Lee Krasner & Norman Lewis exhibition at The Jewish Museum, NYC

From the Margins: Lee Krasner | Norman Lewis, 1945–1952 

The Jewish Museum, New York 

September 12, 2014 - February 1, 2015 

Lee Krasner (1908-1984) and Norman Lewis (1909-1979) were major contributors to Abstract Expressionism but as a woman and as an African American, respectively, they were often overlooked by the leading critics of their time. From September 12, 2014 through February 1, 2015, the Jewish Museum will present From the Margins: Lee Krasner l Norman Lewis, 1945-1952, a survey of key 1940s and 1950s works by these two powerful painters. This was a transformative period in American painting when both artists were experimenting with approaches that joined abstraction and cultural specificity. 

Their works have intriguing formal similarities while reflecting each artist’s personal sources. Krasner’s Little Image pictures relate to her childhood upbringing and study of Hebrew. Lewis’s Little People paintings reference African American cultural heritage, urban life, jazz, and textiles.

Lee Krasner and Norman Lewis were important to the development of the Abstract Expressionist artistic and social scene in New York but remained tangential to mainstream criticism during the formative period of the 1940s and early 1950s. Both artists' work of this formative period embodied the allover approach characteristic of the style. Yet, rather than the bold, gestural strokes of their peers they focused on smaller, repeated images with self-reflective cultural references. Their paintings—brimming with gesture, image, and incident—remained modest in scale compared with the canvases of many of their contemporaries. 

Lee Krasner, better known at the time as the wife of Jackson Pollock, created innovative systems and iconographies within the overall painting style of Abstract Expressionism. In her Little Image paintings, Krasner worked with small repeated pictographs that she systematically painted onto the canvas from right to left, as she was taught to write Hebrew. The shapes are not recognizable images, yet evoke letters, signs, or symbols. Meticulously crafted and intimately scaled, the Little Image works reflect her deft control of unorthodox painting methods such as applying pigments with sticks and palette knives or straight from the tube. Her art celebrates painting as a primal means of communication through an analogy with picture-based writing systems.

Norman Lewis produced unique linear abstractions that shared much conceptually and aesthetically with the work of celebrated Abstract Expressionist painters, such as Ad Reinhardt and Mark Tobey, while expressing his own identity and sources from African American culture. His Little People paintings, with their highly abstracted formal structures, make reference to the urban experience, musical structures, jazz, and African textiles. 

The paintings of Lee Krasner and Norman Lewis selected for this exhibition suggest several parallels. Developed within a key period in American art and culture, their works offer scope for reflection on interrelated themes: art and modernity; issues of artistic expression and identity, whether of class, gender, ethnicity or race; and the relations of the mainstream and the excluded. 

From the Margins: Lee Krasner l Norman Lewis, 1945-1952 is organized by Norman L. Kleeblatt, Susan and Elihu Rose Chief Curator at the Jewish Museum, and Stephen Brown, Assistant Curator. 

LEE KRASNER was one of the most radical of the first generation of Abstract Expressionist painters. Through six decades, she continually explored innovative approaches to painting and collage. Born in Brooklyn, New York, to an Orthodox Jewish family from Russia, Krasner pursued formal art training at several New York City institutions and also studied with the influential German abstract painter Hans Hofmann. She was a muralist in the Federal Arts Project and a member of the Artists Union and American Abstract Artists. Krasner married painter Jackson Pollock in 1945. Though overshadowed by Pollock, Krasner was an experienced artist well before she met him. Active in the New York art scene of the 1930s and 1940s, she introduced Pollock to the artist Willem de Kooning and critic Clement Greenberg, among others. During her time with Pollock at their home in Springs, Long Island, Krasner developed her Little Image paintings. These works are today considered among her most significant contributions to Abstract Expressionism. 

NORMAN LEWIS was the second of three sons of immigrant parents from Bermuda. His family lived on Lenox Avenue, near 132nd Street, in Harlem. Lewis studied drawing and commercial design in high school before joining the merchant marine and sailing through the Caribbean and off the coast of South America. Back in New York in the early 1930s, Lewis met Augusta Savage, the founder and director of an important art school, the Savage Studio of Arts and Crafts. From 1933 to 1935, he participated in Savage’s studio and attended Columbia University. Lewis was active in the Federal Arts Project, and was a member of the artists’ group 306, which met in the studios of Charles Alston, Henry Bannarn, and Ad Bates at 306 West 141st Street. The group formed a nucleus for creative life in Harlem and included Romare Bearden, Jacob Lawrence, Augusta Savage, and Richard Wright. The relationship between the artist and society was a frequent theme of discussion, yet from a style grounded in social realism, Lewis moved, during the early 1940s, toward abstraction. Around 1946 he began exploring an overall gestural approach to abstraction, establishing himself as the only African American among the first generation of Abstract Expressionist artists. Inspired by sources in music, nature, Asian and African art, and modern painters from Wassily Kandinsky to Mark Tobey, Lewis experimented with a wide variety of approaches to abstraction. His paintings from this time are devoid of realistic imagery while often referring to African American settings and culture. Beneath the formal elegance of Lewis’s paintings runs a characteristically subtle inflection of his lifelong social conscience and humanitarian concerns.

Exhibition Catalogue

In conjunction with the exhibition, the Jewish Museum is publishing a 96-page catalogue by Norman L. Kleeblatt and Stephen Brown, distributed by Yale University Press; with essays by Lisa Saltzman and Mia L. Bagneris. An introductory essay surveys the trajectories of Krasner and Lewis within an artistic community dominated by white men. This book offers a fresh view of the contributions of two highly significant abstract artists. Featuring 64 color illustrations, the book will be available worldwide and at the Jewish Museum’s Cooper Shop for $30.00.

From the Margins: Lee Krasner | Norman Lewis, 1945-1952 is made possible in part by The Peter Jay Sharp Exhibition Fund and The Pollock-Krasner Foundation. Endowment support is provided by The Skirball Fund for American Jewish Life Exhibitions. 

The Jewish Museum, New York 

www.thejewishmuseum.org

MONUMENTA 2016 : Huang Yong Ping

Aurélie Filippetti, ministre de la Culture et de la Communication, confie à Huang Yong Ping l'édition 2016 de MONUMENTA au Grand Palais 

Pour la première fois, l'artiste invité à MONUMENTA 2016 est sélectionné sur proposition d'un jury qui a examiné de très nombreuses possibilités. Autour de Jean-Paul Cluzel, président de la Rmn-GP et de Michel Orier, directeur général de la création artistique, le jury a réuni cinq personnalités du monde de l'art et professionnels de la culture :

- Bernard Blistène, directeur du Musée national d'art moderne-Centre Pompidou

- Fabrice Hergott, directeur du Musée d'art moderne de la Ville de Paris

- Pierre Oudart, directeur adjoint de la création artistique, chargé des arts plastiques

- María Inés Rodríguez, directrice du CAPC de Bordeaux

- Laurent Salomé, directeur scientifique de la Rmn-GP

HUANG YONG PING est un artiste français, né en Chine en 1954, reconnu sur la scène internationale. C'est à l'occasion de l'exposition « Les Magiciens de la Terre » en 1989 au Centre Pompidou qu'il s'est fait connaître en France. Il a, depuis lors, participé à de très nombreuses expositions en France et à l'étranger, parmi lesquelles, ces dernières années, « Lille 3000 Fantastic 2012», « Panthéon » au Centre d'art de Vassivière ou encore la manifestation « Estuaire » en 2012 où il a réalisé le Serpent d'océan particulièrement apprécié du public. En 2013, le MAC de Lyon lui a offert sa première exposition personnelle : « Amoy/Xiamen ».

MONUMENTA 2016 sera la septième édition de cette manifestation qui connaît un très large succès auprès de tous les publics. Organisé par la RMN-GP avec le soutien du ministère de la Culture et de la Communication, MONUMENTA, dont la 6e édition confiée à Ilya et Emilia Kabakov vient de se terminer avec succès, est désormais biennal. A lire : MONUMENTA 2014 : Bilan

Roy Lichtenstein: Intimate Sculptures, The FLAG Art Foundation, New York

Roy Lichtenstein: Intimate Sculptures
The FLAG Art Foundation, New York
June 26, 2014 – January, 31, 2015

"Lichtenstein is an artist who makes barely thick works, highly intellectualized, contextually odd, infinitely nuanced and shaped, which are curious open screens of polychrome imagery. Their physical elements make real shadows but their cartoon sentiments cast strong intuitive ones"

–Jack Cowart, Pop Up [Art]: Lichtenstein Sculpture, 1992

Following the success of  Roy Lichtenstein: Nudes and Interiors, curated by artists Hilary Harkness and Ewan Gibbs, The FLAG Art Foundation presents Roy Lichtenstein: Intimate Sculptures, an exhibition of fourteen sculptures, organized in collaboration with the Roy Lichtenstein Foundation. This exhibition marks a year long engagement with the Roy Lichtenstein Foundation, allowing FLAG the honor of presenting two rarely-seen bodies of work by one of the twentieth century’s most influential artists.

Roy Lichtenstein: Intimate Sculptures presents a selection of the artist’s sculptures and maquettes, works that playfully and pointedly blur the boundaries of drawing, sculpture, and painting. Comprised of everyday and mass-produced objects – a mirror, water glass, and coffee cup – as well as the artist’s signature brushstrokes, the works highlight Roy Lichtenstein’s ability to elevate the everyday to the iconic. Presented in a gallery space populated with furniture, the exhibition encourages engagement, inviting audiences to view historic works in an intimate setting. Maquette for House I (1996) inspired the domestic context for this environment, a later work wherein Lichtenstein reduces the structure of a cookie cutter suburban house to black outlines and primary colors – yellow siding, a blue roof, and red to accent the shutters and chimney.

Often overlooked but routinely used, commercial subjects become monuments in the artist’s hand, wherein shadow, contour, and highlight are rendered in patinated bronze. In Mirror II (1977), Roy Lichtenstein transforms a vanity mirror into a static, unchanging reflection – focusing on the form of the object while negating its intended function. Mobile III (1990) directly references Alexander Calder’s archetypal mobiles, “freezing” [1] an item whose sole purpose is to respond to movement. Rather than condense volume and function into a linear still life, these sculptures become intimate metaphors for the disposable society in which they exist.

Nodding to the physicality of the Abstract Expressionist movement and its influence on Western art, Roy Lichtenstein’s brushstroke sculptures democratize mark-making and painterly authority through isolation and reproduction. Roy Lichtenstein describes his desire to separate the brushstroke from the canvas and distill it to its purist form: “…my latest interest is probably in some way a reaction to the turn of contemporary painting back toward an expressionist path, toward the revealing of the brushstroke in the surface of the painting. Still, I am doing it my own way.”[2] Lichtenstein’s modern approach to the brushstroke continued to incorporate his signature Ben-Day dots in new and substantial forms, most evident in the figurative works Maquette for Brushstroke Head Red and Yellow (1992) and Maquette for Brushstroke Nude (1992). Roy Lichtenstein’s brushstroke sculptures are emblematic of his lifelong exploration of representation and abstraction, form and function, and high and low culture, and continue to pose the question “what constitutes art?”

Concurrent with the exhibition at FLAG, Roy Lichtenstein’s monumental sculpture, Tokyo Brushstroke I & II (1994) is on view as a long term loan by the Roy Lichtenstein Foundation at the Parrish Art Museum, Southampton, NY, made possible by The Fuhrman Family Foundation.

ROY LICHTENSTEIN

A leading figure in twentieth-century American art, Roy Lichtenstein was born in New York City in 1923.  He studied at New York’s Art Students League in the summer of 1940 before enrolling at Ohio State University where he received his B.F.A. in 1946 and his M.F.A. in 1949.  There, Roy Lichtenstein began his career-long intrigues with ideas about visual perception, the odd signs and symbols of our modern culture and an overarching desire to achieve compositional unity.  In 1951, Lichtenstein had his first one-person show in New York. In 1962 he had his first solo show with the Leo Castelli Gallery in New York and soon became an internationally recognized leader of American Pop art with paintings using dramatically isolated images selected from serial war and romance comics and generic products, all depicted in primary colors and Ben Day dots, techniques and subjects borrowed from mass media. In the succeeding decade, he moved to Southampton, New York and expanded his use of reproductions beyond advertising, postcard clichés and comic books to 1980s, Lichtenstein returned to work in the city part-time bringing with him an emphasis on expressive brushstrokes and artistic introspection. The decade also witnessed his completion of a number of public and private large-scale sculptural and painting projects. Lichtenstein’s investigations of illusionism, abstraction, serialization, stylization and appropriation continued in every media in the 1990s.  As a distinguished painter, sculptor and printmaker he received numerous honorary degrees and international prizes.  He was awarded the National Medal of Arts in 1995. At age 73, he was investigating another new fabricated reality, so called “virtual paintings.” About to embark on a series of works based on Cézanne’s bathers, the artist’s explorations were cut short by his death from pneumonia in 1997.  Two years later, the Roy Lichtenstein Foundation was established to advance the scholarship on his work.

Beginning operation in 1999 in accordance with the wishes of the artist and his immediate family, the Roy Lichtenstein Foundation’s mission is to encourage and support a broader understanding and experience of the art of Roy Lichtenstein (1923-1997) and of the contemporary art and artists of his time. The Foundation aspires to carry forward the artist’s interests and legacy to many subsequent generations of art audiences and the general public. The Foundation focuses not only on expanding the roles and development of artist-endowed foundations but also on the broader implications of Roy Lichtenstein’s art with its global relations to historical process, critical fortune, museums, galleries, collectors, critics and students, young and old.

[1] Cowart, Jack. 1992. “Pop Up [Art]: Lichtenstein Sculpture.” Roy Lichtenstein: Three Decades of Sculpture. Guild Hall Museum (proof citation)

[2] Cullen, Arthur Barrett. Roy Lichtenstein. November 1984. p. 49.

THE FLAG ART FOUNDATION
545 West 25th Street, New York, NY 10001
www.flagartfoundation.org

MONUMENTA 2014 : Bilan

Grand succès pour MONUMENTA 2014 avec plus de 145 000 visiteurs

Aurélie Filippetti, ministre de la Culture et de la Communication et Jean-Paul Cluzel, président de la Rmn-Grand Palais se réjouissent du grand succès remporté par la sixième édition de MONUMENTA.

Monumenta 2014 : Ilya et Emilia Kabakov, L'Etrange Cité

Affiche (c) RMN - Grand Palais

Confiée cette année au couple d’artistes Ilya et Emilia Kabakov, L’étrange cité a fermé ses portes dimanche 22 juin avec plus de 145 000 visiteurs (soit 3585 visiteurs/jour), une fréquentation comparable à celle des MONUMENTA d’Anselm Kiefer, Christian Boltanski ou encore Richard Serra. Il s’agit d’un très grand succès pour une installation d’art conceptuel qui a été l'occasion d'un riche débat d'idées dans la critique française et de retombées internationales exceptionnelles.

Invité à déambuler dans une cité utopique de 1500 m2 d’une blancheur éclatante sous la Nef du Grand Palais, le visiteur a suivi un parcours à la fois spirituel et poétique, le long d’une double enceinte circulaire d’abord, puis à travers des bâtiments reliés entre eux par des arches. Face à l’entrée de L’étrange cité, La Coupole de 24 tonnes en verre teinté faisait écho à l’architecture du lieu. Ses couleurs changeantes et les sons qu’elle diffusait ont capté d’emblée le visiteur avant qu’il ne s’immerge dans un univers clos. Composée de sept pavillons, cette « installation totale » l’a entraîné entre rêve et réalité, devant maquettes, dessins et tableaux. L’étrange cité s’appréhende comme un parcours initiatique dans lequel les Kabakov s’interrogent sur la condition humaine et sur « les grandes visions du progrès, de la science et de l’élévation de l’homme, qui ont pu conduire au bord du désastre » (Ilya Kabakov). 15 000 m² de panneaux de bois, 600 m² de parquet, et 17 tonnes de crépis ont été nécessaires à la réalisation de L’étrange cité. La plus grande partie des matériaux sera recyclée.

Tout au long de la manifestation, 53 médiateurs étaient à la disposition du public et l’ont guidé dans sa découverte de L’étrange cité. L’accessibilité à tous a été favorisée par des médiations et des dispositifs spécifiques  pour les malvoyants, qui ont recueilli beaucoup d'intérêt de la part des autres visiteurs, des visites en langue des signes et un partenariat avec l’association ARTZ, Action Culturelle Alzheimer, pour accueillir des personnes atteintes de la maladie d'Alzheimer.

La programmation culturelle, riche de concerts, rencontres, projections de films et performances, a attiré 13528 spectateurs. Elle a notamment été marquée par le Poème chorégraphique de Daniel Dobbels le 22 mai, le récital-spectacle Le Mystère Scriabine mis en scène par Vladimir Steyaert avec Vincent Larderet au piano le 5 juin et un concert d’improvisation Orgue et percussions par Thierry Escaich et Emmanuel Curt le 12 juin. Les Spécialistes, performances de comédiens dirigés par Emilie Rousset, metteure en scène de la compagnie John Corporation, ont également rythmé les week-ends de MONUMENTA.

Le week-end de clôture a été particulièrement festif avec La Fête de la musique animée par weloveart pour la soirée de samedi, qui a réuni 7989 personnes autour d’expériences électroniques et de performances, et Le Brunch des familles pour la matinée de dimanche.

L’application mobile L’étrange cité, le guide (utilisant la géolocalisation pour un parcours ludique et interactif) a été téléchargée gratuitement par près de 3000 visiteurs.

Pour prolonger l’expérience MONUMENTA, la Rmn – Grand Palais vient d’éditer la première monographie des Kabakov en France, un ouvrage complet de 272 pages réalisé par le commissaire Jean-Hubert Martin avec la collaboration de Bertrand Dommergue. Décryptant les œuvres antérieures du couple, il comporte également de nombreuses images in situ de L’étrange cité. Ce catalogue comporte une édition en langues anglaise et russe. 

Né en 1933 à Dnipropetrovsk (ex URSS), Ilya Kabakov est une figure majeure de la scène artistique mondiale. Dans les années 60, il entame un travail qui évoque la vie quotidienne en Russie. Depuis, ses installations, sculptures et peintures ont été exposées dans le monde entier. Née elle aussi à Dnipropetrovsk, en 1945, Emilia Kabakov est diplômée de la Faculté de Musique et a étudié la littérature espagnole à l’Université de Moscou. Ilya et Emilia Kabakov travaillent ensemble depuis 1989 et vivent à Long Island, New York.

Organisée par le ministère de la Culture et de la Communication (Direction générale de la création artistique), la Réunion des musées nationaux – Grand Palais, le ministère de la Culture de la Fédération de Russie et le département de la Culture de la Ville de Moscou et le Multimedia Art Museum Moscou (MAMM), MONUMENTA 2014 a eu pour commissaires Jean-Hubert Martin, directeur honoraire du Musée national d’art moderne, Paris, et Olga Sviblova, directrice du MAMM.

MONUMENTA a bénéficié du soutien de huit mécènes, Novatek, la Fondation Total, JCDecaux, Bug Juice, Neuflize OBC, Warner Music Group, Blavatnik Family Foundation, LVMH, du concours de Teatro Real de Madrid, la galerie THADDAEUS ROPAC (Paris-Salzbourg) et la galerie LIA RUMMA (Milan-Naples).

La prochaine édition de MONUMENTA se tiendra en 2016 sous la nef du Grand Palais. La ministre de la Culture et de la Communication annoncera très prochainement le nom de l'artiste retenu sur proposition d'un comité de sélection rassemblant des personnalités du monde de l'art. A lire : MONUMENTA 2016 : Huang Yong Ping (artiste sélectionné pour la 7ème édition).

Kristof Everart @ Galerie Eva Vautier, Nice

Kristof Everart
Galerie Eva Vautier, Nice
28 juin - 6 septembre 2014

Kepler 186f, titre mystérieux et ambitieux. Que peut-il bien cacher? Kepler, c’est Johannes Kepler, un mathématicien, astronome, astrologue allemand du seizième siècle. C’est lui qui détermina que les planètes orbitaient en ellipse autour du soleil. Il démontra aussi que leur vitesse dépendait de la distance qui les éloigne du soleil et décrivit le mouvement de chaque planète autour du notre. Kepler, c’est aussi un télescope de la NASA qui fut mis en orbite en 2009, sa mission: détecter des exoplanètes. Il tomba en panne en 2013.

Kepler 186f, c’est la première exoplanète de la taille de la Terre située dans la zone habitable du soleil Kepler 186. Elle pourrait disposer d’eau sous forme liquide, condition sine qua non à une présence de vie telle que nous la connaissons. C’est en avril 2014 que la fausse jumelle de notre Terre fut révélée au monde, à notre monde.

Quel rapport avec le travail de Kristof Everart, me direz-vous? Va-t-il nous proposer sa vision de cette planète? Des illustrations de ses paysages? De ses campagnes? Ses villes? Nous montrer ses habitants? Pas vraiment.

Les dernières œuvres d’Everart explorent les territoires, leurs frontières, leurs limites et leur étendue, le passage d’un territoire à l’autre, d’un espace à l’autre, d’un concept à un autre. Kepler 186f, c’est l’autre fantasmé, l’autre inaccessible, l’autre où tout est inconnu, tout est possible, tout est possibilité. C’est là que se situe le fil conducteur de cette exposition. Il est au-delà des recouvrements, des Transformations de son exposition à la Galerie des Ponchettes pendant l’hiver 2009. Il raconte une histoire d’expériences et de ressentis. Pour le faire, la Galerie Eva Vautier a été transformée, elle abrite maintenant un nouveau monde. La circulation est modifiée, de nouvelles zones sont nées.

Au premier niveau, le sommet d’une montagne, le passage d’un col désertique, devant, le bloquant, une sculpture posée, lumineuse, un tournant et nous voici face à de grands tableaux, paysages mouvants, taches de peintures, nuages, nuances, des formes à distinguer, invitant à la contemplation. Une atmosphère entre deux états, sobriété, légèreté, une abstraction à la limite de la figuration qui nous raconte une histoire surréaliste, une construction du hasard décidée par l’Architecte de ce monde.

A l’étage, l’air, les dessins, des arbres en suspension, du bois sculpté, un nœud de circulation menant à des trésors disposés ici et là, une partition légère, de la musique improvisée par Dorian Casacci, l’artiste musicien invité par Kristof Everart, qui propose une lecture et une illustration sonore de ce monde énigmatique. Un monde où, comme dans Twin Peaks «il y a toujours de la musique dans l’air» et l’apparence peut être trompeuse.

Plus qu’une exposition, Kepler 186f est une proposition, une traversée de territoires familiers, qu’un décalage nous rend inconnus, proches et lointains, à portée de main et d’esprit. Une réflexion plastique sur ce qui nous entoure, sur notre perception, notre appréhension et nos sensations. 

Texte Anne-Sophie Lecharme

Galerie Eva Vautier
2 rue vernier
Quartier Libération
06000 Nice
www.eva-vautier.com

The Worlds of Georgette Chen: Docudrama on Singapore’s pioneer artist

The Worlds of Georgette Chen
The first-ever docudrama on Singapore’s pioneer artist

National Gallery Singapore presents a three-part docudrama on GEORGETTE CHEN (1906 - 1993), one of Singapore’s most loved artists. Commissioned by the Gallery in the run up to its opening, the docudrama will give the dramatic worlds of Georgette Chen a contemporary relevance. Produced by Channel NewsAsia, the series will feature MediaCorp’s top actress, Rui En, as the iconic artist.

Shot on location in Europe, China and Southeast Asia, the docudrama is set in three periods: the French period from 1927 to 1933; the Chinese/Hong Kong period from 1934 to 1948; and the Penang/Singapore period from 1950 to 1980. Set against the tumultuous years of the Second World War, the storyline mirrors Georgette Chen’s artistic oeuvre. Born in 1906, Georgette Chen received her art education in Paris, New York as well as in Shanghai. Immensely inspired by her surroundings, she produced still lifes, portraits and landscapes from each phase. Her portraits of her first husband and more importantly, of herself, are painterly windows to her cinematic life.

Georgette Chen eventually found her home in Singapore and taught at the Nanyang Academy of Fine Arts until her retirement in 1981. Regarded as an important artist who contributed immensely to the burgeoning Nanyang school of painting and to Singapore’s art movement for over four decades, Georgette Chen was awarded the Cultural Medallion in 1982.

“Given the important position that Georgette Chen occupies in Singapore’s art history, which is a key focus of the National Gallery, the enactments in the form of drama will allow us to further the appreciation and understanding of Singapore’s art historical development among a new generation,” says CEO of National Gallery Singapore, Ms Chong Siak Ching. “And we will continue to explore new avenues of marketing, including digital and social media, to communicate the Gallery’s offerings to a wide audience.”

Managing Director of Channel NewsAsia, Debra Soon, adds, “There are many significant moments and people in Singapore’s history that are not sufficiently made known. For Channel NewsAsia, we want to help tell these stories for audiences as part of the record of Asia’s artistic history. We are delighted to work with the National Gallery in this ambitious project. We want to be able to bring the story of Georgette Chen to life, not to just capture her story, but to make it one that resonates with all viewers, in Singapore and beyond.”

Actress Rui En sees portraying Georgette Chen as a rare and once-in-a-lifetime opportunity. “The more I read about her, the more I realise how important the role is. In her day, it was rare for women to paint professionally. She was a pioneer on many fronts and her quiet strength and love for life will certainly inspire women today.”

The docudrama, produced by Channel NewsAsia’s English Current Affairs team, will telecast in April 2015 on Channel NewsAsia and MediaCorp Channel 5. The series will also be adapted into Chinese for telecast on Channel 8. Artworks by Georgette Chen will be on display in the DBS Singapore Gallery when the National Gallery Singapore opens in 2015.

NATIONAL GALLERY SINGAPORE
www.nationalgallery.sg

Shomei Tomatsu - Galerie Taka Ishii, Paris - Exposition inaugurale

Exposition inaugurale: Shomei Tomatsu
Galerie Taka Ishii, Paris
20 juin - 25 juillet 2014

Pour  l’exposition inaugurale de son nouvel espace à Paris, au coeur du Marais, la galerie Taka Ishii présente les oeuvres du photographe japonais Shomei Tomatsu. Une sélection de clichés des années 60 et 70 rendront compte du talent de celui qui est unanimement considéré comme le père de la photographie japonaise contemporaine. Scènes de vie, visages marqués ou paysages silencieux et  infinis, les photographies de Shomei Tomatsu prises à Tokyo, Kawasaki ou dans l’archipel d’Okinawa – où il avait choisi de passer la fin de sa vie, avant de s’éteindre en décembre 2012 -, sont autant de fenêtres ouvertes sur un Japon au temps suspendu.

Considéré comme l’un des plus grands photographes de notre temps, salué par ses contemporains comme Daido Moriyama,  Shomei  Tomatsu a inventé un regard : portant sur le Japon de l’après-guerre une attention humaniste, il a réussi à opérer le mariage de la poésie et de la politique. Né en 1930, il a été le témoin des bouleversements qui ont marqué son pays dans l’après drame nucléaire d’Hiroshima et Nagasaki. Ce sont d’ailleurs les photographies prises, à partir de 1961, des cicatrices de la bombe incrustées sur les visages et le paysage qui ont contribué à le faire connaître. Ces images, devenues mythiques, sont des monuments de pudeur et d’émotion. Dans les mêmes années, à Tokyo, son objectif est attiré par les mouvements de protestation étudiante. Sa photographie devient dès lors la rencontre entre une esthétique très affirmée et des thèmes contemporains. Puis, à partir de 1969, dans l’archipel d’Okinawa, siège de la plus importante concentration de bases américaines, ce pacifiste convaincu s’intéresse à « l’américanisation » du Japon, qui constitue selon lui le trait le plus marquant de l’après-guerre.

Grand maître du noir et blanc, Shomei Tomatsu a fait des cadrages désaxés et des gros plans les éléments de son vocabulaire artistique. Qu’il s’arrête sur les plis d’un visage ou les rides d’une mer miroitante de soleil, l’artiste parvient à créer une tension  à la fois puissante et sereine. Photographe de la blessure, voire du déchet, il offre une vision poignante de la finitude et du temps.

Accompagnant régulièrement sa photographie de textes, il  se plaît à définir sa pratique comme un simple mais intense « désir de voir ».  Dans son ouvrage Taiyo no enpitsu (Pencil of the sun) publié en 1975, il écrit : 

« Les photographes ne sont pas des médecins qui soignent, des avocats qui défendent, des intellectuels qui analysent, des prêtres qui offrent un soutien moral, des conteurs qui divertissent, des chanteurs qui soulèvent l’enthousiasme. Ils se contentent de regarder. C’est bien assez, c’est là tout. Pour un photographe, le regard fait tout. C’est pourquoi le photographe doit regarder tout ce qui existe, du début à la fin. Le photographe observe la réalité frontalement, transformant son corps tout entier en un oeil lorsqu’il regarde le monde ».

C’est ce regard singulier que la galerie Taka Ishii propose aujourd’hui de découvrir ou de redécouvrir  à travers une sélection pointue de tirages qui témoignent de la liberté et de la force de l’oeuvre de Shomei Tomatsu.

Taka Ishii Gallery Photography Paris
119 rue Vieille du Temple, 75003 Paris
www.takaishiigallery.com

Exposition Carrier-Belleuse, le Maître de Rodin, Palais de Compiègne

Carrier-Belleuse, le Maître de Rodin
Musées et domaine nationaux du Palais de Compiègne
Jusqu'au 27 octobre 2014

Albert Ernest Carrier-Belleuse (1824-1887) fut l’un des sculpteurs les plus célèbres et certainement les plus omniprésents du Second Empire. Après des débuts dans un atelier d'orfèvre, il gravit les échelons de la formation de sculpteur jusqu'à la consécration au Salon. « C’est presque une machine à sculpter... Chaque jour sortent de son atelier des bustes, des ornements, des statues, des statuettes, des bronzes, des candélabres, des cariatides ; bronze, marbre, plâtre, albâtre, il taille tout, il façonne tout, il creuse tout; mais que cette machine a d’esprit, d’imagination, de verve!» (Edouard Lockroy, « Le Monde des Arts », L’Artiste, vol.77, 1865, 40)

En effet, doué d'une aisance époustouflante il dessinait et modelait tout ce que croisait son regard. Son style naturaliste, nourri de réminiscences de la Renaissance bellifontaine et d'une fascination pour le XVIIIe siècle, s'adaptait à tous les types de sculpture et aux arts décoratifs auxquels il ne cessa de fournir des modèles. Outre ses présentations aux Salons, il produisit des éditions de sujets tirés de la mythologie, de l’histoire ou de pure fantaisie, en terre cuite, bronze ou marbre, grâce à une utilisation novatrice de la technologie du temps. Il n'est aucun domaine auquel il ne contribua.

Selon la pratique du XIXe siècle, il organisa un atelier où collaboraient de nombreux praticiens qui oeuvraient à la production de ses sculptures et de leurs «dérivés». Le jeune Auguste Rodin y travailla à ses débuts et trouva chez son maître une veine décorative perceptible par la suite dans son oeuvre; il y apprit en outre à maîtriser les moyens de sa diffusion. L’exposition, première rétrospective consacrée à Carrier-Belleuse, montre comment, à côté de Carpeaux, il incarne la sculpture du Second-Empire, son éclectisme, sa générosité, sa capacité d'invention et ses ouvertures sur des perspectives multiples qui expliquent que Rodin fut profondément marqué par son maître.

Des prêts exceptionnels des musées d'Orsay, Rodin, des Arts décoratifs de Paris, de la Cité de la Céramique, du Metropolitan Museum of Art de New York, de collections publiques et privées permettent d'apprécier l'extraordinaire qualité de son oeuvre et de mesurer son influence sur Auguste Rodin. 

Cette exposition est organisée par la Réunion des musées nationaux – Grand Palais et le Palais de Compiègne

Commissaire de l'exposition : June Hargrove, professeur à l’University of Maryland, Gilles Grandjean, conservateur en chef au Palais de Compiègne

Directeur : Emmanuel Starcky, directeur des musées et domaine nationaux du Palais de Compiègne et de Blérancourt

Scénographe : Loretta Gaïtis – architecte DESA scénographe

Publication : Catalogue de l'exposition, Editions de la RMN Grand Palais, 2014, 192 p., 180 illustrations.

Musées et domaine nationaux de Compiègne 
Site internet : www.musee-chateau-compiegne.fr

Brouillon Kub. Les artistes cubistes et la caricature au LaM, Villeneuve d'Ascq

Brouillon Kub / Les artistes cubistes et la caricature
LaM, Villeneuve d'Ascq
14 juin - 21 septembre 2014 

LUC, « Le …bisme expliqué », dessin paru dans Le Journal amusant, 

n° 698, 8 novembre 1912. Photo : N. Dewitte / LaM. 

Inspirée par un article éclairant de Jean-Claude Lebensztejn, l’exposition Brouillon Kub porte sur la réception du cubisme dans la presse illustrée pendant les années de guerre et celles qui la précèdent.

Entre 1907 et 1918, le ton se durcit à l’encontre des artistes, passant d’une entreprise de dénigrement bon enfant à une assimilation de l’avant-garde à l’envahisseur ennemi.

Parce que son principal marchand est allemand, le cubisme s’écrit alors avec un K et devient, dans l’esprit des caricaturistes, un moyen de « germaniser l’esprit français. »

Au-delà du jeu souvent mordant entre les défenseurs et les détracteurs du cubisme, cette exposition entend confronter les œuvres des artistes ciblés, représentés dans les collections du LaM, aux publications de l’époque et aux avant-courriers d’un « retour à l’ordre » de la peinture française. 

Commissariat de l'exposition :
Nicolas Surlapierre, directeur des musées de Belfort
Jeanne-Bathilde Lacourt, conservatrice en charge de l’art moderne au LaM

De Louis XIV à Louis XVI. Un art de vivre à la française - Musée du Louvre, Nouvelles salles des objets d'art

De Louis XIV à Louis XVI. Un art de vivre à la française - Musée du Louvre, Nouvelles salles des objets d'art

Au premier étage de l’aile nord et dans une partie de l’aile ouest de la cour Carrée, un chantier d’exception s’est achèvé : celui de la rénovation complète des salles consacrées aux objets d’art du règne de Louis XIV et du XVIIIe siècle. Il constitue la dernière étape des travaux du département des Objets d’art entrepris dans le cadre du projet du Grand Louvre. 

Le musée du Louvre abrite l’un des ensembles les plus riches et les plus complets jamais réunis dans une collection publique, témoignage éclatant du savoir-faire français du XVIIIe siècle, admiré dans le monde entier. Afin de donner aux visiteurs du musée une lecture plus compréhensible de cette collection, les salles ont connu un changement spectaculaire.

Une collection unique 

Les collections de l’art du XVIIIe du département des Objets d’art offrent un large panorama de la décoration intérieure, de la production des grandes manufactures, de l'artisanat et du commerce d'art, principalement français, du règne de Louis XIV à la Révolution. Elles sont constituées de boiseries et de décors peints, de tapisseries et de tapis, de meubles d'ébénisterie et de menuiserie, de bronzes d'ameublement, de marbres et pierres dures, d’orfèvrerie et de bijouterie, d’instruments scientifiques, de faïences et porcelaines européennes, de laques et porcelaines d'importation. L'origine principalement royale et princière de ces collections leur confère un caractère particulièrement remarquable, en comparaison de celles des autres musées d’arts décoratifs, en Europe et aux Etats-Unis. 

Les arts somptuaires des règnes de Louis XIV, Louis XV et Louis XVI n’ont pourtant acquis droit de cité au musée du Louvre que tardivement, à l’occasion de deux moments-clés. En 1870, lors du sauvetage in extremis de meubles et d’objets historiques retirés du palais des Tuileries et du château de Saint-Cloud avant qu’ils ne soient la proie des flammes. Puis, en 1901, lors d’un versement par le Mobilier national d’un grand nombre de chefs-d’œuvre de l’ébénisterie et de la tapisserie parisienne provenant des demeures royales et impériales. 

La générosité de très grands amateurs, tels qu’Isaac de Camondo ou Basile de Schlichting, à l’origine de legs fastueux, respectivement en 1911 et 1914, contribua à enrichir la collection au début du XXe siècle. Les enrichissements se sont poursuivis depuis de manière spectaculaire, permettant au Louvre de rassembler une des premières collections au monde. 

Un nouveau parcours muséographique

Les salles du premier étage de l’aile nord de la cour Carrée, dont l’installation remontait pour l’essentiel au début des années 1960, ont été fermées dès 2005 pour une nécessaire mise aux normes. Celle-ci impliquait, entre autres, l’établissement d’escaliers de part et d’autre du pavillon Marengo. Par ailleurs, la muséographie en place jusqu’en 2004 était encore, avec quelques aménagements plus récents, celle voulue par Pierre Verlet en 1962-1966.

A l’automne 2011 ont débuté les travaux de rénovation. La maîtrise d’oeuvre du chantier a été confiée à l’architecte Michel Goutal, suivant un projet muséographique élaboré de concert par Jacques Garcia et les conservateurs du département des Objets d’art, sous la direction de Marc Bascou, et avec l’assistance technique de la direction de la Maîtrise d’Ouvrage du musée du Louvre.

Les visiteurs peuvent ainsi maintenant découvrir un nouveau parcours muséographique de 2183 m2, comportant 33 salles et présentant plus de 2 000 objets.

Le circuit est divisé en trois grandes séquences chronologiques et stylistiques :

- 1660-1725 : règne personnel de Louis XIV et la Régence

- 1725-1755 : épanouissement du style rocaille

- 1755-1790 : retour au classicisme et règne de Louis XVI.

Les créations du Grand Siècle seront présentées dans les salles historiques du Conseil d’Etat, tandis que l’aile nord de la cour Carrée accueille une suite de period rooms, doublées de galeries de vitrines thématiques. Les premières permettent de remettre les oeuvres en contexte, les secondes de présenter les collections de céramique et d’orfèvrerie et de mettre en valeur des grands chefs d’oeuvre de la période.

La présentation essentiellement chronologique des collections a vocation à éclairer aussi bien l'histoire des techniques que celle des styles, à présenter les grandes résidences et les principales personnalités du temps : artisans, artistes ou commanditaires. A travers l'évocation des palais royaux ou princiers disparus (Saint-Cloud, Bellevue, les Tuileries, Montreuil, ...), des hôtels particuliers parisiens (hôtels Le Bas de Montargis, Dangé, de Chevreuse) et des résidences de campagne des élites (châteaux de Voré et d'Abondant), c'est toute la variété des lieux et des milieux à l'origine de la floraison des arts décoratifs des XVIIe et XVIIIe siècles, qui fonde l'arrière-plan historique de la présentation.

On y croise la famille royale (le Roi, le prince de Condé, le comte d'Artois, Mesdames de France, Marie-Antoinette), mais aussi les favorites (Madame de Pompadour, Madame du Barry), des grands seigneurs de la cour (le duc de Chevreuse, le marquis de Sourches) et des financiers parisiens (Claude Le Bas de Montargis, François-Balthazar Dangé).

La collection rend bien sûr hommages aux grands créateurs des arts décoratifs de cette période, dont on mesure mal aujourd’hui, pour certains, l’immense prestige dans toute l’Europe du temps : les ébénistes André-Charles Boulle, Charles Cressent, Bernard II Van Risenburgh, Jean-François Oeben, Martin Carlin, Jean-Henri Riesener, les orfèvres Thomas et François-Thomas Germain, les Roëttiers, Robert-Joseph Auguste, les peintres et décorateurs Charles Le Brun, Jean-Baptiste Oudry, Charles-Antoine Coypel. Les plus fameux sont logés à la Galerie du Louvre et forment, à l’instar d’André-Charles Boulle ou de Thomas Germain, des dynasties aussi renommées que durables. 

Véritables laboratoires d’invention, leurs ateliers travaillent autant pour le roi et la cour que pour les souverains étrangers, contribuant à cette diffusion de la culture française qui donne le ton à toutes les cours européennes. 

Un programme de médiation permet en outre l’intégration par des panneaux de contextualisation et des équipements multimédia, de références historiques ou sociologiques éclairant aussi bien l’histoire du goût que le monde de la production, celui des intermédiaires et marchands ou l’évolution de la commande et des usages. 

La découverte d’un art de vivre à la française : le choix des period rooms   

Au sein de chaque séquence, une attention particulière est portée à l’aménagement de period rooms, s’efforçant de rétablir des décors dans leur configuration originale. D’autres salles regrouperont dans des « évocations d’intérieur » des ensembles stylistiquement cohérents de mobilier et d’objets d’art au sein de décors recréés. Ce principe muséographique des period rooms, adopté dès le XIXe siècle par certains musées historiques ou d’arts décoratifs, permet de répondre aux attentes d’un large public, en rendant perceptible et compréhensible cet art de vivre luxueux, au raffinement inégalé, et en resituant les plus belles inventions des décorateurs et maîtres-artisans dans leur environnement naturel. 

Les period rooms ainsi réalisées permettent de restituer des décors documentés, accompagnés de meubles d’époque, comme les salons et bibliothèque de l’hôtel de Villemaré, le grand salon du château d’Abondant et la chambre de parade de l’hôtel de Chevreuse. 

En concertation avec les autres départements, sont présentés des peintures, des sculptures antiques ou modernes, des pastels et des estampes dans des installations pérennes ou des accrochages renouvelables. Le célèbre portrait de Louis XIV par Hyacinthe Rigaud est ainsi exposé dans l’une des salles du Conseil d’Etat, où est réunie l’une des plus belles collections de meubles Boulle au monde. 

La nouvelle muséographie permet notamment d’installer d’importants décors peints, comme les panneaux d’Oudry du château de Voré ou un plafond provenant du palais Pisani à Venise, attribué à Giovanni Scajario (1726-1792). Le pavillon Marengo accueillera une extraordinaire coupole peinte par Antoine-François Callet (1741-1823) pour l’hôtel de Bourbon Condé. 

Un chantier entièrement financé par le mécénat

Cette rénovation, d’un budget de 26 millions d’euros, est le premier grand projet muséographique entièrement financé grâce au mécénat. Elle a bénéficié du soutien de nombreux partenaires au premier rang desquels l’entreprise Montres Breguet, mécène principal du projet, et le Cercle Cressent du Louvre, présidé par Maryvonne Pinault, qui réunit amateurs et collectionneurs d’Objets d’art du XVIIIe siècle. 

En France et aux Etats-Unis, la Société des Amis du Louvre et les American Friends of the Louvre ont mobilisé de nombreux donateurs autour de ce projet. D’autres grands partenaires français et étrangers se sont engagés aux côtés du Louvre, en particulier MGM China, Eni, Kinoshita Group, la Fondation Stavros Niarchos, la Fondation Gilbert et Rosemary Chagoury et les Fondations Edmond de Rothschild. Enfin, deux collaborations d’envergure menées avec des musées américains, le High Museum d’Atlanta et les Fine Arts Museums de San Francisco, ont contribué au financement du réaménagement. 

Musée du Louvre

www.louvre.fr

Focus Beijing. Collection De Heus-Zomer at Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam

Focus Beijing

Collection De Heus-Zomer

Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam

14 June - 21 September 2014

The Museum Boijmans Van Beuningen presents a selection from the collection of Chinese contemporary art amassed by Henk de Heus and his wife Victoria de Heus-Zomer. The couple have been travelling to China regularly since the late nineteen-nineties, buying work by leading artists. This important private collection of contemporary Chinese art has never been exhibited in context before.

Henk de Heus and Victoria de Heus-Zomer’s collection of Chinese art is unique in the Netherlands. Since their first visit to China in 1998 they have been collecting contemporary Chinese art. Underpinning this extraordinary collection is the relationship of trust that the couple has built up with various artists over the years. In dialogue with the collectors, Museum Boijmans Van Beuningen has selected some twenty artists who represent two generations, and live and work in Beijing. The museum is showing a selection of paintings, photographs and sculptures. The exhibition is the grand finale crowning a series of three exhibitions of works from the De Heus-Zomer Collection.

Current Art from Beijing

‘Focus on Beijing: Collection De Heus-Zomer’ is an exhibition spotlighting a number of prominent artists from Beijing who represent two generations. The first grew up in the nineteen-fifties and sixties. Their works reflects strong political engagement, with allusions to China’s traumatic history and the social and cultural revolution she has undergone in recent decades. Artists like Zhang Dali (Harbin, 1963), Zhang Xiaogang (Kunming, 1958), Hai Bo (Changchun,1962) and Ai Weiwei (Beijing, 1957) represent this generation. The second generation of artists grew up in the nineteen-seventies and eighties, the period of the Chinese open-door policy. Artists like Qiu Xiaofei (Hoerbin, 1977), Wang Guangle (Fujian, 1976) and Liang Yuanwei (Xi’an, 1977) were born at a time when Chinese society was starting to turn more towards the West, a period of strong growth when the effect of market forces was becoming evident. Individuality and intuition are key to their work as artists. They know all about trends in the global art world-much more than that art world knows about developments in contemporary Chinese art.

The De Heus-Zomer Collection

Henk and Victoria de Heus-Zomer have been collecting art since the late nineteen-eighties. When they began, they were looking for things to fill the walls in their house in Barneveld. Over the years the collection grew to become a leading private collection, with numerous masterpieces by artists like Marlene Dumas, René Daniëls, JCJ VanderHeijden, Neo Rauch, Anselm Kiefer and Thomas Struth. Since 2010 they have created three exhibitions of work from the collection: in Singer Laren and last year in Museum Belvédère. Museum Boijmans Van Beuningen concludes this trilogy.

Sensory Spaces 4 - Liu Wei

The focus of Museum Boijmans Van Beuningen’s summer programme this year is contemporary Chinese art. To coincide with Focus on Beijing, the Chinese artist Liu Wei has been commissioned by Museum Boijmans Van Beuningen to make a site-specific installation for the Sensory Spaces series. In this series an artist is invited to respond to the properties of a particular space-the museum’s Willem van der Vorm Gallery- and manipulate them in an unexpected manner. Liu Wei’s monumental work is a reflection on China’s urbanization.

Focus Bejing - De Heus-Zomer Collection

Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam - 2014

English - Chinese exhibition catalogue 

Authors: Feng Boyi, Hans den Hartog Jager, Noor Mertens

Design by Stern / Den Hartog & De Vries

23 x 28 cm - 192 p. - ISBN:978-90-6918-279-7 -Hardcover

Catalogue/ARTtube: Accompanying the exhibition is a publication with contributions by Feng Boyi, Hans den Hartog Jager, Noor Mertens and Sjarel Ex. An ARTtube video is also being developed for the exhibition.

MUSEUM BOIJMANS VAN BEUNINGEN

Museumpark 18-20, 3015 CX Rotterdam

www.boijmans.nl

Color Field Works from the 1960s and 1970s @ Honor Fraser Gallery, Los Angeles, curated by Hayden Dunbar

Openness and Clarity: Color Field Works from the 1960s and 1970s
Honor Fraser Gallery, Los Angeles
June 7 — August 2, 2014

Honor Fraser Gallery presents Openness and Clarity: Color Field Works from the 1960s and 1970s, curated by HAYDEN DUNBAR. The show includes works by Josef Albers, Anthony Caro, Helen Frankenthaler, Morris Louis, Robert Motherwell, Kenneth Noland, Jules Olitski, and Frank Stella.

Assembling works rarely exhibited in Los Angeles, Openness and Clarity seeks to examine the pivotal role that Color Field painters and their direct predecessors played in the evolution of abstract art, while also proving the work's persisting ability to captivate the contemporary eye. The title of the exhibition references CLEMENT GREENBERG's catalog essay for his seminal 1964 exhibition, Post Painterly Abstraction, which championed a new group of artists that rejected painterliness in favor of an "openness and clarity" in color and contour. Organized for the Los Angeles County Museum of Art, the exhibition introduced thirty-one artists whose restrained arrangements of saturated color in vaporous soft-edged shapes and geometrical hard-edged forms reacted to the dense, gestural brushwork and raw emotion of the Abstract Expressionists. Diminishing distinctions between object and ground, these paintings formed a cool-headed and fresh visual language that de-emphasized line to privilege the perceptual effects of color: "What sets the best Color Field paintings apart is the extraordinary economy of means with which they manage not only to engage our feelings but also to ravish the eye." (Karen Wilkin, Color As Field: American Painting, 1950 – 1975, p. 17.)

Marking the fiftieth anniversary of LACMA's historic exhibition, Openness and Clarity presents a selection of exceptional works by five artists who were integral to Clement Greenberg's thesis and were instrumental in advancing abstraction in the 1960s and 1970s: Helen Frankenthaler, Morris Louis, Kenneth Noland, Jules Olitski, and Frank Stella. Though not included in Post Painterly Abstraction, the works of JOSEF ALBERTS establish a direct link between these artists' early and ongoing emphasis on color and form. As a teacher at Black Mountain College and Yale University, his work and ideas set a foundation for younger artists to expand upon and rebel against. His inclusion in this exhibition also underscores the social framework within which all of these artists were working and which provided a sphere of mutual influence. Josef Albers's Homage to the Square: Warm-Near (1966) is an example of his commitment to pure geometry and the interaction of color.

Using an all-over staining technique to achieve lyrical, floating shapes and radiant hues, HELEN FRANKENTHALER poured and applied washes of thinned paint with rags in works like Bach's Sacred Theater (1973). After Clement Greenberg showed him Helen Frankenthaler's work, MORRIS LOUIS followed her lead and embarked on intense experimentation with materials and color that led to the various acclaimed series he completed before his untimely death at age forty-nine. Kaf (1959-1960) is from his Floral series, an excellent and rarely seen example of Morris Louis's breakthrough work. Clement Greenberg also introduced KENNETH NOLAND to Hellen Frankenthaler's innovations, and like Louis (Noland's close friend) he embraced the potential of staining unprimed canvas with thinned pigments. A student of Josef Albers, Kenneth Noland invigorated his devotion to geometry with unusually shaped and stained canvases, as can be seen in works like Bolton Landing: Singing the Blues (1962) and Warm Weekend (1967). A close friend of Morris Louis and Kenneth Noland, JULES OLISKI was a bold colorist whose biomorphic forms alternately floated in monochromatic fields (as in Mushroom Joy [1959]) and pushed at the edges of the canvas (as in Z [1964]).

Known as an Abstract Expressionist and part of The New York School, ROBERT MOTHERWELL took a minimal approach to the use of color in the late 1960s, creating a series of expansive, nearly monochromatic canvases. Open No. 20: In Orange with Charcoal Line (1968) demonstrates Robert Motherwell's interest in color and composition as subjects. Like Robert Motherwell and Kenneth Noland, FRANK STELLA turned to painting as the subject matter for painting, pushing beyond the conventional rectilinear limits of the canvas and challenging notions of painting and objecthood. Sunapee IV (1966) from Franck Stella's Irregular Polygon series demonstrates his ability to marry color and form. On loan from the Museum of Contemporary Art, Los Angeles, Ctesiphon I (1968) is part of Franck Stella's Protractor Variation series and exemplifies the rigor and energy for which he became so well known. These radical geometries are echoed in ANTHONY CARO's Dumbfound (1976). On a 1960 visit from England to the United States, Anthony Caro met Clement Greenberg, Kenneth Noland, Morris Louis, and the sculptor David Smith, all of whom made a lasting impression on him. Returning to England, Anthony Caro developed a monochromatic collage style that favored open forms and horizontality, which can be seen in Dumbfound (1976).

Openness and Clarity pays tribute to the legacy of Color Field artists who paved the way for Minimalism, Conceptual, and Pop art, creating an enduring shift in the course of art history that can still be seen today.

HONOR FRASER GALLERY
2622 S. La Cienega Boulevard, Los Angeles, CA 90034
honorfraser.com

Isabel Nolan, IMMA - Irish Museum of Modern Art, Dublin - The weakened eye of day

Isabel Nolan

The weakened eye of day

IMMA - Irish Museum of Modern Art, Dublin

7 June – 21 September 2014

A new body of work, The weakened eye of day, by Irish artist Isabel Nolan, conceived as a single project for IMMA, opens to the public at the Irish Museum of Modern Art. The exhibition explores how light manifests as a metaphor in our thoughts, obsessions and pursuits and includes text, sculpture, drawings and textiles. Isabel Nolan’s works begin with the close scrutiny of individual literary or artistic works, or evolve out of consciously erratic enquiries into the aesthetics of diverse fields, such as cosmology, humoral theory, and illuminated manuscripts.

The exhibition takes its title from Thomas Hardy’s poem The Darkling Thrush (1899), in which the sun, described as ‘the weakening eye of day', is a dismal star drained of its force by a gloomy pre-centennial winter afternoon. As the sun’s gaze weakens, so flags the spirit of the poet who, until interrupted by birdsong, sees only the inevitability of death in the cold world around him. This show is a material account of the strangeness of the world from the formation of the planet’s crust to the death of the sun and the enduring preoccupation with light as a metaphor for truth. 

Isabel Nolan’s works both seduce and disarm us. Her work is underpinned by a desire to examine and capture in material form the moments of intensity that can define our encounters with the objects around us; inexplicable and unsettling moments that leave us with a heightened awareness of what is means to be alive. For Isabel Nolan this exploration happens through making things – whether these things are sculptures, textiles, photographs or texts, monumental or intimate in scale, they are presented to us as tentative and precarious markers of the experience of our place beneath the sun.

The weakened eye of day presents the process of making in its expanded form and as part of the exhibition there will be a series of talks by guests, invited by Isabel Nolan, on subjects ranging from cosmology, philosophy and aesthetics. These talks and events are part of the on-going investigative enquiries that inform The weakened eye of day and Isabel Nolan’s practice.

Isabel Nolan’s recent solo exhibitions include ‘Unmade’, the Return Gallery, Goethe Institut, Dublin (2012) and ‘A hole into the future’, The Model, Sligo (2011–12), which travelled to the Musée d’Art Moderne de Saint-Etienne, France (2012). Nolan was one of seven artists who represented Ireland at the 2005 Venice Biennale in a group exhibition, 'Ireland at Venice 2005'. Recent group shows include ‘Nouvelle Vague’, Palais de Tokyo, Paris (2013); ‘Sculptrices’, Villa Datris, Fondation pour la Sculpture Contemporain, France (2013); ‘Modern Families’, Lewis Glucksman Gallery, Cork (2013).

Isabel Nolan, The weakened eye of day is curated by Sarah Glennie, Director, IMMA, and aspects of the exhibition will travel to Mercer Union, Toronto and Vancouver's Contemporary Art Gallery.

IMMA - IRISH MUSEUM OF MODERN ART

Royal Hospital, Kilmainham, Dublin 8

www.imma.ie

Exposition Manger des yeux, Dinard, Villa Les Roches Brunes

Manger des yeux 

Villa Les Roches Brunes, Dinard 

7 juin - 7 septembre 2014 

A la Villa Les Roches Brunes, à Dinard, l’exposition « Manger des yeux » pose la question du caractère délibéré et donc signifiant, de la mise en scène de la nourriture par ceux qui la préparent. Cette « mise en assiette » traduit, à chaque époque de l’histoire, l’impact des usages, des conventions, des modes, mais aussi de la sensibilité de ceux qui font la cuisine. C’est la raison pour laquelle l’exposition évoque les figures d’un certain nombre de chefs qui, parti pris géographique faisant, se rattachent à l’histoire de la cuisine en Bretagne.

Se démarque, tout d’abord, la figure étonnante et trop souvent oubliée d’Edouard Nignon. Né à Nantes en 1865, il entre, à l’âge de 9 ans, en apprentissage dans un restaurant de cette ville, le Cambronne. Bientôt la Bretagne ne lui suffit plus. Muni d’une lettre de recommandation, il se rend à Paris où il travaille dans les plus grandes maisons. Il est chef entremettier pour l’exposition universelle de 1889, puis chef rôtisseur au Lapérouse. Se sentant à l’étroit dans la capitale, il se laisse gagner par l’appel de l’Europe où la nouveauté vient aussi de l’Est. Le voilà à Vienne puis à Saint- Pétersbourg où, en 1896, il organise le banquet du sacre du tsar Nicolas II. Fortune faite, il retourne en France en 1908 et achète le célèbre restaurant Larue, place de la Madeleine. Il meurt en 1934, à Bréal-sous-Monfort, près de Rennes.

À l’autre bout de la chaîne, se distinguent un des plus illustres chefs bretons de Paris, Alain Passard, né à La Guerche-de-Bretagne, à une vingtaine de kilomètres de Vitré, ainsi que l’ensemble des chefs étoilés du département d’Ille-et-Vilaine, selon le fameux classement du Guide Michelin : Julien Lemarié à Rennes, Sylvain Guillemot à Acigné, David Etcheverry à Saint-Grégoire, Luc Mobihan à Saint-Servan, Olivier Guérin à Saint-Méloir, Jean-Philippe Foucat à Saint-Malo, Olivier Roellinger et Raphaël Fumio Kudaka à Cancale. Tous ces cuisiniers ont été invités à réaliser la même recette de la salade dinardaise, consignée par Edouard Nignon dans son Les Plaisirs de la table, paru en 1930. Leurs réalisations, photographiées par Franck Hamel, permettront aux visiteurs de mesurer la très grande diversité des points de vue sur la mise en oeuvre des mêmes ingrédients de base par des cuisiniers différents. Leur juxtaposition permet ainsi de prendre la mesure de l’importance de la manière non seulement de présenter la nourriture mais aussi de la représenter.

C’est la question que posent, de façon générale, toutes les représentations d’une préparation culinaire ou des produits qui la composent, qu’elles soient destinées à sa description (dans des livres de cuisine ou dans des revues) ou à sa promotion par la publicité, sur tous les supports, y compris aujourd’hui sur Internet. C’est pourquoi seront présentées des affiches et des photographies de produits alimentaires, en l’occurrence bretons. La « réclame » s’est emparée, de façon très précoce, des produits de l’agriculture et de la pêche. Dans la France de la fin du XIXe, Jossot, célèbre caricaturiste, crée une affiche pour les sardines Amieux-Frères. Par la suite, la publicité vantera, dans la France de la Reconstruction, les mérites du petit pois « né en Bretagne ». Un pli était pris et les campagnes de promotion des productions agricoles de cette région, se multiplient, mobilisant, avec subtilité, des codes divers de représentation, oscillant entre le minimalisme et l’opulence.

La cuisine est un art en ce qu’elle agence, avec invention, avec raffinement, avec préciosité parfois, des ingrédients dont l’association n’est dictée par peu de nécessité matérielle. Elle exprime donc une véritable culture. Cette culture se traduit également dans la présentation des mets mais aussi dans leur représentation. Certains chefs, comme Alain Passard, n’hésitent pas à aller plus loin encore, dans la logique de la représentation artistique des ingrédients de leur cuisine. Ils ne les confient pas seulement à des tiers, photographes, mais s’engagent dans la production d’oeuvres, des collages ou des sculptures, donc, les évoquant avec poésie.

C’est à ce point de l’évolution de la représentation de la nourriture que l’exposition de la villa Les Roches Brunes rejoint celle du Palais des arts et du festival : Le festin de l'art.

Exposition Le Festin de l'art, Dinard, Palais des arts et du festival

Le Festin de l'Art

Palais des arts et du festival, Dinard 

7 juin - 7 septembre 2014 

Oeuvre © Jeff Koons. Lobster, 2003 / Pinault Collection

Au Palais des arts et du festival, à Dinard, l’exposition « Le Festin de l’art », explore la question de la relation de l’art contemporain avec la nourriture. Pendant des siècles, la nourriture a, en effet, constitué l’un des thèmes les plus constants de l’art occidental, notamment de la peinture. Il est vrai que beaucoup d’artistes ont trouvé dans la représentation de la nourriture, un thème dont la plasticité, balançant sans cesse entre la somptuosité de l’accumulation des mets et l’austérité pudique de leur rareté, s’est prêtée à d’infinies variations. Des bodegones espagnols, aux stilleben flamandes, en passant par la représentation d’une corbeille de fruits par Le Caravage, c’est toujours la même prédilection pour le genre de la nature morte alimentaire que l’on rencontre. On la retrouve au XVIIIe siècle chez Chardin quand il peint des prunes ou des fraises.

De la même manière, la représentation du repas, qu’il soit mythologique, biblique, historique, aristocratique, bourgeois ou paysan, n’a cessé de fournir aux artistes un sujet dont ils se sont délectés. Il n’est qu’à songer aux innombrables versions des Noces de Cana ou du Repas chez Lévi ou encore du Repas des pèlerins d’Emmaüs, sans compter, naturellement, le repas par excellence qu’est la Cène dont le chef-d’oeuvre de Léonard de Vinci constitue la référence absolue.

La modernité naissante n’a pas mis un terme aux variations sur ces thèmes. L’une de ses oeuvres inaugurales n’est-elle pas, justement, une scène de déjeuner, Le Déjeuner sur l’herbe, de Manet ? De la même manière, on verra les artistes phares du passage du XIXe au XXe siècle, que ce soit Manet, Cézanne ou Matisse, ne pas délaisser la ressource plastique de la représentation des aliments, avec, en général, un parti pris de très grande sobriété qu’illustrent parfaitement les pommes de Cézanne ou les oranges de Matisse.

La création contemporaine, celle des dernières décennies, a-t-elle délaissé ces thèmes ? Non, les artistes ne cessent de s’en emparer. Ils le font, tout d’abord, en perpétuant et en revisitant le « grand genre » de la nature morte, à la fois par la peinture – c’est le cas de Luc Tuymans, Philippe Cognée ou Ulrich Lamsfuss –, mais aussi, de façon intense, par la photographie. En témoignent les oeuvres de Jean-Pierre Sudre, Robert Mapplethorpe, Patrick Faigenbaum, Véronique Ellena ou Jitish Kallat. Très souvent, au-delà de la simple qualité plastique du sujet, les artistes recherchent également dans le traitement du thème, une occasion d’illustrer, la fragilité des choses, leur précarité, leur vanité.

D’autres artistes tels que Hervé Di Rosa, Martin Bruneau ou Isabelle Arthuis se sont attachés à renouveler un autre « grand genre », celui du repas tandis que Daniel Spoerri ou Andres Serrano détournent une icône du genre, la Cène de Léonard de Vinci.

Le détournement est l’un des ressorts de la création contemporaine. À travers les compressions de César, les accumulations d’Arman ou, plus récemment, les cuillers géantes de Subodh Gupta, les couverts et autres ustensiles de cuisine sont remis en perspective, tout comme l’est la nature morte, recomposée au miroir de la culture pop, à l’instar du Foodscape d’Erró, du Lobster de Koons, du Festin de Gilles Barbier ou encore de la série Junk Food d’Aurélie Mathigot.

La création contemporaine qui manifeste, dès son berceau duchampien, qu’« on peut faire de l’art avec n’importe quoi », innove cependant de façon spectaculaire, dans son approche de la question de la nourriture, en s’emparant des aliments eux-mêmes pour en faire le medium de la production d’oeuvres. C’est le cas des reliefs alimentaires figés dans une éternité artistique par Spoerri dans ses tableaux-pièges. C’est le cas également dans les buffets colorés de Dorothée Selz ou avec le Régime chromatique de Sophie Calle. Tantôt, c’est la nourriture qui devient le matériel plastique d’une nouvelle façon de faire de l’art, y compris en prenant en compte les modifications que le temps fait subir à ce matériau inédit, comme dans le Kartoffelhaus de Sigmar Polke, ou encore en instituant le repas non plus comme un objet de représentation mais comme un acte artistique en soi.

La création contemporaine, enfin, déploie dans un contexte historique qui a profondément bouleversé la relation des sociétés avec la nourriture, creusant les disparités entre les parties du monde qui y accèdent avec une abondance inédite et celles qui, déjà frappées de nombreux maux, n’y prétendent que difficilement. L’abondance de la nourriture, elle-même positive dans son principe, devient source de maux et d’inquiétudes, notamment ceux, sanitaires, liés à la surconsommation ou à la « malbouffe ». Cette abondance devient le symptôme même de la société de consommation dont les philosophes, les sociologues, certaines forces morales ou politiques, dénoncent la toute-puissance et la menace.

L’art, fidèle témoin des sociétés et des histoires dans lesquelles il est produit, manifeste, à cet égard, une large capacité de critique de la surabondance alimentaire que traduit, à la fois, la prégnance – dénoncée par Andy Warhol ou Claude Closky – des marques, devenues des icônes des temps modernes et la confusion possible – soulignée par Philippe Mayaux, Guillaume Bresson ou Thomas Mailaender – de la relation des hommes avec ce qu’ils mangent.

L’exposition rassemble près de soixante-dix oeuvres majeures provenant de nombreuses collections, dont la Collection Pinault.

Lee Bontecou at Princeton University Art Museum

Lee Bontecou: Drawn Worlds
Princeton University Art Museum
June 28 - September 21, 2014

Although most celebrated for her forceful and influential sculptures, Lee Bontecou has employed drawing as a distinct and essential part of her creative practice since the dawn of her 50-year career. She has constantly forged a capacious and profoundly original way of making and seeing, her drawings acting as fantastic spatial reflections on how we understand our place in the world in the face of dramatic scientific and technological advances, environmental decline and geopolitical strife.

Lee Bontecou: Drawn Worlds, the first museum exhibition devoted to Lee Bontecou’s drawings, presents approximately 45 works on paper loaned from such institutions as the Menil Collection, Museum of Modern Art, and Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, as well as from private collections. Spanning the artist’s drawing practice from 1958 to 2012, with images that either directly relate to her wall-mounted relief sculptures or are independent end products, the exhibition provides an entirely new perspective on Bontecou’s career and concerns. Drawn Worlds was premiered this year at the Menil Collection.

“This long overdue consideration of Lee Bontecou’s drawings is vital for anyone looking to better understand postwar American art,” said Princeton University Art Museum Director James Steward. “Her worldscapes merging elemental organic forms with machine-age aesthetics truly embody the artist’s anxiety, awe and ambivalence about contemporary life. As a body of work they are among the greatest, most singular artistic achievements of the past 50 years, and this exhibition affords us the rare opportunity to dive deeply into her exalted and very personal vision.”

LEE BONTECOU (born 1931 in Providence, Rhode Island, and raised in New York) is known for her powerful sculptures of fiberglass, cloth and metal stretched over metal armatures. Trained at the Art Students League in New York, followed by a residency in Rome, Lee Bontecou first showed her work at Leo Castelli’s gallery in 1960. Her reliefs were admired by Donald Judd, the minimal artist and iconoclast, among others. After many years of retreat from the art world—living and working in rural Pennsylvania—Lee Bontecou regained significant attention with a major museum retrospective that traveled across the United States in 2003–04. Previous exhibitions of Lee Bontecou’s work have paired drawings with her sculptures, but until now no museum exhibition has focused exclusively on her drawings.

Lee Bontecou’s complex yet accessible work has been consistently defined by the experimental nature of her technique and materials as well as by her surreal, otherworldly imagery. Her highly developed and far-reaching symbolic idiom features mysterious black holes, undulating biomorphic forms and explosive constructed geometries. According to Lee Bontecou, her project as an artist has been to encapsulate “as much of life as possible—no barriers—no boundaries—all freedom in every sense.”

The works on view in Drawn Worlds reveal Lee Bontecou’s use of soot, graphite, charcoal, pencil, ink and pastel, which the artist variously scraped, smeared, smudged or erased. Among other innovative techniques, Lee Bontecou has employed a state-of-the-art welding blowtorch to draw with soot on paper and canvas. Images that register as otherworldly fossilized landscapes contrast with shell-like forms, insects and the symmetrical decorativeness of flower drawings.

Lee Bontecou: Drawn Worlds is curated by Menil Collection Curator Michelle White under the auspices of the Menil Drawing Institute and is accompanied by an illustrated catalogue featuring essays by White, Dore Ashton and Joan Banach about the artist and her drawing practice. Kelly Baum, Haskell Curator of Modern and Contemporary Art, is coordinating the exhibition for Princeton.

Lee Bontecou: Drawn Worlds is organized by the Menil Collection, Houston, where the exhibition was realized through the generous support of Louisa Stude Sarofim; the Brown Foundation, Inc.; the Andy Warhol Foundation for the Visual Arts; the John R. Eckel, Jr. Foundation; Marilyn Oshman; Agnes Gund; and the City of Houston. The exhibition at Princeton has been made possible by generous support from the Kathleen C. Sherrerd Program Fund for American Art; the Virginia and Bagley Wright, Class of 1946, Program Fund for Modern and Contemporary Art; and the Allen R. Adler, Class of 1967, Exhibitions Fund, with additional support from the Rita Allen Foundation.

PRINCETON UNIVERSITY ART MUSEUM
Princeton, NJ 08544
artmuseum.princeton.edu