Antoni Tàpies @ Pace Gallery, NYC - A Survey of Works on Paper

Antoni Tàpies: On paper

Pace Gallery, New York

November 7 - December 20, 2025

Pace presents a survey of works on paper by the Spanish artist Antoni Tàpies at its 540 West 25th Street gallery in New York. Bringing together some 40 artworks created between the 1940s and the 2010s—including never-before-exhibited compositions—this presentation showcases Tàpies’s meditations on the human condition through his works on paper and, more broadly, his indelible impact on the history of art in Europe and across North America and Asia.

Born in Barcelona in 1923, Antoni Tàpies was a self-taught artist who developed a unique visual language centering on exchanges among symbols, gestures, and materials. The artist—who was also a celebrated theorist and philosopher—incorporated signs and symbols from Catalonia and other cultures into his paintings, collages, and sculptures, imbuing his work with historical allusions and odes to phenomena of the natural world. Replete with personal resonances and references to political and social struggles in his native Catalonia and Spain, his art made radical aesthetic propositions during the postwar era.

Over the course of his seven-decade career, Antoni Tàpies investigated abstract and surrealist forms using unconventional, raw materials. His combinations of media as diverse as wood, dirt, spray paint, cardboard, blankets, clothes, carpet, furniture, and marble dust reflect the intensely experimental ethos of his process. Tàpies forged complex layers of materials like these, bringing striking amalgams of color and texture to the fore of his compositions. In this way, enactments of transformation and transfiguration animated the spirit of all his work as an artist.

Pace’s exhibition of Tàpies’s works on paper, the gallery’s twelfth exhibition dedicated to the artist since it began representing him in 1992, sheds new light on the ways that drawing functioned in his practice—as a medium through which he could narrate his own experiences and express the poetic and fragile dimensions of the human condition. Featuring a large selection of works produced between the start of his career in the 1940s and the final years of his life, this presentation will trace the development of his visual lexicon, which reflects his deep interest in signs and symbols from Eastern religions and philosophies, particularly Buddhism. They also speak to the connections between Antoni Tàpies and his American contemporaries at the forefront of Abstract Expressionism—importantly, the artist began showing with Martha Jackson Gallery in New York the year it opened in 1953, during the early years of his career, and he presented solo exhibitions with the storied American gallery until 1978.

Tàpies’s reimagination and redefinition of painting as a highly physical undertaking would inspire future generations of artists. Notably, in 1993—the same year he mounted his first solo show with Pace—he was chosen to represent Spain at the 45th edition of the Venice Biennale, when he won the Golden Lion for his large-scale installation titled Rinzen. In 1984, the artist established the Fundació Antoni Tàpies in Barcelona—which opened a museum and library in 1990—to support the exhibition of his work and that of other modern and contemporary artists. Along with the Fundació Joan Miró and Museu Picasso, the Fundació Antoni Tàpies remains a key cultural institution in the fabric of the Spanish city.

Today, his work can be found in the collections of the Museum of Modern Art and the Guggenheim Museum, New York; the Baltimore Museum of Art; the Museum of Fine Arts, Houston; the San Francisco Museum of Modern Art; the Museo Tamayo, Mexico City; the Museu Nacional d’Art de Catalunya, Barcelona; the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; the Museo Guggenheim, Bilbao; Tate, London; the Stedelijk Museum, Amsterdam; the Moderna Museet, Stockholm; the Centre Pompidou, Paris; the Kunstmuseum Basel; the Städel Museum, Frankfurt; the Museum Ludwig, Cologne; the Tehran Museum of Contemporary Art; the National Gallery of Victoria, Melbourne; and many other international institutions.

Concurrently with Pace’s exhibition in New York, Antoni Tàpies: The Imagination of the World is on view at the Museu Tàpies in Barcelona through January 25, 2026.

Antoni Tàpies (b, 1923, Barcelona; d. 2012, Barcelona) is recognized as one of the leading artistic voices to emerge from postwar Europe. Working in parallel with global art movements including Abstract Expressionism, Gutai, Art Informel, Tachisme, and Arte Povera, Tàpies believed that his era required a new kind of existential expression. Influenced by Surrealist methods while a member of the avant-garde Dau al Set group in postwar Barcelona, he came to develop a unique form of automatism and to reject representation and the illusionistic picture plane. He incorporated unconventional media such as textiles, straw, detritus, and found objects into his work, accentuating their tactile and material nature. Their earthy, distressed surfaces relate to themes of entropy and decay, challenging the viewer to find beauty in what is typically overlooked. Tàpies’s oeuvre resides between figuration and abstraction, matter and mysticism, as manifested through his painting, sculpture, drawing, collage, and printmaking.

PACE NEW YORK

540 West 25th Street, New York City

www.pacegallery.com

Antoni Tapies @ Galerie Lelong, Paris - Exposition Les Armes d’Éros - Centenaire d'Antoni Antoni Tàpies

Antoni Tàpies

Les Armes d’Éros

Galerie Lelong & Co., Paris

23 novembre 2023 – 13 janvier 2024

ANTONI TÀPIES

Gran triangle, 1990

Peinture et vernis sur toile, 285 x 390 cm

© Successió Antoni Tàpies. Courtesy Galerie Lelong & Co.

ANTONI TÀPIES

Imatge en negre, 1996

Paint and assembly on wood 130 x 195 cm

© Successió Antoni Tàpies/ Courtesy Galerie Lelong & Co

ANTONI TÀPIES (1923-2012) aurait eu 100 ans le 13 décembre prochain. Quand il exposa pour la première fois au 13 rue de Téhéran, en 1967, à l’instigation de Jacques Dupin, il avait 44 ans. C’était un autre temps ; la censure existait encore en France, le film de Rivette La Religieuse était interdit de même que bon nombre de livres publiés par Pauvert ou Losfeld ; mais c’était une autre affaire dans l’Espagne où vivait l’artiste, alors sous le joug franquiste, où régnaient l’ordre moral et la négation des cultures régionales. L’œuvre d'Antoni Tàpies était une vive rupture : sa vigueur matérialiste, son tranchant expressif, son insistance sur la « catalanité » dérangeaient. Entre autres aussi, parce que son œuvre était parcourue d’un érotisme souvent sous-jacent, parfois brutalement exprimé. Implicit/Explicit avait-il titré une de ses peintures.

La Galerie Lelong & Co. a exposé régulièrement ce grand artiste jusqu’à sa mort en 2012. Toujours en montrant ses œuvres les plus récentes. La galerie a ensuite continué de travailler avec la famille de l’artiste, proposant diverses expositions. La galerie n'avait jamais présenté une exposition sous le signe d’Éros, du corps sexué, fragmenté, de la sensualité omniprésente dans son œuvre. Tàpies, artiste d’une grande culture, connaissait bien le dernier livre de Georges Bataille, Les Larmes d’Éros, publié à Paris en 1961. Nul doute que l’iconographie de l’ouvrage a dû nourrir l’imaginaire de cet artiste fervent d’images puisées dans les cultures du monde entier. 

ANTONI TÀPIES

Somier sobre rombe, 1993

Paint and assembly on canvas 282 x 282 x 9cm

© Successió Antoni Tàpies/ Courtesy Galerie Lelong & Co.

ANTONI TÀPIES

Boca sobre tors, 2007

Paint and pencil on wood 162 x 130cm

© Successió Antoni Tàpies/ Courtesy Galerie Lelong & Co

Les Armes d’Éros présente un ensemble d’une douzaine de peintures sur bois et sur toile, composées d’assemblages de divers objets et matériaux emblématiques du travail de l’artiste : sable, vernis, peintures, crayons… Elles couvrent la période entre 1990 et 2010, ultimes décennies durant laquelle Antoni Tàpies poursuivait l'expérimentation formelle et matérielle qui a toujours été au cœur de sa pratique ; elles en illustrent l’aboutissement esthétique. Comprenant notamment Gran Triangle, 1990 (285 x 390 cm) (reproduit ci-dessus), Somier sobre rombe, 1993 (282 x 282 x 9 cm) (reproduit ci-dessus), Imatge en negre, 1996 (130 x 195 cm) (reproduit ci-dessus), Boca sobre tors, 2007 (162 x 130 cm) (reproduit ci-dessus), Mirall de vernis, 2010 (116 x 89 cm), Materia sinuosa ̀, 2010 (160 x 160 cm), ces œuvres illustrent les recherches de la dernière période de l’artiste selon différents formats, allant de 60 cm à près de 3 mètres. Les exposer a été rendu possible grâce à l’exceptionnelle collaboration entre la galerie et la succession de l’artiste. Une sélection d’estampes de l’artiste sera également exposée à la librairie de la galerie.

ANTONI TÀPIES - Eléments biographiques

Peintre, sculpteur, essayiste et théoricien de l'art espagnol d'expression catalane, Antoni Tàpies (1923, Barcelone –2012, Barcelone) est considéré comme l’un des artistes espagnols les plus importants du 20e siècle et l’un des principaux représentant de l’Art informel.

Artiste autodidacte, profondément marqué par les atrocités de la guerre civile espagnole, il décide de se consacrer à l’art aux débuts des années 1940 à la suite d’une grave infection pulmonaire qui lui impose deux années de convalescence durant lesquelles il peint et dessine tout en s'intéressant à l'histoire de la philosophie et à la musique romantique. Il est à l’origine d’une œuvre, où tradition et innovation se conjuguent dans un style abstrait non dénué de symbolisme, accordant une grande importance, et pertinence, au substrat matériel de l'œuvre. Dans son travail, le support matériel transcende son état pour signifier une analyse profonde de la condition humaine, non dénuée d’une dimension spirituelle.

Sa première exposition personnelle a lieu en 1950 à la Galerías Layetanas de Barcelone. Il se dirige alors rapidement vers l'abstraction et, bien avant l'Arte Povera, intègre des matériaux non académiques (matériaux organiques végétaux, débris de terre et de pierre) dans ses œuvres. A partir de 1953, il est un des premiers à donner ses lettres de noblesse au mélange des matériaux, ajoutant de la poudre d'argile et de marbre à sa peinture, utilisant le papier déchiré, la corde et des chiffons.

Dès le milieu des années 1950, sa renommée devient internationale et il participe à la Biennale de Venise en 1952. Son travail s'enrichit alors de références politiques qui prennent la forme de symboles et de mots écrits sur les supports. À partir des années 1970, il intègre dans ses œuvres des matériaux plus volumineux, tels que des pièces de mobilier. En 2000, il réalise l'affiche officielle des Internationaux de France de tennis et illustre le numéro 7025 du journal Libération, daté du 13 et du 14 décembre 2003 avec onze œuvres originales ainsi qu'un alphabet complet de lettrines. Antoni Tàpies a publié plusieurs écrits dont La pratique de l’art (Gallimard), L’art et ses lieux (Galerie Lelong) ainsi que La réalité comme art (Galerie Lelong).

Tout au long de sa carrière, Antoni Tàpies a reçu de nombreux prix et distinctions, dont le Prix de la Fondation Wolf (1981), la médaille d'or de la généralité de Catalogne (1983), le Prix Prince des Asturies pour les arts (1990), la Médaille Picasso de l'UNESCO (1993) et le Prix Velázquez des arts plastiques (2003). En reconnaissance de sa carrière artistique, le roi Juan Carlos Ier lui a décerné le titre de marquis de Tàpies le 9 avril 2010.

Autour du Centenaire d’ANTONI TÀPIES

Jusqu’au 7 janvier 2024 est présentée l’exposition ‘Antoni Tàpies. La Pratique de l'Art’ à Bozar (Bruxelles, Belgique). Elle sera ensuite montrée en version augmentée au Reina Sofía à Madrid, puis à Barcelone à la Fondation Tàpies. Pour célébrer le centenaire de la naissance de l’artiste, la Fundació Antoni Tàpies présentera un programme d'expositions, de publications, d'activités éducatives, d'événements et de projets de création et de recherche. Elle se déroulera sur une année, du 13 décembre 2023 au 13 décembre 2024. Avec L'Année Tàpies la Fundació Antoni Tàpies entant souligner son engagement en faveur d'un examen approfondi de l'œuvre et de la pensée de l'artiste, à l'échelle nationale et internationale, tout en apportant des lectures actualisées et en ouvrant de nouvelles perspectives sur son travail.

GALERIE LELONG & CO.

13 Rue de Téhéran, 75008 Paris

www.galerie-lelong.com

Obras Gráficas, Galerie Maeght, Paris - Oeuvres graphiques

Obras Gráficas (Oeuvres graphiques)

Galerie Maeght, Paris 

Jusqu'au 1er mars 2014 

Joan Miró, Pablo Palazuelo, Antoni Tàpies, Eduardo Chillida, Antonio Saura, Eduardo Arroyo, Joanet Gardy-Artigas, Manolo Valdès et Equipo Crónica, José Manuel Broto, Xavier Grau, Susana Solano : la Galerie Maeght célèbre son amitié avec de grands artistes espagnols, qu’elle a accompagnés et édités, en consacrant une exposition à leur oeuvre gravé. Des oeuvres d’une grande diversité et d’une étincelante puissance graphique dont plusieurs chefs-d’oeuvre de Joan Miró notamment.

Joan Miro 

Cap i cua, 1979 

Lithographie originale, 99,5 x 72,5 cm 

75 exemplaires signés et numérotés 

© Galerie Maeght Paris

Jaillissement artistique. 1947 : Joan Miró rejoint la Galerie Maeght nouvellement créée par Aimé Maeght. Cette rencontre historique, après celle de Pierre Bonnard ou Henri Matisse, marque durablement l’avenir et les choix artistiques de la Galerie Maeght. « Plusieurs générations d’artistes espagnols ont été accompagnées par notre famille depuis sept décennies. A leurs côtés, nous avons vécu les bouleversements politiques de l’Espagne et de la Catalogne, mais aussi une intense créativité artistique » précise Isabelle Maeght, nommée en 2011, Commandeur dans l’Ordre d’Isabelle la Catholique pour sa contribution à favoriser les échanges artistiques entre la France et l’Espagne. Une distinction qui souligne ses attaches particulièrement fortes, tant artistiques que personnelles, avec de nombreux artistes espagnols.

Puissance graphique. Joan Miró, Pablo Palazuelo, Antoni Tàpies, Eduardo Chillida, Antonio Saura, Eduardo Arroyo, Joanet Gardy-Artigas, Manolo Valdès, Equipo Crónica, José Manuel Broto, Xavier Grau… : si la Galerie Maeght a exposé ces grands artistes, elle a également été leur imprimeur et leur éditeur. Tous ont développé, dans ses ateliers, un travail gravé d’une grande énergie graphique. « Les artistes ont très souvent pratiqué gravure ou lithographie comme champ d’expérimentation avec une grande liberté dans nos ateliers » commente Isabelle Maeght. 

Depuis quelques années, nous constatons un regain d’intérêt pour les éditions originales signées, rencontres entre art et technique. La Galerie Maeght a un grand rôle à jouer car elle possède un fond d’oeuvres gravées important et varié. De très nombreux amateurs d’art souhaitent voir et revoir ces grands artistes et, à travers leurs oeuvres imprimées, connaître leur approche des techniques employées.

L’imprimerie ARTE, créée par Adrien Maeght en 1964 rue Daguerre, n’a depuis lors eu de cesse que de mettre à disposition des artistes toutes les techniques ou même de les adapter à leurs besoins, des plus anciennes - lithographie, phototypie, eau-forte - aux plus modernes ou innovantes dont Adrien Maeght sut souvent percevoir avant l’heure le potentiel considérable. Miró comme Tàpies réalisèrent grâce au procédé inédit du carborundum des oeuvres aujourd’hui considérées comme des chefs-d’oeuvre de l’édition d’art du XXème siècle.

Joan Miró (1893-1983). Miró écrivit au sujet des contraintes de la gravure, qui le passionna tant : « Il fallait y résister, les déborder, et alors un immense champ de possibilités s’offrait au regard et à la main.» Miró reçut en 1954 le grand prix de l’oeuvre graphique de la Biennale de Venise. Pour cette exposition, Isabelle Maeght a souhaité présenter plusieurs séries, telle l’étonnante Série Gossos, la puissante Série Commedia dell’arte, la respectueuse Série Hommage à Gaudi ou encore, en référence à Altamira, la Série Rupestres. 

Pablo Palazuelo 

Galerie Maeght Barcelone, 1984 

Lithographie originale sur Velin d’Arches, 84,5 x 59,5 cm 

150 exemplaires signés et numérotés 

© Galerie Maeght Paris 

Pablo Palazuelo (1916-2007) réalise sa première exposition personnelle à la Galerie Maeght en 1955, après avoir participé à l’exposition collective Tendances en 1952 qui présentait les jeunes artistes de l’époque tels Olivier Debré et Ellsworth Kelly, pour laquelle Palazuelo réalise la couverture du catalogue et l’affiche. 

Pablo Palazuelo étudie l’architecture à Oxford puis intègre l’Ecole des Arts et Métiers de Londres. Il développe ainsi un esprit d’analyse aiguisé qui lui permet de structurer singulièrement l’espace. Ses premières réalisations se fondent sur l’étude des éléments naturels : cristaux de neige, cellules vivantes… qu’il examine au microscope. D’esprit géométrique à ses débuts, son art évolue vers l’emploi de lignes plus sinueuses, tout en gardant ce tempérament austère qui le caractérise. Viendront les thèmes des pierres et des ondes qui s’accordent à sa gamme chromatique composée essentiellement d’ocres, de terres de Sienne et de rouges.

La Galerie Maeght présente la série de gravures originales Sigilla (1977) et la lithographie originale Inaugural (1974), des oeuvres fortes et sensibles, comme l’est tout l’oeuvre de Pablo Palazuelo. 

Antoni Tàpies 

Z, 1981 

50 x 65 cm, eau-forte originale et collage sur Vélin d’Arches signés et numérotés

© Galerie Maeght Paris

Antoni Tàpies (1923-2012) fait partie de ceux qui ont apporté au XXème siècle une vision nouvelle de la gravure. Son oeuvre gravé est intense et complexe, tant sur le plan symbolique que technique. Parfois il apporte des matériaux tels du crin, des cartes à jouer, du sable… et ainsi intervient sur chaque exemplaire.

Dans les ateliers de l’imprimerie ARTE, Antoni Tàpies se livre à un travail de recherche, considérant ce médium comme un champ d’expérimentation à part entière. Au travers des objets qui circulent entre sa peinture et sa gravure, l’artiste affirme que son oeuvre gravé est aussi important que son oeuvre peint. Les oeuvres Grande croix et collage (1977) et Z (1981) sont emblématiques des matériaux que Tàpies a superposés sur une gravure originale.

Eduardo Chillida (1924-2002), « sculpteur devenu forgeron » (Gaston Bachelard), est célèbre pour ses sculptures monumentales ou ses collages graphiques et poétiques. Son oeuvre graphique est tout de contrastes et d’équilibre, entre puissance et fragilité. Après sa première exposition personnelle à la Galerie Maeght, qui a lieu en 1956, il réalise dans l'atelier ARTE-Adrien Maeght de grandes gravures et eaux-fortes originales. Pour « Obras Gráficas », Isabelle Maeght a sélectionné notamment Hildokatu II (1982), eau-forte originale sur papier Japon.

Antonio Saura 

Gris, 1975 

47.5 x 58.5 cm. Lithographie originale sur Velin d’Arches 

75 exemplaires signés et numérotés 

© Galerie Maeght Paris

Antonio Saura (1930-1998), cofondateur du groupe El Paso dans les années cinquante après s’être éloigné du surréalisme, expose à la Galerie Maeght en 1975. Intellectuel très engagé, son écriture formelle si personnelle croise avec ses réflexions politiques et sa volonté de retravailler l’histoire et la mémoire espagnoles, se confrontant aux oeuvres de ses grands prédécesseurs comme aux icônes. C’est à son oeuvre sur papier, très riche, qu’est consacrée l’exposition de la Galerie Maeght en 1975. Pour « Obras Gráficas », Isabelle Maeght a notamment choisi d’exposer Gris (1975), Don (1984), Amasijo (1984) lithographies originales éditées par Maeght.

Susana Solano 

Entre tres, 1986 

94,5 x 76 cm, eau-forte originale sur Vélin d’Arches 

50 exemplaires signés et numérotés 

© Galerie Maeght Paris

Susana Solano. Née en 1946, cette artiste catalane intègre l’école des Beaux-Arts de Barcelone où elle étudie la peinture. Dans les années 1980, elle s’initie aux techniques de ferronnerie et consacre une grande partie de son oeuvre à la sculpture. Elle rencontre alors une reconnaissance internationale.

Lauréate de plusieurs prix, le travail de Susana Solano s’articule autour de la relation entre l’espace et la matière. Elle crée notamment des formes libérées, quasi-aériennes, ou à l’inverse cloisonnées par des armatures métalliques où grillages en fer, plomb, aluminium et acier inoxydable viennent structurer le vide.

Les oeuvres gravées de Susana Solano intègrent son processus de recherche : dessins analytiques, planches préparatoires… Elles sont un moyen pour l’artiste de laisser des traces évidendes de ses expérimantations plastiques. La Galerie Maeght présente Entre tres, créée en 1986.

José Manuel Broto et Xavier Grau, tous deux nés en 1949, incarnent dans les années 1970 une jeune génération d'abstraits ; leurs oeuvres sont exposées par la Galerie Maeght dès 1976. Les oeuvres gravés de José Manuel Broto et celles de Xavier Grau méritent une attention très particulière pour la complémentarité qu’ils ont su déployer, chacun à leur manière, avec leur peinture, très gestuelle, marquée par l’abstraction américaine. Leurs gravures sont quant à elles marquées par la luminosité.

Joanet Gardy-Artigas 

Thoracique jaune, 1977 

65 x 49.5 cm. Lithographie originale sur Velin d’Arches 

75 exemplaires signés et numérotés

© Galerie Maeght Paris

Joanet Gardy Artigas est le fils Josep Llorens Artigas, célèbre céramiste et grand ami de Miró. Il grandit en plein coeur de l’émulsion artistique parisienne d’après-guerre. Très vite, il suit les traces de son père et ouvre un atelier de céramique à Paris dans lequel il travaille avec Braque, Chagall et Miró. Avec ces artistes, il prend goût à la sculpture monumentale, à l’architecture et découvre les techniques de la lithographie et de l’eau-forte qu’il expérimente pour la première fois à l’imprimerie ARTE. Ces moyens d’expression deviendront complémentaires et essentiels à l’ensemble de son travail. Son oeuvre gravé se nourrit particulièrement de sa sculpture : son goût pour les couleurs, les jeux de lumière et les tracés voluptueux éclatent dans ses gravures. Explicites ou suggérées, ses créations sont des odes au corps féminin.

Eduardo Arroyo, cofondateur du mouvement de la Figuration narrative, réalise ses premières lithographies originales pour la Galerie Maeght dès 1977, année de sa première exposition Parmi les peintres. « Obras Gráficas » est l’occasion de redécouvrir Parmi les peintres (1977) ou Pont d’Arcole (1977). 

Equipo Crónica 

Las bolas, 1978 

47 x 61 cm. Lithographie originale sur Velin d’Arches 

© Galerie Maeght Paris

Equipo Crónica. De 1964 à 1981, le collectif espagnol formé par Rafael Solbes, Manolo Valdès et Juan Antonio Toledo crée une oeuvre à la fois jubilatoire et sarcastique. Marqué par le franquisme, leur art est avant tout un art de dénonciation et, demeure, à ce titre, très politisé. Pour illustrer les thèmes de la violence, de la dictature, de la censure, de l’injustice sociale, ils ont recours à toutes les données culturelles de l’histoire de l’art, de Velázquez à Picasso, de Mondrian à Lichtenstein. L’exposition présente la lithographie originale Las bolas illustrant la série des Billards, exposée pour la première fois à la Galerie Maeght en 1978. 

Manolo Valdes 

Affiche “Galerie Maeght Barcelone”: “Reina Mariana” avant, 1982 

79 x 54 cm, Sérigraphie originale sur Guarro 

© Galerie Maeght Paris

Manolo Valdès. La Galerie Maeght présente, dès 1982, la première exposition de Valdès en solo. Son oeuvre rencontre un grand succès international, confirmé par l’enthousiasme du public lors de l’exposition que lui a consacrée la Fondation Maeght en 2006. Peintre autant que sculpteur, Manolo Valdès s’est passionné pour la gravure. Il s’intéresse de près à la texture de la surface, il prend plaisir à expérimenter les différents types de papiers qu’il rehausse souvent avec des collages. Ses assemblages lui permettent de réinterpréter l’histoire de l’art, reprenant des éléments emblématiques des grands maîtres. A l’occasion de « Obras Gráficas », Isabelle Maeght propose de redécouvrir les lithographies d’Equipo Crónica comme les sérigraphies originales des premières années de Valdès « en solo ». Citons notamment Lluvia en el puerto (1982) ou Reina Mariana (1982), qui peut être interprétée tant comme un hommage à Velasquez et ses Ménines qu’à Kandinsky.

Galerie Maeght
42 rue du Bac, 75007 Paris
www.maeght.com

Exhibition Tapies From Within, Foundation Tapies and National Museum of Art of Catalonia, Barcelona

Exhibition Tàpies From Within
Antoni Tapies Foundation, Barcelona
National Museum of Art of Catalonia, Barcelona
Through November 3, 2013

In a joint exhibition held in two venues, the Fundació Antoni Tàpies and the Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC) are bringing you the exhibition Tàpies: From Within, curated by Vicent Todolí. With a selection of more than 140 works going from 1945 to 2011, the exhibition puts the emphasis on the artist’s untiring and even obsessive experimentation and the development of his iconography and his vocabulary of signs, matter, colours and everyday objects.

In his first involvement with the figure of Antoni Tàpies, Vicent Todolí offers us an unusual view based on a selection of works from the artist’s own collection, complemented with works belonging to the Fundació Antoni Tàpies Collection. The exhibition ventures an approach to Tàpies not subject to what we know, so much as to what the artist’s itinerary reveals. Antoni Tàpies reserved a large part of his work for his studio and for the foundation. The exhibition Tàpies: From Within, in this respect, has been conceived exclusively on the basis of the works kept at the artist’s home, many of them unknown until now, and at the Fundació Antoni Tàpies, and focuses mainly on two aspects of his extensive production, which the artist himself mentions in his Memòria personal. On one hand are the ‘matteric’ or mural paintings, which we find mainly in the rooms of the Museu Nacional d’Art de Catalunya, and on the other are the poor objects and materials, which can be visited at the Fundació Antoni Tàpies.

Vicent Todolí’s project sets out to emphasise the freedom of defining, as conditions and limits, places like the studio, the home and the artist’s foundation, nearby, intimate places that accumulate Antoni Tàpies’s works and periods. The exhibition, therefore, doesn’t try to establish an order in these works or categorise the studio works, but makes a point of preserving its paradoxes, its waste, its contradictions and surprises.

‘Towards the end of 1958, I greatly increased … the works done with what is called poor material. I felt the need to persist and go deeper with the entire message of what is insignificant, worn or dramatised by time. Alongside the large mural compositions –aloud or in silence–, the day’s refuse. In fact, it was the most conscious resumption of subjects that had often attracted me. In my research, I had discovered this material, one I find loaded with strange suggestions, which is cardboard. A grey, anonymous material that won’t be easily manipulated, for which very reason the slightest mark of the hand torments it and destroys it. But the piece of cardboard, the box, the lid, the tray …, dirty clothes (socks, T-shirt, underpants...), old furniture, everyday objects, not used as a representation or theme in the picture but as real bodies, objects... And in this sense I’ve been influenced by or related to some Dadaist forerunner, Duchamp, Schwitters... But there are other aspects of the ‘ascetic’ function, of the ‘sacralisation’ of the world around us which I’ve referred to... Of the ‘supreme identity’ of Samsara with Nirvana. The use of new materials, collage and assemblage, became quite widespread among some new artists of that time.’ -- Antoni Tàpies, Memòria Personal, Barcelona, Crítica, 1977: p. 331

The exhibition Tàpies From Within at the National Museum of Art of Catalonia - MNAC

The exhibition at the Museu Nacional d’Art de Catalunya shows the evolution of Antoni Tàpies’s work through a tour taking in the whole of his artistic production, from 1945 to 2011. From his first paintings, done in the 1940s, Tàpies embarked on an aesthetic research that involved experimenting with materials and shapes, leading in the 1950s to a form of expression of his own, the ‘matteric’ paintings, which earned him international recognition.

From the pastiness and thickness of the paint in the early years to the inclusion of new materials like varnish, latex and sheet metal in the following decades, the exhibition shows Tàpies’s perpetual interest in matter from two different but complementary points of view: as a rejection of the traditional artistic language and as a synonym for change and transformation. Throughout the exhibition one can see the artist’s untiring experimentation and the development of his iconography and his vocabulary made up of signs, matter, colours and everyday objects, as well as the conception of the work of art as a vehicle for the relationship with mystery, the forces of the universe and of nature.

The selection offers a new vision, accepting the freedom and the limitations of starting only with what the artist had kept for himself, his family and the Fundació Antoni Tàpies. A point of view that doesn’t set out to establish categories for the works so much as to exhibit them and reveal their tensions, contradictions and paradoxes.

The first exhibition presented by the Museu Nacional following elimination of the 1940 cut-off date for its narrative is a retrospective of an artist who is central to the whole of the second half of the 20th century. For Antoni Tàpies, the Museu Nacional was an essential point on his vital itinerary, where he found the Romanesque roots to his work.

The exhibition Tàpies From Within at the Antoni Tapies Foundation

Parallel to this, in the rooms of the Fundació Antoni Tàpies, the visitor find a selection centred on a series of works from between 1946 and 2009 that show Tàpies’s interest in poor materials and in objects: from the use of cardboard, threads and rope in the early works to assemblage and the incorporation of the object on the surface of the canvas. This becomes more evident after the late 1960s and the artist resumes them energetically in the 1990s. From straw, the baker’s tray, newspaper to a broken plate, sheets, blankets, doors and windows, Tàpies makes use of these materials and objects taken from his immediate surroundings and makes them central features in his works. The selection showcases Tàpies’s wish to magnify what is considered small and insignificant to show that everything that is considered marginal can suggest essential ideas.

To accompany the exhibition Tàpies: From Within, a documentary called Tàpies is showing in the auditorium. Made by Clovis Prévost and produced by Maeght, with music by Carles Santos and the collaboration of Joan Brossa, the film shows how the work Pintura amb grafismes (Painting with Graphics, 1969) was produced, at the same time as it contextualises it with images of the studio in Barcelona and in Campins.

Upcoming Exhibitions at the Fundació Antoni Tàpies: 

Antoni Tàpies. Collection, # 6, November 14, 2013 - February 9, 2014 

FUNDACIO ANTONI TAPIES / ANTONI TAPIES FOUNDATION, Barcelona

www.fundaciotapies.org

MUSEU NACIONAL D'ART DE CATALUNYA / NATIONAL MUSEUM OF ART OF CATALONIA, Barcelona

www.mnac.cat