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14/11/25

Bernard Plossu et Pierre Buraglio @ Galerie 8 + 4, Paris - Exposition 'Suivre Favignana'

Bernard Plossu et Pierre Buraglio

Suivre Favignana

Galerie 8 + 4, Paris

4 octobre - 20 décembre 2025

Pierre Buraglio, Favignana, 2009

Crayon sur papier, 21 x 30 cm

Bernard Plossu, Favignana, 2008

Photographie noir & blanc, 24 x 30 cm

« On sait juste que depuis longtemps, instinctivement, l’on adore tous les deux les travaux l’un de l’autre. « Ensemble », cela ne peut que fonctionner ! ».
Bernard Plossu

L’exposition Suivre Favignana, que présente la Galerie 8+4, réunit enfin Bernard Plossu et Pierre Buraglio qui espéraient poursuivre dans un espace d’exposition un dialogue imaginé il y a de nombreuses années et sans cesse reporté. Elle met en scène de façon dynamique un ensemble de dessins, collages et photographies. Constituée d’œuvres inédites, certaines réalisées pour cette occasion, l’exposition se veut une ode à la substance de notre monde : fragments de paysages épurés chez l’un comme chez l’autre, surgissements d’architectures vernaculaires, objets saisis dans leurs dépouillements…

Il s’agit ici d’une conversation laissée depuis trop longtemps en suspens, qui soudain se cristallise dans de joyeux allers-retours, et dévoile une amitié forgée à distance, par le truchement des œuvres, des prises de positions et de conversations intenses lors de rencontres interminables. L’estime que l’un porte à l’autre fut longtemps affaire de circonstances, presque de hasards. Si Bernard Plossu se souvient d’une évidence devant les dessins de Pierre Buraglio lors d’une exposition en 1989 au Musée Réattu à Arles, Buraglio aime à mentionner le Musée du quai Branly comme moment inaugural de leur rencontre, marqué entre autres par un portrait photographique réalisé in situ par Plossu. L’affinité est aussi vagabonde lorsqu’ils évoquent, ébahis, leur amour de l’Italie, le sud, les îles Favignana et Ponza, certains villages oubliés de la Sicile que tous deux ont traversé avec pour unique bagage l’envie d’arrêter le temps et de rendre cette suspension palpable.

Cette exposition est née de cette passion commune qu’ils portent à une contrée où la pesanteur du soleil les pousse à la sobriété. Austérité dans les compositions de Bernard Plossu, économie du trait dans un paysage à peine esquissé chez Pierre Buraglio. Ce territoire méridional se révèle être un terrain de jeu trop étroit pour leurs aspirations qu’ils élargissent à d’autres lieux en France, mais aussi aux États-Unis, au Mexique ou en Espagne, pour Plossu.

L’exposition, qui présente une trentaine d’oeuvres pour chacun des artistes, s’impose comme un échange entre les territoires de la photographie et ceux du dessin ou du collage. Si Pierre Buraglio perçoit dans les images noir et blanc de Bernard Plossu une sorte de singularité à contre-courant d’une photographie couleurs, si bavarde et criarde, s’il reconnaît justement dans les œuvres de Plossu ce même souci humaniste qu’il ne cesse de décliner dans ses oeuvres, s’il croit qu’il y a là justement un rapport au monde que lui-même défend depuis si longtemps en affirmant que l’engagement politique débute en capturant l’inframince du monde, alors cette exposition est bien un manifeste en faveur d’une « abstraction discrète » comme aime à l’affirmer Bernard Plossu. Une abstraction refusant l’évidence du formalisme pour aller vers une métaphysique abordant des territoires qui ouvriraient sur la substance même du monde. Nul besoin d’y convoquer l’être humain. Un pan de mur, un nuage, un panneau indicateur ou un camion, un simple intérieur avec deux jarres pour tout mobilier, la solitude d’un arbre brulé par le soleil sont autant de motifs qui se répondent pour nous parler d’un monde que l’on ne sait plus voir. Notre univers est tout autant marqué par le permanent que par le transitoire et il semble possible, à condition de prendre un certain recul, de lier les deux ensembles.

Cette union prend chez Pierre Buraglio la forme de dessins, certains simples croquis, d’autres plus détaillés et aboutis. Un ensemble de vêtements sur un portant, une cheminée d’usine, un coin de mur ou un balcon d’une maison italienne, une colline abritant un hameau, un tronc noueux. Comme pour mieux magnifier cette perception du monde, Buraglio a imaginé pour l’occasion une série étonnante de collages. Parmi ceux-ci, il enchâsse, dans une logique de montage très épuré, des morceaux de cette réalité volée. Bernard Plossu y répond par un choix d’images noir et blanc au cadrage serré. Si la plupart s’amusent à capturer la lumière et lui donner un poids singulier, d’autres s’aventurent vers une déambulation du regard envers les choses les plus ordinaires du réel mais soudain illuminées par le regard du photographe. Dans ses fameuses Histoire(s) du cinéma, Jean-Luc Godard nous rappelait « une image n’est pas forte parce qu’elle est brutale ou fantastique, mais parce que l’association des idées est lointaine et juste ». Plossu, comme Godard, mais aussi Buraglio tentent dans leurs compositions de montrer un œil qui écoute le temps pour le suspendre, le mettre dans l’évidence de nos regards.

L'exposition "Suivre Favignana" est réalisée en partenariat avec les galeries Ceysson Bénétieres et Camera Obscura.

PIERRE BURAGLIO

Pierre Buraglio

Pierre Buraglio, né en 1939 à Charenton-le-Pont, se forme à l’École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris en 1959. Après un séjour à New York en 1963, il produit ses premiers « Papiers » et « Recouvrements ». Proche de Claude Viallat, Michel Parmentier et François Rouan, il se sent alors proche du mouvement Supports/Surfaces naissant. Dans les années 1960, il compose des oeuvres à partir de chutes de tableaux qu’il juge mauvais. En 1968, il participe à « Salle Rouge pour le Vietnam » à l’ARC puis s’investit dans l’atelier populaire des Beaux-arts de Paris en produisant nombre d’affiches murales. Dans les années 1970, il produit ses premiers « Camouflages » puis la série « Dessins… d’après… autour… selon… » et les « Caviardages » qui le rendent célèbre. Bénéficiant de nombreuses expositions en institutions, il développe en parallèle les « Fenêtres » et les « Cadres » dans les années 1980. En France, Pierre Buraglio a exposé au CAPC de Bordeaux (1999), au Musée des Beaux-Arts de Lyon (2004), au Musée National d’Art Moderne (2008), au Musée Fabre à Montpellier (2009), au Musée du Louvre (2011). Il a également été présenté à la Biennale de São Paulo, à la Fondation Joan Miró (Barcelone)… Une vaste rétrospective s’est déroulée en 2019 au Musée d’art moderne et contemporain de Saint-Étienne Métropole (MAMC+). Pour la seule année 2025, l’oeuvre de Pierre Buraglio est exposée dans les musées des Beaux-Arts de Grenoble, d’Orléans et de Caen. Ses oeuvres sont présentes dans les principaux musées français et européens.

BERNARD PLOSSU

Bernard Plossu

Né en 1945, Bernard Plossu appartient à cette génération française qui dans l’immédiat après-guerre révolutionne l’idée de la photographie. Au lieu de s’attacher à l’idée de reportage ou même d’instant décisif, Bernard Plossu développe dès le milieu des années 1960 une photographie du voyage où dans les contrées qu’il traverse – le Mexique (1965) puis l’Ouest américain (1967-1977), l’Afrique (1975) et l’Europe – il saisit une forme de suspension du temps. Humains, paysages mais surtout architectures ou simples objets, deviennent sous son regard des évocations de notre condition, des sortes de poèmes révélant l’inframince du monde ou ce qu’il nomme des « paysages intermédiaires ». Essentiellement en noir et blanc ses photographies tracent en creux une écriture intime qui loin d’être autobiographique atteste surtout d’un regard décalé, empreint de tendresse envers la richesse du réel. La considération dont il bénéficie dès les années 1970 l’entraîne à exposer dans les grandes institutions européennes et internationales (exposition itinérante aux États-Unis en 1987) et permet à ses images d’intégrer de prestigieuses collections. Depuis le milieu des années 1980, il a bénéficié de plusieurs expositions telle une rétrospective au Centre Pompidou en 1988, puis sous la direction de Gilles Mora, une deuxième qui circule quelques années plus tard en Europe (Salzbourg, Barcelone, Lisbonne, Paris), complétée en 1997 par celle de l’IVAM à Valence (Espagne). Il fut également présenté par la Maison européenne de la photographie (2015), aux Rencontres d’Arles (2016), et au musée Granet (2022). Il est également l’auteur de plus de 300 ouvrages sur ses photographies.

GALERIE 8 + 4

13 rue d'Alexandrie, 75002 Paris

www.bernardchauveau.com

05/09/25

Alexia Fabre, directrice du Centre Pompidou Francilien - fabrique de l'art, à Massy

Alexia Fabre, directrice du Centre Pompidou Francilien - fabrique de l'art, à Massy

Alexia Fabre

Photographie © Blandine Soulage

Le Centre Pompidou vient d’annoncer la nomination d’Alexia Fabre au poste de directrice déléguée du Centre Pompidou Francilien - fabrique de l'art, à Massy, dont l'ouverture est prévue dans un an, à l'automne 2026.

Conservatrice en chef du patrimoine, Alexia Fabre possède une solide expérience à la tête d’institutions culturelles majeures. Elle a dirigé le musée départemental de Gap (1993-1998), le Musée d’Art contemporain du Val-de-Marne – MAC VAL (1998-2022), puis les Beaux-Arts de Paris (2022-2025). Elle a également été directrice artistique de la Nuit Blanche en 2009 et 2011, et commissaire invitée de la 17e Biennale d’art contemporain de Lyon (2024-2025).

Son parcours reconnu, à la croisée de la création contemporaine, de la gestion d’institutions culturelles et du développement des politiques culturelles territoriales, témoigne de son engagement en faveur d’un art ouvert sur le monde et ancré dans les territoires. Son expérience au sein des collectivités locales, notamment à Gap et à Vitry-sur-Seine, et sa capacité à créer du lien entre les artistes et les habitants, sont considérés comme des atouts essentiels pour animer et faire rayonner le Centre Pompidou Francilien.

CENTRE POMPIDOU

www.centrepompidou.fr

17/08/25

Antoni Clavé @ Galerie Minsky, Paris

Antoni Clavé

Galerie Minsky, Paris

18 septembre - 18 octobre 2025

Antoni Clavé à Montparnasse

Antoni Clavé

Nature morte au compotier, 1945

Huile sur panneau d'Isorel, 81 cm x 65 cm

Photo Courtesy Galerie Minsky

Antoni Clavé

Guerrier, c. 1962

Technique mixte sur papier marouflé

sur panneau, 74,5 x 54,5 cm

Photo Courtesy Galerie Minsky

La Galerie Minsky souhaite accompagner la redécouverte de l’artiste catalan Antoni Clavé. Elle présente à Paris une lecture sensible et incarnée de l’oeuvre d’un artiste entre deux mondes : l’Espagne et la France, le théâtre et la peinture, l’intime et le monumental. Alors qu’une rétrospective d’envergure se prépare au centre d’art Palau Martorell à Barcelone, la Galerie Minsky présente à Paris pour la première fois une vingtaine d’oeuvres d’Antoni Clavé (1913–2005). Cette exposition couvre les années 1945 à 1975, une période qui témoigne de ses différentes évolutions.

L’exposition présente l’univers de Clavé, à la fois théâtral, lyrique, intuitif et symbolique. Dès les années 40, le peintre catalan installé récemment à Paris développe un style singulier, entre raffinement intimiste et expérimentation formelle. Inspiré par les Nabis et profondément marqué par sa rencontre avec Picasso en 1944, Clavé explore un large registre de médiums : peinture, collage, gravure où s’entremêlent décors et costumes. En 2015, le Musée Picasso de Münster lui a dédié une exposition intitulée Antoni Clavé - Ein Spanier in Paris.

L’exposition réunit une vingtaine d’oeuvres majeures, de la Nature morte au compotier (c. 1945) à la série emblématique des Rois et Guerriers des années 60, en passant par le triptyque de paravents conçu en 1949 pour la pièce de théâtre Carmen dans les Ballets de Roland Petit. Ce volet scénographique, essentiel dans sa pratique, est mis en lumière ici : Antoni Clavé reste en dialogue avec le théâtre, et ce, tout au long de sa carrière.

Ses oeuvres deviennent des objets-théâtres, où lettres, mots, fragments et textures agissent comme des personnages silencieux. On y retrouve un goût marqué pour les techniques mixtes et l’assemblage, dans un désordre bouillonnant, proche de celui de son atelier.

Antoni Clavé joue sur les tensions : entre figuration et abstraction, entre brutalisme et poésie, entre ordre et chaos. Les matériaux pauvres qu’il emploie tels que le carton, bois, tissu ou des encore objets usés prennent une force symbolique inattendue.

Ses oeuvres, comme son atelier, sont des juxtapositions vibrantes, riches de résonances intimes et collectives.

Antoni Clavé — Biographie

Né à Barcelone en 1913, Antoni Clavé débute très tôt dans le dessin : à 18 ans, il crée des bandes dessinées et des affiches publicitaires. Son premier métier est celui de peintre en bâtiment, une expérience qui façonne son approche artisanale de l’art. Entre 1934 et 1936, alors qu’il réalise des affiches de cinéma dans sa ville natale, il s’initie au collage et aux assemblages : papiers, cartons, matériaux de récupération, lithographies, plâtre, tissus, textures sales ou accidentées deviennent ses terrains d’exploration.

Exilé en France à la suite de la guerre civile espagnole, il s’installe à Paris, ville où il entre dans l’histoire de l’art moderne. Il est exposé dès 1957 par Ernst Beyeler dans sa mythique galerie de Bâle, puis en 1978 au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris. En 2006, une exposition d’Antoni Clavé a eu lieu à l’Espace d’Art Contemporain Fernet Branca.

Antoni Clavé dans son atelier, Saint-Tropez, 1968

Photographie © Jacques Gomot

« Mon atelier à moi, c’est mon cocon, mon village, ma rue, mon quartier »
— Antoni Clavé

En 1963, Antoni Clavé s’installe au Cap-Saint-Pierre à Saint-Tropez, où il se fait construire une maison et un vaste atelier, bientôt complété par un second espace dédié à la gravure. Les estampes d’Antoni Clavé ont d’ailleurs été exposées en 2018 à la BnF à Paris.

GALERIE MINSKY

37 rue Vaneau, 75007 Paris

www.galerieminsky.com

24/05/25

Exposition Steve McQueen @ Schaulager, Münchenstein - "Bass"

Steve McQueen: Bass

Schaulager, Münchenstein

15 juin - 16 novembre 2025

Steve McQueen

Bass, 2024

LED Light and Sound

Courtesy the artist

Co-commissioned work by Laurenz Foundation, Schaulager Basel

and Dia Art Foundation

Photo: Irma Boom

La Fondation Laurenz, Schaulager présente Bass (2024), l’une des oeuvres les plus récentes de Steve McQueen, artiste plusieurs fois primé et réalisateur oscarisé. Douze ans après son exposition novatrice, conçue comme une ville de cinémas avec plus de vingt installations vidéo et cinématographiques offrant un aperçu du travail de Steve McQueen, l’artiste revient à Münchenstein, au Schaulager, avec cette fois son oeuvre la plus abstraite à ce jour. Bass est une gigantesque réalisation, spécialement conçue selon l’architecture du bâtiment, et fortement inspirée par l’intérêt que Steve McQueen porte à la lumière, à la couleur et au son mais aussi par leur influence sur notre perception physique de l’espace et du temps.

« Ce que j’aime dans la lumière et le son, c’est leur fluidité, ils peuvent se couler dans n’importe quelle forme. Comme une vapeur ou un parfum, la lumière et le son peuvent se glisser dans tous les recoins, dans toutes les cachettes. Et j’aime ce point de départ, où quelque chose n’a pas encore de forme concrète, mais englobe pourtant tout. »

Steve McQueen, 2025

Bass est à la fois immersif et radicalement immatériel et n’est constitué, précisément, que de couleurs et de sons : des fréquences basses, graves donc, résonnent dans l’espace – tantôt fortement, tantôt plus faiblement, audibles sous forme de sons individuels ou comme le fil d’une mélodie. Dans le même temps, l’espace est inondé d’une lumière colorée qui traverse lentement, presque imperceptiblement, tout le spectre de couleurs perceptible, du rouge profond à l’ultraviolet quasiment. Il suffit d’entrer dans le Schaulager pour être aussitôt captivé par la lumière et le son. L’effet imposant de l’oeuvre est multiplié par la seule ampleur de son étendue : Bass investit intégralement l’intérieur monumental du Schaulager, dans toute sa hauteur et toute la largeur des espaces d’exposition. Ce faisant, le volume spatial devient le corps de résonance d’une intervention temporaire qui incite à s’engager pleinement dans une expérience immédiate et puissante.

La bande originale de Bass a été créée en collaboration avec un groupe intergénérationnel de musiciennes et musiciens de la diaspora noire, dirigé par Steve McQueen et le célèbre bassiste Marcus Miller, lequel a fait appel à d’autres sommités : Meshell Ndegeocello et Aston Barrett Jr. (basses électriques tous les deux), Mamadou Kouyaté (ngoni, instrument à cordes traditionnel d’Afrique de l’Ouest) et Laura-Simone Martin (contrebasse acoustique). La fascination de Steve McQueen pour la basse ne relève pas du hasard : enracinée dans la musique noire, l’instrument symbolise un lien profond avec une histoire et identité culturelle propres.

Elle permet d’articuler des émotions difficiles à mettre en mots et, en tant que socle de nombreuses compositions, elle apporte de la stabilité et une gravité perceptible.

Bass est une oeuvre commandée conjointement par la Fondation Laurenz, Schaulager et la Dia Art Foundation de New York. En 2022, Steve McQueen a été invité à concevoir un nouveau projet, qui serait exposé d’abord dans l’une des salles de la Dia Art Foundation, puis au Schaulager. Inspiré par la colonnade du sous-sol de Dia Beacon, Steve McQueen a décidé, contre toute attente, de ne pas faire de film, mais de créer une intervention temporaire composée exclusivement de lumière et de son. Après sa présentation pour la première fois au Dia Beacon en 2024, Bass est présenté dans l’impressionnante architecture du Schaulager.

Publications

La présentation est accompagnée de deux livres : Steve McQueen. Bass (2024), publié en collaboration entre la Fondation Laurenz et la Dia Art Foundation. La deuxième publication porte essentiellement sur la présentation de Bass à Schaulager et paraîtra en été 2025. Les deux ouvrages ont été développés en étroite collaboration avec l’artiste et la graphiste Irma Boom. L’intensité immatérielle de Bass trouve une transposition unique au fil des pages des deux publications.

A propos de Steve McQueen

Le réalisateur et cinéaste britannique Steve McQueen (né à Londres en 1969, il vit et travaille à Londres et à Amsterdam) s’est forgé, au cours des vingt dernières années, une réputation exceptionnelle pour son travail. Son oeuvre primée a fait l’objet de grandes expositions dans des musées du monde entier, notamment à la Dia Art Foundation (2024), au Pirelli Hangar Bicocca de Milan (2022), à la Tate Modern (2020), à l’Institute of Contemporary Art de Boston (2017), au Museum of Modern Art de New York (2017), au Schaulager (2013) et à l’Art Institute Chicago (2012). En 2019, son projet Year 3 est présenté à la Tate Britain. En 1999, Steve McQueen reçoit le Turner Prize et en 2009, il représente la Grande-Bretagne à la Biennale de Venise. En 2014, l’université de Harvard lui décerne la médaille W.E.B. Du Bois pour ses mérites particuliers dans le domaine des études africaines et afro-américaines, et en 2016, il est lauréat du Prix Johannes Vermeer du gouvernement néerlandais. Il a produit cinq longs métrages : Hunger (2008), Shame (2011), 12 Years a Slave (2013), Widows (2018) et récemment sorti, Blitz (2024). En 2020, il a réalisé Small Axe, une anthologie de cinq films sur la communauté antillaise de Londres, et, en 2021, Uprising, un documentaire en trois parties avec James Rogan, sur l‘incendie de New Cross à Londres en 1981. En 2014, Steve McQueen a remporté l’Oscar du meilleur film en tant que producteur pour 12 Years a Slave. Pour ses services rendus à l’art et au cinéma, Steve McQueen a été nommé Officer of the Order of the British Empire (OBE) en 2002, a reçu en 2011 le rang de Commander of the Order of the British Empire (CBE) et le titre de Knight Commander of the Order of the British Empire (KBE) en 2020. Récemment, Steve McQueen et son épouse Bianca Stigter ont reçu un doctorat honoris causa de l’université d’Amsterdam en reconnaissance de leur projet commun Occupied City (2024).

SCHAULAGER

Ruchfeldstrasse 19, 4142 Münchenstein

www.schaulager.org

22/03/25

Exposition Frank Bowling @ Hauser & Wirth Paris - « Frank Bowling. Collage »

Frank Bowling. Collage

Hauser & Wirth Paris

22 mars – 24 mai 2025

« Frank Bowling. Collage », la première exposition personnelle de l’artiste en France, s’intéresse à sa pratique du collage en tant qu’outil à la fois conceptuel et technique. Cette exposition rassemble des oeuvres réalisées depuis le début des années 2000 jusqu’à aujourd’hui — de fait, à l’âge de 91 ans, Frank Bowling continue de peindre quotidiennement. L’exposition s’articule autour de quatre nouvelles peintures monumentales, présentées dans la galerie du rez-de-chaussée. Ces oeuvres de grand format, dont l’impressionnante « Skid » (2023) de 4,4 mètres de haut, composées de plusieurs panneaux, renouvellent son usage des toiles collées et du marouflage, des techniques qui occupent depuis longtemps une place importante dans son processus artistique. L’exposition s'accompagne d’un programme éducatif, le premier du genre pour la galerie parisienne de Hauser & Wirth. Porté par la passion commune de l’artiste et de Hauser & Wirth pour l’éducation et la pédagogie, ce programme propose une journée d’étude le lundi 28 avril 2025 dans les espaces de la galerie, ainsi que des ateliers dédiés aux élèves des écoles de la région parisienne. (voir ci-dessous).

L’attirance de Frank Bowling pour le collage s’inspire en partie des découpages d’Henri Matisse, qu’il découvre pour la première fois à la fin des années 1950, puis à nouveau lors de la rétrospective organisée par le MoMA à New York en 1992. Dans un article paru dans le numéro d’hiver 1999 de « Modern Painters », Bowling est invité à réfléchir sur sa carrière et à sélectionner une oeuvre ayant profondément nourri, voire transformé sa vision artistique. Il choisit « L’escargot » (1953) de Matisse, dont il rend hommage à travers plusieurs de ses collages qui font directement référence au motif en spirale, notamment « Back to Snail » (2000).

Les premières expériences conceptuelles de Frank Bowling avec le collage se retrouvent dans ses créations dès les années 1960. En évoquant ses ambitions matérielles, il explique : « Je voulais marier tous ces éléments disparates – la couleur, le maniérisme, le lieu où l’on peint, ce fandango de styles – pour composer une oeuvre puissante qui rassemble des aspects de la peinture, de la sculpture et de l’architecture [...] s’associant pour former quelque chose de nouveau ».

Les oeuvres sélectionnées pour cette exposition témoignent également de l’évolution de l’intégration d’objets trouvés dans la pratique de Bowling. Depuis les années 1980, divers matériaux, tels que des jouets d’enfants ou du matériel médical, ont été incorporés dans ses peintures. Dans « Skid », par exemple, on distingue des fragments découpés dans un sac en plastique médical, un tube en relief, des ficelles et des bandes de toile détachées. Ces éléments, extraits d’un quotidien spécifique, offrent un premier point d’accès à l’oeuvre, tout en portant une signification personnelle pour Bowling, dessinant ainsi une sorte de document autobiographique. Ces objets, intégrés directement à la surface plane de l’image avec la fluidité translucide du gel acrylique et de la peinture, rompent et jaillissent de la toile. « J’ai envie d’y jeter des détritus et de les regarder nager avant qu’ils ne se fixent », confie Bowling, « cela me donne l’impression d’avoir une vue d’ensemble sur ce que j’ai traversé dans ma vie ».

Programme éducatif

L’exposition sera accompagnée d’un programme éducatif, dans le cadre des activités d’éducation globales de Hauser & Wirth. Coorganisée par les universitaires Altair Brandon-Salmon et Ed Kettleborough, cette journée d’études s’articulera autour de trois tables rondes thématiques consacrées à plusieurs facettes de l’œuvre de Frank Bowling : la peinture et le processus, un art transatlantique et le modernisme. Des spécialistes tels que Ben Bowling, Leon Wainwright, Indie A. Choudhury, Ana Teles, Kate Keohane et Artie Foster interviendront au cours de ces discussions tandis que le public sera encouragé lui aussi à s’exprimer librement en présence des peintures exposées.

Cet évènement est la première rencontre académique dédiée à Frank Bowling depuis sa rétrospective à la Tate Britain à Londres en 2019. Elle représente une opportunité précieuse d’enrichir les perspectives de l’histoire de l’art sur son travail.

Dans un souci d’accessibilité et de sensibilisation à l’art, des ateliers destinés aux élèves de cinquième et quatrième des écoles de la région seront organisés dans le cadre de l’exposition. Animés par Susi Sahmland, responsable des programmes éducatifs du Frank Bowling Studio, en collaboration avec l’équipe éducative de Hauser & Wirth, ces ateliers stimuleront la réflexion et l’expérimentation artistique en lien avec l’œuvre du peintre.

Frank Bowling - Brève biographie

Sir Frank Bowling OBE RA est reconnu comme l’un des grands peintres contemporains. Né au Guyana en 1934, il arrive à Londres en 1953 et obtient la médaille d’argent en peinture au Royal College of Art en 1962. Dès le début des années 1960, Bowling se distingue sur la scène artistique londonienne, en développant un style singulier alliant figuration, symbolisme et abstraction.

Après s’être installé à New York en 1966, son adhésion au modernisme le conduit à se concentrer davantage sur le matériau, le processus et la couleur, si bien qu’en 1971, il abandonne le recours à l’imagerie figurative. Les emblématiques « Map Paintings » (1967-1971), qui présentent des étendues terrestres reconnaissables d’Amérique du Sud, d’Afrique et d’Australie peintes au pochoir, figurent sa transition vers l’abstraction pure. Il expose six de ses grandes « Map Paintings » dans le cadre d’une exposition personnelle au Whitney Museum of American Art en 1971. De 1973 à 1978, Bowling expérimente avec les notions de hasard et d’« accidents contrôlés » avec ses saisissantes « Poured Paintings », réalisées en déversant la peinture d’une hauteur de deux mètres.

Frank Bowling devient membre de la Royal Academy en 2005, reçoit l’Ordre de l’Empire britannique pour sa contribution aux arts en 2008 et est nommé chevalier à l’occasion de l’anniversaire de la Reine en 2020. Ses œuvres figurent dans une soixantaine de collections à travers le monde et ont fait l’objet de nombreuses expositions collectives et individuelles, notamment l’exposition itinérante « Mappa Mundi » de 2017 à 2019, la très populaire rétrospective à la Tate Britain en 2019 et l’exposition magistrale « Frank Bowling: Americas », qui a voyagé du MFA Boston au SFMOMA entre 2022 et 2023. En 2022, il est lauréat du prix Wolfgang Hahn, qui récompense des artistes d’exception de la scène de l’art contemporain.

Aujourd’hui, la grande maîtrise de Frank Bowling en matière de peinture et ses explorations de la lumière, de la couleur et de la géométrie intègrent l’utilisation innovante d’ammoniaque et de lavis multicouches. Son incessante réinvention de la surface peinte se poursuit dans ses œuvres récentes, expérimentant avec des empâtements texturés, des gels acryliques, des collages, des toiles cousues ainsi que des pigments métalliques et nacrés. Travaillant quotidiennement dans son atelier du sud de Londres, Frank Bowling demeure inlassablement animé par sa fascination pour les possibilités infinies et radieuses offertes par la peinture.

HAUSER & WIRTH PARIS

26 bis rue François 1er, 75008 Paris

www.hauserwirth.com

Corneliu Poromboiu @ Visions du Réel 2025 - Invité spécial - Biographie - Filmographie

Corneliu Poromboiu

Invité spécial de Visions du Réel 2025

4 – 13 avril 2025

Corneliu Porumboiu