Exposition Ernst Ludwig Kirchner "Kirchner x Kirchner" @ Kunstmuseum Bern - Musée des Beaux-Arts de Berne

Kirchner x Kirchner

Kunstmuseum Bern, Berne

12 septembre 2025 - 11 janvier 2026

Ernst Ludwig Kirchner

Farbentanz I (Entwurf für Essen) 

[Color Dance I (Project Essen)], 1932

Oil on canvas, 100 x 90 cm

Museum Folkwang, Essen, acquired in 1968 with the 

support of the Folkwang-Museumsverein and 

the Alfred und Cläre Pott-Stiftung

© Museum Folkwang Essen / ARTOTHEK

Ernst Ludwig Kirchner

Esser [Eaters], 1930

Oil on canvas, 150 x 121 cm

Galerie Henze & Ketterer, Wichtrach/Bern

© Galerie Henze & Ketterer, Wichtrach/Bern

Avec Kirchner x Kirchner le Kunstmuseum Bern, Musée des Beaux-Arts de Berne, consacre une exposition exceptionnelle à l’expressionniste allemand Ernst Ludwig Kirchner (1880–1938). Elle s’articule autour de la grande rétrospective de 1933, organisée par l’artiste lui-même à la Kunsthalle Bern. Une démarche rare à l’époque, qui offre aujourd’hui de nouvelles perspectives.

L’exposition montre comment Kirchner a procédé à une sélection, un accrochage et un remaniement ciblés de ses oeuvres, tentant non seulement de (re)configurer sa carrière artistique, mais aussi de concevoir une expérience spécifique de l’espace. Quelque 65 oeuvres issues de toutes les phases de sa création, dont des prêts importants provenant de collections nationales et internationales prestigieuses, nous indiquent comment Kirchner se mettait lui-même en scène, incarnant à la fois le rôle de l’artiste et celui du concepteur de l’exposition.

Ernst Ludwig Kirchner

Sonntag der Bergbauern 

[Mountain Peasants on Sunday], 1923-24/26

Oil on canvas, 170 x 400 cm

Federal Republic of Germany

© Bundesrepublik Deutschland

Ernst Ludwig Kirchner

Alpsonntag. Szene am Brunnen 

[Sunday in the Alps. Scene at the Well], 1923-24/around 1929

Oil on canvas, with original painted frame,168 x 400 cm

Kunstmuseum Bern

© Kunstmuseum Bern

Pour la première fois, les deux oeuvres monumentales Alpsonntag. Szene am Brunnen (Dimanche sur l’alpe. Scène près de la fontaine, 1923-1924 / vers 1929, Kunstmuseum Bern) et Sonntag der Bergbauern (Dimanche des paysans de montagne, 1923-1924 / 1926, salle du cabinet de la Chancellerie fédérale, Berlin) sont à nouveau réunies et constitueront le point d’orgue de l’exposition. Les deux toiles inauguraient la rétrospective Kirchner à la Kunsthalle Bern en 1933, où elles étaient présentées côte à côte. Avec ces images puissantes, Kirchner exprimait sa façon de voir l’interaction entre monumentalité et aménagement de l’espace. Il voulait également prouver qu’il était capable de créer des oeuvres ayant un rayonnement public, des oeuvres qui dépassaient le cadre de l’espace d’exposition pour avoir un impact sur la société. Cela lui tenait particulièrement à coeur, car il avait longtemps envisagé de peindre la salle des fêtes du musée Folkwang à Essen mais, en 1933, ce projet avait définitivement échoué.

Bien que conçues comme des pendants, ces deux peintures monumentales n’ont plus jamais été exposées ensemble depuis 1933. Alpsonntag. Szene am Brunnen a été directement acheté par le Kunstmuseum Bern après l’exposition. Un acte symbolique s’il en est : il s’agissait du premier et unique achat d’un tableau par un musée suisse du vivant de l’artiste. Sonntag der Bergbauern a d’abord été prêté, puis finalement acquis en 1985 par la Collection d’art de la République fédérale d’Allemagne. Le fait que la Chancellerie fédérale allemande ait accepté de prêter ce tableau, accroché bien en vue, de manière permanente, dans la salle du Conseil des ministres, constitue à la fois une exception et un fait marquant.

Ernst Ludwig Kirchner

Alpaufzug [Ascending the Alps], 1918/1919

Oil on canvas, 139 x 199 cm

Kunstmuseum St. Gallen, acquired 1955

© Kunstmuseum St. Gallen, photograph: Stefan Rohner

Ernst Ludwig Kirchner

Berglandschaft von Clavadel 

[Mountain Landscape from Clavadel], 1925-26/27

Oil on canvas, 135 × 200,3 cm

Museum of Fine Arts, Boston, 

Tompkins Collection – Arthur Gordon Tompkins Fund

Photograph © 2025 Museum of Fine Arts, Boston

Parmi les autres points forts de l’exposition figurent des chefs-d’oeuvre tels que Rue, Dresde (1908/1919, Museum of Modern Art de New York), Rue avec cocotte rouge (1914/1925, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de Madrid), Paysage de montagne de Clavadel (1927, Museum of Fine Arts de Boston), Danse des couleurs I [Projet pour Essen] (1932, Museum Folkwang Essen) ou Les mangeurs (1930, Galerie Henze & Ketterer, Wichtrach/Berne).

Ernst Ludwig Kirchner

Strasse mit roter Kokotte 

[Street with Red Cocotte], 1914/25 

Oil on canvas, 125 x 90,5 cm

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid

© Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid

Ernst Ludwig Kirchner

Sich kämmender Akt 

[Nude Woman Combing Her Hair], 1913

Oil on canvas, 125 x 90 cm

Brücke-Museum, Berlin 

© Brücke-Museum, Ernst Ludwig Kirchner, 

CC-BY-SA 4.0

Ernst Ludwig Kirchner : le commissariat d’exposition comme acte artistique

L’exposition Kirchner x Kirchner montre à quel point Ernst Ludwig Kirchner avait conscience de son rôle de commissaire d’exposition : en 1933, en étroite collaboration avec Max Huggler (1903-1994), alors directeur de la Kunsthalle Bern et plus tard directeur du Kunstmuseum Bern, il organise la rétrospective la plus complète de sa carrière. Il ne se contente pas de sélectionner les oeuvres et de concevoir leur disposition, mais réalise également l’affiche et le catalogue de l’exposition ; il rédige même un texte d’accompagnement sous le pseudonyme de Louis de Marsalle. Kirchner structure ainsi sciemment son oeuvre, retravaille certaines toiles et utilise l’espace d’exposition qui fait partie intégrante de son message artistique. Une lettre adressée à Max Huggler le 21 décembre 1932 montre à quel Ernst Ludwig Kirchner considérait l’exposition comme un acte artistique :

« Accrocher une exposition en ajustant les couleurs et les formes, c’est comme créer un tableau. »

L’exposition du Kunstmuseum Bern met pour la première fois l’accent sur cette perspective curatoriale. Elle ne cherche pas à reproduire fidèlement la rétrospective historique de 1933 mais à mettre en lumière sa structure, ses intentions et son impact dans une perspective contemporaine. Pourquoi un artiste écrit-il sa propre histoire et pourquoi Kirchner choisit-il précisément cette forme de représentation en 1933 ? Ce sont les questions centrales qui se posent à nous. Quelles étaient ses intentions ? Et comment cette mise en scène ciblée influence-t-elle, aujourd’hui encore, la perception de son oeuvre ?

« La rétrospective de 1933 était bien plus qu’une exposition, c’était un manifeste artistique. Elle reflétait en les concentrant les efforts de Kirchner pour trouver son propre langage visuel ainsi que son besoin de se repositionner sur le plan artistique. » -- Nadine Franci, conservatrice du département des dessins et arts graphiques au Kunstmuseum Bern et commissaire de l’exposition.

En opposant l’interprétation établie de l’histoire de l’art à la vision que Kirchner avait lui-même de son oeuvre, l’exposition Kirchner x Kirchner propose une nouvelle approche de sa conception artistique et met en même temps en évidence sa volonté créatrice en tant que commissaire.

Contexte historique de la rétrospective de 1933

L’exposition à la Kunsthalle Bern eut lieu de mars à avril 1933, à un moment décisif pour Kirchner tant sur le plan politique que personnel. En Allemagne, après la prise du pouvoir par les nationaux-socialistes, ses oeuvres font de plus en plus souvent l’objet de diffamation et sont retirées des musées. En Suisse, où il vit depuis 1917, il a l’occasion de donner une vue d’ensemble de son art.

Avec plus de 290 oeuvres, la rétrospective de 1933 fut l’exposition la plus complète jamais organisée du vivant de l’artiste. De nombreuses oeuvres provenaient de sa collection personnelle, mais Kirchner insista pour y inclure également des prêts provenant de collections publiques et privées. Il souhaitait ainsi donner l’image d’un artiste établi.

« Je pourrais facilement organiser toute l’exposition à partir de mes propres collections, mais ce serait mieux si certaines oeuvres provenant de collections publiques ou privées n’étaient pas à vendre [...]. » -- Ernst Ludwig Kirchner dans une lettre à Max Huggler, le 20 novembre 1932

 

Aura Hertwig-Brendel
Portrait d’Ernst Ludwig Kirchner, 1913/14
Photographie
Succession Ernst Ludwig Kirchner
© Nachlass Ernst Ludwig Kirchner,
courtesy Galerie Henze & Ketterer, Wichtrach/Bern

 

Kirchner x Kirchner : de l’époque de Die Brücke (1905-1913) aux oeuvres tardives de Davos (1917-1937)

Comme en 1933, Kirchner x Kirchner retrace le parcours de l’artiste, depuis ses débuts expressionnistes au sein du groupe Die Brücke jusqu’aux oeuvres tardives de Davos. Contrairement à l’exposition historique, les différentes phases de sa création sont aujourd’hui représentées de manière plus équilibrée. L’exposition montre également des travaux qui ne figuraient pas à Berne en 1933, soit parce que Kirchner les avait délibérément exclus, soit parce qu’ils n’étaient pas disponibles. Cela permet de comprendre les décisions prises par Kirchner à l’époque et les raisons qui les ont motivées.

La présentation s’organise selon différents thèmes, répartis sur cinq salles. Des oeuvres centrales ont donc été regroupées et mettent aussi en lumière la pensée curatoriale de Kirchner. La première salle est consacrée aux années passées à Dresde et à Berlin, avec des nus, des scènes de rue et l’univers du music-hall. Aujourd’hui encore, ces oeuvres sont considérées comme le sommet de son art. Elles n’étaient que peu représentées dans l’exposition de 1933 : Kirchner y montrait principalement des oeuvres qui lui avaient déjà valu une reconnaissance en Allemagne ou qui mettaient particulièrement en évidence ses innovations stylistiques.

En face, dans la dernière salle, se trouvent les oeuvres tardives, longtemps considérées comme moins importantes. Pour Kirchner cependant, elles marquaient en 1933 l’apogée de son évolution et occupaient donc une place prépondérante dans la rétrospective historique.

L’objectif de Kirchner était de mettre en valeur tout l’éventail de son style et de retracer son évolution à travers ses oeuvres. Il avait délibérément juxtaposé des oeuvres issues de différentes phases créatives et renoncé à un accrochage chronologique. Il avait même en partie retravaillé certaines oeuvres de ses débuts afin de mettre en évidence son évolution. Kirchner x Kirchner reprend cette approche afin que l’on puisse découvrir à la fois la diversité stylistique et les réflexions conceptuelles qui sous-tendent la présentation de l’artiste.

La grande salle principale est consacrée à la rétrospective historique. La démarche curatoriale de Kirchner a été reprise : paires d’oeuvres reconstituées, espaces intentionnellement ouverts sur d’autres salles et accent mis sur certaines couleurs. Parallèlement, le choix des oeuvres permet de retracer l’historique de l’acquisition de Alpsonntag. Szene am Brunnen (Dimanche sur l’alpe. Scène près de la fontaine) par le Kunstmuseum Bern, documentant ainsi une partie de l’histoire de la collection.

Les deux salles attenantes, plus petites, se concentrent sur les aspects formels et structurels. Une sélection d’oeuvres sur papier montre clairement que Kirchner a expérimenté la couleur, la surface, la ligne et le mouvement pendant des décennies et qu’il est resté fidèle à lui-même malgré l’évolution de son langage formel.

La sélection des oeuvres exposées, reliées au contexte historique, et le nouveau regard porté sur l’artiste font de l’ambitieux projet d’exposition Kirchner x Kirchner une expérience unique.

Kirchner x Kirchner

Catalogue édité par Nina Zimmer et Nadine Franci

Avec des contributions de Nadine Franci et Katharina Neuburger 

ainsi qu’une préface de Nina Zimmer

160 pages, env. 80 reproductions, 22 x 28 cm, broché,

Éditions Hirmer, 2025

Édition allemande: ISBN 978-3-7774-4642-4

Édition anglaise: ISBN 978-3-7774-4696-7

Vernissage

L’exposition sera inaugurée le jeudi 11 septembre 2025, à partir de 18:30. Ce soir-là, l’entrée sera libre.

Commissaire d’exposition : Nadine Franci, conservatrice du département des dessins et arts graphiques Kunstmuseum Bern

KUNSTMUSEUM BERN

Hodlerstrasse 8–12, 3011 Berne

www.kunstmuseumbern.ch

Ghosts Exhibition @ Kunstmuseum Basel - Visualizing the Supernatural

Ghosts

Visualizing the Supernatural

Kunstmuseum Basel

September 20, 2025 – March 8, 2026 

Angela Deane 

All Of Us, 2025

Painted-over photograph, 8.89 x 8.89 cm

Image Courtesy of Angela Deane

© Angelina Deane

Tony Oursler

Fantasmino, 2017

Acrylic resin on canvas and 

digital hardware with moving image

46.99 x 21.59 x 17.78 cm

Collection of Tony Oursler

Photo by Andrea Guermani

Image Courtesy of Tony Oursler 

William Blair Bruce

The Phantom Hunter, 1888

Oil on canvas, 151.1 x 192.1 cm

Art Gallery of Hamilton. Bruce Memorial, 1914

Benjamin West

Saul and the Witch of Endor, 1777

Oil on canvas, 50.5 x 65.1 cm

Wadsworth Atheneum Museum of Art, Hartford, CT

Bequest of Clara Hinton Gould

Ghosts seem to be everywhere. Visual culture teems with specters, from Hollywood blockbusters like Ghostbusters (1984) to indie films such as All of Us Strangers (2023). They haunt screens, theater stages, and pages: literature, folklore, and myth are saturated with spirits that refuse to leave us in peace.

They have also always haunted art. As entities of the in-between, ghosts are mediators between worlds, between above and below, life and death, horror and humor, good and evil, visible and invisible. Any attempt to depict, record, or communicate with them thus offers a conceptual challenge and an emotional thrill.

This fall and winter, the Kunstmuseum Basel dedicates an extensive exhibition to these unfathomable entities. With over 160 works and objects created during the past 250 years, Ghosts. Visualizing the Supernatural explores the rich visual culture associated with ghosts that took shape in the Western hemisphere in the nineteenth century—when science, spiritualism, and popular media began to intersect in new ways, inspiring art and artists ever since.

Today, the nineteenth century is mostly regarded as a golden age of rationality, science, and technology but it was also a high season for the belief in ghosts and apparitions. In the second half of the century, ghosts became a tool for probing the emerging contours of the psyche and helped open new paths into people’s inner lives. The Romantic era produced an appetite for spectacles and marvels, and a belief in spirits was flanked by innovations in technology, including in the technologies of illusion (such as the theatrical technique, Pepper’s Ghost).

Edouard Isidore Buguet

Women with the spirit of her husband, ca. 1873-1875

Albumen silver print, ca. 8.2 x 5 cm; 10.5 x 6.3 cm (With border)

Collection of The College of Psychic Studies, London

Photo: The College of Psychic Studies, London

Staveley Bulford

Spirit photograph, 1921

Silver gelatine print mounted on card

15.9 x 12.5 cm; 30.3 x 25.4 cm (With mount)

Collection of The College of Psychic Studies, London

Photo: The College of Psychic Studies, London

The invention of photography around 1830 had led to the rise of spirit photography with important proponents such as William H. Mumler in the United States and, later, William Hope in England; their photographs, which seemed to make loved ones reappear, held the promise of a life after death and became a notable influence on what we imagine ghosts to look like, even today. Munich “ghost baron” Albert von Schrenck-Notzing—arguably the most famous parapsychologist—combined the novel technical means of photography with a quasi-scientific approach and intended to document the supernatural apparitions produced in his mediumistic seances. (His seances were attended and witnessed, on several occasions, by none other than the writer Thomas Mann).

While spirit photography is thus a central theme of the show, the writings and pictures created by spiritualist mediums to record their direct contact with the world of ghosts offer a variation on the broader theme of communication. Given the close connection of ghosts and states of psychological distress, the exhibition also takes a close interest in hauntings, when ghosts inhabit spaces. It follows these trails and developments as they originated in Western culture in the nineteenth century and stays largely focused on artists who drew inspiration from the resulting diverse visual traces and ghostly narratives. In doing so, it gleefully branches out into bodies of images beyond fine art, whose influence on artists in the twentieth century is demonstrated in the second half of the exhibition.

The exhibition and accompanying magazine-style publication were prepared in close consultation with two expert advisors—Andreas Fischer of the Freiburg IGPP (Institute for frontier areas of psychology and mental health), a leading authority on spirit photography and materialization phenomena, and British art historian Susan Owens, author of The Ghost: A Cultural History (2017), who has aptly called ghosts “humanity’s shadows”. The project traces this human element, therefore excluding angels, nature spirits, demons, and the like. Instead, it turns a spotlight on the theme’s poetic potential, its power to inspire, and the function of ghosts as a metaphor sustaining critical responses to the contemporary world, often addressing things that cannot be repressed.

The fact that such manifestations interact continually with our collective imagination—our cultural unconscious, even—is what makes the ghost such a powerful and enduring figure and the exhibition a surprising, fun, and thought-provoking journey. The scenography, intended to help open the senses to atmospheric changes and liminal experiences, was conceived by Alicja Jelen and Clemens Müller of please don’t touch (Dortmund).

Curator: Eva Reifert

KUNSTMUSEUM BASEL | Neubau

www.kunstmuseumbasel.ch

Kosmos Klee. The Collection @ Zentrum Paul Klee, Bern - Permanent Exhibition with some 80 changing works from the collection

Kosmos Klee. The Collection

Zentrum Paul Klee, Bern 

Permanent Exhibition

Paul and Lily Klee with the cat Bimbo, 

Kistlerweg 6, Bern, 1935

Photo: Fee Meisel

Paul Klee

Ohne Titel (Villa am Langensee) 

[Untitled (Villa at the Langensee)], 1896

Watercolour on paper, 9,9 × 15 cm

Private collection, Switzerland, 

deposit at the Zentrum Paul Klee, Bern

Paul Klee

Ohne Titel (Rückenakt) [Nude from Behind], 1902

Pencil on paper on cardboard, 32,5 × 28,5 cm

Private collection, Switzerland, 

deposit at the Zentrum Paul Klee, Bern

The dynamic permanent exhibition devoted to Paul Klee invites visitors to immerse themselves in the life and work of this important modern artist. With some 80 changing works from the collection, Kosmos Klee offers a chronological survey of Klee’s artistic career. Biographical and archival material provide an insight into his life and time. In addition, the ‘focus room’ offers a space for smaller exhibitions devoted to individual aspects of Klee’s work, or contributions to the artist’s global reception.

Paul Klee

In den Häusern v. St. Germain 

[ In the Houses of St. Germain], 1914, 110

Watercolour on paper on cardboard

15,5 × 15,9/16,3 cm

Zentrum Paul Klee, Bern, donation of Livia Klee

Paul Klee

Tunesische Scizze [Tunisian Sketch], 1914, 212

Watercolour and pencil on paper on cardboard

17,9 × 12,2 cm

Zentrum Paul Klee, Bern, donation of Livia Klee

Paul Klee

Ohne Titel (Fabrikanlage) 

[Untitled (Factory Plant)], 1922

Watercolour and pencil on paper on cardboard

10 × 8,9 cm

Zentrum Paul Klee, Bern, donation of Livia Klee

Zentrum Paul Klee: The collection

The Zentrum Paul Klee is the world’s most important centre for research into Paul Klee’s life and work, and has one of the most significant collections of the artist’s drawings, watercolours and paintings. Paul Klee was primarily a draughtsman, which is why 80% of the collection of the Zentrum Paul Klee consists of works on paper, matching the collected works. Because of the fragility of the works as well as the large size and diversity of the collection, only parts of it can be displayed at once. Paul Klee enjoyed experimenting, not only in terms of content and form but also technically, using light-sensitive paints, inks and papers. For that reason the works need periods of rest between periods on display.

Paul Klee

Karneval im Gebirge 

[Carnival in the Mountains], 1924, 114

Watercolour on primed paper on cardboard

24 × 31,3 cm

Zentrum Paul Klee, Bern

Paul Klee

Fische im Kreis [Fishes in a Circle], 1926, 140

Oil and tempera on primed muslin on cardboard

42 × 43 cm

Zentrum Paul Klee, Bern, donation of Livia Klee

Paul Klee

Nordzimmer [North Room], 1932, 17

Watercolour on paper on cardboard

37 × 55 cm

Zentrum Paul Klee, Bern

Kosmos Klee

With Kosmos Klee. The Collection the Zentrum Paul Klee offers visitors the opportunity to immerse themselves in Paul Klee’s life and work, as well as in the unique collection of the institution. Some 80 rotating and chronologically organised works provide an overview of Klee’s artistic development, from the highly detailed early works via tendencies towards abstraction and the discovery of colour, to the reduced pictorial language of the later work. Each decade of Klee’s artistic career is identified by a colour in the exhibition, allowing visitors to find their way intuitively around the space. Brief introductory texts, biographical photographs and films give deeper insights into the different phases of the work and Paul Klee’s engagement with the people around him.

Paul Klee

Doppel gesicht [Double face], 1933, 383

Coloured pastel and pencil on paper on cardboard

33 × 21 cm

Zentrum Paul Klee, Bern, donation of Livia Klee

Paul Klee

Spätes Glühen [Late Glowing], 1934, 29

Pastel on damask on cardboard

26,8 x 32,5/34,3 cm

Zentrum Paul Klee, Bern, donation of Livia Klee

Aside from his works, the Zentrum Paul Klee also preserves the artist’s archive. In the dynamic permanent exhibition, different treasures from the archive are presented, revealing the various aspects of Paul Klee’s life. His love of music is reflected in his record collection and the scores that Paul Klee, a gifted violinist, played from. Klee’s favourite music can be heard as part of a podcast in the exhibition. Parts of the artist’s collection of natural materials, including shells, stones and pages from herbariums, display Klee’s close relationship with nature and natural processes. Other objects include his watercolour box, his schoolbooks, scribbled over with drawings, as well as letters.

Curator: Fabienne Eggelhöfer

And Cover Star Klee, Paul Klee Artworks on Book Covers Exhibition, Through September 14, 2025.

ZENTRUM PAUL KLEE

Monument im Fruchtland 3, 3006 Bern 

zpk.org

Rétrospective Suzanne Duchamp @ Kunsthaus Zürich

Rétrospective Suzanne Duchamp 

Kunsthaus Zürich

Jusqu'au 7 Septembre 2025

Le Kunsthaus Zürich consacre à SUZANNE DUCHAMP la première rétrospective au monde. Ses compositions minimalistes et pourtant graphiquement marquantes, associées à des titres suggestifs comme «Usine de mes pensées», sont entrées dans l’histoire de l’art et néanmoins source d’inspiration jusqu’à nos jours. Malgré son appartenance à l’une des familles d’artistes les plus célèbres, son oeuvre est restée jusqu’à présent largement inconnue du grand public. Cette exposition, qui réunit des prêts exceptionnels provenant d’institutions publiques et de collections privées renommées, rend à Suzanne Duchamp la place de premier plan qu’elle mérite.

Dadaïste, peintre, SUZANNE DUCHAMP (1889, Blainville-Crevon – 1963, Neuilly-sur-Seine) a laissé à la postérité une oeuvre aux multiples facettes dont certains éléments figurent dans des collections réputées, mais qui pour l’essentiel est surtout appréciée d’un public d’initié(e)s. Duchamp entretenait des liens étroits avec les avant-gardes de son époque et a enrichi l’histoire de l’art d’apports très personnels. Soeur de Marcel Duchamp, de Raymond Duchamp-Villon et de Jacques Villon, elle échangeait beaucoup avec eux. En 1919, elle a épousé l’artiste suisse Jean Crotti, dont le Kunsthaus Zürich possède des oeuvres clés, et avec qui Suzanne Duchamp a occasionnellement coopéré. La dernière exposition d’ampleur consacrée aux deux artistes a eu lieu en 1983 au Centre Pompidou, à Paris, en coopération avec la Kunsthalle Bern. Il est donc grand temps de mettre à l’honneur le travail de Suzanne Duchamp et d’en montrer toute la profondeur. Par son langage visuel subtil, esthétique et plein d’humour, elle incarne une combinaison hors du commun dans le mouvement dadaïste. Quelle ville conviendrait mieux que Zurich, cité natale de Dada, pour enfin donner à cette artiste d’exception toute l’attention qu’elle mérite?

SUZANNE DUCHAMP : À LA FOIS ABSTRAITE ET FIGURATIVE

Dans son art, Suzanne Duchamp a exploré des voies variées. À Paris, dans le sillage du cubisme, elle commence par se pencher sur la fragmentation d’intérieurs intimes et de paysages urbains, avant de se tourner vers le mouvement Dada. Ses oeuvres associent peinture et poésie dans une démarche expérimentale qui joue avec différents supports et matériaux.

Même si sa peinture évolue de plus en plus vers l’abstraction dans les années 1910, Suzanne Duchamp reste toujours fidèle à certains repères visuels, renforcés par des titres énigmatiques. En 1922, pour des raisons diffuses, elle rompt inopinément avec Dada pour se tourner vers une peinture figurative aux accents souvent ironiques et naïfs.

Dans les décennies qui suivent, elle crée des oeuvres contenant un large spectre de motifs, qui se caractérisent par des expérimentations sur les pigments et par l’importance structurante du dessin. En 1949, son influente amie Katherine S. Dreier la qualifie de « peintre semi-abstraite » – ce qui est une formulation pertinente pour une oeuvre échappant à toutes les conventions de l’histoire de l’art.

UNE EXPOSITION INTÉGRANT LES TOUTES DERNIÈRES RECHERCHES

Cette rétrospective réunit les oeuvres dadaïstes de Suzanne Duchamp et des travaux datant de ses phases antérieures et postérieures de création. Talia Kwartler, commissaire invitée, a étudié pendant plusieurs années l’oeuvre de Suzanne Duchamp et soutenu une thèse de doctorat sur cette artiste au University College de Londres. En 2024, elle a été chargée de cours à l’université de Zurich sur le thème des femmes dans le mouvement Dada.

La détermination de Talia Kwartler a permis de transformer la présentation prévue en une vaste rétrospective, la première jamais consacrée à cette artiste, élaborée avec Cathérine Hug, commissaire au Kunsthaus et spécialiste du mouvement Dada. L’exposition s’inscrit ainsi dans la longue tradition des présentations de Dada organisées au Kunsthaus Zürich depuis 1966, et peut être considérée comme un événement majeur dans la recherche en histoire de l’art. Réunissant près de 50 tableaux, 20 travaux sur papier ainsi que des documents d’archives rares et des photographies d’époque, cette rétrospective offre une vue d’ensemble de toute l’oeuvre de Suzanne Duchamp. De nombreux travaux n’ont été redécouverts qu’au terme d’intenses recherches. Parmi les prêteurs figurent des institutions comme le MoMA de New York, le Philadelphia Museum, l’Art Institute de Chicago, le Centre Pompidou de Paris, la Bibliothèque nationale de France et la Bibliothèque littéraire Jacques Doucet à Paris, le Musée des Beaux-Arts de Rouen, mais aussi d’importantes collections privées comme la Bluff Collection et la collection de Francis M. Naumann et Marie T. Keller. Cette rétrospective a vu le jour en étroite collaboration avec l’Association Duchamp Villon Crotti.

SUZANNE DUCHAMP : PUBLICATION

À l’occasion de l’exposition, la première monographie consacrée à Suzanne Duchamp vient de paraître, avec de nombreuses reproductions. L’ouvrage comporte une biographie détaillée rédigée par Talia Kwartler, ainsi que des articles d’historiennes de l’art comme Carole Boulbès, Cathérine Hug et Effie Rentzou, auxquels s’ajoutent des perspectives artistiques de Jean-Jacques Lebel (interview) et Amy Sillman (images). La postface est signée Anne Berest, autrice de best-sellers. Cet ouvrage de 192 pages est paru aux éditions Hatje Cantz.

Cette rétrospective est une coopération avec la Kunsthalle Schirn de Francfort (10 octobre 2025 - 11 janvier 2026), où le commissariat est assuré par Ingrid Pfeiffer.

KUNSTHAUS ZURICH  

Heimplatz, 8001 Zurich

www.kunsthaus.ch

Retrospective Suzanne Duchamp 

Kunsthaus Zürich, 6 Juin - 7 Septembre 2025

Vija Celmins @ Fondation Beyeler, Riehen / Bâle

Vija Celmins

Fondation Beyeler, Riehen / Bâle

15 juin – 21 septembre 2025

Vija Celmins

Snowfall #1 (Chute de neige #1), 2022-2024

Huile et alkyde sur lin, 132 x 184 cm 

Glenn and Amanda Fuhrman Collection, New York City, États-Unis 

© Vija Celmins, Courtesy Matthew Marks Gallery, 

Photo: Aaron Wax, Courtesy Matthew Marks Gallery

Vija Celmins

Astrographic Blue (Bleu astrographique), 2019-2024

Huile sur toile, 50 x 33 cm 

Matthew Marks Gallery

© Vija Celmins, Courtesy Matthew Marks Gallery, 

Photo: Aaron Wax, Courtesy Matthew Marks Gallery

Vija Celmins 

Untitled (Web #1) [Sans titre (Toile #1)], 1999

Fusain sur papier, 56,5 x 64,9 cm, Tate, 

ARTIST ROOMS, Londres, Royaume-Uni 

© Vija Celmins, Courtesy Matthew Marks Gallery, 

Photo: Tate

La Fondation Beyeler présente l’une des plus importantes expositions personnelles jamais consacrées à l’artiste américaine VIJA CELMINS (*1938, Riga) en Europe. Connue pour ses peintures et ses dessins envoûtants de galaxies, de surfaces lunaires, de déserts et d’océans, Vija Celmins nous invite à ralentir, à observer de près et à nous immerger dans les surfaces captivantes de ses œuvres. Telles des toiles d’araignée, elles nous happent et nous incitent à contempler les tensions entre surface et espace, proximité et distance, immobilité et mouvement. Organisée en étroite collaboration avec l’artiste, l’exposition réunit environ 90 œuvres, principalement des peintures et des dessins, de même qu’un petit nombre de sculptures et d’œuvres graphiques.

Née à Riga (Lettonie) en 1938, Vija Celmins fuit son pays natal en 1944 avant d’émigrer avec sa famille aux États-Unis en 1948. Elle grandit à Indianapolis puis part suivre des études d’art à Los Angeles, avant de s’installer au Nouveau-Mexique, à New York et enfin à Long Island, où elle vit et travaille aujourd’hui. Son travail, tenu en très haute estime, est prisé tant par les musées que par les collections privées de tout premier plan. Cependant, les occasions de face-à-face approfondi avec ses œuvres sont extrêmement rares, dû entre autres au fait qu’au fil de sa carrière l’artiste n’a réalisé qu’environ 220 peintures, dessins et sculptures. Vija Celmins a toujours travaillé à son propre rythme, refusant de se plier aux courants dominants du monde de l’art et maintenant une attention résolue à sa pratique minutieuse.

L’exposition propose un aperçu très complet d’une carrière remarquable qui s’étend sur six décennies, présentant des ensembles soigneusement sélectionnés de peintures, de dessins, d’œuvres graphiques et de sculptures. S’ouvrant sur une sélection d’importantes peintures d’objets du quotidien datant des années 1960, l’exposition culmine avec une salle de magistrales peintures récentes de neige tombant d’un ciel nocturne, qui évoquent tout le mystère du cosmos.

Vija Celmins 

Lamp #1 (Lampe #1), 1964

Huile sur toile, 62,2 x 88,9 cm

Vija Celmins, Courtesy Matthew Marks Gallery

© Vija Celmins, Courtesy Matthew Marks Gallery

Photo: Aaron Wax 

Vija Celmins

Clouds (Nuages), 1968

Graphite sur papier, 34,9 x 47 cm

Collection Ayea + Mikey Sohn, Los Angeles

© Vija Celmins, Courtesy Matthew Marks Gallery

Photo: McKee Gallery, New York

L’exposition débute avec les peintures réalisées par Vija Celmins de 1964 à 1968, lorsqu’elle vivait dans un atelier sur Venice Beach à Los Angeles. À la différence de nombreux·ses artistes travaillant dans la ville dans les années 1960, Vija Celmins n’était pas attirée par la lumière et les couleurs éclatantes de Californie. Son univers personnel était principalement d’ordre intérieur. En 1964, elle réalise un ensemble de tableaux représentant chacun un objet ou un appareil du quotidien, parmi eux une assiette, un radiateur, une plaque chauffante et une lampe. Inspirée par les œuvres de Giorgio Morandi et Diego Velázquez vues lors d’un voyage en Italie et en Espagne en 1962, et prenant ses distances avec les couleurs vives du pop art, elle utilise une palette sourde de bruns et de gris, agrémentée d’occasionnels éclairs de rouge électrique.

Pendant les deux années suivantes, de 1965 à 1967, Vija Celmins réalise plusieurs peintures basées sur des images de la Seconde Guerre mondiale et d’autres conflits trouvées dans des livres et des magazines ; des bombardiers suspendus dans un ciel gris ou écrasés au sol, un homme en feu s’enfuyant d’une voiture embrasée, les émeutes raciales de Los Angeles en couverture du magazine Time. Silencieux et statiques, ces tableaux inquiétants évoquent à la fois la mémoire de la guerre et une réalité plus récente, dans laquelle l’omniprésence des images produit un effet de distanciation.

Vija Celmins 

Untitled (Big Sea #2) [Sans titre (Grand océan #2)], 1969

Graphite sur fond acrylique sur papier, 85,1 x 111,8 cm

Collection privée

© Vija Celmins, Courtesy Matthew Marks Gallery

Vija Celmins 

Untitled (Coma Berenices #4) 

[Sans titre (Coma Berenices #4))], 1973

Graphite sur fond acrylique sur papier, 31,1 x 38,7 cm 

UBS Art Collection 

© Vija Celmins, Courtesy Matthew Marks Gallery

Vija Celmins

Untitled (Regular Desert) 

[Sans titre (Désert régulier)], 1973

Graphite sur fond acrylique sur papier, 30,5 x 38,1 cm 

Collection privée 

© Vija Celmins, Courtesy Matthew Marks Gallery, 

Photo: Kent Pell

Vija Celmins 

Desert Surface #1 ( Surface du désert #1), 1991

Huile sur bois, 45,7 x 54,9 cm 

Mary Patricia Anderson Pence 

© Vija Celmins, Courtesy Matthew Marks Gallery

De 1968 à 1992, Vija Celmins se consacre presque exclusivement au dessin. Elle continue de travailler à partir de photographies, trouvées dans des livres et des magazines ou prises par elle-même. Ses sujets sont les nuages ainsi que la surface de la lune, du désert et de l’océan. Elle commence avec un ensemble de dessins de paysages lunaires basés sur des images prises à la fin des années 1960 par les sondes lunaires américaines, qui rapportent dans les foyers de nombreux·ses habitant·e·s de la planète des gros plans d’un lieu jusqu’alors inaccessible. En 1973 s’ensuivent de premiers dessins de galaxies basés sur des images des télescopes de la NASA. Ces photographies incitent Vija Celmins à créer des images qui transforment en expérience visuelle la tension entre la profondeur de ces espaces et la surface de l’image – un élan qui anime encore et toujours son travail.

Pendant ses années de résidence à Los Angeles, Vija Celmins arpente les déserts de Californie, du Nevada et du Nouveau-Mexique, où elle réside également plusieurs mois. Fascinée par ces paysages démesurés, elle commence à représenter par le dessin le silence et la sensation de temps suspendu qui les caractérisent. Vers la fin des années 1970, Vija Celmins crée une sculpture qui donne une forme nouvelle à sa confrontation avec la réalité. To Fix the Image in Memory I-XI, 1977–1982, comprend onze pierres différentes ramassées dans le désert du Nouveau-Mexique, présentées côte à côte avec leurs doubles ; onze copies de bronze, peintes de telle manière que l’original et sa réplique puissent à peine être distingués à l’œil nu.

Les images de Vija Celmins sont basées sur des photographies ou, dans le cas de ses rares sculptures, sur des objets servant de modèles. Celmins use de ces matrices comme d’un outil, qui lui permet de ne pas avoir à se soucier de questions de composition et de cadrage. Cependant, elle ne réalise pas de copie d’un original ; il ne s’agit pas de photoréalisme. On pourrait plutôt dire que Vija Celmins recrée ou reconstitue l’original. Ses images sont construites d’innombrables couches de graphite ou de fusain sur papier et de peinture à l’huile sur toile. C’est comme si Vija Celmins cherchait à saisir et à tracer l’inconcevable immensité à la main. Ceci apparaît tout particulièrement dans ses nombreuses peintures de ciels nocturnes étoilés, un motif qui fascine Vija Celmins depuis ses débuts.

En 1992, Vija Celmins tombe sur des illustrations de toiles d’araignée dans un livre. Attirée par leurs fils fragiles et leurs formes concentriques, elle réalise un ensemble de peintures et de dessins au fusain. Cette exploration se poursuit avec des peintures d’objets aux surfaces texturées ; la couverture d’un livre japonais, l’émail craquelé d’un vase coréen, la surface éraflée d’ardoises dénichées dans des brocantes à Long Island, la forme grêlée d’un coquillage travaillé par l’érosion – chacune de ces peintures proposant une méditation exquise sur le passage du temps.

Dans la dernière salle de l’exposition, cette méditation se poursuit avec les tableaux les plus récents de Veja Celmins, qui sont parmi les plus vastes qu’elle ait jamais réalisés. Basés sur des photographies de flocons de neige illuminés dans un ciel nocturne, ils véhiculent un sens profond de silence et de révérence émerveillée.

Pour accompagner l’exposition, la Fondation Beyeler présente « Vija », un court-métrage des cinéastes de renom Bêka & Lemoine. En 30 minutes, le film dessine un portrait tout en spontanéité de l’artiste, qui partage ses réflexions sur la pratique de toute une vie, ouvrant les portes de son atelier et les tiroirs de ses archives. Le portrait entraîne les spectatrices et les spectateurs dans un voyage au fil des formes, des images et des pensées qui nourrissent la sensibilité incomparable de Vija Celmins.

L’exposition « Vija Celmins » est placée sous le commissariat de Theodora Vischer, Chief Curator de la Fondation Beyeler, et de l’écrivain et commissaire d’exposition James Lingwood.

Un catalogue richement illustré, réalisé sous la direction de Theodora Vischer et James Lingwood pour la Fondation Beyeler et conçu par Teo Schifferli, est publié au Hatje Cantz Verlag, Berlin. Sur 208 pages, il réunit « Notes » de Vija Celmins et de brèves contributions de Julian Bell, Jimena Canales, Teju Cole, Rachel Cusk, Marlene Dumas, Katie Farris, Robert Gober, Ilya Kaminsky, Glenn Ligon et Andrew Winer, avec une introduction de James Lingwood.

FONDATION BEYELER

Baselstrasse 101, 4125 Riehen

www.fondationbeyeler.ch

Lévy Gorvy Dayan at Art Basel 2025

Lévy Gorvy Dayan at Art Basel 2025

Messe Basel, Booth E12

June 17 – 22, 2025

YOKO ONO

Pointedness (detail), 1964/66 

Acrylic sphere on engraved acrylic pedestal, 

sphere diameter: 2⅝ inches (6.6 cm), 

pedestal: 56⁵⁄₁₆ × 10½ × 10 inches 

(143 × 26.6 × 25.4 cm) 

Edition 1 of 3, with 2 AP

Image courtesy of Lévy Gorvy Dayan

YOKO ONO

Water Piece (Painting to Be Watered) (detail), 1962/66 

Sponge, eyedropper, and water in glass vial 

on engraved acrylic pedestal, element dimensions variable, 

pedestal: 23½ × 23½ × 23½ inches (59.7 × 59.7 × 59.7 cm)

Edition 1 of 3, with 2 AP

Image courtesy of Lévy Gorvy Dayan

YOKO ONO

Forget It (detail), 1966 

Stainless steel needle on engraved acrylic pedestal, 

needle height: 3⅛ inches (8 cm), 

pedestal: 49¹³⁄₁₆ × 12 × 12 inches 

(126.5 × 30.5 × 30.5 cm)

Edition 1 of 3, with 2 AP

Image courtesy of Lévy Gorvy Dayan

Lévy Gorvy Dayan (Booth E12) presents three significant early works by Yoko Ono in its salon installation of singular modern and contemporary painting and sculpture at Art Basel.

Yoko Ono’s Pointedness (1964/66), Forget It (1966), and Water Piece (Painting to Be Watered) (1962/66) each debuted in her critically important solo presentation Yoko at Indica: Unfinished Paintings and Objects, Indica Gallery, London, 1966—the exhibition that also occasioned the artist first meeting John Lennon. Vehicles for ideas, Yoko Ono referred to these sculptures as “conceptual objects.” Incorporating readymades and encouraging physical and mental participation by the viewer, the works demonstrated an evolution of her Instruction Paintings of 1960 and 1961 and later Instructions for Paintings, which began in 1962 and represented the instruction itself as the artwork—divorcing concept from canvas, a development that anticipated conceptual art. Ono further advanced her project in 1964 when she published the influential book of her instructions Grapefruit.

Ono composed her “conceptual objects” utilizing translucent acrylic Plexiglas for pedestals that were engraved with her instruction texts—and presented modified readymade objects that recalled, in part, the work of Duchamp. Featured in the consequential white and transparent installation at Indica Gallery, the present sculptures invite consideration of the nature of absence and presence, visibility and invisibility, language and action. Tracing the evolution of Ono’s practice and object-making, Water Piece (Painting to Be Watered), for example, relates to her earlier Waterdrop Painting (1961) that asked the audience to drip water onto a piece of canvas on the floor. It also connects to her instruction published in Grapefruit: “Painting to be watered / Water every day. / 1962 summer.” The instruction “water every day” is here inscribed on the acrylic pedestal and the viewer is invited to wet the sponge with the eyedropper—an action that is infinitely repeatable as the water will evaporate. The participatory and imaginative sculptures illustrate how Ono’s practices in music, poetry, painting, and performance informed these culminating works.

PIERRE SOULAGES

Peinture 162 × 130 cm, 6 octobre 1963

Oil on canvas, 

Work: 63¾ × 51³⁄₁₆ inches (162 × 130 cm)

Framed: 69¾ × 56¹⁵⁄₁₆ inches (177.1 × 144.7 cm)

Image courtesy of Lévy Gorvy Dayan

GUNTHER UECKER

Doppel Spirale, 2019

Paint and nails on canvas on board

78¹³⁄₁₆ × 63¹⁄₁₆ inches (200.2 × 160.2 cm)

Image courtesy of Lévy Gorvy Dayan

THOMAS HOUSCAGO

Crystal No. 1, 2025

Bronze 

37¹³⁄₁₆ × 18⅛ × 25³⁄₁₆ inches (96 × 46 × 64 cm) 

Edition of 3, with 2 AP

Image courtesy of Lévy Gorvy Dayan

The booth will also feature a notable canvas in black, blue, and white oil by Pierre Soulages—Peinture 162 x 130 cm, 6 octobre 1963—that was first exhibited at the eminent Kootz Gallery, New York, in the artist’s 1964 solo presentation. Günther Uecker’s large-scale nail painting Doppel Spirale (2019) portrays two circular clusters of nails rhythmically undulating across the surface of the composition. A new sculptural work by Thomas Houseago, Crystal No. 1 (2025) will present an abstract female form in bronze from the artist’s series of metal plate constructions, which he initiated in 2018. The booth will additionally showcase a selection of Michelangelo Pistoletto’s recent Color and Light (2024) works in a vibrant array of hues, which reflect his lifelong use and exploration of the mirror in his oeuvre.

LÉVY GORVY DAYAN

www.levygorvydayan.com

Africa Basel 2025 - African Contemporary Art Fair Highlights - Artists - Artworks - Galleries

Africa Basel 2025

African Contemporary Art Fair

Ackermannshof, Basel

June 18 - 22, 2025

Africa Basel makes its debut during Art Basel week in Basel, Switzerland, as a dedicated international art fair celebrating contemporary African art and its diaspora.

The Africa Basel Contemporary African Art Fair serves as an essential bridge, connecting artists to collectors, curators, and audiences. This dedicated fair provides a space where African art can be appreciated on its own terms, away from the reductive frameworks of "trends" or "bubbles." By creating a platform that champions quality, innovation, and context, Africa Basel will empower galleries to showcase the breadth of African artistic expression, ensuring long-term stability and recognition for the artists it represents.

Africa Basel is more than a marketplace; it is a meeting point for artists, galleries, collectors, and institutions alike who are shaping the future of contemporary African art. With a strong curatorial focus, the fair showcases a dynamic roster of exhibitors from across the continent and beyond, highlighting bold voices, fresh perspectives, and cross-cultural dialogues. As the first fair of its kind in Basel, Africa Basel offers a vital new stage for African artistic excellence within the global art calendar.

Africa Basel 2025

African Contemporary Art Fair

Galleries, Artists, Artworks Highlights

AKKA Project 

www.akkaproject.com

Founded in 2016, AKKA Project showcases contemporary African art across gallery spaces in Dubai, Venice, and Lugano. Dedicated to promoting African artists, the gallery hosts exhibitions, artist residencies, and cultural programmes. Its intimate spaces encourage diverse artistic practices and foster meaningful dialogue between artists and audiences.

Option Dzikamai Nyahunzvi

Ancestral Realm II, 2024

Courtesy of AKKA Project

Alexandre Kyungu Mwilambwe

Entassement II, 2024

Courtesy of AKKA Project

Osaru Obaseki

Full Bloom, 2023

Courtesy of AKKA Project

Africa First 

www.africafirst.art

Established by Serge Tiroche in 2017, Africa First supports emerging contemporary artists from Africa and its diaspora. Through private collections, residencies, exhibitions, and strategic partnerships, Africa First actively promotes artists and facilitates their international exposure, contributing to the development of their artistic careers.

Circle Art Gallery 

www.circleartgallery.com

Based in Nairobi, Circle Art Gallery has built a vibrant platform for Eastern African artists since 2015. Through exhibitions, international art fair participation, and annual auctions, the gallery enhances artist visibility and market sustainability. Its recent expansion into a larger space allows for more ambitious programming.

Souad Abdelrassoul

From the Womb of the Forest, 2024

Courtesy of Circle Art Gallery

Shabu Mwangi

Loathing in Silence, 2024

Courtesy of Circle Art Gallery

Dickens Otieno

Narok Wheat Fields, 2023

Courtesy of Circle Art Gallery

Tiemar Tegene

Portrait of Regret, 2024

Courtesy of Circle Art Gallery

Agnes Waruguru

The Sunlight Zone, 2024

Courtesy of Circle Art Gallery

Agnes Waruguru

Water Memories IV, 2022

Courtesy of Circle Art Gallery

First Floor Gallery Harare 

www.firstfloorgalleryharare.com 

Founded in 2009, First Floor Gallery Harare is Zimbabwe’s leading contemporary art gallery, dedicated to nurturing emerging artists and strengthening local art infrastructures. Through focused exhibitions and international collaboration, the gallery champions Zimbabwean contemporary art on the global stage.

Galerie Dix9 - Hélène Lacharmoise 

www.galeriedix9.com 

Founded in 2007 in Paris by Hélène Lacharmoise, Galerie Dix9 supports international contemporary artists working across various media, including performance and video art. Its exhibitions explore themes of identity, history, and cultural memory, fostering creative dialogue through partnerships with institutions and curators worldwide.

Kwama Frigaux

Untitled 3.6, 2023 

Blisters, peinture pour verre, agrafes

190 x 90cm 

Courtesy of Galerie Dix9

Kwama Frigaux

Untitled 5.6, 2023

Blisters, peinture pour verre, agrafes

190x86cm

Courtesy of Galerie Dix9

Gallery Brulhart

www.gallerybrulhart.com 

Gallery Brulhart focuses exclusively on contemporary art by African and Afro-descendant women artists. Established in 2021, it takes a feminist perspective in curating exhibitions that address identity, politics, and environmental issues, positioning art as a powerful tool for social discourse and transformation.

Taiye Idahor

Westbound (Wade in the water series), 2024

Courtesy of Gallery Brulhart

Gallery Soview 

www.gallerysoview.com 

Founded in 2019 and based in Accra, Gallery Soview showcases experimental and innovative contemporary African art. Its exhibitions connect Francophone and Anglophone cultures, promoting diverse perspectives and challenging traditional artistic boundaries to engage a new generation of collectors.

Dela Quarshie

Offering, 2023

Courtesy of Gallery Soview

Dela Quarshie

Red Morning, 2023

Courtesy of Gallery Soview

Dela Quarshie

Repression, 2023

Courtesy of Gallery Soview

Enoch Nii Amon Hammond

Solitude, 2024

Courtesy of Gallery Soview

Enoch Nii Amon Hammond

Waiting Bench, 2024

Courtesy of Gallery Soview

Enoch Nii Amon Hammond

Amon, 2024

Courtesy of Gallery Soview

La Galerie 38 

www.lagalerie38.com 

Founded in 2010 in Casablanca and now expanded to Marrakech and Geneva, La Galerie 38 promotes contemporary artists from Morocco and abroad. It serves as a cultural bridge, supporting established and emerging artists through curated exhibitions, international art fairs, and community engagement. 

Kendell Geers

Les Fleurs du Mal 1416, 2024

Courtesy of La Galerie 38

Kendell Geers

Twilight of The Idols 9399, 2012

Courtesy of La Galerie 38

Yacout Hamdouch

SansTitre, 2022

Courtesy of La Galerie 38

Barthélémy Toguo

Rêverie Marine VI, 2024

Photo © Fouad Maazouz

Courtesy of La Galerie 38

Barthélémy Toguo

Visites Marocaines 1, 2024

Photo © La Galerie 38 (2 sur 8)

Courtesy of La Galerie 38

Galerie Le Sud 

www.galerielesud.com 

Based in Zurich since 2006, Galerie Le Sud offers a signifi cant platform for contemporary African art in Europe. Supporting both emerging and established artists, the gallery fosters cross-cultural dialogue and contributes actively to the visibility of African creativity internationally.

Hako Hankson

Le poids des responsabilités, 2019

Courtesy of Galerie Le Sud

Joël Mpah Dooh 

Dear Mirror, 2016

Courtesy of Galerie Le Sud

Hamed Ouattara 

Bestiaire, 2009

Courtesy of Galerie Le Sud

LIS10 Gallery 

www.lis10gallery.com 

Founded in 2019 with locations in Milan, Arezzo, Paris, and soon Hong Kong, LIS10 Gallery promotes contemporary African artists through a robust programme of solo and group exhibitions. Its collaborations include notable international projects and participation in major art fairs, enhancing the global presence of its artists.

Aboudia

La famille noutchi réconciliée, 2022

Courtesy of LIS10 Gallery

Laetitia Ky

La grâce du desert, 2024

C-print, mounting on Diasec plexiglass satin, 

Edition of 5 + 2 AP

Courtesy of LIS10 Gallery

 

MCC Gallery 

www.mccgallery.art 

Founded in 2019 by Fatima-Zahra Bennani Bennis in Marrakech, MCC Gallery redefines Morocco’s contemporary art landscape. Initially dedicated to contemporary photography, it now embraces diverse artistic forms, connecting Moroccan artists with broader African and diaspora narratives.

Amine Asselman 

Crystalline II, 2025

Courtesy of MCC Gallery

Amine El Gotaibi 

Faille de laine, 2023

Courtesy of MCC Gallery

Mehdi-Georges Lahlou

La conférence des palmiers, 2022

Courtesy of MCC Gallery

Nubuke Foundation 

www.nubukefoundation.org 

Established in 2006, Nubuke Foundation is a central cultural hub in Ghana, dedicated to promoting visual arts and heritage through exhibitions, residencies, and community-focused programmes. With venues in Accra and Wa, it actively supports artists and engages diverse audiences.

Kwaku Dapaah Opoku

Nipadua (Polyptych), 2024

Courtesy of  Nubuke Foundation

Kwaku Dapaah Opoku

Nipadal, 2024

Courtesy of  Nubuke Foundation

Kwaku Dapaah Opoku

Nipa Dua, 2024

Courtesy of  Nubuke Foundation

October Gallery 

www.octobergallery.co.uk 

Founded in 1979, October Gallery presents outstanding contemporary art by internationally renowned artists such as El Anatsui, Rachid Koraïchi and Romuald Hazoumè. Serving as a cultural hub in London, the gallery regularly hosts lectures, performances and seminars.

October Gallery, London, participates in the debut edition of Africa Basel, 2025, with a presentation of striking works by international artists James Barnor, Eddy Kamuanga Ilunga, Alexis Peskine, Zana Masombuka, LR Vandy, Owusu-Ankomah and Xanthe Somers. The presentation comprises painting, sculpture, photography and vibrant ceramic works.

James Barnor

AGIP Calendar Model, 1974 

Digital silver gelatin fibre based print,

70 x 70 cm.

Edition of 10 plus 1 artist's proof 

© James Barnor

Courtesy the Artist and October Gallery, London 

Highlights include selected photographic works by renowned photographer James Barnor (HonsFRPS), whose masterful career has spanned more than six decades. Barnor’s wide-ranging portraits such as AGIP Calendar Model, 1974, depict the self-assurance and individualistic fashion trends that thrived both in London and Accra over time. His photographs of a newly-Independent Ghana and London are now recognised as an unparalleled, historic documentation.

James Barnor Born in 1929, Accra, Ghana

Barnor set up his first studio in Accra in 1953 and worked as the first photojournalist for the Daily Graphic before his career flourished with South Africa’s Drum magazine, the influential anti-apartheid lifestyle and politics journal. He moved to the UK, in 1959, to study photography at Medway College of Art, while continuing to work by photographing models of all nationalities for its covers. He returned to Ghana in 1969, as a representative for Agfa-Gevaert, to pioneer colour photographic processing, before returning to London in the 1980s. His work has been exhibited internationally; between 2010 and 2016 his monumental touring exhibition Ever Young with Autograph ABP, featuring new prints made from original, digitally preserved negatives, as well as vintage photographs from the late 1940s to early 1970s, toured the UK and USA. October Gallery first showed his work together with the Italian photographer Daniele Tamagni, in 2016. A major touring retrospective of his work opened at The Serpentine Gallery, London, in 2021 which travelled to MASI Lugano, Switzerland, and was shown at the Detroit Institute of Art, MI, USA in 2023. In 2022, the LUMA Foundation, Arles, France, presented James Barnor: Stories, Pictures from the Archive (1947-1987), curated by Matthieu Humery, Barnor’s first retrospective in France as part of Les Rencontres d’Arles’ annual Summer Photography Festival. In October 2023, James Barnor, Studio of Life opened at FOMU Antwerp, in Belgium.

 

Zana Masombuka

Nges’rhodlweni: eBandla 1, 2023

Giclée print on Hahnemühle FineArt Baryta 

325 gsm paper

84 x 56 cm / 97 x 69 cm (framed)

Edition of 8 plus 1 artist's proof 

© Zana Masombuka.

Courtesy the Artist and October Gallery, London

Photo: John Baloy and Bontle Juku

On show are signature photographic works by Zana Masombuka. In the series Nges’rhodlweni: A Portal for Black Joy, Zana Masombuka imagines what happens in the spirit world when ceremonies and rituals take place, creating a body of images which are rich with layers of meaning and symbolism. Nges’rhodlweni refers to a space within the Ndebele household where people of all ages gather to share in the communion of art, and to create an expression for the entire community. The overarching themes in Zana Masombuka’s captivating works explore how modernity impacts tradition and culture.

Zana Masombuka Born in 1995, Siyabuswa, South Africa

Masombuka’s work has been exhibited widely across Europe and South Africa, and her photographic series have made a distinct impact at 1-54 Contemporary African Art Fair in London and New York. Zana Masombuka has recently collaborated with INFINIMENT COTY Paris, a high-end collection of 14 fragrances which was launched globally earlier this year by Coty Inc. Masombuka is currently working towards a solo presentation at the African Diaspora Art Museum of Atlanta (ADAMA), which is due to take place in Spring 2026. She has been a guest speaker on a variety of talk series, including Taste Makers Africa (Accra, 2020), Almanac Projects (London, UK, 2020), Sandberg Institute (Amsterdam, Netherlands, 2020), Bocconi University (Milan, Italy, 2022) and C-Change Festival (Mantova, Italy, 2022).

Alexis Peskine

Ebandeli, 2023

Purple Japanese oxidized silver leaf, nails,

black pigment and red hibiscus on wood,

120 x 120 cm.

© Alexis Peskine.

Courtesy the Artist and October Gallery, London.

Photo © Jonathan Greet

Large-scale mixed media ‘portraits’ are presented by Alexis Peskine. These dynamic pieces are rendered by hammering nails of different gauge, embellished with gold, Japanese oxidised silver or palladium leaf, with pin-point accuracy, into wood to create remarkable composite images. The individual figures he portrays represent the diversity of the African diaspora. By layering colours and materials, such as hibiscus, Alexis Peskine creates a complex visual narrative charged with the echoes of centuries of exploitation.

Alexis Peskine Born in 1979, Paris, France, of Afro-Brazilian/Russian descent

Alexis Peskine has been the recipient of many prestigious prizes including a Fulbright scholarship and Hennessy Black Masters Art Competition award. In the past decade, Peskine has worked with inner-city youth in France, Senegal and Brazil to create a number of monumental pieces. In 2013, Peskine started the Alexis Peskine Foundation, which aims to introduce young people from underprivileged backgrounds to the visual arts. His works were featured in the exhibition In Their Own Form at the Museum of Contemporary Photography, Chicago and Africa House’s Second Generation exhibition in New York, USA in 2018. The artist presented his work in Tiny Traces at the Foundling Museum, London, UK in 2022 – 2023. Peskine’s film, The Raft of Medusa, was exhibited in A Gateway To Possible Worlds, which brought together over 200 works at Centre Pompidou-Metz, Metz, France in 2022 – 2023. His work was included in the landmark exhibition Black Atlantic: Power, People, Resistance at the Fitzwilliam Museum, Cambridge, UK in 2023 – 2024. Major museums and collectors including Peggy Cooper Cafritz; Laurence Graff OBE; the New Britain Museum of American Art, New Britain, USA; The Harvard Art Fogg Museum, Cambridge, USA; Pizzuti Collection of the Columbus Museum of Art, Columbus, USA; and Museum of Contemporary Photography (MoCP), Chicago, USA, have collected works by Alexis Peskine.

Recent paintings by Eddy Kamuanga Ilunga reflect the artist’s investigation into the seismic shifts in the economic, political and social identity of the Democratic Republic of Congo, that have taken place since colonialism. A vivid painting, Ces êtres à part (Those Other People), 2024, portrays the cost in human life that our demands for modern technology impose upon the unseen victims caught up in the consequences of industrial scale mining for coltan in the DRC.

Eddy Kamuanga Ilunga Born in 1991, Kinshasa, Democratic Republic of Congo. 

October Gallery, London, held Kamuanga Ilunga’s first solo exhibition in 2016, quickly followed by a second successful solo exhibition in 2018. In 2017, Kamuanga’s work was included in the exhibition African-Print Fashion Now! at the Fowler Museum, UCLA, Los Angeles, CA touring to Memphis Brooks Museum of Art, Memphis, TN, and Mint Museum, Charlotte, NC, USA. In 2021, his work was chosen as the lead promotional image for the Summer Exhibition, Royal Academy of Arts, London, UK, before a third successful solo exhibition, Ghost of the Present at October Gallery, London. In 2022, his work was exhibited in Fortitude: Resistance and Resilience in African Arts – Reimagining the People’s Collection, North Carolina Museum of Art, Raleigh, NC, USA. A much acclaimed first monograph, Eddy Kamuanga Ilunga was published, in October, 2022, by Rizzoli International Publishing. Eddy Kamuanga’s work has been exhibited internationally at institutions including the Saatchi Gallery, London, UK; Kunsthaus Graz, Graz, Austria; Frist Art Museum, Nashville, TN, USA; Birmingham Museum & Art Gallery, Birmingham, UK; the Royal Academy of Arts, London, UK and the Louvre Abu Dhabi, UAE. His work is in important private and public collections including: Private Collection Laurence Graff OBE; Zeitz Collection of Zeitz MOCAA, Cape Town, South Africa; the Hood Museum of Art, Hanover, USA; Pizzuti Collection of the Columbus Museum of Art, Columbus, USA; the Norval Foundation, Cape Town and Scheryn Art Collection, Cape Town, South Africa.

Eddy Kamuanga Ilunga

Ces êtres à part (Those Other People), 2024.

Oil and acrylic on canvas, 180 x 207 cm.

© Eddy Kamuanga Ilunga

Courtesy the Artist and October Gallery, London 

Photo © Jonathan Greet

LR Vandy is represented by sculptural work. Her practice is based on the transformation of found objects, metal components and rope into a variety of artworks, from vibrant ‘masks’ made from model boat hulls to energetic sculptures that investigate the knotted histories of trade, power and gender. Bright, 2019, a ‘mask’ will be displayed from her signature Hull series. Vandy has an aptitude for elegantly revealing hidden histories; her works continually reference the multi-layered history and heritage of the African diaspora.

LR Vandy Born in 1958, Coventry, UK

In 2019, Vandy had her first solo exhibition, Hidden at October Gallery. In the same year, a large Jesmonite sculpture from the series Superhero Cog-Woman, acting as a tribute to women throughout time, was selected to be shown at Frieze Sculpture, Regents Park, London, UK. In 2023 for the third iteration of the International Slavery Museum’s MLK Pop Up series, Vandy was commissioned by National Museums Liverpool to create Dancing in Time: The Ties That Bind Us, a 5-meter-high sculpture on the Canning Dock in Liverpool. Inspired by her studio relocation next to the Ropery at Chatham Historic Dock Yard, Vandy has explored the properties of rope, as well as its symbolic and historical importance. Rope was her chosen material for her sculptures in the solo exhibition, Twist, presented at October Gallery in 2024. Vandy’s large-scale works are currently exhibited in the COLAB exhibition, Mary, Mary, at The Artist’s Garden, Temple Place, London until 3rd September, 2025.

LR Vandy

Bright, 2019 

Wood, plastic, metal, 36 x 10.5 x 11.5 cm.

© LR Vandy

Courtesy the Artist and October Gallery, London 

Photo © Jonathan Greet

Owusu-Ankomah’s distinctive paintings depict an alternate world wherein monumental human figures float and shift within an ocean of emblems that surround, support, and in fact, define them. Microcron - Kusum No.5, 2011, is a hypnotic lexicon of adinkra symbols, each representing a particular concept used by the Akan-speaking peoples of Ghana. In the same Akan language ‘kusum’ refers to sacred sites involved in the secret performances of mystery rites. The process by which these figures coexist and interact with various iconic and symbolic sets has developed through distinct phases over time, reflecting Owusu-Ankomah’s own journey of discovery.

Owusu-Ankomah Born in 1956, Sekondi, Ghana. Died in 2025, Sekondi, Ghana

Owusu-Ankomah’s, paintings were exhibited internationally in many European countries, including Germany and the UK, as well as in the USA, Cuba, Brazil, Senegal, South Africa and Japan. A selection of seminal exhibitions in which his work was shown include: from Absolute Ghana, Accra Contemporary Art (ACA), Accra, Ghana; and An Inside Story: African Art of our Time, which toured Japan in 1995/96; to the notable Africa Remix exhibition that toured Europe and beyond (2004-07) and helped to define the dramatic resurgence of African art at the dawn of the 21st century. He also collaborated with designer Giorgio Armani to develop a line of clothing for the Red Campaign, which raised awareness and money for the Global Fund to fight AIDS in Africa.

Owusu-Ankomah

Microcron - Kusum No.5, 2011.

Acrylic on canvas, 150 x 200 cm 

© Estate of Owusu-Ankomah

Courtesy Estate of Owusu-Ankomah

and October Gallery, London 

Photo © Joachim Fliegner

Other highlights include a ceramic artwork by Xanthe Somers whose practice is informed by post-colonial contexts, with reference to Zimbabwe, her country of birth. Somers’ intricate artworks are hand-coiled in traditional fashion before being disturbed by having their surfaces punctured, woven or enhanced with meticulously painted details. By knowingly combining excessive ornamentation with veiled political commentary, Xanthe Somers draws attention to women's work, exploitation of cheap labour and the impact of eco-racist practices throughout the Global South.

Xanthe Somers Born in 1992, Harare, Zimbabawe

Currently based in London, Xanthe Somers is a Zimbabwean ceramicist whose work is a critical reading of extraction economies and notions of domesticity within post-colonial contexts, with a particular lens focused on the country of her birth. Xanthe graduated from Michaelis School of Fine Art, UCT in 2015 and was subsequently awarded a grant to study MA Postcolonial Culture and Global Policy at Goldsmiths, University of London, which she completed with distinction, in 2020. Xanthe recently completed the GUILD artist residency for two months with Southern Guild in Cape Town, South Africa. Xanthe's work is held in many private collections as well as public institutions such as the Victoria and Albert Museum in London. Xanthe's work has been published in The Times, The Telegraph, The Guardian, Ceramic Review, House and Garden UK and Elle Decoration UK. In 2024, Xanthe won the ANNA award for female African artists, presented by Latitudes.

Xanthe Somers

In the Fray, 2024

Glazed stoneware, 57 × 50 × 50 cm 

© Xanthe Somers 

Courtesy the Artist, Galerie Revel, Paris, and

October Gallery, London 

Photo by Deniz Guzel

The African Art Hub (TAAH) 

www.theafricanarthub.com 

Founded in 2021, The African Art Hub, a UK-based digital platform, promotes contemporary African art globally through curated exhibitions, partnerships, and participation in international art fairs. TAAH highlights the rich diversity of African narratives and their growing significance in global artistic discourse.

Ibrahim Bamidele

The change we have, 2024

Courtesy of The African Art Hub

Ibrahim Bamidele

Love in colours, 2023

Courtesy of The African Art Hub

Ibrahim Bamidele

Caregiver II, 2024

Courtesy of The African Art Hub

TGM Gallery 

www.tgmgallery.com 

Founded in 2021, TGM Gallery in Tunisia connects historical artistic legacies with contemporary practices. Championing the École de Tunis and emerging talents, the gallery fosters cultural dialogue locally and internationally through curated exhibitions and initiatives supporting young artists.

Hamadi Ben Saad

Cavemen, 2020

Courtesy of TGM Gallery

Najet Dhahbi

Benjamin's lover, 2024 

Courtesy of TGM Gallery

Adnene Hadj Sassi

Courtesy of TGM Gallery

Ahmed Stambouli

Personnage Clef, 2010

Courtesy of TGM Gallery

unx-art 

www.unx-art.com 

Founded in 2023 by Sarah and operating from Sierra Leone, Unx-Art emphasises local curatorial practices and digital outreach. Dedicated to amplifying African contemporary art, it actively connects artists with international collectors, expanding global appreciation for African creativity.

At Africa Basel 2025 unx-art presents a focused exhibition that speaks to its core mission: platforming contemporary African artists with care, context, and conviction.

“At unx-art, we believe Contemporary Art from Africa belongs at the center of global conversations—not as a trend, but as a force that reframes how we see the world. Africa Basel off ers the kind of thoughtful space where that can happen—with care, rigor, and intent.” --Sarah Hachi-Duchêne, Founder and Curator

 

Helen Nzete

Courtesy of UNX Art

Helen Ogochukwu Nzete (Nigeria)

A Nigerian artist trained in sculpture in Zaria, Nigeria and based in Abuja, brings a deeply introspective approach to form. Her work explores memory, resilience, and the quiet power of repair. A perceptive observer of social intricacies, Helen Nzete constructs a universe where personal experience and structural critique meet. Her mixed media practice, rooted in sculptural language, examines the psychology of character and the social dynamics that frame human interaction. Her recent series, The Year of Knots, is composed of plaster-and-rope reliefs that meditate on the bonds we inherit — and the possibility of gently unravelling them. Untying a knot becomes a gesture of healing: a movement toward clarity, forgiveness, and renewed connection. At Africa Basel 2025, unx-art presents Generosity of Spirit (2025), a key work from this series. A constellation of faces — some inward, others reaching — is cast in intimate relief. One, gilded in gold leaf, rises as a guiding presence, evoking what is passed on not only through lineage, but through care, conviction, and lived wisdom.

Helen Nzete

Generosity of Spirit, 2025

Courtesy of UNX Art

Helen Nzete

Generosity of Spirit,close-up, 2025

Courtesy of UNX Art

Helen Nzete

Generosity of Spirit, close-up, 2025

Courtesy of UNX Art

Helen Nzete

What we fear once again is the unknown, 2024

Courtesy of UNX Art

Clément Gbegno

Courtesy of UNX Art

Clément Ayikoué Gbegno (Togo)

Representative of the emerging art scene in Togo, Gbegno engages the thresholds between being and disappearance. Trained in Abidjan, Ivory Coast, and at the École des Beaux-Arts in Nantes, France, his trajectory was shaped early by a conscious and symbolic gesture: selling his ancestral land to pursue an artistic path. This act reflects a commitment to form and inquiry that underpins his work. His approach is grounded in the concept of décompositon–recomposition—a cycle of dissolution and renewal that informs both his material method and conceptual framework. For Clément Gbegno, forms are provisional, suspended within an evolving process of mutation. Using layered textures and a restrained chromatic palette, he renders visible what resists representation: traces, absences, and shifts between material and memory. Life and death are understood not as opposites but as successive stages in a continuum. At Africa Basel 2025, unx-art shows Glimmer of Hope, a mixed-media work in which two figures appear in a moment of fragile exchange—caught between persistence and release. The work invites contemplation without resolution, proposing an experience where presence is felt rather than declared.

Clément Ayikoue Gbegno

The Glimmer of Hope, 2024

Courtesy of UNX Art

Clément Ayikoue Gbegno

The Passing Down of Knowledge, 2024

Courtesy of UNX Art

 

Sarah Hachi-Duchêne

Founder & Curator

Courtesy of UNX Art

Sarah Hachi-Duchêne

unx-art was founded by Sarah Hachi-Duchêne, a long-time collector with roots in both technology and the arts. After four years in Nigeria and now based in Sierra Leone, she launched the platform to give Contemporary Art from Africa greater resonance in global dialogue—while challenging the monolithic narratives that often shape its reception. unx-art is rooted on the continent, driven by close artist relationships, and shaped through curatorial storytelling.

unx-art’s presence at Africa Basel 2025 is styled in collaboration with Africana Couture—a Pan-African brand grounded in craftsmanship and excellence, community and culture.

Modzi Arts Gallery 

www.modziarts.com 

Founded in 2019, Modzi Arts Gallery is an emerging voice in Zambia’s contemporary art scene. The gallery plays an active role in reshaping the local art market, supporting artists through studio practice, residencies, mentorship and exhibitions. Originally established as an experimental non-profit space, Modzi Arts is now shifting towards a more commercial model, aiming to provide a platform for underrepresented artists and foster global exchange.

Mwamba Chikwemba 

Lets Push, 2024

Courtesy of Modzi Arts Gallery

Natasha Evans 

The Recess Of Mind_2024

Courtesy of Modzi Arts Gallery

Africa Basel 2025

African Contemporary Art Fair

Founders

Africa Basel is the brainchild of serial art fair entrepreneur Sven Eisenhut-Hug and creative visionary Benjamin Füglister, both of whom are deeply embedded in Basel’s art scene. Sven Eisenhut-Hug brings a background in global hospitality, while Benjamin Füglister, a seasoned curator, has organized over 60 exhibitions worldwide, with a strong emphasis on African art.

Sven Eisenhut-Hug

Benjamin Fuglister

Africa Basel 2025

African Contemporary Art Fair

Curatorial Board

Africa Basel 2025

Curatorial Board comprising Azu Nwagbogu, 

Michèle Sandoz, Serge Tiroche, Greer Valley

AFRICA BASEL 2025

FIRST EDITION

Ackermannshof,

St. Johanns-Vorstadt 19/21, Basel, Switzerland

www.africabasel.com