Ana Mendieta @ Marian Goodman Gallery, NYC - 'Back to the Source' Exhibition

Ana Mendieta 

Back to the Source 

Marian Goodman Gallery, New York

Through 17 January 2026

Ana Mendieta 

Untitled: Silueta Series, 1977

© The Estate of Ana Mendieta 

Courtesy of Marian Goodman Gallery

Plugging into Mexico was like going back to the source, being able to get some magic just by being there. – Ana Mendieta

Marian Goodman Gallery presents Back to the Source, the gallery inaugural exhibition of the work of Ana Mendieta (1948-1985) which is on view in their Tribeca space through 17 January 2026.

Back to the Source presents seminal works from 1972-1985, a prolific period of Mendieta’s work, spanning stages of time spent in Iowa, Mexico, and Cuba, including ten digitally remastered films, photographic works, newly available photographic prints and drawings, and ephemeral sculpture.

Ana Mendieta was a pioneer and innovator whose oeuvre spanned painting, drawing, photography, film/video, sculpture, and site-specific works. Her singular interventions in the landscape embraced nature and disrupted societal conventions. Exiled from her homeland of Cuba where she was born in 1948, Ana Mendieta spent her childhood and formative years in Iowa, in the 1960s. She later studied art at the University of Iowa, first as a painter, then later in performative art, a move which would ultimately change her approach as an artist. Her body of work testifies to a passionate engagement with themes of exile and displacement, reconnecting with the earth, and the search for belonging and origin, through power, magic and the universal.

Creating a rich and diverse body of work that included ephemeral sculptures, Ana Mendieta, in her film and photographic works, captures time and process through direct actions which transport her beyond conventional materials to the realm of the intangible and impermanent, using nature as a collaborator. With her body as material, and driven by nature’s symbolic meaning, she sought to integrate power, magic and knowledge into her work, using natural materials as well as the four elements –earth, air, fire, and water. Feathers, flowers, branches, moss, fireworks and gunpowder were easily accessible and were often part of ritual practices to return her to the land and connect her to the universal. These obsessive acts of reasserting my ties with the earth is really a manifestation of my thirst for being. In essence my works are the reactivation of primeval beliefs. The photographs become the afterimage of primordial remembrances at work within the human psyche. – Ana Mendieta, Proposal for Rome Prize Fellowship, 1983

Using the earth as a sculptural medium – which she molded, impressed, and burned – Ana Mendieta conveyed notions of existence, resurgence and renewal through site-inclusive works that were exquisitely ethereal and transitory. Contemplative and existential meditations on mortality and the natural world, these works were part of living processes.

An interest in themes of transformation – birth, life, death, regeneration – is evident throughout her oeuvre, and can be seen in Ñañigo Burial, 1976, installed in the first floor gallery. Comprised of black candles which originally outlined the contours of the artist’s body, its title points to the influence of the Abakuá society of Cuba, also known as Ñañiguismo, which offers spiritual protection to its members. Drawn to this and Afro Cuban Santeria traditions, which blend the Yoruba religion of West Africa, Roman Catholicism, and Spiritism, Ana Mendieta sought magic and the divine to regenerate life within her work and through nature.

Ana Mendieta developed the Silueta Series from 1973-1980, first inspired by a visit to Mexico, in a signature period of expression in which she utilizes her own body, prior to removing herself from it. Moving away from traditional notions of sculpture as object, and towards the experience of living process and geological time as a medium, Ana Mendieta rendered silhouettes through hieroglyphs of imprints, outlines, and absences within the earth, which were left to erode and return to it.

Their timeless memory is preserved through related photographic works, such as Silueta Sangrienta, 1975, a new print. Other silueta works followed in 1976-79, such as Silueta Series (Tree of Life), 1978, and a selection which are presented here. A color print, Incantation to Olokun-Yemaya Encantación a Olokún-Yemayá (Incantation to Olokun-Yemaya), 1977, depicts a silueta in the earth, invoking two identities of the West African Yoruba goddess known as a river mother and fertility deity. A work from 1978 shows a spiral impression in the earth, creating a metaphorical association with land-based work- in this case with a human scale silueta at its center. In other works, figures are carved into the earth, such as in Black Venus, 1980, a black and white photograph which features an earthen imprint of a female form. Its title refers to a legendary symbol against slavery, an affirmation, as Ana Mendieta writes, of those who are free and refuse to be colonized. This work is in dialogue with La Venus Negra, 1981, which also features a detailed imprint resembling the human form, created on a rock surface — its deliberate placement on stone suggesting a connection between the human form, nature and the earth. Black and white photographs of two Sandwoman works from 1983 document outlines of organic female forms hand carved in the sand, reiterating temporality and impermanence. A newly framed and never before seen small-scale drawing of the hand with heart — imparts the artist’s fascination with ancient Egypt, hieroglyphs, and cave drawings, reiterating her journey “back to the source.” These works are accompanied by an additional selection of Untitled works on paper from 1978-79 and 1983-1985, depicting organic forms.

I have thrown myself into the very elements that produced me, using the earth as my canvas and my soul as my tools. - Ana Mendieta, Proposal for the New York State Council on the Arts, 17 March 1982

On view are ten films created between Iowa and Mexico which span from 1972 to 1978, and in which we see a representation of the various elements – from fire, water, and air, to gunpowder, and blood. The earliest of these, Chicken Movie, Chicken Piece, 1972, originally filmed in Super 8, documents a primitive action in which Ana Mendieta holds a decapitated chicken, a familiar form of sacrifice in Santería resulting in a splattering of blood, which thematically connects to universal and spiritual power. The theme of self-transformation is introduced in Blood + Feathers, captured in a recently discovered 1974 color photo in which Ana Mendieta initiates a transfer of energy, covering her body in feathers and blood, as if to divine herself as an unearthly avian spirit, becoming a bird or, as she had said, “the white cock.” Silueta del Laberinto (Laberinth Blood Imprint), 1974, shot the same year, begins with a silueta outline on a ceremonial site near Oaxaca, Mexico, the contours of which are flooded beyond their recessed lines, spilling beyond the corporeal outline to resemble an organic shape. In Silueta del Laberinto, one of the first films in which Ana Mendieta uses a silhouette to stand in for her own body, she also circumnavigates the site's labyrinthian architecture with a handheld camera, anticipating later works.

Energy Charge, a silent 16 mm film from 1975, evokes an avatar of Laberinth Blood Imprint, by featuring a figure with upraised arms emerging from a dark landscape which transforms into a bright red silueta shape before vanishing, the polarizing color recalling its memory. Two more films, each from the Silueta Series, are additionally sanguine in nature. Silueta Sangrienta, made in Iowa City in 1975, shows the artist naked and face up with uplifted arms in the excavated earth, which is later emptied, then re-filled with red pigmented liquid, in which she lies face down and partially submerged. Untitled: Silueta Series, 1978, filmed at Old Man’s Creek, Iowa, introduces the element of fire, showing hands created from clay emerging from a tree trunk which then becomes engulfed with rising flames. Silueta de Arena, 1978, depicts a silueta emerging from the shallow waters of a riverbank, forming an island unto itself.

On the second floor, the suite of color photographs, Body Tracks, 1974, traces an early action documented in Iowa prior to Mendieta’s move into nature. Here Ana Mendieta uses tempera to create imprints of her hands, repeated through a performative gesture of kneeling and dragging her red hands down to create markings in two parallel tracks on pink fabric.

In Grass Breathing, made in Iowa in 1975, Ana Mendieta becomes one with the earth, positioning herself beneath a mound of earthen sod in a meadow, inhaling and exhaling, the movement of her body causing the grassy verdant mound to rise and fall, then rest.

Upcoming solo exhibitions include a significant retrospective at the Tate Modern opening in July 2026 that will feature many important works, along with newly remastered films, early paintings, and late sculptural pieces, many of which will make their U.K. debut.

Ana Mendieta’s work has been exhibited in important solo exhibitions and museum retrospectives; exhibitions include those at MUSAC, León, Spain (2024); SESC Pompéia, São Paulo, Brazil (2023); Baltimore Museum Of Art, Baltimore, Maryland (2020); Institute of Modern Art, Brisbane, Australia (2019); Middleheim Museum, Antwerp, Belgium (2019); Institute for Contemporary Art, Galerie nationale du Jeu de Paume, Paris, France (2018); Martin-Gropius-Bau, Berlin, Germany (2018); Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive, Berkeley, California (2016) The Israel Museum, Jerusalem, Israel (2014); Hayward Gallery, Southbank Centre, London, United Kingdom (2013); Castello di Rivoli, Turin, Italy (2013); Art Institute of Chicago, Chicago, Illinois (2011); Whitney Museum of American Art, New York (2004); Smithsonian Institution, Washington, D.C. (2004); Museum of Contemporary Art, Los Angeles, California (1998); Helsinki City Art Museum, Helsinki, Finland (1996); Centro Galego de Arte Contemporanea, Santiago de Compostela, Spain (1996); New Museum, New York, New York (1987).

Ana Mendieta received many prestigious awards in her lifetime, including a National Endowment for the Arts Grant (1977 and 1980) and Fellowship (1982); Creative Arts Program Services Grant, New York Foundation for the Arts (1979); John Simon Guggenheim Foundation Fellowship (1980); New York State Council on the Arts Grant (1982); Rome Prize, American Academy in Rome (1983); Award in the Visual Arts, Southeastern Center for Contemporary Art (SECCA), Winston-Salem, North Carolina (1984). A Visual Arts Lifetime Achievement Award was posthumously bestowed by The Cintas Foundation, New York in 2009.

A catalogue will be published on occasion of the exhibition and released in early 2026. Pre-orders will be available online and in the gallery.

MARIAN GOODMAN GALLERY

385 Broadway, New York, NY 10013 

www.mariangoodman.com

Ana Mendieta: Back to the Source 

Marian Goodman Gallery, New York, 7 November 2025 - 17 January 2026

Exposition Paul Sietsema @ Galerie Marian Goodman, Paris

Paul Sietsema 

Galerie Marian Goodman, Paris 

18 octobre - 20 décembre 2025

Paul Sietsema 

Arrangement, 2025 

Peinture émail sur lin 

121.9 x 121.9 x 2.9 cm (48 x 48 x 1 1/8 in.)

© Paul Sietsema, courtesy Marian Goodman Gallery

La Galerie Marian Goodman à Paris présente actuellement la deuxième exposition personnelle de l'atiste américain Paul Sietsema en France. Cette exposition rassemble des oeuvres nouvelles et plus anciennes, dont deux films 16 mm. Le travail de Paul Sietsema explore la nature complexe de la représentation, en examinant comment le sens se construit à l'intersection de l'image et de la matière. Si l'art est une forme de langage culturel, l’artiste adopte une approche dialectique qui interrompt, détourne ou reconfigure le flux naturel de la communication.

Sept oeuvres créées cette année sont exposées au rez-de-chaussée de la galerie. A première vue, chacune d'entre elles représente un objet familier – un téléphone, une pièce de monnaie, un pinceau, etc. – et pourtant, de par différents dégrés de mises à distance propres au procédé de Paul Sietsema, ces images apparaissent comme des spectres ou des réceptacles de ces représentations. Ces reliquaires se déploient de manière critique pour redéfinir leur fonction, à mesure qu’ils évoluent dans le temps au sein d’un système dont la constante mutation dépend des valeurs culturelles héritées du passé. Object painting (2025), figure une machine obsolète, conçue dans sa physiologie pour permettre au corps humain de transformer une action laborieuse en langage. Le téléphone à cadran, déconnecté, de Arrangement (2025) évoque, quant à lui, la dimension métaphysique de la peinture tout en suggérant un potentiel de transmission et d’échanges réels, rendu ici irréalisable. 

A travers ces oeuvres, Paul Sietsema représente ou présente des matières premières : métal, toiles naturelles et peinture dans leurs formes les plus brutes. Dans cette optique, réfléchissant à la valeur symbolique de la peinture, Gray painting (2025) est une composition abstraite et monochrome qui joue des codes du matérialisme concret et laisse apparaître certaines parties de la toile vierge. Cette oeuvre renvoie tant à un travail antérieur de l’artiste qu'à la peinture abstraite du milieu du XXe siècle, période durant laquelle la peinture est passée d’un statut spirituel et politique à celui d'une monnaie culturelle dotée d'une valeur symbolique. De même, Action painting (black line) (2025) et Action painting (white on black) (2025) évoquent la portée emblématique du geste pictural autonome dans la peinture abstraite occidentale et de la valeur qui lui est attribuée. Action painting (black line), représentant l'image peinte d'une pièce de monnaie répandant une trainée de peinture sur la toile, met en parallèle le commerce et la valeur d'échange de l’oeuvre avec une action concrète.

Les oeuvres Action painting (black line) et Figure ground study (white on white) (2025) ont été peintes au verso d’imitations de tableaux de Jackson Pollock achetées sur des sites d'enchères en ligne, estampillées de faux tampons d'authenticité. Dans Figure ground study (white on white) (2025) et Arrangement (2025), des fragments de CD et de vinyles brisés ont été recouverts de peinture. Les objets initiaux sont littéralement et métaphysiquement ‘réduits au silence’ par les différentes interventions opérées par l’artiste, marquant leur transformation d'objet en image.

Au sous-sol de la galerie est présentée une sélection d'oeuvres datant de 2009 à 2020. Les ‘date paitings’ 1992 (2015) et 1994 (2015) ont été réalisées, entre autres outils de retouche photo argentique, avec un pinceau enduit de liquide de masquage au latex et un aérographe en partie cassé pour représenter des dalles de pierre minimalistes. La figuration des dates sur les pierres traduit l'échelle d'une histoire personnelle plutôt que collective. De même, Collection 5 (2016) donne à voir des jetons de vestiaire de musée collectés par l’artiste, réalisés à la peinture émail sur du papier incrusté de poussières provenant de son atelier. Lors de nombreuses visites dans des musées, l'artiste a régulièrement échangé des effets personnels contre ces jetons souvent marqués du nom des institutions. Si la première fois, il a oublié un vêtement, il a ensuite délibérément abandonné divers articles de sa propre garde-robe, essaimant ainsi, en quelque sorte, ses ‘oeuvres’ dans les musées du monde entier.

Une autre oeuvre est en partie issue des effets du travail en atelier. Le film muet, en noir et blanc, Anticultural Positions (2009), montre des images de traces résiduelles provenant de l'espace de travail de Paul Sietsema. Celles-ci sont accompagnées de sous-titres extrait d'une conférence donnée en 1951 par Jean Dubuffet, dans laquelle celui-ci énonce l'absence de forme et l'ambiguïté comme éléments essentiels du processus artistique. Le film a été projeté pour la première fois à la New School de New York en remplacement inattendu d'une conférence de Paul Sietsema alors que celui-ci était dans un avion en route vers la côte ouest des Etats-Unis.

Les deux films 16 mm dans l’exposition mettent en lumière le médium de prédilection initialement choisi par l'artiste pour interroger les constructions de la matérialité et leur relation plus large avec les médias. Dans Telegraph (2012), des fragments de bois trouvés sont utilisés pour former et incarner le langage. Reliés par une série de fondus enchaînés, ces morceaux sont configurés et reconfigurés au sein d'une structure répétitive et minimale qui finit par composer la phrase «L/E/T/T/E/R/T/O/A/Y/O/U/N/G/P/A/I/N/T/E/R». Le film explore l'idée de l’oeuvre d'art comme transmission en atténuant l'ordre de lisibilité linguistique et en soulignant l'abstraction inhérente à chaque forme de lettre.

Antérieures aux oeuvres présentées au rez-de-chaussée, Action painting (1977) (2017) et Action painting (City National) (2016) sont composées d'un unique geste réalisé en raclant ou frottant un objet sur la couche picturale, respectivement une pièce de monnaie et une carte de crédit. L'objet physique reste incrusté dans la peinture, l’amenant à perdre sa valeur monétaire au profit d’une valeur symbolique lors de sa transformation en oeuvre d’art. Pour Blue Picasso (2020), Paul Sietsema a sérigraphié sur toile une affiche originale du Guggenheim, avant d’y superposer la couleur de sa bordure originelle, créant ainsi un masque monochrome recouvrant l’intégralité de image. Cette technique affadit subtilement l’image, diminuant, voire suspendant, la fonction première de l’affiche.

Paul Sietsema (né en 1968 en Californie) vit et travaille à Los Angeles. Il est diplômé de l'université de Californie à Los Angeles en 1999 et de l'université de Californie à Berkeley en 1992. De nombreuses institutions ont consacré des expositions individuelles à son oeuvre, notamment le Nouveau Musée National de Monaco (2015), le Museum of Contemporary Art de Denver (2014), le Museum of Contemporary Art de Chicago (2013), le Wexner Center for the Arts de Columbus, dans l'Ohio (2013), le Mercer Union de Toronto (2013), la Kunsthalle Basel (2012), The Drawing Room de Londres (2012), le Schinkel Pavilion de Berlin (2010), le Cubitt de Londres (2010), le Midway Contemporary Art de Minneapolis (2010) ; le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid (2009) ; le Museum of Modern Art de New York (2009) ; le San Francisco Museum of Modern Art (2008) ; la de Appel Foundation d’Amsterdam (2008) et le Whitney Museum of American Art de New York (2003).

GALERIE MARIAN GOODMAN, PARIS

79 rue du Temple, 75003 Paris

www.mariangoodman.com

Eija-Liisa Ahtila @ Galerie Marian Goodman, Paris - Exposition "On Breathing"

Eija-Liisa Ahtila, On Breathing 

Galerie Marian Goodman, Paris

5 septembre – 4 octobre 2025

Eija-Liisa Ahtila

On Breathing, 2024 

Single channel installation. Image 4K UHD 

Audio 2.0. 9 min. 45 sec. en boucle. Crystal Eye 2024 

© Eija-Liisa Ahtila, courtesy Galerie Marian Goodman

Un arbre peut-il être un protagoniste ou un espace ? Comment, à travers l'action, cela affecterait-il les règles de la narration ?—Eija-Liisa Ahtila

La Galerie Marian Goodman présente une nouvelle exposition d’Eija-Liisa Ahtila qui dévoile pour la première fois en France deux grandes œuvres vidéo, On Breathing et APRIL ≈ 61°01’ 24°27’ (2024). Reconnue internationalement pour ses installations cinématographiques, Eija-Liisa Ahtila remet en question la notion de perspective dans l'image en mouvement et construit une expérience où plusieurs temporalités et espaces coexistent. Dans le prolongement de ses recherches menées au cours de la dernière décennie, les œuvres de l'exposition explorent chacune à leur manière des formes de narration et de modes de présentation conçues autour de la nature et du vivant. Abandonnant un point de vue anthropocentrique, Eija-Liisa Ahtila cherche à rendre visible le monde non-humain et en particulier les arbres. Alors que On Breathing dépeint les entrelacs délicats d’un arbre et de la brume matinale, APRIL capture le passage silencieux d'une saison à une autre, à travers des déplacements subtils de l’espace entre les arbres et l’observation attentive de la forêt. 

Au rez-de-chaussée de la galerie, On Breathing (2024), une projection d’une durée de 9 minutes, s’apparente à un poème visuel qui met l'accent sur le mouvement lent et hypnotique de la brume s’évapororant autour d’un chêne. Ce phénomène matinal est typique des conditions automnales et hivernales, lorsque la mer demeure plus chaude que l'air et le sol environnants. Le déplacement de la brume et le son qu'elle produit dans les branchages évoquent poétiquement une respiration végétale. « L'air autour du chêne semble tangible, et l'espace à l'intérieur devient réel, comme si, pour un instant, la respiration de l'arbre devenait perceptible », explique l’artiste.

Eija-Liisa Ahtila, qui recourt fréquemment de plusieurs écrans et split-screens pour révéler simultanément différents aspects d'un même récit, utilise ici des incrustations vidéo afin de superposer des temporalités distinctes. La dérive du brouillard et son interaction avec les feuilles, le rythme et les plans de la caméra ; tout concourt à composer un tableau animé singulier.

Envisageant ses œuvres récentes comme un continuum, l'artiste remarque que chaque processus créatif la conduit naturellement vers le suivant. Depuis 2011, elle a ainsi progressivement remplacé les protagonistes humains par des arbres ou d’autres organismes vivants, donnant naissance à une série d'œuvres qui abordent « le récit écologique de l'image en mouvement ». Cette nouvelle orientation remet en question la relation contemporaine entre nature et humanité, ainsi que la frontière artificielle séparant les êtres humains et le reste du vivant. « J'ai tenté de développer des approches visuelles et des méthodes de narration qui pourraient nous montrer une voie pour sortir de l'anthropocentrisme et permettre la présence d'espèces non humaines dans notre imaginaire », affirme Eija-Liisa Ahtila.

Au niveau inférieur de la galerie, APRIL ≈ 61°01’ 24°27’(2024), exposée pour la première fois au musée Kröller-Müller aux Pays-Bas, immerge les visiteur·euse·s dans la forêt du parc naturel d'Aulanko, en Finlande, à proximité de la ville natale de l’artiste. Connue comme un environnement naturel encore préservé de l'activité humaine, cette forêt a été filmée pendant deux années consécutives, en 2022 et 2023, entre la fin mars et le mois de mai. Si le titre de l'œuvre se réfère au mois d’avril associé à la régénération de la nature, l'installation longue de près de 12 mètres et composée de huit écrans de projection, montre la transition subtile entre la fin de l'hiver et l’arrivée de l’été. Les huit séquences sont agencées de manière chronologique : de gauche à droite, la forêt apparaît d’abord aux premiers moments de la fonte des neiges, jusqu'à l'arrivée prématurée de l'été.

L'échelle et l’horizontalité de l'installation évoquent Horizontal (2011), oeuvre emblématique de l’artiste, née de sa volonté de représenter un sapin géant dans son intégralité. Pour éviter les distorsions liées à l’usage d’un objectif grand angle, Eija-Liisa Ahtila avait choisi de capturer l’arbre en plusieurs sections horizontales, avant de le présenter lui aussi sous la forme horizontale sur une série de six écrans de projection.

Avec APRIL, la forêt envisagée comme un écosystème où les arbres et une multitude d'organismes interagissent en permanence, est pour la première fois au centre de l'attention de l'artiste. La source de l'œuvre est la vie sylvestre, où chaque être singulier est un élément intégré de l'ensemble et où cet ensemble existe en retour dans cet être singulier. Pour créer un langage cinématographique adapté au sujet, les mouvements de caméra dans chacune des huit sections sont fluides et asynchrones, alternant ralentis et arrêts momentanés. « Le thème d'APRIL est la spatialité de l'être, le changement constant et la prise de forme de la forêt, qui est sa qualité fondamentale », explique Eija-Liisa Ahtila.

Eija-Liisa Ahtila est née à Hämeenlinna, en Finlande, en 1959. Elle a reçu de nombreux prix au cours des deux dernières décennies, dont récemment le titre de Commandeur de première classe de l'Ordre de la Rose blanche de Finlande (2020). Elle vit et travaille à Helsinki.

Les oeuvres d'Ahtila sont largement exposées depuis le début des années 1990. L'exposition « The Power of Trees », incluant Horizontal, est visible jusqu'au 14 septembre 2025 à la Shirley Sherwood Gallery of Botanical Art, Kew Gardens, Richmond, près de Londres. Récemment, elle a présenté des expositions personnnelles au Serlachius Manor en Finlande (2024) ; au Kröller-Müller Museum aux Pays-Bas (2024) ; à l'Ulrich Museum of Art à Wichita aux États-Unis (2022) ; à la National Gallery of Art à Vilnius en Lituanie (2021) ; au M Museum à Louvain en Belgique (2018) et au Serlachius Museum Gösta à Mänttä en Finlande (2018). Précedemment son travail a fait l’objet d’expositions monographiques dans de nombreuses institutions telles que l'Australian Centre for the Moving Image à Melbourne (2017) ; Guggenheim Bilbao en Espagne (2016) ; Albright-Knox Gallery à Buffalo aux Etats-Unis (2015) ; Oi Futuro à Rio de Janeiro au Brésil; Kiasma à Helsinki en Finlande (2013) ; Moderna Museet à Stockholm en Suède (2012); le Carré d’Art à Nîmes (2012) ; Museo del Palacio de Bellas Artes à Mexico au Mexique (2012) ; Art Institute of Chicago aux Etats-Unis (2011) ; Parasol Unit à Londres au Royaume-Uni (2010) ou encore le Jeu de Paume à Paris (2008). Eija-Liisa Ahtila a été membre du jury au Festival du film de Venise en 2011 et présidente du jury du FIDMarseille en 2013. 

GALERIE MARIAN GOODMAN 

79 rue du Temple, 75003 Paris

www.mariangoodman.com

Exposition Steve McQueen @ Schaulager, Münchenstein - "Bass"

Steve McQueen: Bass 

Schaulager, Münchenstein

15 juin - 16 novembre 2025

Steve McQueen 

Bass, 2024

LED Light and Sound 

Courtesy the artist 

Co-commissioned work by Laurenz Foundation, Schaulager Basel 

and Dia Art Foundation 

Photo: Irma Boom

La Fondation Laurenz, Schaulager présente Bass (2024), l’une des oeuvres les plus récentes de Steve McQueen, artiste plusieurs fois primé et réalisateur oscarisé. Douze ans après son exposition novatrice, conçue comme une ville de cinémas avec plus de vingt installations vidéo et cinématographiques offrant un aperçu du travail de Steve McQueen, l’artiste revient à Münchenstein, au Schaulager, avec cette fois son oeuvre la plus abstraite à ce jour. Bass est une gigantesque réalisation, spécialement conçue selon l’architecture du bâtiment, et fortement inspirée par l’intérêt que Steve McQueen porte à la lumière, à la couleur et au son mais aussi par leur influence sur notre perception physique de l’espace et du temps.

« Ce que j’aime dans la lumière et le son, c’est leur fluidité, ils peuvent se couler dans n’importe quelle forme. Comme une vapeur ou un parfum, la lumière et le son peuvent se glisser dans tous les recoins, dans toutes les cachettes. Et j’aime ce point de départ, où quelque chose n’a pas encore de forme concrète, mais englobe pourtant tout. »

Steve McQueen, 2025

Bass est à la fois immersif et radicalement immatériel et n’est constitué, précisément, que de couleurs et de sons : des fréquences basses, graves donc, résonnent dans l’espace – tantôt fortement, tantôt plus faiblement, audibles sous forme de sons individuels ou comme le fil d’une mélodie. Dans le même temps, l’espace est inondé d’une lumière colorée qui traverse lentement, presque imperceptiblement, tout le spectre de couleurs perceptible, du rouge profond à l’ultraviolet quasiment. Il suffit d’entrer dans le Schaulager pour être aussitôt captivé par la lumière et le son. L’effet imposant de l’oeuvre est multiplié par la seule ampleur de son étendue : Bass investit intégralement l’intérieur monumental du Schaulager, dans toute sa hauteur et toute la largeur des espaces d’exposition. Ce faisant, le volume spatial devient le corps de résonance d’une intervention temporaire qui incite à s’engager pleinement dans une expérience immédiate et puissante.

La bande originale de Bass a été créée en collaboration avec un groupe intergénérationnel de musiciennes et musiciens de la diaspora noire, dirigé par Steve McQueen et le célèbre bassiste Marcus Miller, lequel a fait appel à d’autres sommités : Meshell Ndegeocello et Aston Barrett Jr. (basses électriques tous les deux), Mamadou Kouyaté (ngoni, instrument à cordes traditionnel d’Afrique de l’Ouest) et Laura-Simone Martin (contrebasse acoustique). La fascination de Steve McQueen pour la basse ne relève pas du hasard : enracinée dans la musique noire, l’instrument symbolise un lien profond avec une histoire et identité culturelle propres.

Elle permet d’articuler des émotions difficiles à mettre en mots et, en tant que socle de nombreuses compositions, elle apporte de la stabilité et une gravité perceptible.

Bass est une oeuvre commandée conjointement par la Fondation Laurenz, Schaulager et la Dia Art Foundation de New York. En 2022, Steve McQueen a été invité à concevoir un nouveau projet, qui serait exposé d’abord dans l’une des salles de la Dia Art Foundation, puis au Schaulager. Inspiré par la colonnade du sous-sol de Dia Beacon, Steve McQueen a décidé, contre toute attente, de ne pas faire de film, mais de créer une intervention temporaire composée exclusivement de lumière et de son. Après sa présentation pour la première fois au Dia Beacon en 2024, Bass est présenté dans l’impressionnante architecture du Schaulager.

Publications

La présentation est accompagnée de deux livres : Steve McQueen. Bass (2024), publié en collaboration entre la Fondation Laurenz et la Dia Art Foundation. La deuxième publication porte essentiellement sur la présentation de Bass à Schaulager et paraîtra en été 2025. Les deux ouvrages ont été développés en étroite collaboration avec l’artiste et la graphiste Irma Boom. L’intensité immatérielle de Bass trouve une transposition unique au fil des pages des deux publications.

A propos de Steve McQueen

Le réalisateur et cinéaste britannique Steve McQueen (né à Londres en 1969, il vit et travaille à Londres et à Amsterdam) s’est forgé, au cours des vingt dernières années, une réputation exceptionnelle pour son travail. Son oeuvre primée a fait l’objet de grandes expositions dans des musées du monde entier, notamment à la Dia Art Foundation (2024), au Pirelli Hangar Bicocca de Milan (2022), à la Tate Modern (2020), à l’Institute of Contemporary Art de Boston (2017), au Museum of Modern Art de New York (2017), au Schaulager (2013) et à l’Art Institute Chicago (2012). En 2019, son projet Year 3 est présenté à la Tate Britain. En 1999, Steve McQueen reçoit le Turner Prize et en 2009, il représente la Grande-Bretagne à la Biennale de Venise. En 2014, l’université de Harvard lui décerne la médaille W.E.B. Du Bois pour ses mérites particuliers dans le domaine des études africaines et afro-américaines, et en 2016, il est lauréat du Prix Johannes Vermeer du gouvernement néerlandais. Il a produit cinq longs métrages : Hunger (2008), Shame (2011), 12 Years a Slave (2013), Widows (2018) et récemment sorti, Blitz (2024). En 2020, il a réalisé Small Axe, une anthologie de cinq films sur la communauté antillaise de Londres, et, en 2021, Uprising, un documentaire en trois parties avec James Rogan, sur l‘incendie de New Cross à Londres en 1981. En 2014, Steve McQueen a remporté l’Oscar du meilleur film en tant que producteur pour 12 Years a Slave. Pour ses services rendus à l’art et au cinéma, Steve McQueen a été nommé Officer of the Order of the British Empire (OBE) en 2002, a reçu en 2011 le rang de Commander of the Order of the British Empire (CBE) et le titre de Knight Commander of the Order of the British Empire (KBE) en 2020. Récemment, Steve McQueen et son épouse Bianca Stigter ont reçu un doctorat honoris causa de l’université d’Amsterdam en reconnaissance de leur projet commun Occupied City (2024).

SCHAULAGER

Ruchfeldstrasse 19, 4142 Münchenstein

www.schaulager.org

Matisse et Marguerite @ MAM de Paris - Exposition "Matisse et Marguerite. Le regard d’un père", Musée d’Art Moderne de Paris

Matisse et Marguerite

Le regard d’un père

Musée d’Art Moderne de Paris

4 avril - 24 août 2025

Henri Matisse

Portrait de Marguerite

Issy-les-Moulineaux, 1918

Huile sur bois, 46 x 37,8 cm

West Palm Beach, Floride, Norton Museum of Art

Don de Jean et Martin Goodman, de Palm Beach, Floride, 1986

Crédit : Norton Museum of Art

« Au temps de mon père, on vivait avec son drame quotidien, qui était la peinture. »

— Marguerite Duthuit-Matisse, 1970

Le Musée d’Art Moderne de Paris présente une exposition inédite d’Henri Matisse (1869-1954), l’un des plus grands artistes du XXème siècle. Rassemblant plus de 110 œuvres (peintures, dessins, gravures, sculptures, céramique), elle propose de montrer le regard d’artiste et de père que Matisse porte sur sa fille aînée, Marguerite Duthuit-Matisse (1894-1982), figure essentielle mais discrète de son cercle familial.

L’exposition présente de nombreux dessins rarement sinon jamais montrés au public, ainsi que d’importants tableaux venus de collections américaines, suisses et japonaises exposés en France pour la première fois. Des photographies, documents d’archives et œuvres peintes par Marguerite elle-même complètent l’évocation de cette personnalité méconnue du grand public.

Depuis les premières images de l’enfance jusqu’à la fin de la Seconde Guerre mondiale, Marguerite demeure le modèle de Matisse le plus constant – le seul à avoir habité son œuvre au cours de plusieurs décennies. Porteurs d’une franchise et d’une intensité remarquables, ses portraits trahissent une émotion rare, à la hauteur de l’affection profonde que Matisse portait à sa fille. L’artiste semblait voir en elle une sorte de miroir de lui-même, comme si, en la dépeignant, il accédait enfin à l’« identification presque complète du peintre et de son modèle » à laquelle il aspirait.

Organisée de manière chronologique, l’exposition témoigne de la force du lien qui unissait l’artiste et sa fille, et permet d’appréhender l’immense confiance et le respect qu’ils se vouaient mutuellement. Elle est aussi l’occasion de découvrir le destin fascinant d’une femme hors du commun, qui joua un rôle de premier plan dans la carrière de son père.

Aînée des trois enfants Matisse, Marguerite naît en 1894 de la relation éphémère que l’artiste, alors jeune étudiant en peinture, entretient avec son modèle Caroline Joblaud. Reconnue par son père, elle grandit aux côtés de Jean (1899-1976) et Pierre (1900-1989), fils de Matisse et de son épouse Amélie. « Nous sommes comme les cinq doigts de la main », écrira plus tard Marguerite à propos de ce noyau familial très soudé.

Son enfance est marquée par la maladie et la souffrance : à l’âge de sept ans, elle subit une première trachéotomie dont elle dissimulera longtemps la cicatrice sous un ruban noir, attribut distinctif de nombre de ses portraits. Privée d’une scolarité normale en raison de sa santé fragile, elle devient une authentique « gosse d’atelier », témoin attentif et quotidien du travail de Matisse. « Tout l’esprit de la famille était dirigé sur l’effort du père », se souviendra-t-elle. Sa disponibilité l’amène à prêter son visage aux recherches plastiques du peintre, lequel trouve en sa fille un modèle patient et bienveillant, prêt à accueillir ses expérimentations formelles les plus audacieuses.

En 1905, dans l’Intérieur à la fillette (The Museum of Modern Art, New York), Matisse dépeint Marguerite dans la touche vibrante et colorée caractéristique du fauvisme. L’année suivante, l’intérêt sensible du peintre pour sa fille se déploie dans un superbe ensemble de tableaux et dessins réalisés à Collioure, tandis que la sage écolière aux yeux baissés (Marguerite lisant, Musée de Grenoble) évolue en une fière adolescente affrontant le regard du spectateur (Musée Picasso, Paris). Plus frontale encore, la magistrale Marguerite au chat noir de 1910 (Centre Pompidou, Paris) précède la géométrisation austère et radicale de Tête blanche et rose (Centre Pompidou, Paris).

Au cours de la Première Guerre mondiale, les portraits de Marguerite se multiplient. La fille du peintre y apparaît comme une jeune femme élégante, habillée avec raffinement et coiffée de chapeaux élaborés. Alors que Matisse s’installe progressivement à Nice, elle fait l’objet d’une importante série de portraits au balcon, emmitouflée dans un large manteau à carreaux, avant de figurer au premier plan de la composition monumentale du Thé (LACMA), évocation du jardin familial à Issy-les-Moulineaux.

En 1920, Marguerite apparaît à nouveau, épuisée et convalescente, dans une série d’œuvres réalisées après une douloureuse opération de la trachée. Matisse s’y devine en père inquiet et empli de tendresse pour sa fille enfin libérée de sa cicatrice et de son ruban. Exécutées à Étretat, elles figurent parmi les derniers portraits individualisés que Matisse réalise de sa fille avant une interruption de vingt-cinq ans. Si Marguerite continue de poser pour son père au début des années 1920, c’est désormais au titre de figurante, dans des tableaux et dessins qui intègrent presque toujours un second modèle professionnel, Henriette Darricarrère. Complices, les deux jeunes femmes arborent des tenues recherchées, de bal ou de carnaval, dans des décors niçois riches en couleurs.

En 1923, Marguerite épouse l’écrivain Georges Duthuit et disparaît des tableaux de son père. Elle en demeure néanmoins très proche, endossant le rôle d’intermédiaire entre Matisse, désormais installé à Nice, et les innombrables sollicitations de collectionneurs, historiens, conservateurs et marchands d’art. Redoutablement précise et exigeante, c’est elle qui supervise le tirage des gravures de son père à Paris. Dévouée à la défense de l’art de Matisse, elle accroche des expositions à Berlin et Londres et, plus tard, aura la charge du catalogue raisonné de son œuvre, tâche jamais achevée. Une salle de l’exposition est ainsi consacrée au rôle primordial joué par Marguerite dans la carrière de son père, de même qu’à ses propres incursions dans le domaine de la peinture puis de la mode.

« Moi je suis faite de la substance des guerriers, des ardents », écrivait Marguerite en 1943. Son courage et son intégrité indomptables s’illustrent au cours de la Seconde Guerre mondiale, lorsqu’elle est arrêtée puis torturée pour faits de résistance. Les derniers portraits datent de 1945, alors que le peintre découvre, bouleversé, les immenses dangers et souffrances endurés par sa fille. Poignante, cette ultime série de dessins et lithographies fait écho à un ensemble de portraits tout aussi émouvants que Matisse réalise de son petit-fils Claude, enfant unique de Marguerite, au cours de ces années sombres.

En fin d’exposition, une projection vidéo conçue par la réalisatrice Elisabeth Kapnist retrace la vie de Marguerite par-delà l’art et la carrière de son père, à partir de dizaines de photographies d’archives. 

Préfacé par Barbara Duthuit dont le soutien a été déterminant, le catalogue s’appuie sur plusieurs années de recherche dans les Archives Matisse, et complète l’exposition en apportant des éléments plus approfondis sur la vie de Marguerite et l’œuvre de son père, ainsi que des extraits inédits de la correspondance entre père et fille. Publiée par les Editions Grasset, la première biographie de Marguerite Matisse, écrite par Isabelle Monod-Fontaine, spécialiste mondialement reconnue de l’œuvre du peintre, et Hélène de Talhouët, paraît également à l’occasion de l’exposition.

Parallèlement à l’exposition, une expérience de réalité virtuelle réalisée par TSVP et Lucid Realities est proposée autour de La Danse de Matisse, chef d’œuvre des collections du Musée d’Art Moderne de Paris.

Musée d’Art Moderne de Paris

11 Avenue du Président Wilson 75116 Paris

www.mam.paris.fr

Jacqueline Poncelet @ Richard Saltoun Gallery, London - "this, that and the other" Exhibition

Jacqueline Poncelet

this, that and the other

Richard Saltoun Gallery, London

11 March – 3 May 2025

Jacqueline Poncelet

Untitled, 1985 c.

© Jacqueline Poncelet / Courtesy Richard Saltoun Gallery

Richard Saltoun Gallery presents a solo exhibition by Belgian-born, London-based artist JACQUELINE PONCELET (b. 1947), whose pioneering approach to colour, material, surface, and space has redefined the boundaries between fine art and craft. Spanning fifty years of work, this, that and the other brings together Poncelet’s early sculptural ceramics, large-scale drawings, and small paintings from the 1970-1980s with recent watercolours and composite paintings, tracing a continuous dialogue between material, process, and pattern across diverse media. This is Poncelet’s first major London presentation in over 20 years, following her major retrospective at the Middlesbrough Institute of Modern Art (MIMA) last year.

Working on the fringes of the American Pattern & Decoration and the French Supports/Surfaces movements, Poncelet’s practice has never been confined to a single medium, moving fluidly between ceramics, painting, drawing, photography, textiles and site-specific design. Unlike many of her male contemporaries in the New British Sculpture movement, her work remained deeply engaged with material instability, ignoring the boundaries between fine art and craft. 

She first gained recognition in the 1970s for her sculptural ceramics, which explored modular variation and repetition. A selection of small vessels on view from this period demonstrates how she transformed decorative objects into works of art through subtle interventions in pattern and form, challenging traditional expectations of ‘craft’ and functional design. 

A major turning point came in 1986, when she participated in the Venice Biennale, presenting sculptural ceramics resembling fragmented, tangled limbs, starkly arranged on a white platform. These works abandoned traditional associations with ceramics, instead evoking disembodied, visceral forms, reflecting both personal and cultural tensions at the time. This approach is echoed in exhibited works such as Handbag (1985) and Object in Four Parts (1986), where Jacqueline Poncelet embraced a more architectural, constructivist sensibility. These pieces feature folded, stacked, and interlocking elements, their surfaces enriched with embossed wallpaper textures and painted finishes, reinforcing her fascination with pattern, repetition, and material complexity. At times resembling fragmented architectural facades, at others recalling the draped quality of textiles, these ceramics redefine the relationship between form and function, marking a pivotal moment in her practice.

Such sculptural works are shown alongside large-scale drawings and small paintings from the 1980s, which reflect her exploration of form, space and structure on a two-dimensional plane. Using interwoven lines, gridded compositions, and layered washes of colour, Poncelet experimented with the optical tension between depth and flatness. Her exhibited Untitled drawings almost recall architectural blueprints, mapping out imagined spaces and objects through multiple shifting perspectives at once. Her small paintings from this period reflect similar ideas, typically juxtaposing rigid geometric structures and definitive blocks of colour with more organic, meandering forms. This playful push and pull between order and fluidity, structure and improvisation, remains central to her work.

The grids and weaves of these works are taken a step further by Poncelet with her composite paintings, such as Kiss c.1995, which literally integrate handwoven elements, digital printing, and painted forms, layering different processes, textures, and imagery within a single surface. Echoing the grid-like structures of her early paintings, these works continue Poncelet’s interest in probing the tension between precision and spontaneity, structure and disruption.

The focus on pattern and movement is central to her more recent works on paper included in the exhibition. A selection of smaller geometric watercolours from 2009–2023 are characterised by fine pencil lines, intricate grid formations, and vivid colour. Inspired by the natural world and the changing seasons, these meticulous works balance precision with fluidity, using carefully constructed frameworks to explore rhythm, optical movement, and spatial depth. 

Her most recent watercolours from 2023 take a more gestural, expansive approach, reflecting an increasing interest in landscape and memory, particularly inspired by her time in Wales. Built up in layered washes of colour, these works move away from the structured geometry of her earlier pieces, embracing a more organic, shifting visual language that evokes horizons, changing light, and atmospheric transformation.

Poncelet’s work is held in major public collections, including the Victoria and Albert Museum, Tate, and the Museum of Modern Art, New York. Though historically overlooked in favor of male contemporaries, her contributions to British sculpture, ceramics, textiles, and public art are now receiving overdue recognition. 

this, that and the other showcases Jacqueline Poncelet’s five-decade exploration of colour, material, pattern, and space, highlighting her enduring impact as one of the most important living artists working at the intersection of art and design.

JACQUELINE PONCELET - BIOGRAPHY

Born in Liège, Belgium, Jacqueline Poncelet is a pioneer in ceramics and textiles. Renowned primarily for her simple, bone china ceramics, Poncelet's work shifted after a trip to NYC in 1978/79. Inspired by the urban environment, she started replicating artificial patterns through the use of the incised line or via coloured clays leaving behind industrial techniques to create unique hand built shapes.

Returning to England in the 1980s, Jacqueline Poncelet became loosely associated with the New British Sculpture movement at the time, led by Tony Cragg, Richard Deacon, Anish Kapoor and Bill Woodrow who were reacting to the prevailing ideas of Minimal and Conceptual art. As a woman, and the wife of Richard Deacon, she was overshadowed by her male contemporaries, never achieving the same level of success despite being actively collected by major museums and having two major solo shows during that decade (at the Whitechapel Art Gallery, London in 1985 and Kettle’s Yard, Cambridge in 1988). The '90s heralded the start of the YBA movement, and her work fell out of favour in the commercial art world. Jacqueline Poncelet focused on large-scale public art commissions and teaching. In 2009, she was commissioned by Art on the Underground to make a permanent work for Edgware Road Tube station; Wrapper was completed in 2012. In 2013, she was commissioned by Tate Enterprises to work with Melin Tregwynt in Pembrokeshire to produce woven textiles, which are now available at Tate Britain and Tate Modern to purchase in the museums' shops.

Jacqueline Poncelet lives and works between London and the South Wales Valleys. She studied at Wolverhampton College of Art and the Royal College of Art from 1966 until 1972. Poncelet is represented in important public collections throughout the world, including Tate Modern and the Victoria and Albert Museum in London; the Stedeljk Museum in Amsterdam; and the Museum of Modern Art, New York.

RICHARD SALTOUN GALLERY | LONDON

41 Dover Street,, London W1S 4NS

www.richardsaltoun.com

Anne et Patrick Poirier @ Galerie Mitterrand, Paris - Exposition "56ème Campagne de Fouilles, 1968/2024"

Anne et Patrick Poirier

56ème Campagne de Fouilles, 1968/2024

Galerie Mitterrand, Paris

Jusqu'au 18 janvier 2025

Anne et Patrick Poirier, Fragilita, 2024 

La galerie Mitterrand | Temple présente une nouvelle exposition du couple d’artistes Anne et Patrick Poirier. Intitulée 56ème Campagne de Fouilles, 1968/2024, cette quatrième exposition à la galerie est une exploration inédite de leur oeuvre dont Anne et Patrick Poirier sont ici les archéologues. « Ils exhument et montrent des travaux de périodes et d’expressions diverses, depuis les années 1970 où ils ont réintroduit les concepts de ruines et de mémoire dans l’art contemporain. »1

Présentée dans les deux espaces de la galerie, cette exposition rassemble plus d’une vingtaine d’oeuvres qui donnent à voir, à travers la multiplicité des médiums, l’insatiable curiosité, le goût permanent de l’expérimentation et la foisonnante créativité du duo depuis sa décision de faire oeuvre commune en 1968 à la Villa Médicis, à Rome. La décennie 70 est marquée par une remise en cause générale. En art, elle s’incarne dans plusieurs mouvements l’art conceptuel, l’art minimal, le Nouveau Réalisme, l’Arte Povera... Sans appartenir à l’un de ces courants, leur démarche s’inscrit néanmoins dans cette volonté commune de rompre avec les conventions artistiques. Dans cet esprit de rupture, invités en 1970 au Japon pour intervenir dans le pavillon français de l’Exposition universelle à Osaka, ils font inscrire à la rubrique profession « architecte » pour Anne et « archéologue » pour Patrick.

Parmi les oeuvres exposées, La cité des ombres (2022) occupe une place particulière. Présentée en France pour la première fois, elle est dans la filiation des grandes maquettes, dont Tony Cragg a, à juste titre, rappelé qu’elles ont élargi le champ de la sculpture2. Nourries de leurs vécus d’enfants de la guerre ainsi que de leurs explorations de sites antiques à travers le monde, ces maquettes, comme tout leur travail, sont des métaphores qui traitent de la violence de l’Homme et des menaces qu’elle fait peser sur l’avenir de l’humanité.

La cité des ombres se rapproche de la série Mnémosyne par sa forme elliptique et sa couleur blanche, mais elle en diverge par les matériaux utilisés (laine et faïence), ainsi que par sa composante intime. Cette oeuvre est le fruit d’un rêve fait par Anne Poirier en janvier 2022, peu avant le retour de la guerre aux portes de l’Europe. Dans celui-ci, Anne Poirier est guidée par son fils, disparu en 2002, à travers une ville déserte et en ruines. Les éléments en faïence réalisés par les artistes et inspirés par l’architecture de la nécropole étrusque de Cerveteri en Italie en renforcent la dimension méditative et existentielle.

La promenade introspective du duo dans leur oeuvre, permet au visiteur de découvrir nombre de pièces historiques ou inédites. La sculpture De la fragilité du pouvoir (1986-2024) se rattache aux oeuvres monumentales des années 80. La série Isola Sacra (1973) appartient aux tout premiers travaux du duo, créés sur le site même de l’ancienne nécropole, en utilisant la technique de l’estampage, dont ils ont découvert à posteriori qu’elle était celle utilisée par les archéologues. Les deux Jardin noir. Domus Aurea (1975) font partie des herbiers qui ont accompagné la création des grandes maquettes noires des années 70. Ils témoignent d’une prise de conscience précoce des méfaits de la société de consommation sur la nature. Reflets de l’âme (2019) appartient à un corpus d’oeuvres développées depuis 1990, dans lesquelles la forme récurrente du cerveau témoigne de l’intérêt du couple pour la mémoire et les complexités de la psyché dont il tente de percer les secrets et d’en donner une représentation. Dans les photographies sur porcelaine de la série La serre de Chaumont et D’après nature. Musée archéologique Salinas, Palerme (2024), le duo renoue avec cette technique utilisée déjà dans les années 70, mais ici en couleurs, élargissant le champ de leurs expérimentations.

« Anne et Patrick Poirier répondent avec le recul nécessaire aux évènements du monde d’aujourd’hui. (…) Plongeant leur regard jusque dans la nuit des temps, ils sont de ce fait des Veilleurs de jour, toujours en alerte pour témoigner des méfaits de l’homme pour l’homme et tenter de saisir les complexités contradictoires de sa psyché. »3 En cela, Anne et Patrick Poirier sont des artistes visionnaires dont l’oeuvre ne cesse d’être une source de réflexion et d’inspiration.

Parallèlement à cette exposition, Anne et Patrick Poirier présentent deux sculptures, lustres intitulés Le Monde à l’envers à la galerie Régis Mathieu (2, rue de Miromesnil, Paris VIIIe).

ANNE ET PATRICK POIRIER (nés respectivement en 1941 et 1942) sont des pionniers de la création en couple. Ils ont participé à la Biennale de Venise (1976, 1980 et 1984) et la documenta VI à Kassel (1977). Leur travail a fait l’objet d’expositions personnelles dans des institutions prestigieuses, comme le Centre Pompidou, Paris (1978), le MoMA, New York (1979), le Musée d’art moderne de Saint-Étienne (2016), la Maison Européenne de la Photographie, Paris (2017), le De Pont Museum, Tilburg (2018-2019), la Villa Médicis, Rome (2019), le Château La Coste, Le Puy Ste-Réparade (2021), le Ludwig Museum, Coblence (2022), le Musée Ingres Bourdelle, Montauban (2023) et le Domaine de Chaumont-sur-Loire (2024). Leur travail a également été inclus dans de nombreuses expositions de groupe au Grand Palais, Paris (2016), au Palazzo Fortuny, Venise (2018), à la Fondation Juan March, Madrid (2023).

1. Anne et Patrick Poirier, septembre 2024.

2. Discours de Tony Cragg lors du vernissage de l’exposition de Anne et Patrick Poirier dans sa fondation éponyme à Wuppertal en 2016.

3. Jean-Hubert Martin, Veilleurs de jour, ANNE ET PATRICK POIRIER, Paris, Editions Flammarion, 2017, p. 7.

ANNE ET PATRICK POIRIER, 56e CAMPAGNE DE FOUILLES. 1968/2024

GALERIE MITTERRAND, PARIS, 15.11.2024 - 18.01.2025

Exposition suivante : Ron Gorchov, 24 janvier - 15 mars 2025

GALERIE MITTERRAND | TEMPLE

79, rue du Temple, Paris IIIe

mitterrand.com

Photographe Anouk Desury @ La Piscine, Roubaix - Exposition "Les poings ouverts"

Anouk Desury : Les poings ouverts 

La Piscine, Roubaix 

22 juin - 29 septembre 2024

ANOUK DESURY

Shaïna Monier 

© Light Motiv - Anouk Desury

/ Grande commande photojournalisme.

« La photographie est pour moi une manière de mieux comprendre le monde qui m’entoure. Très attachée à témoigner des histoires et des combats personnels, j’ai cette volonté forte de mettre en lumière ceux à qui on laisse trop peu la parole. C’est l’attachement au territoire de Roubaix et à chacune des personnes que je rencontre qui guide ma photographie» - Anouk Desury.

Jeune photographe de 28 ans, Anouk Desury découvre la ville de Roubaix pendant son BTS Photographie. Passionnée, elle complète sa formation par un diplôme universitaire en Photographie Documentaire (DU) à Carcassonne. Revenue s’installer à Roubaix, sa ville « de cœur et d’adoption », elle s’attache aux gens avec pour toile de fond ce territoire si singulier qu’est l’ancienne capitale textile et son travail s’inscrit dans la lignée des photographes humanistes.

Plusieurs sujets vont capter son attention. En 2017, la photographe entame un travail de mémoire auprès des habitants d’un quartier populaire en cours de rénovation, sujet qu’elle expose plusieurs fois dans la cité roubaisienne. Elle poursuit cette quête du quotidien en s’attachant à suivre pendant deux ans le combat d’une famille d’immigrés venue guérir un père ancien champion de boxe devenu hémiplégique. En 2020, lorsque la crise sanitaire éclate, Anouk Desury capte avec empathie la pandémie, à l’échelle du territoire roubaisien, mais aussi au CHU de Lille. Le reportage fait l’objet d’un ouvrage « Une évidence, malgré tout », publié par l’agence photographique et maison d’édition Light Motiv. En 2023, toujours avec le concours de Light Motiv et l’association SOLFA (Solidarité Femmes Accueil) à Lille, Anouk Desury porte un regard bienveillant sur six femmes, six parcours, victimes de violences. Ses photos saisies sur le vif sont publiées sous forme de recueil d’images et de textes écrits par Samira El Ayachi : « Ce soir je prendrai soin de moi », ouvrage qui témoigne avec force d’une forme de résilience.

En 2021, elle est lauréate de la plus grande commande publique photographique d’Europe pour son reportage intime sur trois jeunes boxeurs (Aziz, Djamal, Moustapha) et une boxeuse (Shaïna), de Roubaix, saisis dans leur environnement immédiat, leur entrainement, mais aussi leur lieu de vie. L’image en couleur est un outil et un moyen pour appréhender au-delà du ring les aspirations et l’importance que revêt pour eux cette discipline rigoureuse. Cette complicité nouée avec ces jeunes sportifs où l’humain transparaît est aujourd’hui présentée à la BnF dans l’exposition « La France sous leurs yeux ». L’été 2024, en écho au Festival des cultures urbaines (URBX), La Piscine présente dans ses cabines du premier étage, et dans la salle consacrée à l’Histoire de Roubaix, les portraits de ces jeunes Roubaisiens (28 photos), assortis de tenues d’entrainement.

Ces photographies ont été produites dans le cadre de la grande commande nationale "Radioscopie de la France : regards sur un pays traversé par la crise sanitaire" financée par le ministère de la Culture et pilotée par la BnF.

Cette exposition s’inscrit dans la programmation de la troisième édition du festival URBX, organisé du 11 au 23 juin 2024 à Roubaix et dans la métropole lilloise. urbxfestival.com

Commissariat : Karine Lacquemant, conservatrice en charge des collections et de la programmation arts-appliqués, La Piscine – Musée d’art et d’industrie André Diligent.

A voir aussi à la Piscine, les oeuvres du peintre roubaisien Paul Hémery (1921-2006), La Lumière en liberté, 22 juin - 1er septembre 2024 

LA PISCINE, ROUBAIX

Musée d’art et d’industrie André Diligent

www.roubaix-lapiscine.com

Exposition Paul Hémery @ La Piscine, Roubaix - "Paul Hémery (1921-2006). La lumière en liberté"

Paul Hémery (1921-2006)  

La Lumière en liberté  

La Piscine, Roubaix 

22 juin - 1er septembre 2024 

Paul Hémery (1921-2006) 

Portrait, 1965.

Huile sur toile, 73,5 x 50 cm. 

Collection particulière 

Photo : Alain Leprince.

Paul Hémery (1921-2006) est l’une des figures importantes du Groupe de Roubaix, rassemblement informel d’amis, peintres et sculpteurs, ayant débuté leur carrière artistique au Salon des Artistes Roubaisiens et dans les galeries de la ville. Ensemble, ils éveillèrent la région Nord-Pas-de-Calais à l’art contemporain durant les Trente Glorieuses. 

C’est à Bruges, dès son plus jeune âge, que Paul Hémery s’essaye à la peinture qu’il se met à pratiquer sérieusement et apprend en autodidacte au sortir de la guerre, exposant ses oeuvres au Salon des Artistes Roubaisiens dès 1952. En 1953, il expose à la galerie roubaisienne Louis Parenthou en compagnie de Jean-Robert Debock, Jean Roulland et Michel Delporte, nouant avec ce dernier une solide et fraternelle amitié. En 1954, à Roubaix, il participe à l’exposition Douze peintres, premier accrochage du groupe, à la galerie Dujardin. En 1955, son déménagement à Mouvaux le rapproche de ses aînés, les peintres René Jacob et Maurice Maes, qui eurent à cœur d’aider la jeune génération d’artistes. La même année, le musée de Tourcoing lui offre ses cimaises ainsi qu’à Delporte, tandis que la galerie Dujardin présente ses oeuvres en 1956. Léon Renar, que Paul Hémery a incité à ouvrir une galerie à Roubaix, défend le travail du peintre dans plusieurs expositions personnelles en 1961, 1962, 1964 et 1966.

Il est soutenu à cette époque par l’industriel textile et collectionneur roubaisien Philippe Leclercq, rejoint plus tard par Anne et Albert Prouvost, à la tête du Peignage Amédée Prouvost à Roubaix, qui vont devenir de véritables mécènes. Ils lui proposent un atelier dans la ferme des Marguerites, située sur leur domaine et Paul Hémery leur soumet bientôt l’idée d’y ouvrir un lieu d’échanges artistiques : Septentrion, le centre artistique de Bondues-Marcq, est inauguré quelque temps plus tard et présentera de nombreuses expositions. En 1970, il reçoit la commande d’une décoration monumentale de 100 m2, La Naissance de la lumière, peinte et installée dans les ateliers du Peignage Amédée. L’artiste quitte alors son métier de fonctionnaire de police à Tourcoing pour se consacrer à la peinture. Fasciné par la collection de minéraux rassemblée par les Prouvost, il s’en inspire pour créer des toiles abstraites. C’est le début de sa période minérale qu’il présente à Paris dans la galerie Henri Bénézit en 1972. La suite de son cheminement sera faite de va-etvient entre figuration et abstraction, s’adonnant au pastel par des visions crépusculaires pour revenir plus tard à l’huile dans des compositions colorées rythmées par le jazz. 

Au fil du temps, La Piscine a rassemblé un fonds de référence grâce à divers dons, mais surtout au legs concédé par son ami le peintre Michel Delporte en 2001, et grâce à la générosité de l’artiste lui-même en 2000 et 2002. Le musée propose ainsi de redécouvrir une figure aussi essentielle que méconnue du paysage artistique septentrional de l’après-guerre.

Commissariat scientifique et général : Germain Hirselj, historien de l’art.

Commissariat exécutif : Adèle Taillefait, conservatrice en charge des collections beaux-arts, et Bruno Gaudichon, conservateur en chef, La Piscine – Musée d’art et d’industrie André Diligent.

Catalogue publié à l’occasion de l’exposition aux éditions Invenit.

LA PISCINE, ROUBAIX

Musée d'art et d'industrie André Diligent 

23 rue de l’Espérance, 59100 Roubaix

roubaix-lapiscine.com

Ernst Ludwig Kirchner: Rediscovery of a painting @ Ketterer Kunst: Evening Sale in Munich, 7 June 2024

Ernst Ludwig Kirchner 

Rediscovery of a painting

Ketterer Kunst: Evening Sale in Munich

7 June 2024

Ernst Ludwig Kirchner, “Tanz im Varieté (Steptanz)“

Oil on canvas, 120 x 145 cm, Evening Sale June 7, 2024

Photo Courtesy of Ketterer Kunst

 For the first time published in color: to date only known from black-and-white photographs.

 Grand-sized painting from the best "Brücke" era.

 Part of the seminal "Brücke" exhibition at the Berlin art salon of Fritz Gurlitt (1912) shortly after it was made.

 Estimate price: € 2 - 3 million. 

Ernst Ludwig Kirchner's life and work have been subject to extensive research. And now this sensation: Ketterer Kunst’s Evening Sale on the occasion of the company’s 70th anniversary on June 7 features a painting that could not be located for decades. Its outstanding significance in the oeuvre of the co-founder of the "Brücke" group had been forgotten. There were some publications, and there was evidence of the work in the sensational Brücke exhibition at Galerie Fritz Gurlitt in Berlin in 1912, as well as of a later exhibition at Paul Cassirer in Berlin in 1923. Now the collectors from Baden-Württemberg, who have enjoyed the painting for generations - eighty years to be precise - in private and without any public attention, have decided to sell it.

Measuring 120 by 145 centimeters, “Tanz im Varieté (Steptanz)“ is an extraordinarily large picture in Ernst Ludwig Kirchner’s oeuvre, it was made in 1911, the year the artist relocated from Dresden to the metropolis Berlin, a cosmopolitan city of two million even back then, a vibrant melting pot that promised inspiration and, of course, more market presence. The beginning of an extremely prolific creative phase; his works from that period up until the First World War are among his most outstanding accomplishments. Today they are almost exclusively museum-owned, while just a few are in private hands. Their market presence has been extremely low in the last couple of years.

Ernst Ludwig Kirchner’s famous street scenes come from that era; all of his cabaret and circus pictures are expressions of an urban liveliness, a revealing joie de vivre and eroticism. The social and cultural changes are tangible in his motifs and compositions. Emotion and harshness are combined in an equally provocative and convincing way. At the same time, our work is a very characteristic, extraordinarily successful and decisive example of Kirchner's endeavor to render the moment of a powerful and energetic motion ("My painting is a painting of motion").

Estimated at 2 to 3 million euros, the painting is mentioned in Donald E. Gordon's authoritative catalogue raisonné (1968) accompanied by an old black-and-white photograph, however, it is marked as "whereabouts unknown". Neither the estate and leading experts nor the archive had ever seen it in color.

KETTERER KUNST

Ketterer Kunst with its headquarters in Munich and branches in Hamburg, Cologne and Berlin, as well as with a global network of experts, was founded in 1954. Robert Ketterer is the second generation to run the family business. The auction house has a focus on Contemporary, Modern and 19th Century Art and on Rare Books from five centuries. In its market segment, Ketterer Kunst is the number 1 in the German language region and is in the global top ten of the strongest-selling art auction houses (artprice.com).

UPCOMING DATES:

Anniversary Auction – 70 Years of Ketterer Kunst

May 27, 2024 Rare Books Auction in Hamburg

June 7, 2024 Contemporary Art Day Sale, Evening Sale in Munich

June 8, 2024 19th Century, Modern Art Day Sale in Munich

KETTERER KUNST

www.kettererkunst.com

Exposition Richard Serra @ Galerie Lelong & Co., Paris - "Casablanca" - Suite de six oeuvres graphiques

Richard Serra : Casablanca

Galerie Lelong & Co., Paris

14 mars - 30 avril 2024

RICHARD SERRA

Casablanca #1, 2022

Oilstick, encre et silice, 26 exemplaires. 152,4 × 167,6 cm

© Richard Serra. Courtesy Galerie Lelong & Co.

Depuis les années 80, la Galerie Lelong présente régulièrement à Paris l’œuvre gravé de Richard Serra, qui a constitué, d’années en années, un ensemble remarquable.

"Casablanca" (2022) est une suite de six œuvres graphiques réalisées en étroite collaboration avec le maître imprimeur Xavier Fumat à l’atelier Gemini G.E.L. de Los Angeles. Ces estampes sont spectaculaires par leur dimension et leur qualité plastique que l’on ne peut apprécier qu’en les voyant physiquement. L’artiste et l’atelier ont poussé à leur extrême limite ce que peut supporter une grande feuille épaisse presque entièrement recouverte de matière noire. Jouant sur papier avec l’idée de pesanteur et d’équilibre, ces gravures monumentales sont présentées dans un encadrement voulu par l’artiste, sans verre ni plexiglas ; les cinq premières mesurent 153 x 168 cm et la sixième 183 x 213 cm.

Plus que leur dimension, c’est leur matière exceptionnelle qui impressionne et même fascine. Très texturées, réalisées avec un mélange de bâton d’encre à l'huile appliqué à la main, d'encre pour gravure et de silice, elles sont, de la part d’un sculpteur, une autre face de l’expérience de l’"outrenoir" menée par le peintre Pierre Soulages.

Richard Serra a commencé à travailler à ce projet au début de l’année 2020, juste avant le premier confinement provoqué par la pandémie, qui a perturbé gravement l’activité de l’atelier. Le travail étant effectué par intermittence, les essais ont été expédiés à l’artiste à New York jusqu'à ce que le bon à tirer de chaque estampe soit signé. Obtenir ensuite les quantités d’encre et de papier nécessaires au projet, fut un autre défi. Ainsi, du début à la fin, cette entreprise aura pris près de 3 ans. La voici montrée à Paris pour la première fois.

Richard Serra (né en 1939 à San Francisco) est l'un des sculpteurs les plus importants du XXIe siècle. Il a exposé dans de grands musées et créé des œuvres in situ pour des lieux publics et privés à travers le monde. Son travail a fait l’objet de deux rétrospectives au MoMA, en 1986 et 2007. D’autres expositions récentes majeures ont eu lieu au Guggenheim de Bilbao (1999), au Musée d'art de Saint-Louis, Missouri (2003, 2014) au Musée archéologique national, Naples (2004). Ses dessins ont été exposés au Kunsthaus Bregenz (2008) puis au Metropolitan Museum of Art, et au San Francisco Museum of Modern Art (2011-12). On se souvient du spectaculaire "Promenade", dans le cadre de Monumenta au Grand Palais, Paris (2008) ; son œuvre "East-West/West-East" est installée en 2014 de manière pérenne dans le désert, à 70 km de Doha au Qatar.

Richard Serra a participé quatre fois à Documenta (1972, 1977, 1982 et 1987), et à la Biennale de Venise (1980, 1984, 2001, 2013). L’artiste vit et travaille à New York.

Galerie Lelong & Co.

13 rue de Téhéran, 75008 Paris

www.galerie-lelong.com

Artist Gideon Appah @ Pace Gallery, Seoul - "The Play of Thought" Exhibition

Gideon Appah: The Play of Thought 

Pace Gallery, Seoul 

March 20 - April 27, 2024 

Gideon Appah 

Will You Ever be Here Again? (2023) 

© Gideon Appah, courtesy Pace Gallery

Pace presents an exhibition of new works by Gideon Appah at its gallery in Seoul Marking the artist’s second solo show with the gallery since he joined its program in 2022, and his first-ever solo exhibition in Asia, this presentation features paintings and drawings that examine memory and sensuality through Gideon Appah’s virtuosic compositional arrangements and his surrealist visual language. The exhibition is accompanied by a digital catalogue produced by Pace Publishing.

Known for his rich, jewel-toned figurations, Gideon Appah paints utopian landscapes that serve as intuitive, outward translations of the inner self. The oneiric, often coastal realms of Appah’s paintings are inhabited by nude and semi-nude figures inspired by the artist’s imaginative readings of archival imagery. Using layered impasto, Gideon Appah constructs worlds that, though visually flattened, take on a seemingly infinite breadth that is at times unsettling and, alternatively, inviting and seductive.

In the new paintings, Gideon Appah expands his expressions of memory and cultural identity through his evolving technique and renewed commitment to his distinctive surrealist vocabulary. Within his expansive canvases, life-size athletic figures find anchorage in meticulously crafted landscapes made up of careful interplays of line, color, light, and shade. Appah’s substantial and layered application of paint dissolves any suggestion of rigidity in his compositions—an effect that he accentuates by revealing areas of undercoat. Left unworked, these abstract sections of lightly washed and dripped paint give rise to almost identifiable forms from within the canvases. Further subverting narrative expectations is the apparent indifference of the figures to one another and the viewer—as if in a memory or dream, they embrace, swim, play music, and recline in states of undisturbed reverie.

Drawing inspiration for his paintings from a vast visual archive that includes newspaper clippings, family photographs, and Ghanaian films and documentaries—especially those made during a major period of cultural production after the country gained independence in 1957—Gideon Appah imbues his works with a uniquely cinematic, scenographic quality. In an act of creative reinvention, the artist transforms moving images from film for his two-dimensional works, suspending time and dislocating any sense of place in the process. His interest in monochromatic imagery is also central to his approach—for Gideon Appah, black-and-white film is not limiting but rather a perfect vehicle for investigating the expressive potential of light, shade, and hue. Guided by images he has encountered in classic Ghanaian cinema, he overlays vibrant colors onto these scenes, making them entirely new and uniquely his own.

Throughout Gideon Appah’s oeuvre, surrealist motifs abound. Disembodied heads, smoking hands, and suited torsos float alongside similarly uprooted—or unrooted—vegetation, merging seamlessly into the atmosphere of individual works. Also featured in Seoul will be a selection of charcoal drawings showcasing these motifs, marking the artist's debut exhibition of works on paper with Pace. Initially conceived as preparatory sketches, Gideon Appah now regards them as standalone works. Taking on a dreamlike sensibility detached from any identifiable narrative, these monochromatic drawings, alongside The Sensitivity of Everyday Things series—an ongoing body of paintings that explore the rituals of daily life—offer visitors insight into his imaginative process.

For a brief biography see :

Gideon Appah, How to Say Sorry in a Thousand Lights 

Pace Gallery, London , March 15 – April 15, 2023

PACE GALLERY SEOUL

267 Itaewon-ro, Yongsan-gu, Seoul

www.pacegallery.com

Adrien Couvrat - Exposition @ Galerie Maubert, Paris - "Devant toi coule un fleuve"

Adrien Couvrat 

Devant toi coule un fleuve

Galerie Maubert, Paris

27 avril - 15 juin 2024

Adrien Couvrat 

Villa Madama, 2024 

Acrylique sur toile, 120 x 85 cm

« Devant toi coule un fleuve » est une phrase tirée de l’œuvre Eupalinos ou l’architecte de Paul Valéry. Un dialogue entre Phèdre et Socrate qui, se retrouvant dans le monde des morts, font de l’architecture une métaphore de l’acte de création à travers l’évocation de la figure d’Eupalinos.

     Pour cette troisième exposition personnelle à la Galerie Maubert, Adrien Couvrat rassemble un ensemble de toiles, abstraites et figuratives, une vidéo et un mur de céramiques émaillées qui proposent un dialogue entre le spectateur et l’architecture : à la fois l’espace de la galerie mais surtout des architectures connues qui se vident de toute existence humaine par la présence contradictoire du spectateur. Des espaces pensés pour et autour de l’Homme, désormais inhabités, à l’instar de la Villa Madame, une ’’villa de campagne’’ conçue par Raphael dans la périphérie romaine, devenue un bureau de représentation ministériel. Ou encore d’architectures de Le Corbusier aujourd’hui transformées en espaces muséaux (la Villa Le Lac et la Villa Savoye), dans lesquelles le corps va jusqu’à régir les dimensions des espaces que l’Homme arpente (le système du Modulor). 

Des architectures qui s’articulent autour du corps, tout comme les tableaux d’Adrien Couvrat, pensés en fonction des déplacements du regardeur. C’est d’ailleurs l’étroite relation de ces espaces à des questions d’ordre pictural qui intéresse l’artiste. Chez Le Corbusier, la composition, l’appréciation de la perspective, et surtout les couleurs, inspirées de célèbres tableaux de la Renaissance, sont déterminantes. Aussi l’architecture se pense comme une image, non pas fixe mais mouvante, en lien avec la déambulation des corps. 

Dans cette interaction avec le regard, la lumière trouve une place essentielle : quasi matérielle, jaillissant de percées ou traversant le format, elle permet chez Adrien Couvrat de créer des phénomènes d’apparition et de disparition de l’image. Dans le langage des images de synthèse, cet effet lumineux est appelé ‘’god rays’’ : une certaine artificialité de la lumière qui procure une dimension sacrée à l’image. La lumière voile mais révèle en même temps, redoublant l’aura particulière de ces lieux, provoquant une forme d’étrange présence.

La lumière permet d’envisager l’espace différemment : c’est ce que souhaite dévoiler l’artiste dans une sorte de peinture animée. Adrien Couvrat - issu d’un double cursus à l’Ecole National des Beaux-Arts de Paris et à l’IRCAM - dont le travail pictural trouve ses racines dans l’image vidéo, propose une recréation en 3D de L’Annonciation de Fra Angelico. Le tableau se retrouve entièrement vidé de ses protagonistes ; seule la lumière centrale, qui possède cet éclat divin, demeure au fil des heures qui passent et qui transforment l’espace. Une peinture qui se métamorphose cette fois-ci non pas en fonction des déplacements du spectateur, mais du cycle de la journée. 

En liant des questions d’ordre picturale avec l’architecture tout en incorporant des outils contemporains de mise en image, Adrien Couvrat questionne les spécificités du médium de la peinture, interrogeant les notions de surface, de limite (spatiale et temporelle) de l’œuvre et de l’image.

ADRIEN COUVRAT

Né en 1981 (FR), Andrien Couvrat vit et travaille à Paris. Formé à l’Ecole Nationale des Beaux-Arts de Paris et à l’IRCAM, Adrien Couvrat déploie ses recherches à travers la peinture, le dessin, le son, la vidéo… Quel que soit le medium, il expérimente les mouvements optiques, les métamorphoses lumineuses et la vibration sensible des couleurs. En 2015, il a participé à l’exposition Desdémone, entre désir et désespoir à l’Institut du Monde Arabe avec une installation de 20 mètres et a exposé au Qingdao Sculpture Art Museum de Shandong (Chine). En 2016, il expose au Musée des Arts et Métiers (Paris). En 2017, il bénéficie d’une exposition personnelle à la Villa Le Corbusier « Le Lac » (Corseaux, Suisse). En 2023, il déploie l’oeuvre monumentale Myriades au sein du cabinet d’architecture Franklin Azzi, dans le cadre de la Nuit Blanche.

“Adrien Couvrat s’efforce de révéler la part instable, fragile et immatérielle de la peinture abstraite. Entre apparition et respiration lumineuse, sa peinture, faite de couches creusées de sillons et de pigments, ne cesse de capter le regard, par saccades et soubresauts. Incitant le spectateur à s’approcher pour percevoir sa peinture, Adrien Couvrat intègre en cela dans ses compositions l’attitude en mouvement du spectateur, et l’oblige ainsi à une nouvelle dimension de perception. Le corps est sollicité ; l’oeuvre entre en relation avec le spectateur, crée un lien avec l’espace d’exposition. Invitant le spectateur à une danse rétinienne, ces peintures proposent une transformation ultime de notre rapport à l’espace.” Marianne Derrien, critique d’art.

GALERIE MAUBERT

20 rue Saint-Gilles, 75003 Paris

www.galeriemaubert.com