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26/03/25

Exposition José Antônio da Silva @ Musée de Grenoble - "Pintar O Brasil"

JOSÉ ANTÔNIO DA SILVA (1909-1996) 
PINTAR O BRASIL 
Musée de Grenoble
12 avril - 6 juillet 2025

Jose Antonio da Silva
José Antônio da Silva 
Autoportrait, 1973
Collection Orandi Momesso
© José Antônio da Silva
Crédit photographique : Sergio Guerini

Jose Antonio da Silva
José Antônio da Silva 
Nature morte en pointillisme, 1951
Collection Fernanda Feitosa et Heitor Martins
© José Antônio da Silva
Crédit photographique : Ana Francisca Barros

A travers une quarantaine de tableaux issus de collections muséales et privées, le musée de Grenoble présente sa première exposition monographique en Europe de l’artiste brésilien JOSÉ ANTÔNIO DA SILVA (1909-1996). Un événement qui s’inscrit dans la saison Brésil-France 2025 qui met notamment en avant les questions du climat et de la transition écologique.

Personnalité atypique issue du monde paysan de la région de Sao Paulo au début du XXe siècle, débordant d’énergie créatrice, peintre, orateur, écrivain, chanteur, José Antônio da Silva est l’incarnation de l’artiste populaire autodidacte engagé dont l’originalité lui a valu parfois le surnom de « Van Gogh brésilien ». Reconnu pour ses qualités de coloriste par deux éminents critiques lors d’une exposition locale en 1946, José Antônio da Silva se voit ouvrir les portes des galeries, musées et foires (Biennale de Sao-Paulo & de Venise à plusieurs occasions).

Jose Antonio da Silva
José Antônio da Silva 
Le Renversement, 1949
Collection Marta et Paulo Kuczynski
© José Antônio da Silva
Crédit photographique : Alexandre Santos Silva

Jose Antonio da Silva
José Antônio da Silva 
Sans titre, 1980
Collection Alexandre Martins Fontes
© José Antônio da Silva

Sa peinture de prime abord joyeuse et fortement marquée par le folklore, est avant tout le moyen de dénoncer la dure réalité sociale du monde paysan brésilien : la récurrence des sujets tels que les plantations intensives, les paysages détruits, les aléas climatiques sont autant de messages délivrés par son oeuvre sur les conséquences de la mondialisation vis-à-vis du monde rural auquel l’artiste est viscéralement attaché. Sans nul doute la découverte de cet artiste permettra-t-elle de mesurer les liens que son œuvre tisse avec les productions de l’art brut rassemblées par Jean Dubuffet dès 1948 et de porter un regard nouveau sur l’art brésilien présent dans les collections du musée de Grenoble.

Commissaire de l’exposition :
Gabriel Perez-Barreiro, directeur artistique du Musée Universitaire de Navarre

Commissaire de la saison du Brésil en France : 
Emilio Kalil, directeur de la Fondation Iberê Camargo, Porto Alegre, Brésil

MUSÉE DE GRENOBLE
5 place Lavalette - 38000 Grenoble 

11/03/25

Gautier Willaume : Peintures abstraites, 2025 - "Lignes verticales irrégulières" - 15 peintures en ligne

Gautier Willaume
Lignes verticales irrégulières
Peintures abstraites, 2025

Gautier Willaume - Peinture abstraite
Gautier Willaume
Série Lignes Verticales Irrégulières, 2025
Acrylique sur papier, 21 x 29,7 cm
© Gautier Willaume, courtesy de l'artiste

Gautier Willaume - Peinture abstraite
Gautier Willaume
Série Lignes Verticales Irrégulières, 2025
Acrylique sur papier, 21 x 29,7 cm
© Gautier Willaume, courtesy de l'artiste

Gautier Willaume - Peinture abstraite
Gautier Willaume
Série Lignes Verticales Irrégulières, 2025
Acrylique sur papier, 21 x 29,7 cm
© Gautier Willaume, courtesy de l'artiste

Gautier Willaume - Peinture abstraite
Gautier Willaume
Série Lignes Verticales Irrégulières, 2025
Acrylique sur papier, 21 x 29,7 cm
© Gautier Willaume, courtesy de l'artiste


L'artiste GAUTIER WILLAUME (né en 1968) présente, sur Wanafoto, une série de peintures en cours. 

Les peintures de cette séries sont peintes à l'acrylique appliquée au rouleau à encrer (ceux-ci sont normalement utilisés pour la réalisation de gravures ou de lithographies). La démarche de Gautier Willaume repose sur une part de hasard dans le tracé et les "imperfections" qui en découlent et qui font le charme de ces peintures. 

Gautier Willaume - Peinture abstraite
Gautier Willaume
Série Lignes Verticales Irrégulières, 2025
Acrylique sur papier, 21 x 29,7 cm
© Gautier Willaume, courtesy de l'artiste


Gautier Willaume - Peinture abstraite
Gautier Willaume
Série Lignes Verticales Irrégulières, 2025
Acrylique sur papier, 21 x 29,7 cm
© Gautier Willaume, courtesy de l'artiste

Gautier Willaume - Peinture abstraite
Gautier Willaume
Série Lignes Verticales Irrégulières, 2025
Acrylique sur papier, 21 x 29,7 cm
© Gautier Willaume, courtesy de l'artiste

Gautier Willaume - Peinture abstraite
Gautier Willaume
Série Lignes Verticales Irrégulières, 2025
Acrylique sur papier, 21 x 29,7 cm
© Gautier Willaume, courtesy de l'artiste

Dans ses travaux précédents, Gautier Willaume, peintre abstrait, avait plutôt travaillé sur des peintures aux lignes bien tracées. Si l'abstraction est au coeur de l'ensemble de son travail d'artiste, cette série innove, par exemple, par rapports à ses peintures aux formes géométriques ou encore celles de la série "Théodore Géricault" d'inspiration pop art. 

La série présentée dans ce post est constituées de petit formats (feuilles 300 gr. A 4) alors que les autres peintures de Gautier Willaume sur papiers sont, pour la majorité d'entre elles, au format 50 x 65 cm (format Vigne) et ses toiles au format 60 x 80 cm. On peut donc imaginer que ces peintures sont des travaux préparatoires à des oeuvres de plus grande dimension.

Gautier Willaume - Peinture abstraite
Gautier Willaume
Série Lignes Verticales Irrégulières, 2025
Acrylique sur papier, 21 x 29,7 cm
© Gautier Willaume, courtesy de l'artiste

Gautier Willaume - Peinture abstraite
Gautier Willaume
Série Lignes Verticales Irrégulières, 2025
Acrylique sur papier, 21 x 29,7 cm
© Gautier Willaume, courtesy de l'artiste

Gautier Willaume - Peinture abstraite
Gautier Willaume
Série Lignes Verticales Irrégulières, 2025
Acrylique sur papier, 21 x 29,7 cm
© Gautier Willaume, courtesy de l'artiste

Gautier Willaume - Peinture abstraite
Gautier Willaume
Série Lignes Verticales Irrégulières, 2025
Acrylique sur papier, 21 x 29,7 cm
© Gautier Willaume, courtesy de l'artiste

Gautier Willaume - Peinture abstraite
Gautier Willaume
Série Lignes Verticales Irrégulières, 2025
Acrylique sur papier, 21 x 29,7 cm
© Gautier Willaume, courtesy de l'artiste

Gautier Willaume - Peinture abstraite
Gautier Willaume
Série Lignes Verticales Irrégulières, 2025
Acrylique sur papier, 21 x 29,7 cm
© Gautier Willaume, courtesy de l'artiste

Gautier Willaume - Peinture abstraite
Gautier Willaume
Série Lignes Verticales Irrégulières, 2025
Acrylique sur papier, 21 x 29,7 cm
© Gautier Willaume, courtesy de l'artiste

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Si vous êtes artiste amateur, comme Gautier Willaume, et que vous souhaitez présenter votre travail sur ce blogzine, n'hésitez par à utiliser le formulaire de contact (en haut à gauche). C'est gratuit bien sûr ;)

05/10/24

Pascal Vonlanthen @ Collection de l’Art Brut, Lausanne

Pascal Vonlanthen
Collection de l’Art Brut, Lausanne
14 juin - 27 octobre 2024

PASCAL VONLANTHEN
rücünesLicht, 2020
Encre de Chine et feutre sur papier
70 x 100 cm
Atelier de numérisation - Ville de Lausanne (AN)
Collection de l'Art Brut, Lausanne

PASCAL VONLANTHEN
sans titre, 2019
Feutre et encre de Chine sur papier
50 x 70 cm
Atelier de numérisation - Ville de Lausanne (AN)
Collection de l'Art Brut, Lausanne

PASCAL VONLANTHEN
sans titre, 2019
Encre de Chine sur papier, 50 x 70 cm
Atelier de numérisation - Ville de Lausanne (AN)
Collection de l'Art Brut, Lausanne

PASCAL VONLANTHEN
sans titre, 2020
Encre de Chine sur papier, 70 x 50 cm
Atelier de numérisation - Ville de Lausanne (AN)
Collection de l'Art Brut, Lausanne

Fasciné par la typographie des titres et l’agencement des textes, PASCAL VONLANTHEN recopie à sa façon les pages de journaux, de magazines ou de dépliants publicitaires. Ne maîtrisant pas la lecture, il s’approprie les codes d’un langage qu’il n’est pas en mesure de décrypter. En une dizaine d’années, il a ainsi créé un corpus original d’écritures asémiques, dépourvues de syntaxe, mais dotées d’une grande puissance formelle.

Si au début, les lettres tracées dans ses compositions ont une certaine ressemblance avec celles du modèle imprimé, et permettent parfois de reconnaître l’incipit d’un article, très vite la lecture bute sur des lettres inversées, des chiffres épars, une suite qui défie la logique, des lignes qui s’étirent sans espaces entre les mots et sans ponctuation, ou une même lettre qui se répète de manière de plus en plus abstraite. À la rigidité des caractères typographiques Pascal Vonlanthen oppose une calligraphie qui s’étale par vagues ou par colonnes dans un mouvement ondulatoire. Son écriture se déploie avec une sorte de logique grégaire : la forme de chaque lettre influence la suivante, et chaque ligne s’accorde sur le mouvement de celle qui la précède, dans une dynamique qui rappelle le vol des étourneaux. Parfois, des masses abstraites comme des nuages imposent leur volume ; ailleurs, lettres et images se partagent la composition et l’écriture devient aussi figurative, grâce à la présence d’animaux ou de formes embryonnaires. L’auteur alterne les petits formats au feutre noir ou coloré à la pointe fine, et les grands au marqueur sur papier ou carton d’emballage, jusqu’à atteindre la démesure avec un rouleau de huit mètres de long.

À une époque où les moyens de communication envahissent notre existence avec leur flux continu d’informations, l’élégance purement visuelle et silencieuse des écritures de Pascal Vonlanthen exerce un attrait irrésistible qui transcende les frontières linguistiques.

Né à Rossens, un village du canton de Fribourg, en Suisse, Pascal Vonlanthen (1957) a grandi à la campagne. Depuis 1998, il fréquente l’atelier CREAHM situé dans ce même canton. Pendant les quinze premières années de son activité artistique, le monde de la ferme a été sa principale source d’inspiration. Dans ses dessins au crayon gris ou au pastel, poules, vaches et lapins, outils et ustensiles divers se retrouvent alignés comme les caractères d’une écriture imagée. C’est à partir de 2014 que ses œuvres sont devenues plus graphiques.

Après avoir fait l’acquisition de neuf œuvres de Pascal Vonlanthen, entre 2020 et 2021, la Collection de l’Art Brut présente pour la première fois un large ensemble de ses créations dans le cadre de cette exposition monographique.

Commissariat : Teresa Maranzano, historienne de l’art.

COLLECTION DE L'ART BRUT, LAUSANNE
11, avenue des Bergières, 1004 Lausanne

01/10/24

Clemens Wild @ Collection de l’Art Brut, Lausanne

Clemens Wild
Collection de l’Art Brut, Lausanne
14 juin - 27 octobre 2024

CLEMENS WILD
Sam, 2016
Acrylique, feutre, mine de plomb
et crayon de couleur sur papier
219 x 99,5 cm
Atelier de numérisation - Ville de Lausanne (AN)
Collection de l'Art Brut, Lausanne

CLEMENS WILD
Anjuli, 2016
Acrylique, feutre, mine de plomb
et crayon de couleur sur papier
210,5 x 99,5 cm
Atelier de numérisation - Ville de Lausanne (AN)
Collection de l'Art Brut, Lausanne

Elles s’appellent Babsi, Sam ou Uschi. Ce sont les protagonistes des peintures de CLEMENS WILD. Leurs silhouettes et leurs poses, avec cigarettes, coiffures et tenues colorées, composent une galerie de femmes au destin cabossé, mais dignes et sans complexes. Elles partagent des métiers humbles, une position sociale précaire, des origines lointaines, et racontent leur histoire, leurs tracas, leurs ambitions et leurs loisirs.

Clemens Wild permet aux femmes qui travaillent dans l’ombre de sortir de l’invisibilité sociale. Solidaire, l’auteur a lui-même connu la marginalisation. Il vit depuis 1982 à la Humanushaus, une résidence sociale anthroposophique située près de Berne (Suisse). C’est en observant les femmes qui travaillent dans la cuisine, les appartements et les ateliers de cette institution pour personnes en situation de handicap que l’idée lui est venue de leur rendre hommage.

CLEMENS WILD
Romy, 2013
Acrylique, feutre, mine de plomb
et crayon de couleur sur papier
198,5 x 75 cm
Atelier de numérisation - Ville de Lausanne (AN)
Collection de l'Art Brut, Lausanne

CLEMENS WILD
Mila, Walpurga, Sabine, 2021
Mine de plomb, crayon de couleur,
feutre et peinture acrylique sur papier
210,5 x 99,5 cm
Atelier de numérisation - Ville de Lausanne (AN)
Collection de l'Art Brut, Lausanne

Issu d’une famille de libraires, Clemens Wild (1964) cultive depuis l’enfance la passion pour le dessin et les récits imaginaires. Les fictions qu’il se plaît à écrire et dessiner sont pour lui une manière d’appréhender le monde qui l’entoure. Parmi les femmes qui composent sa galerie, certaines reviennent régulièrement depuis une quarantaine d’année. L’auteur les représente de manière frontale et statique, ou en train d’accomplir des tâches quotidienne sur leurs lieux de travail : cuisine, WC, ateliers, etc. Elles bavardent à la pause-café, attendent à l’arrêt de bus. Clemens Wild prend soin de leur donner une personnalité unique : leurs tenues n’obéissent jamais aux normes des habits de travail standardisés, mais diffèrent les unes des autres, tout en restant réalistes et fonctionnelles. Aucun détail n’échappe à son sens de l’observation, entraîné depuis des années au sein du microcosme de l’Humanushaus.

L’auteur exploite toutes sortes de formats et de supports qu’il récupère : papier Kraft, feuilles A4, couvercles de boîtes en carton ou petits sacs en papier. Il rédige aussi des textes dans lesquels les sujets féminins se présentent. En plus de donner vie à chaque personnage, ces calligraphies au feutre noir dialoguent avec l’image et la complètent, en lui conférant un fort impact visuel.

Depuis 2012, Clemens Wild fréquente l’atelier bernois Rohling. Grâce à l’infrastructure dont il dispose sur place, aux rencontres avec d’autres artistes, aux expositions et aux voyages auxquels il participe, sa pratique artistique a pris de l’ampleur, elle est devenue plus complexe, et sa critique sociale s’est aiguisée.

La Collection de l’Art Brut, qui a fait l’acquisition de douze œuvres de Clemens Wild en 2024, présente pour la première fois un large ensemble de ses créations, dans le cadre de cette exposition monographique.

Commissariat : Teresa Maranzano, historienne de l’art

COLLECTION DE L'ART BRUT, LAUSANNE
11, avenue des Bergières, 1004 Lausanne

10/11/23

Antoni Tapies @ Galerie Lelong, Paris - Exposition Les Armes d’Éros - Centenaire d'Antoni Antoni Tàpies

Antoni Tàpies
Les Armes d’Éros
Galerie Lelong & Co., Paris
23 novembre 2023 – 13 janvier 2024

Antoni Tapies
ANTONI TÀPIES
Gran triangle, 1990
Peinture et vernis sur toile, 285 x 390 cm
© Successió Antoni Tàpies. Courtesy Galerie Lelong & Co.

Antoni Tàpies
ANTONI TÀPIES
Imatge en negre, 1996
Paint and assembly on wood 130 x 195 cm
© Successió Antoni Tàpies/ Courtesy Galerie Lelong & Co

ANTONI TÀPIES (1923-2012) aurait eu 100 ans le 13 décembre prochain. Quand il exposa pour la première fois au 13 rue de Téhéran, en 1967, à l’instigation de Jacques Dupin, il avait 44 ans. C’était un autre temps ; la censure existait encore en France, le film de Rivette La Religieuse était interdit de même que bon nombre de livres publiés par Pauvert ou Losfeld ; mais c’était une autre affaire dans l’Espagne où vivait l’artiste, alors sous le joug franquiste, où régnaient l’ordre moral et la négation des cultures régionales. L’œuvre d'Antoni Tàpies était une vive rupture : sa vigueur matérialiste, son tranchant expressif, son insistance sur la « catalanité » dérangeaient. Entre autres aussi, parce que son œuvre était parcourue d’un érotisme souvent sous-jacent, parfois brutalement exprimé. Implicit/Explicit avait-il titré une de ses peintures.

La Galerie Lelong & Co. a exposé régulièrement ce grand artiste jusqu’à sa mort en 2012. Toujours en montrant ses œuvres les plus récentes. La galerie a ensuite continué de travailler avec la famille de l’artiste, proposant diverses expositions. La galerie n'avait jamais présenté une exposition sous le signe d’Éros, du corps sexué, fragmenté, de la sensualité omniprésente dans son œuvre. Tàpies, artiste d’une grande culture, connaissait bien le dernier livre de Georges Bataille, Les Larmes d’Éros, publié à Paris en 1961. Nul doute que l’iconographie de l’ouvrage a dû nourrir l’imaginaire de cet artiste fervent d’images puisées dans les cultures du monde entier. 

Antoni Tàpies
ANTONI TÀPIES
Somier sobre rombe, 1993
Paint and assembly on canvas 282 x 282 x 9cm
© Successió Antoni Tàpies/ Courtesy Galerie Lelong & Co.

Antoni Tàpies
ANTONI TÀPIES
Boca sobre tors, 2007
Paint and pencil on wood 162 x 130cm
© Successió Antoni Tàpies/ Courtesy Galerie Lelong & Co

Les Armes d’Éros présente un ensemble d’une douzaine de peintures sur bois et sur toile, composées d’assemblages de divers objets et matériaux emblématiques du travail de l’artiste : sable, vernis, peintures, crayons… Elles couvrent la période entre 1990 et 2010, ultimes décennies durant laquelle Antoni Tàpies poursuivait l'expérimentation formelle et matérielle qui a toujours été au cœur de sa pratique ; elles en illustrent l’aboutissement esthétique. Comprenant notamment Gran Triangle, 1990 (285 x 390 cm) (reproduit ci-dessus), Somier sobre rombe, 1993 (282 x 282 x 9 cm) (reproduit ci-dessus), Imatge en negre, 1996 (130 x 195 cm) (reproduit ci-dessus), Boca sobre tors, 2007 (162 x 130 cm) (reproduit ci-dessus), Mirall de vernis, 2010 (116 x 89 cm), Materia sinuosa ̀, 2010 (160 x 160 cm), ces œuvres illustrent les recherches de la dernière période de l’artiste selon différents formats, allant de 60 cm à près de 3 mètres. Les exposer a été rendu possible grâce à l’exceptionnelle collaboration entre la galerie et la succession de l’artiste. Une sélection d’estampes de l’artiste sera également exposée à la librairie de la galerie.

ANTONI TÀPIES - Eléments biographiques

Peintre, sculpteur, essayiste et théoricien de l'art espagnol d'expression catalane, Antoni Tàpies (1923, Barcelone –2012, Barcelone) est considéré comme l’un des artistes espagnols les plus importants du 20e siècle et l’un des principaux représentant de l’Art informel.

Artiste autodidacte, profondément marqué par les atrocités de la guerre civile espagnole, il décide de se consacrer à l’art aux débuts des années 1940 à la suite d’une grave infection pulmonaire qui lui impose deux années de convalescence durant lesquelles il peint et dessine tout en s'intéressant à l'histoire de la philosophie et à la musique romantique. Il est à l’origine d’une œuvre, où tradition et innovation se conjuguent dans un style abstrait non dénué de symbolisme, accordant une grande importance, et pertinence, au substrat matériel de l'œuvre. Dans son travail, le support matériel transcende son état pour signifier une analyse profonde de la condition humaine, non dénuée d’une dimension spirituelle.

Sa première exposition personnelle a lieu en 1950 à la Galerías Layetanas de Barcelone. Il se dirige alors rapidement vers l'abstraction et, bien avant l'Arte Povera, intègre des matériaux non académiques (matériaux organiques végétaux, débris de terre et de pierre) dans ses œuvres. A partir de 1953, il est un des premiers à donner ses lettres de noblesse au mélange des matériaux, ajoutant de la poudre d'argile et de marbre à sa peinture, utilisant le papier déchiré, la corde et des chiffons.

Dès le milieu des années 1950, sa renommée devient internationale et il participe à la Biennale de Venise en 1952. Son travail s'enrichit alors de références politiques qui prennent la forme de symboles et de mots écrits sur les supports. À partir des années 1970, il intègre dans ses œuvres des matériaux plus volumineux, tels que des pièces de mobilier. En 2000, il réalise l'affiche officielle des Internationaux de France de tennis et illustre le numéro 7025 du journal Libération, daté du 13 et du 14 décembre 2003 avec onze œuvres originales ainsi qu'un alphabet complet de lettrines. Antoni Tàpies a publié plusieurs écrits dont La pratique de l’art (Gallimard), L’art et ses lieux (Galerie Lelong) ainsi que La réalité comme art (Galerie Lelong).

Tout au long de sa carrière, Antoni Tàpies a reçu de nombreux prix et distinctions, dont le Prix de la Fondation Wolf (1981), la médaille d'or de la généralité de Catalogne (1983), le Prix Prince des Asturies pour les arts (1990), la Médaille Picasso de l'UNESCO (1993) et le Prix Velázquez des arts plastiques (2003). En reconnaissance de sa carrière artistique, le roi Juan Carlos Ier lui a décerné le titre de marquis de Tàpies le 9 avril 2010.

Autour du Centenaire d’ANTONI TÀPIES

Jusqu’au 7 janvier 2024 est présentée l’exposition ‘Antoni Tàpies. La Pratique de l'Art’ à Bozar (Bruxelles, Belgique). Elle sera ensuite montrée en version augmentée au Reina Sofía à Madrid, puis à Barcelone à la Fondation Tàpies. Pour célébrer le centenaire de la naissance de l’artiste, la Fundació Antoni Tàpies présentera un programme d'expositions, de publications, d'activités éducatives, d'événements et de projets de création et de recherche. Elle se déroulera sur une année, du 13 décembre 2023 au 13 décembre 2024. Avec L'Année Tàpies la Fundació Antoni Tàpies entant souligner son engagement en faveur d'un examen approfondi de l'œuvre et de la pensée de l'artiste, à l'échelle nationale et internationale, tout en apportant des lectures actualisées et en ouvrant de nouvelles perspectives sur son travail.

GALERIE LELONG & CO.
13 Rue de Téhéran, 75008 Paris

10/12/22

Maurice Mboa @ Galerie Pace, Genève - Resilience

Maurice Mboa : Resilience
Galerie Pace, Genève
7 décembre 2022 - 7 janvier 2023

Maurice Mboa
Maurice Mboa
Untitled, 2022
Acrylic spray paint on engraved steel panel 
© Maurice Mboa
"Je sens que j'appartiens au monde des vivants, que j'habite mon corps mais que j'appartiens aussi à cet autre monde, le monde des esprits. Je suis revenu avec un but et un message, même si je ne sais pas exactement de quoi il s'agit. ... Il y a un élément rituel et magique dans mon travail."
- Maurice Mboa
La galerie Pace de Genève présente Maurice Mboa : Resilience, une exposition des nouvelles œuvres de l'artiste camerounais basé à Genève. Cette exposition rassemble des œuvres récemment réalisées dans le style singulier de l'artiste, notamment des diptyques à grande échelle, marquant la première utilisation de ce format par Maurice Mboa.

Au cœur de la pratique artistique de Maurice Mboa se trouve une quête du monde spirituel. Ses portraits sans visage, souvent réalisés dans un environnement sauvage et luxuriant, sont intentionnellement ambigus dans la mesure où Maurice Mboa cherche à transmettre leur esprit intérieur. Malgré l'absence de traits, chaque figure est imprégnée d'une forte présence, car elle regarde le spectateur, parfois en questionnant ou en reflétant ceux qui se tiennent devant elle. Maurice Mboa appelle ses portraits "Âme-preinte" ou "empreintes d'âme", un jeu de mots avec "empreinte". Ayant frôlé la mort à plusieurs reprises au cours de sa vie, Maurice Mboa a un sens aigu de l'équilibre délicat entre le corps physique fini et l'âme éternelle et intangible. En effet, pendant son adolescence au Cameroun, Maurice Mboa a suivi les enseignements de sa grand-mère, qui était une guérisseuse traditionnelle, et a appris à se rapprocher de l'esprit des plantes et de la nature en tant que centre de la spiritualité universelle. Il explique : "On m'a toujours décrit comme un philosophe contemporain interrogeant les lignes et les symboles qui relient la nature et comme un anthropologue des corps et des âmes. "

Il importe d'Afrique des feuilles d'acier qu'il sculpte ensuite à l'aide d'un outil spécial avant d'appliquer une peinture vive pour donner vie à ses œuvres. Maurice Mboa considère que l'acier est synonyme d'avenir. C'est un matériau qui évoque la force et qui parle de l'avenir de l'humanité. Il choisit des feuilles d'acier sombres, trouvant la beauté dans le contraste de la légèreté que fait ressortir chaque coup de son outil de gravure. Les motifs complexes et biomorphiques qui s'étendent sur les panneaux de Maurice Mboa créent une riche vibration, comme si la vie végétale qui entoure sa figure était vivante et en mouvement. Dans Untitled (2022), présenté ci-dessus, chaque feuille est un circuit de lignes qui représente le mouvement organique de chaque organe du corps. Avec leurs compositions compactes d'un autre monde, les peintures de Maurice Mboa parlent de l'interconnexion des organismes vivants. Pour ces nouvelles œuvres présentées à Genève, Maurice Mboa a choisi une palette éblouissante de verts, de bleus, de jaunes et de rouges, marquant ainsi sa série la plus colorée à ce jour.

Maurice Mboa (né en 1980/1983) est un artiste autodidacte camerounais basé à Genève. Il a développé un univers riche et unique, imprégné de sa propre conception de l'animisme, ainsi qu'une technique très spécifique de gravure de feuilles de métal peintes. Son mélange d'anthropomorphisme et d'abstraction est immédiatement reconnaissable, en particulier les visages striés et les "empreintes d'âme" de ses personnages mystérieux. Il a exploré les thèmes de l'identité, de l'hybridité et du psychisme. Son travail a été présenté au Cameroun, en Suisse et dans divers pays européens, au Moyen-Orient ainsi qu'à ArtGenève.

PACE 
Quai des Bergues 15-17, Genève

16/09/22

Outsider Art Fair - OAF Paris 2022

Outsider Art Fair Paris - OAF Paris 2022
Atelier Richelieu, Paris
15 - 18 septembre 2022

Fondée à New York en 1993, l’Outsider Art Fair (OAF) est la première foire artistique exclusivement consacrée à l'art autodidacte, à l'art brut et à l'art outsider. Elle présente à la fois des maîtres de réputation internationale, tels que James Castle, Aloïse Corbaz, Henry Darger, Thornton Dial, William Edmondson, Martín Ramírez, Judith Scott, Bill Traylor, et Adolf Wölfli, et des artistes contemporains comme M’onma, Susan Te Kahurangi King, Frank Walter et George Widener. Très vite reconnu pour son non-conformisme, l’OAF a joué un rôle crucial dans le développement d’une communauté de collectionneurs passionnés et dans la reconnaissance accrue de ces formes d’art hors réseaux sur la scène artistique contemporaine.

En 2012, l’OAF a été acquise par Wide Open Arts, une société créée par le galeriste new-yorkais Andrew Edlin. L’édition 2013 de l’OAF, acclamée par la critique, triple son nombre de visiteurs par rapport à l’année antérieure. Fort de ce succès, Wide Open Arts a décidé d’exporter sa foire à Paris en octobre 2013, donnant ainsi un souffle nouveau à une riche tradition parisienne pour l’art brut. OAF Paris se tient d’abord pendant deux ans à l'Hôtel Le A, à proximité du Grand Palais, et déménage en 2015 à l'Hôtel du Duc, un hôtel particulier situé dans le quartier de l'Opéra. Depuis 2018, la foire se tient à L'Atelier Richelieu, dans le 2e arrondissement.

Pour sa 10e édition à Paris – la première édition en présentiel depuis 2019 – OAF Paris revient à l'Atelier Richelieu du 15 au 18 septembre 2022, avec 30 exposants de 24 villes représentant 13 pays, et est l'édition inaugurale sous la direction de Sofía Lanusse. Des galeries de renom sont de retour, notamment la galerie du marché (Lausanne), la Galerie J-P Ritsch-Fisch (Strasbourg), la Andrew Edlin Gallery (New York) et Creative Growth (Oakland). The
Gallery of Everything (Londres) fait ses débuts à l'OAF Paris avec son propre stand, en plus d'une co-présentation avec Rizomi (Pavie) des sculptures de l'artiste toscan Pietro Moschini (1952-2011).

Parmi les points forts de la foire, citons les œuvres de l'artiste français Francis Palanc (1928-2015) à la Galerie Arthur Borgnis (Paris) et Babahoum à Escale Nomad (Paris). Les œuvres d'artistes de renommée internationale comme Aloïse Corbaz, Carlo Zinelli, Madge Gill, Henry Darger, Martín Ramírez et James Castle sont également exposées.

Parmi les nouveaux exposants, notons suns.works (Zurich), qui présente une sélection d'œuvres de l'artiste suisse Hans Krüsi (1920-1995) et celles du légendaire producteur de musique et artiste Lee Scratch Perry (1936-2021). À la GRYDER Gallery (Nouvelle-Orléans), on trouve une sélection d'artistes de la Nouvelle-Orléans, dont Andrew LaMar Hopkins et Dapper Bruce Lafitte. À la Galerie Vidourle Prix (Sauve), on découvre les œuvres d'artistes du sud de la France et à Yataal Art (Dakar), un solo show de l'artiste sénégalais Pape Diop.
 
Eugene Von Bruenchenhein
Eugene Von Bruenchenhein
No. 818, July 3, 1959, 1959
Oil on masonite, 24 x 24 inches
© Estate of Eugene Von Bruenchenhein, 
courtesy Andrew Edlin Gallery, New York

Cette année, l'OAF Paris accueille deux expositions : I Wish I Could Speak in Technicolor sous le commissariat de Maurizio Cattelan et Marta Papini (organisatrice artistique, Biennale de Venise 2022), qui s'articule autour de la vie et de l'œuvre d'Eugene Von Bruenchenhein (1910-1983) qui, en plus de la photographie, de la céramique, des dessins à l'encre et de la sculpture en béton, est connu pour ses peintures abstraites kaléidoscopiques des années 1950, créées à l'aide de ses doigts ainsi que de bâtons, de peignes, de feuilles et d'autres ustensiles de bricolage qu’il utilise pour faire glisser la peinture à l'huile sur la surface de planches de masonite ou de morceaux de carton provenant de boîtes d'emballage de la boulangerie où il travaillait. 

La seconde exposition, The Underground is Always Outside, est organisée conjointement par la dessinatrice Aline Kominsky-Crumb, pionnière de comics de la scène underground, et Dan Nadel, auteur et commissaire indépendant. Leur présentation met à l’honneur les comics originaux de figures canoniques du genre, notamment Robert Crumb, Gilbert Shelton, Bill Griffith, Art Spiegelman, Spain Rodriguez, Robert Williams et S. Clay Wilson, aux côtés de leurs pairs féminins tout aussi fascinants, bien que moins connus, dont Phoebe Gloeckner, Diane Noomin, Willy Mendes et Sharon Rudahl.

Enfin, l'OAF Paris accueille Rodovid Gallery (Kiev), qui présente une sélection d'œuvres relevant de l’art folklorique ukrainien, dont celles de la légendaire Maria Prymachenko (1909-1997), incluse dans l'édition actuelle de la Biennale de Venise. Parmi les autres artistes présents à Venise qui peuvent être vus à Paris, notons Shuvinai Ashoona, Minnie Evans et Sister Gertrude Morgan.

Liste des exposants :
Bilbao Formarte, Bilbao; Galerie Arthur Borgnis, Paris; Copenhagen Outsider Art Gallery, Copenhague; Creative Growth Art Center, Oakland; Estudio Debajo del Sombrero, Madrid; Andrew Edlin Gallery, New York; Galerie Escale Nomad, Paris; The Gallery of Everything, Londres; The Goma, Madrid; GRYDER Gallery, New Orleans; Libraire de la Halle Saint-Pierre, Paris; Galerie Atelier Herenplaats, Rotterdam; HEY! - galerie OUTSIDER POP, Paris; Galerie Atelier De Kaai, Goes; Galerie Pol Lemétais, Saint Sever du Moustier; Lue Lu, Poznan; galerie du marché, Lausanne; Maroncelli 12, Milan; galerie du moineau écarlate, Paris; Galerie Frédéric Moisan, Paris; Galería MUY, Chiapas; Galerie Polysémie, Marseille; LA POP GALERIE, Sète; Project Onward, Chicago; Galerie J-P Ritsch-Fisch, Strasbourg; RIZOMIarte, Pavia; Rodovid Gallery, Kiev; suns.works, Zurich; Galerie Vidourle Prix, Sauve; Yataal Art, Dakar

Horaires d’ouverture
Vendredi 16 septembre et samedi 17 septembre : 11h - 20h
Dimanche 18 septembre : 11h - 18h

OUTSIDER ART FAIR PARIS
L’Atelier Richelieu
60 rue de Richelieu, 75002 Paris