Agatha Wojciechowsky @ Andrew Edlin Gallery, NYC - Spirits Among Us, curated by Aurélie Bernard Wortsman

Agatha Wojciechowsky 

Spirits Among Us

Curated by Aurélie Bernard Wortsman

Andrew Edlin Gallery, New York

Through October 23, 2021

Andrew Edlin Gallery presents a solo exhibition of works by Agatha Wojciechowsky (1896-1986), the first held in New York since 1972. Spirits Among Us reveals the enigmatic and rarely seen world of this renowned artist and medium healer in a wide range of works on paper created from 1951 to 1978, along with a selection of automatic writings and artifacts from her life.

Born in Steinach, Germany, the artist reported experiencing her first visions at the age of four. She emigrated to the United States in 1923, where she was employed as a governess, and later as a seamstress and laundress. She married Polish immigrant Leo Wojciechowsky, settled in New York, where they raised two children. Sometime after World War II, Agatha Wojciechowsky was introduced to psychic Bertha Marks. Propelled by Mona, Marks' young Native American spirit guide, and by her own spiritual gatekeeper Morning Glory, the artist began to draw by strapping a small pencil to her hands with a rubber band. This marked the onset of her automatic writings and her artistic development.

Sitting at her kitchen table, Agatha Wojciechowsky would work in a trance-like state filling notebooks with jottings that recall Surrealist automatic writings. Like other mediumistic artists, she believed that spirits created the art and she was their instrument. Her initially unintelligible markings turned into letters, and at times, the letters turned into faces. An avid storyteller, she wrote fables and taught herself to write in English with her right hand and in German with her left. The majority of her notebooks, however, were brimming with an imagined language that she believed would be understood in the future. ­

Utilizing her automatic writings, Agatha Wojciechowsky developed her practice as a medium and artist, creating pencil portraits of spirits and abstracted landscapes embedded with floating faces. Her earliest drawings, rendered in graphite or charcoal on paper, are portraits of Native American spirits. One small work depicts what appears to be an anthropomorphic figure that is reminiscent of the spiders made by Louise Bourgeois. Agatha Wojciechowsky’s portraits from 1952 incorporated vivid colors, such as pastels on bright pink or blue colored paper. Like self-taught Ukrainian-American artist Janet Sobel, who invented a drip technique believed to have inspired Jackson Pollock, Agatha Wojciechowsky blended figurative elements–mostly faces–into abstract backgrounds. 

“I was seated for hours at a time staring out the window on Lexington Avenue. And there across the street was [...] a plain wall and I kept seeing thousands of faces and heads. Nothing but faces. Nothing but heads.” With this recalled vision in mind, in a graphite on paper work made in 1969, the artist inserted floating faces inside a larger profile of a head that could be construed as a self-portrait. The flurry of faces in this drawing bring to mind the ink and gouache renderings of faces by German Surrealist artist Unica Zürn, who also practiced automatic drawing.

Like the spiritualist artist Georgiana Houghton, Agatha Wojciechowsky turned increasingly to abstract compositions. Over time, the worlds she depicted became more and more complex, filled with imagined landscapes in which each level is divided by Fauvist-like color fields, and spirit writings with unknown letters and shapes. Her last series from 1974 to 1978 is filled with drips and expressive splashes of watercolor, and ever more hidden faces added with pencil.

By 1961, Agatha Wojciechowsky became an established presence in the New York Spiritualist community. She was named an ordained minister by the Universal Spiritualist Church and traveled throughout the world practicing her craft. On view in the gallery foyer are works which were once a part of the artist’s own seance room. A trumpet used to channel ‘spirit voices’ is included in the exhibition along with pamphlets from Spiritualist summer camps, where she served as an instructor.  

Agatha Wojciechowsky did receive recognition from the art world during her lifetime. In 1963, her first solo exhibition, The Spirits, was held at Cordier and Ekstrom (New York), which had introduced Jean Dubuffet’s collection of Art Brut to the American public a year earlier. In 1966, Agatha Wojciechowsky’s works were included in the group show Soloists, featured alongside those by Romare Bearden, Jean Dubuffet, Marcel Duchamp, Isamu Noguchi, Francis Picabia and Man Ray. In 1964, art dealer Rudolf Zwirner happened upon her work at MoMA and later presented shows with the artist and in 1978 produced a catalog. Recent seminal exhibitions like Hilma af Klint: Paintings for the Future (Solomon R. Guggenheim Museum, New York, 2018-2019) and Agnes Pelton: Desert Transcendentalist (Whitney Museum of American Art, New York, 2020) have showered new attention on groundbreaking visionary female artists. Current exhibitions like Women in Abstraction (The Centre Pompidou, Paris, Guggenheim Bilbao, traveling 2021-22) and Supernatural America: The Paranormal in American Art (Toledo Museum of Art, Speed Museum of Art, Minneapolis Institute of the Arts, traveling 2021-22), which includes Agatha Wojciechowsky’s work– point to continued interest in women artists dealing with the occult.

Agatha Wojciechowsky’s works are held in the collections of numerous institutions including the American Folk Art Museum (New York), the Museum of Modern Art (New York), the Whitney Museum of American Art (New York), the Art Institute of Chicago, the Menil Collection (Houston), the Aldrich Museum of Contemporary Art (Ridgefield, CT), the Museo del Prado (Madrid) and the Collection de l’Art Brut (Lausanne).

ANDREW EDLIN GALLERY

212 Bowery, New York, NY 10012

www.edlingallery.com

__________________

Anne et Patrick Poirier @ MRAC Occitanie, Sérignan - La mémoire en filigrane

Anne et Patrick Poirier

La mémoire en filigrane

Musée régional d’art contemporain Occitanie, Sérignan

9 octobre 2021 - 20 mars 2022

ANNE ET PATRICK POIRIER

Sans titre, série Villa Médicis, 1969

Empreinte sur papier japon, bois, paille, 55 x 30 x 40 cm.

© Anne et Patrick Poirier, collection des artistes. Photo : Damien Roy

L’exposition La mémoire en filigrane propose une déambulation dans l’espace méditerranéen et dans le temps de la mémoire d’Anne et Patrick Poirier, avec des travaux de la fin des années 1960 à aujourd’hui, pour certains jamais ou rarement montrés.

Le travail protéiforme d’Anne et Patrick Poirier, d’une très grande diversité de médiums et d’échelles, porte sur la question de la mémoire et s’attache à rendre compte de la fragilité du monde. « Nous nous sommes, dès le début de notre travail, passionnés pour l’archéologie et les villes en ruines, et, à travers elles, pour l’architecture parce que nous pressentions le rapport étroit entre archéologie, architecture, mémoire et psyché. Et nous avons compris que l’architecture, qu’elle soit en ruines ou pas, pouvait être une métaphore de la mémoire et de la psyché » (Anne et Patrick Poirier).

Loin d’être seulement une recherche sur des formes archéologiques, le travail d’Anne et Patrick Poirier est une exploration obsessionnelle, distanciée et ludique de l’histoire qui nous permet de comprendre notre présent et d’entrevoir le devenir de nos sociétés. 

ANNE ET PATRICK POIRIER

Nés respectivement en 1941 et 1942, Anne et Patrick Poirier vivent et travaillent à Lourmarin en Provence. Après leurs études à l’École nationale supérieure des arts décoratifs à Paris, Anne et Patrick Poirier passent quatre ans à la Villa Médicis à Rome. Dès le début de leur séjour, en 1968, ils décident de travailler ensemble. Réunissant leurs idées et leurs sensibilités, leurs travaux signés en commun deviennent les fruits de ce partage. Ce ne sont plus des artistes solitaires travaillant dans leur atelier en quête d’un langage personnel, mais des voyageurs, arpenteurs de sites, découvreurs de civilisations, de religions et de cultures différentes (Orient, Moyen-Orient, Amérique Centrale, ÉtatsUnis…). Refusant les rôles conventionnels de sculpteur et de peintre, ils endossent ceux, interchangeables d’archéologue et d’architecte. Leur approche artistique des sciences humaines est un voyage dans la mémoire qu’ils considèrent comme fondamentale, base de toute intelligence entre les êtres et entre les sociétés. Enfants de la guerre, ils révèlent la fragilité des civilisations, des cultures, et leur esthétique est souvent celle du fragment, de la ruine, de la catastrophe. Anne et Patrick Poirier forment l’un des tout premiers et rares couples d’artistes. Fidèles à la symbiose qui sous-tend leur création depuis plus de cinquante ans, ils développent une œuvre protéiforme et visionnaire. En France, Anne et Patrick Poirier sont représentés par la Galerie Mitterrand et, en Italie, par la Galleria Fumagalli.

Commissariat de l'exposition : Laure Martin-Poulet et Clément Nouet

Musée régional d’art contemporain - MRAC

Occitanie / Pyrénées-Méditerranée

146 avenue de la plage, 34410 Sérignan

mrac.laregion.fr

Highlights From Phillips Photographs Auction, Phillips, New York

Highlights From Phillips Photographs Auction

Phillips, New York

October 7, 2021

László Moholy-Nagy

Photogram, 1920s

Estimate: $300,000 - 500,000

Courtesy of Phillips

Phillips announces a selection of upcoming works from the first Photographs sale in the auction house’s new state-of-the-art gallery at 432 Park Avenue. Featuring nearly 250 lots, the sale takes place on 7 October, directly following the single-owner sale "Reframing Beauty: A Private Seattle Collection" and features works by László Moholy-Nagy, Robert Frank, Peter Beard, Chuck Close, Deana Lawson, and Hank Willis Thomas.

Sarah Krueger, Head of Photographs, New York, said, “The October Photographs auction brings together a selection of artists from 20th Century masters like László Moholy-Nagy and Ansel Adams to an impressive array of contemporary works by Alec Soth, Gregory Crewdson, Cindy Sherman, Hank Willis Thomas, and Vik Muniz. This sale highlights the tremendous creative breadth this collecting category has to offer.”

Leading the sale is László Moholy-Nagy’s "Photogram". This unique work dates to the early years of Moholy-Nagy’s career in photography when his explorations of the medium expanded its capabilities and informed his expansive understanding of its role in the creation of art for a new age. He made this image without a camera, by placing objects on or over the sheet of photographic paper and carefully directing the angle of light, creating an enigmatic composition that transcends the sum of its parts. Newly discovered in 2010, this photogram takes its place within an oeuvre remarkable for the consistency of the artist’s vision across all media.

Ansel Adams

The Tetons and the Snake River, Grand Teton National Park, Wyoming, 1942

Estimate: $100,000 - 150,000

Courtesy of Phillips

The large-format print of Ansel Adams’ virtuosic landscape, "The Tetons and the Snake River, Grand Teton National Park, Wyoming", comes from a limited edition commissioned in 1975 by Adams’ dealer Harry Lunn, and showcases Ansel Adams’ unmatched skills as a photographer of the American landscape and as a photographic printer.

Peter Beard

Prometheus figure with vultures feeding . . . Bacon Studio @ 7 Reece Mews, London SW7, 1976

Estimate: $120,000 - 180,000

Courtesy of Phillips

Epic in scale and masterful in execution, Peter Beard’s unique study of the interior of Francis Bacon’s London studio documents the creation of one of Francis Bacon’s masterpieces and illuminates the deep friendship between the two artists. Peter Beard’s panoramic image consists of three consecutive exposures on a strip of enlarged 35mm film and captures the central panel of Bacon’s lauded "Triptych", 1976. Taken as a whole, Peter Beard’s multi-panel photograph is a meditation on the passage of time and the inevitability of death, as well as on the potential of the artistic process to overcome mortality.

Robert Frank

U.S. 285, New Mexico, 1956

Estimate: $80,000-120,000

Courtesy of Phillips

The October Photographs auction also presents a choice selection of work from the collection of pioneering New Zealand gallerist Peter McLeavey (1936-2015), who essentially created the country’s art market in the 1960s. He had a special affinity for photography and assembled a collection of photographs that is deeply personal in meaning and world-class in quality, including an early print of Robert Frank’s "U.S. 285, New Mexico" and Dorothea Lange’s "The Road West, New Mexico", as well as work by Bill Brandt and Charles Clifford, among others.    

Deana Lawson

Ring Bearer, 2016

Estimate: $25,000 - 35,000

Courtesy of Phillips

Also among the highlights is "Ring Bearer" by Deana Lawson, winner of the 2021 Hugo Boss Prize and subject of an ongoing Guggenheim exhibition. While borrowing elements of documentary photography and portraiture, Deana Lawson’s images are carefully crafted vignettes informed by her travels throughout the African diaspora. From the satin and lace ring pillow, to the family photos and play of textile patterns, every detail of "Ring Bearer" is full of intention and meaning.

Jiro Takamatsu

Photograph of Photograph, 1973

Estimate: $30,000-50,000

Courtesy of Phillips

Two rare early prints by Francesca Woodman will be offered on 7 October. Woodman’s photographs are celebrated for their critical dialogue with the history of art, the examination of the body, and the complexities of self-portraiture. While her life and career were short, her distinct body of work reveals her quick and impressive evolution as a photographer who drew inspiration from sources as varied as Surrealism, Conceptualism, and Post-Minimalism. Similarly influenced by these movements was Jiro Takamatsu whose dynamic practice established him as a leading influence in the Japanese conceptual art movement of the 1960s and 70s. In his "Photograph of Photograph" series, Jiro Takamatsu recontextualizes his own family photographs, elevating vernacular imagery to the level of fine art.

Walker Evans

Chicago, 1947

Estimate $30,000 - 50,000

Courtesy of Phillips

A strong selection of prints from the collection of the late New York gallerist Robert Schoelkopf (1927-1991) highlight Walker Evans’ sensitive and astute portrayal of life during and after the great depression.

The five photographs comprising Ruth Orkin’s "The Card Players, New York City" showcase the photographer’s ability to create, through a progression of images, a character study of depth, nuance, and humor. The early prints offered here are similar in size and presentation to those exhibited in the landmark Family of Man exhibition at The Museum of Modern Art in 1955.

Following the successful offering in the April auction is more property from the former owners of the Michelin-star-recipient Gotham Bar & Grill in Manhattan.  The group includes works by Vera Lutter and Philip-Lorca diCorcia.

Preceding the various owners sale on 7 October is "Reframing Beauty: A Private Seattle Collection". This relevant and socially minded collection includes works by Robert Adams, Peter Hujar and Nan Goldin, among others, and speaks to many current themes in contemporary discourse—be it climate change, the environmental impact of deforestation, the struggle for equal rights and representation for LGBTQIA+ and the ever-broadening definition of beauty.

Auction: 7 October 2021 | 11am & 2pm ET

Auction viewing: 2 - 6 October

Location: 432 Park Avenue, New York, NY

Click here for more information: 

https://www.phillips.com/auctions/auction/NY040221

PHILLIPS NEW YORK 

432 Park Avenue, New York, NY 10022

www.phillips.com

Lancement de LaCollection.io - Plateforme NTF dédiée aux musées et aux institutions artistiques

Lancement de LaCollection.io 

Katsushika Hokusai (1760-1849) 

Under the Wave off Kanagawa ('The Great Wave'), 

from the series Thirty-six Views of Mt. Fuji, 1831

Japan Colour woodblock print H 25.8 x W 37.9 cm

The British Museum, 2008,3008.1.JA 

With contribution from Art Fund and Brooke Sewell Bequest 

© 2021, The Trustees of the British Museum

Plateforme NTF dédiée aux musées et aux institutions artistiques sur la base d'un premier partenariat exclusif avec le British Museum de Londres portant sur un ensemble d’œuvres d'Hokusai

LaCollection vient d'annoncer le partenariat exclusif mis en œuvre avec le British Museum de Londres (Royaume-Uni) pour le lancement de LaCollection.io, plateforme NFT inédite dédiée aux musées et aux institutions.

La mission revendiquée de LaCollection est d'aider les institutions culturelles à susciter l’intérêt de nouvelles générations d'amateurs d'art et à initier une façon innovante de découvrir un musée, un artiste ou même une œuvre d'art.

LaCollection est enthousiaste à l'idée que des personnes qui ne se sont jamais rendues à Londres, qui n'ont jamais visité le British Museum et qui ne se sont peut-être jamais intéressées à son immense collection, auront désormais la possibilité de découvrir la richesse de ses fonds d'une manière inédite et intéressante.

Le mercredi 30 septembre prochain, la plateforme LaCollection.io sera lancée avec un espace de vente NFT dédié à une sélection d'œuvres de l'artiste japonais Katsushika Hokusai (Edo 1760 - Tokyo 1849). Hokusai représente en effet l'artiste idéal pour le lancement d'une telle plateforme : connue et célébrée dans le monde entier, son œuvre bénéficie d'un intérêt extraordinairement important. Le programme NFT comprendra des œuvres emblématiques telles que Sous la vague, au large de Kanagawa ("La grande vague"), Journée claire avec une brise du sud ("Le Fuji rouge") et Ejiri dans la province de Suruga, ainsi que des œuvres moins connues, notamment des dessins tirés du fascinant "The Great Big Picture Book of Everything". Certains NFT seront vendus à un prix préfixé, d'autres seront vendus aux enchères.

Il est important de noter que le jour même du lancement de la plateforme, une exposition physique ouvrira ses portes au British Museum ; une telle présentation simultanée des œuvres originelles et de leur déclinaison NFT est le but même de ce que LaCollection cherche à réaliser.

Passionnés et néophytes auront ainsi la possibilité de se rendre sur LaCollection.io, de choisir parmi une offre d'un peu plus de 200 NFT Hokusai et d'effectuer leur achat en quelques clics. Il s'agira d'une expérience utilisateur à la pointe du marché, permettant une très grande simplicité d'achat par carte de crédit ou par le biais de la crypto-monnaie Ether.

Selon Craig Bendle, Licensing Manager, British Museum : "Nous sommes très heureux de nous associer à LaCollection et de développer ainsi des moyens innovants afin de nous engager dans le marché en pleine croissance des NFT. Il est très important qu'en tant que musée, nous nous adaptions continuellement aux nouveaux marchés et que nous trouvions de nouveaux moyens d'approcher des personnes que nous n'atteindrions peut-être pas par les canaux traditionnels. Nous avons été particulièrement attirés par la vision de LaCollection, qui consiste à créer une plateforme centrée sur une communauté, réunissant des musées et des institutions similaires afin de faire partager leurs histoires et leurs patrimoines de manière amusante et intéressante. En outre, la simplicité de l'expérience utilisateur de LaCollection.io nous a beaucoup séduit. L'espace NFT est nouveau pour de nombreuses personnes, alors leur permettre d'entrer sur le marché d'une manière aussi simple et directe est très stimulant."  

Selon Jean-Sébastien Beaucamps, cofondateur et PDG de LaCollection : "C’est un honneur de nous associer avec le British Museum pour le lancement de notre plateforme. LaCollection est née de deux passions : l’art et la technologie. Notre ambition est de créer la plus grande plateforme NFT dédiée aux institutions artistiques et culturelles. Nous cherchons à créer une nouvelle manière de découvrir l’art, un musée, un artiste. Une nouvelle communauté et génération de collectionneurs voit ainsi le jour. Nous sommes impatients de commencer ce partenariat passionnant avec le British Museum, l’une des institutions culturelles les plus prestigieuses au monde." 

LaCollection 

LaCollection est une entreprise née d’une passion autour de l’art et de la technologie. Conscient de l’évolution accélérée de la technologie blockchain d’une part, et du poids grandissant des œuvres numériques dans le marché de l’art d’autre part, LaCollection vise à faire se rencontrer l’art traditionnel présent dans les collections des musées et l’art numérique et essaie de répondre à la question suivante : comment faire bénéficier musées et institutions des possibilités offertes par ces nouvelles technologies et les aider à s’y engager ?

La mission de LaCollection est simple : créer un hub numérique pour les personnes partageant une même passion pour l'art, les musées, les NFT et les avancées technologiques.

LaCollection a recours aux technologies les plus pointues et les associe à une fantastique expérience utilisateur en vue de créer la plus vaste communauté de passionnés et d'amateurs d'art NFT. Plaçant la confiance au cœur de son activité, chaque NFT est authentifié sur LaCollection, approuvé par l'institution ou le musée concerné et sécurisé sur la blockchain.

LaCollection, en collaboration avec des institutions culturelles, crée une nouvelle façon de posséder le « double numérique » de chefs-d’œuvre issus du monde entier. Les collectionneurs peuvent ainsi posséder ces NFT et créer leurs propres collections inter-musées, forgeant ainsi une nouvelle communauté de personnes passionnées d'art et d'innovation.

Il apparait certain que les NFT vont s’imposer de façon pérenne et leur récente popularité rend déjà compte du début d'une nouvelle façon de collectionner des éditions limitées d'œuvres d'art. Il est ainsi passionnant de constater que des technologies disruptives peuvent réinventer la relation entre musées, collectionneurs et contenu. Les NFT vont au-delà de l'art numérique, ce sont des véhicules pour raconter l'histoire de l'art, celle du passé et celle du présent, et LaCollection se veut être à l'avant-garde de ce mouvement.

Alors que de plus en plus d'institutions culturelles intègrent le potentiel de telles avancées technologiques, LaCollection est parfaitement placée pour venir soutenir et accélérer cette transformation numérique.

The British Museum

Fondé en 1753, le British Museum a été le premier musée public national au monde. Dès l'origine, il s'est agi d'un musée du monde, pour le monde, et cette volonté est toujours au cœur de la mission du musée aujourd'hui. Les collections racontent l'histoire des cultures du monde entier, depuis l'aube de l'histoire humaine, il y a plus de deux millions d'années, jusqu'à aujourd'hui. Les objets vont des premiers outils fabriqués par l'homme et des trésors du monde antique aux acquisitions plus récentes en provenance d'Afrique, d'Océanie et des Amériques, du Moyen-Orient, d'Asie et d'Europe, auxquelles s'ajoutent des collections nationales de gravures et de dessins, et de pièces de monnaie et de médailles.

lacollection.io

Max Ernst @ Phillips, London - Maximiliana: Max Ernst from the Collection of Peter Schamoni

Maximiliana: Max Ernst from the Collection of Peter Schamoni

Phillips, London

14 and 15 October 2021

MAX ERNST

Pyramid Lake, 1946

Estimate: £550,000-750,000

Photo courtesy of Phillips

Phillips announces ‘Maximiliana: Max Ernst from the Collection of Peter Schamoni’. Through his close friendship with Max Ernst, renowned film director and screenwriter Peter Schamoni assembled an exceptional collection that serves as a lasting memento of one of the most significant artists of the 20th century. Over 80 works of art will be offered, starting with the 20th Century & Contemporary Art Day and Evening sales in London on 14 and 15 October, followed by New York in November. The sale of the collection will culminate in December with a dedicated online-only sale of works on paper, editions, photographs and ephemera.

Cheyenne Westphal, Global Chairwoman, Phillips, said, “The relationship between Peter Schamoni and Max Ernst, an artist who welcomed him into his home, studio and life for close to two decades, is at the heart of this esteemed collection. Having been on loan to the Max Ernst Museum in Brühl, the pedigree and art-historical significance of the works here is exceptional, but it is the deeply personal dimension of the collection which truly sets it apart. We are incredibly honoured and excited to present this to a global audience across our sales this season.”

Tobias Sirtl, 20th Century & Contemporary Art Specialist, Germany, said, “It is such a rare and magnificent opportunity to offer a collection which truly spans the entire oeuvre of an artist, from the early years to the late period. It represents a great depth of collecting, with works of the highest quality and carrying exceptional provenance.”

Max Ernst and Peter Schamoni

Photograph by Viktor Schamoni

Courtesy of Phillips

A Tale of Two Artists

Peter Schamoni was born in Berlin in 1934 as the son of the filmmaker Peter Schamoni and the actress and screenwriter Maria Vormann. Peter Schamoni first met Max Ernst in the 1960s, a young filmmaker travelling to the French Touraine to start work on his first documentary about the artist that had so captivated him. This marked the start of a long friendship and various artistic collaborations. Peter Schamoni’s films explored and excavated Max Ernst’s unique visual language, drawing on key themes and motifs that preoccupied the artist throughout his career, and which are well represented across the present collection.

Highlights from the 20th Century & Contemporary Art Evening Sale, London

Spanning the early 1920s to the 1970s, the collection highlights Max Ernst’s relentlessly experimental approach to material and technique, bringing together paintings, drawings, sculpture, collage, prints, and his innovative frottages.

A leading highlight of the sale, Pyramid Lake is a record of both Max Ernst’s time in Sedona, Arizona, and of the filmmaker’s later retracing of his footsteps. After the war, Max Ernst settled in Sedona with Surrealist artist Dorothea Tanning in 1946, the same year that Pyramid Lake was completed. The home they built together was visited by avant-garde luminaries Lee Miller, Marcel Duchamp and Man Ray, among others. Schamoni’s 1991 feature-length documentary Max Ernst: Mein Vagabundieren – Meine Unruhe records this period, incorporating photographic images of the bare timber bones of their house erected against the surreal emptiness of the landscape. Hovering between dream and reality, the highly textured surface of Pyramid Lake is the result of Max Ernst’s experimentation with materials and process, a breath-taking example of his celebrated frottage works and decalcomania techniques.

MAX ERNST

Matin et soir, 1930

Estimate: £200,000-300,000

Photo courtesy of Phillips

Matin et soir resided in Max Ernst’s personal collection for four decades, until it was acquired by Schamoni. From his early Dada days, Max Ernst had demonstrated an interest in scientific and technical instruments. Executed in 1930, Matin et soir pushes this into new territory with the playful inclusion of a pyrometric watch, a conical tool used to ensure consistency in a kiln’s temperature. The pyrometric watch stands as a visual metaphor for the passage of morning into night referenced in the work’s title. A key theme running through Max Ernst’s oeuvre and fundamental to Surrealism, Matin et soir uses a characteristic quick-wittedness to explore ideas around mutability and metamorphosis, condensed in the figure of his Bird-Familiar, Loplop. The present work has been widely exhibited and was included in the major 1979 Max Ernst retrospective in Munich.

Max Ernst had a long-standing fascination for the categorisations of natural history, and scientific motifs are threaded through the collection. Alongside a sustained interest in the instruments and tools of scientific inquiry that unities the works presented here, we also find more specific references to the practices of cartography in Euklid, 1950 (estimate: £200,000-300,000), and in Homme (Spezialpreis für die Kurzfilmtage in Oberhausen), 1960 (estimate: £65,000-85,000).

Highlights from the 20th Century & Contemporary Art Evening Sale, New York

MAX ERNST

Ohne Titel (les hommes ne le sauront jamais), circa 1921

Estimate: $600,000-800,000

Photo courtesy of Phillips

MAX ERNST

Kachina, le chien de Peggy Guggenheim, circa 1942

Estimate: $280,000-350,000

Photo courtesy of Phillips

London Auctions

20th Century & Contemporary Art Evening Sale

Auction: 15 October 2021

Auction viewing: 6-15 October

Location: 30 Berkeley Square, London

Click here for more information: 

https://www.phillips.com/auctions/auction/UK010921

20th Century & Contemporary Art Day Sale

Auction: 14 October 2021

Auction viewing: 6-14 October

Location: 30 Berkeley Square, London

Click here for more information: 

https://www.phillips.com/auctions/auction/UK010721

PHILLIPS LONDON 

30 Berkeley Square, London W1J 6EX

www.phillips.com

Brian Maguire @ Crawford Art Gallery, Cork - Remains

Brian Maguire: Remains

Crawford Art Gallery, Cork

17 September 2021 - 9 January 2022

BRIAN MAGUIRE

Arizona 2, 2020

Acrylic on linen, 150 x 200 cm

Photo courtesy of Kerlin Gallery, Dublin

© Brian Maguire

Crawford Art Gallery presents Remains, a series of large scale artworks by BRIAN MAGUIRE. The exhibition depicts the lives lost crossing the border to the US.

Artist Brian Maguire, known for his expressionist paintings addressing issues of social injustice, continues his creative enquiry into the Mexican/American border. In 2019, Brian Maguire visited Dr Greg Hess, Chief Medical Examiner for Pima County, Tucson, Arizona. Dr Hess gave the artist access to some thousand visual records of migrant lives lost in the crossing from South and Central America and Mexico, into the United States. Having combed through these records, Brian Maguire began a new series of paintings, acknowledging the many unidentified victims who undertook this perilous journey to the United States.

Curator Anne Boddaert says ‘When Brian shared his work with us, here in the Crawford Art Gallery, we were upended, we looked and simply could not look away. His works compels the audience to linger on issues of migration and global unrest‘. Anne Boddaert went on to say “Despite the challenging subject matter, visitors will be drawn to Brian’s expressionist style beautifully executed in these expansive paintings. This exhibition will showcase the artist’s poised technique and how he utilises open and rough brushstrokes to represent the harsh landscape of South and Central America and Mexico’ .

In late 2020, the Crawford Art Gallery secured the painting Arizona 3 for the national collection. This acquisition opened up a conversation with Brian Maguire about a showing of this emerging body of work, some of his most nuanced and ambitious to date. 

Brian Maguire

Remains

Exhibition Catalogue

A catalogue with full colour illustrations and texts by Dr Greg Hess, Christian Viveros-Fauné and Edward Vulliamy accompanies the exhibition.

BRIAN MAGUIRE

Irish painter Brian Maguire studied at Dun Laoghaire School of Art and the National College of Art and Design. He has worked with marginalised groups in institutions in Ireland, Poland and the US. Maguire represented Ireland at the São Paolo Biennale in 1998. He was appointed Professor of the Fine Art Faculty of the National College of Art and Design in 2000 and is an elected member of Aosdána. Brian Maguire has shown extensively in Europe and the US, most recently at the Museo De Arte de Ciudad Juarez, Mexico and the Rubin Centre, Texas University at El Paso, Texas (September 2019), at the United Nations Headquarters, New York, (in 2020), the Rhona Hoffmann Gallery, Chicago, (January 2021), and Galerie Christophe Gaillard, Paris (March 2021).

CRAWFORD ART GALLERY

Emmet Place, Cork, Ireland

www.crawfordartgallery.ie

Sarah McEneaney @ Locks Gallery, Philadelphia - Home and Away

Sarah McEneaney: Home and Away

Locks Gallery, Philadelphia

Through October 2, 2021

SARAH MCENEANEY

Small Studio, 2021

Acrylic and collage on wood panel 

23 3/4 x 47 3/4 inches

© Sarah McEneaney, Courtesy of Locks Gallery

Locks Gallery presents Home and Away, a solo exhibition by renowned Philadelphia artist SARAH MCENEANEY. This marks the fourth solo exhibition of McEneaney at the gallery and is accompanied by a catalogue in conversation with curator and scholar Janine Mileaf.

Since the 1970s, Sarah McEneaney has fervently captured the splendor and catenation of her environments, including her home, studio, pets, and neighborhood. Home and Away expands on this autobiographical narrative by including scenes of travel and artist residencies to give a fuller scope of her practice and how it shapes her body of work. The exhibition includes earlier examples of egg tempera paintings alongside recent large-scale works in acrylic and collage, chronicling a shift in technique and perspective.

Culling from her own experiences, memory and emotion play equally important roles in Home and Away. Like votive offerings at an altar, Sarah McEneaney carefully arranges her compositions to feature the minutiae of everyday life, but imbues them with historical and emotional significance. The objects and details that she includes in her depictions of her home and studio in Philadelphia’s Callowhill neighborhood, range from books to paintings to facsimiles of her pets (whose portraits are also featured in the exhibition) to abstract expressionist studio floors. However, for the artist, these spaces transcend their prosaic functionality to become shrines of domestic and studio rituals.

The dichotomous relationship between documentation of a familiar setting and the emotional reality of which it occupies is further exemplified by the groupings of each scene by the artist, allowing the viewer to experience the same setting with a different sense and materiality. In Small Studio (2021), Sarah McEneaney moves away from her traditionally egg tempera technique and introduces collaged elements. From drawings that she then photographs, cuts out, and affixes to the canvas, bikes, figures, and household pets take on new dimension. Juxtaposed with Studio (2016), which is the same physical space painted five years prior, Small Studio sees Sarah McEneaney explore new techniques while continuing her dedication to the interior and unique exposure into the life of an artist. This pairing shows the transition of the artist’s work and her everlasting commitment to her intimate narrative.

From studio and domestic interiors, the exhibition equally highlights Sarah McEneaney’s travels and artist residencies. In Dead Sea at Wadi Mujib, Jordan (2011) the artist paints herself drawing, along with her sister, while floating in the Dead Sea. The way in which she renders the figures invites the possibility of capturing sequential time. This work particularly highlights Sarah McEneaney’s unusual and skewed perspective as a distinct motif that runs throughout her work and embodies each piece with a unique intimacy. By flattening the perspective of the scene, one gets the sense they are entirely in Sarah McEneaney’s uniquely fantasized world.

SARAH MCENEANEY has lived in Philadelphia since 1973, when she came to the city to study at Pennsylvania Academy of the Fine Arts and the Philadelphia College of Art (now University of the Arts). She is the recipient of the Yaddo Fellowship (2006, 1997, 1995), the Pew Fellowship in the Arts (1993), the Joan Mitchell Foundation Grant (2000), the MacDowell Colony Fellowship (1998), and the Chianti Foundation Residency (2009), among others. Her work is in numerous public collections including the Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Philadelphia Museum of Art, Minneapolis Institute of Art , Woodmere Art Museum, Rhode Island School of Design, Hood Museum of Art, Mills College Art Museum, and the Neuberger Museum of Art, among others.

LOCKS GALLERY

600 Washington Square South, Philadelphia, PA 19106

www.locksgallery.com

Vivian Maier @ Musée du Luxembourg, Paris

Vivian Maier

Musée du Luxembourg, Paris

15 septembre 2021 - 16 janvier 2022 

Vivian Maier naît à New-York en 1926. Son père est d’origine austro-hongroise et sa mère est française, ce qui la conduit à séjourner à plusieurs reprises en France dans sa jeunesse. Elle commence à exercer le métier de gouvernante d’enfants dès 1951, d’abord à New-York puis, jusque dans les années 90 à Chicago où elle s’éteint au printemps 2009.

Toute une vie passée inaperçue, jusqu’à la découverte, en 2007, de son corpus photographique : un oeuvre imposant, dense, lumineux et brillant, constitué de plus de 120 000 images photographiques, de films super 8 et 16mm, d’enregistrements divers, de photographies éparses, et d‘une multitude de pellicules non développées, comme autant de trouvailles fascinantes. Cette passion qui l’habite et qui deviendra une activité presque quotidienne, l’élève aujourd’hui au rang des plus grands photographes emblématiques de la Street Photography, et la fait figurer dans l’Histoire aux côtés de Diane Arbus, Robert Frank, Helen Levitt ou Garry Winogrand.

On retrouve dans tout l’oeuvre de Vivian Maier des thématiques récurrentes, qui agissent comme des pondérations et équilibrent son architecture générale, définissant d’emblée et dès ses premières images, un vocabulaire, une syntaxe, un langage qu’elle choisit pour raconter son temps. Les scènes de rue, son théâtre de prédilection, et les quartiers ouvriers, là où elle rencontre la vie, constituent la première thématique de son oeuvre. Au travers de nombreux portraits d’inconnus et de personnes auxquels elle s’identifie et à qui elle délivre une fraction de seconde d’éternité en croisant leurs regards, Vivian Maier fixe un geste, une expression, une situation, la grâce de petites choses accessibles.

Et puis il y a l’univers des enfants qui a été le sien durant si longtemps, et qui est aussi le monde de la liberté où le temps n’existe plus. Elle s’attache aux formes, aux rythmes, aux matières et aux objets trouvés au détour de ses longues promenades. D’abord en noir et blanc, et puis à partir des années soixante, avec la musicalité des couleurs, elle joue des spécificités de cette nouvelle technique pour apporter une variation à sa pratique photographique.

Elle s’essaiera au cinéma, avec sa caméra super 8 ou 16mm comme une tentative de ne plus précipiter le temps mais plutôt de le fixer au rythme de son regard. Ce que Vivian Maier filme, ce n’est pas une scène, ce sont les déplacements de son regard dans l’espace, à la recherche de l’image photographique.

Au coeur même des thématiques explorées par Vivian Maier, il y a un enjeu d’importance qui semble structurer tout son oeuvre. C’est celui de la quête de sa propre identité à travers ses autoportraits. Ils sont nombreux et se déclinent sous de multiples variations et typologies, et deviennent un langage dans le langage. Une forme de mise en abîme du dédoublement.

L’exposition du Musée du Luxembourg, s’articule selon ces grands axes thématiques.

Grâce au concours exceptionnel de l’Estate de Vivian Maier dans le cadre de cette exposition, le public accède pour la première fois à des archives inédites de la photographe : sont ainsi présentées de nouvelles analyses scientifiques, mettant en regard plusieurs aspects de sa création. Ces inédits permettent d’effectuer des rapprochements et des correspondances : photographies vintages que Vivian Maier a pu tirer, films super 8 jamais montrés, qui nous renseignent sur sa recherche de l’image photographique, enregistrements audio constituant un éclairage important sur sa pratique.

Enfin, des archives originales seront présentées tel que ses appareils photo, l’un de ses emblématiques chapeaux, ou encore des photographies de studio issues de sa propre collection, qui informent les visiteurs de ses intérêts, et de possibles influences dans son travail. Le propos de cette exposition est donc de tisser ces éléments entre eux et ainsi de reconstruire et de présenter au public, non seulement la partie visible de l’oeuvre, mais aussi son archéologie.

Exposition organisée par la Rmn - Grand Palais et diChroma photography, en collaboration avec la Collection John Maloof, Chicago et la Howard Greenberg Gallery, NY.

Commissariat : Anne Morin, commissaire d’expositions et directrice de diChroma photography

MUSEE DU LUXEMBOURG

19 rue Vaugirard, 75006 Paris

museeduluxembourg.fr

___________

Claudio Parmiggiani @ Simon Lee Gallery, London

Claudio Parmiggiani 

Simon Lee Gallery, London 

Through 25 September 2021 

CLAUDIO PARMIGGIANI

Scultura d'ombra, 1999 

Smoke and soot on board 

150 x 115 cm (59 1/8 x 45 1/4 in.) 

Courtesy the artist and Simon Lee Gallery

Simon Lee Gallery presents a solo exhibition of Italian artist CLAUDIO PARMIGGIANI in London.

For the past 40 years Claudio Parmiggiani has concentrated his practice on themes of memory, absence and silence, in his search for an image, object or assemblage that transcends time and individual experience to evoke a universal, existen- tial truth.

For his fourth presentation with the gallery and his third exhibition in the London space, Claudio Parmiggiani presents a suite of new Delocazione works. These panels, painted with smoke and soot, filled with the shadowy imprints of books, transform the empty gallery walls into a ghostly library. The volumes that line each shelf appear burnt, dematerialised from physical object to residual outline. An additional single Delocazione panel embodies a human figure; the imprint of a vanished presence that haunts the artist’s library. Since Claudio Parmiggiani initiated the Delocazione they have become a recurrent and fundamental element of his oeuvre, amongst his most powerful expressions of absence.

A cast iron bell hangs from the ceiling but rests immobile. Rendered mute by its stasis, its silence has a near physical impact. The stillness of the bell echoes through the gallery, magnified by the shelves, which house charred books similarly void of sound – their words eradicated. Claudio Parmiggiani has defined his installations as theatres in which silence is the performance. These works situate the potential of sound at the heart of silence: a silence of plenitude. A secluded Delocazione hides away at the end of gallery, here Parmiggiani immortalises a cloud of butterflies as they rise in flight, vividly eternalised in their silent journey their delicate wings flutter in stillness.

Over the course of his career Claudio Parmiggiani has developed a concise and powerful vocabulary, gathering objects, fragments and images which he chooses for their evocative power. The artist refers to the sources in this repository as ‘presences’. Books, bells and butterflies are an essential part of this lexicon and recurring motifs in his work. Presented in dialogue, they reinforce one another’s symbolic significance, revealing new connections in their elucidation of timelessness, humanity and antiquity.

In these new works, Claudio Parmiggiani ultimately articulates an ongoing commitment to his investigation into the human condition and the footprints we leave behind; they invite us to reflect on our quest for knowledge and the fleeting impression we leave in the annals of history.

CLAUDIO PARMIGGIANI

Claudio Parmiggiani was born in Luzzara, Italy in 1943 and lives and works in Parma, Italy. Claudio Parmiggiani’s work has been widely exhibited in international museums and collections. His work has been shown six times at the Biennale di Venezia, Venice, Italy (1972, 1982, 1984, 1986, 1995 and 2015). Solo exhibitions have been held at the Frist Museum, Nashville TN (2019); Accademia di Francia Villa Medici, Roma, Italy (2015); Ex Oratorio di San Lupo, Bergamo, Italy (2014); Chiesa San Fedele, Milan, Italy (2014); Palais des Beaux Arts - BOZAR, Brussels, Belgium (2013); Palazzo del Governatore, Parma, Italy (2010); Collège des Bernardins, Paris, France (2008); Palazzo Fabroni Arti Visive Contemporanee, Pistoia, Italy (2007); The Musée des Beaux-arts de Nantes, Nantes, France (2007); The Grand Palais, Paris, France (2005); Galleria d’Arte Moderna di Bologna, Bologna (2003); Museum of Art, Tel-Aviv, Israel (2003) and Musée Fabre, Montpellier, France (2002). His work is part of the collections of Centre Pompidou, Paris, France; Stedelijk Museum Amsterdam, Amsterdam, The Netherlands; Museo de Bellas Artes of Havana, Havana, Cuba; The National Gallery of Iceland, Reykjavík, Iceland; Mamco - Musée d'Art Moderne et Contemporain, Geneva, Switzerland; Fondation Cartier pour l'art contemporain, Paris, France; Francois Pinault Foundation, Venice, Italy and Museo del Novecento, Milan, Italy.

SIMON LEE GALLERY

12 Berkeley Street, London WIJ 8DT

www.simonleegallery.com

Canon EOS R3 - Présentation & Caractéristiques

Canon EOS R3 - Présentation & Caractéristiques

Canon EOS R3

Image (c) Canon

Canon EOS R3

Image (c) Canon

Système EOS R

Image (c) Canon

Canon Europe annonce le très attendu EOS R3 : un hybride de référence pour la photographie de sport et de reportage. Associant l’expertise historique de la marque dans ces domaines et de nouvelles technologies de pointe, l’EOS R3 associe la performance, l’ergonomie et la vitesse exceptionnelles des célèbres Canon EOS-1 à l’innovation et la polyvalence du nouveau Système EOS R.

Développé en intégrant les retours d’expérience de photographes de presse et de sport parmi les plus exigeants, l’EOS R3 affiche plus de 100 perfectionnements par rapport aux boîtiers Canon hybrides et reflex actuels. Le résultat se traduit par un appareil qui rationalise, fluidifie et optimise les flux de production d’images et qui assure un niveau de synergie exceptionnel entre le photographe et son équipement pour une réactivité et une vitesse d’acquisition totalement inédites.

Doté d’un tout nouveau capteur innovant de 24,1 millions de pixels, l’EOS R3 offre un équilibre optimal entre performances, résolution et vitesse afin d’offrir aux photographes un boîtier hybride professionnel ultra-performant aux potentiels uniques face à la concurrence.

Canon EOS R3 - Un avenir toujours plus rapide

Grâce à son nouveau capteur CMOS rétro-éclairé empilé de 24,1 millions de pixels, l’EOS R3 assure des acquisitions d’images avec une vitesse fulgurante et une réactivité exceptionnelle. Ce capteur réduit considérablement la distorsion habituelle due à l’effet de «  rolling shutter » , et, grâce à sa vitesse d'obturation ultra-rapide jusqu’à 1/64 000 de seconde1 , il ouvre aux photographes de sport de nouvelles perspectives pour figer les sujets les plus rapides. Avec l’obturateur électronique, ils peuvent également photographier à la cadence de 30 im./sec. avec suivi d’exposition et de mise au point autofocus, même en enregistrement de fichiers RAW, et disposent en option des cadences de 15 im./sec et 3 im./sec. Pour la première fois, l’obturateur électronique peut également être utilisé en photo au flash avec des Canon Speedlite et des flashs de fabricants indépendants. Afin de remédier aux faiblesses habituelles des obturateurs électroniques, Canon a intégré la détection de scintillement et un nouveau mode de prise de vue anti-scintillement à haute fréquence pour détecter et corriger les effets des sources lumineuses vacillantes (lampes led, panneaux lumineux…) sur l’exposition ou la couleur.

La très haute performance de l’EOS R3 en matière de vitesse ne concerne pas uniquement la cadence de prise de vue, elle s'étend également à la mise au point. Capable de faire la mise au point en 0,03 seconde, l'EOS R3 est l'appareil photo de la série EOS R le plus rapide à ce jour2 et s’avère donc excellent pour l’acquisition des actions de sport et de reportage les plus fugaces. L’EOS R3 est doté d'un algorithme d'apprentissage profond amélioré, offrant un suivi AF incluant la détection des yeux, du corps et de la tête des humains et des animaux, ainsi que la détection du visage des personnes en photo comme en vidéo. Canon a développé l’EOS R3 avec l’ambition qu’il soit également très adapté à la photo de sports mécaniques et lui a donc intégré une fonction de suivi des véhicules extrêmement élaborée qui permet de détecter et de suivre très efficacement les motos, les voitures de sport comme les Formule 1, les voitures GT et de rallye, avec la possibilité de donner la priorité au véhicule ou au casque du pilote. La détection des yeux, du visage, de la tête et du corps est désormais disponible dans tous les modes AF, ainsi qu'une nouvelle zone flexible permettant aux utilisateurs de sélectionner la taille et la forme de la zone AF. D’autre part, l’EOS R3 établit une nouvelle référence en sensibilité grâce à sa capacité de faire le point en conditions de luminosité aussi basse que -7,5 IL3 , ce qui en fait l’un des hybrides les plus performants dans le domaine des prises de vues en faible lumière ambiante.

Pour optimiser le contrôle de toutes ces options AF, l'EOS R3 propose trois méthodes différentes pour sélectionner les zones AF : le contrôleur intelligent, rapide, le multi-contrôleur, précis et pilotage AF par l’œil, instinctif.  Le pilotage de l’AF par l’œil offre une connexion plus naturelle entre l'appareil photo et le photographe. Cette méthode innovante et intuitive de sélection du point AF à activer consiste à déplacer la zone AF là où le photographe regarde. Dans les situations où l’action se déroule rapidement, cela permet de faire la mise au point instinctivement au bon endroit par la simple action du regard.

Améliorant les capacités de prise de vue à main levée en photo et en vidéo, le stabilisateur d'image 5 axes intégré au boîtier de l’EOS R3 peut fonctionner en association avec le stabilisateur d’image optique des objectifs RF et assure ainsi l’un des meilleurs niveaux de performance du marché avec un effet de stabilisation allant jusqu’à l’équivalent de 8 IL.

Canon EOS R3 - Transmettre plus rapidement et plus facilement

Pour les photographes professionnels qui travaillent essentiellement sur le terrain, le défi n’est pas seulement lié à la vitesse d’acquisition d’image mais aussi à la vitesse à laquelle ils pourront transmettre leurs images aux agences ou rédactions. Avec de nombreuses options de connectivité professionnelle dont le Bluetooth version 5.0 et le Wi-Fi 5 GHz4 , l'EOS R3 rationalise les flux de travail et simplifie la connexion à un smartphone ou à un réseau Wi-Fi. Idéal dans les stades et les grandes salles de sport, le port Ethernet Gigabit intégré permet une connexion câblée à haute vitesse. Et lorsque la rapidité est vraiment essentielle, le photographe peut transmettre des images par FTP. De plus, pour les photographes déjà équipés de boîtiers EOS R55 et EOS-1D X Mark III, les réglages réseau peuvent être partagés entre les trois appareils.

L’utilisateur d’un EOS R3 peut contrôler son appareil à distance depuis un périphérique mobile par l’intermédiaire de l’application Canon Camera Connect ou en utilisant la fonction Browser Remote via une connexion Ethernet. Fonction appréciée de l’EOS-1D X Mark III, Browser Remote permet aussi aux photographes et aux agences de modifier à distance les métadonnées et de visualiser, choisir et télécharger des images. Ils pourront également utiliser l’application Canon Mobile File Transfer (MFT)6  : une application pour mobile destinée aux photographes professionnels qui pourront transférer leurs images par l’intermédiaire d’un périphérique 4G/5G vers un serveur FTP/FTPS/SFTP. De prochains mises à jour de cette application comprendront la conversion de mémos vocaux en texte afin d’augmenter la facilité d’utilisation, ainsi que l’ajout facile de métadonnées à celles de l’EOS R3. Un nouvel accessoire support de smartphone pour l’EOS R3, l’AD-P1 Smartphone Link AD-P1, permettra à l’utilisateur de monter son smartphone iOS ou Android sur l’adaptateur pour griffe Multifonction (la nouvelle griffe porte-accessoires de l’EOS R3) et de transmettre facilement les images via la nouvelle application MFT7 . D’autre part, l’application Canon Camera Connect permettra désormais la mise à jour du firmware de l’EOS R3 par l’intermédiaire d’un smartphone : une première pour un appareil photo EOS.

Canon EOS R3 - Possibilités vidéo incroyables

Comme l’EOS R5, l’EOS R3 répond à la demande des photographes et des vidéastes de pouvoir enregistrer l’action à la fois en photos de haute qualité et en vidéos de haute résolution. Il propose pour cela de puissantes capacités vidéo dont l’enregistrement RAW 6K 60p qui assure la restitution de 50% de détails de plus que la 4K. Avec les fichiers RAW CRM 6K, l’exposition et la balance des blancs peuvent être corrigées après acquisition des images afin d’assurer la restitution d’images exceptionnelles. Les séquences 4K jusqu’à 60p sont sur-échantillonnées depuis la 6K, ce qui garantit la plus haute qualité vidéo 4K possible. Idéal pour les images de sports dynamiques et très rapides, l’EOS R3 enregistre également des séquences 4K à 120p permettant des ralentis de résolution 4K éblouissants. Il est désormais possible d’enregistrer jusqu’à 6 heures de vidéo standard ou 1 heure et demie de vidéo 119.88/1008 p.

Afin de réduire la taille des fichiers et d’accélérer les flux de vidéo, des séquences CRM light ou MP4 peuvent être enregistrées en All-I, IPB ou en IPB light la plus compacte. Ce qui permet aux utilisateurs de choisir parmi une large gamme de débits binaires pour répondre à leurs besoins et à leurs exigences de stockage. Les deux logements pour cartes mémoire dont un pour carte UHS-II SD et un autre pour carte CFexpress à ultra haute-vitesse permettent l’enregistrement vidéo RAW 6K et assurent la possibilité d’enregistrer en MP49 , simultanément sur les 2 cartes pour bénéficier d’une sauvegarde de sécurité des enregistrements de grande importance. Le célèbre Canon LOG 3 en interne sur 10 bits assurant l’obtention d’une dynamique étendue ou l’enregistrement HDR PQ sur 10 bits qui minimise la nécessité d’un traitement d’étalonnage en post-production sont tous deux possibles. Excellent avantage pour les reporters très nomades, l’EOS R3 bénéficie d’une nouvelle griffe porte-accessoires Multifonction offrant davantage de possibilités et de sécurité. Il est d’autre part compatible avec le tout nouveau micro stéréo directionnel DM-E1D, un micro directionnel alimenté par l’appareil photo et bénéficiant du traitement numérique de signal audio, ainsi qu’avec l’adaptateur XLR TEAC Tascam CA-XLR2d-C XLR qui permet l’enregistrement audio sur deux canaux avec des micros XLR professionnels.

Canon EOS R3 - Prise de vues instinctive

Afin de reprendre toute la vitesse et toute l’efficacité ergonomique de la gamme des EOS-1, le tout nouvel hybride de Canon est doté d’un nouveau viseur électronique de haute qualité à 5,76 millions de points, développé par Canon et caractérisé par l’absence d’occultation de visée, par une faible inertie d’affichage et par un taux de rafraîchissement allant jusqu’à 120 im./s en pleine résolution. Autant de caractéristiques qui lui permettent de rivaliser avec les meilleurs viseurs optiques de reflex. Sur ce point, l’EOS R3 bénéficie d’ailleurs d’un nouveau mode de simulation de visée optique qui permet à son viseur électronique d’afficher des couleurs plus riches et de bénéficier d’une dynamique plus étendue. Le temps d’inertie au déclenchement a pu être réduit à la valeur incroyable de 20 ms, soit moins de la moitié du temps de réaction d’un appareil conventionnel, ce qui garantit une acquisition quasi instantanée à chaque pression sur le déclencheur. Le nouvel écran LCD haute résolution de 4,1 millions pixels, orientable et tactile, assure l’affichage de détails pour une qualité de visualisation optimale et apporte une souplesse et un confort inégalés en matière de cadrage depuis les points de vue les plus originaux de par ses multiples possibilités d’inclinaison et de rotation. Associant l'ergonomie EOS existante à de nouvelles commandes et à un certain nombre de nouvelles options de personnalisation, l'EOS R3 offre un contrôle familier, mais avancé. Afin de gagner en efficacité lorsqu’il doit alterner entre plusieurs boîtiers, le photographe pourra facilement copier et sauvegarder des réglages personnalisés sur une carte mémoire pour les charger ensuite sur d’autres boîtiers. En utilisant la même batterie LP-E19 que celle des EOS-1D X Mark II et EOS-1D X Mark III, l’EOS R3 bénéficie d’une grande autonomie en prise de vues et d’une compatibilité appréciable avec d’autres boîtiers reflex professionnels actuels.

L’EOS R3 est basé sur un tout nouveau boîtier monobloc léger, en magnésium, résistant à la poussière et à l’eau, et apte à une utilisation dans des conditions environnementales difficiles. Cette étanchéité ‘tous temps’ est préservée lors du montage d’un flash de la série des Speedlite actuels sur la nouvelle griffe porte-accessoire Multifonction par l’intermédiaire du nouvel adaptateur AD-E1. Autre avantage, le nouveau transmetteur Speedlite compact ST-E10 (qui permet de contrôler des configurations de multi-flash TTL sans câbles) est directement alimenté par l’EOS R3 par l’intermédiaire de cette nouvelle griffe Multifonction.

L’EOS R3 est un appareil hybride ultra-rapide, extrêmement réactif, qui va apporter aux photographes de sport et de reportage l’avantage décisif qu’ils attentent pour réussir de manière encore plus certaine leur quête d’images exceptionnelles.

Canon lance également le RF 100-400mm F5.6-8 IS USM et le RF 16mm F2.8 STM, deux nouveaux objectifs créatifs et polyvalents qui viennent compléter la gamme RF.

Le prix conseillé de l’EOS R3 est de 5 999 € TTC, il sera commercialisé en novembre 2021.

_   _   _   _   _

Caractéristiques principales du Canon EOS R3 

- Nouveau capteur CMOS 24,1 millions de pixels, rétro-éclairé, empilé, développé par Canon

- 30 im./s avec suivi AF/Exposition auto

- Gamme de vitesses d’obturation de 30 secondes au 1/64.000 sec. en mode obturateur électronique

- Contrôle de l’AF avec sélection du collimateur par l’œil

- Suivi AF des personnes, des animaux (y compris les oiseaux) et des véhicules de sports mécaniques (voitures et motos)

- Enregistrement de vidéo sur toute la largeur du capteur en RAW 6K 60p, en interne sur carte CFexpress

- Mise au point autofocus avec niveau de lumière jusqu’à -7,5 IL

_   _   _   _   _

1 - En mode obturateur électronique. L’obturateur mécanique assure une gamme de vitesse de 1/8000 sec. à 30 secondes.

2 - À la date du 13 septembre 2021 : pour la vitesse d’AF la plus rapide, *Calculée sur la base de résultats de tests de vitesse d’AF en conformité avec les recommandations CIPA (les résultats peuvent varier en fonction des conditions de prise de vue et des objectifs utilisés). Basé sur la méthode de test interne de Canon. Conditions de test : • Luminosité au moment de la mesure de distance : IL 12 (température ambiante moyenne, 100 ISO) • Mode de prise de vue : mode M • Objectif utilisé : RF24-105mm F4-7.1 IS STM, en prise de vues photo avec action manuelle sur le déclencheur • Mode AF : AF mono-point (central) • Type d’AF : AF One-shot.

3 - Avec un objectif f/1,2 dans les conditions suivantes : collimateur AF central, température ambiante moyenne, AF One-shot, 100 ISO. Ces conditions ne sont pas applicables avec les objectifs RF de type DS.

4 - Le Wi-Fi 5 GHz est également disponible dans certains pays.

5 - Lors d’une utilisation avec le transmetteur sans fil WFT-R10.

6 - La disponibilité de l’app sera annoncée à une date ultérieure (prévue pour le 1er trimestre 2022). Initialement, l’app version 1.3.0 sera gratuite en tant que version d’essai. Les versions suivantes seront payantes.

7 - L’adaptateur griffe Multifonction pour support de Smartphone AD-P1 pour Android et iOS, sera disponible en 2022.

8 - Dépendant du niveau de charge de la batterie, de la carte mémoire et de la température.

9 - Parmi les fonctions compatibles, il y a l’enregistrement séparé de photos, l’enregistrement séparé de photos/vidéo et l’enregistrement vidéo simultané sur 2 cartes.

CANON

www.canon.fr

Kim Tschang-Yeul @ Tina Kim Gallery, NYC - The Stillness of Water

Kim Tschang-Yeul 

The Stillness of Water 

Tina Kim Gallery, New York 

September 9 - October 16, 2021 

Kim Tschang-Yeul (1929-2021)

Waterdrops, 1984

Oil, india ink, and acrylic on canvas

14.96 x 21.65 inches / 38 x 55 cm

Image courtesy of the artist’s estate and Tina Kim Gallery.

Photo © Hyunjung Rhee

Tina Kim Gallery presents its second solo exhibition of KIM TSCHANG-YEUL (1929-2021), The Stillness of Water. The exhibition focuses on Kim’s different modes of forms and media through the artist’s experimental paintings that were mostly produced between the 1980s and 1990s. In 2019, the gallery presented Kim’s first solo exhibition with works from the 1960s to 1980s. This 2021 exhibition continues to follow his work chronologically, engaging with sides of Kim which have yet to be fully investigated and digging deeper into the nuances of his practice. The exhibition carefully examines the evolution of the artist’s signature motif: the drop of water.

Kim Tschang-Yeul is one of the first generation of modern artists, who underwent the turmoil of postcolonial liberation and the Korean War. Born in Maengsan in North Korea, Kim spent his youth learning calligraphy from his grandfather and studying a series of world art collections that his uncle sent him from Japan. After studying painting at the Seoul National University, Kim became a leading member of the Korean avant-garde and co-founded the Modern Artists’ Association (later renamed Actuel in 1962) in 1958. During this time, Kim encountered Western art movements, such as the European Art Informel, through the limited information about art coming from Japan. Reinterpreting such trends, Kim and his counterparts took on radical practices and adopted the Korean Informel movement. As an avid reader, Kim was also deeply interested in literature and philosophy, in which he embraced the ideas of Taoism and Zen Buddhism. From 1965 to 1969, Kim studied in New York where Pop Art and Abstract Expressionism prevailed and began his earliest experimentation with globular abstract forms. Ultimately settling in Paris in 1969, Kim created a cultural bridge between the Korean and European art world, often hosting his native counterparts including the Dansaekhwa masters, Park Seo-Bo, Lee Ufan, and Chung Sang-Hwa.

Kim Tschang-Yeul has mentioned, “Paris is different from New York […] Here various trends coexist. The ambiance in Paris gave me the strength to show my work.” With his sensibility of East Asian roots and exposure to influences of the French Informel, Pop Art and Abstract Expressionism from New York, and Surrealism and Dadaism from Paris, Kim began producing opaque, phlegmatic forms that appear to ooze out through the canvas plane in 1971. Navigating between different modes of transcontinental art movements that he gleaned from home and abroad, Kim unveiled his first waterdrop work, Événement de la nuit (1972), the following year, at Salon de Mai in Paris, France.

Since then, Kim has devoted his life-long career to depicting the drop of water, allowing him to confront and absolve his ego. Such an idea of removing his ego is very close to Taoism and Zen Buddhism, for Kim has often credited the discovery of the water drop partly to those influences. Lifelike yet mystical, each motif embodies an abdication of the self. It also mirrors the artist’s memories of war and acts of meditation. As Kim comments, “To paint water drops is to erase all memories, all evils, and the anguish [to be] destroyed with water.”

Although Kim’s oeuvre may be defined by the water drop, the iconic imagery is not a singular aesthetic decision, but a continuous paradigm leveraged over time in a plethora of outcomes. Kim mastered airbrush techniques to achieve a level of control he needed in visualizing the motif on raw canvas. In consequence, the trompe l’oeil fixes the aqueous orbs through his manipulation of light and surface. Still, Kim purposely avoided depicting his drops as hyper-realistic, which naturally led him to find new canvas supports such as jute, sand, wood, and newspaper. Thus new dialogues between the drops of water, backgrounds, and materiality fortified different experimental approaches for the artist.

1979 can be considered a turning point for Kim Tschang-Yeul, as he began transitioning away from utilizing strictly airbrush techniques. For Kim, the initial purpose of using the airbrush was twofold: to remove himself from the canvas while obtaining mechanistic water drops. Yet he felt the urge to achieve a stronger adherence between his iconic motif and the screen. As if to decisively integrate his presence on the canvas surface, he began incorporating paintbrush work to engender the pictorial formativeness of the motif itself. Beginning in the 1980s and onward, the water drops became fuller and more diverse in their forms, scales, projections, and compositions, with blots appearing more abundantly. In the work Waterdrops (1983), the duplicated droplets, which are depicted in a demarcated background, protrude out of each section with their translucency rendered in a vivid contrast of light and shadow. The images of stains gently denote the artist’s intensified touch and calligraphic strokes; each element in the work demonstrates notions beyond simple representations of water drops.

Kim Tschang-Yeul further incorporates new elements traditionally unseen in his practice as evident in Waterdrops (1995), in which a flat patch of black paint disrupts the trompe l’oeil. He would also introduce a thick cloud of colorful pigments in the work Waterdrops (1996), their impasto weighing heavily on the upper left corner of the canvas. In a diagonal yet balanced composition, glistening water droplets are sitting at the other pole of the surface. Often incorporating his repeated motif of the Thousand Character Classic that profoundly resonates both his childhood memories and his Taoist philosophy, Kim persisted in greater variety in relation to his signature motif, while still acknowledging insurmountable barriers of a two-dimensional painting. Yet such experimentations delineate a complex confluence of his worldly enlightenment and physicality, which are crystallized into drops of water in perpetual stillness. In Kim’s words, “Painting for me, is to show something different, something that is made by hand, and manages to move people. But it is also intellectual play and an act of meditation and prayer.”

It is an honor and a privilege to exhibit the work of Kim Tschang-Yeul, and Tina Kim Gallery would like to commemorate his legacy by presenting a holistic vision of Kim’s discipline. His water drops, the depths and waves of his practice and career, define the highest qualities one can achieve through artistry.

Following this exhibition, a monograph on Kim Tschang-Yeul will be designed by Cecil studio and published by Gregory R Miller & Co., which will feature texts by art critic John Yau and Yeon Shim Chung, Professor of Art History at Hongik University in Korea.

ABOUT KIM TSCHANG-YEUL

Kim Tschang-Yeul was born in Maengsan, Korea in 1929 and graduated from the College of Fine Art, Seoul National University in 1950. Kim co-founded the Modern Artists’ Association—later renamed as Actuel—in 1958. As one of the first generation of modernist painters, Kim participated in the Paris Biennale in 1961 and the São Paulo Biennale in 1965. In 1996, Kim was bestowed with the French Order of Arts and Letters followed by the National Order of Cultural Merits of Korea in 2012. The artist participated major international group exhibitions such as Korean Contemporary Painting Exhibition, Paris, France (1971); Salon de Mai, Paris, France (1972-76); Korea: Facet of Contemporary Art, Tokyo Central Museum, Tokyo, Japan (1977); and Korean Drawing Now, The Brooklyn Museum, New York, USA (1981). Kim’s significant retrospectives were held at the Gwangju Museum of Art, Korea (2014); National Taiwan Museum of Fine Arts, Taichung, Taiwan (2012); National Museum of China, Beijing (2005); and Jeu de Paume National Gallery, Paris, France (2004). In honor of the artist, Kim Tschang-Yeul Museum was founded in 2016 in Jeju, Korea, in which the museum has showcased a number of exhibitions including Traces of Existence (2016), Récurrence (2018), and currently, Dreaming Water Drops (2021). His works can be found among the collections of numerous institutions including the National Museum of Contemporary Art, Korea; Leeum, Samsung Museum of Art, Korea; Centre Pompidou, Paris, France; Tokyo Metropolitan Museum of Art, Japan; National Museum of Modern Art, Japan; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, USA; and Museum of Fine Arts, Boston, USA.

TINA KIM GALLERY

525 W 21st Street, New York, NY 10011

www.tinakimgallery.com