Kent Chan, Alvin Luong, Solveig Qu Suess @ Art Museum at the University of Toronto - "Dwelling Under Distant Suns" Exhibition Curated by Yantong Li

Dwelling Under Distant Suns

Kent Chan, Alvin Luong, Solveig Qu Suess

Curated by Yantong Li 

Art Museum at the University of Toronto

September 4 – December 20, 2025

Kent Chan

Future Tropics, 2023–24 

Film still composite 

Two-channel video 

© Kent Chan. Image courtesy of the artist

Alvin Luong 

Film still of Endowment, 2024 

Video, 11:05 min 

© Alvin Luong. Courtesy of the artist

Solveig Qu Suess 

Film still of Holding Rivers, Becoming Mountains. Video, 2025

© Solveig Qu Suess. Courtesy of the artist

The Art Museum at the University of Toronto presents the exhibition Dwelling Under Distant Suns, curated by Master of Visual Studies in Curatorial Studies graduate student Yantong Li, which addresses environmental precarity by highlighting the struggle to make visible the increasingly unpredictable landscape.

Works by Kent Chan, Alvin Luong, and Solveig Qu Suess

Dwelling Under Distant Suns grapples with the challenge of representing our planet’s growing climate crisis, especially environmental dangers that feel distant or out of sight. The artists in the exhibition turn to speculative storytelling and myth-making to bring a sense of immediacy to these realities, while interrogating the way we currently consume media about environmental precarity with a focus solely on the spectacular and dramatic, with little patience for things that require more time and attention.

“On a recent trip back home to Yunnan, I was struck by the fact that I could no longer see snow and ice on the peaks of the Cangshan Mountain, which has maintained frozen terrain for decades,” says Yantong Li. “An unstable climate has made the mountainous environment precarious, with native vegetation in gradual decline and water cycles becoming unpredictable. This sight was a direct visualization of climate-induced catastrophe — sensed only in longue durée — and I wanted to locate methodologies to represent these disparate sites across time and space. I included film-based works in this exhibition because representations of catastrophe across digital media have wreaked havoc on our attention span, rendering viewers as passive voyeurs. All the film works in the exhibition require lengthy sit-ins, denying immediate consumption but also extending an invitation to viewers to engage in a dialogue, with the only prerequisite being the willingness to sit with it.”

Alvin Luong 

Cyanide Debt, 2025

Video still

© Alvin Luong. Courtesy of the artist

The exhibition features a new commissioned film by Alvin Luong, Cyanide Debt (2025), which restages and reimagines a mass cyanide poisoning in Bangkok as the artist creates a weak solution of cyanide using cassava, Thailand’s primary agricultural export. 

Solveig Qu Suess 

Film still of Holding Rivers, Becoming Mountains 

Video, 2025

© Solveig Qu Suess. Courtesy of the artist

Solveig Qu Suess 

Film still of Holding Rivers, Becoming Mountains 

Video, 2025

© Solveig Qu Suess. Courtesy of the artist

Solveig Qu Suess also uses archival materials that complicate our understanding of historical events by meditating on the downstream politics of hydroelectric development affecting the Mekong River. 

Kent Chan

Film still of Future Tropics, 2023–24

Two-channel video 

© Kent Chan. Image courtesy of the artist

Kent Chan

Film still of Solar Orders, 2024

Two-channel video, 17’41

© Kent Chan

In Kent Chan’s work, the artist pushes observations of tropical expansion due to the climate crisis to extreme ends, arriving upon a fictional scenario of a future global tropic that blurs geographies, histories, and cultures.

ART MUSEUM AT THE UNIVERSITY OF TORONTO

Justina M. Barnicke Gallery

7 Hart House Circle, Toronto, Ontario M5S 3H3

artmuseum.utoronto.ca

Earthwork Exhibition @ Art Museum at the University of Toronto - Curated by Mikinaak Migwans

Earthwork 

Alex Jacobs-Blum, Art Hunter, BUSH Gallery, Edward Poitras, Faye HeavyShield, Lisa Myers, Michael Belmore, Mike MacDonald, Protect the Tract Collective

Curated by Mikinaak Migwans 

Art Museum at the University of Toronto

September 4 – December 20, 2025

Faye HeavyShield

Clan (performance documentation), 2019 

Courtesy of Blaine Campbell

BUSH gallery 

MOMENTA 2021

Photo by Jean-Michael Seminaro 

The Art Museum at the University of Toronto presents the exhibition Earthwork, which reassesses the art historical framing of the “earthwork” popularized by the land art movement of the 1960s and ’70s, reclaiming it from an Indigenous perspective. It is curated by Mikinaak Migwans, Curator of Indigenous Contemporary Art at the Art Museum and Assistant Professor in the Department of Art History at the University of Toronto.

Works by Alex Jacobs-Blum, Art Hunter, BUSH Gallery, Edward Poitras, Faye HeavyShield, Lisa Myers, Michael Belmore, Mike MacDonald, Protect the Tract Collective

Earthwork redefines a term that until now has referred to a type of artistic practice associated within the larger conceptual framework of land art. In this exhibition, Mikinaak Migwans shifts our understanding of earthwork to refer to a way of working, rather than the making of singular objects — similar to the term “beadwork.” With a Canada-wide scope emphasizing the Great Lakes region, the exhibition takes as its starting point an understanding of ancestral earthworks less as monuments and more as sites of ongoing stewardship and care. It considers multiple layers of engagement with the land, including a history of land defense movements, medicine walks, and ancestral practices of prescribed burns, alongside contemporary artworks as creative acts of relational intervention.

“Redefining earthwork in this way helps us think about land as part of the cycles of life and death, rather than eternal monuments outside of time,” says Mikinaak Migwans. “It also helps us to see the huge labour investment that goes into maintaining relations on the land, getting away from this idea that the natural is something opposite to the human. Indigenous connections to land, especially, have been erased in colonial accounts that talk about a natural environment that is ‘virgin,’ ‘untouched,’ and in this way, unclaimed. But recent scholarship is starting to show that North America’s ecosystems were carefully cultivated and maintained by Indigenous Peoples. They’ve quite literally shaped the landscape through generations.” 

Art Hunter 

Untitled (Controlled burn at Kay-nah-chi-wah-nung mounds), 2023

Digital print

Photo courtesy of the artist

Art Hunter 

Untitled (Controlled burn at Kay-nah-chi-wah-nung mounds), 2023

Digital print

Photo courtesy of the artist

Central to the exhibition is photo and video documentation by Art Hunter of land stewardship practices at the ancestral Kay-Nah-Chi-Wah-Nung Historical Centre, a national historic site and one of the most significant places of early habitation and ceremonial burial in Canada located in northwestern Ontario. Art Hunter’s description of the Anishinaabe community’s controlled burn and other processes to maintain the site’s special ecology served as the inspiration point for Earthwork. 

Michael Belmore

drift, 2025 

Steel, wood, 2.43 m x 9 m x 4.5 m

Photo courtesy of the artist.

Michael Belmore

drift, 2025 

Steel, wood, 2.43 m x 9 m x 4.5 m

Photo courtesy of the artist

Internationally recognized artist Michael Belmore will create a new piece in his snow fence series, which will be on view from November 2025 through March 2026—following the seasonal cycle rather than the exhibition cycle. 

A new audio work by independent curator and artist Lisa Myers helps visitors think about land relations through walking and listening. 

Other featured artists are #BUSH Gallery (Gabrielle L’Hirondelle Hill, Peter Morin, Tania Willard), Alex Jacobs-Blum, Faye HeavyShield, Mike MacDonald, Edward Poitras, and Protect the Tract Collective. 

The exhibition offers visitors a printed Engagement Guide, to better connect with the works on view by sharing specific histories and information in an accessible way.

ART MUSEUM AT THE UNIVERSITY OF TORONTO

University of Toronto Art Centre

University College, 15 King’s College Circle, Toronto, Ontario M5S 3H7

artmuseum.utoronto.ca

Shelagh Keeley @ The Power Plant, Toronto - "Film Notebooks 1985-2017" Exhibition

Shelagh Keeley 

Film Notebooks 1985-2017

The Power Plant, Toronto

Through September 14, 2025

Shelagh Keeley 

Still from Jardim do Ultramar / The Colonial Garden, 

Lisbon, Portugal, 2016

Film, 180 min 

Thanks to the Museu Coleção Berardo, Lisbon, Portugal 

and ifa-Galerie Stuttgart, Germany

© Shelagh Keeley, Courtesy the artist

At the core of Shelagh Keeley’s work is a drawing practice based on an intuitive and embodied response to readings and research in poetry, politics, cinema, and architecture. The artist applies the same approach to her work with film, where the moving image becomes a drawing notebook, a travel journal, an opportunity to bring the viewer into the spaces experienced by the artist and mediated through the lens of the hand-held camera. Since 1985, Shelagh Keeley has documented on film her encounters with gardens and uniquely built environments around the world. The resulting film notebooks quietly, yet poignantly, reveal the layered histories and contexts that created them at different moments in time. From the flamboyant artificiality of a desert oasis in Las Vegas to the discipline of a Zen Garden in Kyoto, and from a colonial garden in Lisbon to the largest European zoological-botanical garden in Stuttgart, the films invite us to contemplate the complexity and intangible essence–genius loci or spirit of the place–Shelagh Keeley felt in these places. Filmed while walking for hours at a time as a flâneuse, the moving image notebooks present an invitation for the viewer to become the artist as she draws with the camera, investigating and uncovering the visceral, hidden layers of these locations.

Curator: Adelina Vlas, Head of Curatorial Affairs

THE POWER PLANT Contemporary Art Gallery

231 Queens Quay West, Toronto, Ontario M5J2G8

www.thepowerplant.org

Shelagh Keeley: Film Notebooks 1985-2017

The Power Plant, Toronto, April 11 - September 14, 2025

Emmanuel Osahor @ The Power Plant, Toronto - "To dream of other places" Exhibition Curated by Adelina Vlas

Emmanuel Osahor 

To dream of other places

The Power Plant, Toronto

Through September 14, 2025

Emmanuel Osahor 

Room for two, 2023 

Oil on canvas 

Photo: Joseph Hartman  

© Emmanuel Osahor, courtesy The Power Plant

Emmanuel Osahor’s practice focuses on beauty as a necessity for survival, respite, and sanctuary. Known primarily for his paintings of lush, verdant gardenscapes—inspired by real and imagined locations—these works meditate upon the complicated histories of these sites that entail the domestication of lands, plants, and individuals alike. To dream of other places is the artist’s first major solo presentation in his home city of Toronto and includes paintings, drawings, prints, ceramic sculptures, and a new, site-specific photographic wallpaper. Conceived as a night garden, the exhibition presents Osahor’s work in a unique environment intended to immerse the viewer in a contemplative space where feelings of delight and sorrow coexist as reflections of human experience. The artist’s poetic yet critical approach to a subject that has been well represented throughout art history reflects a practice that is profoundly engaged with beauty, painting, and the everyday at a time when meaningful encounters with art are needed more than ever.

Curator: Adelina Vlas, Head of Curatorial Affairs

THE POWER PLANT Contemporary Art Gallery

231 Queens Quay West, Toronto, Ontario M5J2G8

www.thepowerplant.org

Emmanuel Osahor: To dream of other places

The Power Plant, Toronto, April 11 - September 14, 2025

Jean-Paul Riopelle @ Vancouver Art Gallery - "Riopelle: Crossroads in Time" Retrospective Exhibition

Riopelle: Crossroads in Time

Vancouver Art Gallery

March 21 - September 1, 2025

The Vancouver Art Gallery presents the largest and most comprehensive exhibition of works by JEAN-PAUL RIOPELLE (1923–2002) in Vancouver’s history. A towering figure in Canadian art, Riopelle remains one of the nation's most significant artists of the twentieth century. Organized by the National Gallery of Canada to mark the centenary celebration of the artist's birth, Riopelle: Crossroads in Time brings together almost 100 works drawn from 20 Canadian and international private and public collections, including two paintings from the Vancouver Art Gallery’s permanent collection. Guest curated by art historian and independent researcher Dr. Sylvie Lacerte, this extensive exhibition offers an original take on Riopelle’s creative output, highlighting his commitment to freedom of expression, his experimental ways of working, and his visionary and innovative approach.

Riopelle: Crossroads in Time is part of the Jean Paul Riopelle Centenary celebrations — a global initiative of the Jean Paul Riopelle Foundation that honours the boundless creative spirit and enduring legacy of one of Canada's most iconic artists.

The celebrations were initiated in 2019 by renowned philanthropist and collector Michael Audain, Chair of the Audain Foundation, and past Chair and Cofounder of the Jean Paul Riopelle Foundation: “I consider Jean Paul Riopelle to be one of the greatest Canadian artists of all time. Over the past five years, the Jean Paul Riopelle Foundation curated an exceptional program to mark the centenary of his birth. Never before has one of our national artists been celebrated this way. We consider this to be our collective duty of memory. And we hope it will inspire others, so we may see our cultural heroes duly acknowledged for their contribution to the history of Canadian and international art. I am grateful to both the National Gallery of Canada and to the Vancouver Art Gallery for bringing this exhibition to British Columbia.” 

Anthony Kiendl, CEO & Executive Director of the Vancouver Art Gallery, reflects on the significance of this presentation and the support that made it possible to bring the exhibition to the West Coast of Canada: “We feel privileged to present Riopelle: Crossroads in Time at the Vancouver Art Gallery as the grande finale of the artist’s centenary celebrations. We are grateful to our presenting sponsor, The Audain Foundation, who made it possible to give Vancouver audiences this incredible opportunity to experience Riopelle’s remarkable work and the new perspectives that the exhibition offers.”

Spanning five decades of Riopelle’s creative journey—bringing together paintings, sculptures, drawings, prints and collages—Riopelle: Crossroads in Time recognizes the breadth of Riopelle’s imagination and the diversity of his work and interests. The exhibition is organized chronologically to highlight his far-ranging practice and explosive periods of creativity, from the popular works of his youth, such as Le perroquet vert [The Green Parrot] (1949), to his final works, including Sans titre (Autour de Rosa) [Untitled (Around Rosa)] (1992). Early works from the 1940s mark the development of a spontaneous painting style inspired by his brief time as part of Les Automatistes, an influential group of Québécois artists. By the 1950s, when Riopelle’s work was being shown all over the world, he had arrived at what became his signature “mosaic” style in which he manipulated the paint with a palette knife to create bold shapes and energetic compositions. The exhibition spotlights several stunning canvases from this defining period, including La Roue II [The Wheel II] (1956) and Chicago II (1958).

In the 1960s Jean-Paul Riopelle moved fluidly between sculpture and painting, and the exhibition features several bronze sculptures from this period, as well as paintings and prints created in the 1970s that were inspired by the imagery and atmosphere of the Far North. His final work from the 1980s and 1990s represents a surprising turn with colourful panel paintings peppered with spray paint and glitter. The exhibition will also unravel Riopelle’s creative and cultural connections through the inclusion of a selection of works by his contemporaries, including Sam Francis, Alberto Giacometti, Roseline Granet, Joan Mitchell and Françoise Sullivan, which draw out influences and exchanges that shaped the artist’s life and work over time.

This exhibition is organized by the National Gallery of Canada as part of the Jean Paul Riopelle Centenary celebrations. The Jean Paul Riopelle Foundation, co-founded in 2019 by Canadian philanthropist Michael Audain and Yseult Riopelle, the artist’s daughter, orchestrated a vast program to mark the centenary, leading to national and international celebrations and to the acknowledgment of Jean Paul Riopelle as a Canadian cultural icon. For decades Riopelle’s experimental works have inspired generations of artists in Canada and around the world.

Jean-François Bélisle, Director and CEO, National Gallery of Canada, reflects on the celebrations: "We were honoured to present Riopelle: Crossroads in Time on the occasion of the centennial year of Jean Paul Riopelle's birth. From one of our best-attended openings of 2023 to innovative music and dance events, this major retrospective of works by this legendary Canadian artist was a huge success. I would like to underscore the importance of partnerships between our country's museum institutions to make Canadian art accessible to all Canadians, from coast to coast to coast. Following its opening in the National Capital Region, we were elated to see the show have an outstanding run at the Winnipeg Art Gallery last summer. I would now like to express my gratitude to the Vancouver Art Gallery for hosting the final stop of this exhibition.”

Offering a unique take on Canada’s famed artist, this visually spectacular exhibition presents Riopelle’s renowned works alongside many which have been rarely shown in public. The presentation at the Vancouver Art Gallery also features works by Jean-Paul Riopelle from the Gallery’s permanent collection, including his bold composition Sous le Mythe de Gitskan No. 3 [Under the Myth of Gitskan No. 3] (1956)—which has not been shown for more than a decade—and Figure libre-Parure [Free figure-Adornment] (1967). In preparation for the exhibition, Figure libre-Parure [Free figure-Adornment] has undergone extensive conservation treatment. Delicate consolidation, infilling and inpainting took place to resolve areas of unstable cracking and lifting paint. Now stabilized, preserved and newly framed, the painting is ready to be seen in its full brilliance.

“Jean Paul Riopelle was the first post-war Canadian artist to achieve international status. He is a pillar of our history, who has left in his wake a multifaceted body of work that encourages pushing past boundaries, and this is perhaps his greatest legacy,” says Dr. Sylvie Lacerte, Art Historian and Independent Researcher. “Underlining the extraordinary career of this prodigious artist enables us to keep the memory of his accomplishments alive. Riopelle was first and foremost a trailblazer, and that is precisely what made him an eminently contemporary artist. He was invested in the present moment; situating him at a crossroads in time highlights the currency of a body of work that will always be in the here and now.”

The exhibition is curated by Dr. Sylvie Lacerte, Art Historian and Independent Researcher. The Vancouver Art Gallery presentation is coordinated by Siobhan McCracken Nixon, Associate Curator. 

Riopelle: Crossroads in Time

National Gallery of Canada, 2023

Hardcover, 208 pages, 10 x 12 inches

ISBN 9780888849663

The exhibition is accompanied by a richly illustrated catalogue. This thoughtfully designed hardcover publication, edited by Sylvie Lacerte, includes essays by artists and art historians, including Gilles Daigneault, Vera Frenkel, Manuel Mathieu, Caroline Monnet, Marc-Antoine K. Phaneuf and Marc Séguin, who reflect on Riopelle’s legacy.

VANCOUVER ART GALLERY

750 Hornby Street, Vancouver, BC V6Z 2H7

www.vanartgallery.bc.ca

Andy Warhol @ Taglialatella Galleries, NYC + Toronto - "Andy Warhol: Factory Made" Exhibition

Andy Warhol: Factory Made

Taglialatella Galleries, New York

March 6 – 20, 2025

Taglialatella Galleries, Toronto

April 10 – May 1, 2025

Taglialatella Galleries presents Andy Warhol: Factory Made, in New York and Toronto, an exhibition of artwork representing three decades of iconic artwork from America’s most bought and sold artist in history, Andy Warhol.

Perhaps no formal introduction is needed for Andy Warhol, known by most for his pop art style and his ability to transform numerous everyday objects and recognizable faces into his muses. His subjects ranged from household products like Brillo boxes and Campbell’s Soup cans to musicians, athletes, politicians, and other influential pop culture and historical figures. In a studio he called “The Factory”, Andy Warhol mastered the ability to walk this fine line between artistic creation and manufactured aesthetics with a commercial and business-like attitude toward the works he produced.

Between 1963 and his untimely death in 1987, Andy Warhol moved his physical studio space several times, but The Factory continued to pump out a body of work unparalleled both then and since. It is estimated that Warhol created over 10,000 paintings, and his catalog raisonné of prints cites 413 published works in varying sized limited editions, totaling six figures of artwork produced in that 25-year span. In retrospect, this unprecedented style of creation is even more impressive since Warhol’s work was made before digital printing and computer-generation existed. As Warhol curated exhibitions and collaborated with fashion designers throughout the 80’s, he also produced countless hours of artistic films and shot hundreds of thousands of photographs.

With Andy Warhol: Factory Made, Taglialatella features the most iconic and sought-after of Warhol’s editions from The Factory’s three decades. Guests have the opportunity to view and purchase some of his most commercially traded and valuable works from this legendary period. For those more interested in the man himself, visitors can also view relics of Warhol’s eccentric style, including his iconic silver wig and a pair of his sunglasses.

TAGLIATELLA GALLERIES, NEW YORK

229 Tenth Avenue, New York, NY 10011

www.taglialatellagalleries.com

TAGLIATELLA GALLERIES, TORONTO

99 Yorkville Avenue, Toronto, ON M5R 1C1

tagto.ca

Salon Complément Design 2025, Montréal, placé sous le thème Générative — Génération : Design en processus

Complément Design 2025, Montréal

Générative — Génération : 

Design en processus

Grand Quai du Port, Montréal

1 — 3 avril 2025

Complètement Design 2025

générative-génération, design en processus

Imaginé par Index-Design, Complètement Design est un événement annuel qui rassemble la communauté de pratiques professionnelles et éducatives de l’architecture et du design pour célébrer la création. Complément Design 2025 est la troisième édition de ce salon d'un genre particulier. Offrant une programmation dynamique mêlant exposition, conférences, rencontres et formations, l’événement invite à explorer le design sous toutes ses facettes. Complément Design 2025 est placé sous le thème Générative — Génération : Design en processus, est présentée par Tafisa Canada et se tiendra du 1er au 3 avril à Montréal, avec son point culminant, le salon-conférence du 3 avril au Grand Quai du Port de Montréal. Ce sont plus de 2000 professionnels qui sont attendus au Grand Quai du Port de Montréal pour un événement unique, présenté par Tafisa Canada avec une scénographie signée Ivy Studio. Au programme : 22 conférenciers de renom, 70 exposants, mêlant fabricants locaux et grandes marques internationales, ainsi que 36 créateurs québécois indépendants. En amont, les 1er et 2 avril, des séances de formation en petit groupe permettront d’approfondir la compréhension des enjeux actuels du design.

Complètement Design 2025 : Des visionnaires du design mondial à Montréal pour inspirer les pratiques 

matali crasset

Photo @Julien Jouanjus

matali crasset, L’échappée quotidienne

Photo @Atmosphera

matali crasset, La maison des petits, Cent quatre Paris

Photo © Jérôme Spriet

matali crasset, Ferme hibride, Villelaure

Photo @Anthony Lanneretonne

Complètement Design 2025 invite plusieurs figures majeures du design international, dont Matali Crasset (France), icône mondiale qui explore le design comme un projet humain, social et écologique. À travers des exemples concrets, elle illustrera comment la pensée écologiste inspire une nouvelle approche de la création. 

Harry Nuriev

Photo @Andrew Jacobs System

Crosby Studios, Harry Nuriev, Alexander Wang Store

Photo © Pauline Shapiro

Crosby Studios, Harry Nuriev

Photo © Benoit Florencon

Crosby Studios, Harry Nuriev, Balenciaga Sofa

Photo © Inna Kablukova

De son côté, Harry Nuriev (France), prodige du design et fondateur de Crosby Studios, interrogera notre rapport à l’espace et aux objets à travers son esthétique audacieuse et « transformiste ». Ses réalisations virales, immédiatement reconnaissables, façonnent certains des intérieurs les plus marquants de notre époque, faisant de lui l’une des voix les plus influentes du design contemporain. 

Christopher Dessus

Photo © Paul Rousteau

Christopher Dessus, Paf-Atelier, Collectible

Photo © Ligia-Poplawska

Sonia Gagné

Photo @Frédérique Ménard Aubin

Provencher_Roy, Tour du Port de Montréal

Photo © James Brittain

Michel Dallaire

Photo © François Brunelle

Michel Dallaire, Le caquelon à fondue Abénakis

Photo © François Brunelle

Talia Dorsey

Photo © Guillaume Simoneau

D’autres sommités du secteur enrichiront le programme, parmi lesquels : Thomas Balaban (TBA), Manuel R. Cisneros (Sid Lee Architecture), Christopher Dessus (Paf Atelier, France), Justin Dubé-Fahmy et Marie-Anne Miljours (Rümker), Talia Dorsey (Phi), Maude Fafard (Ateliers Buissonnières), Sonia Gagné (Provencher_Roy), Lauren Goodman, Renée Mailhot, Sébastien Parent et Yannick Laurin (La Shed Architecture), Louis-Philippe Pratte (À Hauteur d’homme), Karine Touzel (Atelier Touzel, Canada).

Sid Lee Architecture, Bassin Wellington

Photo © Sid Lee Architecture + Bolide Studio

Fresh Catch chair, Lauren Goodman

Photo © PJCouture

Complément Design 2025 : Générative — Génération : Design en processus

Complètement Design 2025 explore le thème « Générative — Génération : Design en processus ». Elle met en évidence la richesse des itinéraires créatifs et les pratiques transdisciplinaires du design. Au-delà de la réalisation finale, c’est le parcours qui y mène qui sera mis à l’honneur, illustrant comment le design s’enrichit de l’expérimentation, de la collaboration et des avancées humaines et technologiques.

Les exposants, conférenciers et partenaires du salon seront invités à explorer ce fil conducteur à travers installations, produits, conférences et performances en direct. L’approche scénographique souligne l’évolution du design comme discipline en constante transformation, où innovation, engagement durable et transmission sont au cœur des réflexions.

« Complètement Design est un catalyseur pour l’industrie, un espace où se multiplient les rencontres et où circulent les idées prometteuses ; un temps fort annuel qui nourrit les échanges entre designers, fabricants et prescripteurs. » — Sandra Heintz, directrice d’Index-Design.

Complément Design 2025 : Le Prix Index-Design 2025 et L’Encan des créateurs locaux 

Une distinction honorant la création locale sera remise par Matali Crasset le 3 avril à un créateur exposant, sélectionné par un jury d’experts : Pierre-Luc Bérubé (Tafisa), Benoit Chapellier (Montoni), Rachel Gotlieb (Musée des beaux-arts de Montréal), Thibault Lerailler (Punctuate), Tania Morrison (Lovaco), Kristina Panzera (CIOT), Guillaume Sasseville (École de design UQAM), Vanessa Sicotte, et Ève St-Jean (NÓS Architectes). 

Autre nouveauté cette année : un encan des créateurs offrira aux visiteurs la chance d’acquérir des objets uniques ou en série limitée : luminaires, mobilier et objets signés.

Complément Design : Un salon montréalais qui va à contre-courant des salons conventionnels

À l’heure où les grands salons internationaux du design s’articulent souvent autour d’une logique commerciale et standardisée, Index-Design propose une posture différente pour cet événement contribuant à positionner Montréal comme capitale de design : montrer et raconter le design autrement. 

Chaque année, la scénographie est confiée à une firme québécoise différente. Après NÓS Architectes et Jean Verville Architectes, c’est au tour de IVY Studio de signer l’édition 2025. Complètement Design mise sur une scénographie épurée qui met en valeur les objets exposés : 

« En réduisant la saturation visuelle, l’aménagement offre une meilleure lisibilité des produits présentés, tout en favorisant des échanges plus qualitatifs entre exposants et prescripteurs », affirme Philip Staszewski, architecte, associé fondateur de IVY Studio, à l’origine de la scénographie 2025. 

Dans cette même logique, le salon-expo s’inscrit dans une démarche responsable depuis sa toute première édition : le mobilier de présentation conçu en 2024 est réintégré dans l’espace, et chaque nouvel élément est pensé dans une optique de réemploi et de cycle de vie prolongé.

Complément Design 2025 : Trois types d’accès pour une expérience immersive

1. ACCÈS MASTER (places limitées), 1-3 avril, divers lieux, Montréal (masterclasse, formations, conférences, salon-expo, soirée DJ set)

– Matamorphose : rencontrez Matali Crasset (masterclasse, 1er avril)

– Relevez les défis de la circularité en design intérieur (formation, 2 avril)

– Explorez les outils en IA générative pour la création visuelle (formation, 2 avril)

2. ACCÈS CONFÉRENCE (places limitées), 3 avril, Grand Quai du Port, Montréal (conférences, salon-expo, soirée DJ set)

3. ACCÈS SALON, 3 avril, Grand Quai du Port, Montréal. (salon-expo : présentations et performances, Prix Index-Design 2025, Encan des créateurs et soirée DJ set)

Complément Design 2025  - Conférenciers

Complément Design 2025 : Conférenciers

Matali Crasset (France), Harry Nuriev (Crosby Studios, France-USA), Michel Dallaire (Canada), Christopher Dessus (Paf Atelier, France), Talia Dorsey (PHI, Canada), Sonia Gagné (Provencher_Roy, Canada), Zébulon Perron (Atelier Zébulon Perron, Canada), Karine Touzel (Atelier Touzel, Canada), Lauren Goodman (Canada), Justin Dubé-Fahmy (Rümker, Canada), Marie-Anne Miljours (Rümker, Canada), Thomas Balaban (TBA, Canada), Manuel R. Cisneros (Sid Lee Architecture, Canada), Renée Mailhot, Sébastien Parent et Yannick Laurin (La Shed Architecture, Canada), Louis-Philippe Pratte (À Hauteur d’homme, Canada), Maude Fafard (Ateliers Buissonnières, Canada)

Complément Design 2025 : Exposants 

ALKEGEN, American Biltrite, Arancia Lighting, Atelier Arch, Atelier du Chef, Atelier Fomenta, Atelier MZO, BAINULTRA, Blaise Émilie, Blum, Brochette, Caesarstone, Centura, Céragrès, Ceratec Surfaces, Cime, Ciot, COSENTINO, CPL, Disamare, éclairage HITECH, Édition 8888, edp, Espace Cab Déco, Gabriel Page Mobiler, Garrett Leather, Ghauz Sofa, Gim Bert, HydroTuiles, Ināt, Jérémy Paguet, JETA, Johnstone Béton Architectural, KOHLER, L’Autre Atelier, La Fabrique Allwood, Laboratoire Textile, Lajoie, Le Tenon et la Mortaise, Lightbeans, Lixil, LumiGroup, MARdiROS, Marie Dooley, Mark Krebs, Matière Buissière, Mobico, Mohawk Group, National Energy, Planchers MIRAGE, Print International, Ramacieri Soligo, Reggy St-Surin, SANGARE, Shaw Contract, Anderson Tuftex, Studio Botté, SUPERGRAND, Tafisa Canada, Tarkett, Prosol, Taymor, Teknion, ToHook, Turf, Henderson, Typologie, Uniboard, Vicostone, Woodzco, XL Flooring

Complément Design 2025 : Partenaires de l’événement

Ville de Montréal, Montoni, Principal, Kollectif, Musée des Beaux-Arts de Montréal, Architecture sans frontières Québec, Association des Designers d’Intérieur du Québec, Association des Designers Industriels du Québec, Association des architectes en pratique privées du Québec, Ébénisterie CST, La Presse, Elle Décoration, v2com, Magazine Ligne, PLI, JTM, Hôtel W Montréal, Ogive Art, Édika. 

COMPLEMENT DESIGN 2025

Réservation : www.completementdesign.ca

Photographer Eldred Allen @ Stephen Bulger Gallery, Toronto - "Scenes From Labrador" Exhibition

Eldred Allen

Scenes From Labrador

Stephen Bulger Gallery, Toronto

11 January - 22 February 2025

Stephen Bulger Gallery presents “Scenes From Labrador,” their first solo exhibition of work by ELDRED ALLEN (b. 1978, Rigolet, Nunatsiavut, NL). Allen, an Inuk photographer from Rigolet, has garnered attention for his expansive and stunningly lit landscape and wildlife photography. His artistic journey began in 2018 with the purchase of his first camera. As a self-taught photographer, Allen captures views of landscapes, wildlife, and human activities, using both a handheld camera and UAV/drone perspectives. After establishing a successful photography business connected to commercial services, Allen was driven to create more expressive photographs and was a quick study in transforming ordinary scenes into extraordinary ones.

This exhibition offers an introduction to several aspects of Allen’s practice. It includes colour landscapes of expansive scenes captured while standing on terra firma, as well as aerial views taken with a drone. His black-and-white images often portray traditional ways of life and community events, providing an insider’s view of both preserved heritage and contemporary living. Allen’s early success was recognized by the Inuit Art Foundation and its key supporters, which helped him connect with other artists through exhibitions and residencies. Collaborating with fine art printers in various communities allowed him to produce photographic prints of the highest quality. This is Allen’s first solo exhibition west of Newfoundland and Labrador.

ELDRED ALLEN’s work has been exhibited throughout Canada, including at the Labrador Interpretation Centre, Northwest River; The Rooms, St. John’s; the Yukon Arts Centre, Whitehorse; the Winnipeg Art Gallery/Qaumajug, Winnipeg; and more. He has received grants from the Canada Council for the Arts and the ArtsNL Professional Artists Travel Fund, was shortlisted for the Kenojuak Ashevak Memorial Award and was longlisted for a Sobey Art Award. His work is included in public collections such as the Canadian Council Art Bank, Ottawa; Global Affairs Canada, Ottawa; the Indigenous Art Centre, Gatineau; McGill University Library and Archives, Montreal; the Montreal Museum of Fine Arts; the RBC Art Collection; The Rooms, St. John’s; among others.

STEPHEN BULGER GALLERY

1356 Dundas Street West, Toronto, ON Canada M6J 1Y2

www.bulgergallery.com

Exposition Déliquescence @ Fonderie Darling, Montréal - Lorna Bauer, Berdaguer & Péjus, Michel Blazy, Sébastien Cliche, Alexandre David, Edith Dekyndt, Kuh Del Rosario, Gordon Mat, Nicole McDonald-Fournier, Nour Mobarak

Déliquescence

Lorna Bauer, Berdaguer & Péjus, Michel Blazy, Sébastien Cliche, Alexandre David, Edith Dekyndt, Kuh Del Rosario, Gordon Mat, Nicole McDonald-Fournier, Nour Mobarak

Fonderie Darling, Montréal

26 septembre - 8 décembre 2024

La Fonderie Darling présente Déliquescence, une ambitieuse exposition autour d’un thème fédérateur et inspirant, l’entropie.

Regroupant cinq artistes internationaux – Gordon Matta-Clark, Edith Dekyndt, Nour Mobarak, Berdaguer & Péjus et Michel Blazy – et cinq artistes locaux – Nicole McDonald-Fournier, Alexandre David, Sébastien Cliche, Kuh Del Rosario et Lorna Bauer – l’exposition cherche à montrer comment ce thème prédominant sur les scènes artistiques nord-américaines des années 1970 est résurgent dans les pratiques artistiques actuelles.

L’entropie se définit comme la mesure qui évalue l’inévitable dégradation de chaque chose, quantifie l’intensité de la transformation d’un état ordonné à un autre incontrôlé, établi quantitativement le degré de désordre d'un système, sa capacité de changer d’état ou encore sa quantité d’instabilité.

« Cette exposition représente un sujet important pour moi car elle m’est inspirée par mes intérêts perpétuels pour les friches industrielles qui elles même subissent une forme d’entropie. Ma fascination pour leur statut de ruines qui se dégradent lentement avec le temps et le fait de vouloir inverser cette tendance par leur réhabilitation participe à une négociation permanente avec cette forme d’obsolescence » relate la commissaire de l’exposition, Caroline Andrieux.

Livrée à leur propre dérèglement, issue d’une mutation chimique ou biologique, d’un principe de fusion ou d’une fonte, chacune des propositions artistiques se soumet à une évolution vers la décomposition, à l'abandon de sa forme définie et à l'acceptation de sa dissolution vers une autre forme.

LORNA BAUER, photographe et sculptrice basée au Québec, évoque dans chacune de ses propositions un état de transition, une ouverture vers une autre forme, une mutation. Trois photographies provenant de deux différentes séries sont présentées.

BERDAGUER & PÉJUS, duo d’artistes basés à Marseille, s’est intéressé aux écrits que ROBERT SMITHSON a publié sur le sujet de l’entropie. Les artistes prennent mot-à-mot les propos de leur pair dans le but d’expérimenter sa démarche conceptuelle.

MICHEL BLAZY travaille la matière du végétal dans des installations et des sculptures qui revendiquent le passage du temps, redonnant vie à des éléments à travers l’imprévisibilité des processus naturels. L’artiste présente une installation murale monumentale et des sculptures réalisées à partir d’ordinateur et d’imprimante obsolètes.

Inspiré par la dématérialisation des données, c’est à travers des installations en constante évolution que l’artiste montréalais SÉBASTIEN CLICHE transmet ses préoccupations d’un monde en pleine mutation. Dans des solutions chimiques et cristallines, l’artiste insère des éléments issus de notre culture afin de les faire progressivement muter vers un état de neutralité total.

ALEXANDRE DAVID oriente actuellement sa pratique dans une déconstruction et une reconstruction systématique de chacune de ses pièces, se limitant exclusivement aux matériaux disponibles de chacune d’elles et les faisant évoluer d’un état vers un autre. Concepteur de la plateforme de lecture, l’artiste transforme son œuvre lui donnant une nouvelle forme tout en gardant sa fonction.

La pratique de KUH DEL ROSARIO se réfère à des domaines alternatifs dans lesquels les détritus urbains sont revitalisés et transfigurés en de nouvelles formes. L’artiste conçoit une installation spécifique pensée pour répondre au thème de l’exposition, soit une sculpture-fontaine dont l’eau servira à l’oxydation et à la cristallisation des éléments utilisés.

Artiste post-minimaliste américain de la fin des années 60, GORDON MATTA-CLARK et ses contemporains ont inspiré le thème de cette exposition par leurs intérêts pour le concept de l’entropie, notamment à travers des œuvres qui ont mis en avant le principe de la fonte et de la fusion. Dans Fresh Kill, présentée pour la première fois à la Documenta 5 de Cassel en 1972, une transformation radicale s’opère.

EDITH DEKYNDT s’intéresse au processus de création, avant même d’envisager une réalisation finale. Ainsi de nombreuses œuvres sont en constante évolution, poursuivant leur mutation vers une forme qui reste parfois encore indéterminée et rendent visible la puissance créative des échanges entre matières. Deux de ces œuvres sont présentées.

Engagée dans une démarche éco-responsable, NICOLE MCDONALD-FOURNIER crée des installations à partir de végétaux et de matériaux recyclés dans le but de questionner nos habitudes de vie. Déménagée provisoirement de la Place Publique où l’œuvre avait pris racine, Paysage Emballe-toi ! questionne nos habitudes de consommation vestimentaire.

Artiste multidisciplinaire résidant à Los Angeles, NOUR MOBARAK expérimente des œuvres et des installations dont la finalité est encore incertaine. L'artiste travaille avec le mycélium et les champignons, qu'elle considère comme ses assistants, ses collaborateurs ou ses fabricants.

FONDERIE DARLING

745 Place du Sable-Gris, Montréal, QC, H3C 2N4

fonderiedarling.org

Toronto Biennial of Art 2024 - Curators: Dominique Fontaine and Miguel A. López

TORONTO BIENNIAL OF ART 2024 

Co-curated by Dominique Fontaine 

and Miguel A. López

September 21 - December 1, 2024 

The Toronto Biennial of Art (TBA/the Biennial) is Canada’s leading visual arts event focused exclusively on contemporary art from around the world. For 10 weeks every two years, local, national, and international Biennial artists transform Toronto and its partner regions with free exhibitions, performances, and learning opportunities. Grounded in diverse local contexts, the Biennial’s city-wide programming aims to inspire individuals, engage communities, and contribute to global conversations. The Toronto Biennial of Art launched in 2019 and was a popular and critical success. The Biennial provides expanded understandings of contemporary art practices and is building a legacy of free, inclusive, and accessible contemporary arts programming in Toronto, Mississauga, and their surrounding communities. 

DOMINIQUE FONTAINE AND MIGUEL LOPEZ

Photo courtesy Toronto Biennial of Art

Toronto Biennial of Art 2024, the third edition of the city-wide art events is co-curated by Dominique Fontaine and Miguel A. López.

TBA worked with a group of prominent art-world leaders including TBA 2019 and 2022 Senior Curator and current Executive Director and Chief Curator of Forge Project Candice Hopkins, to develop a list of international and Canadian curators for consideration.

Toronto Biennial of Art Executive Director Patrizia Libralato said, “We are delighted to welcome Dominique and Miguel, thought leaders who will contribute significant scholarship, innovation, and inspiration as we shape the upcoming Biennial edition and programming. Their areas of research and ongoing commitment to supporting both emerging and established contemporary artists from Canada and around the world will deepen TBA’s connections to local communities and its place in global conversations. Together, we aim to create an event as uniquely diverse, responsive, challenging, and engaging as the city itself.”

The critically acclaimed Toronto Biennial of Art launched in 2019 and attracted over 450,526 visitors to its first two editions. The Biennial provides expanded understandings of contemporary art practices, and its free, citywide programming aims to inspire people, bridge communities, and contribute to global conversations. The Biennial has featured over 76 exhibition artists including powerful works by AA Bronson, Lawrence Abu Hamdan, Ghazaleh Avarzamani, Shezad Dawood, Judy Chicago, Jeffrey Gibson, Brian Jungen, Tanya Lukin Linklater, Kapwani Kiwanga, Joar Nango, New Red Order, Jumana Manna, Caroline Monnet, Lisa Reihana, Denyse Thomasos, and Camille Turner.

DOMINIQUE FONTAINE

“It’s a great honor to be invited to curate TBA 2024 with Miguel. I’m thrilled for this opportunity to co-create an event that could resonate with complex issues of our time in relation to the changing realities of Toronto and the praxis of coexistence. I am looking forward to working with artists, who will bring new and fresh ways of thinking and seeing, and the communities as well as TBA’s partners throughout the city. I am enthusiastic and passionate about the next edition of TBA.” -- Dominique Fontaine

DOMINIQUE FONTAINE 

Photo courtesy Toronto Biennial of Art

Dominique Fontaine is a curator, joining the TBA team in December 2022 as co-curator of its third edition. She graduated in visual arts and arts administration from the University of Ottawa (Canada), and completed De Appel Curatorial Programme (Amsterdam, the Netherlands).

Dominique Fontaine’s recent projects include Imaginaires souverains, Le présent, modes d’emploi, Maison de la culture Janine-Sutto; Foire en art actuel de Québec 2020; Here We Are Here: Black Canadian Contemporary Art; Dineo Seshee Bopape: and- in. the light of this._______, Darling Foundry; Repérages ou À la découverte de notre monde ou Sans titre, articule; Between the earth and the sky, the possibility of everything, Scotiabank Nuit Blanche Toronto 2014. Dominique Fontaine is co-initiator of the Black Curators Forum; is a member of AICA-Canada, the American Association of Museum Curators (AAMC,) and of the International Contemporary Art Curators Association (IKT); and is also part of Intervals Collective. Dominique Fontaine is laureate of Black History Month of the City of Montreal 2021.

MIGUEL A. LOPEZ

“I am beyond excited to work with the Toronto team and envision a meaningful 2024 Biennial for the artists, the art ecosystem, and especially for the city. I am looking forward to contributing to the local context and encouraging new collaborations with artists, activists, and cultural workers that are posing urgent questions about what forms art can take in the public sphere. I am devoted to bringing art that challenges, inspires, encourages, and connects us.” -- Miguel A. López

MIGUEL A. LOPEZ 

Photo courtesy Toronto Biennial of Art

Miguel A. López is a writer and curator, joining the TBA team in December 2022 for its third edition. In his practice, he focuses on the role of art in politics and public life, collective work and collaborative dynamics, and queer and feminist rewritings of history. Prior to joining TBA, Miguel A. López worked as chief curator, and later co-director, at TEOR/éTica (Costa Rica) from 2015 to 2020. In 2019, he curated the retrospective exhibition “Cecilia Vicuña: Seehearing the Enlightened Failure” at the Witte de With (now Kunstinstituut Melly), Rotterdam, which traveled to Mexico City, Madrid, and Bogota. For 2023-2025, he is preparing a new, more comprehensive retrospective entitled “Cecilia Vicuña. Dreaming Water,” that will first open at Fine Arts Museum of Chile, and then travel to MALBA – Latin American Art Museum of Buenos Aires, Pinacoteca Museum of São Paulo, Brazil, and other venues.

Other recent curatorial projects include “Sila Chanto & Belkis Ramírez: Aquí me quedo / Here I Stay” en el ICA-VCU, Richmond (2022), “Hard To Swallow. Anti-Patriarchal Poetics and New Scene in the Nineties” at ICPNA, Lima (2021), “and if I devoted my life to one of its feathers?” at the Kunsthalle Wien, Vienna (2021), and “21 Bienal de Arte Contemporânea SESC_Videobrasil. Comunidades Imaginadas” at SESC, São Paulo (2019). He is the author of Ficciones disidentes en la tierra de la misoginia [Dissident Fictions in the Land of Misogyny] (2019), and co-editor of The Words of Others: León Ferrari and Rhetoric in Times of War (2017). His texts have been published in journals such as Afterall, Artforum, e-flux Journal, Art in America, Journal of Visual Culture, Manifesta Journal. He was a recipient of the 2016 Independent Vision Curatorial Award.

TORONTO BIENNIAL OF ART

torontobiennial.org

O’Keeffe et Henry Moore : Géants de l’art moderne @ Musée des beaux-arts de Montréal

O’Keeffe et Henry Moore : 

Géants de l’art moderne

Musée des beaux-arts de Montréal

10 février – 2 juin 2024

Yousuf Karsh (1908-2002), Georgia O’Keeffe, 1956 

MBAM, don d’Estrellita Karsh à la mémoire de Yousuf Karsh 

Henry Moore dans l’atelier « du haut », à Perry Green. vers 1953 

Reproduit avec l’autorisation de la Henry Moore Foundation 

Photo Roger Wood

Le Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM) présente, en première canadienne, O’Keeffe et Henry Moore : géants de l’art moderne, une exposition d’envergure qui met pour la première fois en dialogue l’œuvre de la peintre américaine Georgia O’Keeffe (1887-1986) et celle du sculpteur anglais Henry Moore (1898-1986). Organisée par le San Diego Museum of Art, cette grande exposition dresse un parallèle inédit entre la vie et la production de ces deux artistes qui ont marqué le XXe siècle. A travers plus de 120 œuvres et la reconstitution de leur atelier personnel, elle retrace l’évolution de leur pratique artistique et témoigne de l’influence profonde du monde naturel sur leur travail.

Bien qu’ils aient vécu sur deux continents distincts, O’Keeffe et Moore ont partagé une vision semblable de l’art moderne. Le point commun entre ces deux artistes réside dans l’inspiration que chacun tire de la nature et dans leur association durable avec les vastes paysages ruraux environnants. Si d’autres de leurs contemporains, comme Piet Mondrian et Hans Arp, empruntent la voie des formes organiques pour atteindre l’abstraction, O’Keeffe et Moore centrent leur approche sur cet aspect fondamental.

Au cours de leurs excursions quotidiennes et de leurs voyages, les deux artistes amassent des pierres, des crânes et ossements d’animaux, des racines, des morceaux de bois, ainsi que des coquillages dont leurs ateliers regorgent. Leur vaste collection révèle des similitudes étonnantes. Pour la première fois, la reconstitution méticuleuse de leur atelier respectif permet au public d’observer comment ces objets trouvés façonnent leurs créations et leur inspirent certaines de leurs œuvres les plus importantes.

« À notre connaissance, les deux artistes ne se sont rencontrés qu’une seule fois, à l’occasion de la rétrospective Moore tenue au Museum of Modern Art en 1946. O’Keeffe a eu droit elle aussi à une rétrospective la même année. Il y a lieu de se questionner sur le message que cette grande institution a voulu lancer en mettant ces deux artistes à l’affiche à un moment où le monde se relevait du traumatisme de la guerre. A-t-elle voulu dire que leur œuvre offre quelque chose de vivifiant, de positif et de bienfaisant par le lien humaniste qu’elle entretient avec la nature ? », poursuit Anita Feldman, directrice adjointe de la conservation et de l’éducation, San Diego Museum of Art.

Georgia O’Keeffe et Henry Moore ont fait l’objet d’innombrables expositions. Pour la première fois sont réunies des œuvres des deux artistes provenant majoritairement de la Fondation Henry Moore, en Angleterre, et du Georgia O’Keeffe Museum, au Nouveau-Mexique, ainsi que d’une vingtaine de collections muséales et privées. L’exposition comprend des peintures, des œuvres sur papier et des sculptures réalisées à partir de diverses matières allant du plâtre au bronze, sans oublier le marbre, le calcaire Hoptonwood et l’albâtre de Cumberland. On y retrouve même une sculpture taillée à même une stalactite. Parmi les chefs-d’œuvre présentés, mentionnons Panier à oiseaux (1939), Figure allongée (1959-1964), « Trois morceaux no 3 : vertèbres », (1968) et Modèle de travail pour « Ovale avec pointes » (1968-1969) de Moore, et Arisème petit-prêcheur III (1930), Tête de bélier, belle-de-jour bleue (1938) et Le mont Pedernal vu depuis le ranch no 1, (1956) d’O’Keeffe. La présentation montréalaise est par ailleurs enrichie d’un « dessin de transformation » et de quatre sculptures de Moore, en plus d’un portrait d’O’Keeffe réalisé par Yousuf Karsh, tous issus de la collection du MBAM.

GEORGIA O’KEEFFE ET HENRY MOORE : 

GÉANTS DE L’ART MODERNE

PARCOURS DE L'EXPOSITION

Déployée en six sections, l’exposition propose une série de galeries thématiques qui portent un regard approfondi sur les formes naturelles qui ont marqué les créations d’O’Keeffe et de Moore. Elle débute par une présentation des premières études d’après nature des deux artistes. Elle offre un aperçu de l’influence, sur leur travail, du mouvement surréaliste qui se répand dans les années 1930. Ce mouvement se caractérise par un intérêt pour les thèmes de la transformation et de la métamorphose, ainsi que pour les juxtapositions d’objets insolites et les ruptures d’échelle.

Une section de l’exposition est consacrée à l’une des plus importantes sources d’inspiration de Georgia O’Keeffe et de Henry Moore : les ossements. Les deux artistes explorent la complexité interne des crânes et admirent la puissance et la robustesse des ossements, tout comme leurs arêtes tranchantes. Tous deux les mettent en relation avec le ciel qu’ils regardent par leurs ouvertures de manière à jouer avec la perspective et l’échelle.

Dans les années 1940, Georgia O’Keeffe et Henry Moore quittent respectivement les centres artistiques de New York et de Londres. La première s’installe dans les collines désertiques du Nouveau-Mexique, où elle vit et travaille au gré des saisons : à Ghost Ranch (en été et en automne) et à Abiquiú (en hiver et au printemps). Comme O’Keeffe, Moore travaille dans divers ateliers avant de s’installer dans le paysage rural de Perry Green, dans le Hertfordshire, après que sa résidence londonienne a été endommagée par les bombardements. Là-bas, il occupe plusieurs ateliers aménagés dans des hangars et des écuries reconvertis, au milieu de vastes pâturages.

Des meubles originaux et des répliques donnent vie aux ateliers reconstitués dans les salles de l’exposition et illustrent l’environnement dans lequel Georgia O’Keeffe et Henry Moore travaillent, entourés d’objets trouvés dans la nature. L’atelier d’O’Keeffe à Ghost Ranch intègre notamment un chevalet et des tableaux inachevés de l’artiste, ainsi que des pinceaux taillés par ses soins, des pastels de sa confection, des fiches chromatiques destinées à consigner des couleurs précises et même des outils lui servant à tendre ses toiles. L’atelier de Moore, Bourne Maquette Studio, contient pour sa part des étagères pleines d’objets trouvés et de petites sculptures directement moulées sur ces objets, notamment des maquettes en plâtre de figures humaines, des coquillages, du bois flotté, des bouts de silex ainsi que des os et cornes d’animaux amassés au cours de ses promenades dans les champs de moutons. On y trouve également quelques raretés telles qu’un crâne de rhinocéros noir et une vertèbre de girafe que l’artiste a reçus en cadeau de la part de l’éminent biologiste Julian Huxley. Cet arrangement de formes et d’objets souligne la relation intrinsèque qui unit tous les êtres vivants.

Une autre section porte sur les vastes collections de galets, de silex, de roches de rivière et de roches ferrugineuses des deux artistes qui, superposés et imbriqués, servent à réaliser bon nombre de leurs œuvres. Tous deux sont fascinés par l’immense variété des pierres aux surfaces tantôt corrodées et texturées, tantôt lisses et nuancées, allant même jusqu’à explorer des sites archéologiques pour étudier la manière dont ces pierres monumentales s’intègrent les unes aux autres. L’exposition examine par ailleurs l’évolution du travail de chaque artiste avec les formes organiques, explorant des formes internes et externes comme celles des fleurs et des coquillages. Le dialogue fécond entre les œuvres présentées jette un éclairage nouveau sur les peintures florales d’O’Keeffe qui tranche avec l’habituelle interprétation sexualisée de son œuvre, qu’elle n’a cessé de réfuter.

Le parcours se termine par la présentation d’œuvres tardives, des paysages caractérisés par des formes épurées et des échelles démesurées qui créent une monumentalité dans la simplicité. Certaines œuvres de Moore illustrent sa façon de transformer une figure en paysage métaphorique, tandis que les compositions d’O’Keeffe, constituées de bandes de couleur et de lumière, illustrent l’immobilité et le passage du temps.

Une exposition organisée par le San Diego Museum of Art, en collaboration avec le Musée des beaux-arts de Montréal.

Commissariat : Anita Feldman, directrice adjointe de la conservation, San Diego Museum of Art. Iris Amizlev, conservatrice – Projets et engagement communautaires, est responsable de la présentation montréalaise.

Publication : L’exposition est accompagnée d’un élégant ouvrage illustré, publié en anglais par Marquand Books, et adapté en français par les Éditions du Musée des beaux-arts de Montréal. Sous la direction d’Anita Feldman, il réunit des essais d’Hannah Higham, de Jennifer Laurent, de Barbara Buhler Lynes, d’Ariel Plotek et de Chris Stephens, qui offrent un éclairage nouveau sur les méthodes de travail d’O’Keeffe et de Moore, artistes dont la pratique est profondément ancrée dans leur environnement.

MUSÉE DES BEAUX-ARTS DE MONTRÉAL

1380, rue Sherbrooke Ouest, Montréal (Québec) H3G 1J5

mbam.qc.ca