Alighiero Boetti @ MAMCO Genève - Exposition Estate '70, 1970

Alighiero Boetti 

Estate '70, 1970 

MAMCO, Genève 

4 octobre 2023 - 20 janvier 2024 

En 1969, après une période marquée par son engagement dans les activités d’un groupe d’artistes italiens aujourd’hui réunis sous la dénomination de « Arte Povera », le Turinois Alighiero Boetti (1940-1994) abandonne progressivement l’objet pour renouer avec la pratique du dessin. Il reconsidère ce médium dans l’optique d’un système normé, sur le modèle de la grille, capable de générer un nombre infini de variations. En particulier, il explore les qualités géométriques et ludiques du damier.

Estate ’70 s’inscrit dans cette recherche, tout en constituant le point culminant de la série des Bollini (« pastilles »). Celle-ci réunit six dessins et collages sur papier, réalisés entre 1969 et 1970, qui procèdent d’un même ensemble de règles et de contraintes graphiques. Estate ’70 se distingue toutefois par son format monumental – un rouleau de 20 mètres de long – ainsi que par la composante temporelle suggérée à la fois par son titre (« été 1970 ») et le contexte de son exécution. Alighiero Boetti réalise en effet cette œuvre à Milan, dans la galerie Franco Toselli, alors fermée pour les vacances d’été, et dans laquelle il se retire durant plusieurs semaines. Une grille régulière – ici tracée au crayon sur papier – donne la matrice géométrique d’un collage constitué de pastilles autocollantes et colorées, d’un modèle standardisé. Disposées en miroir, elles se reflètent de part et d’autre d’une même ligne. Procédant par zones, l’artiste explore les possibilités combinatoires des couleurs et des ensembles, laissant libre cours au plaisir de la variation, jouant sur les rythmes visuels et assumant les imperfections de l’exécution.

Alighiero Boetti explore ici la limite entre la règle et le jeu, entre la contrainte et la singularité du joueur. Il participe à un intérêt renouvelé que des artistes portent alors au jeu. Dans les années 1960, Marcel Broodthaers, Robert Filliou ou, plus généralement, les artistes de la constellation Fluxus, ont fait de l’humour un mode opérationnel et une éthique de création. Parallèlement aux recherches de Boetti, le groupe Art & Langage et la scène conceptuelle alors émergeante font du protocole et de la sérialité de véritables outils de travail. Alighiero Boetti se distingue des uns comme des autres par son approche : une poésie particulière, qui consiste à introduire le désordre de la subjectivité dans l’ordre de la règle, préside en effet à ses créations.

MAMCO GENÈVE

MUSÉE D’ART MODERNE ET CONTEMPORAIN

10 rue des Vieux Grenadiers, 1205 Genève

www.mamco.ch

Alighiero Boetti at McCabe Fine Art, Stockholm

Alighiero Boetti: Selected Works

McCabe Fine Art, Stockholm 

April 3 - May 21, 2014

Born in Turin, ALIGHIERO BOETTI (1940–1994) was introduced to the art world in the mid-1960s as part of the Italian Arte Povera movement. However, his artistic legacy extends far beyond this early association. Deliberately distancing himself from the group that helped establish his reputation, Alighiero Boetti began to explore various ways of working collaboratively in the 1970s. Realizing artworks in association with collaborators - ranging from artisan embroiderers in Afghanistan for his well-known “Mappa” series (1971 - 1994) to the Italian postal system (Postal Dossier, 1970 - 1974) - Alighiero Boetti came into his own by cultivating diverse creative activities that challenged the notion of the artist as a lone creator working in a singular style. Further complicating notions of authorship concerning artworks that bare Boetti’s signature, the artist also devised complex systems whose rules and restrictions would predetermine, to a certain extent, the outcome of his work. Relishing the uncontrollable results - or felici coincidenze (happy accidents), as the artist himself referred to them - that resulted from outsourcing production or imposing a strict systematic structure, Alighiero Boetti developed a visually varied oeuvre that is unified by the coexistence of logic and randomness. Bringing together four works from the 1980s, the current exhibition at McCabe Fine Art highlights examples from some of Boetti’s most important collaborative series.

As early as the 1960s, Alighiero Boetti began making works using fabric printed with a mimetico (camouflage) motif, notably pre-dating Warhol’s famous “Camouflage” self-portrait series of the mid-1980s by two decades. Strongly influenced by Marcel Duchamp, Boetti took this ready-made abstraction and presented it as a painting, mounting the fabric on a stretcher-like canvas. Looking at Mimetico, 1981, with its orderly and repetitive all-over green and brown patterning, it is easy to see why the mass-produced methodical design would have interested Boetti both conceptually and aesthetically.

From the mid-1970s onward, Boetti’s colorful mosaic-like “word squares” would expand into one of the artist’s most iconic system-based series. Organizing uppercase block letters into gridded squares, Alighiero Boetti spells out words, typically idiomatic expressions like “Silence is golden” or “Give time to time” in Italian. Three examples of such works are included in the present exhibition. Gian Tomaso Liverani, 1980, a delicate mixed-media work on paper is the loosest of the three and is titled for the owner of Rome’s La Salita gallery. Here the gallerist’s name is written twice across a 6 x 6 grid, legible reading downward from the upper left corner and again reading upwards (and backwards) from the lower right corner. A group of monkeys, whose whimsical presence and random configuration contrasts with the strict orderliness of Boetti’s word square, exemplifies the artist’s interest in the coexistence of order and disorder. The monkeys also foreshadow the site-specific installation Boetti made for the 1990 Venice Biennale, which featured a variety of animals (including monkeys) in frieze form. An untitled embroidered work from 1988 features Boetti’s typical square grid of rainbow block letter. An example of the artist’s “Arazzi Grandi” (large tapestries), whose format is based on a grid of 25 x 25 square-bound letters, the artist here plays with his own conventions by breaking down the main square into smaller square sections using a black and white cross (comprised of black and white block letters) to divide the otherwise colorful composition into four equal 10 x 10 word squares. Alternandosi e Dividendosi, 1989, another embroidered work, mixes the Roman alphabet and Farsi script in a nod to the Afghan craftswomen who made this and many other arrazi according to Boetti’s designs. The words “alternandosi” (alternating) and “dividendosi” (dividing) are legible starting from the upper left corner. As the title suggests, each Roman block letter alternates with a Farsi character therefore dividing the grid between Italian and Farsi.

Similar to the spirit of collectivity behind Warhol’s factory, Boetti’s practices of appropriating ready-made materials, employing artisanal expertise, and imposing a systematic structure to create his works all served to integrate the artist’s creativity with the skills and means of others. What sets Boetti’s works apart, however, is that each one calls upon the viewer to assume the role of a final collaborator. Assuming his audience’s active participation, Alighiero Boetti relies on us to play his games and decipher his codes.

MCCABE FINE ART

Artillerigatan 40, 11445 Stockholm

www.mccabefineart.com

Expo Le Plateau, Paris : Nul si découvert - Commissaire d'exposition : Guillaume Désanges

Commissaire d'exposition : Guillaume Désanges 
Nul si découvert / Void if removed / Erudition Concrète 4 
Frac Ile-de-France / Le Plateau, Paris  
Jusqu'au 7 août 2011 

LE PLATEAU, l'espace d'exposition du Frac d'Ile-de-France, à Paris, dans le 19e arrondissement, présente jusqu'au 7 août l'exposition NUL SI DECOUVERT / VOID IF REMOVED. C'est le quatrième et dernier volet du programme ERUDITION CONCRETE proposé par GUILLAUME DESANGES invité à concevoir depuis 2009 un cycle d’expositions au Plateau. S’inscrivant dans la continuité des précédentes, poursuivant ainsi une réflexion renouvelée sur l'art et le savoir, l'art et la connaissance, cette exposition prend comme point de départ trois histoires pour aborder, par l’art, l'idée d’expériences à la fois concevables et impossibles. 

Collage GD DR - Work Method

Avec cette exposition, Le Plateau offre à voir quelques bijoux de l'art contemporain, entre surréalisme et, surtout, art conceptuel. Sont exposées des œuvres de Bas Jan Ader, Eric Baudelaire, Bernard Bazile, Alighiero Boetti, Chris Burden, Coop Himmelblau, Marcel Duchamp, Ceal Floyer, Ryan Gander, Dora García, Joseph Grigely, Ann Veronica Janssens, Jiří Kovanda, João Louro, Julien Loustau, Daniel Pommereulle, Stephen Prina, Anna Maria Maiolino, Man Ray, Lawrence Weiner, Ian Wilson, Carey Young, Rémy Zaugg. 

JOSEPH GRIGELY

Joseph Grigely (né en 1956 à Longmeadow, vit et travaille à New York)

Remembering is a difficult job but somebody has to do it, 2004 

Courtesy Air de Paris, Paris  

ANN VERONICA JANSSENS

Ann Veronica Janssens (née en 1956 à Folkestone, Royaume-Uni, 

vit et travaille à Bruxelles, Belgique) 

Absence d’infini, 1991 

Sculpture miroir 

Collection du Frac des Pays de la Loire, Carquefou 

© Frac des Pays de la Loire, Carquefou 

Voici le trois histoires servant de point de départ à l'exposition - le texte est de Guillaume Désanges :

- Le lac Vostok, en Antarctique est une poche d’eau capturée sous une épaisse couche de glace, qui renfermerait potentiellement des formes de vie millénaires. Tentés d'aller vérifier, les scientifiques se l'interdisent encore puisque pénétrer cet espace altérerait immédiatement son équilibre supposé. Le dilemme entre accroissement de la connaissance et souci de conservation semble ici sans issue. La profanation du lac déclencherait la même bombe à « désagrégation spontanée » que dans la fameuse scène de Roma de Fellini, où le percement du métropolitain expose les fresques somptueuses d’une villa romaine à une disparition immédiate.

JULIEN LOUSTAU

Julien Loustau (né en 1971 à Saliès-de-Béarn, vit et travaille à Paris) 

Sub, 2006 

Nouveaux médias, vidéo 

Collection 49 NORD 6 EST - Frac de Lorraine, Metz 

© Julien Loustau 

- L’expérience du « chat de Schrödinger », est une parabole de la mécanique quantique, portant sur la désintégration des atomes. Supposons un chat enfermé dans une caisse avec une fiole de gaz mortel qui peut se répandre selon une certaine probabilité. Comment savoir si le chat est mort ou vivant sans ouvrir le coffre ? Tant qu’aucune vérification n’est effectuée, le physicien Ernest Schrödinger affirme que le chat est vivant et mort à la fois, « mort-vivant ». Non pas l'un ou l'autre, mais bien l'un ET l'autre, du moins jusqu'à l'ouverture de la boîte. C’est donc le moment de la vérification qui infléchit l’état de l’objet d’étude, qui sauve ou tue le chat.

MAN RAY

Man Ray (Philadelphie, 1890-1976, Paris)

L’Enigme d’Isidore Ducasse, 1920 (remade 1972) 

Machine à coudre, laine, ficelle 

Courtesy Marion Meyer Contemporain, Paris 

© Marc Domage

- Le LHC européen, l'accélérateur de particules le plus puissant du monde, doit permettre aux physiciens d’étudier les composants fondamentaux de la matière, en recréant les conditions qui existaient juste après le Big Bang. Lors de sa mise en service en 2008, un certain nombre de scientifiques ont réclamé la suspension de l'expérience par crainte de création de trous noirs qui auraient englouti la terre. L’accomplissement d’une expérience inédite peut susciter un accroissement considérable (de savoir, d’être, d’espace, d’énergie, etc.) comme aboutir à des pertes irréversibles, voire catastrophiques. Mais comment vérifier le bien fondé de ces craintes sans le tester ?

RYAN GANDER

Ryan Gander (né en 1968 à Chester, vit et travaille à Londres)

Latent Lament, 2008

Tirage photographique protégé de la lumière dans un sac en polyuréthane

Courtesy gb agency, Paris

ANNA MARIA MAIOLINO 

Anna Maria Maiolino (née en 1942 à Scalea, Italie,
vit et travaille à Sao Paulo, Brésil)

É o que sobra (Que reste t-il ?)

de la série Fotopoemaçao (Photopoèmaction), 1974 

Photographie analogique, impression numérique 

Courtesy Anna Maria Maiolino 

ANNA MARIA MAIOLINO

Anna Maria Maiolino 

Entrevidas (Entre deux vies) 

de la série Fotopoemaçao (Photopoèmaction), 1981 

Photographie analogique, impression numérique 

Courtesy Anna Maria Maiolino 

Dans ces perspectives, l’exposition présente des situations où l'observation anéantit l'observation. Précisément, des œuvres – sculptures, photographies, vidéos ou performances – qui sont d’autant plus frustrantes et fragiles que les phénomènes qu’elles contiennent ou abordent menacent de s’évaporer à l’ouverture. L’hermétisme attise la curiosité, encourage la violation du secret, mais maintient le savoir dans une spéculation pacifique, à distance, comme un mirage proposant la « figuration d’un possible » (Marcel Duchamp), et susceptible de susciter un vertige fantastique. Ce type de mécanisme « nul si découvert » concerne autant des configurations scientifiques, poétiques, que philosophiques et politiques. Mais l’expérience d’une expérience impossible n’est pas seulement un casse-tête métaphysique : il peut s’agir de situations très concrètes, physiques et sensuelles. L'art, dans sa capacité inégalée à formaliser des idées en dehors de tout système déterminé et de tout fonctionnalisme, est peut-être le lieu privilégié de ces expériences de « l'inexpérimentable », ces expressions de l'ineffable, ces impossibilités de la possibilité.

Une manière de clore ce cycle Erudition Concrète sur la connaissance par deux perspectives divergentes sans être contradictoires : l’irréductible inaccessibilité du savoir et l’infini de ses possibilités. 

BAS JAN ADER

Bas Jan Ader (né en 1942 à Winschoten, Pays-Bas, disparu en mer en 1975)

I’m too sad to tell you, 1971 

Film, projection
Courtesy Musée du Boijmans, Rotterdam 

COOP HIMMELBAU

Coop Himmelb(l)au (agence d’architecture fondée en 1968 à Vienne 

par Wolf Dieter Prix, Helmut Swiczinsky et Michael Holzer 

Basel Contact, 1971 

Tirages photographiques présentant des extraits du film 

Courtesy de l’artiste 

© Peter Schnetz

JIRI KOVANDA

Jiri Kovanda (né en 1953 à Prague, vit et travaille à Prague)

Pure and Clear (On the opening I was putting sweets into pockets of bags of visitors secretly), 3 mai 2007. 

Trafo Galerie, Budapest 

Photographie N&B, texte sur papier 

Courtesy de l’artiste et de la galerie gb agency, Paris 

ALIGHIERIO BOETTI

Alighiero Boetti (Turin, 1940-1994, Rome) 

Per filo e per segno, 1990 

Stylo à bille sur papier marouflé sur toile 

Collection du Frac Languedoc Roussillon, Montpellier 

© Jean-Luc Fournier

L’exposition Nul si découvert a bénéficié du soutien du British Council, ainsi que de Procedes Hallier. 

En collaboration avec Work Method. Avec le soutien de parisART. 

GUILLAUME DESANGES : critique d’art et commissaire d’exposition

Guillaume Désanges co-dirige Work Method, structure indépendante de production. Il est membre du comité de rédaction de la revue Trouble et correspondant français pour les revues Exit Express et Exit Book (Madrid). 

Il a coordonné les activités artistiques des Laboratoires d'Aubervilliers (2001-2007), et organisé les expositions Pick-Up à Public> (Paris), Intouchable, l'Idéal Transparence à la Villa Arson (Nice) et au Musée Patio Herreriano (Valladolid),  Jiri Kovanda vs Reste du monde, galerie gb agency (Paris), De Appel (Amsterdam), La Passerelle (Brest), Centre d'Art Santa Monica (Barcelone), Child's Play, Biennale Periferic, (Iasi, Roumanie), Nam June Paik Center (Corée du Sud). Il a également développé plusieurs projets curatoriaux de type performatifs comme  "Une histoire de la performance en 20 minutes" (Centre Pompidou, Paris / De Appel, Amsterdam /  Artists Space, New York / MacVal, Paris / U-Turn, Copenhague, etc..), "Vox Artisti, la voix de ses maîtres" (Halles de Schaerbeek, Bruxelles / University of Chicago / Bétonsalon, Paris), "Signs and Wonders" (Tate Modern, Londres / Centre Pompidou, Paris). 

En 2007-2008, Guillaume Désanges est commissaire d'exposition invité, chargé de la programmation du centre d'art La Tôlerie, à Clermont-Ferrand. En 2009-2011, il est commissaire associé au Frac Ile-de-France / Le Plateau, Paris et membre du comité technique du Frac Lorraine. 

FRAC ILE-DE-FRANCE 

LE PLATEAU, PARIS 

www.fracidf-leplateau.com

Site de Guillaume Désanges : www.guillaumedesanges.com

Le Frac Île-de-France est une initiative du Conseil régional d’Ile-de-France. 

Il reçoit le soutien du Ministère de la Culture et de la Communication – DRAC d’Ile-de-France et, dans le cadre de son action au Plateau, de la Mairie de Paris. 

Drawing Machines at Gregor Podnar Gallery Berlin

Cimento dell’armonia e dell’invenzione:
or, The Drawing Machines
Galerija Gregor Podnar, Berlin
Through January 8, 2011

Artists: William Anastasi, Anna Barham, Emanuele Becheri, Alighiero Boetti, Ane Mette Hol, Albin Karlsson, Tim Knowles, Nick Laessing, Sol LeWitt, Giovanni Morbin, Marc Nagtzaam, Goran Petercol, Diogo Pimentão, Steve Roden, Jean Tinguely.

Cimento dell’armonia e dell’invenzione (“Trial of Harmony and Invention”) is the title of a 1969 work by ALIGHIERO BOETTI, a series of drawings in which he traced the lines of sheets of graph paper following a different path each time. A work that opposes established order (“armonia”) and the creation of something new (“invenzione”). The idea of both being at odds with each other is interesting, especially if it is applied to machinery and draughtsmanship.

The exhibition focuses on artists who produce drawings with machines or mechanisms following the path opened by JEAN TINGUELY’s drawing (and painting) machines Méta-Matics, but also by self imposed rules echoing the mathematical basis of mechanical procedures, such as Alighiero Boetti himself, SOL LEWITT, WILLIAM ANASTASI...

In fact, from the mid XXth century on, artistic drawing has been partly predicated upon drawing machines or mechanisms. Even in a broader and historical view, which has certainly influenced this phenomenon, drawing has been associated with mechanics in a combination of recreational and scientific uses. From the Jacquet-Droz automaton, which could draw (1772) to a machine inscribing on a sheet of paper the trajectory of a falling body, invented by Arthur Morin (1864), drawing has been both imitated and used. Etienne-Jules Marey, the inventor of chronophotography and other breathtaking experimental devices, researched the graphic translation of the body’s movements through the sphygmograph and the cardiograph, for instance, which were able to “draw” the beating of the human heart.

At first, it could seem odd that drawing, a hand-based craft par excellence, was to be included in the domain of machine-made articles. But on closer inspection, automata imitating the skills of the draughtsman upset the standards by which drawing is normally adjudged as such and announce modernity: they demonstrate the mechanic aspect of drawing without destroying its appeal. Rather, they increase it. A triangular relation between the viewer, the artist and the machine, is thus implemented. The act of creation is assumed by others, namely the machine itself, while the artist operates like one. Drawing with, or like, a machine implies an alliance of the hand, the eye, the mind, the device, the artifact, the formula and the rule.

The contemplative and epistemological role of mimesis and utility are at stake here. For from this point on, the extraction of drawn data as well as the graphic transposition of the movement of matter moulds a different and modern beauty, largely based on abstraction and, the moment drawing becomes the result of self-applied rules or exterior factors, chance-based opportunities for the unpredictable emerges. Charles Baudelaire sensed this rather early when he confessed that a fine drawing captivates us beyond what it depicts ( in L’Oeuvre et la vie d’Eugène Delacroix, 1863).

On the other hand, freed from intention and traditional ideas of quality, and fascinated by machines, the artist chooses to work programmatically. Therefore, this abstract beauty is sometimes generated by a hand carefully automated by seriality and a rigorous set of rules.

But to return to Alighiero Boetti, a debate is then established as to what, exactly, one considers “harmony” and “invention” to be: would the mechanical aspect of drawing (i.e., order) be harmony? But aren’t machines, as actual mechanism or as rules and protocols, inventions? Should one consider chance itself to be the source of “invention”, as opposed to a system? Thus does this show aim to reveal the complexity and ambiguity that lurks behind such seemingly definite categories.

Cimento dell’armonia e dell’invenzione: or, The Drawing Machines showcases historical and recent works exploring this path of contradictions between the skilled machine and the automated draughtsman, connected by the mesmerizing appeal of their abstract productions, and so much more.

The exhibition is curated by SIMONE MENEGOI and accompanied by a writing of JOANA NEVES, The Drawing Automaton, or the Mechanics of Drawing.

GALERIJA GREGOR PODNAR BERLIN
Lindenstr. 35 - 10969 Berlin - Germany

www.gregorpodnar.com 

13.11.2010 - 08.01.2011

Alighiero e Boetti, Sperone Westwater, NYC - Simmetria Asimmetria

Alighiero e Boetti: Simmetria Asimmetria 
Sperone Westwater, New York
10 January – 2 March 2002

Sperone Westwater announces an exhibition of “Biro” works by Alighiero e Boetti (1940-1994). Consisting of ball-point pen ink on paper mounted on canvas, these works are from a series which began in Rome in 1972 and continued through the late 1980s.

Collaborating with assistants, Alighiero e Boetti used four standard ink colors (blue, black, red and green) to mark small repetitive strokes, often covering the entire sheet. The artist would leave letters and symbols (often commas) as exposed white ground or negative space. This exhibition includes works representing each type of iconography that Alighiero e Boetti used in his design of these visual structures.

Many of the works contain puzzles, puns and linguistic codes, wherein letters of the alphabet run horizontally or vertically along the margin of the sheet. This line of letters creates a composition that becomes graph-like, and the title of the work is often revealed as the viewer connects commas with corresponding letters horizontally and vertically. In some works like I sei sensi, 1973 and Dimenticare il tempo perduto, 1982 the charting of commas extends across two, even five panels. This unlocking of the artist’s created system simulates the very basic way in which the human mind apprehends and functions, unfolding worlds and bringing new meaning up through the medium and into the light.

His classic Aerei, or “Airplanes” series is also featured. Here, the artist leaves as negative space line drawings of modern and historical airplanes. Originally culled from popular magazine sources, these images construct an illusionary space of action and movement.

A publication will be available with reproductions of every work in the exhibition.

Alighiero e Boetti: Simmetria Asimetria

Published by Sperone Westwater, New York, 2002

Text by Annemarie Sauzeau Boetti 

Forty-two pages with fifteen full color plates 

including four foldout images

Hardbound with wrappers, 9 x 11 1/2 inches.

A small survey exhibition “Alighiero e Boetti” at The Arts Club of Chicago will run concurrently, 24 January – 6 April 2002, for which there will also be a publication. The exhibition is curated by Kathy Cottong.

SPERONE WESTWATER - NEW YORK
www.speronewestwater.com

Updated 04.07.2019