Marco Maggi, Josée Bienvenu Gallery, NYC - Constructing & Demolishing

Marco Maggi: Constructing & Demolishing

Josée Bienvenu Gallery, New York

April 24 – June 7, 2003

Josée Bienvenu Gallery presents Constructing & Demolishing, Marco Maggi’s third solo exhibition in New York. The show consists of seven works: Hotbed, an installation of paper that covers the entire gallery floor, and six large drawings installed as wall “poliptychs”. Each one of these multiple drawings occupies a wall of the gallery. They unfold organically in connected framed units. The 7 works could as well be seen to number 70 or 700.

Is there any difference between constructing and demolishing? Every demolition builds a new scenario; every construction demolishes an old one. In Marco Maggi’s archaeology of the ordinary, constructing and demolishing are synonyms. His slow methodology has the obsessive qualities of a prolonged, painstaking dig. Browsing in the aisles of Home Depot, Shoprite or Staples, Marco Maggi faithfully chooses generic formats and materials – standard letter size paper, ready-made aluminum frames, plastic slide mounts, rolls of aluminum foil, clay board and Macintosh apples. The surface of these materials is then to be examined with surgical precision and excised for evidence.

Composed of linear patterns that suggest circuit boards, aerial views of impossible cities, genetic engineering or nervous systems, Marco Maggi’s drawings and sculptures encode the world. He creates a thesaurus of the infinitesimal and the undecipherable.

In Hotbed, a work in progress initiated in 2000, Marco Maggi uses simple reams of Xerox paper, one of the most basic (and soon to be obsolete) modes for recording data. In Previous versions of Hotbed reams of blank Xerox paper were perfectly laid out on the floor in a grid mode to create corridors and avenues. The top sheet of each ream is marked with incisions; creating folds of micro-monuments that project sharply cast shadows onto the paper.

Now, the floor is a wall-to-wall carpet of white Xerox paper from which fragments of a Hotbed emerge. The scattered reams function as subversive traffic signals: ‘slow down’ and ‘stop ahead’. “It is a crash of papers. I am referring to papers as in currencies, shares, indexes or Security Council resolution 1441” (Marco Maggi, March 2003) The lack of distance prevents one from determining if the landscapes are big or small, abstract or descriptive, biological or technological. Are they immerging or submerging? The floor becomes a text in Braille to be memorized while walking.

Marco Maggi manipulates scale as a tool for humanization. He creates pocket universes of capillary labyrinths and erects monuments on sheets of paper. He says “My specialty is to not understand. My vision of the world is as precise as it is mistaken and that’s why I draw for hours with intense attention and no particular intention”

Prior versions of Hotbed were first shown at 123 watts Gallery (New York, 2000), Kemper Museum of Contemporary Art (Kansas City, 2001), Hosfelt Gallery (San Francisco, 2001), Mercosur Biennial (Porto Alegre, 2001), Centro La Caixa (Brasilia, 2002), Sao Paolo Biennial, (Sao Paolo, 2002), Museum of Contemporary Art (Santiago de Chile, 2002), Sala 1 (Rome, 2002), Dan Galería (Sao Paolo, 2002), Buenos Aires Biennial (Buenos Aires, 2002), Josee Bienvenu Gallery (New York, 2002), Sicardi Gallery (Houston, 2002), Arco (Madrid, 2003).

Marco Maggi lives and works in Montevideo, Uruguay. Upcoming 2003 exhibitions include: Hosfelt Gallery (San Francisco), Centro Cultural Reina Sofía (Montevideo), Mercosur Biennial (Porto Alegre), VIII Havana Biennial (Cuba).

Josée Bienvenu Gallery

529 West 20th Street, New York NY, 10011

www.joseebienvenugallery.com

Updated 15/02/2024

Miss Van : Expo Galerie Magda Danysz, Paris

Miss Van

Galerie Magda Danysz, Paris

12 avril - 13 mai 2003

Jeune graffiti-artiste toulousaine de 28 ans, MISS VAN crée un nouveau genre d'art urbain en peignant de coquines poupées sur les murs des villes.

Avec leurs yeux en amandes, leurs regards provocateurs et leurs bouches en cœur, les visages des miss attirent l'œil. Mais ce sont également leurs formes généreuses et leurs tenues sexy qui les rendent attirantes. Très colorées et originales, ces jolies poupées dégagent une chaleur et un érotisme qui égayent les murs des villes. Les rues de Paris, Bruxelles ou encore Londres servent déjà de lieu d'exposition à Miss Van, toujours attirée par l'interdit.

En exhibant ses peintures, Miss Van instaure un concept novateur déviant du graffiti traditionnel majoritairement masculin. Ses poupées sont le reflet d'elle-même, de ses émotions, de son caractère. Vanessa et ses miss fusionnent, évoluent ensemble dans un seul et même univers. Son travail se caractérise par une perpétuelle recherche de l'esthétisme et par la féminité qui traduit une envie de réelle séduction. " Nous sommes les poupées de Miss Van, rondes, voluptueuses, colorées. Nous aimons troubler, scandaliser et surtout réveiller les fantasmes de ceux qui nous regardent. Laissez vous tenter… "

GALERIE MAGDA DANYSZ

19 rue Emile Durkheim, 75013 Paris

www.magda-gallery.com

Jake & Dinos Chapman: The Rape of Creativity, Modern Art Oxford

Jake & Dinos Chapman 

The Rape of Creativity 

Modern Art Oxford 

12 April - 8 June 2003 

Authenticity and the creative act are central themes of this exhibition of new work by Jake and Dinos Chapman at Modern Art Oxford (previously Museum of Modern Art Oxford).

Enfants terribles of British art, the Chapman brothers are known for their aesthetic of shock and provocation and for their consummate skill as draughtsmen and object makers. From sculptural tableaux and drawings inspired by Goya, to their sexually reconfigured mannequins sporting Nike trainers and the epic sculptural work Hell, the artists create works of weird beauty, horror and excess.

For their exhibition at Modern Art Oxford, the Chapmans present sculptures, paintings, drawings and a major new installation in the main Upper Gallery. The exhibition develops on the artists delight in cultural confusion and in challenging our assumptions about taste and meaning in art, explored most recently in The Chapman Family Collection; a faux-museographic display of hand-carved wooden fetish objects infected with the iconography of the global food outlet McDonalds.

All of the work in The Rape of Creativity are presented in the UK for the first time. 

The exhibition is organised by Modern Art Oxford.

A fully illustrated publication featuring newly commissioned essays, produced by Modern Art Oxford, accompanies the exhibition. A limited edition print are available to purchase. Jake and Dinos Chapman's last solo exhibition in a public gallery was Chapmanworld at the ICA in 1996.

MODERN ART OXFORD

30 Pembroke Street, Oxford OX1 1BP

www.modernartoxford.org.uk

Russell Crotty: Globe Drawings, Kemper Museum of Contemporary Art, Kansas City

Russell Crotty: Globe Drawings

Kemper Museum of Contemporary Art, Kansas City

April 11 – July 6, 2003

California-based artist Russell Crotty combines his passion for astronomy with his art. The results are intricately drawn images of the nighttime sky, including star clusters, constellations, and planets, which he mounts on spheres. The exhibition Russell Crotty: Globe Drawings features several new works. Russell Crotty is an artist in residence at the Kemper Museum. 

Russell Crotty lives on 130 acres in the Santa Monica Mountains, where he built the Solstice Peak Observatory. From there, he studies nocturnal skies with a ten-inch f/8 Newtonian reflector telescope, taking extensive notes on his observations of different celestial bodies. From these studies, Russell Crotty makes his final drawings in his studio. He then transfers the drawings onto globes that he suspends from the ceiling. 

Unlike scientific satellite photographs, Russel Crotty’s images of planets and constellations are impressions of what he see through his telesclope. Since it takes thousands of years for light to travel to Earth from distant stars, what we see is in many ways a memory. He says, “On that ladder alone up there I actually feel creeped out. I feel like I’m looking at something I shouldn’t be looking at. That light, there’s something sacred about it. It’s traveled so far. It’s amazing, like eavesdropping.” (Artforum, September 2001) 

KEMPER MUSEUM OF CONTEMPORARY ART

4420 Warwick Boulevard, Kansas City, MO 64111

www.kemperart.org

Takashi Murakami, Marianne Boesky Gallery, NYC

Takashi Murakami

Marianne Boesky Gallery, New York

April 11 - May 10, 2003

Marianne Boesky Gallery presents a new exhibition of works by Takashi Murakami.

Over the last five years, Takashi Murakami has emerged as the leading force in the encouragement, articulation and development of an only recently acknowledged contemporary Japanese art culture. As an artist, theorist, and curator, he has put forward an elaborately conceived view combining a thorough understanding of western modernism, traditional Japanese art history, and contemporary consumer culture.

This spring, Takashi Murakami unveils a new collaboration with Louis Vuitton and Marc Jacobs. He was invited to collaborate with the designer on a new line of handbags and merchandise, even going so far as to redesign and update their logo. The product launch in Louis Vuitton stores has already begun.

At the same time, for his third solo exhibition at Marianne Boesky Gallery, Takashi Murakami collaborates using his own designs and characters created for Louis Vuitton in another context. The paintings and sculptures will display the elaborate and colorful motifs emblazoned on these commercial products. The surfaces and attention to detail are signature to Murakami’s style of art making. Other than the content, these paintings still contain the elements of Murakami’s true painting—superflat, minimalism, abstraction, and representation. By boldly agreeing to do this project, Murakami moves beyond the art of merely appropriating pop culture imagery, to an all too questionable realm of art as commerce. As Murakami continually emphasizes, the boundaries between commercial works and fine art is malleable, and the patterns and decorations of both can be illuminating.

Takashi Murakami’s aesthetic agenda encompasses myriad activities. Along with the many exhibitions of his artwork (including solo exhibitions at the Fondation Cartier in Paris, Serpentine Gallery in London, Museum of Contemporary Art in Tokyo, Boston Museum of Fine Art), he has curated several important exhibitions, such as “SUPERFLAT” and “Coloriage”, which champion a specifically Japan-centric view of modern and contemporary visual culture. Murakami also has organized his own art festivals in Japan (called “Geisai”), and he continues to design and market consumer goods—t-shirts, watches, mousepads, postcards, etc.—disseminating his signature images to an increasingly wider cultural spectrum.

MARIANNE BOESKY GALLERY

509 West 24th Street, New York, NY 10011

www.marianneboeskygallery.com

Caisson etanche EWC-1 pour les Casio EXILIM

CASIO - COMMUNIQUE DE PRESSE - 07.04.2003

Aucune limite à l'aventure pour les appareils photo numériques CASIO : Le caisson étanche EWC-1 protège efficacement la famille EXILIM de l'eau, la poussière et la saleté

Que vous soyez à la plage, en train de nager, de plonger avec tuba ou en train de photographier dans une foret tropicale, la famille CASIO EXILIM est parfaitement protégée du sable, de l'eau et des embruns grâce à son nouveau caisson étanche EWC-1. Les appareils photo numériques CASIO EXILIM EX-S1, EX-M1, EX-S2 et EX-M2 sont idéalement protégés dans leur étui polycarbonate, assurant des photos parfaites pour chaque situation : vacances, aventure ou environnement professionnel quotidien.

Malgré ses dimensions compactes de 112,5 mm x 65,5 mm x 23 mm (L x H x P)* cet accessoire est capable de résister à la pression de l'eau jusqu'à 3 mètres de profondeur et protège efficacement l'EXILIM de toute intrusion. L'appareil photo numérique EXILIM s'ajuste facilement dans le caisson étanche EWC-1 et peut être utilisé depuis l'extérieur via des boutons de commande en caoutchouc. Même le flash intégré n'est géné en fonctionnement sous-marin. Pour repérer plus facilement le caisson et son EXILIM, l'encadrement de l'optique et le système de fermeture sont en jaune fluorescent.

Ce caisson étanche compact et léger - 76 g**- est fourni avec un étui de transport, du silicone et une solution anti-condensation.

* sans projections

** Poids sans appareil ni accessoires.

L'aventure de Pont-Aven et Gauguin, Paris, Quimper, Naples

L'aventure de Pont-Aven et Gauguin
Musée du Luxembourg, Paris
2 avril - 22 juin 2003
Musée des Beaux-Arts de Quimper
12 juillet - 30 septembre 2003
Museo di Capodimonte, Naples
16 octobre 2003 - 8 janvier 2004

L'aventure de Pont-Aven et Gauguin

© Musée du Luxembourg, Paris

Le Sénat présente une exposition consacrée à l'aventure de Pont-Aven et à ses peintres, au premier rang desquels figure Paul Gauguin. Le nom du petit village breton de Pont-Aven est aujourd'hui connu dans le monde entier pour avoir accueilli la plus étonnante colonie artistique en Europe dans la seconde moitié du XIXe siècle. À partir des années 1860, des peintres, souvent anglo-saxons, fréquentent ce site pittoresque, tout autant à la recherche de motifs à peindre que d'exotisme. La Bretagne suscite à cette époque un extraordinaire engouement auprès des artistes. La mode de Pont-Aven sera telle qu'à l'arrivée de Gauguin en 1886, près d'une centaine de peintres y séjournent à la belle saison, se répartissant entre de modestes auberges qui font crédit et des hôtels plus luxueux.

Au retour du Danemark, en proie aux plus grandes difficultés, Paul Gauguin se rend en juillet 1886 à Pont-Aven. Il connaît le village de réputation et sait qu'on peut y vivre à crédit. Il se lie avec quelques peintres sur place comme Charles Laval ou Henri Delavallée. Sa peinture est alors impressionniste. Après un nouvel échec à Panama et à la Martinique, il y revient au début de 1888. Il commence alors à apprécier la Bretagne et écrit à son ami Émile Schuffenecker début mars : « J'aime la Bretagne, j'y trouve le sauvage, le primitif. Quand mes sabots résonnent sur ce sol de granit, j'entends le ton sourd, mat et puissant que je cherche en peinture ».

Durant cet été 1888, en compagnie du jeune Émile Bernard, Gauguin met au point une technique appelée « synthétisme ». Il tente de ne plus dissocier un contenu traité de manière symboliste et son expression formelle. Les œuvres, peintes de mémoire, sont construites comme un assemblage de couleurs pures posées en aplat et entourées de cernes. La composition rompt avec les principes traditionnels, basés sur les limites du cadre et les conventions de la perspective. Le groupe s'élargit progressivement, avec des peintres comme Henry Moret et Ernest Chamaillard.

Le synthétisme, que l'on considère comme la première étape de la naissance de l'art moderne, va séduire immédiatement la jeune génération, en particulier Paul Sérusier, qui reçoit une magistrale leçon à Pont-Aven. La naissance du groupe des Nabis en sera la première conséquence et, dans ce groupe, Lacombe et Denis seront directement influencés par la nouvelle esthétique.

Gauguin reviendra en 1889 et 1890 pour de longs séjours. Fuyant la foule de Pont-Aven, il va s'isoler au bord de la mer, dans le village du Pouldu. Avec Meyer De Haan, il décore la salle à manger de l'auberge de Marie Henry où ils se sont installés. Henry Moret s'est établi à proximité.

On appelle « Ecole de Pont-Aven » l'ensemble des peintres qui ont rencontré Gauguin à Pont-Aven et ont été plus ou moins influencés par lui. Les premiers compagnons se retrouvent à la table de l'auberge Gloanec. Par la suite, des peintres viennent spécialement en Bretagne pour le voir. Durant sa longue absence de 1891-1893, --le premier séjour à Tahiti--, des peintres recueillent l'héritage de la bouche de ceux qui sont restés sur place, Charles Filiger ou Paul Sérusier. Certains peintres ne font que passer, le temps d'un été, d'autres s'établissent à demeure. Le groupe s'élargit, comprenant des peintres d'origines diverses comme l'Irlandais Roderic O'Conor, le Polonais Wladyslaw Slewinski, le Suisse Cuno Amiet, les Danois Mogens Ballin et Jean-Ferdinand Willumsen ou le Hollandais Jan Verkade. Certains sont des paysagistes comme Maxime Maufra, d'autres, mystiques, peignent des scènes religieuses comme Charles Filiger. Armand Seguin et Rodéric O'Conor se lancent dans la gravure.

Gauguin revient en 1894 pour tenter de récupérer ses œuvres laissées en gage, mais ce dernier séjour se passe très mal et il quitte définitivement la Bretagne. Après son départ pour l'Océanie en 1895, quelques peintres vont retourner à un impressionnisme plus assagi, d'autres vont poursuivre leur recherche. Paul Sérusier, Émile Jourdan et Charles Filiger seront en Bretagne les derniers membres du groupe que bon nombre de jeunes artistes rencontreront afin de recueillir des témoignages sur cette extraordinaire épopée.

Cette exposition, organisée par le Sénat dans le cadre des Célébrations du centenaire de la mort de Paul Gauguin (1848-1903), est la plus importante jamais réalisée en France sur ce thème. Elle rassemble 70 peintures, 25 dessins, 20 estampes et 8 sculptures, objets ou meubles, provenant d'importants musées et collections privées de douze pays (The Metropolitan Museum of Art New York, Museum of Art, Indianapolis, Phoenix Art Museum, USA, Musée d'Orsay, Paris, Musée du Prieuré Maurice Denis, Saint Germain en Laye , Musée des Beaux Arts de Quimper, Musée de la Chartreuse de Douai, Museo de Bellas Artes Buenos Aires, Argentine, Musée des Arts d'Afrique et d'Océanie, Paris, Musée Léon-Dierx, Saint Denis Réunion, Fondation Rau, Zurich, Musée des Beaux Arts de Rennes, Willumsen Museum, Frederikssund, Danemark, ...).

Commissaire de l'exposition :
André Cariou, conservateur en Chef du musée des Beaux-Arts de Quimper

Musée du Luxembourg
19 rue de Vaugirard, 75006 Paris
www.senat.fr

Musée des Beaux-arts de Quimper
40 place Saint-Corentin, 29000 Quimper
www.musee-beauxarts.quimper.fr