Laws of Motion @ Gagosian, San Francisco - Josh Kline, Jeff Koons, Cady Noland, Rosemarie Trockel, Jeff Wall, Anicka Yi

Josh Kline, Jeff Koons, Cady Noland, Rosemarie Trockel, Jeff Wall, Anicka Yi: Laws of Motion
Gagosian, San Francisco
January 14 – March 9, 2019

Anicka Yi, A Thousand Leaves, 2018

Silicone, maple, cane, Shoji paper, plexiglass, stainless steel, and LEDs

36 × 72 × 6 inches (91.4 × 182.9 × 15.2 cm)

© Anicka Yi, Courtesy Gagosian San Francisco

I want to fuse the writing of life—the notion that all living things have their own stories, contexts, perspectives, and histories—with the study of life, which also now includes an embrace of nonhuman perspectives.—Anicka Yi

Gagosian presents Laws of Motion, an exhibition of works by Josh Kline, Jeff Koons, Cady Noland, Rosemarie Trockel, Jeff Wall, and Anicka Yi. Laws of Motion debuted at Gagosian Hong Kong in November, and has since been expanded with additional works by Kline, Trockel, Wall, and Yi. Its title refers to Karl Marx’s application of scientific laws to systems of capital.

Forty years ago, the art of Jeff Koons, Cady Noland, Rosemarie Trockel, and Jeff Wall merged strategies of commercial display and formalism, isolating inherent social archetypes and stereotypes. Laws of Motion begins with key artworks from the 1970s that responded to a world saturated in the aesthetics and language of advertising, exploiting its techniques while making visible its latent and subconscious pull.

Jeff Koons’s paradigmatic series The New examines themes of domestic use and hygienic order, employing industrial readymades such as vacuum cleaners stacked and isolated in gleaming museum vitrines. The built-in obsolescence of domestic tools and consumer products contrasts with their aspirational qualities, raising philosophical questions of newness and desire. While Cady Noland’s assemblage of emptied beer bottles and a discarded mailbox conjures a potent image of American male delinquency, Rosemarie Trockel’s sculptures—electric burners mounted on the wall or placed on plinths—reduce or elevate a central symbol of domestic life to geometric abstraction, obliquely engaging a feminist discourse.

In the late 1970s, Jeff Wall began presenting photographs as light boxes, a format typically used for display advertising. Over the following decades, he created both epic and intimate images of the actions and accumulations of daily life. In Diagonal Composition (1993) and A wall in a former bakery (2003), Jeff Wall narrows in on banal and abject subject matter using formal harmony and rich chromatic detail.

With the onset of the digital age, the relationship between marketing, labor, and value has grown ever more symbiotic, just as the purity of art, media, and data becomes increasingly elusive. Recent works by Anicka Yi and Josh Kline identify updated manifestations of the heady consumerism of the 1980s. Anicka Yi engages the politics and personal resonance of chemicals, bacteria, and other ambient matter, in order to create moments of disequilibrium that underscore gender inequality, environmental degradation, and institutional mechanisms of power and control. For Immigrant Caucus (2017), she distilled a number of olfactory elements into spray cans, asking, “How do we imagine that immigrants, or foreigners, smell?” If You Want To Tame It, Re-Wild It and A Thousand Leaves (both 2018) are wall-hung grids and boards covered in what resembles an organic growth: mold or fungus, as though a clinically defined area has been turned into a breeding ground, inadvertently becoming something like abstract painting. The surface of each work is interspersed with shelves or openings through which light, hardware, or intricate woven forms can be seen, giving a previously unperceived depth to the rectangular board. For Deep State (2017) Anicka Yi made light boxes from photographs of bacterial cultures, the intricate organic patterns frozen mid-bloom or decay.

Body parts, pharmaceuticals, and sanitizing products pervade Josh Kline’s assemblages, installations, and videos, reflecting on the ways in which technology impacts humans. Riffing on familiar phrases, Shrugging it off and Sighs of the Times (both 2017) consist of monochromatic gray piles of rubble that suggest the potential consequences of automation and artificial intelligence on labor—namely, mass unemployment. In this sense, Josh Kline’s postapocalyptic assemblages function as punctuation marks to the excesses of the 1980s.

By manipulating systems of production, marketing, and display in art within the gallery setting, this cross-generational exhibition probes the similarities between the logic of market production and formalism itself. Over the past four decades, as technology has evolved, artists have changed their approaches to it and to the societal upheaval it has effected. Yet, despite the changing mechanisms of consumption, the human relationships to object and product remain startlingly similar.

GAGOSIAN, SAN FRANCISCO
657 Howard Street, San Francisco, CA 94105
gagosian.com

Jeff Wall à la Fondation HCB, Paris

Jeff Wall, Smaller pictures

Fondation Fondation Henri Cartier-Bresson, Paris

Jusqu'au 20 décembre 2015

JEFF WALL

Diagonal Composition, 1993

Transparent dans caisson lumineux

© Jeff Wall / Courtesy of the artist

La Fondation Henri Cartier-Bresson présente « Smaller Pictures », une exposition de l’artiste canadien Jeff Wall (né en 1946). Grand connaisseur de l’histoire des arts et de la littérature, Jeff Wall est l’un des artistes les plus influents de l’art contemporain. Célèbre pour ses caissons lumineux de grandes dimensions, il a sélectionné pour cette exposition un ensemble de 35 tirages et caissons conçus à l’origine en petit format et provenant, pour la plupart, de sa collection personnelle.

Que signifie l’exposition de petits formats pour un artiste qui s’est plutôt illustré par ses tableaux photographiques de grandes dimensions ?

Faut-il y voir (en dehors de l’exiguïté relative des salles de la fondation) une réévaluation par Jeff Wall de ce qui constitue son œuvre ? L’artiste, qui a lui-même établi la sélection, n’a choisi que des œuvres conçues à l’origine en petits formats, depuis le Landscape Manual de 1969-1970 aux œuvres de ces dernières années. Comme le rappelle Jean-François Chevrier dans l’introduction du livre, le répertoire de petites « choses vues » n’a pas donné lieu à une production régulière tant que le procédé du caisson lumineux était de règle. C’est à partir de la fin des années 1990, que les images de petit format, en noir et blanc ou en couleur, se sont multipliées. 

JEFF WALL

After “Landscape Manual”, 1969/2003

Tirage gélatino-argentique

© Jeff Wall / Courtesy of the artist 

Après un mémoire de fin d’études sur Dada Berlin à l’université de Vancouver et un cycle en histoire de l’art au Courtauld Institute de Londres, Jeff Wall enseigne quelques années dans les universités canadiennes. Lors d’un voyage en Europe, il découvre la peinture de Vélasquez au Prado et décide alors de reprendre à son compte le programme de Baudelaire, du peintre de la vie moderne. Cent ans après le Français, Jeff Wall s’essaye à  « la reconstitution ou la réinvention de la tradition picturale » en utilisant la photographie, plus adaptée à l’époque.

Les petits formats de l’exposition sont loin des dimensions des caissons lumineux qui ont fait le succès de Jeff Wall dès la fin des années 1970. À travers ces tableaux photographiques, Jeff Wall proposait au regardeur une expérience de perception fondée sur la confrontation avec une imagerie dramatique (théâtrale) grandeur nature, qui produisait, de ce fait, un effet spectaculaire, par contraste avec l’intimisme du petit format. Jeff Wall pose un nouveau regard sur son œuvre et s’interroge, comme à son habitude sur son statut d’artiste.

L’exposition est accompagnée d’un catalogue coproduit avec les Éditions Xavier Barral. Il est enrichi d’une introduction de Jean-François Chevrier et d’un entretien avec l’artiste.

L’exposition reçoit le soutien de la Fondation Luma. Elle est réalisée en partenariat avec le Centre culturel canadien à Paris et Marian Goodman Gallery qui représente Jeff Wall.

Fondation Henri Cartier-Bresson

2, impasse Lebouis, 75014 Paris

www.henricartierbresson.org

Dan Graham, Giuseppe Penone, Danh Vo, Jeff Wall at Marian Goodman Gallery, New York

Dan Graham, Giuseppe Penone, Danh Vo, Jeff Wall
Marian Goodman Gallery, New York
March 6 - April 10, 2014 

Marian Goodman Gallery presents an exhibition of new work by gallery artists Dan Graham, Giuseppe Penone, Danh Vo, and Jeff Wall, opening March 6th and on view through April 10th. 

In the North Gallery two new colour works by Jeff Wall completed during the past year are presented: Monologue, a night scene in which three men engage in discussion under a streetlight, and Summer Afternoons, a diptych showing a young man and woman, both naked, in a sun-filled apartment. A small picture made in 2012, Flowering Plant, will also be shown.  

In an adjacent section of the North Gallery, Giuseppe Penone’s Pelle di grafite - transparenza (2005), a graphite work on white fabric is on view, alongside Germinazione (2005), a series of six hanging wall sculptures in acrylic resin that refer in essence to the bodily process of imprint and gesture at the heart of  Penone’s practice -- the physical space of touching and its impact on the metaphysical space of seeing. Germinazione originate from the negative imprint of a section of tree trunk or branch or stone compressed into the earth by the artist’s own hands and then are superimposed and developed imprint by imprint, into the resulting positive, the ‘germinated’ sculpture itself.

In the North Gallery Viewing Room, Danh Vo’s Gustav’s Wing (2013), a lifesized sculpture of a human figure in six cast bronze fragments, is based on a model of the artist’s nephew Gustav, at age 11  Gustav’s Wing originated as a photograph of the boy’s double-jointed shoulder blade, which he referred to as his ‘wing’ and later Vo began to make works produced from a full body mold.  Although the figure's posture seems to signify a peaceful moment, its display in pieces at the same time evokes an unsettling atmosphere.  Vo first created works from Gustav’s form in paper mache for the exhibition Gustav’s Wing at Porto Culturegest, Portugal. The bronze work is shown here for the first time following its inclusion at Art Basel Parcours this summer. 

In the South Gallery, Slice (2013), a new triangular pavilion by Dan Graham, is presented. The work continues the artist’s investigation in recent years into the perceptual properties of curved two-way mirror glass. With one concave and one convex side and another convex side made of perforated stainless steel, the pavilion affords intricate reflections changing from elongation to contraction. The work reveals flux and bodily movement through an open structure, reflecting the immediate surroundings.  

Current and upcoming projects by the artists include a solo exhibition of Dan Graham’s Models and Beyond, at De Pont Foundation, Tillburg, Netherlands on view through May. This summer Dan Graham will exhibit a new pavilion at the The Metropolitan Museum of Art’s Met Rooftop as part of their commissioned works exhibition program.  An exhibition co-curated by  Danh Vo, Macho Man, Tell It To My Heart: Collected by Julie Ault, opened in November and will complete its run at Artists Space on  February 23rd.  Danh Vo is producing a performance in conjunction with XiuXiu to open the Berlin Biennale on May 28th. His forthcoming solo projects include: in the summer at Nottingham Contemporary, U.K., opening July 19th; and in the Fall at The Kitchen, New York, opening September 25th.  Giuseppe Penone’s recent Ideas of Stone completed a six-month exhibition at Madison Square Park, NY in early February.  A solo exhibition will be forthcoming in the Fall 2015 at The Nasher Sculpture Center, Dallas.  Jeff Wall’s current solo exhibitions in Europe include: Jeff Wall In Munich,  Pinakothek der Moderne, Munich, on view through March 9, 2014; and Jeff Wall: Tableaux, Pictures, Photographs 1996-2013, opening March 1st at the Stedelijk Amsterdam and on view through August 3, 2014. The Stedelijk show will travel to Kunsthaus Bregenz, Austria from October through January 2015, and Louisiana Museum, Denmark, from February to June 2015.

MARIAN GOODMAN GALLERY
www.mariangoodman.com

Jeff Wall: Prix Hasselblad 2002

Jeff Wall reçoit le Prix International de la Photographie 2002 de la Fondation Hasselblad

La Fondation Hasselblad a décerné le Prix international de la Photographie 2002 au photographe canadien JEFF WALL. Le prix doté d'un montant de 500 000 couronnes suédoises et d'une médaille d'or sera remis le 9 novembre 2002 lors d'une cérémonie qui se déroulera à Göteborg en Suède. A cette occasion, sera inaugurée une nouvelle exposition des œuvres de Jeff Wall organisée par le Centre Hasselblad.

La Fondation Hasselblad a décidé de remettre le Prix 2002 à Jeff Wall pour les motifs suivants :

Depuis plus de vingt ans, Jeff Wall donne à voir un étonnant corpus artistique, qui utilise la photographie de façon très novatrice, contribuant ainsi à donner au support photographique une place essentielle dans l’art contemporain. A travers des images soigneusement mises en scène, parfois soumises à des modifications digitales, présentées dans des caissons lumineux empruntés à l’univers publicitaire, il explore quantité de thèmes politiques et sociaux, tels que la violence urbaine, la pauvreté, la guerre des sexes, la lutte des classes, l’histoire, la mémoire, la représentation, parmi d’autres. Qu’elles soient en couleur ou en noir et blanc, les photographies de l’artiste entretiennent un dialogue continu avec la grande peinture de genre du dix-neuvième siècle, et nous le montrent sous les aspects de ce que Baudelaire appelait un « peintre de la vie moderne ».

Le Jury du Prix 2002 qui a soumis sa proposition au Conseil d'administration de la Fondation se compose de M. Régis Durand (président), Directeur du Centre national de la photographie, Paris, Madame Kate Bush, conservatrice, Londres, M. Sune Nordgren, directeur, Gateshead, Grande Bretagne, M. Urs Stahel, conservateur, Winterthur, Suisse et Madame Tove Thage, conservatrice, Hillerød, Danemark.

Jeff Wall est né à Vancouver, au Canada, en 1946. Il produit ses premières oeuvres à la fin des années soixante, avant de s’interrompre pour étudier l’histoire de l’art; il reprendra son activité artistique, sur des bases différentes, au milieu des années soixante-dix. Entre-temps, la photographie lui est apparue comme un support ouvert, grâce auquel il peut satisfaire des aspirations en apparence contradictoires : son intérêt, d’une part, pour un type de représentation « néoréaliste », documentaire ; et, de l’autre, la possibilité de faire référence à certains aspects de la peinture. Le modèle dont il s’inspire est le cinéma — ou plutôt, pour reprendre ses propres termes, la « cinématographie », dont il reprend certaines des techniques et des méthodes.

Ses photographies, grandes images couleur sur film transparent, qu’il présente dans des caissons d’aluminium lumineux du type de ceux dont la publicité fait couramment usage, témoignent d’une mise en scène soigneusement orchestrée, dans laquelle interviennent acteurs et accessoires. Cet objet visuel nouveau pour l’époque (mais souvent imité depuis) offre l’attrait et l’éclat de l’image filmique, en même temps que l’ampleur et l’ordonnance tranquille de la peinture traditionnelle ainsi que la densité et le réalisme pur de la photographie de rue. Il s’agit en fait d’une « monumentalisation », non seulement en taille mais aussi en complexité, de l’image de rue.

Au nombre des thèmes les plus fréquemment explorés dans les débuts, figurent des scènes de la vie urbaine (Milk, 1984 ; Diatribe, 1985 ; The Storyteller, 1986), de tension raciale (Mimic, 1982) et de pauvreté (Bad Goods, 1984, Eviction Struggle, 1988), toutes fortement connotées sur le plan politique. Mais on trouve aussi des paysages urbains — The Old Prison, 1987 ; Coastal Motifs, 1989 ; The Crooked Path, 1991 — dont toute théâtralité ou narrativité semblent absentes.

Les œuvres de Jeff Wall comportent souvent un aspect énigmatique — nous invitant à l’interprétation, mais aussi à laisser notre imagination suivre son cours librement. La composante imaginaire du travail se trouve renforcée par l’utilisation de la technologie digitale dans certaines des œuvres les plus récentes, telles que Dead Troops Talk, 1991--92 ; A Sudden Gust of Wind (after Hosukai), 1933; ou encore The Flooded Grave, 1998-2000. Grâce aux montages complexes et à la stratification que permet la technologie, le fantastique devient un élément important du travail. Pourtant, l’ambiguïté qui caractérise bien des œuvres n’est pas uniquement un effet de la technique utilisée. Dans les grandes photographies en noir et blanc produites par Jeff Wall ces dernières années, quelque chose semble s’être immobilisé, comme si la tension dramatique, l’aspect plus théâtral de son travail, avaient opéré un recul. Mais un mystère demeure, une sorte de quiétude trompeuse des apparences simples (Cyclist, 1996; Passerby, 1996). Ses intérieurs, en particulier, paraissent hantés, ainsi qu’en témoigne l’œuvre de 1996 intitulée Housekeeping.

Ce qui est si extraordinaire à propos de Jeff Wall, c’est que ses photographies, outre qu’elles sont splendides sur le plan visuel, sont toujours chargées de signification. Parfois, les significations s’imposent de façon claire et fulgurante. Mais le plus souvent, on les ressent comme diffuses, comme exigeant de nous une attention plus rapprochée et peutêtre aussi un acte d’imagination. La préparation et la production minutieuses apparaissent alors comme la condition permettant de donner forme aux différentes strates de signification ; pour autant, elles ne dont pas didactiques, mais ménagent toujours, pour le spectateur, un espace de liberté d’interprétation et d’associations personnelles.

Lorsque, reprenant à son compte l’expression de Baudelaire, Jeff Wall se décrit comme un « peintre de la vie moderne », il exprime ce qui le lie à ce grand moment du XIXe siècle qu’a représenté l’effondrement des genres et le surgissement de nouveaux thèmes, ainsi que son désir de retrouver quelque chose des énergies alors à l’œuvre. Mais, plus littéralement, il décrit aussi les thèmes dont il traite réellement, notamment la manière dont des situations individuelles apparaissent comme le produit de conditions sociales.

La photographie lui permet d’opérer la fusion entre l’intérêt qu’il voue aux images complexes produites par les plus belles œuvres peintes du XIXe et la fluidité réaliste de l’image mécanique. Et c’est grâce à cette fusion qu’il parvient à nous faire comprendre les élans contradictoires qui caractérisent la vie d’aujourd’hui, les changements constants qu’elle subit, la rapidité avec laquelle les humeurs et les conditions se transforment. Il offre à notre regard un nouvel objet visuel de toute beauté, que l’on peut aussi lire comme une splendide et fragmentaire « anthropologie de la vie contemporaine ».

Texte écrit en anglais par Régis Durand et traduit par Fabienne Durand-Bogaert et Christine Hammarstrand.

FONDATION HASSELBLAD
Ekmansgatan 8, 412 56 Göteborg, Suède
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