Adrian Ghenie @ Pace Gallery, Seoul

Adrian Ghenie

Pace Gallery, Seoul

September 2 - October 22, 2022

Adrian Ghenie 

Self-Portrait with Paintbrush, 2022 

© Adrian Ghenie, courtesy Pace Gallery

Pace presents an exhibition of new works on paper by Adrian Ghenie at its newly expanded gallery in Seoul. This presentation marks Adrian Ghenie’s first solo show in Asia and coincide with the inaugural edition of Frieze Seoul. Presented in the main gallery space of Pace’s Seoul arts complex, the show—spread across two floors of exhibition space— includes 28 variously sized charcoal drawings that reflect Adrian Ghenie’s experimentations in mark-making and figuration.

Adrian Ghenie, whose practice spans painting, drawing, and collage, is best known for his lush oil paintings of figures in layered, cinematic works that mine visual, political, and social histories, including those of his native Romania. Over the last five years, Ghenie has often employed the art of a particular genre or era as a starting point to develop a new body of work. He creates a kind of conflict between the story of that period and his own autobiography—this wrestling match between stories and narratives is mediated by his strokes and swathes of rich, blended color and luxurious impasto. The result is a dreamscape of visceral, distorted images layered with renditions of collaged elements and unfinished gestures.

Adrian Ghenie has now added charcoal drawing to his repertoire, and this forthcoming presentation with Pace in Seoul will be his first exhibition devoted entirely to the medium. The works in the show examine banal and sometimes grotesque figures engaged in the most typical actions of a technological society, marrying the tradition of Otto Dix and George Grosz to a contemporary vision of people obsessed with their cell phones, masked with N95s, or idly fidgeting with remote controls as they surrender to their televisions.

Beyond this handling and interpretation of the subject matter, the medium itself presents a unique challenge. The artist has devised a new process for using charcoal, almost in the manner of old master prints. He bends the dry, unforgiving charcoal to his will, achieving the liquid, sensuous imagery for which he is known.

Pace’s exhibition of Adrian Ghenie’s new body of works on paper in Seoul reflects its commitment to spotlighting its robust, international contemporary program at its expanded arts complex in the Korean capital. A Korean translation of the artist’s recent book The Hooligans—produced by Pace Publishing, the gallery’s imprint—will be available to view and purchase in the new Osulloc Tea House, which opens at the Seoul gallery complex on the occasion of the Frieze art fair in the city and will host rotating displays of prints, editions, and multiples as well as titles from Pace Publishing.

Adrian Ghenie (b. 1977, Baia Mare, Romania) adopts elements from the tradition of history painting while subverting its conventions by representing provocative subjects and undermining norms of realism. A formally trained painter, he synthesizes his technical abilities with conceptual tendencies from Dada, merging representational and abstract imagery. His practice conflates and extends painting techniques of the past, displaying both a Baroque mastery of chiaroscuro and a gestural handling of paint indebted to Abstract Expressionism. With pronounced brushwork that introduces distortions of depicted space and his subjects’ features, Adrian Ghenie’s art unearths feelings of vulnerability, frustration, and desire, invoking human experience and themes of the collective unconscious.

PACE GALLERY, SEOUL

2/3F, 267 Itaewon-ro, Yongsan-gu, Seoul

www.pacegallery.com

Juan Genovés @ Marlborough Gallery, London - Reconsidered

Juan Genovés: Reconsidered

Marlborough Gallery, London

September 9 - October 29, 2022

Juan Genovés 

El avion, 1968

Acrylic on canvas, 195 x 130.5 cm

Courtesy of Marlborough, London

The Directors of Marlborough present Juan Genovés: Reconsidered, an exhibition of early paintings by the Spanish figurative painter, created during the height of his political engagement. This presentation offers visitors an opportunity to revisit the work of an exceptional, and in many ways unique artist through a selection of works chronologically bound between 1965 and 1975, paying homage to his landmark exhibition held at Marlborough Fine Art London in 1967.

Juan Genovés was born in Valencia, Spain, in 1930, in the midst of an era of political turmoil during the Spanish Civil War, witnessing the rise of the Franco dictatorship at a young age. This environment catalysed him to emerge as a distinct artistic and activist voice in opposition to fascism and political injustice, informing his visual language and signature motif of the crowd. Developed in the early 1960s, the crowd paintings, which were typically executed from an aerial view, depict groups of people fleeing, hiding, or being harmed by agents of the state, thus creating a landscape of bodies in motion. Juan Genovés’s work was viewed as highly controversial in Spain at the time and banned from being exhibited nationwide. 

Accompanying the exhibition will be a new publication contextualizing Juan Genovés’s unique approach to the political context in which he lived. In this book Bartomeu Marí, formerly of The Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) and Barcelona Museum of Contemporary Art (MACBA), explores the topic of political engagement. For Juan Genovés, being an artist was a form of rebellion in support of the silent side. We discover before us an unusual member of a community of creators, who expanded the frontiers of what we understand as art today. Juan Genovés broadened the thematic vocabulary of post-war painting from a stage that was not very favourable to the arts and artistic experimentation and with his civic action laid the foundation for Spanish avant-garde art in the later twentieth century. 

Juan Genovés’s work is found in many significant public collections, including: The Art Institute of Chicago, Chicago, USA; Centre National d’Art Contemporain, Centre Pompidou, Paris, France; Collezione Thyssen-Bornemisza, Lugano, Switzerland; Galeria Nazionale d’Arte Moderna, Rome, Italy; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington D.C., USA; Instituto Valencià de Art Modern, Valencia, Spain; The Israel Museum, Jerusalem, Israel; Minneapolis Institute of Art, Minneapolis, USA; Montreal Museum of Fine Arts, Montreal, Quebec; Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique, Brussels, Belgium; The Museum of Modern Art, New York, USA; Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain; Museum fur Moderne Kunst, Vienna, Austria; Nagasaki Prefectural Art Museum, Nagasaki, Japan; Nationalgalerie, Berlin, Germany; The Solomon R. Guggenheim Museum, New York, USA; Museo Rufino Tamayo, Mexico City, Mexico.

MARLBOROUGH GALLERY

6 Albemarle Street, London W1S 4BY

marlboroughgallerylondon.com 

Charles Camoin @ Musée de Montmartre, Paris - Charles Camoin : Un fauve en liberté

Charles Camoin : Un fauve en liberté

Musée de Montmartre, Paris

11 mars - 11 septembre 2022

« En tant que coloriste, j’ai toujours été et suis encore un fauve en liberté »

Charles Camoin

Le Musée de Montmartre consacre une importante exposition à Charles Camoin (Marseille  1879-Paris 1965), figure méconnue du fauvisme. Sous le titre Charles Camoin, un fauve en liberté, l’exposition propose une redécouverte de son œuvre et réunit une centaine de peintures et dessins, dont certains inédits ou rarement montrés, et ce à l’emplacement même de l’un de ses ateliers, le 12 rue Cortot qu’il occupa en 1908.

À la fois chronologique et thématique, le parcours retrace la trajectoire artistique de Charles Camoin, souvent qualifié de « fauve méditerranéen ». L’accrochage explore plusieurs épisodes de sa vie qui ont permis de l’inscrire, à partir de ses liens avec Paris et la bohème montmartroise, dans le cercle de l’avant-garde internationale : d’abord sa formation parisienne à l’École des Beaux-Arts – où il se lie avec Matisse, Marquet et Manguin – et son affiliation au fauvisme ; puis sa période expressionniste, à la fois marquée par sa relation avec la peintre Émilie Charmy, la destruction de l’ensemble des toiles de son atelier en 1914 et sa mobilisation durant la Première Guerre mondiale ; enfin, ses années de maturité où il poursuit ses recherches sur le nu féminin et le paysage.

Regarder l’œuvre de Charles Camoin, c’est suivre au plus près une quête artistique ayant pour principaux cadres non seulement le Sud de la France et les rives de la Méditerranée – d’où il est originaire – mais aussi Paris et Montmartre – où il a vécu toute sa vie. La découverte de la lumière méridionale a constitué pour ses camarades un facteur décisif dans l’élaboration du fauvisme, le « vaillant Marseillais, Carlos Camoin » comme le surnommait Cézanne, de cultiver toute sa vie durant cet émerveillement. À rebours, c’est en allant vers le Nord qu’il a rejoint le fauvisme et où il a sans doute apporté sa culture méditerranéenne.

Car, si le peintre revendique son indépendance artistique et opte pour une approche sensualiste et hédoniste toute personnelle, son œuvre partage avec celle de ses camarades des spécificités communes : l’affranchissement de l’imitation du réel, la recherche d’une expression intuitive, la simplification des formes, l’autonomisation relative de la couleur, ou encore l’apparence d’improvisation rapide. 

Ses tableaux demeurent toujours une construction fondée sur l’harmonie colorée : son but est celui d’une expressivité plastique, une forme de réalisme lyrique, laquelle se place dans la perspective du fauvisme.

Le corpus exposé est notamment composé de prêts accordés par le Musée national d’Art Moderne (Centre Pompidou), le Musée d’Art moderne de Paris, les musées des Beaux-Arts de Draguignan, Grenoble, Lyon, Reims, le Musée d’Art moderne André Malraux (Le Havre), le musée Granet (Aix-en-Provence), le musée de l’Annonciade (Saint-Tropez) ainsi que par des collectionneurs particuliers français et européens. Il rassemble des œuvres de 1897 (La Mère de l’artiste sur le divan) pour la plus ancienne à 1963 (Les Grandes Baigneuses) pour la plus récente couvrant ainsi toutes les périodes de création de l’artiste.

On retiendra parmi les œuvres inédites ou rarement montrées :

La Péniche sur la Seine, vers 1902, coll. Schröder ; 

Maisons à Montmartre, vers 1908, coll. part., courtesy Galerie de la Présidence ; 

Deux Pins dans les calanques de Piana, Corse, 1910, coll. part. ; 

Fleurs et fruits sur un plateau, 1910, coll. Wolfram Greifenberg (dernière exposition en 1971) ; 

Autoportrait au chevalet, 1956, coll. part. (dernière exposition en 1961 à New York) ; 

La Croisée des chemins à Ramatuelle, vers 1957, coll. part. (dernière exposition en 1961 à New York).

Commissariat : Assia Quesnel, historienne de l’art et responsable des Archives Camoin 

Saskia Ooms, responsable de la conservation du Musée de Montmartre-Jardins Renoir Assistées de Norma Thibault et Marie Ely 

Conseil scientifique : Claudine Grammont, docteure en histoire de l’art

CATALOGUE 

Co-édition musée de Montmartre Jardins Renoir - In Fine Editions 

Édition bilingue français/anglais

Charles Camoin 

Un fauve en liberté

Catalogue de l'exposition

Essais 

« De Montmartre à Saint-Tropez, deux ateliers de Charles Camoin » 

Danièle Giraudy, conservatrice générale honoraire du patrimoine 

« Charles Camoin, un fauve en liberté » 

Assia Quesnel, historienne de l’art et responsable des archives Camoin 

« L’Atelier de Moreau et les débuts parisiens de Camoin (1898-1905) » 

Saskia Ooms, responsable de la conservation du musée de Montmartre-jardins Renoir 

« La Galerie Berthe Weill, laboratoire des avant-gardes » 

Marianne le Morvan, directrice et fondatrice des archives Berthe Weill 

« L’Affaire des toiles coupées » 

Claudine Grammont, docteure en histoire de l’art 

« Une Quête du vivant par la matière » 

Assia Quesnel 

« Camoin architecte et musicien » 

Alix Agret, docteure en histoire de l’art

Musée de Montmartre Jardins Renoir 

12 rue Cortot, 75018 Paris

museedemontmartre.fr

Catherine Goodman @ Marlborough Gallery, London - And Everything Changed

Catherine Goodman 

And Everything Changed

Marlborough Gallery, London

June 29 - August 26, 2022

CATHERINE GOODMAN

Coming Together I, 2021-22  

Oil on canvas, 204 x 209 cm

Courtesy of Marlborough Gallery

Marlborough London is pleased to present And Everything Changed, an exhibition of new work by Catherine Goodman that examines and positions human physicality into an intense relationship with the natural environment. Presented for the first time at Marlborough in London, select new works by the artist were also presented at the Masterpiece London (30 June – 6 July).

Created during London’s Covid-19 lockdown and whilst Catherine Goodman took on a new responsibility of caring for her elderly mother with advanced Alzheimer’s, this new series of paintings showcases an emergent female form in dialogue with trees and natural landscapes. Within the works, dark hair becomes tangled to form roots, and limbs extend like branches through swathes of vibrant oil paint vigorously applied to large-scale canvases. For Catherine Goodman the unprecedented yet universal experience of the pandemic allowed her imagination to take on a new visceral intensity during a period of almost complete isolation from the outside world.

Calling to mind mythological imagery recounted in Ovid’s Metamorphoses, which references Daphne’s transformation into a laurel tree to avoid Apollo’s pursuits, the landscapes and trees offer a refuge in a constantly shifting world. Catherine Goodman’s energetic painting style and heightened colours are all deeply rooted in observational drawing and her daily practice of drawing from life.

On her new body of work and practice Catherine Goodman says ‘As an artist and teacher, I - like many - relate to the world around me through my daily drawing practice and develop an intense and personal perspective of my natural subjects whether humans, plants or trees. The pandemic heightened not only my artistic focus but uncovered new meaning within my work. These paintings represent changes within the landscape, within humanity and within myself.’

CATHERINE GOODMAN (b. 1961) is based in London and Somerset. Goodman trained at London’s Camberwell School of Arts & Crafts and the Royal Academy Schools, winning the RA Gold Medal in 1987. In 2002, she won First Prize in the prestigious BP Portrait Award at London’s National Portrait Gallery. Following Goodman’s solo exhibition, Portraits from Life at the National Portrait Gallery in 2014, the Gallery acquired her portrait of film director Stephen Frears.

The Marlborough Gallery has represented Catherine for over 18 years where she has had numerous solo exhibitions, including the last house in the world in London (2016) and the light gets in in New York (2019). Other important solo exhibitions include Portraits from Life at the National Portrait Gallery in 2014 and Eve at Hauser & Wirth Somerset following five months as Artist in Residence in 2018.

Catherine Goodman is the Founding Artistic Director of the Royal Drawing School, which she established with HRH The Prince of Wales in 2000. The Royal Drawing School has since championed an array of emerging artists, such as Somaya Critchlow, Kathryn Maple, Christina Kimeze and Deanio X. In 2014, she was rewarded as a Lieutenant of the Royal Victorian Order for her services to the School.

In 2023 Catherine will open a major solo exhibition at Waddesdon Manor in Buckinghamshire. 

MARLBOROUGH GALLERY

6 Albemarle Street, London W1S 4BY

marlboroughgallerylondon.com

Toni R. Toivonen @ Galerie Forsblom, Helsinki - Death is a Painting

Toni R. Toivonen: Death is a Painting

Galerie Forsblom, Helsinki

August 19 – September 18, 2022

The chemical process brought about by the decomposition of animals in the artworks of Toni R. Toivonen (b. 1987) creates forms with the discernible features of a horse. The creation of the form is influenced by happenstance as well as by the physique of animals placed on brass. The process is based on the decomposition of matter but it records traces of the disintegration process, thereby creating a continuum for life. Art has taken Toivonen to the edge of moments in which birth and death literally co-exist. Such as when the artist immortalized fate in an artwork with a mare and foal still connected by the umbilical cord. Thus, Toivonen not only takes the history of art to the extreme of its iconic thematic but also poses the question: can death be beautiful?

Through his latest works, Toni R. Toivonen has delved even deeper into examining the concepts of life and death. Despite the naturalness of the subject, the artist has sometimes found himself in some macabre situations. Such as last Christmas, which Toivonen spent filling the abdominal cavity of a horse with 500 kilograms of molding material. The abstract form extracted from the interior of the horse provided the mold for Toivonen’s latest bronze sculpture. A mold that the animal itself spent 30 years building. In this piece, Toivonen has transformed empty space into a physical presence in a certain kind of inverted state that is arresting as a consequence of its sublime sculpting material and that awakes a quiet respect for both life and that particular animal.

In Toni R. Toivonen’s latest works the animal is harder to discern and identify because during the lengthier process the animal has already merged into its environment. Only the abstract idea of the animal remains, so in a sense, the animal has been transformed into a painting. The artworks display and reflect how we are alive, and ultimately, therefore, tell us more about life than death. Toni R. Toivonen’s photographs are also presented at the exhibition. Linking a photograph with three-dimensional artwork has been an element in Toivonen’s work from the very start of his career. The photographs echo the same process, providing another perspective of the same work. They capture the moments not imprinted on the brass but that nevertheless have intrinsic artistic value.

Toni R. Toivonen graduated from the Academy of Fine Arts in Helsinki in 2016. He won The Art of Basware global competition in 2014. He has exhibited in prominent venues including London, New York and Berlin. His work is found in collections such as the Museum of Contemporary Art in Krakow MOCAK, the Kiasma Museum of Contemporary Art, the Saastamoinen Foundation, the Sara Hildén Museum of Art, Vantaa Art Museum, the Wihuri Foundation, the Nelimarkka Foundation, and the Handelsbanken Collection in Sweden.

The animals used in the artist’s works died of natural causes. 

 

The exhibition is supported by the Finnish Cultural Foundation and the sculptures were produced in collaboration with Art Foundry Sinisalo Oy (Taidevalimo Sinisalo Oy).

GALERIE FORSBLOM

Yrjönkatu 22, 00120 Helsinki

www.galerieforsblom.com

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Verre - 30 ans d'innovations au Cerfav @ Musée des Beaux-Arts de Nancy

Verre - 30 ans d'innovations au Cerfav

Musée des Beaux-Arts de Nancy

26 mars - 18 septembre 2022

Verre - 30 ans d'innovations au Cerfav

Exposition au Musée des Beaux-Arts de Nancy

L’exposition est organisée à l'occasion des 30 ans du Centre européen de recherches et de formation aux arts verriers (Cerfav). Les réalisations de créateurs verriers formés au Cerfav, depuis son installation à Vannes-le-Châtel en 1991, sont réunies dans différents espaces du musée des Beaux-Arts de Nancy.

ALINE THIBAULT

Au fil de, 2015 

Plomb, verre float, MNA, soufflé, 

vergettes en acier, étain, machine à coudre 

© François Golfier

Aline Thibault est née en 1985, à Angers. Après un master dans les métiers des arts et de la culture à la Sorbonne, elle poursuit par un master en relations internationales à l’Institut français. Elle participe à des projets de coopération et d’action culturelle à l’étranger avant de se convertir aux techniques verrières au Cerfav. Diplômée Créateur verrier en 2015, elle poursuit en Concepteur créateur en 2019. Désormais à son compte, elle travaille la matière de manière sensible et poétique. Elle cultive une curieuse alchimie entre la pensée et la conception, le matériau et l’outil, l’intention et le hasard.

ÉLISE DUFOUR

Orageuse, 2021

Feuille de verre thermoformée et sablée

Collection de l’artiste

© Isabelle Martin

Élise Dufour est née en 1982, à Louviers. Elle se forme d’abord à l’École supérieure d’art et de design d’Orléans (2003), où elle apprend à expérimenter plusieurs matériaux. C’est finalement le verre qu’elle choisit, pour sa transparence et la diversité des techniques de travail de la matière à chaud et à froid. Elle poursuit sa formation au Cerfav, d’abord en obtenant le titre de compagnon verrier européen (2007-2008), puis de concepteur créateur en métier d’art (2008-2009). Installée en Île-et-Vilaine depuis 2020, elle conçoit dans son atelier aussi bien des sculptures que des objets utilitaires et des bijoux en verre. 

Le visiteur découvre au rez-de-chaussée des salles d’exposition temporaire une sélection de projets artistiques et design, constituant à la fois la rétrospective des trente années d’existence du Cerfav, tout en soulignant la place indéniable qu’occupent ses élèves devenus les acteurs de la création verrière contemporaine. Une déambulation poétique est proposée au fil d'une cinquantaine d’oeuvres, regroupées autour de notions récurrentes dans l'univers des créateurs verriers : Équilibres, Éclats, Textures, Illusions, Fictions, Mémoires et Hybridations.

En complément à l’exposition, plusieurs oeuvres s’intègrent dans le parcours permanent. Tout en témoignant de la vigueur créative des artistes verriers contemporains, elles invitent à interroger le rapport habituel aux collections et suscitent des rapprochements inédits.

Organisée par les équipes de Nancy-Musées en partenariat avec le Cerfav, l’exposition rassemble des oeuvres d’art contemporaines en verre, des photographies, des vidéos et des documents d’archives, au sein d’un double parcours réparti entre le rez-de-chaussée des salles d’exposition temporaire et certains espaces du parcours permanent du musée des Beaux-Arts de Nancy.

Commissariat général :

Susana Gállego Cuesta, directrice du musée des Beaux-Arts de Nancy

Denis Garcia, directeur du Cerfav (2000-2021) – Marie-Alice Skaper, directrice du Cerfav (2022-)

Commissariat scientifique :

Marion Pacot, chargée des collections XIXe-XXIe siècles du musée des Beaux-Arts de Nancy

Anne Pluymaekers, responsable du service médiation artistique, culturelle, scientifique et technique du Cerfav

MUSÉE DES BEAUX-ARTS DE NANCY 

3 place Stanislas, Nancy

musee-des-beaux-arts.nancy.fr

Independent 20th Century 2022 Art Fair, New York

Independent 20th Century

Battery Maritime Building, New York

September 8 - 11, 2022

Battery Maritime Building

Courtesy of Etienne Frossard and Independent New York

Independent 20th Century focuses on artists who made a significant contribution to art history between the years 1900 and 2000, yet who were uncelebrated in their day. These artists are now being championed by a generation of gallerists who are reassessing the canon to make it more inclusive and representative of our times. 

The annual event will take place at the historic Battery Maritime Building at Cipriani South Street in downtown Manhattan on September 8-11, 2022, coinciding with the fall art fair calendar. More than 30 international gallerists with museum-quality programs will be present at Independent 20th Century.  It will be the second of two fairs to take place in the organization’s 13th year.  

Social movements such as #MeToo and Black Lives Matter, and unprecedented global scares such as the pandemic, have shaken the art world and given voice to a much more diverse community of artists with a completely different historical and creative ancestry. Independent 20th century will tell the stories of these artists, who were ahead of their time and whose stories have not yet been told, through a new fair framework, and thanks to gallerists who seek to redefine art history by revisiting the past — a past that looks much more like us. 

One of the most exciting generational, social and political shifts in the contemporary art market in recent years has been the emergence of a new wave of gallerists championing a diverse set of artistic propositions, whether by living artists or by their historical forebears. Independent is launching a mission-oriented fair to provide a platform for this reexamination — to question previous assumptions about art history, and present chapters in that history that went unnoticed, generating a debate about what art history and the canon should be.  

The approach taken by this new generation of gallerists, most of whom were born after 1970, has been an inspiration to us. They have consistently supported art that falls outside the dominant canon.  Independent 20th Century will deliver an inclusive and critical space for the reassessment of women artists, artists of color, and artists from geographical territories and communities outside the major cultural capitals of the world. 

For collectors, contemporary art is constantly being redefined to include works from a variety of periods, living artists and estates. At Independent Art Fair — founded in 2010 and recognized as a launchpad for emerging artists who have gone on to achieve international fame — more than 30 percent of the 2022 edition were devoted to previously unseen or unrecognized historical art. 

At the moment, there is not a single fair that extends the notion of Contemporary art beyond 1970 to include the entire 20th century, or that is predictive of this emerging and increasingly dominant phenomenon known as Contemporary art.  The time is right to create a focused experience for collectors who are interested in work from across this widening spectrum, and who value connections between geographies, zeitgeists, and avant-garde movements. 

Matthew Higgs, Independent’s founding curatorial advisor, notes: “The ongoing, and necessary reassessment of the art historical canon is perhaps the defining characteristic of the 21st Century art world.  Independent 20th Century will seek to amplify this narrative through its focused presentations by a cross-generational community of defiantly idiosyncratic artists.”

Independent 20th Century has been conceived in close collaboration with a core group of gallerists and curatorial advisors: Alma Luxembourg, of Luxembourg + Co., London; Joseph Nahmad, of Nahmad Contemporary, New York, Gió Marconi, of Gió Marconi, Milan and Vito Schnabel, of Vito Schnabel Gallery, New York /St. Moritz.  Founder, Elizabeth Dee states, “I am inspired to work closely with this new generation to reassess the work of artists of the 20th century. Together, we are creating a completely new space for this growing network of gallerists and collectors.” 

INDEPENDENT 20TH CENTURY

Battery Maritime Building at Cipriani South Street

10 South Street, New York, NY 10004

www.independenthq.com

Simon Hantaï @ Fondation Louis Vuitton, Paris - Simon Hantaï (1922-2008). L'exposition du centenaire

Simon Hantaï (1922-2008)

L'exposition du centenaire

Fondation Louis Vuitton, Paris

18 mai - 29 août 2022

A l’occasion du centenaire de la naissance de Simon Hantaï (1922-2008), la Fondation présente une exposition rétrospective, sous le commissariat d’Anne Baldassari et organisée en collaboration avec la famille Hantaï, rassemblant environ 150 oeuvres de l’artiste dont près de la moitié jamais exposées, pour la plupart de grands formats et centrée sur les années 1957-2004. Ce panorama impressionnant de l’oeuvre de l’artiste est présenté sur trois niveaux du bâtiment de Frank Gehry totalisant une surface d’environ 2 700 m2.

Pour cette rétrospective, le fonds d’atelier, en grande partie inédit, de l’oeuvre de Simon Hantaï est montré de manière exceptionnelle. A ce fonds d’atelier sont jointes une quinzaine d’oeuvres à caractère historique, emblématiques de sa démarche des années 1957-1960, dont l’artiste fit le plus souvent don à des institutions publiques ou issues de grandes collections particulières en France ou à l’étranger. Enfin, sept oeuvres de Simon Hantaï conservées dans la collection de la Fondation Louis Vuitton complètent cet ensemble.

L’exposition prend comme point de départ de son parcours didactique la peinture Écriture rose (1958 - 1959, donation de l’artiste à l’Etat. Musée national d’art moderne / CNACGP) et couvre les grandes périodes successives de son oeuvre depuis les Peintures à signes, Monochromes, Mariales, Catamurons, Panses, Meuns, Études, Blancs, Tabulas, Peintures polychromes, Sérigraphies, Laissées, Suaires et Buées (H.B.L). Le parcours inclut une salle dédiée au « dernier atelier » (après 1982) photographié par Edouard Boubat.

Les influences artistiques décisives au développement de Simon Hantaï sont mises en valeur à travers la présentation d’oeuvres de Henri Matisse et de Jackson Pollock. Enfin, les relations d’amitié et de travail nouées au début des années 1960 entre Simon Hantaï et les jeunes artistes de son entourage à la Cité des Fleurs, Michel Parmentier et Daniel Buren sont évoquées dans l’exposition par une confrontation. Une intervention monumentale intitulée Mur(s) pour Simon, travaux in situ et en six mouvements a été conçue par Daniel Buren comme un hommage à Hantaï, est présentée dans le parcours de l’exposition.

Artiste français d’origine hongroise, Simon Hantaï (1922-2008), s’est installé à Paris en 1948 et y a réalisé l’ensemble de son oeuvre. Reconnu par André Breton dès 1953 qui lui consacre sa première exposition personnelle parisienne à la galerie surréaliste « À l’Etoile scellée », Simon Hantaï accomplit une oeuvre d’une originalité et d’une fécondité exceptionnelle qui le conduira à recevoir le premier prix de la Fondation Maeght en 1967, puis le Grand Prix national des arts plastiques en 1980, ainsi qu’à représenter la France à la 40ème Biennale de Venise en 1982. Simon Hantaï est représenté par 139 oeuvres dans les collections publiques françaises et par une cinquantaine d’oeuvres dans les collections publiques à l’étranger.

Commissariat général : Anne Baldassari, Conservateur général honoraire du Patrimoine, assistée de Anne-Emmanuelle Laurent.

Simon Hantaï (1922-2008)

L’exposition du centenaire

Le catalogue de l’exposition, publication scientifique de 220 pages, est coédité par la Fondation Louis Vuitton et les Éditions Gallimard, en version française et anglaise. Contributions de Zsuzsa Hantaï, Anne Baldassari, Jean-Luc Nancy, Georges Didi-Huberman, Jean-Louis Schefer et Daniel Buren

FONDATION LOUIS VUITTON

8 avenue du Mahatma Gandhi, Bois de Boulogne, 75116 Paris

www.fondationlouisvuitton.fr

Shirley Jaffe @ Centre Pompidou, Paris - Une Américaine à Paris - Exposition Rétrospective

Shirley Jaffe

Une Américaine à Paris

Centre Pompidou, Paris

20 avril - 29 août 2022

Peintre américaine installée à Paris depuis les années 1950, Shirley Jaffe (1923 - 2016) est une référence de la peinture abstraite du tournant des 20e et 21e siècles. Non sans provocation, elle affirmait avoir découvert Pierre Bonnard à New York puis Jackson Pollock et Andy Warhol à Paris.

Cette exposition constitue sa première rétrospective. Suivant un déroulement chronologique, l’accrochage présente ses débuts expressionnistes abstraits, suivis des deux ruptures radicales conduisant à l’abandon de la gestualité à la fin des années 1960 et aux grandes toiles caractéristiques de la maturité par leur formes libres et unies et la présence d’un blanc incisif. Il souligne aussi la voie parallèle suivie avec ses « gouaches » sur papier, d’exécution rapide, contrairement aux tableaux, trépidants comme la vie urbaine, mais toujours longs à aboutir. Shirley Jaffe tenait pour elle-même un « journal » de ses tableaux en cours. En regard des œuvres, on découvre ces précieuses notes d’atelier et des archives inédites conservées à la bibliothèque Kandinsky.

Après son décès en 2016, un ensemble de douze toiles, versé par dation à l’État français, a été reçu par le Musée national d’art moderne en 2019.

L’exposition est présentée au Kunstmuseum de Bâle (25 mars - 30 juillet 2023) et au musée Matisse à Nice (11 octobre 2023 - 8 janvier 2024) dans des parcours adaptés à chaque lieu.

Née en 1923 dans le New Jersey, Shirley Jaffe étudie à Cooper Union, à New York, qu’elle quitte pour Paris, où elle se fixe en 1949. Proche de Jules Olitski, Al Held, Jean-Paul Riopelle, Sam Francis, elle est rapidement reconnue comme une peintre majeure de la nouvelle abstraction. Elle fait partie de la communauté d’artistes américains installés en France après-guerre. Elle sous-loue l’atelier de Louise Bourgeois dans la même rue que Joan Mitchell avec qui elle entretient une dynamique émulation, notamment à la galerie Fournier qui les représente longtemps.

Le Centre culturel américain de Paris l’expose en trio avec Sam Francis et Kimber Smith en 1958. Puis c’est en Suisse à Berne et à Bâle qu’elle fait ses premières expositions personnelles en galerie. Bâle où elle trouvera en la personne d’Arnold Rüdlinger, directeur de la Kunsthalle, un soutien zélé et communicatif. Dans les années 1960, elle tourne le dos à des débuts prometteurs dans l’esprit de l’Expressionnisme abstrait. D’abord en 1963-64, grâce à une bourse de la Fondation Ford qui l’éloigne à Berlin, puis en 1969 lors de sa deuxième exposition personnelle chez Jean Fournier, où elle surprend en évacuant toute gestualité.

A partir des années 1970, se développe son écriture personnelle aux contours ciselés qui, sans permettre de l’assimiler à la vague Hard Edge alors déclinante, la tient à égale et respectueuse distance de ses anciens pairs expressionnistes américains et des tenants européens de l’art concret comme Gottfried Honegger, qui l’admire. Sa géométrie est bien ordonnée, mais savamment contrariée, toujours dévoyée, aléatoire en apparence, mais scrupuleusement dictée par une exigence implacable. Shirley Jaffe répugnait à voir des paysages naturels dans ses tableaux précédents, les œuvres sont désormais d’inspiration urbaine, damiers et stèles d’abord, puis solides blocs méthodiquement disjoints, isolés par un ciment blanc de plus en plus insinuant. Depuis qu’elle découvre le chantier de démolition de l’ancienne gare Montparnasse en 1967, l’idée de chaos est une métaphore et un moteur jubilatoire pour cette artiste patiente et organisée.

En 1969, elle s’installe dans le 5e arrondissement, rue Saint-Victor – atelier qu’elle ne quittera plus, et où elle peindra jusqu’à la dernière minute. De nombreux artistes, jeunes ou moins, inconnus ou célèbres, viennent lui rendre visite dans cet atelier : Polly Apfelbaum, Beatriz Milhazes, Sarah Morris, Bernard Piffaretti, Charline von Heyl, Amy Sillman… Elle en retrouvera certains en rejoignant la Galerie Nathalie Obadia à la fin des années 1990.

Personnalité secrète, bien qu’hospitalière, curieuse des autres, mais discrète à l’extrême sur sa vie personnelle, elle ne manifestera jamais publiquement ses convictions féministes, malgré l’amitié qui la lia plusieurs décennies à l’historienne engagée Linda Nochlin.

SHIRLEY JAFFE

L’exposition est accompagnée d’un catalogue publié par Bernard Chauveau Édition en coédition avec le Centre Pompidou, réunissant des textes de Svetlana Alpers, Claudine Grammont et Frédéric Paul ainsi qu’une interview inédite par Robert Kushner.

Commissariat : Frédéric Paul, conservateur, collections contemporaines, Musée national d’art moderne

CENTRE POMPIDOU, PARIS

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