Bernard Cohen @ Flowers Gallery, London - Interiors

Bernard Cohen: Interiors

Flowers Gallery, London

14 April - 22 May 2021

BERNARD COHEN

Interiors, 2020 

Acrylic on linen, 120 x 150 cm

© Bernard Cohen, courtesy of Flowers Gallery

BERNARD COHEN is considered one of Britain’s most significant painters, whose paintings tell stories about identity and experience. Interiors is an exhibition of recent works demonstrating Bernard Cohen’s sustained enquiry into the complex chaos of everyday existence.

Since the 1950s, Bernard Cohen has developed a wide range of inventive techniques and processes of painting, creating labyrinthine compositions of line, shape, pattern and colour. His paintings will often tell many stories at once, using distinctive strategies of layering, superimposing, and condensing multiple images to establish intricate networks and relationships.

In a Spotlight exhibition at Tate Britain in 2017, Bernard Cohen's paintings were described as being, both individually and as a whole, "a series of diagrams about painting.” This approach developed during the 1960s, with works that incorporated many small independent paintings within the same canvas. (For example, Matter of Identity, 1963, in the Tate collection.) Bernard Cohen refers to the inner paintings as "small objects, that together establish the identity of the whole painting". In the recent works in this exhibition, recurring individual figurative motifs such as doors, windows, airplanes, paw marks and railway tracks, are interlaced to form an accumulative coherence and logic. The motifs are always rooted in personal experience, as Bernard Cohen explains: "There is nothing that appears in my paintings that hasn’t been seen by me or experienced by me. I paint things that I’ve seen, things that are part of the everyday, the ordinary. Among things that I see are random things: the way things overlap or interfere with each other. The random has become a very important part of my painting."

Bernard Cohen credits the beginning of his interest in interiors as a subject for his work with an encounter with Velasquez's 1656 painting Las Meninas and what he describes as "the extraordinary way in which [Velasquez] made everything in the space I was occupying part of the painting, so that half the painting is of things outside of the canvas." Cohen's paintings similarly operate around the complex space of the picture plane, navigating the unseen border that separates, in his own words "what is in the spectator’s world from what is in the painting".

The composition of the painting How to Paint the Milky Way is underpinned by a cosmos of dots, overlaid by a random configuration of airplane symbols and various cube-like planes and lattices that together make up a domestic scene of a doorway, pictures on the wall and a carpet on the floor. Bernard Cohen recalls: "During a long stay in New Mexico I experienced a daylight that was so bright that it voraciously consumed objects, while at night at 10,000 feet, away from any artificial light, the Milky Way appeared as one overwhelming physical object. I was overwhelmed by the density of what I saw. What is a painting and what fills it? Where is its all-containing identity? I continue to ask myself these questions.”

BERNARD COHEN

Born in London in 1933, Bernard Cohen studied at the Slade School of Fine Art from 1951-1954. In 1988 he was appointed as Slade Professor and Director of the Slade School of Fine Art, University College, London. Bernard Cohen came to prominence during the 1960s and has since exhibited widely. His first solo exhibition with Flowers Gallery was in 1998. In 2007 the gallery hosted Bernard Cohen: Paintings from the Sixties, focusing on an important period in Bernard Cohen’s artistic development, followed by Work of Six Decades in 2009, which celebrated his career by bringing together a selection of key works and the publication of a comprehensive book. A subsequent survey exhibition titled About Now: Paintings and Prints 2000-2015 took place at Flowers Gallery in 2015, accompanied by the book About Now by Ian McKay. Other important exhibitions include Artist in Focus, Six Paintings from the Tate Gallery Collection, The Tate Gallery, London in 1995; Stroll on! Aspects of British Abstract Art in the Sixties, Mamco, Musée d’Art Moderne et Contemporain, Geneva in 2005-2006; Abstraction and the Human Figure at CAM’s British Art Collection, Calouste Gulbenkian Foundation, Lisbon in 2010; and a solo retrospective Spotlight Display at Tate Britain in 2017-18. Bernard Cohen lives and works in London. Ten of Bernard Cohen’s paintings are in the Tate collection, and his work is included in numerous public collections worldwide.

FLOWERS GALLERY

21 Cork Street, London W1S 3LZ

www.flowersgallery.com

Art abstrait anglais des années soixante @ Mamco, Genève - Stroll On! Aspects de l'art abstrait britannique des années soixante (1959-1966)

Stroll On!

Aspects de l'art abstrait britannique des années soixante (1959-1966)

Derek Boshier, Bernard Cohen, Robyn Denny, Michael Kidner, Phillip King, Gerald Laing, Bridget Riley, Ralph Rumney, Peter Sedgley, Richard Smith, William Tucker

Mamco, Musée d’art moderne et contemporain, Genève 

Commissaire : Éric de Chassey

25 octobre 2005 - 15 janvier 2006 

La légende voudrait qu’il ait fallu attendre les années 1990 pour que la scène artistique anglaise acquière un dynamisme et une créativité qui pouvaient la placer aux avant-postes de l’art international. Pourtant, trois décennies plus tôt, les artistes anglais produisaient des œuvres dont les questionnements rejoignaient, anticipaient et parfois menaient le monde de l’art dans son ensemble. Que ces artistes aient rarement bénéficié de l’attention qu’ils méritaient résulte moins de leurs créations per se que des structures du marché de l’art et des institutions. Les préjugés liés au « caractère typiquement anglais de l’art anglais » ne devraient plus nous empêcher de voir qu’ils ont fait preuve de la même vitalité, de la même capacité d’intuition, que le Swinging London dont on retient les apports à la musique Pop ou à la mode.

Il ne s’agit pas de refaire ici une histoire exhaustive du monde de l’art anglais dans les années soixante, ni même de mener une analyse sociologique de la scène artistique londonienne de cette époque. L’accent est mit sur l’un des aspects les plus frappants de cette décennie explosive: du fait de peintres tels que Robyn Denny, Ralph Rumney, Bernard Cohen, Bridget Riley et Peter Sedgley, et de sculpteurs comme Phillip King, Tim Scott et William Tucker, des œuvres abstraites ont été créées qui proposent une « étonnante continuité » avec le monde ordinaire plutôt qu’une coupure avec ce dernier au profit de valeurs transcendantales ou mystiques (comme cela avait généralement été le cas dans l’histoire de l’art abstrait). Ces œuvres tissent des liens avec la musique de jazz contemporaine, le rock and roll, les romans de science-fiction, tout autant qu’avec l’histoire de l’art, passé et présent. Ils ont rompu avec l’idée que l’abstraction devrait lutter contre les images et ont souhaité établir une relation vitale entre l’autonomie de l’œuvre d’art et un environnement ordinaire façonné par les mass médias et la culture de consommation (deux mondes trop souvent considérés comme antithétiques).

Ces connections expliquent que l’art abstrait ne soit pas toujours apparu comme distinct du Pop art figuratif. A l’orée des années soixante, Peter Blake et Richard Smith associèrent des motifs et des gestes abstraits aux objets de tous les jours qu’ils peignaient. Au contraire, en 1964-1965, Derek Boshier et Gerald Laing, artistes de la deuxième génération du Pop art, sont passés à l’abstraction en ne retenant de leurs œuvres figuratives antérieures que le dispositif de présentation, sans les objets.

Sans pour autant céder à la compulsion illustrative qui a frappé les artistes Pop, les artistes abstraits rassemblés dans cette exposition se sont positionnés au sein du « continuum entre les beaux-arts et les arts populaires » que décrivait alors le critique d’art Lawrence Alloway. Mettant l’accent sur la relation avec le spectateur, ils ont expérimenté de nouvelles méthodes d’exposition et de nombreux procédés formels, qui faisaient parfois écho à ceux du monde de la publicité et de la signalisation. Leurs œuvres abstraites créèrent ainsi leurs propres lieux spécifiques et/ou la suggestion de voyages physiques ou imaginaires.

Cette exposition suit les chemins insolites que ces artistes ont empruntés, en montrant des œuvres qui possèdent une force visuelle inattendue et impressionnante, des œuvres dont certains questionnements ont été récemment rejoués, la plupart du temps involontairement, par une nouvelle génération d’artistes européens et américains désireux de revitaliser l’abstraction. 

Eric de Chassey 

Eric de Chassey est Professeur d’histoire de l’art des XXe et XXI e siècles à l’Université François-Rabelais de Tours (France), membre de l’Institut Universitaire de France. Il est l’auteur de plusieurs ouvrages et catalogues d’exposition sur l’art moderne et contemporain. Il a été le commissaire des expositions suivantes « Abstraction/Abstractions : Géométries provisoires » (Musée d’art moderne, Saint-Etienne, 1997), « [Corps] : Social » (Ecole supérieure des Beaux-Arts, Paris, 1999), « Made in USA : L’art américain de 1908 à 1947 » (Musées des Beaux-Arts de Bordeaux, Rennes et Montpellier), « Matisse – Kelly : Dessins de plantes » (Musée national d’art moderne, Centre Pompidou, Paris, et St Louis Art Museum 2002).

MAMCO

MUSÉE D’ART MODERNE ET CONTEMPORAIN

10 rue des Vieux Grenadiers, 1205 Genève 

www.mamco.ch