Salon Complément Design 2025, Montréal, placé sous le thème Générative — Génération : Design en processus

Complément Design 2025, Montréal

Générative — Génération : 

Design en processus

Grand Quai du Port, Montréal

1 — 3 avril 2025

Complètement Design 2025

générative-génération, design en processus

Imaginé par Index-Design, Complètement Design est un événement annuel qui rassemble la communauté de pratiques professionnelles et éducatives de l’architecture et du design pour célébrer la création. Complément Design 2025 est la troisième édition de ce salon d'un genre particulier. Offrant une programmation dynamique mêlant exposition, conférences, rencontres et formations, l’événement invite à explorer le design sous toutes ses facettes. Complément Design 2025 est placé sous le thème Générative — Génération : Design en processus, est présentée par Tafisa Canada et se tiendra du 1er au 3 avril à Montréal, avec son point culminant, le salon-conférence du 3 avril au Grand Quai du Port de Montréal. Ce sont plus de 2000 professionnels qui sont attendus au Grand Quai du Port de Montréal pour un événement unique, présenté par Tafisa Canada avec une scénographie signée Ivy Studio. Au programme : 22 conférenciers de renom, 70 exposants, mêlant fabricants locaux et grandes marques internationales, ainsi que 36 créateurs québécois indépendants. En amont, les 1er et 2 avril, des séances de formation en petit groupe permettront d’approfondir la compréhension des enjeux actuels du design.

Complètement Design 2025 : Des visionnaires du design mondial à Montréal pour inspirer les pratiques 

matali crasset

Photo @Julien Jouanjus

matali crasset, L’échappée quotidienne

Photo @Atmosphera

matali crasset, La maison des petits, Cent quatre Paris

Photo © Jérôme Spriet

matali crasset, Ferme hibride, Villelaure

Photo @Anthony Lanneretonne

Complètement Design 2025 invite plusieurs figures majeures du design international, dont Matali Crasset (France), icône mondiale qui explore le design comme un projet humain, social et écologique. À travers des exemples concrets, elle illustrera comment la pensée écologiste inspire une nouvelle approche de la création. 

Harry Nuriev

Photo @Andrew Jacobs System

Crosby Studios, Harry Nuriev, Alexander Wang Store

Photo © Pauline Shapiro

Crosby Studios, Harry Nuriev

Photo © Benoit Florencon

Crosby Studios, Harry Nuriev, Balenciaga Sofa

Photo © Inna Kablukova

De son côté, Harry Nuriev (France), prodige du design et fondateur de Crosby Studios, interrogera notre rapport à l’espace et aux objets à travers son esthétique audacieuse et « transformiste ». Ses réalisations virales, immédiatement reconnaissables, façonnent certains des intérieurs les plus marquants de notre époque, faisant de lui l’une des voix les plus influentes du design contemporain. 

Christopher Dessus

Photo © Paul Rousteau

Christopher Dessus, Paf-Atelier, Collectible

Photo © Ligia-Poplawska

Sonia Gagné

Photo @Frédérique Ménard Aubin

Provencher_Roy, Tour du Port de Montréal

Photo © James Brittain

Michel Dallaire

Photo © François Brunelle

Michel Dallaire, Le caquelon à fondue Abénakis

Photo © François Brunelle

Talia Dorsey

Photo © Guillaume Simoneau

D’autres sommités du secteur enrichiront le programme, parmi lesquels : Thomas Balaban (TBA), Manuel R. Cisneros (Sid Lee Architecture), Christopher Dessus (Paf Atelier, France), Justin Dubé-Fahmy et Marie-Anne Miljours (Rümker), Talia Dorsey (Phi), Maude Fafard (Ateliers Buissonnières), Sonia Gagné (Provencher_Roy), Lauren Goodman, Renée Mailhot, Sébastien Parent et Yannick Laurin (La Shed Architecture), Louis-Philippe Pratte (À Hauteur d’homme), Karine Touzel (Atelier Touzel, Canada).

Sid Lee Architecture, Bassin Wellington

Photo © Sid Lee Architecture + Bolide Studio

Fresh Catch chair, Lauren Goodman

Photo © PJCouture

Complément Design 2025 : Générative — Génération : Design en processus

Complètement Design 2025 explore le thème « Générative — Génération : Design en processus ». Elle met en évidence la richesse des itinéraires créatifs et les pratiques transdisciplinaires du design. Au-delà de la réalisation finale, c’est le parcours qui y mène qui sera mis à l’honneur, illustrant comment le design s’enrichit de l’expérimentation, de la collaboration et des avancées humaines et technologiques.

Les exposants, conférenciers et partenaires du salon seront invités à explorer ce fil conducteur à travers installations, produits, conférences et performances en direct. L’approche scénographique souligne l’évolution du design comme discipline en constante transformation, où innovation, engagement durable et transmission sont au cœur des réflexions.

« Complètement Design est un catalyseur pour l’industrie, un espace où se multiplient les rencontres et où circulent les idées prometteuses ; un temps fort annuel qui nourrit les échanges entre designers, fabricants et prescripteurs. » — Sandra Heintz, directrice d’Index-Design.

Complément Design 2025 : Le Prix Index-Design 2025 et L’Encan des créateurs locaux 

Une distinction honorant la création locale sera remise par Matali Crasset le 3 avril à un créateur exposant, sélectionné par un jury d’experts : Pierre-Luc Bérubé (Tafisa), Benoit Chapellier (Montoni), Rachel Gotlieb (Musée des beaux-arts de Montréal), Thibault Lerailler (Punctuate), Tania Morrison (Lovaco), Kristina Panzera (CIOT), Guillaume Sasseville (École de design UQAM), Vanessa Sicotte, et Ève St-Jean (NÓS Architectes). 

Autre nouveauté cette année : un encan des créateurs offrira aux visiteurs la chance d’acquérir des objets uniques ou en série limitée : luminaires, mobilier et objets signés.

Complément Design : Un salon montréalais qui va à contre-courant des salons conventionnels

À l’heure où les grands salons internationaux du design s’articulent souvent autour d’une logique commerciale et standardisée, Index-Design propose une posture différente pour cet événement contribuant à positionner Montréal comme capitale de design : montrer et raconter le design autrement. 

Chaque année, la scénographie est confiée à une firme québécoise différente. Après NÓS Architectes et Jean Verville Architectes, c’est au tour de IVY Studio de signer l’édition 2025. Complètement Design mise sur une scénographie épurée qui met en valeur les objets exposés : 

« En réduisant la saturation visuelle, l’aménagement offre une meilleure lisibilité des produits présentés, tout en favorisant des échanges plus qualitatifs entre exposants et prescripteurs », affirme Philip Staszewski, architecte, associé fondateur de IVY Studio, à l’origine de la scénographie 2025. 

Dans cette même logique, le salon-expo s’inscrit dans une démarche responsable depuis sa toute première édition : le mobilier de présentation conçu en 2024 est réintégré dans l’espace, et chaque nouvel élément est pensé dans une optique de réemploi et de cycle de vie prolongé.

Complément Design 2025 : Trois types d’accès pour une expérience immersive

1. ACCÈS MASTER (places limitées), 1-3 avril, divers lieux, Montréal (masterclasse, formations, conférences, salon-expo, soirée DJ set)

– Matamorphose : rencontrez Matali Crasset (masterclasse, 1er avril)

– Relevez les défis de la circularité en design intérieur (formation, 2 avril)

– Explorez les outils en IA générative pour la création visuelle (formation, 2 avril)

2. ACCÈS CONFÉRENCE (places limitées), 3 avril, Grand Quai du Port, Montréal (conférences, salon-expo, soirée DJ set)

3. ACCÈS SALON, 3 avril, Grand Quai du Port, Montréal. (salon-expo : présentations et performances, Prix Index-Design 2025, Encan des créateurs et soirée DJ set)

Complément Design 2025  - Conférenciers

Complément Design 2025 : Conférenciers

Matali Crasset (France), Harry Nuriev (Crosby Studios, France-USA), Michel Dallaire (Canada), Christopher Dessus (Paf Atelier, France), Talia Dorsey (PHI, Canada), Sonia Gagné (Provencher_Roy, Canada), Zébulon Perron (Atelier Zébulon Perron, Canada), Karine Touzel (Atelier Touzel, Canada), Lauren Goodman (Canada), Justin Dubé-Fahmy (Rümker, Canada), Marie-Anne Miljours (Rümker, Canada), Thomas Balaban (TBA, Canada), Manuel R. Cisneros (Sid Lee Architecture, Canada), Renée Mailhot, Sébastien Parent et Yannick Laurin (La Shed Architecture, Canada), Louis-Philippe Pratte (À Hauteur d’homme, Canada), Maude Fafard (Ateliers Buissonnières, Canada)

Complément Design 2025 : Exposants 

ALKEGEN, American Biltrite, Arancia Lighting, Atelier Arch, Atelier du Chef, Atelier Fomenta, Atelier MZO, BAINULTRA, Blaise Émilie, Blum, Brochette, Caesarstone, Centura, Céragrès, Ceratec Surfaces, Cime, Ciot, COSENTINO, CPL, Disamare, éclairage HITECH, Édition 8888, edp, Espace Cab Déco, Gabriel Page Mobiler, Garrett Leather, Ghauz Sofa, Gim Bert, HydroTuiles, Ināt, Jérémy Paguet, JETA, Johnstone Béton Architectural, KOHLER, L’Autre Atelier, La Fabrique Allwood, Laboratoire Textile, Lajoie, Le Tenon et la Mortaise, Lightbeans, Lixil, LumiGroup, MARdiROS, Marie Dooley, Mark Krebs, Matière Buissière, Mobico, Mohawk Group, National Energy, Planchers MIRAGE, Print International, Ramacieri Soligo, Reggy St-Surin, SANGARE, Shaw Contract, Anderson Tuftex, Studio Botté, SUPERGRAND, Tafisa Canada, Tarkett, Prosol, Taymor, Teknion, ToHook, Turf, Henderson, Typologie, Uniboard, Vicostone, Woodzco, XL Flooring

Complément Design 2025 : Partenaires de l’événement

Ville de Montréal, Montoni, Principal, Kollectif, Musée des Beaux-Arts de Montréal, Architecture sans frontières Québec, Association des Designers d’Intérieur du Québec, Association des Designers Industriels du Québec, Association des architectes en pratique privées du Québec, Ébénisterie CST, La Presse, Elle Décoration, v2com, Magazine Ligne, PLI, JTM, Hôtel W Montréal, Ogive Art, Édika. 

COMPLEMENT DESIGN 2025

Réservation : www.completementdesign.ca

Downtown Design Riyadh 2025 @ JAX District, Riyadh - Save the Date

Downtown Design Riyadh 2025

JAX District, Riyadh

20 - 23 May 2025

DOWNTOWN DESIGN RIYADH: 20-23 MAY, 2025

The leading fair for contemporary and quality design in the Middle East, Downtown Design, will open its inaugural fair in Saudi Arabia. Located in the JAX District, Riyadh, with the stunning backdrop of the historic UNESCO World Heritage Site of Al Turaif, Downtown Design Riyadh will take place from 20-23 May 2025.

Held in partnership with Saudi Arabia’s Architecture and Design Commission of the Ministry of Culture, the fair will offer design professionals and industry leaders as well as design enthusiasts and the culturally curious with direct access to contemporary and limited-edition design from around the world, with a spotlight on local talent. 

داون تاون ديزاين الرياض :20 إلى 23 مايو، 2025 

سيشهد "داون تاون ديزاين"، المعرض البارز في مجال التصميم المعاصر والجودة في الشرق الأوسط، انطلاق نسخته الأولى في المملكة العربية السعودية. وسيُقام "داون تاون ديزاين الرياض" في حي جاكس بالرياض، الذي يتميز بإطلالته الخلابة على حي الطريف التاريخي المُدرج ضمن قائمة التراث العالمي لليونسكو، وذلك من 20 إلى 23 مايو 2025.

سيوفر المعرض، الذي يُنظم بالتعاون مع هيئة فنون العمارة والتصميم التابعة لوزارة الثقافة السعودية، فرصة فريدة للمحترفين وقادة القطاع وعشاق التصميم والمهتمين بالثقافة للوصول المباشر إلى التصاميم المعاصرة والإصدارات المحدودة من مختلف أنحاء العالم، مع تسليط الضوء على المواهب المحلية.

DOWNTOWN DESIGN RIYADH

www.downtowndesign.com

Exposition Match : Design & Sport @ Musée du Luxembourg, Sénat, Paris - Label Olympiade Culturelle

MATCH : Design et sport – une histoire tournée vers le futur

Musée du Luxembourg, Sénat, Paris 

13 mars - 11 août 2024 

Affiche de l’exposition

MATCH : design & Sport - une histoire tournée vers le futur

Graphic Design Concept and Key Visual

© BUREAU BORSCHE- Design : Fabrice Urviez - laika-design.fr

Pierre Coubertin

Les anneaux olympiques

Dessin original, 1913

Graphite et gouache sur carte, 21 x 27,5 cm

© Collection privée

Design: Katsumi Masaru, Yoshiro Yamashita

Boxe (Tokyo), 1964

© International Olympic Committee

Design: Roger Excoffon

Ski alpin, slalom (Grenoble), 1968

© International Olympic Committee

Design: Sarah E. Rosenbaum / Designgruppen’94

Ski acrobatique (Lillehammer), 1994

© International Olympic Committee

L’exposition MATCH : Design & Sport - une histoire tournée vers le futur, est imaginée comme une aire de lancement pour la réflexion sur le futur du sport et souligne le rôle primordial que le design tiendra dans son façonnage.

Le concept curatorial de l’exposition vise ainsi à donner une vision plus large des corrélations entre ces deux disciplines. Plutôt que d’essayer de s’imposer comme une étude historique exhaustive, elle poursuit une approche plus narrative, qui met en parallèle des sujets en apparence éloignés, sans les différencier les uns des autres. 

La scénographie de l’exposition s’inspire du monde du sport pour créer une expérience dynamique et immersive. L’immobilisme muséal est alors remplacé par la mobilité et le dynamisme inspirés des arènes sportives.

Le rôle du design dans le contexte du sport va bien au-delà de la forme, de l’aspect et de la sensation d’une chaussure de course ou d’une raquette. Les jeux, qu’ils soient physiques ou numériques, sont conçus à partir de règles et de régulations ; par exemple, le poids d’une balle ou la réactivité d’un clavier sont conçus pour définir la vitesse d’un même jeu. Les athlètes construisent et sculptent leur corps. La technologie est, quant à elle, conçue pour améliorer et optimiser les performances humaines et pour compenser ses éventuelles faiblesses. L’expérience des spectateurs est également minutieusement pensée, du placement des caméras et des séquences filmées par des drones aux plateformes de diffusion en ligne, en passant par la configuration et les sensations procurées par un stade. 

Luigi Colani & Fritz Egli

MDR-1

Moto de course, 1986

80 x 120 x 260 cm

Acier et plastique renforcé de fibres de verre

© Jo Soppa/SIRS

Design: Lisa Lindahl, Polly Smith, Hinda

JogBra®

Premier prototype de brassière de sport, 1977,

réplique recréé pour l’exposition MATCH, 2024

30 x 30 cm

© JogBra®

Bamboo Bicycle Club, design : James Marr

Gravel Lugged

Kit de construction de cadre, 2012

Bambou, aluminium recyclé

© Bamboo Bicycle Club Team

S’ouvrant sur une représentation classique de l’athlète (le Discobole) et sur la notion de super-héros ou de super-athlète, l’exposition couvre un riche ensemble de sujets illustrant la relation synergique entre le sport et le design. Les objets présentés vont de l’architecture des stades (Temporary Autonomous Zone, Didier Faustino, 2004/2023) aux symboles de l’impact social et politique fort que le sport a sur nos modes de vie (Replica of the JogBra®from 1977 invented by Lisa Lindahl, Polly Smith and Hinda Miller, 2024 ; Refugee Nation flag, Yara Said, 2016), en passant par l’impact sur le développement des prothèses (Cheetah® Xcel pied de sprint, Össur, 2021), sur la robotique (Atlas le robot humanoïde, Boston Dynamics, 2018), les impératifs environnementaux (Gravel Lugged, Frame Build Kit, Bamboo Bicycle Club, 2012), l’impression 3D (1827 F BIONIC biathlon rifle, Anschütz, 2022), la production d’équipements ultra-personnalisés (ensemble Versa Foot + Moto Knee Prosthetic Leg, Mike Schulz), l’e-sport (g.Nautilus RESEARCH (casque EEG utilisé pour les interfaces cerveau-ordinateur), g.tec medical engineering GmbH, 2017), le dopage technologique (Speedo LZR Racer fastskin racer back swimsuit, Speedo and Mectex in collaboration with NASA, 2008), l’entraînement (aiScout, ai.io, 2023), et bien d’autres sujets.

A la fin de l’exposition, les visiteurs découvrent la façon dont le design sportif s’est progressivement concentré sur de nouvelles perspectives, en particulier celles offertes par la data. 

Sans formuler d’opinion ou d’interprétation spécifique, la question du futur du sport reste ouverte, partant du principe que la robotique, la technologie et la digitalisation générale du sport continueront à se développer au même rythme que la progression de la collecte et de l’analyse des données. 

Dans son ensemble, l’expérience immersive associe le passé au présent et à un futur hypothétique, pour créer une exposition libérant une énergie palpable, et rappelant les sensations fortes expérimentées dans le monde sportif.

Cette vision globale, proposée par Konstantin Grcic, se reflète dans la toute dernière image de l’exposition, qui est une citation de la Charte olympique : La pratique du sport est un droit de l’homme.

Exposition produite par GrandPalaisRmn

Ce projet a reçu le label Olympiade Culturelle

Commissariat général et scénographie : Konstantin Grcic, Berlin/Allemagne

CATALOGUE DE L'EXPOSITION

MATCH : Design & Sport - une histoire tournée vers le futur

GrandPalaisRmnÉditions / Musée du Luxembourg

Sous la direction de Konstantin Grcic

Conception graphique : Bureau Borsche

Affiches pliées et assemblées 

par un élastique repositionnable

80 pages, 30 illustrations, 21 x 29 cm (plié)

A travers ce livre-objet hybride, ludique et inclusif que l’on peut afficher aussi bien que recomposer à l’infini, le lecteur est invité à explorer les liens entre design et sport.

Des premiers jeux de la Grèce antique à l’avènement de l’eSport, en passant par les compétitions internationales contemporaines, les athlètes sont au premier plan. À l’occasion des JO de Paris 2024, l’exposition « MATCH : Design & Sport - une histoire tournée vers le futur » explore la relation entre les athlètes et les designers, depuis l’architecture des stades qui mettent en scène les sportifs jusqu’aux créations qui maximisent leurs performances. À mesure que le corps humain a été poussé jusqu’à ses limites, et parfois au-delà, le design s’est en effet tourné vers les nouvelles opportunités offertes par la technologie et les données, mettant en lumière les athlètes et leurs prouesses.

Véritable livre-objet, cette publication entremêle de courts essais de spécialistes d’horizons variés (designers, curators, sportifs, universitaires, prothésistes, etc.) – et de nombreuses images en pleine page (photographies d’événements sportifs, objets, etc.) dont les confrontations sont signifiantes. Reliés par un élastique repositionnable, les feuillets se détachent et peuvent être affichés comme de véritables posters.

SOMMAIRE

Introduction, Konstantin Grcic

Design et Sport : des liens étroits, Vera Sacchetti

L’avenir du sport, Sascha L. Schmidt

L’intelligence artificielle et le design partagé comme modes de fraternité sociale, T. Devine et G. Redgrave (AKQA)

Design inclusif : les outils techniques du parasport, Ottobock

Les sports (et leur avenir) dans la littérature de science-fiction, Ludwig Engel

Repenser l’artisanat de la bicyclette, James Marr

Jeux vidéo, technologie et sports : l’avenir est interactif, immersif et adaptatif, Johanna Pirker

Glossaire

Musée du Luxembourg

19 rue Vaugirard, 75006 Paris 

museeduluxembourg.fr

Design, art et artisanat finlandais @ Institut Finlandais, Paris - Exposition "Jardin Imaginaire"

Jardin Imaginaire

Design, art et artisanat finlandais

Institut Finlandais, Paris

1er décembre 2023 - 30 mars 2024

© Hannakaisa Pekkala

Jardin Imaginaire réunit les oeuvres de neuf designers et artistes finlandais émergents. Les pièces présentées, captivantes et ludiques, reflètent la tendance artisanale qui a conquit le milieu du design finlandais.

Le design finlandais est souvent connu pour son approche ultra-fonctionnelle et minimaliste. La nouvelle génération de créateurs présente une manière plus colorée, originale et haptique de faire les choses. Leurs créations incarnent les changements que connaît actuellement leur industrie, puisqu’ils se réapproprient le rôle de fabricant en confectionnant leurs propres séries limitées et pièces uniques. Il en résulte des oeuvres empreintes d’une nouvelle authenticité, qui combinent artisanat, design et expression artistique.

Jardin Imaginaire présente une variété de matériaux, comme du laiton brillant, des pièces en verre audacieuses et délicates, de la céramique agréable au toucher et des textiles doux. Chaque créateur travaille avec ses matériaux de prédilection en utilisant différentes techniques ou en les combinant à d’autres matières pour obtenir des résultats toujours plus inspirants.

La plupart des créateurs de l’exposition sont inspirés à la fois par la diversité de la nature et par le pouvoir de l’imagination. Le recours aux matériaux naturels et aux méthodes de production artisanales et écologiques est au coeur de leur travail. Entre leurs mains, des objets communs s’emplissent de magie et apportent beauté et fantaisie à notre quotidien.

L’exposition est organisée en collaboration avec UU Market, une galerie en ligne et collectif de design finlandais qui promeut le nouveau design et l’art finlandais à l’international. Avec ses 30 membres issus de différents domaines créatifs, UU Market monte des événements tels que des salons, des boutiques éphémères et des expositions. Le collectif représente aussi le design finlandais auprès des revendeurs et autres partenaires.

La co-fondatrice de UU Market Hannakaisa Pekkala est la commissaire de cette exposition.

Les portraits ont été photographiés par : Teemu Heljo, Jef Claes, Aino Huhtaniemi, Katztudio, Lina Jelanski, Markus Peltomaki, Heikki Humberg, Hannakaisa Pekkala, Elina Simonen et Janne Naakka.

Ville Auvinen

Ville Auvinen est un designer et artisan qui évolue aisément entre l’expression sculpturale et la production industrielle. Travaillant sur l’île pittoresque de Lauttasaari à Helsinki, il recherche la beauté et l’harmonie à travers une expression simple. C’est en travaillant de ses mains que Ville se sent le plus à l’aise, en réalisant de nouvelles idées, en voyant une vision prendre vie. Depuis qu’il a ouvert son studio, Studio Ville Auvinen, en 2016, il conçoit du mobilier pour des marques et pour sa propre collection, et plus récemment, des oeuvres sculpturales uniques. Son objectif est de créer des objets agréables qui honorent les matériaux utilisés.

Elisa Defossez

Elisa Defossez est une designer textile et conceptrice de produits basée à Helsinki. Elle a étudié le design industriel à l’ENSAV La Cambre en Belgique et a obtenu un master en design textile à l’université d’Aalto en Finlande. Avec une approche pluridisciplinaire, Defossez cherche à faire naître des émotions et un sentiment de bien-être à travers de subtiles nuances de couleurs et de matériaux, en accordant une importance singulière au rôle de l’objet dans la vie de tous les jours. Après avoir travaillé quelques années chez Hermès, elle a décidé de poursuivre sa quête du confort dans le design en créant son studio en 2021. Elle travaille actuellement entre la Finlande et le Japon.

Laura Itkonen

Laura Itkonen est une designer et artiste qui vit et travaille à Helsinki, en Finlande. Elle travaille principalement sur des céramiques architecturales tactiles et visuellement détaillées, ainsi que sur des sculptures de collection. Pour Itkonen, l’intersection de l’art et du design est le point le plus intéressant où travailler pour explorer le potentiel des matériaux. Ce domaine lui offre l’opportunité passionnante de repousser les limites de la créativité et d’expérimenter dans le contexte de différents projets. L’utilisation qu’elle fait des matériaux met en évidence leurs caractéristiques uniques, tandis que leurs formes soigneusement élaborées lient le tout. Les contrastes sont un facteur unificateur dans son travail, créant des pièces dynamiques et spectaculaires.

Dylan Katz

Dylan Katz souffle le verre depuis l’âge de douze ans. Il a rencontré sa compagne Greta aux États-Unis et, en 2013, ils ont décidé de s’installer dans le pays natal de Greta, la Finlande, où Katztudio a été fondé en 2016. Leur objectif est de produire des produits haut de gamme adaptés à tous les budgets, avec l’idée de rendre l’art verrier plus accessible. Dylan Katz est passionné par le verre et les possibilités infinies qu’offre ce matériau de création.

Päivi Keski-Pomppu

Päivi Keski-Pomppu est une designer, architecte d’intérieur et orfèvre basée à Helsinki. Elle est la fondatrice et la créatrice indépendante de la marque de bijoux Keski-Pomppu et la cofondatrice de Studio Bom. Päivi Keski-Pomppu crée des bijoux de haute qualité dans son studio, en utilisant des métaux précieux recyclés et soigneusement choisis, et des méthodes de travail traditionnelles. Pour garantir la longévité et l’intemporalité des collections, les produits sont fabriqués en petites séries, en accordant une attention particulière aux moindres détails. L’inspiration et les idées lui viennent de l’expérimentation et de son environnement quotidien.

Viivi Lehto

Viivi Lehto est une créatrice basée à Helsinki travaillant à la fois sur des projets cartistiques et commerciaux. Son travail artistique se concentre principalement sur l’art verrier et sur la peinture. La série Garden, sur laquelle elle travaille actuellement, est composée de sculptures en verre colorées et multidimensionnelles. Le thème du jardin qui se répète souvent dans ses oeuvres représente l’évolution personnelle ainsi que l’importance du jeu, des sentiments et des traditions. En plus de son travail dans le domaine des arts visuels, elle est auteure-compositrice-interprète de musique.

Kati Peltola

Kati Peltola travaille le verre à la flamme dans son atelier de Vallila, à Helsinki pour créer des bijoux et des sculptures. Une manipulation intuitive des matériaux et une curiosité pour le processus constituent la base du travail artistique de Kati Peltola. Elle s’habitue encore au caractère imprévisible du verre, et à ses polarités : il est à la fois banal et luxueux, durable mais parfois cassant, mou lorsqu’il est en fusion et dur lorsqu’il est refroidi.

Paula Pääkkönen

Paula Pääkkönen est souffleuse de verre et artiste verrier. Elle a choisi le verre comme matériau de prédilection pour son aspect stimulant : les techniques de soufflage du verre sont pour elle une source d’inspiration inépuisable. Elle travaille actuellement sur les thèmes de l’enfance, des souvenirs et de l’imagination, et poursuit le moment où les choses ordinaires ont encore un soupçon de magie et où les proportions du monde peuvent varier. Pääkkönen travaille pour d’autres designers et artistes, tout en travaillant sur son propre travail artistique.

Milla Vaahtera

Milla Vaahtera est une designer et artiste qui travaille à Helsinki. Ses oeuvres portent sur les thèmes de l’image corporelle, l’intuition, et du dialogue dans le processus créatif. Elle est surtout connue pour sa série de mobiles et stabiles Dialogue, dans laquelle elle associe des pièces de verre audacieuses à des pièces de laiton délicates. Milla Vaahtera a commencé à travailler sur cette série en mai 2017 avec plusieurs souffleurs de verre du village des verriers de Nuutajärvi. Vaahtera est passionnée par la revitalisation de l’héritage finlandais du soufflage de verre et par le fait de donner à la jeune génération d’artisans de nouvelles opportunités d’approfondir leurs compétences.

Hannakaisa Pekkala

Hannakaisa Pekkala est designer et cofondatrice du collectif UU Market. Depuis six ans, elle travaille avec passion à la promotion internationale du design et de l’art contemporains finlandais. Elle croit au pouvoir de la coopération : on ne peut pas conquérir le monde tout seul. À travers son travail, elle cherche à rassembler des personnes talentueuses et à former un réseau qui fait ressortir le meilleur du design finlandais en réunissant les thèmes, les techniques et l’esthétique les plus pertinents de la nouvelle génération.

INSTITUT FINLANDAIS, PARIS

60, rue des Écoles

33, rue du Sommerard

75005 Paris

institut.finlandais.fr

UU MARKET

uumarket.fi

Free + Open Chicago @ Design Museum of Chicago - 10-Year Anniversary

Free + Open Chicago

Design Museum of Chicago

Through April 3, 2023

The Design Museum of Chicago explores the unique and ever-evolving landscape of design in their latest exhibition, Free & Open Chicago. The exhibit celebrates their 10-year anniversary by showcasing places that are free and open to the public year-round. 

Design surrounds us. Its broad impact and inescapable force drives us – from the planning of our streets to how we protect Lake Michigan. The exhibition creates a database in the form of a map highlighting communities, locations, and free experiences around Chicago. 

The exhibition also features community partners that impact the design of communities all around Chicago. Each has a distinct influence on Chicagoans shared design history while being free and open to the public, just like the Design Museum. Partners range from the National Museum of Mexican Art, the most prominent first-voice institution for Mexican Art and culture in the United States, to the Global Garden Refugee Training Farm, a productive garden started by 42 refugee families from Burma and Bhutan to uplift traditional strengths of refugees from rural backgrounds. Other exhibitors include alt space, Busy Beaver Button Museum, Chicago Bridgehouses, Garfield Park Community Plaza, James R. Thompson Center, Pilsen Arts & Community House

The exhibit also showcases a new poster series dedicated to their most free and open resource, Lake Michigan. Artists from the series include: Amid Alavi, David Alvarado, Alyssa Arnesen, Bridget Bilbo (GingerrBridge), Sage Coffey, CzrPrz, Elloo (Elloo), Josh Epstein (TotesFerosh), Won Kim, Adrianne Hawthorne (Ponnopozz), Jeremy Hlinak, Matthew Hoffman (You Are Beautiful), Rod Hunting, Cheryl Kao, Ashley King, Kelly Knaga, Shawn Smith (Shawnimals), Unyimeabasi Udoh, Helen Wargo, Jo Zhou. 

Finally, the exhibit features a new Little Free Library inside an old converted bank vault. This public bookcase aims to increase access to design and art books for readers of all ages and backgrounds. Contribute by taking or sharing books. 

DESIGN MUSEUM OF CHICAGO

72 E Randolph Street, Chicago, IL 60602

www.designchicago.org

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Camp: Notes on Fashion @ The Met Fifth Avenue’s, New York

Camp: Notes on Fashion
The Met Fifth Avenue’s, New York
May 9 - September 8, 2019

VIRGIL ABLOH

Ensemble, Virgil Abloh (American, born 1980) 

for Off-White c/o Virgil Abloh (Italian, founded 2013), pre-fall 2018

Image courtesy of The Metropolitan Museum of Art

Photo © Johnny Dufort, 2018

The Costume Institute’s spring 2019 exhibition will be Camp: Notes on Fashion, on view from May 9 through September 8, 2019 (preceded on May 6 by The Costume Institute Benefit).  Presented in The Met Fifth Avenue’s Iris and B. Gerald Cantor Exhibition Hall, it will explore the origins of the camp aesthetic and how it has evolved from a place of marginality to become an important influence on mainstream culture. Susan Sontag’s 1964 essay Notes on ‘Camp’ provides the framework for the exhibition, which will examine how fashion designers have used their métier as a vehicle to engage with camp in a myriad of compelling, humorous, and sometimes incongruous ways.

FRANCO MOSCHINO

Shirt, Franco Moschino (Italian, 1950–1994) 

for House of Moschino (Italian, founded 1983), spring/summer 1991

Image courtesy of The Metropolitan Museum of Art

Photo © Johnny Dufort, 2018

“Camp’s disruptive nature and subversion of modern aesthetic values has often been trivialized, but this exhibition will reveal its profound influence on both high art and popular culture,” said Max Hollein, Director of The Met. “By tracing its evolution and highlighting its defining elements, the show will embody the ironic sensibilities of this audacious style, challenge conventional understandings of beauty and taste, and establish the critical role this important genre has played in the history of art and fashion.”

In celebration of the opening, The Costume Institute Benefit, also known as The Met Gala, will take place on Monday, May 6, 2019.  The evening’s co-chairs will be Lady Gaga, Alessandro Michele, Harry Styles, Serena Williams, and Anna Wintour.  The event is The Costume Institute’s main source of annual funding for exhibitions, publications, acquisitions, and capital improvements.

“Fashion is the most overt and enduring conduit of the camp aesthetic,” said Andrew Bolton, Wendy Yu Curator in Charge of The Costume Institute. “Effectively illustrating Sontag’s Notes on ‘Camp,’ the exhibition will advance creative and critical dialogue about the ongoing and ever-evolving impact of camp on fashion.”

ALESSANDRO MICHELE

Ensemble, Alessandro Michele (Italian, born 1972) 

for Gucci (Italian, founded 1921), fall/winter 2016–17

Image courtesy of The Metropolitan Museum of Art

Photo © Johnny Dufort, 2018

THOM BROWNE

Ensembles, Thom Browne (American, born 1965), spring/summer 2017

Image courtesy of The Metropolitan Museum of Art

Photo © Johnny Dufort, 2018

The exhibition will feature approximately 175 objects, including womenswear and menswear, as well as sculptures, paintings, and drawings dating from the 17th century to the present. The show’s opening section will position Versailles as a “camp Eden” and address the concept of se camper—“to posture boldly”—in the royal courts of Louis XIV and Louis XV.  It will then focus on the figure of the dandy as a “camp ideal” and trace camp’s origins to the queer subcultures of Europe and America in the late 19th and early 20th centuries.  In her essay, Sontag defined camp as an aesthetic and outlined its primary characteristics. The largest section of the exhibition will be devoted to how these elements—which include irony, humor, parody, pastiche, artifice, theatricality, and exaggeration—are expressed in fashion.

JEAN-CHARLES DE CASTELBAJAC

Coat, Jean-Charles de Castelbajac (French, born Casablanca, Morocco, 1949)

fall/winter 1988–89 

Image courtesy of The Metropolitan Museum of Art

Photo © Johnny Dufort, 2018

CHRISTIAN FRANCIS ROTH

"Rothola” dresses, Christian Francis Roth (American, born 1969), 1990

Image courtesy of The Metropolitan Museum of Art

Photo © Johnny Dufort, 2018

Designers whose works will be featured in the exhibition include Gilbert Adrian, Cristóbal Balenciaga, Thom Browne, Jean-Charles de Castelbajac, John Galliano (for Martin Margiela, House of Dior, and his own label), Jean Paul Gaultier, Rudi Gernreich, Guccio Gucci, Demna Gvasalia (for Balenciaga and his own label), Marc Jacobs (for Louis Vuitton and his own label), Charles James, Stephen Jones, Christian Lacroix, Karl Lagerfeld (for House of Chanel, Chloe, and his own label), Herbert and Beth Levine, Alessandro Michele (for Gucci), Franco Moschino, Thierry Mugler, Norman Norell, Marjan Pejoski, Paul Poiret, Miuccia Prada, Richard Quinn, Christian Francis Roth, Yves Saint Laurent, Elsa Schiaparelli, Jeremy Scott (for Moschino and his own label), Viktor Horsting and Rolf Snoeren (for Viktor & Rolf), Anna Sui, Philip Treacy, Walter Van Beirendonck, Donatella Versace (for Versace), Gianni Versace, Vivienne Westwood, and Charles Frederick Worth.

FRANCO MOSCHINO

Dress, Franco Moschino (Italian, 1950–1994) 

for House of Moschino (Italian, founded 1983), fall/winter 1989

Image courtesy of The Metropolitan Museum of Art

Photo © Johnny Dufort, 2018

MARC JACOBS

Ensembles, Marc Jacobs (American, born New York, 1964), spring/summer 2016

Image courtesy of The Metropolitan Museum of Art

Photo © Johnny Dufort, 2018

The exhibition is organized by Andrew Bolton, Wendy Yu Curator in Charge of The Costume Institute, with Karen Van Godtsenhoven, Associate Curator. Theater scenographer Jan Versweyveld, whose work includes Lazarus with David Bowie as well as Broadway productions of A View from the Bridge and The Crucible, will create the exhibition design with The Met’s Design Department. Select mannequin headpieces will be created by Shay Ashual.  Raul Avila will produce the gala décor, which he has done since 2007.

A publication by Andrew Bolton with Fabio Cleto, Karen van Godtsenhoven, and Amanda Garfinkel will accompany the exhibition and include new photography by Johnny Dufort.  It will be published by The Metropolitan Museum of Art and distributed by Yale University Press.

The exhibition is made possible by Gucci. Additional support is provided by Condé Nast.

THE METROPOLITAN MUSEUM OF ART
1000 Fifth Avenue, New York, NY 10028
www.metmuseum.org