 EUR par groupe de 10 à 30 personnes, en plus du ticket d’entrée.
• Visites commentées pour les individuels : 4 EUR en plus du ticket d’entrée.

 

ACCES

PAR LA ROUTE
PARIS 580 km par A6 / A40 / N206 / D1005
LYON 190 km par A42 / A40 / N206 / D1005
ANNECY 85 km par A41 / N206 / D1005
GENÈVE 45 km par D1005 / Autoroute par la Suisse : sortie Villeneuve à 25 km

PAR BATEAU
Lausanne / Evian tous les jours de l’année
Durée de la traversée : 35 minutes
Compagnie Générale de Navigation - Téléphone : (0041) 848 811 848 / www.cgn.ch

PAR TRAIN
Gare SNCF d’Evian
Liaisons quotidiennes Paris via Bellegarde
TGV direct Paris / Evian les week-end en saison d’hiver et d’été

PAR AVION
Aéroport International de Genève à 50 km

Select 2009 UC Art Acquisition Committee Student Awards

New Zealand

SOFA Gallery, the University of Canterbury School of Fine Arts art gallery, presented Select. The 2009 UC Art Acquisition Committee Student Awards Exhibition.

The official opening event and announcement of the awards by guest judge, Jenny Harper was on December 9th.

“ The UC Art Acquisitions Committee seeks to support emerging Canterbury artists by showcasing the excellent work of final year and post-graduate students at the University of Canterbury, and acquiring examples of their work for the University’s permanent art collection. The UC Art Acquisitions Committee will acquire a maximum of four pieces for its permanent collection with the artists receiving up to $2000 for their work. “

Held between: 7 december – 20 december 2009

SOFA Gallery is located in the annex building between the North and South Quadrangles of The Arts Centre, Christchurch.

Hours: Monday to Friday: 11am-5pm - Saturday and Sunday: 12pm-4pm

Photography - In Reverse at Foam

   Human Color Wheel, No 24 © KATJA MATER

   Courtesy of the artist and Foam

Foam – Photography Museum, Amsterdam – presents an exhibition of works by a new generation of photographers who work with the medium of photography in a refreshingly uninhibited, unconventional and sometimes slightly anarchist way. Five young Dutch photographers: Constant Dullaart, Katja Mater, Jaap Scheeren, Corriette Schoenaerts and Anne de Vries use photography more as a medium, rather than a self-evident end product. In the exhibition Photography – in reverse they present mostly new work in which they combine different disciplines: photography and internet, projections, film and installations.

A major motivation for organizing this group exhibition is the fundamental changes the medium of photography has gone through in recent years. Digitalization, and with it the ever-expanding options have had consequences for the photographer’s professional practice. These developments have not only caused questions to arise regarding authenticity, originality and authorship – the photographic image itself has acquired another status. The five photographers in this exhibition are part of a generation of photographers and artists who make use of and provide commentary on the developments referred to above.

In this exhibition a range of conceptual common grounds can be found: images are often constructed to create a world entirely of their own, often with a slightly surrealist or absurdist accent; the interplay between fiction and non-fiction is experimented with and the limits of photographic language are explored. The influence of mass media and new media is also clearly present in the work.

Constructions within the space, projections, moving images and installations make up a significant part of the exhibition, in addition to more conventional methods of exhibition.

About the photographers (links to other posts)

Constant Dullaart

Katja Mater

Jaap Scheeren

Corriette Schoenaerts

Anne de Vries

The exhibition PHOTOGRAPHY – IN REVERSE can be seen since 27 November 2009 to 21 February 2010 at FOAM PHOTOGRAPHY MUSEUM – FOTOGRAFIEMUSEUM Amsterdam. Open daily 10.00-18.00, Thurs/Fri 10.00-21.00. Tickets: € 7,50

Corriette Schoenaerts – Photographer – Visual Artist

 

Dutch photographer CORRIETTE SCHOENAERTS (b. 1977) constructs her photos from various layers, together creating a new image. She calls this process ‘compression’. The image that the viewer sees, is dependent on his or her way of looking: whether the viewer specifically focuses on a single layer or on the work as a whole.

Curent Exhibition of Corriette Schoenaerts at Foam, Amsterdam

Jaap Scheeren – Photographer – Visual Artist

 

Dutch photographer JAAP SCHEEREN (b. 1979) uses media as a source of inspiration, investigating how he, as a photographer, can translate the information from interesting articles into photos. Humour is a key element in Jaap Scheeren’s work.

 

Curent Exhibition of Jaap Scheeren at Foam, Amsterdam

Anne de Vries – Photographer – Visual Artist

 

Dutch photographer ANNE DE VRIES (1977) creates new worlds, inspired by new media and our technical culture. Anne De Vries departs from an abstract, technical concept which he explores by expressly working with extremely common place means. Her work has an anarchist tone, adverse to conventions and good taste.

 

Curent Exhibition of Anne de Vries at Foam, Amsterdam

Katja Mater – Photographer – Visual Artist

 

Dutch Photographer KATJA MATER (b. 1979) also often works with installations and focuses on the medium of photography itself: its technical characteristics and its limitations. Time and synchronicity, and dimensionality are of great importance in her work.

 

Curent Exhibition of Katja Mater at Foam, Amsterdam : post with a photograph by Katja Mater.

Constant Dullaart – Photographer - Visual Artist

 

Dutch photographer CONSTANT DULLAART (b. 1979) focuses on the changes that the digital age has brought about in the medium of photography. Constant Dullaart is an (internet) artist who experiments with the visual language of new media, including the internet. He is presently investigating the influence of Photoshop image manipulation on contemporary visual language.

 

Current Exhibition of Constant Dullaart at Foam, Amsterdam

Léonard Gianadda, Photographies, D’une image à l’autre

 

 

Léonard Gianadda sur la Place Rouge, Moscou, 1957
Médiathèque Valais-Martigny

 

Léonard Gianadda

d’une image à l’autre

PHOTOGRAPHIES DE LEONARD GIANADDA

Palais Lumière d'Evian

 

  Affiche de l’exposition au Palais Lumière à Evian

 

L’exposition photo présentée au Palais Lumière d’Evian, jusqu'au 31 janvier 2010, rend hommage à la Fondation Pierre Gianadda et révèle une facette méconnue de l’homme qui a fait sa renommée, Léonard Gianadda.

 

Leonard GIANADDA - Eléments biographiques

Pour comprendre le parcours artistique de Léonard Gianadda, il faut remonter en 1950. Léonard a quinze ans lorsque sa mère, Liline, l’emmène avec ses deux frères, Jean-Claude et Pierre, à Rome pour le pèlerinage de l’Année sainte. Les voyageurs s’arrêtent à Florence, visitent Rome, poussent jusqu’à Naples. Les richesses culturelles du pays de ses ancêtres touchent Léonard au plus profond. Lors d’un deuxième voyage de deux mois en 1952, il éprouve des émotions intenses dans les vestiges de Pompéi, devant les trésors de la Ville éternelle, et à l’écoute de son premier opéra à Naples...

 

Italie, 1957, Photo Léonard Gianadda, Médiathèque Valais-Martigny

 

Puis, les voyages s’enchaînent et, de privés, deviennent professionnels. A 18 ans, Léonard Gianadda entame une carrière de photojournaliste. Le jeune étudiant parcourt le monde pour les journaux et les magazines illustrés. Il est surtout en quête de rencontres et rapporte des milliers de photographies de ses voyages. On y trouve des parentés évidentes avec les approches des grands photographes de l’époque et un regard légèrement décalé sur le monde qui l’entoure. Fort de son entregent et de ses publications, il élargit le cercle de ses activités. Il travaille pour L’Illustré, Pour tous, Radio TV Je vois tout, l’Echo illustré, Die Woche... Il est le premier correspondant de la Télévision suisse romande en Valais. Dans les rédactions ou sur le terrain, il fait la connaissance de confrères qui deviennent ses amis : Yves Debraine, Georges Gygax, Yvan Dalain, Charles-Henri Favrod…

Pourtant, dans les années 1960, il renonce à cette première carrière de photo-reporter pour en débuter une autre, celle de l’ingénieur et du mécène que le grand public connaît.

 

Le parcours de l'exposition

L’exposition est structurée autour de deux axes principaux : l’oeuvre photographique oublié des années 1950-1960 et les images en relation avec la Fondation Pierre Gianadda.

Peu après son voyage en Italie en 1950, Léonard Gianadda s’initie à la photographie. Désormais, il ne se déplace plus sans son appareil photo. Cela nous vaut des reportages qui couvrent plusieurs continents.

En 1953, Léonard Gianadda s’embarque pour le Nouveau Monde. Un périple de quatre mois le mène de New York à Philadelphie. Le virus du voyage est solidement ancré. Dans les années qui suivent, il découvre Vienne, la Yougoslavie, la Grèce, séjourne en Egypte, traverse la Tunisie, passe par Rome, Naples, Palerme, se rend au Maroc et visite l’Espagne.

La recherche d’informations et d’images inédites sur les vedettes du moment est déjà une pratique courante. De passage à Rome, en 1957, Léonard Gianadda se rend dans les studios de Cinecittà et photographie Sophia Loren, John Wayne, Anthony Perkins... A Lausanne, il rencontre Georges Simenon.

 

Sophia Loren, Photo Léonard Gianadda
Médiathèque Valais-Martigny

 

En juillet 1957, Léonard Gianadda accompagne les participants qui se rendent au Festival mondial de la jeunesse et des étudiants, à Moscou (1ère photo ci-dessus). La couverture photographique de la grande fête au stade Lénine ne représente qu’une infime partie des quelque 1200 prises de vues qu’il rapporte dans ses bagages.

 

Moscou, défilé de mode dans les grands magasins « Goum », 1957
Photo Léonard Gianadda, Médiathèque Valais-Martigny

 

Accompagné de son jeune frère Pierre, Léonard Gianadda réalise, en 1960, un tour de quatre mois de la Méditerranée. De ce voyage à travers la Bulgarie, l’Anatolie, le Liban, la Syrie, la Jordanie, l’Egypte, la Libye, la Tunisie. Il en rapporte des croquis de voyages variés.

 

Guatemala, 1961, Photo Léonard Gianadda
Médiathèque Valais-Martigny

 

Diplômé de l’Ecole polytechnique de Lausanne, ingénieur à Martigny, Léonard Gianadda renonce à sa carrière de photo-reporter. Mais il n’abandonne pas pour autant la photographie. Il relate en images son voyage sur les routes des Andes avec sa jeune épouse, en 1961, ainsi que sa traversée de l’Afrique quelques années plus tard.

 

Tchad, Fort-Lamy, 1966, Photo Léonard Gianadda
Médiathèque Valais-Martigny

 

La suite de l’exposition illustre la construction de la Fondation, ses activités et le vaste réseau d’amitiés tissé par Léonard Gianadda avec des artistes et des institutions établies aux quatre coins du monde. Trente ans de manifestations foisonnantes mises en scène dans les photographies d’Oswald Ruppen et de Marcel Imsand.

 

Léonard Gianadda, Exposition Auguste Rodin, 1984,
Photo © Oswald RUPPEN, Médiathèque Valais-Martigny

 

Projections en marge de l’exposition

- Léornard Gianadda et la Fondation Pierre Gianadda - Film Plans-Fixes tourné le 28 janvier 2008 à Martigny. Interlocuteur Jean-Henry Papilloud, image et montage Willy Rohrbach. Env. 50 mn ©Association Films Plans-Fixes

- La Fondation Pierre Gianadda fête ses 30 ans (1978-2008) d’Antoine CRETTON. Env. 30 mn ©CINE2000.

 

Commissaire d’exposition : Jean-Henry Papilloud, directeur de la Médiathèque Valais-Martigny

 

PALAIS LUMIERE - EVIAN
Pour une présentation et infos pratiques

17 octobre 2009 - 31 janvier 2010.
Tous les jours de 10h à 18h (sauf le lundi).
Fermetures les jeudis 25 décembre 2009
et 1er janvier 2010.

Entrée : 5 EUR

Le billet d’entrée donne droit à une réduction de 30 % sur les prix d’entrée des expositions à la Fondation Pierre Gianadda à Martigny.

Canon Impression Photo iPhone iPod Touch

 

Nouvelle Application d’impression photo Canon Easy-PhotoPrint pour iPhone et iPod Touch en téléchargement gratuit 

 

 

L’application “Easy-PhotoPrint for iPhone” (Canon iEPP), disponible en téléchargement gratuit, permet d’imprimer sans fil des photos à partir d’un iPhone ou d’un iPod Touch sur un multifonction Canon PIXMA MP990, PIXMA MP640 ou PIXMA MP560 (ces imprimantes sont des nouveautés 2009).

Cette application est compatible avec les iPhone 3G, iPhone 3GS et iPod Touch (OS 2.2.1 ou sup.) et permet d’obtenir des tirages Canon de très bonne qualité en trois étapes : ouverture de l’application, sélection des photos, impression. Une fois l’application Canon iEPP installée à partir de l’iTunes App Store, elle prend en charge automatiquement la partie la plus complexe de la procédure, notamment en détectant les multifonctions accessibles en connexion Wi-Fi (*), de manière à ce que l’utilisateur puisse imprimer rapidement ses photos.

Grâce aux technologies intuitives des iPhone et iPod Touch, l’utilisateur peut visualiser un index de miniatures par simple effleurement. Un glissement de deux doigts que l’on écarte sur l’image permet de l’agrandir pour mieux contrôler sa netteté avant de l’imprimer : une fonction très pratique qui évite les tirages inutiles. Ensuite, un léger tapotement sur l’image sélectionnée permet de l’envoyer directement vers le multifonction PIXMA.

 

 

Les photos téléchargées depuis des sites de partage photo en ligne, tels que Flickr ou Picassa, ou enregistrées avec l’iPhone peuvent être imprimées très facilement. De plus, l’application Canon iEPP intègre une fonction de déclencheur photo qui permet d’enregistrer et d’imprimer rapidement de nouvelles photos. Canon iEPP est compatible avec différents types et formats de papiers Canon (**) et propose des options telles que l’impression des photos avec ou sans marge.

L’application Canon iEPP est disponible en téléchargement gratuit depuis novembre 2009.

 

Notes

(*)  Pour que la détection automatique fonctionne, une connexion LAN et le service Bonjour doivent être activés sur l’imprimante.

(**)  Les types de papiers Canon pris en charge par l’application iEPP incluent le papier ordinaire, le Papier Photo Glacé Extra II, le Papier Photo Pro II, le Papier Photo Pro Platinum et le Papier Photo Satiné

.

Lanterne magique 400 ans de cinéma Expo

 

      Affiche de l’exposition à la Cinémathèque Française

 

LANTERNE MAGIQUE ET FILM PEINT

400 ANS DE CINEMA

14 octobre 2009 - 28 mars 2010

EXPOSITION A LA CINEMATHEQUE FRANCAISE

En co-production avec le Museo Nazionale del Cinema de Turin

 

L’exposition Lanterne magique et film peint révèle les richesses des deux plus belles collections mondiales de plaques de verre pour lanterne magique peintes à la main entre 1659 et les années 1920, celles de la Cinémathèque française (18 000 images) et du Museo Nazionale del Cinema de Turin (8000 images).

Ces images peintes sur verre, fixes ou mécanisées, naïves ou complexes, ont influencé les premiers metteurs en scène (Lumière, Méliès, Zecca, Chómon). Elles ont émerveillé les cinéastes classiques (Truffaut, Bergman, Fellini), mais elles ont aussi conduit les cinéastes expérimentaux d’hier et aujourd’hui (Emile Reynaud, Len Lye, McLaren, Sistiaga) à peindre sur pellicule, image par image.

La lanterne magique est un appareil d’optique apparu en 1659 aux Pays-Bas. Son inventeur est probablement l’astronome hollandais Christiaan Huygens.

La lanterne magique, aussi nommée « lanterne de peur », permet la projection, sur un écran blanc, à l’intérieur d’une salle obscure, d’images fixes ou animées. Celles-ci sont peintes sur des plaques de verre généralement de forme rectangulaire. Il faut une grande dextérité pour réaliser les figures, car la lanterne amplifie les vues qui peuvent atteindre une taille gigantesque. Il faut aussi une source lumineuse puissante, que l’on place à l’intérieur de la lanterne, et un objectif composé de plusieurs lentilles (le secret de la combinaison optique restera, au début, un secret).

 

Lanterne magique et film peint : un voyage au coeur de l’imagerie lanterniste en dix étapes

Vie quotidienne

Voyages

Contes et légendes

Religions et ésotérisme

Sciences et enseignement

Arts et spectacles

Erotisme (interdit aux enfants !)

Le monde à l’envers

Fantômes

Abstraction

 

Plusieurs moments forts rythment le parcours de l’exposition 

Le Théâtre optique d’Emile Reynaud avec ses merveilleuses « pantomimes lumineuses » ;

la salle de fantasmagorie, qui restitue le spectacle de Robertson à l’extrême fin du XVIIIe siècle ;

la lanterne magique où le visiteur pourra lui-même passer des plaques fixes et animées ;

et l’installation de l’artiste Anthony McCall, qui explore le principe même de la projection lumineuse.

 

 

 

          You and I, 2005 © Anthony McCall

 

 

ANTHONY McCALL

Les envoûtants « solid light films » (films de lumière solide) d’Anthony McCall symbolisent la pensée du scientifique Charles Patin en 1670 sur le « transport » des images, le mystérieux faisceau lumineux de la projection : les images roulent dans les ténèbres, avec leur mouvement. Le spectateur peut même traverser le faisceau lumineux qui transperce un brouillard de fumée, et apprécier ainsi la matérialité de la projection en tant que phénomène physique, esthétique et technique. McCall remonte, comme Sistiaga, aux origines du cinéma : ses oeuvres sont une tentative de déconstruction du médium cinématographique, un geste servant à l’analyse de ses composants élémentaires : le temps et la lumière.

 

AUTOUR DE L’EXPOSITION
Spectacles, films, conférences, multimédia, activités pédagogiques (plus d’infos)

 

Commissariat
Laurent Mannoni et
Donata Pesenti Campagnoni

Production de l'exposition
Christine Drouin et
Béatrice Abonyl

Scénographie
Missimo Quendolo

 

LE CATALOGUE D’EXPOSITION (plus d’info)

et un livre pour les enfants à partir de 6 ans : Lanternes magiques de Elodie Imbeau (plus d’info)

 

RENSEIGNEMENTS PRATIQUES

LA CINEMATHEQUE FRANCAISE - ACCES

Musée du cinéma Métro Bercy Lignes 6 et 14
51 rue de Bercy, 75012 Paris Bus n°24, n°64, n°87
Informations 01 71 19 33 33 En voiture A4, sortie Pont de Bercy
Parkings 77 rue de Bercy (Hôtel Mercure) ou 8 bd de Bercy
Groupes et collectivités parcours, ateliers, visites guidées, carnets de billets
Informations : 01 71 19 33 66 - Réservations : 01 71 19 33 38

EXPOSITION LANTERNE MAGIQUE ET FILM PEINT - HORAIRES ET TARIFS

Du lundi au samedi de 12h à 19h, nocturne le jeudi jusqu’à 22h. Dimanche de 10h à 20h. Fermeture le mardi.

Plein tarif - 7 € / Tarif réduit* – 6 € / Moins de 18 ans – 3,5 € / Forfait Atout Prix ou Carte CinÉtudiant : 5,5 € / Libre Pass - Accès libre
Forfait expo + film ou musée : 9€
Visites guidées : tous les samedis et dimanches à partir de 16h (durée : 1h30)
Plein tarif : 8€ - Tarif réduit : 7€ - Moins de 18 ans – 3,5€ - Forfait Atout Prix et Cinétudiant : 6,5€ - Libre-Pass : accès libre.
* Bénéficiaires tarifs réduits moins de 26 ans, demandeurs d’emplois, retraités, Rmistes / Tarifs spécifiques groupes et collectivités - Renseignements : 01 71 19 33 38

Hommage à Willy Ronis à Milan

FORMA, le “Centre international de la photographie” (Centro Internazionale di Fotografia) à Milan rend un hommage à Willy Ronis, décédé en septembre dernier, avec une exposition d’une soixantaine de photographies. D’après la FORMA, il s’agit de la plus grande exposition de photos de Willy Ronis organisée à Milan. L’exposition est intitulée “ La musica del caso. Omaggio a Willy Ronis ", débute le 4 décembre et se termine le 10 janvier.

FORMA est un organisme privé fondé en 2005 par le Corrierre della Sera, via sa fondation, avec l’agence de photo Contrasto. Une société spécifique a été créée par les deux entreprises pour cette opération : Fotospazio. L’ATM, société de transport milanaise, participe également à ce projet en louant les locaux abritant FORMA ; le Centro Internazionale di Fotografia se situant dans une ancienne importante gare de tramway qui a été entièrement rénovée.

FORMA Centro Internazionale di Fotografia Milano, Piazza Tito Lucrezio Caro, 1

La musica del caso. Omaggio a Willy Ronis

4 décembre 2009 – 10 janvier 2010

Expo E.Motion Graphique - Lille

 

 

E.Motion graphique

 

Du dessin ancien à l’animation contemporaine

 

Palais des Beaux Arts

de Lille

 

4 décembre 2009

22 février 2010

 

 

 

  © Courtesy Palais des Beaux Arts de Lille

 

Cette exposition démontre ce que l’art des XXe et XXIe siècles doit à l’acte de dessiner. Elle confronte la pratique du dessin ancien à travers des feuilles des collections du Palais des Beaux Arts de Lille - de Raphaël à Watteau, de David à Delacroix - à des créations du graphisme international contemporain.

S’organisant autour de thèmes que l’on trouve en art tels le portrait, l’architecture, le nu académique, les draperies etc, l’exposition dévoile les correspondances esthétiques et techniques entre dessin classique et film d’animation. Certains de ces dessins n’ont jamais été présentés au public

.