Larys Frogier, Director of Rockbund Art Museum, Shanghai

Larys Frogier, New Director of Rockbund Art Museum, Shanghai

Thomas Ou, Chairman of Rockbund Art Museum in Shanghai, has appointed Larys Frogier Director of Rockbund Art Museum, starting on 1st January 2012. Larys Frogier has been consistently involved in many fields in contemporary art, including research, curating, management and teaching. He has strong academic background, rich curatorial experience and wide access to resources in international art world, which will help Rockbund Art Museum further expand its programming horizon and academic scope, and strengthen the Museum’s connections to and collaboration with international artists, institutions and scholars while maintaining a focus on the Chinese contemporary art. His longtime experience in art institution management will bring new energy to the operation of the Museum as well.

Since its inauguration in May 2010, Rockbund Art Museum following the operational principles of “Scholarship, Professionalism, Internationalization”, has presented a number of exhibitions which were both scholarly rigorous and socially influential, and a series of very popular educational activities. These programs have earned the Museum extensive acclaims from both the general public and the art world. We expect that, under the leadership of Larys Frogier, the Rockbund Art Museum will enter a new phase of development in its operation and management.

LARYS FROGIER - BIOGRAPHY

Larys Frogier is a contemporary art historian with a research PhD at the prestigious School for Advanced Studies in the Social Sciences in Paris (École des Hautes Études en Sciences Sociales). He has also an Advanced Master degree in art history from the University of Rennes in France.

Larys Frogier is very much involved in artistic and social challenges in post-global contexts where ongoing social, economical, aesthetical, environmental transformations ask for new ways of interrelations, citizenship and reinvented creativity.

In 2010-2011, he was invited by the British Council to take part in their “Innovators Club” connected to the Cultural Leadership International program and in partnership with the Resource centre on Europe and Culture (Relais Culture Europe).

Larys Frogier curated numerous exhibitions and published extensive essays on the works of international artists: Adel Abdessemed, Nan Goldin, Felix Gonzalez-Torres, Olga Kisseleva, Li Wei, Gianni Motti, Paola Pivi, Ugo Rondinone, Charles Sandison, Kiki Smith, Wang Du, Yang Jiechang…

In 2009, he was the guest curator at the Museu Colecção Berardo in Lisbon for the show Risk the Real: the Making of the Figure, exhibiting prestigious works from Carl Andre, Francis Bacon, Georg Baselitz, Daniel Buren, Marcel Duchamp, Dan Flavin, Lucio Fontana, Robert Gober, Jenny Holzer, Anish Kapoor, Yves Klein, El Lissitzky, Bruce Nauman, Francis Picabia, Pablo Picasso, Michelangelo Pistoletto, Jackson Pollock, Richard Serra, Cindy Sherman, Frank Stella, Andy Warhol…

From 2000 to 2011 he was the Director of the contemporary art centre La Criée in the city of Rennes (France) where he facilitated powerful partnerships with international institutions such as Tramway in Glasgow, Maumaus Superior School of Visual Arts in Lisbon, Portikus in Frankfurt, Zak Branicka Foundation in Berlin, Altart Foundation in Cluj, Palais de Tokyo in Paris. He curated long term artistic projects (symposiums, residencies, exhibitions, publications) questioning the links and ruptures between broaden Europe and transcontinental areas.

Larys Frogier taught art theory, history of art and curatorial studies at the University of Rennes. He was also a researcher at the Archives for Art Criticism. He gave many lectures abroad (ICA London; Centre Georges Pompidou, Paris; Kulturni Centar Beograda, Serbia; Heidelberg University; Villa Gillet, Lyon...). He published essays in art journals such as Parachute (Canada), Text Zur Kunst (Germany), Blocnotes (France), and published artbooks with famous contemporary art editors (Hatje Cantz, Ostfildern; JRP/Ringier, Zürich; Walter König, Cologne; Cercle d’art, Paris).

Larys Frogier is a member of the international association of curators of contemporary art (IKT) and of the international association of art critics (AICA).

Lai Hsiangling, former Director of RAM, is now at the Board of RAM and serves as Executive Director since 2011.

ROCKBUND ART MUSEUM

20 Huqiu Road, Huangpu District, Shanghai 20002

www.rockbundartmuseum.org

Daniel Buren, One Thing To Another, Situated Works. Exhibition at Lisson Gallery, London

Daniel Buren

One Thing To Another, Situated Works

Lisson Gallery, London

Through 14 January 2012

Daniel Buren is one of France's most influential living artist. An exhibition of new site specific and situated works is on view in London at Lisson Gallery (29 Bell Street gallery's space). The exhibition include a large scale installation and outdoor work. For over forty years Daniel Buren has examined the role of the gallery as a supposedly neutral space. He creates works “in situ”, by working within the context of existing architectural, spatial and social elements. 

Since the 1960s Daniel Buren’s critical analysis of painting -attempting to refine the act to an elemental form - led him to find what is now a trademark “visual tool”, the use of 8.7cm wide white and coloured vertical stripes. Once chosen for its anonymity and neutral presence, the stripe has become a signature for Buren’s work. Daniel Buren explains: “The visual tool is no longer a work to be seen, or to be beheld, but is the element that permits you to see or behold something else”.

For his exhibition at Lisson Gallery, Daniel Buren developed A Perimeter for a Room (2011), a new work in situ for the gallery main space. The work traces a line following the full perimeter of the space. The horizontal transparent Plexiglas panels coloured with self-adhesive vinyl, lined up sequentially at a set height along the walls, alter our perception of space by introducing a new height within the room and by washing the walls with coloured shadows.  While the work uses a familiar vocabulary in Daniel Buren’s oeuvre: colour, light and black and white 8.7 cm stripes, A Perimeter for a Room defines an entirely new system in its treatment of interior space that opens the way for new developments. 

The gallery front rooms present a series of works based on an entirely new material made of woven fibre optics. Daniel Buren started to develop works using this technology in 2006, in collaboration with fabric specialists Brochier in Lyon, and presented it in exhibitions in Lille, Lyon and most recently as part of his solo exhibition in Kunsthalle Baden Baden earlier this year. The panels in combinations of rectangular and square shapes create a powerful visual effect, with alternating white and coloured stripes illuminating the space that surrounds them. When unlit, they present a simple surface of white, equivalent to a piece of suspended cloth in linen or cotton.  The relationship of the works to the space is architectural, with the panels placed either at the middle of the wall or defining its vertical or horizontal limits.

The exhibition extends outdoor with 4 colours at 3 metres high (2011), a variation on the theme of pergola and ‘attrape soleil’, which Daniel Buren has explored in several public works, which play with outdoor light, the movement of the sun and coloured shadows such as La Tonnelle, presented at the Venice Biennale in 2007, or the covered walkway Passages under a colored sky (2007) in Anyang, South Korea.

SHORT BIOGRAPHY: DANIEL BUREN was born in 1938, in Boulogne-Billancourt (near Paris). Today he is considered one of the most significant figures in conceptual art, pushing the once self-imposed limit and developing it into a complex and varied language. He employins the stripe across canvas, plexiglas, aluminium, wallpaper, and architectural elements, experimenting with light, colour and reflection.  Although now one of the most in demand artists by commissioning bodies across the world, in 1969 he was once arrested for covering billboards in Berne with his stripes. The occasion was Harald Szeemann’s seminal exhibition ‘When Attitude Becomes Form’, in which the artist decided to take part without being invited. In 1971, Daniel Buren created an epic installation at the Guggenheim, New York by dressing the central rotunda with a 20 metre high striped cloth. The work was so commanding that it was removed, to great outrage, after fellow artists Donald Judd and Dan Flavin claimed it compromised their works in the same group exhibition. Buren was invited back in 2005, creating a reflective tower that reached the roof of the rotunda, accentuating the powerful architectural features of Frank Lloyd-Wright’s iconic building while placing no works along the ascending ramp with the exception of the projection of coloured sunlight.

Daniel Buren’s major public interventions can now be seen worldwide at locations including The Palais-Royal in Paris; Odaïba Bay, Tokyo and the Ministry of Labour, Berlin. Few artists are invited as regularly to take part in major international exhibitions as Daniel Buren. The french artist was invited three times to Documenta in Kassel and more than ten times to the Venice Biennale, being awarded the Golden Lion in 1986. Recent exhibitions include a work in situ commissioned for the opening of Turner Contemporary, Margate and his large scale retrospective of works in situ, a joint initiative between Mudam, Luxembourg and Centre Pompidou Metz, France. Daniel Buren has been commissioned to create a new permanent installation for the Oxford Street entrance and ticket hall at the upgraded Tottenham Court Road tube station, to be completed in 2016. 200,000 passengers will pass the work each day.

Daniel Buren's recent public exhibitions: Chapelle Jeanne d'Arc, Thouars, France (2011); Centre Pompidou Metz, France (2011); Mudam, Luxembourg (2011); Turner Contemporary, Margate (2011); Staatliche Kunsthalle, Baden-Baden, Germany (2011); Synagogue Stommeln, Pulheim, Germany (2010); and Neues Museum, Nuremberg, Germany (2010).

LISSON GALLERY, LONDON 

www.lissongallery.com 

Expo Jacques Gruber et l'art nouveau, Nancy, Galeries Poirel

Jacques Gruber et l'art nouveau : 
Un parcours décoratif 
Galeries Poirel, Nancy 
Jusqu'au 22 janvier 2012

Jacques Gruber (1870-1936) appartient à la seconde génération des artistes qui forment l’Ecole de Nancy. Gallé, Majorelle, les frères Daum ou Prouvé sont déjà bien connus sur la scène de l’avant-garde artistique, quand Jacques Gruber revient à Nancy en 1893 après ses études à l’Ecole des Beaux Arts de Paris, dans les ateliers de Pierre Victor Galland et de Gustave Moreau.

Jacques Gruber

Miroir aux Ombelles 

Nancy, musée de l'Ecole de Nancy 

Courtesy & © MEN/ D. Boyer

Avant de se consacrer au vitrail à partir de 1896-1898, Jacques Gruber exprime la vigueur et l’inventivité de son style dans toutes les techniques des arts décoratifs. Il réalise ainsi des décorations de vases pour Daum, du mobilier pour Majorelle, des reliures de livres pour René Wiener, des modèles de céramique avec la manufacture de Rambervillers. Son goût pour les références troubadour et la science des formes inspirées par la nature font le propre du style Gruber.

Jacques Gruber 

Vitrail La forêt vosgienne 

Nancy, musée de l’Ecole de Nancy 

Courtesy & © MEN/ D. Boyer

Mais c’est bien en tant que maître-verrier, spécialisé dans le vitrail, que Jacques Gruber connaît la véritable reconnaissance critique. La première guerre mondiale le pousse à s’établir à Paris où débute la seconde partie de sa carrière.

Jacques Gruber 

Vitrail Coloquintes et nymphéas, vers 1906. 

Verre américain, verre iridescent et chenillé, décor gravé à l’acide.

Musée de l'Ecole de Nancy, Inv. 965-1-1 

Courtesy & © MEN/  P. Husson

Pour illustrer cette partie essentielle de son œuvre, le musée de l’Ecole de Nancy a engagé une vaste campagne de restauration de plusieurs verrières conservées dans ses réserves depuis leur démontage. La plupart seront montrées au public pour la première fois. Avec comme thème de prédilection le monde végétal, Gruber crée des ensembles où la composition savante rivalise avec l’excellence des techniques mises en œuvre.

Jacques Gruber 

Projet de vitrail à décor de chèvrefeuilles et ancolies pour la maison de Paul charbonnier, vers 1910 

Collections particulières 

Courtesy & © MEN

Pour compléter cette présentation, le visiteur est invité à suivre un parcours dans la ville de Nancy pour découvrir des œuvres majeures de Jacques Gruber comme les vitraux de la Chambre de Commerce et d’Industrie ou de la maison Bergeret ou les ensembles de la Villa Majorelle et du musée de l’Ecole de Nancy. De nombreuses activités sont proposées autour de l’exposition : visites guidées, conférences, parcours dans la ville…

Galeries Poirel
Horaires : du mercredi au lundi de 10h à 18h
www.ecole-de-nancy.com

Antony Gormley's new Sculpture at the British Library for English PEN's 90th anniversary

Antony Gormley unveiled his new sculpture at the British Library yesterday, 13 December. The sculpture, Witness, was commissioned by English PEN to mark their 90th anniversary and has been placed permanently at the British Library. Cast in iron, the work depicts an empty chair, a symbol that English PEN has used for the last 30 years to represent imprisoned writers around the world.

The sculpture joins Sir Eduardo Paolozzi’s Newton and another of Antony Gormley’s works, Planets, on the piazza in front of the British Library. English PEN feels that, as the UK's national library, the British Library is an ideal location for the sculpture to be enjoyed by its visitors and users.

At PEN’s annual event, ‘The Day of the Imprisoned Writer’, writers worldwide commemorate colleagues who have been persecuted for their work. Each year an empty chair represents a writer who could not be present because they have been imprisoned, detained, threatened or killed.

English PEN promotes the freedom to write and the freedom to read. English PEN exists to promote the role of literature in the development of mutual understanding and world culture; to promote literature in a variety of ways, including by opposing restraints on freedom of expression and working to promote literacy; and to act as a powerful voice on behalf of writers persecuted, imprisoned and sometimes killed for their views. PEN was founded in 1921 by English novelist Amy Dawson Scott.

Dame Lynne Brindley comments: “We are delighted to be chosen as the permanent home for this new work by Antony Gormley, and one that supports such an important organisation. The British Library admires the support that English PEN gives writers all over the world and is pleased to be involved in such a poignant project.”

Antony Gormley, recognised for such works as Angel of the North and Event Horizon, says: "This is a place of witness, cast in massive iron that will simply rest, isolated, for anyone or no one to occupy."

Gillian Slovo, English PEN’s President, says: “Antony Gormley has generously created for English PEN a sculpture that plays off the symbolism of PEN's empty chair. It will stand as tribute to, and reminder of, those writers who, because of censorship and tyranny, are not free to go to any library either in their countries or in ours, and at the same time recognises the work of PEN branches throughout the world in service of free expression.”

British Library Web site

Jewish Avant-Garde Artists from Romania at Israel Museum, Jerusalem

Tristan Tzara, Victor Brauner, Marcel Janco, M. H. Maxy, Arthur Segal, Jules Perahim, Paul Paun 

Jewish Avant-Garde Artists from Romania 

Israel Museum, Jerusalem 

Through February 18, 2012

This exhibition at Israel Museum traces the artistic development of seven Jewish artists from Romania – Tristan Tzara, Victor Brauner, Marcel Janco, M. H. Maxy, Arthur Segal, Jules Perahim, and Paul Paun – who, in the early decades of the twentieth century, took the art world by storm through their fearless experimentation. After a successful presentation at the Jewish Historical Museum in Amsterdam, Jewish Avant-Garde Artists from Romania brings to Israel for the first time ninety works, created between 1910 and 1938, that explore the question of center and periphery, and illuminate the role of Jewish artists in the avant-garde movement.

Victor Brauner

To my beloved Saşa Pană, 1930

Courtesy of the Israel Museum, Jerusalem

During World War I, Tristan Tzara and Marcel Janco were central to the development of Dada in neutral Zurich, in venues such as Cabaret Voltaire. Back in Romania in the 1920s, Tzara and Janco, together with Victor Brauner, M. H. Maxy, and Arthur Segal, were involved in the publication of avant-garde magazines Contimporanul, 75 HP, Punct, and Integral, and organized the First International Art Exhibition of Contimporanul. The 1930s brought a younger generation of artists into the conversation, such as Jules Perahim and Paul Paun. New avant-garde magazines Unu and Alge were introduced, and Bucharest became a central point of activity in the Surrealist movement. Jewish Avant-Garde Artists from Romania explores Segal’s Neo-Impressionist art, Tzara’s Dada experiments, Brauner’s Surrealist works, Janco’s masks, landscapes, and genre scenes, Maxy’s growing interest in social themes, and the involvement of Jules Perahim and Paul Paun at the forefront of Surrealism, shedding light on the central role these artists played in the history of European avant-garde art.

The Romanian art scene in the early twentieth century, and particularly the contributions of artists of Jewish origin, have previously received little serious study by art historians, due to the deeply ingrained anti-Semitism of the Eastern Bloc at the time and in the decades that followed. This exhibition underscores the long-neglected importance of Bucharest tin the development of the European avant-garde, and explores the relationship between Jewish identity and radical modernity.

Jewish Avant-Garde Artists from Romania was organized by the Jewish Historical Museum, Amsterdam, and curated by Radu Stern and Edward van Voolen. At the Israel Museum, the exhibition is organized by Adina Kamien-Kazhdan, David Rockefeller Curator of the Stella Fischbach Department of Modern Art.

Also on view at Israel Museum a selection of recent acquisitions in contemporary art (through April 30, 2012)

Israel Museum Web Site

Exposition Bénédicte Dussère, Paris, Galerie Théo de Seine

Bénédicte Dussère
Galerie Théo de Seine, Paris
Jusqu'au 7 janvier 2012

Des peintures récentes de l'artiste Bénédicte Dussère sont exposées actuellement à la galerie Theo de Seine à Paris. Entre abstraction pure et figuration, les oeuvres de Bénédicte Dussère sont subtiles et poétiques.

Bénédicte Dussère

Sans titre 3, 2011, huile sur toile, 130 x 97 cm

Courtesy Galerie Théo de Seine, Paris

A travers une série de peintures de grand format sur toile, et d’œuvres sur calque, Bénédicte Dussère nous conduit dans l’ombre ― enveloppante, profonde et dense ― d’où émerge une lumière diffuse. Wanafoto reproduit ci-dessous la présentation de sa démarche rédigée par l'artiste elle-même en vue de cette exposition.

« D’un paysage, d’une ambiance mystérieuse que les lieux m’inspirent, que les moments de la vie me proposent, une ou plusieurs silhouettes surgissent alors ou s’effacent. On ne sait pas d’où elles viennent mais elles ne viennent pas de nulle part. Ma peinture se situe à la lisière de l’abstrait et du figuratif, on ne perd pas l’objet du regard ni la forme, mais on le suggère plutôt que de l’imposer, il trouve sa place au cours du travail. Mémoire et imagination se côtoient, révélant ainsi l’émotion d’un instant.

Recherche de la couleur avec une palette dominée par le noir et le blanc, la lumière. Le choix des outils, pour la plupart fabriqués en fonction de la matière à obtenir : balayage de la toile, reprise au pinceau, faire disparaître, laisser la trace, pour affirmer ou confirmer ce qui sera le point de départ du tableau en un geste plus précis, une idée à faire naître. Il ne reste plus qu’à se laisser guider par le désir. Un tableau en amène un autre et offre ainsi à chacun une histoire que son propre regard lui révèle. » Bénédicte Dussère

BENEDICTE DUSSERE est diplômée de l’Ecole nationale supérieure des arts décoratifs (ENSAD) en 1981. Elle se consacre à la peinture depuis 1994.

Galerie Théo de Seine, Paris 6e
www.galerietheodeseine.com

Olympus LS-20M, enregisteur et video full HD + Olympus VN-7700 et VN-7600

Dernières nouveautés 2011 chez Olympus dans le domaine de l'enregistrement dont le dernier enregistreur, l'OLYMPUS LS20M intègre la vidéo en full HD et auquel se message est donc principalement consacré.

L’enregistreur Olympus LS-20M : un son de grande qualité associée à une vidéo Full HD

Depuis 1919, Olympus a fait preuve d'un bel esprit d'innovation aussi bien sur le plan de l'image que du son : invention du 1er enregistreur à microcassette en 1969, création  du 1er enregistreur numérique professionnel  en  1997 et continue sa lancée avec ses enregistreurs audio PCM Linéaires de la gamme LS. Aujourd’hui Olympus combine son savoir-faire dans le domaine de l'audio et son expertise en matière d’optique pour lancer son LS-20. 

Olympus LS-20M

Le petit dernier né de la gamme LS se dote d’un enregistrement audio haute définition au format PCM Linéaire 24bits/96kHz ainsi qu’un enregistrement vidéo Full HD 1080p. Le LS-20 innove encore plus : il  peut être utilisé comme une webcam avec son moniteur live et est enrichit de la fonction Magic Movie Filter pour faciliter l'ajout d'effets pour les plus créatifs. 

Olympus LS-20M : Un bon outil pour les musiciens  

L'enregistreur Olympus LS-20M a tout ce qu'il faut pour plaire aux audiophiles. Capable d'enregistrer au format PCM Linéaire 96kHz/24bits non compressé - meilleure qualité qu’un CD, le LS-20M reproduit le son avec la plus grande fidélité. Le filtre basse-fréquence intégré garantit un son pur même dans des conditions venteuses ou des environnements bruyants. Sa richesse sonore vient d’une plage de fréquences allant de 20Hz à 96kHz – idéal pour les performances live. Le LS-20 est parfait pour la captation en direct d'événements musicaux, théâtraux ou pour tous ceux qui enregistrent sur le terrain. Facile d’utilisation l’appareil peut-être réglé manuellement mais est également doté du contrôle automatique du niveau d'enregistrement. 

Pour avoir ce son de haute qualité, le LS-20 intègre des microphones haute-sensibilité, avec un cône de réception de 90 degrés et une structure basse vibration qui deviennent les "oreilles musicales » de l’appareil. Et pour une plus grande ergonomie, le LS-20M comporte également une entrée microphone et une entrée line-up séparées.  La gestion polyvalente des fichiers audio, avec ses options d'indexation et d'édition, transforme cet appareil de haute technologie en un appareil portable nomade de poche idéal pour une qualité audio professionnelle.

Olympus LS-20M : Une prise vidéo d’une grande fidélité

Son capteur de 5 méga pixels permet un enregistrement des vidéos en  Full HD (1080p) au format MPEG-4 AVC/H.264 codec : une référence dans l'industrie audiovisuelle. Et pour ceux qui souhaitent être au cœur et vivre pleinement le « live », le LS-20 est équipé d’un zoom numérique 4x. 

Par une simple pression, il est possible d’apporter sa touche personnelle aux séquences filmées grâce à une gamme de filtres artistiques Magic Movie - Rock, Pop, Sténopé et Sketch. Et grâce à la fonction Enregistrement Inversé, il est même possible de capter des séquences alors que l'appareil est tenu à l'envers. Plus besoin de se tordre dans tous les sens pour filmer la scène tant attendue !  

Olympus LS-20M pour la création et le plaisir

Dans son boîtier compact aux lignes futuristes, le LS-20M allie design,  solidité et flexibilité. Deux écrans LCD ornent sa face avant dont un écran couleur 2 pouces pour contrôler le son et l’image séparément. Avec le connecteur HDMI, l’utilisateur peut profiter et partager ses enregistrements en haute définition via une télévision HD et/ou un système audio externe. Connecté via USB à un ordinateur, les utilisateurs peuvent aussi envoyer et partager leurs enregistrements par e-mail ou sur internet – Facebook, Youtube, Dailymotion…

Ce modèle peut également être utilisé comme une webcam dotée de son propre moniteur live. Les données enregistrées sont stockées sur des cartes SD ou SDHC d'une capacité allant jusqu'à 32 Go.

L’Olympus LS-20M est sortie en juin 2011, il est livré avec une carte SD de 2 Go.

ENREGISTREUR OLYMPUS LS-20 LINEAR PCM : CARACTERISTIQUES PRINCIPALES

OLYMPUS LS-20M : ENREGISTREMENT HAUTE DEFINITION

• Format PCM Linear (jusqu’à 96kHz/24bit) pour un son non compressé (meilleure qualité qu’un CD) et format MP3

• Microphones stéréo haute qualité et circuit amplificateur

• Microphones à faibles vibrations orientés à 90 degrés

•  Filtre basse fréquence

• Ajustement du niveau d’enregistrement automatique ou manuel

• Lecture continue

• Fonction d’indexation

• Fonction d’édition de fichiers

• Déplacement et copie de fichiers

OLYMPUS LS-20M : ENREGISTREMENT VIDEOS HAUTE DEFINITION

• Capteur CMOS de 5 Méga pixels

• Zoom numérique 4x

• Vidéo/1080p Full HD (MPEG-4 AVC/H.264)

• Filtres Magic Movie: Rock, Pop, Sténopé et Sketch 

• Fonction webcam

OLYMPUS LS-20M : Autres fonctionnalités

• Design élégant et compact

• Deux écrans LCD pour contrôler la vidéo et l’audio

• Emplacement de cartes SD/SDHC 

• Connecteur Micro HDMI

• 5 animations écrans pour profiter des effets sonores et vidéo

• Connexion USB 2.0

• Batterie Lithium-Ion longue durée

Olympus VN-7700 et VN-7600

Olympus a également lancé cette année deux nouveaux modèles de sa  série des enregistreurs de poche : Le VN-7700 et le VN-7600. 

Le VN-7700 et le VN-7600 peuvent contenir plus de 1100 et 500 heures d’enregistrement avec leur mémoire interne respective de 2Go et 1Go. Dotés d’une batterie longue durée, celle-ci garantit une autonomie de 80 heures sans interruption. Avec la fonction « déclenchement à la voix » (VCVA) qui permet une utilisation « main libre », le maniement de ces enregistreurs devient d'un grand simplicité. Ces enregistreurs compacts et polyvalents offrent un vaste éventail de fonctions à un prix très abordable. 

Enregistreur Olympus VN-7700

Compacts, les derniers Olympus de la série VN se glissent partout et même dans la poche. Trois qualités d'enregistrement différentes permettent d'utiliser au mieux, en fonction de ss besoins, l'appareil. Mode suppression de bruit, lecture répétée et continue (avec le VN-7700 uniquement), alarme et d’autres fonctions assurent une lecture simple, pratique et de qualité. Il est possible de sauvegrder jusqu'à 200 fichiers enregistrés dans les quatre dossiers existants. Et avec la fonction d'indexation en 16 points, les parties importantes d'un enregistrement peuvent être marquées, sélectionnées puis réécoutées. En plus, le VN-7700 permet de diviser les fichiers enregistrés, de lire des segments de façon répétée, ce qui facilite la gestion et le traitement des enregistrements de longue durée. Les enregistreurs de poche Olympus VN-7700 et VN-7600 seront disponibles depuis la fin juin 2011.

OLYMPUS VN-7700 et VN-7600 : CARACTERISTIQUES PRINCIPALES 

• Mémoire interne: 

- VN-7700: 2Go soit plus de 1100 heures d’enregistrement (mode LP)

- VN-7600: 1Go soit plus de 550 heures (mode LP)

• Batterie extra longue durée : plus de 80 heures

• Mode déclenchement à la voix pour une utilisation mains-libres (VCVA)

• Fonction d'indexation 16-points pour la recherche simple

 - 4 dossiers pour le stockage de fichiers, 200 messages par dossier

• 3 qualités d’enregistrement

• Fichier de partage des enregistrements de longue durée (VN-7700 seulement)

• Lecture à vitesse variable

Pour obtenir la liste complète des fonctionnalités de chaque appareil Olympus : www.olympus.fr

Magic Lantern, Israel Museum: Recent Acquisitions in Contemporary Art

Magic Lantern: Recent Acquisitions in Contemporary Art 

Israel Museum, Jerusalem 

Throught April 30, 2012

Israel Museum, Jerusalem, presents a selection of 18 recent acquisitions and gifts of international and Israeli contemporary art. Magic Lantern: Recent Acquisitions in Contemporary Art brings together works in a range of mediums by an international cadre of artists, including Vahram Aghasyan, Ilit Azoulay, Luis Camnitzer, Isaac Julien, Jonathan Monk, Adrian Paci, Anila Rubiku, Yehudit Sasportas, Hiraki Sawa, Jan Tichy, and Maya Zak, among others, all of which explore the theme of enchantment. 

Whether in landscapes or interior scenes, the works in Magic Lantern invoke the world of legend, daydream, fantasy and illusion. Through imaginary journeys, blurred silhouettes in the mist, flickering flames and dark forest shadows, the real world assumes the diffuse contours of something magical. The exhibition features works in a range of mediums, including installation, photography, video and film.

Highlights include:

- VAHRAM AGHASYAN: photographic series Ghost City (2005-2007), showing the actual state of a utopian urban development—a housing project planned in Armenia by the Soviet regime but left unfinished when the USSR collapsed, and now overtaken by seemingly apocalyptic floodwaters. In his photography, Aghasyan investigates sites and structures that originated during the Soviet era but are non-functional, incomplete or irrelevant in their current socio-political environment.

- ILLIT AZOULAY: Tree for Too One, The Keys, Window (2010), a work composed of thousands of photographs of a variety of objects and people, taken from several angles and then pieced together. Shapes and sizes are reworked digitally and recast as a single image, creating a new photographic reality in which multiple layers of being, memory and association exist simultaneously in one coherent whole.

- JONATHAN MONK: Candle Film (2009), made up of eight 16 mm films of a candle filmed as it changes slowly over time. The 16 mm film and film projector require that the reels be changed on a regular basis —approximately once every hour— by a technician. 

- MAYA ZACK: Living Room (2009), which recreates the interior of an apartment in Berlin just before it was abandoned in 1938by means of computer visualization. Based on the artist's interview with Yair Noam and his description of his childhood home, the work addresses such questions as the limitations of memory, the imagination of the artist, and the impossibility of recapturing what has been lost.

Magic Lantern is curated by Suzanne Landau, Yulla and Jacques Lipchitz Chief Curator of the Fine Arts and Landeau Family Curator of Contemporary Art.

Israel Museum Web Site

Fantin-Latour, Manet, Baudelaire : L’Hommage à Delacroix, Musée national Eugène-Delacroix, Paris

Fantin-Latour, Manet, Baudelaire 

L’Hommage à Delacroix 

Musée national Eugène-Delacroix, Paris 

7 décembre 2011 - 19 mars 2012 

Si 1863 est l’année du scandale du Déjeuner sur l’herbe d'Edouard Manet au Salon des Refusés, c’est aussi celle de la mort d’Eugène Delacroix dans son appartement de la place de Fürstenberg. Choqué par la tiédeur des hommages officiels rendus à l’artiste lors de sa disparition, Henri Fantin-Latour, encouragé par Manet et Baudelaire, se lança dans la réalisation de son fameux Hommage à Delacroix pour le Salon suivant : grande toile-manifeste qui rassemblait une nouvelle génération d’artistes novateurs et de critiques comme Baudelaire et Champfleury, autour de l’austère effigie du maître disparu. L’exposition du musée Delacroix retrace l’aventure de cette toile, sa conception, les variantes, les élus et les exclus parmi les figurants. Grâce aux prêts exceptionnels de nombreuses institutions françaises et étrangères, elle relate cette fraternité artistique à travers les œuvres croisées des artistes en présence et celles qui les rattachent à l’héritage de Delacroix.

La réception du tableau par la critique de l’époque fut assez vive : on dénonça une captation d’héritage, usurpé par une bande de Réalistes. L’admiration de la plupart pour l’œuvre de Delacroix est pourtant indéniable, même si l’exposition explore les compromis et les alliances de circonstance : une histoire qui commence par une camaraderie d’atelier et de café d’artistes – la « Société des Trois » formée par Fantin-Latour, Legros et Whistler – et s’achève bien après l’exposition du tableau en 1864. Mais en 1889, lorsque Henri Fantin-Latour brosse une nouvelle allégorie à la gloire de Delacroix, Immortalité (musée de Cardiff), les temps ont changé. L’artiste s’est détaché du courant Impressionniste et il choisit de ne représenter cette fois qu’une femme évanescente semant des pétales de fleurs sur le tombeau du maître. L’exposition se conclut sur l’hommage officiel confié finalement au sculpteur Jules Dalou dont le grand monument de bronze est inauguré officiellement en 1889, dans les jardins du Luxembourg.

Commissaire de l’exposition : Christophe Leribault, directeur du musée national Eugène-Delacroix et adjoint au directeur du département des Arts graphiques du musée du Louvre.

Publication : Catalogue de l’exposition, sous la direction de Christophe Leribault. Textes de Stéphane Guégan, Christophe Leribault, Marie-Pierre Salé, Amélie Simier. Coédition Le Passage / musée du Louvre Editions. 168 p., 104 ill., 28 €

Musée national Eugène-Delacroix

6 rue de Fürstenberg, 75006 Paris

www.musee-delacroix.fr

Tate Guide to Modern Art App for iPad and iPhone: Art themes, artists, movements, media and art practices at your fingertips

Art app for iPad and iPhone from famous UK Tate Modern art museum

Tate Guide to Modern Art Terms, produced by Aimer Media, is an art dictionary for iPad or iPhone. Over 300 terms are defined with clarity, putting themes, movements, media and art practices at your fingertips.

The first modern art app to be released by Tate Publishing , one of the world’s leading art publishers, this guide aims to become a staple for gallery goers the world over.

"How many times have you read the caption next to a work of art or a review of a contemporary art exhibition and found yourself none the wiser? For many of us the language in which modern art is described is as mystifying as the art itself. This comprehensive but concise guide is the answer,” says Roger Thorp, Publishing Director at Tate Publishing. “We are hoping this will become one of the best art apps for people engaging with art terms whether they are avid gallery visitors, art students, or people unacquainted with art.”

Users can search the Tate Guide to Modern Art Terms app by artist, movement, technique or trend; view over 40 art works with pinch-and-zoom technology; share art terms via Twitter and Facebook; and create lists of favourite terms, making this the perfect accompaniment for visits to Tate Modern exhibitions and beyond.

The Tate Guide to Modern Art Terms app is based on a book of the same name published by Tate Publishing (2009), edited by Simon Wilson and Jessica Lack.  Simon Wilson, OBE, MA, formerly Head of Interpretation, at Tate, is the author of Egon Schiele and Surrealist Painting, and Jessica Lack is an arts writer for the Guardian.

Watch the demonstration video online http://vimeo.com/32962506

Tate Publishing Web site: www.tate.org.uk/publishing 

.

Art First gallery, London, Projects: Compendium

Art First Projects: Compendium
Art First, London
Through 4 February, 2012

A Survey of small, significant works by artists from the gallery exhibition programme during it's first year in Eastcastle Street new gallery in London

Joni Brenner
Eileen Cooper
Helena Goldwater
Alex Knell
Rasha Kahil
Kevin Laycock
Liane Lang
Simon Lewty
Will Maclean
Jack Milroy
Simon Morley
Karel Nel
Rebecca Partridge
David Price
Joe Watling
Jenny Wiener

Art First will also be exhibiting on stand 4 at the London Art Fair, 18 January - 22 January 2012

ART FIRST
21 Eastcastle Street
LONDON W1W 8DD
www.artfirst.co.uk

Photographer Dave Frieder, The Great bridges of NYC at Salmagundi

 

Dave Frieder, The Great Bridges of New York

Camera in hand, photographer DAVE FRIEDER has been scaling the Great Bridges of New York since 1993, using traditional film photography and some measure of courage to capture seldom seen details of these structures as well as historic views of New York City.

A PowerPoint Presentation on these unique giants that will take you breath away is oragnized at the Salmagundi Club (47 Fifh Ave @ 12th street, NYC 10003) on Friday, December 9. Admission is free and open to the public.

www.salmagundi.org