Frank Kunert, Photography & Miniatures: The Best of - About the book The Best of Frank Kunert, Published by Hatje Cantz

The Best of Frank Kunert

Published by Hatje Cantz

June 2025

The Best of Frank Kunert, Hatje Cantz, 2025

Text: Ariadne von Schirach

Image courtesy Hatje Cantz

Frank Kunert 

Souterrain, 2015 

Image courtesy Hatje Cantz

Frank Kunert 

Attic Flat, 2007

Image courtesy Hatje Cantz

Frank Kunert 

Field Office, 2010

Image courtesy Hatje Cantz

As the title suggests, this book presents the best photographs of Frank Kunert. The choice must have been difficult! These photographs are taken from three books previously published by Hatje Cantz. 

The German photographer FRANK KUNERT (b. 1963) has made a name for himself in the contemporary art scene thanks to a universe that is both quirky and meticulously crafted. Far from documentary realism or traditional portraiture, Frank Kunert creates miniature surreal models, which he photographs with painstaking precision. Each image is the result of a long manual process, blending dark humor, irony, and absurd poetry.

Frank Kunert

Event Restaurant, 2005

Image courtesy Hatje Cantz

Frank Kunert

Salvation, 2009

Image courtesy Hatje Cantz

...When a church becomes a parking lot...

Frank Kunert

Drive-In, 2012

Image courtesy Hatje Cantz

Frank Kunert

Golden Goal, 2003

Image courtesy Hatje Cantz

Frank Kunert 

A Place in the Sun, 2014

Image courtesy Hatje Cantz

The scenes he stages are at once familiar and unsettling. A hotel room with a ski slope as an emergency exit, a balcony facing a brick wall, or a dinner table perched high above a living room on stilts—Kunert’s world defies all logic. He cultivates a distinctly German sense of nonsense, where the banality of everyday life collides with architectural absurdities or surreal situations. This offbeat perspective subtly questions social norms, urban anxieties, and the absurdity of certain conventions.

Frank Kunert 

Auf hohem Niveau, 2008

Image courtesy Hatje Cantz

The previous photograph, both restrained in form and disconcerting in content, encapsulates Kunert’s unique aesthetic, composed of visual paradoxes, understated irony, and a subtle poetics of the absurd. By diverting a commonplace architectural element such as a staircase from its intended purpose, he invites reflection on the relationship between cultural institutions and their audiences. The museum—ostensibly a space of openness and cultural exchange—appears here as an inaccessible fortress, deftly alluding to common critiques of the contemporary art world: elitism, insularity, opacity, and a certain detachment from everyday life.

Frank Kunert

Live Broadcast, 2012

Image courtesy Hatje Cantz

In Live Broadcast the television is physically connected to the toilet bowl, as if drawing its content directly from it. True to Kunert’s style, this photograph combines precise craftsmanship with a sharp sense of irony. It playfully critiques the quality—or perhaps the emptiness and vulgarity—of modern media consumption. By creating a literal pipeline between waste and entertainment, Frank Kunert blurs the line between functionality and absurdity, challenging viewers to reflect on the content they absorb daily.

Frank Kunert

Menu à deux, 2009

Image courtesy Hatje Cantz

"In Frank Kunert’s Menu à Deux, meanwhile, the V-shaped dining table and perfectly symmetrical place settings imply a (nonexistent) mirror—or perhaps a difficult relationship." notes Karen Rosenberg in The New York Times (June 16, 2011).

Frank Kunert doesn’t just aim to amuse; he unsettles, inviting us to pause and see the world through a different lens. His photographs, though seemingly lighthearted, often reveal a quiet melancholy, or a veiled critique of modern society.

In short, Frank Kunert is a sculptor of absurdity and a photographer of the impossible, whose images, beneath their wry humor, capture the paradoxes of a very real world.

I recommend this book to you.

HATJE CANTZ

www.hatjecantz.com

The Shape of a Circle in the Mind of a Fish, Edited by Lucia Pietroiusti and Filipa Ramos, Hatje Cantz + Serpentine

The Shape of a Circle in the Mind of a Fish

Edited by Lucia Pietroiusti and Filipa Ramos

Hatje Cantz + Serpentine

The Shape of a Circle in the Mind of a Fish

Edited by Lucia Pietroiusti and Filipa Ramos

Hatje Cantz + Serpentine

Serpentine announces the launch of The Shape of a Circle in the Mind of a Fish, a book edited by Lucia Pietroiusti, Head of Serpentine Ecologies and curator and lecturer at the Academy of Art and Design of Basel Filipa Ramos. The launch event of the publication, which includes 100 contributors across the arts and sciences, will take place in London at the Royal College of Art on 27th October 2025.

 

The Shape of a Circle in the Mind of a Fish is a publication that brings together interventions across the arts, the humanities and the sciences to investigate the history and cutting-edge of more-than-human theories, from animal, plant and fungal intelligence, consciousness and affect, machine sentience and interspecies communication. This publication is an important landmark in Serpentine’s long-term research project of the same name, begun in 2018 to inaugurate Serpentine’s General Ecology project.

 

The publication includes original conversations, essays, interviews, meditations, poems and artwork representations by 100 of the most celebrated environmental thinkers and creatives across disciplines – anthropologists, artists, biologists, ecologists, gardeners, musicians, philosophers, theologians and more, including Sophia Al-Maria, Ted Chiang, Emanuele Coccia, Peter Gabriel, Tim Ingold, Elizabeth A. Povinelli and Karrabing Film Collective, Maria Puig de la Bellacasa, Himali Singh Soin, Merlin Sheldrake, Superflex, Jenna Sutela, Anna L. Tsing, Chris Watson and many more.

 

The Shape of a Circle in the Mind of a Fish is arranged in five chapters. The first, titled Worlds, focuses on principles of symbiosis and coevolution, anthropological approaches to more-than-human beings; and radical reimaginings of the planet. The second, Beings, presents more-than-human beings as collaborators, co-thinkers, and interlocutors – from the sound of a forest stretching and shifting to the swarming messiness of the soil, through to the body language of animals. The third, entitled Grounds, hosts debates concerning more-than-human and planetary life within the social and political entanglements of anthropocentrism, and calls for more-than-human and environmental practices of justice. Odes, the fourth chapter, brings to the fore an understanding of mythology, storytelling, and meaning-making as planetary manifestations, tracing human/more-than-human relations across deep time. In Oracles, the book’s closing chapter, the spiritual realm and advanced technologies (human and non-human) meet at the porous and uncertain edges of planetary computation and complexity.

 

Publication launches are planned internationally throughout 2025, including at IMMA Dublin on 14th September and then a launch at the Royal College of Art, London, on October 27th 2025, which will feature a Serpentine Cinema programme as well as the presentation of Filipa Ramos’ latest monograph, The Artist as Ecologist (London: Lund Humphreys, October 2025), which discusses the ways in which contemporary artists embrace practices of environmentalism. The London event will include a lecture performance by Elizabeth A. Povinelli. The first launch of the publication took place at E-WERK Luckenwalde, Germany as part of the festival’s sixth iteration, subtitled Love and Lament, and presented by Schering Stiftung, Berlin.

 

Art Direction by Giles Round. Contributors: Andrew Adamatzky; Yussef Agbo-Ola/Olaniyi Studio; Sophia Al-Maria; Allora & Calzadilla; Saelia Aparicio; Chloe Aridjis; Heather Barnett; Antoine Bertin; Lynne Boddy; Elizabeth-Jane Burnett; Vivian Caccuri; Mariana Caló & Francisco Queimadela; Federico Campagna; Teresa Castro; Alex Cecchetti; Vint Cerf; Ted Chiang; Sean Cho A.; Nicola Clayton; Emanuele Coccia; Revital Cohen; & Tuur Van Balen; The Coven Intelligence Program; Marisol de la Cadena; Michela de Mattei; Onome Ekeh; Cru Encarnação; James Fairhead; Adham Faramawy; Simone Forti; Claire Filmon; Rosalind Fowler; Peter Gabriel; Elaine Gan; Jay Gao; Sabine Hauert; Daisy Hildyard; Amy Hollywood; Hylozoic/Desires (Himali Singh Soin & David Soin Tappeser); Tim Ingold; Derek Jarman; Alex Jordan; Karrabing Film Collective; Leah Kelly; Asim Khan; Kapwani Kiwanga; Dominique Knowles; Bettina Korek; Simone Kotva; Daisy Lafarge; Hannah Landecker; Yasmeen Lari; Long Litt Woon; Annea Lockwood; Thandi Loewenson; Miranda Lowe; Sophie Lunn-Rockliffe; Marcos Lutyens; Carlos Magdalena; Michael Marder; Alex McBratney; Natasha Myers; Nahum; Rasmus Nielsen/ SUPERFLEX; Hatis Noit; Hans Ulrich Obrist; Angelica Patterson; Lucia Pietroiusti; Elizabeth A. Povinelli; Maria Puig de la Bellacasa; Filipa Ramos; Asad Raza; Diana Reiss; Tabita Rezaire; Ben Rivers; Giles Round; Merlin Sheldrake; Kostas Stasinopoulos; Jenna Sutela; bones tan jones; Phoebe Tickell; Anaïs Tondeur & Germain Meulemans; Laurence Totelin; Anna L. Tsing; Oula A. Valkeapäa & Leena Valkeapäa; Sumayya Vally; Kim Walker; Chris Watson; Elvia Wilk; Rain Wu & Mariana Sanchez Salvador.

 

Published by Hatje Cantz, The Shape of a Circle in the Mind of a Fish is distributed worldwide as well as on Serpentine’s website.

The Shape of a Circle in the Mind of a Fish 

History of the programme

The Shape of a Circle in the Mind of a Fish began as a multi-year symposium, podcast and research project investigating consciousness and intelligence across species and beings and was launched in 2018 at the London Zoo. Since 2018, it has welcomed over 10,000 audience members and viewers and been a pioneer in environmental and ecological convenings.

 

2018 at the London Zoo: PART 1 LANGUAGE: On interspecies communications, with Ted Chiang, Vint Cerf, Peter Gabriel and more.

 

2018 at Ambika P3: we have never been one: On Gaia theory and micro-organisms, with Anna Lowenhaupt Tsing, Sophia Al-Maria and more.

 

2019 at EartH Hackney: with plants: on plant consciousness, plant intelligence and communication with the vegetal world, with Tabita Rezaire, Chris Watson and more.

2020 online: the understory of the understory: on land, earth, soil, fungi, with Elizabeth A. Povinelli and Merlin Sheldrake and more. This event marked the launch of Sheldrake’s landmark publication, Entangled Life.

 

2022, Galeria da Biodiversidade, Porto, Portugal: The Shape of a Circle in the Dream of a Fish: on dreams in the non-human world, with Alex Jordan, Onome Ekeh, Federico Campagna and more.

2025, E-WERK Luckenwalde/Schering Stiftung: The Shape of a Circle in the Mind of a Fish: Love and Lament: on grief and intimacy in a more-than-human world, with Aslak Aamot Helm, Antoine Bertin, Kapwani Kiwanga, Michael Ohl, Alejandra Pombo Su, Elizabeth Povinelli, Claudia Rankine, Asad Raza, Giles Round, Jenna Sutela, Jovana Maksic, Staci Bu Shea and Revital Cohen & Tuur Van Balen.

 

In addition, releases on Serpentine Podcast’s series: “On General Ecology” and collaborations with renowned environmental podcast Future Ecologies brought together some 60,000 listeners to dive deeper into the ideas and experimentations of the series.

About Serpentine Ecologies

Since 2014’s Extinction Marathon with artist Gustav Metzger, Serpentine has been at the forefront of environmental action and thought. Since the establishment of the General Ecology project in 2018,  the Ecologies initiatives nurture Serpentine’s ongoing engagement with ecology, climate breakdown, more-than-human consciousness, environmental justice and complexity in a changing world. Stretching across all of Serpentine’s activities, infrastructures and networks, Serpentine Ecologies takes a speculative and active stance towards embedding alternative narratives and deep ecological principles into the everyday. Ecologies’ initiatives manifested with projects such as Court for Intergenerational Climate Crimes: The British East India Company on Trial in April 2025, Back to Earth, (2020- 2022), Infinite Ecologies Marathon in 2023, and Daisy Ginsberg’s Pollinator Pathmaker in Kensington Gardens among many other projects. As part of Serpentine’s Back to Earth project, Serpentine and Penguin Press published 140 Artists’ Ideas for Planet Earth, a book inviting artists to re-think the climate emergency.

SERPENTINE GALLERIES

www.serpentinegalleries.org

Exposition Basquiat. The Modena Paintings @ Fondation Beyeler, Riehen/Bâle

Basquiat. The Modena Paintings

Fondation Beyeler, Riehen/Bâle

11 juin – 27 août 2023

13 ans après la grande rétrospective qu’elle avait consacrée à Jean-Michel Basquiat, la Fondation Beyeler accueille une nouvelle fois l’œuvre de l’artiste new-yorkais. Elle présentera les « Modena Paintings », huit toiles de grand format que Jean-Michel Basquiat a peintes en 1982 dans la ville italienne de Modène pour un projet d’exposition qui n’a finalement jamais vu le jour. Plus de 40 ans plus tard, la Fondation Beyeler réunit pour la première fois ces chefs-d’œuvre, aujourd’hui détenus dans des collections privées aux États-Unis, en Asie et en Suisse, parmi eux plusieurs des œuvres les plus célèbres et les plus chères de Jean-Michel Basquiat.

Jean-Michel Basquiat (1960–1988) compte parmi les artistes majeurs du XXe siècle finissant. Au début des années 1980, il accède en peu de temps à une notoriété internationale, alors que la peinture figurative connaît une renaissance. Jean-Michel Basquiat, une des personnalités les plus magnétiques du monde de l’art, débute dans l’underground new-yorkais en tant que poète graffeur et musicien avant de se consacrer pleinement à l’art. Sa peinture hautement expressive et débordante d’énergie lui vaut rapidement l’admiration du milieu. Âgé de seulement 21 ans, il est le plus jeune artiste invité à participer à la Documenta 7 qui se tient à Kassel en été 1982. Encouragé par Andy Warhol, il devient une véritable célébrité artistique, fêtée dans le monde entier. Fils d’un père haïtien et d’une mère dont les parents venaient de Porto Rico, il est le premier artiste noir à percer dans un milieu artistique dominé par des protagonistes blancs·ches. Outre Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat collabore avec Keith Haring, Francesco Clemente, Debbie Harry et d’autres artistes et musicien·ne·s. Jusqu’à son décès soudain en août 1988, il produit en moins d’une décennie un vaste œuvre comptant plus de 1’000 tableaux et objets ainsi que 3’000 œuvres sur papier.

Après l’âge d’or de l’art conceptuel et de l’art minimal dans les années 1960 et 1970, Jean-Michel Basquiat parvient à imposer un nouveau langage visuel figuratif et expressif. Ses oeuvres, peuplées de personnages évoquant ceux des bandes dessinées, de silhouettes de squelettes, d’objets étranges du quotidien et de slogans poétiques sont puissantes et somptueusement colorées. Elles font converger des motifs issus de la culture pop et de l’histoire culturelle, entre autres des domaines de la musique et du sport, ainsi que des thèmes politiques et économiques, pour aboutir à des commentaires critiques de la société de consommation et de l’injustice sociale, en particulier du racisme.

La première exposition personnelle de Basquiat se tient en 1981 à la Galleria d’Arte Emilio Mazzoli à Modène, à l’époque encore sous le pseudonyme SAMO© qu’il inscrivait à la bombe aérosol sur les wagons et les parois du métro new-yorkais et qui datait de sa collaboration avec le graffeur Al Diaz. Le jeune artiste avait capté l’attention du galeriste italien Emilio Mazzoli quelques mois auparavant dans l’exposition collective « New York / New Wave » organisée par Diego Cortez au P.S. 1 Contemporary Art Center (aujourd’hui MoMA PS1) à Long Island City. Emilio Mazzoli avait alors mis à la disposition de Jean-Michel Basquiat un espace de travail et du matériel pour lui permettre de créer de nouvelles oeuvres. Au début de l’été 1982, à l’invitation de Mazzoli, Jean-Michel Basquiat retourne à Modène pour sa première exposition européenne sous son vrai nom.

À Modène, Emilio Mazzoli dispose d’un entrepôt qui sert aux artistes de passage pour travailler. Ainsi, plusieurs années durant Mario Schifano séjourne régulièrement à Modène pour y peindre. Lorsque Jean-Michel Basquiat arrive, il tombe sur plusieurs reliquats du travail de Schifano : outre des tableaux achevés, il trouve aussi des toiles apprêtées et des toiles vierges. Attiré par leurs dimensions exceptionnelles, il les utilise pour ses propres tableaux. Il produit ainsi un groupe d’oeuvres de chacune plus de deux mètres sur quatre, plus grandes que et différentes de tout ce qu’il avait peint jusque là. En apposant l’indication « Modena » et sa signature au dos des toiles, il les désigne comme un groupe d’oeuvres cohérent.

Mais des désaccords opposent les galeristes Annina Nosei, qui représente Jean-Michel Basquiat à New York depuis fin 1981, et Emilio Mazzoli, entraînant l’abandon du projet d’exposition à Modène. Dans une interview accordée au New York Times en 1985, Jean-Michel Basquiat revient sur son deuxième séjour à Modène et exprime sa frustration : « Ils ont organisé les choses de telle manière que je doive produire huit tableaux en une semaine », et il compare son travail dans l’entrepôt à « une usine, une usine malsaine. J’ai détesté. » Au final, Mazzoli règle Jean-Michel Basquiat pour les oeuvres produites et l’artiste retourne à New York.

Les huit tableaux peints à Modène trouvent finalement de nouveaux propriétaires par l’entremise d’Annina Nosei : Bruno Bischofberger en acquiert quatre (Profit I, Boy and Dog in a Johnnypump, Untitled [Woman with Roman Torso (Venus)], The Guilt of Gold Teeth) et les autres passent dans diverses collections à l’international. Aujourd’hui, les huit toiles se trouvent dans différentes collections particulières aux États-Unis, en Asie et en Suisse. Certaines d’entre elles se sont recroisées dans le cadre de rétrospectives, d’autres n’ont que rarement été montrées en public. Le projet de la Galleria d’Arte Emilio Mazzoli n’a pas encore fait l’objet de recherches et de mises en lumière approfondies. Et pourtant, non seulement les tableaux produits à Modène figurent parmi les plus importants de l’oeuvre de Basquiat et les oeuvres les plus chères de tout l’art contemporain, mais le projet d’exposition finalement abandonné constitue lui aussi un événement particulier dans la carrière de l’artiste. Pour la première fois, les tableaux de Modène seront bientôt réunis au sein d’une présentation unique à la Fondation Beyeler – 40 ans plus tard, le projet d’exposition est ainsi enfin réalisé.

Sam Keller, directeur de la Fondation Beyeler, explique : « Tous les ‹ Modena Paintings › se trouvent aujourd’hui dans des collections privées. Certains d’entre eux ont été donnés à voir dans le cadre d’expositions consacrées à Basquiat, mais jamais encore ils n’avaient figuré ensemble et côte à côte dans une même présentation ainsi que l’avait prévu Basquiat à l’origine. Grâce à notre bonne collaboration de longue date avec la famille Basquiat et les collectionneurs de Basquiat, nous sommes parvenus à réunir toutes les oeuvres et à rattraper ainsi un moment d’histoire de l’art. »

Les « Modena Paintings » partagent plusieurs caractéristiques en termes de motif et de style : les huit tableaux sont tous dominés par une figure monumentale, souvent noire, sur fond de larges traits de pinceau à la gestuelle expressive. Untitled (Angel) et Untitled (Devil), opérant comme un quasi diptyque, donnent à voir les figures titulaires d’un ange et d’un démon sous forme de portraits en buste, les deux bras levés – posture pouvant être comprise aussi bien comme implorante que triomphante, et qui non seulement se répète dans d’autres images du cycle mais apparaît de manière récurrente dans l’oeuvre de Jean-Michel Basquiat. Le squelette suggéré à coups de traits horizontaux sommaires dans Untitled (Devil) de même que le crâne aux orbites et aux cavités nasales profondes caractérisent également les figures dans Boy and Dog in a Johnnypump et The Field Next to the Other Road. Parmi les autres signes distinctifs des personnages de Jean-Michel Basquiat figure un ornement placé au-dessus de leur tête, parfois auréole et parfois couronne d’épines, qui apparaît également dans Untitled (Woman with Roman Torso [Venus]) et Profit I. Comparées aux autres oeuvres du groupe, ces deux dernières présentent tout comme The Guilt of Gold Teeth une plus grande densité des « griffonnages » si typiques de Basquiat. The Guilt of Gold Teeth, avec ses mots cryptiques, ses combinaisons de chiffres et ses symboles de dollar, préfigure déjà certaines évolutions plus tardives de l’oeuvre de l’artiste. Avec Untitled (Cowparts), qui donne à voir une vache plus grande que nature aux énormes yeux ronds, le cycle se boucle dans la mesure où les épais traits de pinceau blancs utilisés pour accentuer le corps noir dans Untitled (Angel) soulignent ici les contours de l’animal.

À l’exception des deux tableaux Profit I et The Guilt of Gold Teeth, dans lesquels la combinaison d’acrylique, de peinture aérosol et de crayon à l’huile établit un dialogue avec le dessin, le groupe d’oeuvres met l’accent sur le geste pictural. Le collage visuel d’images et de mots habituellement si typique du travail de Jean-Michel Basquiat n’apparaît que peu dans les oeuvres réalisées à Modène. Dans l’ensemble, le répertoire de Modène est moins morcelé et se concentre sur des compositions plus vastes et expansives. Le corps humain et animal y occupe le premier plan. Contrairement aux oeuvres antérieures, celles de Modène ne donnent pas à voir d’impressions des rues de la grande ville. On retrouve dans plusieurs des huit toiles les mêmes tonalités, ainsi dans les vastes fonds plats, de même que l’utilisation semblable et répétée de traits de pinceau rouge écarlate pour appuyer les figures représentées. Basquiat avait pour habitude de travailler sur plusieurs toiles en parallèle car les différentes couches de couleur avaient besoin de temps pour sécher.

L’exposition est placée sous le commissariat conjoint de Sam Keller, directeur de la Fondation Beyeler, et d’Iris Hasler, Associate Curator à la Fondation Beyeler.

Jean-Michel Basquiat

The Modena Paintings

Hatje Cantz Verlag

Un catalogue a été publié au Hatje Cantz Verlag, Berlin, en allemand et en anglais, retraçant le développement du concept d’exposition initial jusqu’à son abandon en 1982 et consacrant un court texte à chacun des tableaux créés à Modène. Il comprend des textes de Dieter Buchhart, Iris Hasler, Fiona Hesse, Michiko Kono, Regula Moser, Demetrio Paparoni et Jordana Moore Saggese.

FONDATION BEYELER

Baselstrasse 77, CH-4125 Riehen

www.fondationbeyeler.ch

Mondrian Evolution @ Fondation Beyeler, Riehen & Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Dusseldorf

Mondrian Evolution

Fondation Beyeler, Riehen / Bâle

5 juin – 9 octobre 2022

Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf

29 octobre 2022 – 12 février 2023

À l’occasion du 150ème anniversaire de la naissance de l’artiste, la Fondation Beyeler consacre une grande exposition au peintre néerlandais PIET MONDRIAN (1872–1944), réunissant des œuvres de sa propre collection et d’importants prêts internationaux. Figurant parmi les artistes les plus marquants et les plus polyvalents de l’avant-garde, Mondrian a joué un rôle décisif dans l’évolution de la peinture de la figuration à l’abstraction. Avec 89 œuvres provenant de collections privées et publiques en Europe et aux États-Unis, «Mondrian Evolution» retrace le parcours saisissant de l’artiste, de peintre paysagiste du 19ème siècle à l’un des protagonistes majeurs de l’art moderne. L’exposition offre une rare occasion de découvrir sous un jour nouveau le travail de Mondrian, qui a profondément influencé le 20ème siècle non seulement dans le domaine de l’art mais aussi dans ceux du design, de l’architecture, de la mode et de la culture pop. Il s’agit de la première exposition individuelle consacrée à l’artiste en Suisse depuis 50 ans. L'exposition sera ensuite présentée à Düsseldorf au Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen.

La collection de la Fondation Beyeler comprend surtout des œuvres des périodes plus tardives de Mondrian, mais l’exposition se concentre principalement sur les œuvres des débuts de l’artiste, dont le développement est influencé non seulement par la peinture de paysage hollandaise de la fin du 19ème siècle mais aussi par le symbolisme et le cubisme. Ce n’est qu’au début des années 1920 que Mondrian passe à un langage pictural pleinement non figuratif, restreint à des agencements orthogonaux de lignes noires et d’aires de blanc et des trois couleurs primaires bleu, rouge et jaune. Les tableaux abstraits de Mondrian sont l’aboutissement d’un long processus de réflexion artistique en tension entre les pôles de l’intuition et de la précision, ainsi que d’une remise en question personnelle intense et incessante. Il concevait l’abstraction comme un processus de rapprochement d’une vérité et d’une beauté absolues, vers lesquelles il tendait en tant qu’artiste. Sa versatilité stylistique est la conséquence de sa quête constante de l’unité et de l’essence même de l’image. Il utilisait lui-même le terme «évolution» – mais pas au sens de Charles Darwin. Pour Mondrian, le terme «évolution» signifiait l’accumulation d’expériences sur lesquelles bâtir une nouvelle étape de développement artistique menant à son tour à de nouvelles réalisations et connaissances.

L’exposition est conçue de manière chronologique mais elle tire son expressivité de la confrontation d’œuvres précoces et tardives, qui met en lumière les forces de transformation à l’œuvre dans le travail de Mondrian. Au fil de neuf salles d’exposition, on retrouve des motifs récurrents tels les moulins à vent, les dunes, la mer, les bâtiments de ferme se reflétant dans l’eau et les plantes, représentés à des degrés divers d’abstraction. Dans ses paysages, Piet Mondrian explore l’éclat et le rayonnement de la couleur – ce qui donne à ces tableaux leur apparence extraordinairement lumineuse et vive – ainsi que l’influence de la lumière et l’expérience de l’espace, de la surface, de la structure et des reflets.

Le tableau Moulin au soleil, 1908, dont la radicalité apparaît encore aujourd’hui, avait provoqué un tollé parmi les critiques de l’époque avec son explosion de couleurs et sa technique picturale d’apparence sommaire. L’exposition présente également l’œuvre Le nuage rouge, 1907, qui saisit le moment magique et fugace auquel le soleil couchant teinte un nuage rouge vif alors même que le paysage et le ciel demeurent encore d’un bleu éclatant. Ce tableau appartient à un groupe d’œuvres que Mondrian a peintes au crépuscule, lorsque les couleurs et les combinaisons chromatiques sont soumises à des transformations intenses. Dans ses autoportraits dessinés de 1908, il se représente également au crépuscule, les pupilles grand ouvertes et réceptives aux plus infimes nuances chromatiques produites par la lumière. Le tableau de grand format Forêt près d’Oele, 1908, du Kunstmuseum Den Haag offre une perspective dirigée vers le soleil, situé au-dessus de l’horizon. La succession des troncs d’arbres qui se teintent de rouge ou de violet dans le contre-jour crée l’illusion de spatialité.

Après les explosions chromatiques des années 1907 à 1911, Mondrian, inspiré par sa rencontre avec le cubisme à Paris, revient à des couleurs moins éclatantes. Des tons gris et ocres dominent désormais ses tableaux et la ligne en tant que telle devient toujours plus importante. Mondrian poursuit son exploration de thèmes comme l’abstraction. La métamorphose de ses représentations d’arbres est particulièrement impressionnante, donnant à voir le raisonnement qui sous-tend sa quête picturale. L’expérience de ces tableaux permet à Mondrian de se détacher entièrement de la figuration. Composition No. IX, 1913, un prêt du Museum of Modern Art à New York, est une imbrication de formes pour la plupart caractérisées par des angles droits.

New York City 1 est l’œuvre la plus récente de l’exposition et appartient à un petit groupe de tableaux créés autour de 1941. Sa composition est semblable à celle de Forêt près d’Oele de 1908, mis à part le fait qu’elle n’entretient plus aucun rapport avec un paysage réel mais tient d’une «abstraction pure». L’œuvre est inachevée et apporte un témoignage important du processus de travail de Mondrian dans les dernières années de sa vie. À New York, il avait commencé à reconfigurer ses images et à les rendre plus dynamiques et plus rythmiques à l’aide de bandes de papier. Les surfaces colorées cèdent alors le pas aux lignes de couleur.

Né en 1872 à Amersfoort aux Pays-Bas, Mondrian entre tôt en contact avec l’art : son père enseigne le dessin, son oncle est un peintre amateur à succès, influencé par la peinture de paysage de l’École de La Haye, incarnation spécifiquement néerlandaise de l’impressionnisme. Après une éducation calviniste et une formation en tant que professeur de dessin, entre 1892 et 1895 Mondrian étudie à la Rijksakademie van Beeldende Kunsten à Amsterdam. Il continue à travailler en tant que professeur de dessin, peint des portraits sur commande et réalise des dessins scientifiques pour l’Université de Leyde. Mais il poursuit également ses ambitions artistiques et développe rapidement son propre style. La plupart des œuvres de cette période, qui représentent majoritairement des moulins à vent, des rivières et des bâtiments de ferme, témoignent encore de l’influence de l’École de La Haye. À partir de cette base, Mondrian élargit avec détermination le champ de ses possibilités artistiques.

L’art de Mondrian est étroitement lié à son intérêt pour la philosophie et l’ésotérisme. À partir de 1908, il se passionne pour la théosophie ; influencé par les écrits de Rudolf Steiner – alors encore théosophe – en 1909 il adhère à la section néerlandaise de la Société théosophique. Sa rencontre avec le cubisme mène fin 1911 à un premier séjour à Paris qui dure jusqu’en 1914, lorsque Mondrian ne peut y retourner en raison du début de la Première Guerre mondiale. En 1919, il s’installe durablement à Paris.

Après la Première Guerre mondiale, les artistes sont nombreux à chercher un renouveau culturel radical. Aux Pays-Bas, un groupe d’artistes d’avant-garde se constitue et publie à partir de 1917 la revue De Stijl. Mondrian formule l’intention du groupe de démanteler les traditions afin de refonder tous les aspects de la vie sur la base des éléments essentiels de l’art tels qu’il les défend.

Dans des écrits théoriques, Mondrian tente d’exposer son programme artistique. Il désigne sa nouvelle forme d’expression picturale sous le terme de «néoplasticisme», qu’il conçoit en première ligne comme une concentration sur les moyens d’expression essentiels de la peinture : d’une part le noir et le blanc, situés aux extrêmes opposés de l’échelle des couleurs, d’autre part les couleurs primaires jaune, rouge et bleu. Le noir est généralement celui des lignes qui s’étirent à la verticale et à l’horizontale, se croisant à angle droit. La combinaison de ces éléments ouvre des possibilités de composition infinies. Mondrian s’intéresse à l’image essentielle, à la création d’un équilibre parfait et tendu à la fois, dans lequel tous les éléments semblent à leur place.

Mondrian passe les 25 dernières années de sa vie dans les trois métropoles de l’art moderne: Paris, Londres et New York. De fin 1911 à 1938, avec une interruption due à la Première Guerre mondiale, il vit à Paris. Après quelques années à Londres, en 1940 il s’installe à New York, où il décède d'une pneumonie en 1944 âgé de 71 ans. En tant que membre de la Société théosophique, Mondrian accordait une grande importance à l’internationalité. Il accède au statut de célébrité dès les années 1920 en tant qu’artiste d’avant-garde et co-initiateur de la peinture abstraite. Ses ateliers deviennent des lieux légendaires, sources d’inspiration surtout pour des artistes plus jeunes dont Willem de Kooning et Lee Krasner.

Dans le cadre de l’exposition, la Fondation Beyeler présente le film «Piet & Mondrian», un court-métrage de Lars Kraume, l’un des cinéastes les plus renommés de langue allemande. Le film prend pour point de départ l’essai Réalité naturelle et réalité abstraite, formulé par Mondrian en 1919/20 sur le mode du dialogue pour y exposer ses considérations et ses réflexions sur l’abstraction dans l’art. Le grand acteur allemand de théâtre et de cinéma Lars Eidinger donne vie au texte théorique de Mondrian. «Piet & Mondrian» a été produit par Felix von Boehm / Lupa Film avec le soutien financier du Medienboard BerlinBrandenburg. Le scénario a été écrit par Constantin Lieb.

«Mondrian Evolution» est une exposition de la Fondation Beyeler, Riehen/Bâle et de la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, en coopération avec le Kunstmuseum Den Haag. L’exposition est placée sous le commissariat d’Ulf Küster, Senior Curator, Fondation Beyeler, Kathrin Beßen et Susanne MeyerBüser, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen.

Mondrian Evolution

Catalogue de l'exposition

Hatje Cantz, 2022

Le catalogue de l’exposition a été conçu par Irma Boom, graphiste de renom international qui au fil des dernières années a renouvelé les possibilités infinies du livre. Le catalogue paraît en allemand et en anglais au Hatje Cantz Verlag, Berlin. Sur 264 pages, il réunit des articles rédigés par Benno Tempel, Caro Verbeek, Ulf Küster, Kathrin Beßen, Susanne Meyer-Büser, Charlotte Sarrazin et l’artiste Bridget Riley, avec une préface de Sam Keller et Ulf Küster. 

Ulf Küster, Mondrian A–Z

Hatje Cantz, 2022

À l’occasion de l’exposition, le Hatje Cantz Verlag, Berlin publie également Mondrian A–Z : dans ce texte amusant, Ulf Küster explore en ordre alphabétique les thèmes qui intéressaient le peintre et nous offre ainsi des aperçus de son univers mental et sensoriel. 120 pages, 32 illustration. En allemand et en anglais.

FONDATION BEYELER

Baselstrasse 77, 4125 Riehen

www.fondationbeyeler.ch

KUNSTSAMMLUNG NORDRHEIN-WESTFALEN

Grabbeplatz 5, 40213 Düsseldorf

www.kunstsammlung.de

HATJE CANTZ VERLAG

www.hatjecantz.de

Edward Hopper. A–Z, Hatje Cantz

Edward Hopper. A–Z
Hatje Cantz, 2020

EDWARD HOPPER. A–Z

Hatje Cantz Verlag, 2020

Text by Ulf Küster

Graphic design by Torsten Köchlin und Joana Katte

English or German, 120 pp., 40 ills., hardcover

13.00 x 19.50 cm - 18,00€

In Europe Edward Hopper is primarily known for his oil paintings of scenes of urban life, and he is considered one of the twentieth century’s most important artists. His less familiar landscape paintings are now on display in a show at the Fondation Beyeler as well as in the catalogue A Fresh Look at Landscape. In the accompanying volume, Edward Hopper. A–Z, the curator and art theoretician Ulf Küster sheds some light on the ABCs of the artist’s life and work. 

Josephine and Edward Hopper 

in Two Lights Cape Elizabeth, Maine 1927

Edward Hopper began his career as an illustrator, but today Edward Hopper (1882–1967) is mainly known as a painter. His paintings display his virtuosity in the depiction of light and shadow, which formed the basis of a unique aesthetic that went beyond painting into the realms of pop culture, film, and photography.

An atmosphere of melancholy and isolation runs through Edward Hopper’s paintings, and it can also be perceived in his landscape paintings. At the same time they convey a threat, which he portrays in his work by relating landscape to city as the human invasion of nature. This is geometrically clear in the pictorial composition: buildings that make the presence of humans obvious are important elements. Railroads structure the pictures horizontally, while the expanded sky and atmospheric light show the transformation of nature in the still landscape.

“Landscape always shows the influence of humankind on nature, something that Hopper’s pictures subtly reflect in a variety of ways. He created a manifestly modern approach to one of art history’s established genres.,” says the curator Ulf Küster about the significance of Edward Hopper’s landscape pictures.

Edward Hopper ca. 1937

Photo: Harris & Ewing

Appearing concurrently with the show at the Fondation Beyeler, the book Edward Hopper. A–Z sheds light on the biographical details of Edward Hopper’s life, with a view to how they affected his work. From “A,” as in “American landscape,” to “Z,” as in Zero, Ulf Küster entertainingly and informatively tells of important influences and specific places involved in Edward Hopper’s oeuvre. Hence, the reader discovers what kind of influence Goethe’s work had on the painter, or which brand of car the artist preferred, thus gaining enriching insight into his work, which allows for new interpretations.

EXHIBITION: Edward Hopper, Fondation Beyeler, Riehen/Basel, January 26 – September 20, 2020

HATJE CANTZ
www.hatjecantz.de

Now Is The Time: 25 Years Collection Kunstmuseum Wolfsburg

Now Is The Time
25 Years Collection Kunstmuseum Wolfsburg
Kunstmuseum Wolfsburg
Through 29 September 2019

The poster motif for the exhibition Now Is The Time features an infectiously cheerful smile. It is the smile of a masked face that a craftsman for sacred masks in the Indian coastal region of Konkan had designed as a profane but personal motif and with which he now presents himself to the camera, sitting on a bicycle wheel along the side of the road. In doing so, he responded to a request from the Indian conceptual artist Gauri Gill addressed to the villagers that, instead of traditional motifs, their own states of mind between dream and reality should become the theme. The photograph of the person wearing the mask, who plays his own role here, is one of many new acquisitions to be seen in the exhibition which celebrates the twenty-fifth anniversary of the collection and embodies its current thematic orientation.

In 1994, the Kunstmuseum Wolfsburg was founded with the goal of developing a literally outstanding collection. Now Is The Time: The programmatic title is derived from Michel Majerus’ equally programmatic work “What looks good today may not look good tomorrow” (1999) in the collection of the Kunstmuseum Wolfsburg.

After twenty-five exciting years the time has come to take the most comprehensive look at the collection to date. With more than 600 installations, groups of works, and individual pieces by one hundred artists, the collection now enjoys an international reputation and lends the industrial city of Wolfsburg a far-reaching aura as a cultural beacon.

Works by seventy-nine international artists can be (re-)discovered in dialogical or thematic contexts on all the newly renovated exhibition levels of the museum. The spectrum ranges from the earliest acquisitions to recently acquired works that either tie in with existing themes or take on new directions.

Now Is The Time offers a dialog between works of late modernism and more recent positions, up to and including representatives of global art. Thus, at the beginning of the exhibition, two works are juxtaposed in an exemplary manner: Jörg Immendorff’s commentary, painted on a large canvas, on the opening of the inner-German border in 1989, “Kleine Reise (Hasensülze)” (1990), in which Marcel Duchamp takes center stage, and the commentaries of Firelei Báez from the Dominican Republic, painted on fifty-eight separate pages, which address the legacy of the colonial period and thus simultaneously refer to her own origin and identity (2018).

A look back to the future: Caesuras and developments in art history over the last forty years are presented, as well as the diversity and simultaneity of artistic production. The collection began at a time when the globalization of art was only just beginning to develop. The building up of the collection thus took place in particular against the background of rapid visualization and medialization, the rise of the much quoted “flood of images,” which was reflected by the new art and becomes tangible with the works on view.

The key year of the collection is 1968.

Almost all the works were created after this epoch-making turning point in contemporary history. In the exhibition, the spectrum ranges from works not shown for quite some time to the most recent acquisitions: from Franz Ackermann via Christian Boltanski and Elizabeth Peyton to Fiona Tan, and Thomas Zipp. In recent years, it has been possible to once again substantially expand the collection—above all with global, female, and political positions—especially thanks to the support of donations from private individuals and the Circle of Friends of the Kunstmuseum Wolfsburg.

The Artists

Franz Ackermann, Carl Andre, Nobuyoshi Araki, John M Armleder, Katie Armstrong, Richard Artschwager, Awst & Walther, Caroline Bachmann & Stefan Banz, Firelei Báez, Richard Billingham, Christian Boltanski, Stanley Brouwn, Jan de Cock, Tony Cragg, René Daniëls, Jan Dibbets, Burhan Doğançay, Peter Fischli/David Weiss, Sandra Gamarra, Gilbert & George, Gauri Gill, Liam Gillick, Douglas Gordon, Andreas Gursky, Brian Harte, Eberhard Havekost, Jeppe Hein, Georg Herold, Gary Hill, Rebecca Horn, Pieter Hugo, Jörg Immendorff, Christian Jankowski, Sergej Jensen, Anselm Kiefer, In Sook Kim, Imi Knoebel, Gert Jan Kocken, Ola Kolehmainen, Jeff Koons, Jannis Kounellis, Pia Linz, Sharon Lockhart, Michel Majerus, Joseph Marioni, Rémy Markowitsch, Maix Mayer, Gerhard Merz, Mario Merz, Radenko Milak, Sarah Morris, Maurizio Nannucci, Bruce Nauman, Julian Opie, Nam June Paik, Verner Panton, Elizabeth Peyton, Daniel Pflumm, Otto Piene, Julius Popp, Prajakta Potnis, Neo Rauch, Thomas Schütte, Mithu Sen, Cindy Sherman, Beat Streuli, Philip Taaffe, Fiona Tan, Sam Taylor-Johnson, Mette Tronvoll, Luc Tuymans, Mariana Vassileva, Jeff Wall, James Welling, Tim Wolff, Erwin Wurm, Thomas Zipp.

Now Is The Time: Kunstmuseum Wolfsburg. The Collectione

Exhibition Catalogue

HATJE CANTZ, 2019

The Catalog To mark the twenty-fifth anniversary of the Kunstmuseum Wolfsburg, a comprehensive catalog with works by all the artists represented in the collection was published by Hatje Cantz. In addition to a foreword by Andreas Beitin and an introductory essay by Holger Broeker, texts by 97 international authors pay homage to the works in the collection (510 pages, 825 illustrations), separate English and German versions, 48,- € in the museum shop.

KUNSTMUSEUM WOLFSBURG
Hollerplatz 1 - 38440 Wolfsburg
www.kunstmuseum-wolfsburg.de

Tutto. Perspectives on Italian Art @ Sammlung Goetz, Munich

Tutto. Perspectives on Italian art
Sammlung Goetz, Munich
September 19, 2019 – February 29, 2020

The cooperation exhibition between the Museion in Bolzano and the Sammlung Goetz presents more than 120 works in a dialogue. Starting from the artistic upheaval in the post- war period, the works convey insight into most noteworthy trends in Italian art. This international cooperation project marks the first time another collection with a wide selection of works is being presented in the exhibition spaces of the Sammlung Goetz.

“Tutto,” the title of the exhibition, was taken from the eponymous work by Alighiero Boetti from 1986. It is an iconic work from the last series of his embroidery work, in which he unites the principles of his artistic practice. The central concern of many of these artists was overcoming the two- dimensional canvas, as exemplified by Lucio Fontana in his “Concetto spaziale” in 1954. Through works of painting and photography, the show provides insights into various artistic approaches that combine the concepts of opening, expanding and overcoming traditional panel painting. The artistic positions range from experimentations with the canvas, as displayed by Carla Accardis, Enrico Castellanis and Agostino Bonalumis, to material explorations, as in the work of Piero Manzoni. Further emphasis is placed on the relationship between image and text and visual poetry in experimental works on paper, as well as conceptual photography from the 1960s and 1970s.

The exhibition is supplemented by an extensive selection of documentary material from the archives of the participating artists. The multitude of different art forms, such as photographs, posters, invitations, work notes and objects – unite to create a multifaceted overall picture.

A modified version of the exhibition was on view between October 2018 and March 2019 at the Museion in Bolzano. At the presentation in Munich, a third partner, the Neue Sammlung, was gained for the international cooperation project. The transgressing of boundaries in Italian art of the post- war period manifests itself not only in artistic concepts, but also in design. The exhibition in the Sammlung Goetz is complemented by objects of Murano glass and loans of new Italian design, while works of painting in the rooms of the Pinakothek der Moderne enter into a dialogue with other design objects.

An extensive and richly illustrated catalogue published by Hatje Cantz Verlag accompanied the cooperation exhibition between the Museion in Bolzano and the Sammlung Goetz and is available for EUR 29.90 at the museum and in bookstores.

Tutto

Perspektiven italienischer Kunst 

Prospettive sull’arte italiana 

Perspectives on Italian Art

HATJE CANTZ

Ed. Ingvild Goetz, Leo Lencsés für die Sammlung Goetz, 

Karsten Löckemann für die Sammlung Goetz, Letizia Ragaglia, 

text(s) by Leo Lencsés, Ingvild Goetz, Andreas Hapkemeyer, 

Karsten Löckemann, Letizia Ragaglia, Marion Piffer Damiani

German, Italian, English

2019. 128 pp., 180 ills.

softcover

24.00 x 32.00 cm

ISBN 978-3-7757-4522-2

With works by Carla Accardi, Vincenzo Agnetti, Giovanni Anselmo, Nanni Balestrini, Gianfranco Baruchello, Alighiero Boetti, Agostino Bonalumi, Luciano Caruso, Enrico Castellani, Giuseppe Chiari, Giorgio Ciam, Dadamaino, Giuseppe Desiato, Luciano Fabro, Lucio Fontana, Luigi Ghirri, Emilio Isgrò, Marcello Jori, Ketty La Rocca, Arrigo Lora- Totino, Piero Manzoni, Elio Mariani, Plinio Martelli, Stelio Maria Martini, Fabio Mauri, Maurizio Nannucci, Ugo Nespolo, Germano Olivotto, Giulio Paolini, Claudio Parmiggiani, Giuseppe Penone, Achille Perilli, Gianni Pettena, Michelangelo Pistoletto, Mimmo Rotella, Salvatore Scarpitta, Paolo Scheggi, Mario Schifano, Franco Vaccari, Emilio Villa, Michele Zaza

Curated by: Ingvild Goetz, Leo Lencsés, Karsten Löckemann, Letizia Ragaglia, Elena Re

A cooperation with the Museion in Bolzano and Neue Sammlung, München

SAMMLUNG GOETZ, MUNICH
Oberföhringer Strasse 103, 81925 Munich
www.sammlung-goetz.de

Rwandan Daughters. Photographs by Olaf Heine, Hatje Cantz, 2019

Rwandan Daughters. Photographs by Olaf Heine
Hatje Cantz, March 2019

Olaf Heine

Rwandan Daughters, 2019

Text(s) by Matthias Harder, Olaf Heine, Antje Stahl

English, 208 pp., 70 ills., hardcover, 24.80 x 33.50 cm

ISBN 978-3-7757-4547-5

© Olaf Heine

The twenty-fifth anniversary of the genocide in Rwanda takes place in April 2019. The ensuing trauma is still deep, dividing Rwandan society. Nearly a million people were victims of the genocide in 1994, and around 250,000 women were raped. Today, victims and perpetrators live next door to each other. For Rwandan Daughters, Olaf Heine has created portraits of these women and the children who were products of these crimes.

In his moving images, the photographer Olaf Heine (*1968) has portrayed mothers and daughters, side by side at the crime sites, from a respectful distance, with a straightforward perspective. Olaf Heine’s photos show us the courage, strength, hope, dignity, and optimism radiating from these women, despite the suffering they have endured.

© Olaf Heine

Besides a travelogue by the Berlin-based artist, this volume of photographs contains brief statements from the women about how they dealt with their experiences, as well as informative essays by the Neue Zürcher Zeitung editor Antje Stahl, the curator Matthias Harder, and the journalist Andrea Jeska. This photo-book project was produced in collaboration with ora Kinderhilfe, an organization that provides psychological and financial support for the victims in Rwanda. Hatje Cantz will donate a portion of the proceeds from this book to Rwandan mothers and daughters.

“Heine’s series of images brings this forgotten, collective human tragedy to the public eye, and he exemplifies it with very authentic, emotional, and individual portraits. We owe him our thanks for that,” says Matthias Harder, chief curator of the Helmut Newton Foundation, of Olaf Heine’s portraits.

© Olaf Heine

Although women in Rwanda have been steadily gaining influence in society ever since the genocide, the rape victims and their children are at the lower end of the social hierarchy. Many young women still manage to rescue their traumatized mothers and help them to free them from the stigma. The courage and optimism of these women in an authoritarian society scarred by trauma are exemplary.

Olaf Heine is a photographer and director. He studied photography and design at the Lette Verein in Berlin, and is mainly known for his portraits of artists, politicians, and athletes, such as Iggy Pop, Bret Easton Ellis, and T.C. Boyle.  

HATJE CANTZ
www.hatjecantz.de