Michel François @ Ikon Gallery, Birmingham - Pieces of evidence

Michel François: Pieces of evidence
Ikon Gallery, Birmingham
30 April – 22 June 2014

Ikon presents the first UK survey of work by Michel François (b.1956), a Belgian artist renowned through major outings elsewhere including Documenta 9 (1992), the Biennale of Sao Paulo (1994), the 48th Venice Biennale (1999), Centre Georges Pompidou (2002) and S.M.A.K., Ghent (2007). Comprising sculpture, film, paintings, prints and photography, it exemplifies the artist’s conviction that the meanings of a work of art are determined through its combination with others in relation to an exhibition space. Visitors to Ikon are encounter an exhibition of numerous pieces to be read as a whole, integrated with the entire building.

The exhibition title, Pieces of evidence, refers to the artist’s fascination with a netherworld, drawing comparisons between the ingenuity of artists and criminals, and more specifically an installation by him. This involves a projected film in which we see the hands of a magician skilfully examining everyday objects – drinks cans, cosmetic bottles and the like – before revealing hidden compartments and illegal substances within. The objects themselves are exhibited in vitrines nearby. Another work here, Stumbling Block II (Wall) (1989), is a large rectangular block of polystyrene secured to the wall with strips of brown tape, a sculptural translation of a convicted smuggler’s failed attempt to conceal drugs by strapping them across their body. An art object is thus likened to contraband.

The idea of crossing international borders - illegally or otherwise - is conveyed by Arpenteuse (1994), a video of an inchworm walking across a map of the world. This funny creature signifies the artist’s free spirit with respect to art as much as his geographical itinerancy, a kind of energy that spurs us on to keep moving, keep looking, and keep asking questions.

Likewise, Golden Cage 1 (2008-09), problematizes the notion of frontiers. A large free-standing steel box, from which A4-sized sections have been uniformly cut, it is a structure on the verge of collapse. It is a cage with walls that resemble the gilded left-overs of a manufacturing process, with cut out shapes scattered within. It is symbolic of human migration across the Mexican/US border, the hollow dreams of finding a better place, the cage being desirable in a way that its contents are not.

Such philosophical scepticism embodied in Francois’ work is matched by an infectious sense of wonder. Deja-vu (hallu) (2002) is a mesmerising spilt-screen film, in which we see the artist manipulating a piece of aluminium foil to  resemble weird faces and other forms, playing on the symmetry that characterises almost all life as we know it. Self-Portrait Against Nature (2002) shows another side of the emotional coin. A video, it features the artist, seen from above, walking around on a hard concrete floor and smoking while empty wine bottles drop and smash around him. It suggests a kind of existentialist solitude and self-destructiveness that throw hints of joy into sharp relief. Broken Neon Lights, (2005) has a similar edginess as the artist stamps his feet through a path of neon tubes, laid widthways, resulting in lots more broken glass. The action is transgressive and the feeling one of anger.

This exhibition is supported by Henry Moore Foundation, Bortolami Gallery, New York, Thomas Dane Gallery, London, and Galerie Xavier Hufkens, Brussels. It is accompanied by a new publication featuring a text by writer and critic Martin Herbert. 

IKON GALLERY
1 Oozells Square, Brindleyplace, Birmingham B1 2HS
ikon-gllery.org

Kendell Geers - Yvon Lambert, Paris - Solve et Coagula

Kendell Geers : Solve et Coagula 

Galerie Yvon Lambert, Paris 

26 avril - 31 mai 2014 

Yvon Lambert pésente sa troisième exposition personnelle de KENDELL GEERS Solve et Coagula. A cette occasion, l’artiste d’origine sud-africaine présente un nouvel ensemble d’oeuvres questionnant par la peinture, l’installation et la performance le pouvoir de transgression de la création artistique.

Au-delà du Beau et de la forme romantique du Sublime, le travail de Kendell Geers s’immisce dans l’expérience du spectateur comme l’apparition d’un fantasme de violence. Très fortement influencé par le contexte politique duquel il est issu, Kendell Geers fait de sa production artistique un acte de fraction potentielle face à l’histoire et à l’histoire de l’art. Pour cette exposition, Kendell Geers nous confronte à la rupture nécessaire préalable à toute reconstruction. En effet, la maxime Solve et Coagula signifie pour l’alchimie l’inévitable dissolution d’un corps avant sa transfiguration en esprit. Aussi, dans la performance mise en scène par l’artiste Ritual Resist, les corps des danseurs initieront un dialogue de force avec leur propre image, matériellement prisonnière de leur reflet. Egalement inspiré par les écrits de Gilles Deleuze et Felix Guattari à propos du concept de Ligne de fuite, Kendell Geers nous situe dans un lieu d’instabilité à la fois spatiale et sociale où le spectateur est amené à prendre une position presque éthique. Ses grandes oeuvres peintes nous interpellent en effet par leurs motifs aux allures tribales par lesquelles Kendell Geers nous plonge dans un véritable Théâtre de la Cruauté. Aussi, la troublante image de ses balançoires, dont le siège est serti de tessons de bouteilles, nous renvoient indéniablement à l’oeuvre célèbre du peintre français Fragonard Les Hasard Heureux de l’escarpolette, métaphore du déclin morale de la noblesse quelques années avant la révolution de 1789.

Chaque oeuvre de l’artiste s’inscrit ainsi dans une forme d’expérience sensible de la limite au sein de laquelle apparaissent les ombres du récit tourmenté de l’histoire contemporaine.

La performance Ritual Resist aura le lieu le samedi 26 avril à partir de 18h.

KENDELL GEERS vit et travaille à Bruxelles. Il situe sa naissance en mai 1968. Son travail a bénéficié de nombreuses expositions personnelles notamment à la Vienna Secession et au MAK à Vienne, AT ; à la Würtembergischer Kunstverein and Schloss Solitude de Stuttgart, DE ; au MACRO à Rome, IT ; au Mart – Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto, IT ; Castello di Ama per l’arte contemporanea Lecchi in Chianti, IT ; Proyecto de arte contemporaneo, Murcia, ES ; au Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (S.M.A.K.), Gent, BE ; au BPS 22 à Charleroi, BE ; à Bâle pour un projet Unlimited, CH ; au Salon 94, New York, US ; à la South African National Gallery, Cape Town, ZA ; au Consortium de Dijon, FR ; Musée d’Art contemporainde lYon, FR et au Palais de Tokyo, Paris, FR. Il a également participé à d’importantes expositions collectives au Stedelijk Museum, Amsterdam, NL ; de Appel Art Center, Amsterdam, NL ; Haus der Kulturen der Welt, Berlin, DE ; Documenta 11, Kassel, DE ; Kunstmuseum Bonn, DE ; Kunstlerhaus, Graz, AT ; Kunsthalle Bern, CH ; MNAC, Bucharest, RO ; Instituto de Arte Contemporânea, Lisbon, PT ; MUHKA, Antwerp, BE ; Museum of Modern Art, Oxford, UK ; 52nd Biennale di Venezia, Venice, IT ; Villa Medici, Rome, IT ; Le Magasin, Grenoble, FR ; Collection François Pinault Foundation, Lille, FR ; Collection Yvon Lambert, Avignon, FR ; Centre Pompidou, Paris, FR et au PS1, New York, US.

YVON LAMBERT

108 rue Vieille du Temple, 75003 Paris

www.yvon-lambert.com

Le printemps des Maîtres d'art - 20 ans de transmission de savoir-faire

Le printemps des Maîtres d'art - 20 ans de transmission de savoir-faire 
Palais Royal, Paris 
Jusqu'au 25 mai 2014 

Initié et créé par le ministère de la Culture et de la Communication en 1994, le titre de Maître d’art est attribué à des professionnels des métiers d’art reconnus pour leurs savoir-faire remarquables et rares. Cette année, le dispositif fête ses 20 ans et à cette occasion, une exposition intitulée « Le Printemps des Maîtres d'art – vingt ans de transmission de savoir-faire » est présentée au grand public dans les vitrines du Palais Royal à Paris. 26 créations de Maîtres d'art ou d’Élèves y sont pour l'occasion exposées.

L’objectif de ce dispositif original, reconnu par l’Unesco, est de préserver et transmettre ces savoir-faire et de mettre en œuvre de véritables « contrats de générations » entre un professionnel, maître dans sa discipline, le Maître d’art, et un jeune professionnel ayant au moins cinq ans d’expérience, l’Élève. La formation se déroule dans l’atelier du Maître d’art pendant trois ans avec pour but d’inscrire cette transmission de gestes et de procédés dans un développement économique viable : au terme de sa formation, l’Élève développe son projet professionnel, soit aux côtés du Maître d’art, soit en reprenant son atelier, ou en créant sa propre entreprise.

A chacune de ses promotions, cette initiative portée par l’Institut national des métiers d’Art (INMA), démontre sa pertinence. 8 maîtres d’art ont ainsi été nommés en 2013 pour former désormais un groupe de 115 Maîtres d’art.

Pour cette exposition, le ministère de la Culture et de la Communication a sélectionné, après appel à proposition à l’ensemble des Maîtres d'art et à leurs 90 Élèves, 26 créations qui reflètent la diversité des métiers d'art, des techniques et des matériaux.

La grande voyageuse, Passage, Songe, Silence, Bestiaire d'amour, matin Bourgogne, Diane au jardin d'Eden... sont les titres de certaines de ces créations qui sont autant d'invitations à la rêverie et au voyage dans l'univers de ces « orfèvres » des techniques et des matières que sont les Maîtres d'art et leurs Élèves.

Les Maîtres d'art sont les « passeurs » d'un patrimoine immatériel exceptionnel qui contribue fortement au rayonnement de la France. L'ambition de cette exposition est de donner une image profondément renouvelée de ces professionnels et de ces métiers qui font aussi bien appel aux outils traditionnels qu'aux technologies les plus avancées.

Les créations présentées lors du Printemps de Maîtres d'art ont été réalisées par :

Gérard Adde, sérigraphe
Georges Alloro, facteur d'instruments
Serge Amoruso, maroquinier-designer
Marianne Anselin, créatrice de bijoux
Germain Benoît, gaufreur sur velours
Renato Baoretto, créateur d'automate
Sylvie Deschamps et Marlène Rouhaud (Le Bégonia d'or), brodeuses au fil d'or
Annie Bocel, graveur
Marie-Annick Bresson, mouleur statuaire
Jean-Pierre Baquère, verrier flaconneur, et Isabelle Emmerique, laqueuse
Gérard Borde (CRAFT-centre de recherche sur les arts du feu et de la terre) et Hélène Delépine, céramistes
Julie Decubber, créatrice de bijoux
Yves Dorget et Anne-Valérie Blézot, passementiers
Gabriel Goerger, forgeron d'art
Marcelle Guillet-Lubrano, parurière florale
Jean Girel, céramiste
Françoise Hoffmann, feutrière
Gilles Jonemann, créateur de bijoux
Jacques Loire (en collaboration avec Jean-Michel Othoniel), verrier
Emilie Moutard-Martin, plumassière
Francine Nicolle et Muriel Perez, brodeuses de boutis
Laurent Nogues et Clément Vinot-Battistoni, gaufreur sur papier
Olivia Oberlin, éventailliste
Philippe Rault et Naoya Miyake, facteurs et restaurateurs d'instruments en cuivre
Marie de la Roussière, laqueuse
Nelly Saunier, plumassière.

Ces œuvres sont accessibles gratuitement tous les jours dans les vitrines du Palais Royal depuis le 7 rue de Valois, Paris 1er, de 8h à 20h.

Mark Innerst, DC Moore Gallery, NYC

Mark Innerst
DC Moore Gallery, New York
April 24 - May 31, 2014

DC Moore Gallery presents an exhibition of new work by MARK INNERST. A catalogue with an essay by Edward Burns is published.

MARK INNERST

DC Moore Gallery, 2014

Essay by Edward Burns

32 pages

Mark Innerst is a painter who transforms the urban and rural landscape, investing it with a radiant beauty and complexity. Cities like New York and Philadelphia can simultaneously appear majestic, immense, and serene, as streetscapes become a series of soaring verticals or stacked, layered blocks of color. Buildings curve overhead or sweep downward to street level, where human activity is reduced to blurs of light and movement.

In his new Midtown series, inspired in large part by the towers that line Manhattan’s Sixth Avenue in the forties and fifties, as well as in his paintings of downtown Philadelphia, Mark Innerst reduces architecture to abstracted elements, stripes and geometric shapes, that recede in rhythmic progressions to either an opening at the end of an urban canyon or the façade of another building, closing the view in upon itself.

Mark Innerst also paints panoramic vistas of rivers and estuaries, atmospheric landscapes intersected by prismatic hues that create bold visual effects. By emphasizing the refraction of light in these luminous environments, some of which include industrial buildings on a low horizon in the distance, he invites us to reflect on the interplay between an idealized landscape and the modern world.

From his exacting use of glazes to his handmade frames, Mark Innerst adapts tradition to his contemporary intentions. In his new work, he continues to draw upon the great tradition of nineteenth century European and American painting and the structural and expressive use of color as explored in mid-twentieth-century abstraction, as Edward Burns notes in his catalogue essay. His paintings are vibrant and inventive, anchored in his immediate environment, while at the same time, transcending everyday perception with a dynamic vision of the modern world.

MARK INNERST lives and works in Philadelphia, PA, and Cape May, NJ. After graduating from Kutztown State College in Pennsylvania in 1980, he moved to New York City, where he began to pursue his career. Since then, he has exhibited widely and has had one-person shows at Gallery Alain Noirhomme in Brussels, Belgium; and Emilio Mazzoli Galleria d’Arte Contemporanea in Modena, Italy; as well as at the Contemporary Arts Museum, Houston; Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City; and Museum of Contemporary Art, Chicago. His work is in the permanent collections of the Museum of Modern Art, Metropolitan Museum of Art, Solomon R. Guggenheim Museum, Brooklyn Museum, and Albright-Knox Art Gallery, among others.

DC MOORE GALLERY
535 West 22nd Street, New York, NY 10011
www.dcmooregallery.com

Le Corbusier : Barcelona & Madrid exhibition

Le Corbusier: An Atlas of Modern Landscapes 

CaixaForum Barcelona, Through 11 May 2014 

CaixaForum Madrid, June-October 2014

Architect, city planner, painter, interior designer, writer, editor, photographer and amateur film-maker. Le Corbusier was a multidisciplinary artist who amazed the world with his creative power and unconventional ideas. Through 215 objects illustrating the full dimensions of his creative processes, the exhibition Le Corbusier: An Atlas of Modern Landscapes explores the many facets of an artist regarded today as a key figure in 20th-century architecture. The result is a truly extraordinary experience, the most complete exhibition devoted to the architect in Spain in the last twenty-five years. This comprehensive retrospective traces Le Corbusier’s life and work over a sixty-year career in which he constantly observed, imagined and created landscapes: architectural landscapes, domestic landscapes and found object landscapes. Organised by the Museum of Modern Art (MoMA) of New York and featuring many pieces loaned by the Fondation Le Corbusier in Paris, the exhibition includes not only models, paintings, plans and photographs, but also four recreations of rooms, complete with their original furniture. The show also focuses on Le Corbusier’s links to the city of Barcelona, as well as featuring several panoramic photographs taken by Richard Pare of some of the architect’s most outstanding projects. 

The most comprehensive retrospective that MoMA has ever devoted to the architect, this show was visited by more than 400,000 people from June to September last year. Following this enormous public success, the exhibition is now on view in Spain where it opened, firstly, at CaixaForum Barcelona and subsequently, from June to October 2014, at the centre’s Madrid counterpart. 

LE CORBUSIER

Courtesy CaixaForum Barcelona

A key figure in 20th-century architecture, Le Corbusier was a pioneer in efforts to improve the homes of the lower classes, proposing new forms of efficient architecture in densely-populated cities. He was also a multidisciplinary artist, for he also practised painting and photography and successfully fused art with architecture.

Le Corbusier (real name Charles-Edouard Jeanneret) was born in the small industrial town of La Chaux-de-Fonds, in the Jura Mountains in Switzerland.In 1917, he established his studio in Paris, from where he worked practically all over the world and, over a professional career spanning six decades, directly or indirectly changed the face of many cities, from South America to India. He became renowned for his poetic and often provocative interpretations of technologies and values in the new machine age, working on some 400 architectural projects and designing 75 buildings in a dozen countries. He also published nearly 40 books and wrote hundreds of articles, including some of the most influential texts in modern culture.

Le Corbusier’s concept of architecture was deeply rooted in nature and the landscape, from the carefully framed view from an open floor plan and the dialogue between growing cities and their geographic territory to the natural panorama in its broadest sense. As the artist he was, he drew and painted almost daily, capturing in his work the spatial connections between nature and buildings in the Swiss mountains, on the Mediterranean coast, in Italy, in the south of France and on the great plains of northern India. For Le Corbusier, the emerging metropolis was also a landscape, one in which a recently reorganised domestic interior could establish relations with a broader orbit of natural and human forces. 

LE CORBUSIER

Courtesy CaixaForum Barcelona

Far from embodying a universal or international architecture, distanced from place, Le Corbusier’s work was rooted in its surroundings, even though the architect sought transformation in order to accommodate new lifestyles in a world characterised by technological change. 

Visitors to this major exhibition will see works ranging from his early years as an artist in the Jura Mountains (Switzerland) to his final days on the Côte d’Azure, passing through Istanbul, Athens, Rome, Paris, Geneva, Moscow, Barcelona, New York and India. All these projects reveal the way in which the architect observed and imagined landscapes throughout his career, using all the artistic media and techniques available to him. The exhibition focuses on four types of landscape: the landscape of found objects; the domestic landscape; the architectural landscape of the modern city; and the landscapes he dreamed for large territories that he was commissioned to plan.

Le Corbusier: An Atlas of Modern Landscapes is divided into five sections and features several models, as well as paintings, plans, photographs and documents. Moreover, four interiors created by Le Corbusier have been reconstructed and are displayed with their original furniture. These are: the Maison Blanche; a pavilion for the Villa Church in Ville-d’Avray; the unité d’habitation housing unit in Marseilles; and the cabin in Roquebrune-Cap-Martin where Le Corbusier spent the final days of his life. 

The show forms part of the firmly consolidated exhibition programme that ”la Caixa” Foundation devotes to architecture. This programme goes beyond the focus on particular styles and historic periods to provide visitors with an overview that enhances their understanding of the role that architecture plays in the world around us. Particularly outstanding amongst the shows organised so far are those devoted to such great masters as Mies van der Rohe, Andrea Palladio and Richard Rogers, and recent projects like Building the Revolution: Art and Architecture in Russia 1915-1935 and Towers and Skyscrapers: fromBabel to Dubai.

Le Corbusier: An Atlas of Modern Landscapes. Organised by: The Museum of Modern Art of New York (MoMA), in cooperation with the Fondation Le Corbusier, Paris. Produced by: ”la Caixa” Foundation. Curated by: Jean-Louis Cohen, Sheldon H. Solow Professor in the History of Architecture, Institute of Fine Arts, University of New York, and Barry Bergdoll, Philip Johnson Chief Curator of Architecture and Design at the Museum of Modern Art (MoMA), New York. Place: CaixaForum Barcelona (Av. de Francesc Ferrer i Guàrdia, 6-8). Dates: from 29 January to 11 May 2014. CaixaForum Madrid. Dates: June to October 2014.

Rodrigo Bueno, CAB, Bruxelles at Contemporary Art Brussels

Rodrigo Bueno 

CAB, Contemporary Art Brussels 

23 avril - 7 juin 2014

RODRIGO BUENO 

Sprouting high chair, 2012

SAM Art Projects présente un nouveau projet Hors les murs : Rodrigo Bueno au CAB de Bruxelles. 

Au cours de l’année 2013, huit collectionneurs belges et français ont été invités à soutenir le projet d’un artiste de leur choix en produisant une nouvelle création. Chaque collectionneur donne ainsi l’opportunité à un artiste de réaliser un projet in situ qu’il ne pourrait habituellement pas accomplir faute d’espace ou de moyen. Chaque artiste a ainsi pu s’exprimer à travers une réalisation ou une mise en forme qui sort de l’ordinaire tout en devant prendre en considération l’espace donné.

Le résultat est un ensemble de huit créations ambitieuses et étonnantes, réunies dans l’exposition ‘Out of character’ et toutes généreusement financées par les collectionneurs invités.

Collectionneuse passionnée, Sandra Hegedus Mulliez a décidé d’apporter son soutien à l’artiste brésilien RODRIGO BUENO.

Engagé depuis 2009 dans la promotion des échanges culturels entre l’Europe et les pays dits émergents, SAM Art Projects, en la figure de Sandra Hegedus Mulliez, trouve naturellement sa place dans cette exposition. 

Cette dernière révèle l’affinité qui existe entre le collectionneur et l’artiste et tente de redéfinir leur positionnement dans la société.

Le lien qui les unit dépasse l’acte mercantile, comme celui de l’achat ou de la commande. Ici, la création d’une œuvre se nourrit de l’interaction, des échanges et de discussions ainsi que des ressources mises à disposition.

En ce sens, l’exposition ‘Out of character’ ne vise pas à promouvoir une collection personnelle, mais bien à faire connaître et valoriser le travail d’artistes émergents. Des objectifs partagés entre le CAB et SAM Art Projects. 

CAB

32-34 rue Borrens / 1050 Bruxelles 

www.cab.be

Louvre Abu Dhabi. Naissance d’un musée : Exposition au musée du Louvre, Paris

Louvre Abu Dhabi. Naissance d’un musée
Musée du Louvre, Paris
2 mai - 28 juillet 2014

Le Louvre Abu Dhabi dévoile, pour la première fois en France, le meilleur de sa toute jeune collection ; plus de cent soixante des plus beaux chefs-d'œuvre déjà acquis par le musée émirien seront présentés en mai, à Paris, lors d’une exposition d’envergure intitulée « Naissance d’un musée ». Le Louvre Abu Dhabi, qui ouvrira ses portes en décembre 2015, sera le premier musée universel créé au Moyen-Orient, dans une région au carrefour des civilisations. Sa collection d’œuvres anciennes et contemporaines, provenant de différents pays, se constitue progressivement depuis 2009, au fil des acquisitions. L’exposition permettra au public français de découvrir, en avant-première, la richesse des collections du futur musée mais également d’en appréhender le projet architectural et culturel.

Bracelet aux figures de lions

Iran, Ziwiyé, VIIIe-VIIe siècle av. J.-C.

Or, L. max. 6,5 cm ; D. max. 9,5 cm

LAD.2009.019

© Louvre Abu Dhabi / Thierry Ollivier

Louvre Abu Dhabi : Une collection permanente dévoilée à Paris

L’exposition « Naissance d’un musée » constitue la première présentation d’envergure à Paris de la collection du Louvre Abu Dhabi, associée à l’évocation de l’architecture de Jean Nouvel ainsi qu’à celle du contexte local de son développement. Elle dévoilera une sélection de plus de cent soixante œuvres acquises depuis 2009 par l’Émirat qui a bénéficié de l’expertise des équipes d’Abu Dhabi et de l’Agence France-Muséums. Parmi ces œuvres d’exception, on trouve une statuette appelée « Princesse » de Bactriane, un bracelet en or aux figures de lions fabriqué en Iran il y a près de 3000 ans (photo ci-dessus), une rare sphinge archaïque grecque, un grand Bodhisattva provenant du Pakistan, une fibule (broche) d’or et de grenats d’Italie datant du Ve siècle après J.-C., une magnifique Vierge à l’Enfant de Giovanni Bellini (photo ci-dessous), des tableaux de Jordaens, Caillebotte, Manet, Gauguin, Magritte, un papier-collé inédit de Picasso et neuf toiles du peintre américain Cy Twombly, récemment disparu. Le propos de l’exposition se construit autour d’un fil chronologique et de quelques grandes questions artistiques et esthétiques qui soulignent d’ores et déjà les principes au cœur de l’identité du Louvre Abu Dhabi : l’universalisme, la mise en regard des témoignages artistiques des grandes civilisations, des temps les plus anciens à la scène contemporaine, en soulignant le caractère pluridisciplinaire des champs de la création artistique.

Une exposition similaire avait déjà été présentée au public d’Abu Dhabi du 22 avril au 20 juillet 2013 à Manarat Al Saadiyat, au centre d’art et d’exposition du District Culturel de l’île de Saadiyat. L’exposition avait été inaugurée par Son Excellence Cheikh Hazaa Bin Zayed Al Nahyan, Vice-Président du Conseil Exécutif de l’Emirat d’Abu Dhabi, en présence de Madame Aurélie Filippetti, ministre de la Culture et de la Communication.

Giovanni Bellini (Venise, v. 1430-1516)

Vierge à l’Enfant

Italie, Venise, vers 1480-1485

Huile sur bois, H. 70,5 cm ; L. 50,5 cm

LAD.2009.013

© Louvre Abu Dhabi / Thierry Ollivier

Louvre Abu Dhabi : Premier musée universel dans le monde arabe

Par un accord intergouvernemental signé le 6 mars 2007, les Émirats Arabes Unis et la France ont décidé de la création d’un musée universel portant le nom de Louvre Abu Dhabi et dont l’ouverture est prévue en décembre 2015. Ce geste sans précédent, établit les fondements d’un nouveau type de collaboration culturelle entre deux pays autour de la naissance d’une institution nationale. Premier musée universel dans le monde arabe, le Louvre Abu Dhabi est un projet ambitieux, portant au plus profond de son identité les notions de découverte, de rencontre et donc d’éducation. Le futur musée ne sera en rien une copie du Louvre à Abu Dhabi, mais une institution originale, ayant ses propres collections, qui formulera une autre proposition de musée universel, reflet de son temps et de la tradition locale qui l’accueille.

Le Louvre Abu Dhabi se propose d’être un lieu de dialogue entre les civilisations et les cultures. Il construira sa singularité sur une vision transversale de la création artistique et s’appuiera sur un dispositif inédit de présentation des collections qui associera durant dix ans, sur un principe de rotation, des prêts des collections françaises et la collection propre du Louvre Abu Dhabi, en cours de constitution.

La construction du Louvre Abu Dhabi, imaginé par Jean Nouvel, lauréat du Prix Pritzker, a commencé sur l’île de Saadiyat. Conçu comme une « ville-musée », protégée du soleil par une grande coupole, les bâtiments avancent sur l’eau. Le Louvre Abu Dhabi s’étendra sur près de 64 000 m2, avec 9200 m2 réservés pour les galeries d’art, 6000 m2 pour la galerie permanente et 2000 m2 pour des expositions temporaires d’envergure internationale.

Muhammad B. Ahmad B. Lahsan al-Battûtî 

Astrolable planisphérique 

Maroc, 1139 de l’hégire (1726-1727) 

laiton coulé, martelé et grave, rehaussé de clous en argent, diam. 22cm

LAD 2009.027

© Louvre Abu Dhabi

Commissaires de l’exposition : Vincent Pomarède, directeur du département des Peintures, directeur de la Médiation et de la Programmation Culturelle, musée du Louvre, est commissaire général de l’exposition, associé à Laurence des Cars, directrice du musée de l’Orangerie et à Khalid Abdulkhaliq Abdulla, commissaire associé, Abu Dhabi Tourism & Culture Authority.

L’Agence France-Muséums, présidée par Marc Ladreit de Lacharrière, réunit les institutions partenaires du Louvre Abu Dhabi : le musée du Louvre, le Centre Pompidou, l’établissement public du musée d’Orsay et du musée de l’Orangerie, la Bibliothèque nationale de France, le musée du quai Branly, la Réunion des musées nationaux – Grand Palais, le musée et domaine national de Versailles, musée national des arts asiatiques Guimet, l’École du Louvre, le musée Rodin, le domaine national de Chambord, l’Opérateur du patrimoine et des projets immobiliers de la culture. Le conseil scientifique de l’Agence France-Muséums est présidé par Jean-Luc Martinez. Manuel Rabaté est directeur général de l’Agence.

Louvre Abu Dhabi : Editions

Catalogue de l’exposition : Louvre Abu Dhabi. Naissance d’un musée, sous la direction de Laurence des Cars. Coéd. musée du Louvre éditions/Tourism and Culture Authority (TCA)/Skira Flammarion. 320 p., 300 ill. En français (45€), anglais (49€) et arabe (65€).

L’album : sous la direction de Laurence des Cars, Vincent Pomarède et Khalid Abdulkhaliq Abdulla. 56 p., 70 ill. Coéd. musée du Louvre éditions/Flammarion. En français, anglais et arabe (9,90€).

Musée du Louvre, Paris
www.louvre.fr 

Porcelaine de la Manufacture royale de Berlin : Acquisition par le musée national des châteaux de Malmaison et Bois-Préau

Aurélie Filippetti, ministre de la Culture et de la Communication annonce l'acquisition de deux vases pots-pourris en porcelaine de la manufacture royale de Berlin 

Le musée national des châteaux de Malmaison et Bois-Préau vient d’acquérir, grâce au mécénat d’Axa, deux vases pots-pourris en porcelaine de la manufacture royale de Berlin.

Ces deux œuvres d'intérêt patrimonial majeur furent offertes en 1805, en cadeau diplomatique, par la reine Louise de Prusse à l'impératrice Joséphine. La Prusse de Frédéric-Guillaume III, malgré une neutralité acquise depuis le traité de Bâle en 1795, hésitait entre la France et la Russie. Bonaparte, en  1803, chercha une entente avec elle, qui n'aboutit qu'au traité de Schönbrunn, le 15 décembre 1805, après la victoire d'Austerlitz. Le cadeau de la reine Louise, qui se situe dans ce contexte de rapprochement, se devait d'être exceptionnel. Ce fut par ailleurs une des commandes les plus importantes reçues par la manufacture de Berlin au début du XIXème siècle. Elle n'était connue que par des sources historiques jusqu'à la réapparition des deux pots-pourris en 2011.

Leur exécution représenta une véritable prouesse technique et un enjeu de premier plan pour la manufacture royale de Berlin qui engageait sa renommée artistique dans une pareille entreprise et entendait rivaliser avec la manufacture française de Sèvres. Vases par leur forme, mais pots-pourris par leur destination, ils furent munis pour cet usage d'un couvercle ajouré, en bronze doré. La forme et les décors furent l'objet de nombreuses discussions aussi bien parmi les responsables de la manufacture qu'à la cour, où la reine Louise et ses conseillers intervinrent dans le choix des vues de Malmaison. Le travail préparatoire comme les nombreux essais et les difficultés d'exécution expliquent le délai de deux ans qui a couru entre la commande en 1803 et la remise en 1805.

Le musée national des châteaux de Malmaison et Bois-Préau réunit les exemples les plus marquants des fabuleuses collections de porcelaines de l'impératrice Joséphine. Certains chefs-d’œuvre de Sèvres (comme le cabaret égyptien) ou des manufactures parisiennes (comme le célèbre service à dessert de Dihl et Guerhard) en font aujourd'hui l'un des lieux incontournables pour la connaissance de l'art de la porcelaine. L'entrée de ces pots-pourris d'une qualité d'exécution éblouissante, vient enrichir de façon spectaculaire ses collections. Ils sont actuellement présentés au musée du Luxembourg à Paris, dans le cadre de l'exposition "Joséphine", qui se déroule jusqu'au 29 juin.

C'est le recours au dispositif fiscal de l'article 238bis 0A du code général des impôts qui a permis cette acquisition remarquable, en créant des conditions favorables à l'entrée dans les collections publiques d’œuvres reconnues d'intérêt patrimonial majeur, grâce à un avantage fiscal exceptionnel consenti aux entreprises mécènes.

La ministre de la Culture et de la Communication salue l'action en faveur de la sauvegarde du patrimoine culturel français mené par le Groupe Axa et le remercie pour cette première opération effectuée pour le musée national de Malmaison.

Le Syndrome de Bonnard, Exposition à la Villa du Parc, Annemasse

Le Syndrome de Bonnard

Francis Baudevin, Jean-Luc Blanc, Nina Childress, Vincent Kohler, Renée Levi, Didier Rittener, Claude Rutault

Villa du Parc, Annemasse

5 avril - 31 mai 2014

Dans le cadre des 20 ans du Mamco et de la Saison Suisse à la Villa du Parc (Annemasse), ce centre dart contemporain présente une exposition sur une proposition du Bureau/ (voir ci-dessous) à partir d’un choix d’oeuvres dans les collections du Mamco (Musée d’art moderne et contemporain), à Genève.

On rapporte l’anecdote selon laquelle le peintre Pierre Bonnard (1867-1947), à la fin de sa vie et à plusieurs reprises, aurait tenté de repeindre subrepticement certains détails de ses toiles. Il fut même arrêté par un gardien du Musée du Luxembourg, alors qu’il retouchait une minuscule feuille d’arbre d’un de ses tableaux de jeunesse.

Si la pratique de Pierre Bonnard, une peinture de petites touches dont l’équilibre peut sans cesse être rejoué, explique en partie sa disposition à effectuer perpétuellement des modifications, cette histoire pittoresque soulève un lièvre sur les rapports que l’artiste et l’institution entretiennent avec l’oeuvre. Ainsi le peintre autrichien Oskar Kokoschka aurait été pris de la même manière en flagrant délit et accusé de « vandalisme » sur une de ses propres toiles. Dans ce cas extrême se confrontent alors deux légitimités : d’un côté le musée qui garantit la conservation de l’oeuvre acquise et son inscription dans une collection patrimoniale et un récit historique ; de l’autre, le parcours individuel de l’artiste et la délimitation d’un corpus qu’il définit lui-même à travers ce que l’historien Jean-Marc Poinsot a appelé les récits autorisés.

Partant de ce paradoxe, Le Bureau/ a proposé à certains artistes, dont le Mamco conserve une oeuvre, d’en proposer une nouvelle lecture ou une nouvelle version (comme on le dirait pour une oeuvre littéraire ou musicale) sans entamer l’intégrité matérielle de l’oeuvre originale. L’exposition s’appuie sur la singularité du Mamco, lequel s’est justement construit sur la conception d’un musée en mouvement et en continuel renouvellement, au plus près des artistes et de leur oeuvre dont la présentation régulière permet de suivre l’évolution. Elle met en avant l’impermanence d’une oeuvre d’art dans le temps et cherche en quelque sorte à prévenir le syndrome de bonnard, en proposant aux artistes de se réapproprier temporairement leurs oeuvres. Quel serait le destin possible d’une pièce que l’artiste souhaiterait exclure ou repenser au sein de son oeuvre ? Comment les tâtonnements de la pratique d’atelier peuvent-ils être rééxaminés par l’artiste après l’acquisition ? Comment enfin certaines oeuvres peuvent-elles sans cesse être rejouées, réactivées et actualisées ? Ce sont quelques-unes des interrogations auxquelles les sept artistes exposés, Francis Baudevin, Jean-Luc Blanc, Nina Childress, Vincent Kohler, Renée Levi, Didier Rittener, Claude Rutault ont accepté de proposer des réponses.

Commissariat invité : Le Bureau/ est un collectif de commissaires d’exposition, créé en 2005 et basé à Paris, dont l’objectif est de questionner et d’expérimenter l’exposition comme espace dynamique de transmission. Le commissariat collectif est un principe fondateur du groupe, la rencontre des compétences et des sensibilités permettant la production de protocoles fondés sur des lectures multiples et relatives de l’oeuvre. Le Bureau/ a travaille dans des institutions comme Kadist Foundation a Paris, le Casino au Luxembourg, la Synagogue de Delme, la Maison Populaire à Montreuil, la galerie Klemms à Berlin, le Frac Franche-Comté etc. Il est composé de Marc Bembekoff, Garance Chabert, Aurélien Mole, Julie Pagnier, Céline Poulin et Emilie Villez.

VILLA DU PARC, CENTRE D'ART CONTEMPORAIN

Parc Montessuit, 12 rue de Genève, 74100 Annemasse

www.villaduparc.org

CONFLICT: Art and War @ Contemporary Art Society, London - Pio Abad, Broomberg and Chanarin, Adela Jusic, Goncalo Mabunda, Richard Mosse, Shirin Neshat, Mark Neville and Alfred Tarazi

CONFLICT: Art and War
Contemporary Art Society, London
4 April – 27 June 2014

A powerful group of works comprise the Contemporary Art Society’s latest thought-provoking display, CONFLICT: Art and War. The display presents 10 artists who probe themes of conflict, destruction and war. The exhibition is curated by Midge Palley, art collector and Contemporary Art Society Patron.

CONFLICT: Art and War brings together internationally renowned contemporary artists for the first time, with works spanning different media including photography, works on paper, moving image and sculpture. Featured artists include Pio Abad, Broomberg and Chanarin, Adela Jusic, Goncalo Mabunda, Richard Mosse, Shirin Neshat, Mark Neville and Alfred Tarazi. Investigating the political, geographical and social aspects of war, the works on display respond to the theme from various outlooks, presenting direct testimonials, personal experiences or references to historical moments.

Representing Ireland at the 55th Venice Biennale last summer, Richard Mosse explores the eastern Democratic Republic of Congo’s haunting landscape in his photograph, Poison Glenn (2012). Mosse employs infrared Aerochrome film (used by the military to detect camouflaged installations from the air) to make visible the undocumented wars of conflicting groups hidden within the war-ravaged landscape.

Shirin Neshat‘s internationally revered black and white photography superimposed with farsi calligraphy probes the social and political dimensions of the lives of Muslim women in contemporary society and the conflicts they encounter.

Responding to the violence of Mozambique’s civil war, Goncalo Mabunda builds anthropomorphic sculptures with firearms and objects of destruction. These forms open up a dialogue between traditional African art and the commentary on Mabunda’s own childhood experience of war. Photographer and film maker, Mark Neville was commissioned by the Imperial War Museum and Firstsite in Colchester in 2010, and spent time embedded with the 16 Air Assault Brigade in Helmand Province. His photographic work portrays the reality of life on Christmas Day at a front line check point.

Other works on display include David Scherman‘s iconic photograph Lee Miller in Hitler’s bath tub, Munich (1945), as well as works on paper by duo Adam Broomberg and Oliver Chanarin, based on Bertolt Brecht’s 1955 book The War Primer.  The original images and accompanying texts have been overlaid with silkscreened shapes that reference photographs of the recent wars in Iraq and Afghanistan sourced from the Internet.

CONTEMPORARY ART SOCIETY
59 Central Street, London EC1V 3AF
www.contemporaryartsociety.org