Kotscha Reist, Galerie Eric Dupont, Paris

Kotscha Reist

Galerie Eric Dupont, Paris

27 mai - 26 juin 2004

KOTSCHA REIST vit à Berne. Ses oeuvres ont comme sujet la peinture elle même, avec ses soucis de surface, de concentration, de détail, de nuance. Kotscha Reist possède une manière toute personnelle d’assembler la couleur, on y devine sans peine la lumière du nord. Que son geste soit le prétexte à des camouflages, des motifs ou bien des figures, sa palette montre un choix plutôt restreint de couleurs qu’il mélange principalement jusqu’à l’obtention de teintes apparemment sales dont le vert, presque omniprésent est exalté dans toutes ses nuances. 

En recouvrant ses peintures d’un voile transparent, il confère à chaque tableau une représentation spatiale et imprime le motif particulier dans un arrière-fond indéfinissable. Cette façon fugitive de peindre, elle a sans aucun doute quelques illustres prédécesseurs comme références, conduit Kotscha Reist non à illustrer mais à évoquer. Ce qui l’intéresse est peut-être de baigner ses images dans un monde de rêverie et de solitude, il laisse malgré tout au spectateur le soin de se mouvoir dans le sens qui lui apparaît. 

Tentant d’ordonner en cercles thématiques l’isolation, la proximité l’éloignement, il peint aussi bien des images complexes, des paysages, des architectures que des images de cow-boy, de sportifs ou d’enfants. On découvre aussi dans cette exposition deux tableaux horizontaux représentant plusieurs jambes de femmes cadrées du dessus du genou jusqu’aux pieds. Inspiré par un foisonnement de chaussures à haut talons, l’artiste nous offre une variation sur ce thème. Ces quatre jambes gauches et cette jambe droite n’ont rien à voir ensemble, sinon qu’elles sont des jambes, elles sont là comme mise en scène : offertes ou à prendre, on ne sait. Elles sont une occasion de plus pour nous plonger dans l’univers mélancolique de l’artiste. 

GALERIE ERIC DUPONT

13 rue Chapon, 75003 Paris

www.eric-dupont.com

Exhibition "Brave New World" at McClain Gallery, Houston - Clarina Bezzola, Alfred DeCredico, Faith Gay, Rebecca Horn, Mark Lombardi, Julie Mehretu , Joel Morrison, James Richards, Matthew Ritchie, Heidi Trepanier, Jason Villegas

Brave New World

McClain Gallery, Houston

May 22 - July 3, 2004

McClain Gallery presents the group exhibition "Brave New World" with artists Clarina Bezzola, Alfred DeCredico, Faith Gay, Rebecca Horn, Mark Lombardi, Julie Mehretu , Joel Morrison, James Richards, Matthew Ritchie, Heidi Trepanier, Jason Villegas.

Question: "If you visited a never before seen earth-like world, what would you bring back with you?" A limited answer is stories, ideas and physical objects. The exhibition, Brave New World, is formed around an idea of communicating this strange story or novel-esque epic by exhibiting works that tell stories, show fantasy forms and describe never before seen places. The exhibition seeks to transport the viewer into the various aspects of a "plot" where each work of art serves as a chapter, as if one is visiting a place and is experiencing it from numerous perspectives.

Clarina Bezzola - Her work deals with re-contextualizing traditional stories and often involves transmutation between physical forms. Her highly narrative work boarders on the surreal because of her exotic visuals, costumes and contexts.

Alfred DeCredico - His canvases are highly expressive and dense with heavy raw color. The canvases are full of goopy, drippy paint, primitive forms, figures and abstract shapes that make a rich narrative.

Faith Gay - She uses color like a pop-star. She elevates a common plastic bead by creating sophisticated compositions from various individual parts that come together in a symphonic organic color field abstraction. Her work suggests microbial organisms and sometimes macro views of land masses.

Rebecca Horn - Having had a long career, her work has manifested in many forms but she is best known for her performances incorporating body sculpture. She deals with issues concerning the body, vulnerability, isolation, history and environments.

Mark Lombardi - He creates visual narratives by diagramming the economic underpinnings of various organizations ranging from political groups, corporations and even individuals. Graphite and colored pencil illustrate exactly how far the influence of money travels across our globe.

Julie Mehretu - Her visual vocabulary incorporates maps, urban planning grids and architectural forms assembled in layers with color field, abstract geometry and maelstroms of color and line.

Joel Morrison - His sculptures are a fresh dialog on modernist sculpture. The cobbled armatures are formed from found objects that eventually become embedded beneath the fluid lacquered surfaces of his sculptures. The finished form seems like an organic machine paused in mid-motion with its skin stretched over the moving parts inside.

James Richards - His works take on sculptural aspects of painting completely ignoring ideas or the practicality of traditional surfaces. Richards uses colored and painted yarn or string to crisscross the painting stretcher; using the yarn like a drawn line. He is able to create dynamic compositions by filling with brightly painted surfaces and leaving areas of intertwined yarn to cast shadows against the wall.

Matthew Ritchie - His paintings tell the story of everything, from the beginning of time onward. Ritchie created a core group of characters drawn from sources as diverse as mythology, quantum physics, alchemy, gambling, biblical tales, and pulp fiction to illustrate a highly personal epic tale.

Heidi Trepanier - Her paintings are of highly organic fleshy forms oozing and acting out their momentary lives on her canvases. Seemingly microscopic forms are catapulted into enormous scale by sub-forms acting out their own dialog unaware of the larger presence.

Jason Villegas - He questions contemporary ideology and culture through a visual commentary on life's routines, private moments, personal relationships, mass consumerism, waste, and nature.

McCLAIN GALLERY

2242 Richmond Avenue, Houston, TX 77098

www.mcclaingallery.com

Nikon F70 DSLR Grand Prix 2004 Award

(c) Nikon Corporation. All Rights Reserved

Nikon announces that the D70 DSLR camera has been selected to receive the Camera Grand Prix 2004 award as the single most outstanding still camera.

The Camera Grand Prix is the most prestigious award presented to a camera in the Japanese photo industry. It is sponsored by the Camera Press Club, an organization founded in September 1963 and comprised of writers from thirteen of Japan's leading photography and camera publications.

This year's selection committee of 51 photographers, scholars, and magazine editors selected the D70 to receive the 21st annual Camera Grand Prix award as the single most outstanding still camera from 172 nominees released between April 2003 and March 2004. This is the 4th time Nikon has received the award, with previous wins in 1984 (the 1st Grand Prix) for the Nikon FA, in 1989 (the 6th Grand Prix) for the Nikon F4, and in 1997 (the 14th Grand Prix) for the Nikon F5.

The committee members issued the following statement of reasons for bestowing the honor of camera of the year on the D70: "The Nikon D70 delivers a superior balance of performance, price, and size. Despite being positioned as a new popular-priced digital SLR model, the camera is loaded with features that challenge even higher priced products. It overcomes the traditional weaknesses of digital cameras by realizing fast power-up and fast continuous shooting, and earns special notice for realizing response that is on par with 35mm film SLR cameras while improving practicality and comfort of use. Clearly labeled menu options make operation easier for novices and combine with the camera's other features to make it accessible to a wider range of users, thereby achieving a level where the D70 establishes an entirely new trend in digital SLR cameras.

In addition, the following features help welcome a new era of digital SLR cameras that are ready to perform and accessible to a wide audience: Quick response that allows shooting the instant the camera is turned on.

3 frame per second continuous shooting for bursts of up to 144 shots.

Fast 1/8000 second shutter speed and 1/500 flash sync shutter speed.

A fast and precise autofocus system.

Menu options that are easy to view and easy to understand.

Quality feel and design that is consistent with the Nikon lineup."

Exposition Joan Miró & Alexander Calder, Fondation Beyeler, Riehen / Bâle

Calder – Miró

Fondation Beyeler, Riehen / Bâle

2 mai – 5 septembre 2004 

Joan Miró et Alexander Calder font connaissance à la fin du mois de décembre 1928, dans les milieux de l'avant-garde parisienne. L'amitié durable qui se noue alors entre ces deux artistes ne prendra fin qu'en 1976, à la mort de Calder. Les groupes d'ouvres datant de 1920 à 1949 que nous avons choisi pour cette exposition présenteront plusieurs thématiques communes et révéleront la similitude des stratégies artistiques. Soixante peintures de Miró feront face à près de soixante-dix mobiles et stabiles d'Alexander Calder, illustrant divers aspects de leur création et permettant de percevoir un certain nombre de correspondances formelles. La multiplicité des points de vue sera organisée en dix cycles thématiques assez ouverts, qui articuleront notre présentation dans l'espace. La fluidité des transitions préservera cependant l'impression d'ensemble. On remarquera tout particulièrement un autre point commun aux deux artistes : l'appréhension de l'art comme espace total, qui leur permet de dépasser les limites traditionnelles des genres. Le Pavillon espagnol de l'Exposition universelle de Paris de 1937 fait figure de préalable à une nouvelle collaboration de grande ampleur, l'aménagement du Terrace Plaza Hotel de Cincinnati en 1947, réalisé à l'occasion du premier voyage de Miró en Amérique. Le monumental Cincinnati Mural Painting de ce dernier et le mobile de Calder Twenty Leaves and an Apple , prêtés ici pour la première fois, constituent le point culminant et la conclusion chronologique de cette exposition. La conception absolument novatrice de Calder, qui considérait ses sculptures dans leur contexte architectural, et les premiers exemples de peinture murale de Miró ont également servi de leitmotive à l'ensemble de ce projet.

Le chapitre Jouets et Cirque (Toys and Circus) ouvre la ronde, présentant des ouvres antérieures à leur amitié proprement dite, née au cours des années vingt. Revendiquant ainsi une totale autonomie, elles sont en mesure de révéler de manière impressionnante les éléments fondamentaux qui sont à l'origine de l'attirance entre ces deux artistes. La passion pour le cirque et le jeu, formes d'expression poétique pure, a inspiré de manière différente mais connexe les peintures oniriques de Miró et les sculptures en fil de fer de Calder qui ont vu le jour durant ces années. Le célèbre « Cirque de Calder » sera présenté dans l'exposition grâce au court-métrage du même nom de Carlos Vilardebó (1961 / 18 min.).

La section suivante, Sensation of the Universe - titre emprunté à Calder -, illustre les aspects formels de l'espace, de la ligne et de l'équilibre. Les objets-sculptures de Calder inspirés de la mécanique céleste, avec leurs sphères et leurs constellations en équilibre, sont placés en regard avec les fonds picturaux entièrement vidés de Miró. Ceux-ci peuvent donner lieu à une interprétation spatiale, ou passer pour une équivalence entre surface picturale et mur. Peinture (La Naissance du monde ), un tableau exemplaire, qui constitue sans doute l'ouvre majeure de cette exposition, peut faire figure d'anticipation de l'ensemble de la peinture murale de Miró.

Le titre de Performed Portraits désigne les portraits réalisés par Calder à l'aide de fil de fer, qu'il fabriquait dans les cafés avec une rapidité époustouflante sous les yeux fascinés du Tout-Paris. C'est ainsi que naquirent Kiki de Montparnasse et Miró . Le peintre espagnol donne l'impression de répondre à ces sculptures linéaires par des tableaux appliquant le même principe de la ligne sans fin. On en trouve d'excellents exemples dans Peinture de 1930 ou dans la série de Têtes de 1931.

Sous le titre général de Found Forms , des configurations biomorphiques, le jeu avec le hasard et le principe de libre association emprunté aux surréalistes constituent des aspects marquants de la juxtaposition entre les Peintures d'après collages de 1933 de Miró et les sculptures de Calder qui renoncent de plus en plus à la géométrie rigide, comme Tightrope ou Cône d'ébène . Nous exposerons quatre des plus beaux exemples de ces Peintures (une série de 18 toiles), qui communiquent fort bien l'effet spatial grandiose de ces ouvres. En ce sens, celles-ci anticipent directement la frise murale en trois parties, Murale I-III , que Miró a réalisée en 1933 pour la chambre d'enfants de son galeriste parisien, Pierre Loeb.

Il s'agit du premier cycle de peintures murales de l'ensemble de l'ouvre de Miró. Enfin localisé au terme de quarante années, il sera présenté ici au public pour la toute première fois. Par son titre Dans l'esprit des Jeux d'enfants , la section suivante de l'exposition rappelle l'esprit libre et ludique de Jeux d'enfants , un spectacle de ballet réalisé par Miró pour les Ballets russes de Monte-Carlo . Elle renvoie également aux premiers stabiles de grande envergure de Calder, Big Bird ou Devil Fish , dans lesquels le langage formel géométrique abstrait se fond de plus en plus avec des éléments proches de la nature.

Ayant quitté Paris en 1933, Calder achète une vieille ferme à Roxbury, aux États-Unis. Le vaste terrain dont il dispose explique les possibilités et l'échelle nouvelles de ses sculptures. Calder ne reverra Miró qu'en 1937 dans le cadre de l'Exposition Universelle de Paris. Ces retrouvailles se concrétisent par une collaboration inattendue destinée au Pavillon espagnol de la République antifranquiste, où l'on peut voir, aux côtés de Guernica , la peinture légendaire de Picasso, la géniale Fontaine de mercure de Calder et Le Paysan catalan en révolte une peinture murale bouleversante de Miró, aujourd'hui disparue. Une autre peinture murale destinée à la chambre d'enfants du marchand new yorkais de Miró, Pierre Matisse, et le premier stabile proprement monumental de Calder Black Beast , permettent de percevoir, dans le chapitre Bestiaire et Chambre d'enfants, la trace que la menace durable et l'effroi provoqués par la situation internationale ont laissée dans l'ouvre des deux artistes.

Avec des tableaux de petites dimensions réalisés sur une grossière toile de sac, l'ouvre de Miró esquisse, à la fin des années trente, une tendance croissante à la miniaturisation. Celle-ci conduira l'artiste, qui fuit la guerre et la dévastation, aux cosmogonies intériorisées des Constellations de 1940-1941, révélant une structuration en all-over de son expression poétique. Nous avons pu réunir à Bâle - un événement exceptionnel - dix de ces précieuses Constellations . La section intitulée Les Années de guerre : solitude et constellations éclaire cette phase de repli obligé et d'intériorisation artistique. La pénurie de matières premières, de métal et d'aluminium, ainsi que l'isolement des années de guerre incitent Calder à renouer avec un langage formel biomorphique. Des éléments taillés d'un geste fluide dans le bois, peints pour certains de couleurs vives et assemblés à l'aide de fil de fer en éléments spatiaux évoquant la scène d'un théâtre, caractérisent la nouvelle forme d'expression des Constellations de l'Américain.

Dans la section Cadres et fantasmagorie , Calder met en scène des situations à l'aide de panneaux de fond ou de cadres qui viennent s'interposer au premier plan, transformant ses éléments formels et ses mobiles en véritables acteurs. En parallèle, les toiles de Miró, aux coloris clairement articulés, semblent répondre à ce monde formel épuré de son ami Calder, dans lequel les silhouettes occupent une place majeure.

L'immédiat après-guerre voit la naissance de certains des mobiles les plus compacts de Calder. Entièrement noirs, ils font, dans leur fonctionnement, la part belle aux jeux d'ombre et de lumière ainsi qu'au mouvement. La multiplicité parfaitement pondérée des parties et leur vibration qui se communique à l'espace environnant, constituent sans doute, au-delà de toute spéculation sur une influence réciproque, la meilleure preuve de la profonde affinité artistique entre Calder et Miró. Espace et poésie associe des ouvres dans lesquelles les deux artistes exploitent pleinement ces nouvelles possibilités ainsi que l'harmonie spatiale dans son ensemble. De remarquables exemples des séries de grands formats de Miró datant de 1945 sur fond blanc, noir ou gris (complète pour cette dernière) trouvent un étonnant écho dans les compositions spatiales équilibrées de Calder. Le premier mobile destiné à un édifice public, qui anticipe les nombreuses commandes et les projets d'art architectural des années cinquante et soixante, sera présent dans cette exposition au même titre que le premier « Performing Mobile » conservé, Ogunquit ( Orange Fish ), créé en 1946 pour un projet théâtral de Padraic Colum. Nous avons le plaisir de le présenter à Bâle grâce à un prêt exceptionnel du musée d'art contemporain de Téhéran. Toutes ces ouvres conduisent au point culminant de l'exposition et au dernier projet commun d'Alexander Calder et de Joan Miró : le mobile et la peinture murale destinés au Terrace Plaza Hotel de Cincinnati. Ces deux ouvres illustrent remarquablement, dans le dernier cycle thématique intitulé Comme des Grandes Fresques : une nouvelle monumentalité, les aspirations de Miró à un art « public », qui l'entraînent progressivement vers le tableau mural, ainsi que la prise de conscience précoce de Calder qui savait avoir besoin du contexte architectural pour façonner l'espace environnant à l'aide de ses mobiles ou de ses stabiles.

Cette exposition a vu le jour à l'initiative de Eliabeth Hutton Turner, conservateur en chef de la Phillips Collection de Washington et a été réalisée en collaboration avec Oliver Wick, commissaire invité de la Fondation Beyeler. Les familles des artistes, dont l'amitié se prolonge à deux générations d'intervalle, ont soutenu ce projet avec enthousiasme. Alexander S. C. Rower, représentant de la famille et directeur de la Calder Foundation, n'a pas seulement soutenu les recherches nécessaires, mais nous a, avec une grande générosité, prêté des ouvres du fonds familial. De même, pour la Successió Miró, Joan Punyet Miró et Emilio Fernández Miró se sont engagés activement en faveur de notre projet.

Le catalogue de l'exposition est publié en allemand et en anglais chez Philip Wilson Publishers, à Londres. Il contient des contributions d’Elisabeth Hutton Turner et d’Oliver Wick, une chronologie établie par Susan Behrends Frank du point de vue de l’amitié entre les deux artistes, ainsi que la correspondance inédite à ce jour et illustrée des deux artistes. 312 pages avec 135 planches en couleurs et plus de 150 illustrations en noir et blanc et en couleur dans le texte.

FONDATION BEYELER

Baselstrasse 101, 4125 Riehen/Basel

www.beyeler.com

Chuck Close, Miami Art Museum - Chuck Close Prints: Process and Collaboration

Chuck Close Prints: Process and Collaboration
Miami Art Museum
May 14 – August 22, 2004

Miami Art Museum presents Chuck Close Prints: Process and Collaboration. Long celebrated as one of America’s foremost painter CHUCK CLOSE is also a master of the artistic language of printmaking. Direct from its presentation at the Metropolitan Museum of Art in New York, this exhibition chronicles the genius of Chuck Close in the medium in which he has done some of his most exciting work. In Miami, the exhibition has been coordinated by MAM Assistant Director for Programs and Senior Curator, Peter Boswell. Included in MAM’s presentation is a new woodcut self-portrait that has never been exhibited before.

In Chuck Close’s work the human face becomes a series of gridded abstractions that create a whole image when assembled in the eye of the viewer. Curated by Terrie Sultan, director of Blaffer Gallery, the Art Museum of the University of Houston, Chuck Close Prints features 118 works dating from 1972 to 2002, illustrating the artist’s range of invention in etching, aquatint, lithography, handmade paper, direct gravure, silkscreen, traditional Japanese woodcut, and reduction linocut.

Chuck Close has said that his experiments in printmaking have been enormously influential on his paintings. “Prints have moved me in my unique work more than anything else has. Prints change the way I think about things.”

In the course of his career, Chuck Close has overcome a series of difficulties; his father died when he was still a boy, his mother became seriously ill and the artist himself was dyslexic – a condition which for lack of an accurate diagnosis, led him to be labeled “slow” in school. Nonetheless, Chuck Close graduated magna cum laude from the University of Washington and earned an MFA with highest honors from Yale University.

In 1988, at the age of 49, Chuck Close was at the height of his career as a painter, when he was stricken with a spinal blood clot that left him a partial quadriplegic. The art world was stunned. Chuck Close was forced to come to grips with living the rest of his life in a motorized wheelchair with only limited use of his hands and legs. Chuck Close not only found a way to return to painting, he also developed new techniques that catapulted him to an even more prominent place among artists worldwide.

This exhibition puts the spotlight on the decidedly interactive approach Chuck Close takes with his prints. While the production of a painting can occupy Chuck Close for many months, it is not unusual for one print to take more than two years from conception to final edition. The relationship between Chuck Close and the master printers has become key to the creation of his work. Chuck Close Prints constitutes a remarkable self-portrait of the creative drive, vision and intellect of one of America’s most important living artists.

”Chuck Close has triumphed over immense difficulties to carve out a singular place for himself among artists,” said MAM Director Suzanne Delehanty. “This is a monumental exhibition and we’re pleased to present it in South Florida as part of our commitment to bringing the very best in art to our community.”

The exhibition is accompanied by a fully-illustrated 160-page catalogue published by Princeton University Press. 

About the Curator Peter Boswell

Peter Boswell has been assistant director for programs and senior curator at MAM since 1999. He is responsible for the growth of MAM’s permanent collection as well as the museum’s exhibitions, educational programs and publications. Mr. Boswell holds a BA in Art History from the University of California, Berkeley, and an MA in Art History from Stanford University. At MAM, Peter Boswell led the curatorial effort behind the exhibition Miami Currents: Linking Community and Collection (2002) and has organized exhibitions for the museum’s New Work series of the work of Donald Lipski (2002); Teresita Fernández (2002); and Roberto Behar and Rosario Marquardt (2003).

MIAMI ART MUSEUM
101 West Flagler Street, Miami, FL 33130
www.miamiartmuseum.org

Updated 14.07.2020

Ricoh Caplio GX - Appareil photo compact numérique

Ricoh Caplio GX

RICOH CAPLIO GX

Photo © RICOH

RICOH CAPLIO GX

Photo © RICOH

RICOH CAPLIO GX

Photo © RICOH

RICOH CAPLIO GX

Photo © RICOH

RICOH CAPLIO GX

Photo © RICOH

Ricoh présente son dernier appareil photo numérique, le Caplio GX, avec ses 5 millions de pixels et un zoom grand angulaire de 28-85 mm, .

En tête de liste des atouts du Ricoh Caplio GX figurent l’impressionnant capteur CCD de 5,13 millions de pixels effectifs et une structure optique 3x lumineuse (f=2,5-4,3) comprenant 9 éléments en verre répartis en 7 groupes, pour des images éblouissantes jusqu’à 2592 x 1944 pixels, parfait pour une impression A3 haute résolution.

Le grand angulaire de 28 – 85 mm (qui équivaut au format d’un appareil 35mm) permet un angle de champ de 75 degrés, pour des photos de paysages, de groupes et des clichés élargis améliorés et pour capturer bien plus de détails qu’avec la plupart des appareils photos numériques.

Le Caplio GX comprend un sélecteur électronique pour effectuer facilement de nombreux réglages avec l’index, notamment l’ouverture de l’objectif, la balance des blancs, la sensibilité ISO et les niveaux d’exposition. Cet appareil brille autant par son design séduisant et mince (29 mm d’épaisseur seulement) que par sa poignée filigranée en caoutchouc qui souligne élégamment le côté droit du boîtier en aluminium moulé qui affiche un poids plume de 205 grammes.

Aussi performant que son prédécesseur, le Caplio RX, le Caplio GX est extrêmement rapide. Les chiffres parlent d’eux-mêmes : 0,12 seconde pour le temps de réponse du déclencheur, désormais le record mondial, et à peine 1,2 seconde pour le temps de démarrage. Capturez les instants mémorables en un clin d’œil. Oubliez les problèmes liés aux temps de réponse et de démarrage trop longs que l’on constate aussi sur les appareils numériques haut de gamme. Le Caplio GX ne vous décevra pas.

Cet appareil atteint des résultats époustouflants en mode macro. Vous serez surpris par la qualité des macros de 1 cm et les capacités de la fonction de mise au point automatique avec laquelle vous pourrez observer à loisir le sujet avant de prendre la photo.

Mais vous serez surtout emballé par le prix dérisoire du Caplio GX. En effet, le prix milieu de gamme de cet appareil de qualité supérieure, destiné aux professionnels, est une agréable surprise.

« Le Caplio GX est le meilleur appareil photo numérique que nous (Ricoh) ayons jamais crée », déclare M. Katsunori Nakata, Directeur marketing de Ricoh. « Il allie notre expertise dans la conception d’objectifs, un design élégant et la technologie Caplio avancée. Le résultat est un remarquable appareil photo de 5 mégapixels, doté d’un zoom grand angulaire 3x de 28 mm-85 mm et du déclencheur le plus rapide au monde (0,12 seconde*). Le nouveau sélecteur électronique permet de changer rapidement l’ouverture de l’objectif, l’exposition et d’autres réglages avancés, ce qui en fait l’outil indispensable de tout photographe professionnel. La cerise sur le gâteau est son prix milieu de gamme ! »

* Au 6 mai 2004, pour tous les appareils photo numériques avec mise au point automatique

Principales caractéristiques du Ricoh Caplio GX :

Capteur CCD 1/1,8 de 5 mégapixels pour des impressions A3

Le Caplio GX, équipé d’un capteur CCD 1/1,8 de 5 mégapixels (5,13 effectifs) très performant, garantit des impressions A3 haute résolution qui feront l’unanimité auprès des professionnels les plus exigeants. Le processeur d’image a fait l’objet d’importantes améliorations pour vous offrir des couleurs plus riches, plus nettes et plus pures, même sur grands formats.

Une construction optique avancée qui fait toute la différence

Les ingénieurs de Ricoh ont mis au point une construction optique supérieure, constituée de 9 éléments en verre répartis en 7 groupes, pour apporter une quantité de lumière importante sur le contour des photos, même sur les clichés grand-angulaire. En outre, 4 objectifs asphériques et 4 objectifs peu dispersifs avec un indice de réfraction élevé corrigent l’aberration, quelle que soit la zone de zoom, de façon contrôlée et équilibrée.

Un zoom optique 3x grand-angulaire de 28 mm-85 mm couplé à un zoom numérique 4 x

L’objectif à foyer réglable de 28 mm agile du Caplio GX vous fera particulièrement apprécier la photographie de paysages. Oublié l’angle de 62 degrés proposé par la plupart des appareils numériques 35 mm. Désormais c’est un angle de champ de 75 degrés qui s’offre à vos yeux pour des résultats incomparables. La fonction de zoom n’est pas en reste. Elle combine un zoom optique 3x et un zoom numérique 4x, soit au total un zoom 12x, qui équivaut à la gamme de téléphoto 28-336 mm sur un appareil 35 mm classique.

Léger et professionnel avec sélecteur électronique manuel

Conçu aussi bien pour les professionnels que pour les amateurs, le Caplio GX comprend un sélecteur électronique pour régler facilement de nombreux paramètres, notamment l’ouverture de l’objectif en mode priorité d’ouverture, la vitesse, la balance des blancs, la sensibilité ISO et les niveaux d’exposition. Cet appareil brille autant par son design séduisant et mince (29 mm d’épaisseur seulement) que par sa poignée filigranée en caoutchouc qui souligne élégamment le côté droit du boîtier en aluminium moulé qui affiche un poids plume de 205 grammes.

Le temps de réponse du déclencheur le plus court au monde

Avec un prodigieux temps de réponse du déclencheur de 0,12 seconde, vous pouvez compter sur le Caplio GX pour capturer les clichés qui n’attendent pas. Les temps de réponse interminables des autres appareils font désormais partie du passé. Autre détail auquel seront particulièrement sensibles les photographes de presse : le Caplio GX se met en route et prend un cliché en 1,2 seconde seulement !

Souplesse de la priorité d’ouverture

Grâce au sélecteur situé à l’avant du Caplio GX, les utilisateurs expérimentés pourront sélectionner une ouverture de diaphragme spécifique avec priorité d’ouverture AE (exposition automatique) ou exposition manuelle. Cette fonction est une réponse aux attentes des photographes professionnels qui souhaitent modifier la « profondeur de champ » et d’autres éléments pour certaines photos.

Macros de 1 cm éblouissante avec flash 15 cm

Le Caplio GX peut capturer des sujets de 18 x 24 mm (HxL) à une distance de 1 cm seulement. Il vous suffit de maintenir fermement l’appareil, avec la mise au point automatique activée, pour observer à loisir le sujet avant de prendre la photo. Le flash intégré convient à des prises de vue à seulement 15cm du sujet éclairé sans l’effet blanc.

Choix de trois sources d’alimentation

Nul doute que cette souplesse séduira les utilisateurs qui sont souvent en déplacement. Capturez 400 clichés* entre deux recharges de la pile rechargeable au lithium-ion (en option) ou branchez l’appareil à une prise secteur avec un adaptateur CA. Le Caplio GX accepte aussi bien deux piles alcalines AA (fournies) que deux piles au nickel-métal-hydrure. En mode Moniteur synchro, l’écran préserve l’énergie en s’allumant uniquement lorsque vous appuyez sur le déclencheur ou sur le flash.

* Jusqu'à 400 prises de vue en fonctionnement normal (utilisation à 50% du flash et du zoom, écran allumé, délai de 30 secondes entre les prises de vue, aperçu de toutes les photos).

Six modes de scène

Le Caplio GX propose six modes de scène (portrait, sports, paysage, scène de nuit, texte et haute sensibilité) pour obtenir les meilleurs résultats possibles, selon les conditions de la prise de vue. En mode haute sensibilité, l'écran éclaire automatiquement les sujets pour faciliter leur cadrage dans les lieux faiblement éclairés, autour d’un dîner aux chandelles ou dans un bar branché par exemple.

* Caplio est une marque déposée de Ricoh Company, ltd.

Le Caplio en bref :

• CCD de 5,1 mégapixels

• Temps de réponse de 0,12 seconde pour la mise au point et la prise de vue

• Temps de démarrage de 1,2 seconde

• Zoom optique 3x grand-angulaire (équivaut à 28 mm-85 mm) avec f2,5 - f4,3

• Écran à cristaux liquides 1,8" de 130.000 pixels

• Mode non compressé (TIFF)

• Priorité d’ouverture automatique

• Exposition manuelle complète

• Flash intégré et griffe

• Mémoire interne de 16 Mo Compatible avec les cartes mémoire SD

• Six modes de scène faciles à utiliser

• Vidéo AVI avec son + dictaphone

• Capteur de luminosité multimesure à 256 niveaux + mesure spot centrée

• Auto-bracket et réglage de la balance des blancs

• Sangle ergonomique

• Compact – 111,6 mm L x 29 mm P x 58 mm H

Ed Ruscha and Photography at the Whitney

Organized to celebrate the Whitney’s acquisition of a treasure trove of photographs by Ed Ruscha, the museum presents Ed Ruscha and Photography, an exhibition of more than seventy original prints, many of which have never been published or exhibited before. The collection of 456 objects acquired by the Museum makes the Whitney the principal repository of Ruscha’s photographic works. Because of what the photographs reveal about his vision and his career, the collection will be an essential resource for the study and appreciation of Ruscha’s art in all media. The show runs June 24 to September 26, 2004. “Since the beginning of Ed Ruscha’s career in the late 1950s, photography has been both an inspiration and a source of discovery,” notes Sylvia Wolf, the Whitney’s Sondra Gilman Curator of Photography, who organized the show. “This exhibition presents Ruscha’s signature photographic books and dozens of previously unseen original prints. Among these are unique photographs taken in Europe in 1961 that contain motifs and stylistic treatments that would emerge in Ruscha's paintings in later years. The exhibition suggests the depth of Ruscha’s engagement with photography and sheds light on his career as a whole.” Ruscha’s photographic books of the 1960s and 1970s have come to embody the Conceptualists’ embrace of serial imaging. The books have had a profound impact on the art and careers of many American artists, including Lewis Baltz, Dan Graham, and Robert Venturi. German photographers Bernd and Hilla Becher presented Ruscha’s work to their students, including Thomas Struth and Andreas Gursky, whose own work incorporates a similar dry documentary aesthetic. And Canadian artist Jeff Wall has called Ruscha the “American Everyman.” Ruscha’s involvement with photography extends far beyond his books, however, as is revealed in the publication accompanying this exhibition. The artist identifies photographers Walker Evans and Robert Frank as influential to his art. He also acknowledges the impact of photography on his work in other media. Last month, the Whitney announced that it had acquired a major body of original photographic works from Ruscha through the generosity of The Leonard and Evelyn Lauder Foundation, with additional support from Tom and Diane Tuft, and through a significant gift of unique early works from the artist. Included are original prints from his photographic books Twentysix Gasoline Stations (1963); Various Small Fires and Milk (1964); Some Los Angeles Apartments (1965); Thirtyfour Parking Lots in Los Angeles (1967); Royal Road Test (1967); Babycakes with Weights (1970) and Real Estate Opportunities (1970). Also in this acquisition are several photographs Ruscha never published, in particular 16 images from Twentysix Gasoline Stations (1963) that were not included in the book. In addition, the acquisition contains more than 300 vintage photographs from a seven-month tour that Ruscha took of Europe in 1961. Photographs from Austria, England, France, Greece, Italy, Spain, and Yugoslavia feature many motifs and stylistic elements that have marked Ruscha’s work over the past 40 years, in particular his interest in typography and signage, and his strong graphic sensibility. They also show him experimenting with the camera. Ms. Wolf observes, “The lack of self-consciousness and intense curiosity reflected in these early photographs makes them both refreshing and revelatory of a fertile time in a young artist’s career. Ruscha’s use of photography would later develop into a systematic inquiry with clarity of purpose, but during his months in Europe, his pictures suggest spontaneity, playfulness, and a pure delight in seeing.”

ED RUSCHA - Born in 1937 in Omaha, Nebraska, and raised in Oklahoma City, Ed Ruscha moved to Los Angeles when he was 18. He attended the Chouinard Art Institute until 1960, before working briefly in commercial advertising. In 1961, Ruscha embarked on a career as an artist and produced enigmatic paintings, drawings, and photographic books of gasoline stations, apartment buildings, palm trees, vacant lots, and Los Angeles’s famous “Hollywood” sign. The irony and objective stance of his works from this period placed him in the context of Pop art and Conceptualism, but Ruscha consistently defies categorization. Now, Ed Ruscha is recognized as one of our most important and influential contemporary American artists.

WHITNEY HOLDINGS AND EXHIBITIONS - The Whitney first exhibited Ed Ruscha’s work in the 1967 Annual Exhibition of Contemporary Painting. It has since collected his art and exhibited it in several group exhibitions. In 1982, the Whitney was the New York venue for an SFMoMA retrospective. Among the Whitney’s holdings are two master paintings, Large Trademark with Eight Spotlights (1962) and Hollywood to Pico (1998), two portfolios of prints, six individual prints, and three drawings. This initiative extends a vigorous program of acquisitions in contemporary photography that began with the formation of the Photography Collection Committee in 1991.

About the Whitney Museum of American Art [click the link for more information]

The museum is located at 945 Madison Avenue, New York City. Museum hours are: Wednesday, Thursday, Saturday, and Sunday from 11 a.m. to 6 p.m., Friday from 1 p.m. to 9 p.m., closed Monday and Tuesday.

Red Grooms at Marlborough Gallery, New York - New Works in Wood

Red Grooms, New Works in Wood 
Marlborough Gallery, New York
May 6 – June 5, 2004

Since 1976 when Red Grooms had his first exhibition at Marlborough of Ruckus Manhattan he has staked his claim as one of America’s most original, inventive, and popular artists. His work combines the sophistication of high art with the naiveté of folk art and the caricature of the cartoonist. The current exhibition includes one large oil on canvas and approximately twenty-five of the artist’s hallmark dimensional constructions which meld painting and sculpture. The painting entitled Manet at the Met (78 1/4 x 120 1/2”) is bound to be one of the show’s highlights. It portrays a large room at The Metropolitan Museum where Red Grooms has painted the various Manet works on view. The gallery is “ruckused” with a veritable comédie humaine of art goers while Red Grooms shows off his anecdotal ability to make characters believable. 

The medium for all the dimensional works in this show is acrylic on wood and among the several stand out pieces the largest is based on a gangster funeral. Measuring approximately seven by ten feet the scene of Death in the Family is set in the 1930s and we see FBI agents in the process of surveillance, peering through Venetian blinds as the gangsters load the coffin into a hearse. Another eye-catching work entitled Joseph’s Bridge has for its genesis the famous painting by Joseph Stella of the Brooklyn Bridge set against the New York skyline. In Red Grooms’ adaptation we see the bridge from the same vantage point as in Joseph Stella’s painting but the bridge is now projected into space and the footbridge is peopled by joggers, bicyclists and tourists while their general bustle is echoed by the repeating forms of the suspension cables and in the movement of car traffic on the ramps below and by the motoring of boats in the East River. The bright colors of the painting enhance the scene’s boisterous activity and overall radiant joyfulness.

It could be said that Red Grooms’ work is theatrical in nature, that it conveys through his special, resonant colors the buoyant feeling of a circus atmosphere, and that it is entertaining. “He is living proof that art can be fun,” and as another critic has pointed out, “the vibrant hues and dynamic motion of his work capture the energy of the circus in a way which immediately calls to mind the renderings of the very same subject in late 19th century art of Seurat and Signac.” Grooms himself once stated, “As a kid I was mad about the theater, absolutely mad about it. Circuses, carnivals, movies, it didn’t matter what they were. All of them are theater to me.” While the spirit of the theater indeed informs much of his work, one must remember, however, as Clare Henry rightly pointed out in Sculpture Magazine that Red Grooms’ large scale figurative tableaux are more than mere entertainment: “A superb draftsman with a keen, unforgiving eye yet easy going, light touch, he translates a lifetime’s acute observation (laced with strong satire) into bright Pop Americana with universal appeal. Caricature is often vicious and Grooms can offer a no-holds-barred message with bite. But he stops short of the malicious in favor of the benign commentary on human frailties with which we can all identify. Such humanity and honesty imbues his stereotypes with conviction.”

RED GROOMS was born in Nashville, Tennessee in 1937. He studied at the School of the Art Institute of Chicago, the New School for Social Research in New York City and at the Hans Hoffman School of Fine Arts in Provincetown, MA. Along with developing the painted relief as both a painting and sculpture, Grooms invented the three dimensional form called sculpto-pictorama that allows the viewer to walk through and interact with an environment created by the artist’s vision. He has had three retrospective shows: in 1985 at the Pennsylvania Academy of Fine Arts, in 1987 at the Whitney Museum, and in 2001 at the National Academy of Design of his graphic work. This last exhibition traveled to eight other venues through 2004. He has also been honored with several important survey exhibitions, of which two recent ones were at Grounds for Sculpture in Hamilton, NJ in 2000 and at the Katonah Museum, NY in 2003. The Frist Center for Visual Arts, Nashville, TN, will present an exhibition of Red Grooms’ work from May 7 - October 10, 2004.

He has received numerous awards and commissions throughout his career. His most recent award is the Lifetime Achievement Award given by the National Academy of Design in 2003. His most recent major commissions are a large (132 x 188 x 88”) painted aluminum and plastic sculpture entitled Piragüas de Frambuesa (Raspberry Shaved Ice Cone) for Coamo, Puerto Rico to be completed in 2004; a monumental cyclerama and accompanying canvases for Shelly’s Restaurant, in New York in 2000; the permanent outdoor installation entitled Tennessee Fox Trot Carousel in Nashville in 1998; and a permanent outdoor sculpture commissioned by the City of Nagoya, Japan in 1996. Grooms’ additional artistic activities include happenings, filmmaking and theater designs. The artist lives and works in New York City.

Red Grooms’ work can be found in thirty-nine museums throughout the world. Among them are the following: American Museum of the Moving Image, Astoria, NY; The Art Institute of Chicago, IL; The Brooklyn Museum of Art, NY; The Butler Institute of American Art, Youngstown, OH; Carnegie Museum of Art, Pittsburgh, PA; The Chrysler Museum, Norfolk, VA; The Cleveland Museum of Art, OH; Delaware Art Museum, Wilmington, DE; Des Moines Art Center, IA; The Denver Art Museum, CO; Fort Worth Art Museum, TX; Solomon R. Guggenheim Museum, New York, NY; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC; Nagoya City Art Museum, Japan; The Metropolitan Museum of Art, New York, NY; Moderna Museet, Stockholm, Sweden; Museum of Contemporary Art, Chicago, IL; Museum of Modern Art, New York, NY; The Pennsylvania Academy of Fine Arts, Philadelphia, PA; Philadelphia Museum of Art, PA; Whitney Museum of American Art, New York, NY.

In June 2004 Rizzoli will publish a new monograph on Red Grooms entitled Red Grooms with essays by Arthur Danto and Marco Livingstone and an interview with the artist by Timothy Hyman.

In collaboration with Marlborough’s exhibition will be a show of the artist’s watercolors and prints at the Tibor de Nagy Gallery. Entitled The Private World of Red Grooms the exhibition will run from April 29 to May 28, 2004.

MARLBOROUGH GALLERY 
www.marlboroughgallery.com

Galia Amsel, Bullseye Connection Gallery, Portland

Galia Amsel: Alternative Views
Bullseye Connection Gallery, Portland
May 1 - 29, 2004

The Bullseye Connection Gallery presents Alternative Views, an exhibition of Galia Amsel’s contemporary sculptures in kilnformed glass. Alternative Views is a collection from the artist’s recent solo museum exhibition at the Museo de Arte en Vidrio de Alcorcon, Madrid.

Galia Amsel is recognized as one of the best British glass artists of her generation. Her sculptural cast glass works exhibited in solo shows in Britain, France, the USA and now Spain emphasize what the contemporary studio glass authority Dan Klein has called a "geometry of mystery".

Dan Klein’s writing about Galia Amsel’s work describes her ability to contain a world of movement and color in a minimal form: “It is impressive how much varied movement and rhythm [Amsel] manages to achieve from piece to piece within the simple variations of her contained forms and restrained colours. Texture, whether smooth and shiny or with the pitting of lunar landscape is also used to great effect. The different surface textures add sensuality. There is, particularly in her more recent work, a great variety of carefully controlled light and shade, or to describe it in another way, a great variety of moods. The darkness of night and the brightness of day are juxtaposed to create contrast and atmosphere...Her work refers to landscape, to movement, to atmospherics or to a combination of all of these and it manages to convey its message with the utmost simplicity.”

The kilnformed glass medium Galia Amsel uses to achieve her unique depth and colors holds particular challenges. The technical expertise required for working with kiln-cast glass is not that of the glass blower (an athletic exercise), but of the engineer and sometimes the seer: a knowledge of how glass will move within a mold, under high heat, untouched by the artist. Her finished works are generally of tabletop size in basic forms - circles, rectangles, squares that are broken or cut in a way that emphasizes frozen movement, whether it be of man or machine.

“In a sense [Galia Amsel] choreographs movement, capturing a moment of balance that has almost bodily tension,” says Dan Klein. “The rhythm, movements, balance and tension referred to are those of moving parts, whether they be related to the world of humans or the world of machines. ‘I like things that work – machinery, bridges, things that fit together and move, work together,’ she says...Her visual imagery relates to the mechanics of movement. Her work, like the work of skilled photographers, freezes a gestural or operational split second, making one aware of the structural detail of things in motion.” Galia Amsel’s work echoes with both stillness and force, like pieces from a machine whose function is left to the viewer to discern.

THE BULLSEYE CONNECTION GALLERY
300 NW Thirteenth Avenue, Portland, OR 97209
www.bullseyeconnectiongallery.com