Niki de Saint Phalle & Jean Tinguely: Myths & Machines @ Hauser & Wirth Somerset

Niki de Saint Phalle & Jean Tinguely

Myths & Machines

Hauser & Wirth Somerset

17 May 2025 – 1 February 2026

Niki de Saint Phalle and Jean Tinguely 

in front of their home and studio ‘Auberge du Cheval Blanc,’ 

Essonne region, 3 March 1967

Harry Shunk and Shunk-Kender Photographs

Getty Research Institute, Los Angeles (2014.R.20) 

Gift of the Roy Lichtenstein Foundation in Memory 

of Harry Shunk and Janos Kender 

@ J. Paul Getty Trust

Courtesy Niki Charitable Art Foundation and Hauser & Wirth 

Niki de Saint Phalle and Jean Tinguely

Nana dansant (Nana mobile), 1976

Painted polyester, iron stand with electric motor

by Jean Tinguely

43.5 x 20 x 14 cm / 17 1/8 x 7 7/8 x 5 1/2 in

© 2025 NIKI CHARITABLE ART FOUNDATION

All rights reserved

Courtesy Niki Charitable Art Foundation and Hauser & Wirth 

Niki de Saint Phalle and Jean Tinguely

La Grande Tête, 1988

Painted polyester, electrical system

225 x 225 x 140 cm / 88 5/8 x 88 5/8 x 55 1/8 in

Photo: Laurent Condominas

© 2025 NIKI CHARITABLE ART FOUNDATION

All rights reserved

Courtesy Niki Charitable Art Foundation and Hauser & Wirth 

‘We couldn’t sit down together without creating something new, conjuring up dreams.’—Niki de Saint Phalle, ‘A little of my story with you Jean’ (1996)

Niki de Saint Phalle (1930 – 2002) and Jean Tinguely (1925 – 1991) are reunited in a major site-wide takeover at Hauser & Wirth Somerset in collaboration with the Niki Charitable Art Foundation. The first exhibition dedicated to both artists in the UK illustrates Saint Phalle and Tinguely’s visionary artistic output and enduring creative collaboration over three decades. Two emblematic figures of contemporary art, Niki de Saint Phalle and Jean Tinguely defied conventional artmaking and were fuelled with rebellion, in both life and art. The exhibition features unseen works on paper and art décor by Niki de Saint Phalle, alongside her Shooting Paintings and monumental open-air sculptures. Iconic kinetic machines by Jean Tinguely range from the 1950s to the final year of his life, in addition to multifaceted collaborative works made by the duo throughout the 1980s. 

The Bourgeois Gallery introduces the artists’ distinct visual language, production methods and social commentary that developed in parallel, and through collaboration, over the course of their careers. The Tinguely works within this space are exemplary of his sculptural practice as research, exploring art based on movement, chance, relative speed and sound. His ‘anti-machines’ feel more relevant now than ever before, constructed from scrap metal and an assemblage of found materials, designed to highlight the flaws of modern technology and society’s displacement of humanity. Overlooking these works stands Saint Phalle’s ‘Big Lady (black)’ (1968/1995). By 1965, Saint Phalle began to introduce polyester to create more voluptuous dancing figures that could be displayed in public parks and other outdoor locations, as seen in ‘Les Trois Graces’ (1995 – 2003) that is presented in the farmyard in Somerset. 

The Rhoades Gallery features Saint Phalle’s first functional sculptures, made for the film ‘Un Reve plus long que la nuit’ (1976). The film was written, directed and acted by Saint Phalle, alongside Tinguely and her daughter Laura Duke. Art and life were interchangeable in Saint Phalle’s universe and the decorative elements for the film, such as thrones, tables and mirrors, instigated a sustained interest in making art to be lived with, which resulted in larger-scale immersive projects. It was Saint Phalle’s passion for fantasy and mythology that contributed to Tinguely’s monumental sculptural work, ‘Le Cyclop’ (1969 – 1994), in the forest of Milly-la-Forêt, France, a project of boundless action between artists and a dream of utopia. A mutual source of inspiration can be seen in ‘Le Grande Tête’ (1988), a union of Tinguely’s robust mechanical base with Saint Phalle’s mysterious abstract face as a silent observer, a motif she began developing from the 1970s, in response to multiple realities and dream states that can exist simultaneously. Skating amongst the gold furniture is ‘Patineuse’ (c. 1967), from her most famous and recognizable series, the Nanas. Saint Phalle’s army of brightly colored Nanas interrogate the various roles of women, often liberated from tradition and radiating energy and vitality.

The Pigsty Gallery pays homage to Saint Phalle’s Shooting Paintings, which began in 1961 against a backdrop of political violence and unrest in France. Saint Phalle fired a rifle at canvases or low reliefs resembling altars or effigies, often exploding bags of hidden paint across the work’s surface. The process of creation was a paradoxical destructive act, utilizing sensations of violence and demolition to promote a sense of renewal and catharsis for the artist and the viewer. The performative action was both inward-looking, demonstrating Saint Phalle’s regaining of control and strength over a strict Catholic upbringing and abusive father but, at the same time, responding to the period in which they were made, and bursting with rage at institutional forces and masculinist values. Tinguely was a primary supporter of these works and his own auto-exploding sculptures and incendiarism in art shared this adventurous spirit and eagerness to challenge artistic norms. 

The Workshop Gallery presents an intimate collection of drawings and works on paper by Saint Phalle, many of which reflect on her relationship with Tinguely and the creative stability and trust they provided for one another. The repetition of birds, snakes, dragons and mythical creatures appear frequently in Saint Phalle’s writings and sculptural work, drawing from the symbolic language of African, preColumbian and eastern cultures. Birds are often believed to be messengers from one world to the next, representing complete freedom and immortal reinvention. In addition to independent works by Tinguely, including ‘Radio Sculpture’ (1961), ‘IBM’ (1960) and Rocker III (1963), stands a final collaborative work, ‘Pallas Athéna (le chariot)’ (1989) that relates to the seventh card in the Tarot which appears in Saint Phalle’s Tarot Garden in Garavicchio, Italy. 

Saint Phalle’s extraordinary combination of architecture, the enchantment of nature, and the spiritual world is integral throughout her practice, most notably in her ambitious vision for the Tarot Garden. This is prominent across the open-air presentation in Somerset, including ‘The Prophet’ (1990), ‘Tête de mort I’ (1988), ‘Le Poète et sa Muse (1999) and ‘Les Trois Graces’ (1995 – 2003), alongside Tinguely’s ‘Fountain III’ (1963), a large motor-driven fountain on display in the Rhoades Gallery lobby that is activated throughout the summer. 

Jean Tinguely and Niki de Saint Phalle

back from the Cyclop, La Commanderie,

Dannemois, France, 1973

Photo: Laurent Condominas

© Laurent Condominas

Courtesy Niki Charitable Art Foundation and Hauser & Wirth 

Niki de Saint Phalle and Jean Tinguely met and started working together in Paris, France in the late 1950s and were married in 1971. The pair forged an extraordinary personal and artistic relationship that continued to renew itself across multiple projects until Tinguely’s death in 1991, when Saint Phalle took over stewardship of his works until she died a decade later. The artists’ legacy and work are continued through the work of Niki Charitable Art Foundation and Museum Tinguely in Basel, Switzerland. The basis for the collection at the Museum Tinguely was provided by Niki de Saint Phalle’s donation of 52 sculptures from the Estate of Jean Tinguely, alongside many letters, graphics and archives. 

HAUSER & WIRTH SOMERSET

Durslade Farm, Dropping Lane

Bruton, Somerset BA10 0NL

www.hauserwirth.com

Exposition Niki de Saint Phalle, Jean Tinguely, Pontus Hulten @ Grand Palais X Centre Pompidou, Paris

Niki de Saint Phalle, Jean Tinguely, Pontus Hulten

Grand Palais X Centre Pompidou, Paris

20 juin 2025 – 4 janvier 2026 

Niki de Saint Phalle (1930−2002) et Jean Tinguely (1925−1991) marquent les premières décennies du Centre Pompidou avec des réalisations spectaculaires, telles Le Crocrodrome de Zig & Puce (1977) dans le forum du bâtiment ou la Fontaine Stravinsky (1983) au pied de l’Ircam. Cette exposition – qui inaugure la collaboration entre le Centre Pompidou et le GrandPalaisRmn pendant la fermeture pour rénovation du site « Beaubourg » – met en lumière des moments clés de la carrière de ce couple mythique, uni par des liens artistiques indéfectibles et une vision de l’art comme acte de rébellion contre les normes établies.

C’est par le prisme de Pontus Hulten (1924−2006), premier directeur du Musée national d’art moderne au Centre Pompidou de 1977 à 1981, que l’exposition revient sur les créations de Niki de Saint Phalle et Jean Tinguely. Grâce à l’impulsion donnée par cette personnalité très tôt remarquée dans le monde des musées, les deux artistes bénéficient d’une importante visibilité. Pontus Hulten, animé par l’idée rimbaldienne de « changer la vie » et porté par une approche muséale radicale et novatrice, offre un soutien inconditionnel au couple d’artistes. Il partage leurs conceptions anarchistes au service d’un art pour tous, pluridisciplinaire et participatif, qui bouscule les conventions et déplace les lignes

Pontus Hulten favorise l’acquisition par les institutions d’œuvres majeures de Niki de Saint Phalle et Jean Tinguely, et organise au Centre Pompidou des rétrospectives des deux artistes, celle de Niki de Saint Phalle en 1980 et de Jean Tinguely en 1988. Il orchestre également la réalisation de leurs projets d’installations hors normes, tant au Moderna Museet de Stockholm, la première institution qu’il dirige, avec la gigantesque Nana pénétrable Hon – en katedral en 1966, qu’à Paris au Centre Pompidou avec Le Crocrodrome de Zig & Puce et ses éléments de fête foraine, en 1977. C’est aussi grâce à Pontus Hulten que Niki de Saint Phalle parachève la réalisation d’une vie de Jean Tinguely après son décès, Le Cyclop, monstre de métal visitable ponctué d’œuvres d’amis artistes et caché au cœur des bois de Milly-la Forêt, près de Paris.

L’exposition « Niki de Saint Phalle, Jean Tinguely, Pontus Hulten » propose un parcours à la fois historique et ludique, où s’entrelacent art, amour, amitié et engagement, tout en soulignant la part d’utopie et de provocation artistique partagée par les trois protagonistes.

La richesse de la collection du Centre Pompidou, associée à des prêts majeurs d’institutions nationales et internationales, permet de découvrir ou redécouvrir des œuvres emblématiques des deux artistes. Les machines animées, plus ou moins autodestructrices et «inutiles», de Tinguely, sont une critique acerbe de la mécanisation et du progrès technologique de la société industrielle des Trente Glorieuses. Les Tirs de Niki de Saint Phalle, reliefs blancs renfermant des poches de couleurs sur lesquels elle tire pour «faire saigner la peinture », renversent tant les codes de l’art que de la société, en mettant en évidence le pouvoir féminin. Ses célèbres Nanas colorées et joyeuses s’inscrivent dans la continuité de cette approche iconoclaste. L’exposition présente également des films d’archives rares et toute une correspondance de lettres-dessins autour des œuvres et des projets titanesques de Niki Saint Phalle et Jean Tinguely, menés en complicité avec Pontus Hulten.

Au-delà de la célébration de deux artistes majeurs du 20e siècle, portés par la vision d’un homme de musée d’exception, cette exposition interroge leur horizon de pensée selon lequel la revendication d’une autonomie de l’art, la remise en question de l’institution et l’adresse directe au public, deviennent des moteurs de la création.

2025 marque le centenaire de la naissance de Jean Tinguely

Commissariat : Sophie Duplaix, conservatrice en chef, service des collections contemporaines, Musée national d’art moderne – Centre Pompidou

Commissaire associée : Rita Cusimano, chargée de recherches, attachée de conservation, Musée national d’art moderne – Centre Pompidou

Un catalogue est publié à l'occasion de cette exposition.

Niki de Saint Phalle, Jean Tinguely, Pontus Hulten

Sous la direction de Sophie Duplaix

21 × 30 cm, 336 pages, 45€

Coédition Centre Pompidou / GrandPalaisRmn

Photo de couverture Niki de Saint Phalle

Photo repeinte de « Hon », 1979

Niki Charitable Art Foundation, Santee, Californie 

© 2025 Niki Charitable Art Foundation / Adagp, Paris

Exposition coproduite par le Centre Pompidou et le GrandPalaisRmn avec la participation de la Niki Charitable Art Foundation

GRAND PALAIS, PARIS

Galeries 3 et 4

www.grandpalais.fr

CENTRE POMPIDOU, PARIS

www.centrepompidou.fr

Impasse Ronsin @ Paul Kasmin Gallery, NYC

Impasse Ronsin
Paul Kasmin Gallery, New York
October 28, 2016 - January 14, 2017

Paul Kasmin Gallery announces the forthcoming exhibition, Impasse Ronsin, which will be on view at 515 West 27th Street from October 28th – December 23rd, 2016.  Taking as its focus the historic Parisian alley once home to the studios of Constantin Brancusi, William N. Copley, Max Ernst, Yves Klein, Les Lalanne, Larry Rivers, Niki de Saint Phalle, Jean Tinguely and numerous other seminal 20th-century artists, the exhibition will include work by these artists in an elaborate installation designed to embody the collaborative atmosphere of the Impasse Ronsin.

At the heart of the original Impasse Ronsin complex, as well as in this exhibition, stands Constantin Brancusi, who moved into the Impasse in 1916 and would remain there until his death in 1957. During those forty-one years, countless seminal artists made the pilgrimage to the Impasse Ronsin in hopes of meeting the artist, whom Marcel Duchamp famously referred to as “The Queen Mother of the Impasse Ronsin” .  The exhibition will feature a bronze edition of Princess X, one of Brancusi’s most iconic forms, as well as a selection of the artist’s vintage photographs depicting the studio and its contents.  Brancusi’s studio as it was arranged at the time of his death was later meticulously reconstructed opposite the Centre Pompidou in Paris, where it has been open to the public since 1997.

From the 1930s through the 1950s, the Impasse Ronsin was an area closely associated with Dada and Surrealism.  While neither had permanent studios in the Impasse, both Man Ray and Marcel Duchamp were fixtures at the complex.  Included in the exhibition is a vintage photograph of Brancusi and his dogs taken at the Impasse by Man Ray, as well as an original set of Duchamp’s “Rotoreliefs” and his film Anemic Cinema, 1926, in which they were used.

This Surrealist spirit would remain at Ronsin through the 1950s and 1960s, when artists such as William N. Copley, Max Ernst and Les Lalanne would inhabit studios.  Max Ernst’s Dancers Under the Starry Sky, 1951, a painting aptly characteristic of this spirit, will be on view for the first time in sixty-four years.  Also executed in 1951 is William N. Copley’s Steroptic Nude, one of the artist’s most important early paintings and last exhibited in the artist’s 1980 retrospective at the Kunsthalle Bern.  The renowned collaborative duo Francois-Xavier Lalanne and his wife Claude Lalanne first met at the Impasse Ronsin in 1952, where iconic works such as Mouton de Laine and Choupatte were initially conceived, and which will be included in the exhibition.

More than anything else, collaboration and perpetual dialogue defined the Impasse Ronsin. In 1961, it was the locale in which Niki de Saint Phalle famously staged her “Shooting Paintings” with the help of Jean Tinguely, Yves Klein and Pierre Restany.  On view in Impasse Ronsin will be Tir (Fragment de Dracula II), 1961 – one of the most substantial and important works from the series.  Also included is Turning Friendship Model from the same year – a kinetic sculpture made by Larry Rivers with the help of Jean Tinguely.

In the rear gallery The Noguchi Museum will create an installation that evokes the ‘Brancusi-like’ studio Isamu Noguchi established just south of Paris, in Gentily, in 1927, after serving as the Romanian’s assistant. As the only artist to have come out of Brancusi’s studio, Noguchi’s insights into that Modernist Eden of ambiguity- where traditional craft met the avant-garde, object became indistinguishable from base, and art was life-are of particular interest.

The cooperative, convivial environment of the Impasse Ronsin has never been adequately articulated in the history of 20th-century art, but today, with sprawling artist communities thriving in Beijing, Berlin, Brooklyn, London, Los Angeles, Mexico City, etc., its story has never been more relevant.

A comprehensive monograph including an essay by Jerôme Neutres, extensive archival images and texts, and a selection of interviews conducted by independent curator and art historian Adrian Dannatt will accompany the exhibition.

PAUL KASMIN GALLERY
http://paulkasmingallery.com

Jean Tinguely @ Stedelijk Museum Amsterdam: Machine Spectacle

Jean Tinguely
Machine Spectacle
Stedelijk Museum Amsterdam
1 October 2016 - 5 March 2017 

Swiss artist JEAN TINGUELY (1925–1991) is famous for his playful, boldly kinetic machines and explosive performances. Everything had to be different, everything had to move. Precisely twenty-five years after his death, on October 1st, the Stedelijk opens a Tinguely retrospective: the largest-ever exhibition of the artist to be mounted in a Dutch museum. With over a hundred machine sculptures, most of which are in working order, paired with films, photos, drawings, and archive materials, the presentation takes the public on a chronological and thematic journey of Tinguely’s artistic development and ideas, from his love of absurd play to his fascination for destruction and ephemerality.

The presentation features his early wire sculptures and reliefs, in which Jean Tinguely imitated and animated the abstract paintings of artists such as Malevich, Miró, and Klee; the interactive drawing machines and wild dancing installations constructed from salvaged metal, waste materials, and discarded clothing; and his streamlined, military-looking black sculptures.

First-ever presentation in the Netherlands: the imposing Mengele-Totentanz installation

Jean Tinguely’s self-destructive performances are a special feature of the Stedelijk presentation. The enormous installations Tinguely created between 1960–1970 (Homage to New York, Étude pour une fin du monde No. 1, Study for an End of the World No. 2, and La Vittoria) were designed to spectacularly disintegrate in a barrage of sound. The presentation also spotlights the exhibitions Tinguely organized at the Stedelijk, Bewogen Beweging (1961) and Dylaby (1962), and the gigantic sculptures he later produced: HON – en katedral (“SHE – a cathedral,” 1966), Crocrodrome (1977) and the extraordinary Le Cyclop (1969–1994), which is still on display outside Paris. The survey ends with a dramatic grand finale, the remarkable, room-filling installation, Mengele-Totentanz (1986), a disturbing display of light and shadow never previously shown in the Netherlands. Tinguely realized the work after witnessing a devastating fire, reclaiming objects from the ashes to piece together his installation: scorched beams, agricultural machinery (made by the Mengele company), and animal skeletons. The final piece is a gigantic memento mori, yet also an invocation of the Nazi concentration camps. Its juddering movements and piercing sounds evoke a haunting, grisly mood.

Play, interaction, spectacle!

Jean Tinguely created his work as a rejection of the static, conventional art world; he sought to emphasize play and experiment. For Tinguely, art was not about standing in a sterile white space, distantly gazing at a silent painting. He produced kinetic sculptures to set art and art history in motion, in works that animated the boundary between art and life. With his do-it-yourself drawing machines, Tinguely critiqued the role of the artist and the elitist position of art in society. He renounced the unicity of “the artist’s hand” by encouraging visitors to produce work themselves.

Collaboration was integral to Tinguely’s career. He worked extensively with artists like Daniel Spoerri, Niki de Saint Phalle (also his wife), Yves Klein, and others from the ZERO network, as well as museum directors such as Pontus Hultén, Willem Sandberg, and Paul Wember. Thanks to his charismatic, vibrant personality and the dazzling success with which he presented his work (and himself) in the public sphere, Tinguely was a vital figure within these networks, acting as leader, inspirator, and connector.

Relationship with Amsterdam and the Stedelijk

Amsterdam has enjoyed a dynamic history with Jean Tinguely. The exhibitions Bewogen Beweging (1961) and Dylaby (1962), for which Tinguely was (co)curator, particularly underline the extraordinarily close relationship that sprang up between the museum and the artist. Not only did he bring his kinetic Méta machines to the Netherlands, he also brought his international, avant-garde network, leaving an enduring impression on museumgoers who flocked to see these experimental exhibitions. Close relationships with Willem Sandberg, then director of the Stedelijk Museum, and curator Ad Petersen prompted various retrospectives and acquisitions for the collection: thirteen sculptures, including his famous drawing machine, Méta-Matic No. 10 (1959), Gismo (1960), and the enormous Méta II (1971). 

Catalogue

A catalogue will be published to mark the exhibition. Based on years of research conducted by the Stedelijk Museum and Museum Kunstpalast, Düsseldorf, the publication contains essays by several Tinguely experts, among them Margriet Schavemaker, Barbara Til, and Beat Wismer.

This exhibition is organised by the Stedelijk Museum Amsterdam in collaboration with Museum Kunstpalast, Düsseldorf.

This exhibition is made possible with generous support of the Turing Foundation, All Art Initiatives B.V., the Blockbusterfonds, the LUMA Foundation and additional support by the Swiss Arts Council Pro Helvetia, the Prins Bernhard Cultuurfonds, the Walter A. Bechtler Foundation, Switzerland and Museum Tinguely, Basel.

Stedelijk Museum Amsterdam
www.stedelijk.nl

Jean Tinguely @ Galerie Valois, Paris

Jean Tinguely, '60s
Galerie Valois, Paris
9 septembre - 29 octobre 2016

A l’occasion du 25e anniversaire du décès de Jean Tinguely, la galerie Georges-Philippe et Nathalie Vallois, qui représente l’Estate de cet artiste majeur du XXeme siècle depuis maintenant 5 ans, lui rend hommage avec un exceptionnel ensemble de 15 sculptures et reliefs animés réalisés dans les années 60. Evocations de chaos et d’anarchisme pour les unes, d’une certaine sérénité et élégance pour les autres, ces œuvres ont toutes en commun d’explorer le mouvement et le son sous toutes ses formes.

« En 2012, la Galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois exposait onze Reliefs des années 1950, pour certains inédits, de Jean Tinguely, et Bernard Blistène décrivait les premières années de la carrière de l’artiste Suisse, installé à Paris en 1955. C’est dans la lignée de cette exposition et de ce texte que je m’inscris, pour commenter quelques œuvres des séries suivantes exposées dans cette même galerie : il s’agit de reliefs ou des sculptures en mouvement dont la grande majorité sont « sonores », des années 1960 à 1963, appartenant à la série peu connue des Radios (1962), voisine de celle plus identifiée des Balubas (1962-1963). L’exposition présente aussi deux œuvres plus tardives, reconnaissables à leur échelle supérieure et leur aspect sombre : Bascule V et La Cloche, datant de 1967.

Cette période « charnière » – celle qui le fait passer de machines plutôt joyeuses, colorées et dansantes ou sonores, à des machines plutôt sérieuses, noires et silencieuses, et qui verra la démolition de l’impasse Ronsin et l’installation de l’ancien dancing L’Auberge du cheval blanc à Soisy-sur-École – a pour toile de fond la complexité et la radicalité de l’art des années 1960, dont elle résume les enjeux. L’œuvre de Tinguely va bien au-delà de ce mélange de sculptures en mouvement et d’objets trouvés, de Cinétisme et de Nouveau réalisme auquel on aurait tendance à la réduire. Ceux que nous voyons aujourd’hui comme des mouvements constitués, avec leurs listes d’artistes, leurs critiques et leurs expositions, étaient à l’époque transitoires, malléables, aussitôt défaits que faits, dénoncés par ceux qui venaient de le théoriser : le Pop et le Nouveau réalisme, le Happening et le Junk Art, le Lettrisme et la poésie concrète, la musique concrète et la musique électronique, la danse et la performance, le musée et l’espace public, Fluxus et Dada… Tout ceci était encore en train de s’inventer. Non seulement Tinguely fut au cœur de cette « affaire », mais il fut aussi un précurseur et à ce titre résonne de multiples manières dans l’art d’aujourd’hui : son art fut politique, « genré », ouvert sur les sons et sur l’électronique, postmoderne avant la lettre, défenseur de la récupération quand on commençait à parler de l’obsolescence des machines. (…) Non content d’avoir exploré toutes les possibilités de l’objet trouvé, il a inventé ce que pouvait être l’œuvre sonore et s’est aventuré avant tout le monde dans les infinies possibilités de l’installation interactive : performance seule ou collective, improvisée ou planifiée, en construction ou en implosion, exposition labyrinthe ou spectacle, Tinguely ne cesse encore aujourd’hui de nous étonner. (…) Il est temps de revoir Tinguely, de le relire, et enfin, de le réécouter. »

[Extraits de l’essai « Les machines inutiles et sonores de Jean Tinguely, hier et aujourd’hui » de Camille Morineau pour le catalogue de l’exposition « Jean Tinguely, ‘60s », Galerie GP & N Vallois, septembre – octobre 2016 (publié chez Hazan).]

Au moment où le Kunstpalast de Düsseldorf lui consacre une grande rétrospective (jusqu’au 14 aout) qui sera ensuite attendue au Stedelijk Museum d’Amsterdam : « Jean Tinguely. Machine Spectacle », « ‘60s » est à ce jour l’unique exposition française entièrement dédiée à Jean Tinguely en cette année anniversaire.

Galerie Georges-Philippe et Nathalie Vallois
www.galerie-vallois.com

Expo Photo René Burri, MSM, Genève - Château de Penthes, Pregny-Chambésy

René Burri, Utopia 

Musée des Suisses dans le Monde, Genève

Jusqu'au 15 décembre 2013

Affiche de l'exposition

Photo : Jean Tinguely © René Burri – Magnum Photo

Né à Zurich en 1933, RENE BURRI est, plus encore qu’un autre, un Suisse dans le Monde. Après avoir étudié à l’école d’Arts Appliqués de sa ville natale, il travaille tout d’abord pour le cinéma, ce qui influencera son art avant de s’orienter finalement vers la photographie. En 1955, il s’associe à l’agence Magnum et reçoit une récompense internationale pour l'un de ses premiers reportages sur les enfants sourds-muets, "Touch of Music for the Deaf", publié dans le magazine Life.

Dès 1956, René Burri explore le monde et livre des reportages photographiques pour l’agence Magnum. Il pose le pied sur chaque continent et capte, avec son objectif, les cultures les plus diverses dans un monde en pleine évolution et souvent en révolution. La photographie devient pour lui, un moyen d’expression personnel privilégié qui lui permet avant tout, de montrer des images reflétant ses propres préoccupations.

Ainsi, René Burri se lance dans une quête insatiable du meilleur de l’Homme, à une époque où tout est possible pour chacun et où les peuples se réveillent avec l’espoir irrépressible de construire un monde parfait : l’Utopie, aussi insaisissable qu’envoûtante. René Burri, pris dans cette transe communicative, fut un témoin central de cette quête mondiale.

Pour la première fois à Genève, le Musée des Suisses dans le Monde présente des photographies de René Burri. L’exposition permet de découvrir des portraits intimes et puissants de cinq artistes ayant oeuvré pour le renouveau de l’idéal utopiste : Le Corbusier, Alberto Giacometti, Jean Tinguely, Yves Klein et Pablo Picasso. 

 Le Corbusier © René Burri – Magnum Photo

Yves Klein © René Burri – Magnum Photo

CATALOGUE DE L'EXPOSITION

René Burri – Utopia

Infolio éditions & Éditions de Penthes, Genève, 2013

Commissaire de l’exposition René Burri - Utopia, Marco D’Anna travaille également avec René Burri autour d’un ouvrage photographique commun : Projet Corrida. A 50 ans d’écart, René Burri et Marco D’Anna ont photographié la corrida. Aujourd’hui ils mettent en lumière leurs clichés respectifs dans cet ouvrage. 

Projet Corrida – René Burri – Marco D’Anna

Infolio éditions & Éditions de Penthes, Genève, 2013

Né à Zurich en 1964, MARCO D'ANNA commence très jeune son activité de reporter photographe. Il obtient le Diplôme Fédéral de photographe en 1984, puis, il continue sa formation en suivant d’importants photographes, parmi lesquels Gabriele Basilico, René Burri, René Groebli, Mario De Biasi. A partir de 1985, il expose ses travaux. En 1986, il ouvre son atelier à Lugano. Dans son parcours de recherche artistique et de perfectionnement professionnel s’entremêlent de nombreuses expériences différentes, du reportage à la reproduction d’objets d’art, de la photo d’architecture à l’image publicitaire. Globe-trotter professionnel, Marco D'Anna vit et travaille à Lugano.

Musée des Suisses dans le Monde
Château de Penthes
18 chemin de l’Impératrice
1292 Pregny-Chambésy
Suisse
Web : www.penthes.ch
Page Facebook : Musée des Suisses dans le Monde // Museum of the Swiss Abroad

Drawing Machines at Gregor Podnar Gallery Berlin

Cimento dell’armonia e dell’invenzione:
or, The Drawing Machines
Galerija Gregor Podnar, Berlin
Through January 8, 2011

Artists: William Anastasi, Anna Barham, Emanuele Becheri, Alighiero Boetti, Ane Mette Hol, Albin Karlsson, Tim Knowles, Nick Laessing, Sol LeWitt, Giovanni Morbin, Marc Nagtzaam, Goran Petercol, Diogo Pimentão, Steve Roden, Jean Tinguely.

Cimento dell’armonia e dell’invenzione (“Trial of Harmony and Invention”) is the title of a 1969 work by ALIGHIERO BOETTI, a series of drawings in which he traced the lines of sheets of graph paper following a different path each time. A work that opposes established order (“armonia”) and the creation of something new (“invenzione”). The idea of both being at odds with each other is interesting, especially if it is applied to machinery and draughtsmanship.

The exhibition focuses on artists who produce drawings with machines or mechanisms following the path opened by JEAN TINGUELY’s drawing (and painting) machines Méta-Matics, but also by self imposed rules echoing the mathematical basis of mechanical procedures, such as Alighiero Boetti himself, SOL LEWITT, WILLIAM ANASTASI...

In fact, from the mid XXth century on, artistic drawing has been partly predicated upon drawing machines or mechanisms. Even in a broader and historical view, which has certainly influenced this phenomenon, drawing has been associated with mechanics in a combination of recreational and scientific uses. From the Jacquet-Droz automaton, which could draw (1772) to a machine inscribing on a sheet of paper the trajectory of a falling body, invented by Arthur Morin (1864), drawing has been both imitated and used. Etienne-Jules Marey, the inventor of chronophotography and other breathtaking experimental devices, researched the graphic translation of the body’s movements through the sphygmograph and the cardiograph, for instance, which were able to “draw” the beating of the human heart.

At first, it could seem odd that drawing, a hand-based craft par excellence, was to be included in the domain of machine-made articles. But on closer inspection, automata imitating the skills of the draughtsman upset the standards by which drawing is normally adjudged as such and announce modernity: they demonstrate the mechanic aspect of drawing without destroying its appeal. Rather, they increase it. A triangular relation between the viewer, the artist and the machine, is thus implemented. The act of creation is assumed by others, namely the machine itself, while the artist operates like one. Drawing with, or like, a machine implies an alliance of the hand, the eye, the mind, the device, the artifact, the formula and the rule.

The contemplative and epistemological role of mimesis and utility are at stake here. For from this point on, the extraction of drawn data as well as the graphic transposition of the movement of matter moulds a different and modern beauty, largely based on abstraction and, the moment drawing becomes the result of self-applied rules or exterior factors, chance-based opportunities for the unpredictable emerges. Charles Baudelaire sensed this rather early when he confessed that a fine drawing captivates us beyond what it depicts ( in L’Oeuvre et la vie d’Eugène Delacroix, 1863).

On the other hand, freed from intention and traditional ideas of quality, and fascinated by machines, the artist chooses to work programmatically. Therefore, this abstract beauty is sometimes generated by a hand carefully automated by seriality and a rigorous set of rules.

But to return to Alighiero Boetti, a debate is then established as to what, exactly, one considers “harmony” and “invention” to be: would the mechanical aspect of drawing (i.e., order) be harmony? But aren’t machines, as actual mechanism or as rules and protocols, inventions? Should one consider chance itself to be the source of “invention”, as opposed to a system? Thus does this show aim to reveal the complexity and ambiguity that lurks behind such seemingly definite categories.

Cimento dell’armonia e dell’invenzione: or, The Drawing Machines showcases historical and recent works exploring this path of contradictions between the skilled machine and the automated draughtsman, connected by the mesmerizing appeal of their abstract productions, and so much more.

The exhibition is curated by SIMONE MENEGOI and accompanied by a writing of JOANA NEVES, The Drawing Automaton, or the Mechanics of Drawing.

GALERIJA GREGOR PODNAR BERLIN
Lindenstr. 35 - 10969 Berlin - Germany

www.gregorpodnar.com 

13.11.2010 - 08.01.2011

Marcel Duchamp, Musée Jean Tinguely Bâle

Marcel Duchamp
Musée Jean Tinguely Bâle
20 mars – 30 juin 2002 

L'exposition conçue par Harald Szeemann montre pour la première fois depuis 1960 sous une forme représentative l'oeuvre de Marcel Duchamp (1887–1968) grâce à des prêts très importants.

L'oeuvre de Duchamp, tout comme sa personnalité, occupent une place centrale dans l'histoire de l'art du XXe siècle. Son influence se poursuit jusqu'à nos jours par le fait qu'il a montré ouvertement et de manière provocante le rapport entre l'art et la vie, les conditions de la création et a ainsi modifié de manière décisive la notion d'oeuvre d'art et de son créateur.

L'exposition présente des oeuvres sélectionnées de Marcel Duchamp et se concentre surtout sur les aspects qui ont exercé une influence durable sur Jean Tinguely (1925–1991): mouvements mécaniques et optiques, jeux et humour. Les Ready-mades, dans lesquels il intitule oeuvre d'art un objet courant, un vélo ou un urinoir ainsi que l'utilisation du hasard comme média artistique dans ses 3 Stoppages Etalons (1913-14/1964) deviendront une importante source d'inspiration pour le jeune Tinguely à Paris, au début des années 60. 

Les essais optiques et les inventions Rotative plaques de verre (1920/1960) de Duchamp et ses Rotoreliefs qui génèrent des illusions optiques et des volumes virtuels à l'aide d'une machine sont présentés à côté des sculptures cinétiques de Tinguely.

Dans son tableau intitulé Nu descendant un escalier No 2, de 1912, Marcel Duchamp décompose le mouvement d'un nu en vues séquentielles de surfaces abstraites et crée ainsi une « image statique du mouvement ». On peut également admirer l'une des répliques signées de l'oeuvre majeure énigmatique de Duchamp, La mariée mise à nu par ses célibataires, même (également appelée Grand Verre), qu'il fabriqua – retiré et après un long travail de 1915 à 1923 – par la technique du fil de plomb sur verre et qu'il n'achèvera jamais. Des dessins et peintures comme la Première recherche pour la mariée mise à nu (1912) et La Broyeuse de Chocolat No 1 de 1913, complètent la présentation du Grand Verre.

Les Boîtes en Valise sont des musées miniatures en valises dans lesquelles Marcel Duchamp met en question l'unicité de l'oeuvre d'art ainsi que la notion traditionnelle du musée avec des reproductions de ses œuvres et modèles des Ready-mades. En 1920, il donne vie à son alter ego Rrose Sélavy et déclare sa propre personne comme œuvre d'art en se faisant photographier comme femme par Man Ray. Dans L.H.O.O.Q, une reproduction avec barbiche et moustache de la fameuse Joconde de Vinci, l'artiste se fait provocateur en jouant avec ambivalence et irritation avec l'observateur. A côté de ses objets érotiques, l'exposition présente également des œuvres rattachées au travail d'installation Etant donnés réalisé seulement après sa mort au Philadelphia Museum of Art. Elle est complétée par une documentation importante préparée par Jacques Caumont bien connu pour ses recherches sur Duchamp. L'exposition a été réalisée en collaboration avec la Succession Marcel Duchamp et l'aide de ses enfants d'un autre lit, Jacqueline, Paul et Peter Matisse.

Marcel Duchamp, Catalogue de l'exposition

© Hatje Cantz

Un catalogue d'exposition richement illustré est publié en français, allemand et anglais aux éditions Hatje Cantz; il comporte un avant-propos de Harald Szeemann et Guido Magnaguagno, des textes de Marcel Duchamp ainsi que d'auteurs célèbres tels que Elisabeth Bronfen, Dieter Daniels, Marc Décimo et Herbert Molderings et une interview importante de Jean Tinguely sur la personnalité et l'œuvre de Marcel Duchamp. Le catalogue est complété par une chronologie complète rédigée par Jacques Caumont ainsi qu'un encart « Mirage vers Bâle ». Prix: environ CHF 59.-

MUSEE TINGUELY BÂLE
MUSEUM TINGUELY BASEL
Paul Sacher-Anlage 2, CH-4002 Bâle
www.tinguely.ch

Updated 05.07.2020