Vik Muniz on Photography, Mind, and Matter - The Photography Workshop Series - Aperture, 2025 - A Workshop Experience in a Book

Vik Muniz on Photography, Mind, and Matter

The Photography Workshop Series

Aperture, 2025

Vik Muniz on Photography, Mind, and Matter

The Photography Workshop Series

Aperture, 2025

Format: Paperback / softback

Number of pages: 128

Number of images: 99

Publication date: 2025-08-12

Measurements: 7.5 x 10 x 7.5 inches

ISBN: 9781597114455

In Aperture’s newest volume of The Photography Workshop Series, Vik Muniz—known for his playful pictures that complicate what is understood as a photograph, sculpture, or painting—offers his insight into thinking creatively and seeing the familiar in new and surprising ways.

Aperture works with the world’s top photographers to distill their creative approaches, teachings, and insights on photography—offering the workshop experience in a book. The goal is to inspire photographers of all levels who wish to improve their work, as well as readers interested in deepening their understanding of the art of photography.

Through images and words, Vik Muniz—whose signature style appropriates and reinterprets iconic images—shares his creative practice and discusses a wide range of topics, from generating ideas and creating artworks that challenge viewers’ perceptions, to thinking through collaboration, imperfection, and the interplay of subject, scale, and material.

Vik Muniz on Photography, Mind, and Matter is published by Aperture and available at aperture.org/books.

Public programs planned in conjunction with the new publication include a book signing with the artist at Sikkema Malloy Jenkins in New York on September 6 at 1:00 p.m, and an artist talk at the School of Visual Arts, New York, on September 9 at 6:30 p.m. Details are posted at aperture.org/events.

Vik Muniz (born in São Paulo, 1961) is a prolific, internationally recognized artist, whose signature style appropriates and reinterprets iconic images of our time. His work is featured in major collections, including the Art Institute of Chicago; Museum of Contemporary Art, Los Angeles; J. Paul Getty Museum, Los Angeles; Metropolitan Museum of Art, New York; Museum of Modern Art, New York; Museu de Arte Moderna de São Paulo; and Victoria and Albert Museum, London. He has published many books, including the Aperture titles Reflex: A Vik Muniz Primer (2005) and Postcards from Nowhere (2020). Waste Land, a documentary about his work in the favelas and landfills around Rio de Janeiro, was nominated for an Academy Award in 2010.

Lucas Blalock is a Brooklyn-based photographer whose work is in the collections of the Dallas Museum of Art; Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Hammer Museum, Los Angeles; Metropolitan Museum of Art, New York; Museum of Fine Arts Boston; Portland Museum of Art, Maine; and the Whitney Museum of American Art, New York, among many others. His work has been featured in publications including Artforum, The New York Times, The New Yorker, Art in America, The Brooklyn Rail, BOMB Magazine, W Magazine, British Journal of Photography, and Time.

APERTURE

aperture.org

The Shape of a Circle in the Mind of a Fish, Edited by Lucia Pietroiusti and Filipa Ramos, Hatje Cantz + Serpentine

The Shape of a Circle in the Mind of a Fish

Edited by Lucia Pietroiusti and Filipa Ramos

Hatje Cantz + Serpentine

The Shape of a Circle in the Mind of a Fish

Edited by Lucia Pietroiusti and Filipa Ramos

Hatje Cantz + Serpentine

Serpentine announces the launch of The Shape of a Circle in the Mind of a Fish, a book edited by Lucia Pietroiusti, Head of Serpentine Ecologies and curator and lecturer at the Academy of Art and Design of Basel Filipa Ramos. The launch event of the publication, which includes 100 contributors across the arts and sciences, will take place in London at the Royal College of Art on 27th October 2025.

 

The Shape of a Circle in the Mind of a Fish is a publication that brings together interventions across the arts, the humanities and the sciences to investigate the history and cutting-edge of more-than-human theories, from animal, plant and fungal intelligence, consciousness and affect, machine sentience and interspecies communication. This publication is an important landmark in Serpentine’s long-term research project of the same name, begun in 2018 to inaugurate Serpentine’s General Ecology project.

 

The publication includes original conversations, essays, interviews, meditations, poems and artwork representations by 100 of the most celebrated environmental thinkers and creatives across disciplines – anthropologists, artists, biologists, ecologists, gardeners, musicians, philosophers, theologians and more, including Sophia Al-Maria, Ted Chiang, Emanuele Coccia, Peter Gabriel, Tim Ingold, Elizabeth A. Povinelli and Karrabing Film Collective, Maria Puig de la Bellacasa, Himali Singh Soin, Merlin Sheldrake, Superflex, Jenna Sutela, Anna L. Tsing, Chris Watson and many more.

 

The Shape of a Circle in the Mind of a Fish is arranged in five chapters. The first, titled Worlds, focuses on principles of symbiosis and coevolution, anthropological approaches to more-than-human beings; and radical reimaginings of the planet. The second, Beings, presents more-than-human beings as collaborators, co-thinkers, and interlocutors – from the sound of a forest stretching and shifting to the swarming messiness of the soil, through to the body language of animals. The third, entitled Grounds, hosts debates concerning more-than-human and planetary life within the social and political entanglements of anthropocentrism, and calls for more-than-human and environmental practices of justice. Odes, the fourth chapter, brings to the fore an understanding of mythology, storytelling, and meaning-making as planetary manifestations, tracing human/more-than-human relations across deep time. In Oracles, the book’s closing chapter, the spiritual realm and advanced technologies (human and non-human) meet at the porous and uncertain edges of planetary computation and complexity.

 

Publication launches are planned internationally throughout 2025, including at IMMA Dublin on 14th September and then a launch at the Royal College of Art, London, on October 27th 2025, which will feature a Serpentine Cinema programme as well as the presentation of Filipa Ramos’ latest monograph, The Artist as Ecologist (London: Lund Humphreys, October 2025), which discusses the ways in which contemporary artists embrace practices of environmentalism. The London event will include a lecture performance by Elizabeth A. Povinelli. The first launch of the publication took place at E-WERK Luckenwalde, Germany as part of the festival’s sixth iteration, subtitled Love and Lament, and presented by Schering Stiftung, Berlin.

 

Art Direction by Giles Round. Contributors: Andrew Adamatzky; Yussef Agbo-Ola/Olaniyi Studio; Sophia Al-Maria; Allora & Calzadilla; Saelia Aparicio; Chloe Aridjis; Heather Barnett; Antoine Bertin; Lynne Boddy; Elizabeth-Jane Burnett; Vivian Caccuri; Mariana Caló & Francisco Queimadela; Federico Campagna; Teresa Castro; Alex Cecchetti; Vint Cerf; Ted Chiang; Sean Cho A.; Nicola Clayton; Emanuele Coccia; Revital Cohen; & Tuur Van Balen; The Coven Intelligence Program; Marisol de la Cadena; Michela de Mattei; Onome Ekeh; Cru Encarnação; James Fairhead; Adham Faramawy; Simone Forti; Claire Filmon; Rosalind Fowler; Peter Gabriel; Elaine Gan; Jay Gao; Sabine Hauert; Daisy Hildyard; Amy Hollywood; Hylozoic/Desires (Himali Singh Soin & David Soin Tappeser); Tim Ingold; Derek Jarman; Alex Jordan; Karrabing Film Collective; Leah Kelly; Asim Khan; Kapwani Kiwanga; Dominique Knowles; Bettina Korek; Simone Kotva; Daisy Lafarge; Hannah Landecker; Yasmeen Lari; Long Litt Woon; Annea Lockwood; Thandi Loewenson; Miranda Lowe; Sophie Lunn-Rockliffe; Marcos Lutyens; Carlos Magdalena; Michael Marder; Alex McBratney; Natasha Myers; Nahum; Rasmus Nielsen/ SUPERFLEX; Hatis Noit; Hans Ulrich Obrist; Angelica Patterson; Lucia Pietroiusti; Elizabeth A. Povinelli; Maria Puig de la Bellacasa; Filipa Ramos; Asad Raza; Diana Reiss; Tabita Rezaire; Ben Rivers; Giles Round; Merlin Sheldrake; Kostas Stasinopoulos; Jenna Sutela; bones tan jones; Phoebe Tickell; Anaïs Tondeur & Germain Meulemans; Laurence Totelin; Anna L. Tsing; Oula A. Valkeapäa & Leena Valkeapäa; Sumayya Vally; Kim Walker; Chris Watson; Elvia Wilk; Rain Wu & Mariana Sanchez Salvador.

 

Published by Hatje Cantz, The Shape of a Circle in the Mind of a Fish is distributed worldwide as well as on Serpentine’s website.

The Shape of a Circle in the Mind of a Fish 

History of the programme

The Shape of a Circle in the Mind of a Fish began as a multi-year symposium, podcast and research project investigating consciousness and intelligence across species and beings and was launched in 2018 at the London Zoo. Since 2018, it has welcomed over 10,000 audience members and viewers and been a pioneer in environmental and ecological convenings.

 

2018 at the London Zoo: PART 1 LANGUAGE: On interspecies communications, with Ted Chiang, Vint Cerf, Peter Gabriel and more.

 

2018 at Ambika P3: we have never been one: On Gaia theory and micro-organisms, with Anna Lowenhaupt Tsing, Sophia Al-Maria and more.

 

2019 at EartH Hackney: with plants: on plant consciousness, plant intelligence and communication with the vegetal world, with Tabita Rezaire, Chris Watson and more.

2020 online: the understory of the understory: on land, earth, soil, fungi, with Elizabeth A. Povinelli and Merlin Sheldrake and more. This event marked the launch of Sheldrake’s landmark publication, Entangled Life.

 

2022, Galeria da Biodiversidade, Porto, Portugal: The Shape of a Circle in the Dream of a Fish: on dreams in the non-human world, with Alex Jordan, Onome Ekeh, Federico Campagna and more.

2025, E-WERK Luckenwalde/Schering Stiftung: The Shape of a Circle in the Mind of a Fish: Love and Lament: on grief and intimacy in a more-than-human world, with Aslak Aamot Helm, Antoine Bertin, Kapwani Kiwanga, Michael Ohl, Alejandra Pombo Su, Elizabeth Povinelli, Claudia Rankine, Asad Raza, Giles Round, Jenna Sutela, Jovana Maksic, Staci Bu Shea and Revital Cohen & Tuur Van Balen.

 

In addition, releases on Serpentine Podcast’s series: “On General Ecology” and collaborations with renowned environmental podcast Future Ecologies brought together some 60,000 listeners to dive deeper into the ideas and experimentations of the series.

About Serpentine Ecologies

Since 2014’s Extinction Marathon with artist Gustav Metzger, Serpentine has been at the forefront of environmental action and thought. Since the establishment of the General Ecology project in 2018,  the Ecologies initiatives nurture Serpentine’s ongoing engagement with ecology, climate breakdown, more-than-human consciousness, environmental justice and complexity in a changing world. Stretching across all of Serpentine’s activities, infrastructures and networks, Serpentine Ecologies takes a speculative and active stance towards embedding alternative narratives and deep ecological principles into the everyday. Ecologies’ initiatives manifested with projects such as Court for Intergenerational Climate Crimes: The British East India Company on Trial in April 2025, Back to Earth, (2020- 2022), Infinite Ecologies Marathon in 2023, and Daisy Ginsberg’s Pollinator Pathmaker in Kensington Gardens among many other projects. As part of Serpentine’s Back to Earth project, Serpentine and Penguin Press published 140 Artists’ Ideas for Planet Earth, a book inviting artists to re-think the climate emergency.

SERPENTINE GALLERIES

www.serpentinegalleries.org

Brahim Alaoui, Regard sur les artistes modernes et contemporains arabes - Éditions Skira

Brahim Alaoui

Regard sur les artistes modernes et contemporains arabes

Éditions Skira - Parution Novembre 2022

Brahim Alaoui

Regard sur les artistes modernes et contemporains arabes

© Éditions Skira 2022

Cinquante portraits d’artistes arabes modernes et contemporains, photographiés dans leurs ateliers ou lieux de vie, viennent composer un vaste panorama de l’art au Proche-Orient et en Afrique du Nord depuis la fin de la Seconde guerre mondiale à nos jours.

L’ouvrage présente une génération d’artistes modernes - dont Shakir Hassan Al-Saïd, Etel Adnan, Farid Belkahia, Abdellah Benanteur, Mounir Canaan, Inji Aflatoun, Paul Guiragossian, Saliba Douaihy, Adam Henein - souvent formés dans l’Europe d’après-guerre et qui, une fois de retour dans leurs pays, entamèrent une réflexion sur leur identité et élaborèrent leur propre modernité post-coloniale. L’ouvrage rend aussi compte d’une nouvelle génération au tournant du XXIe siècle – Ghada Amer, Kader Attia, Mounir Fatmi ou Youssef Nabil – qui s’est émancipée des voies classiques de la représentation, explore de nouveaux médiums, et s’impose sur la scène internationale de l’art contemporain. 

Dans cet ouvrage qui s’enrichit d’un important entretien avec la critique d’art Pascale Le Thorel qui a permis de contextualiser ses rencontres avec les différents artistes, l’historien de l’art et commissaire d’exposition Brahim Alaoui propose ainsi sa vision des évolutions et des voies nouvelles de l’art moderne et contemporain arabe depuis les débats de l’ère post-coloniale jusqu’à aujourd’hui où se mêlent utopies, tragédies, résistances et espérances. 

BRAHIM ALAOUI

D’abord chercheur au Musée d’art moderne de la Ville de Paris, Brahim Alaoui a ensuite été directeur du musée de l’Institut du monde arabe à Paris où il a organisé entre 1987 et 2007 de prestigieuses expositions. Il partage désormais sa vie entre des activités de conseil en ingénierie culturelle, d’édition et le commissariat d’exposition. 

Édition en français - Reliée – 16,5 x 24 cm -

376 pages - 250 illustrations - ISBN 978-2-37074-195-0 - 49 €

Livre de photographies de Kiki Xue, Potraits - Éditions Skira - Essai et entretien par Denise Wendel-Poray

Livre de photographies de Kiki Xue, Portraits

Éditions Skira - Parution Novembre 2022

Kiki Xue, Portraits

© Éditions Skira 2022

KIKI XUE est né en 1986 en Chine dans la province du Sichuan. Il vit et travaille à Paris. Alors étudiant en mathématiques, c’est par hasard qu’il s’est tourné vers la photographie en collectionnant les livres des « grands maîtres de la photo » avant d’apprendre les techniques de la photographie. Depuis 2010, il s’est imposé comme l’une des principales figures émergentes de la photographie de mode. Il a notamment remporté le prix PhotoVogue à Milan et collabore avec les magazines Vogue et L’Officiel en Italie, ainsi qu’avec Harper’s Bazaar en Chine.

« Je travaille comme un réalisateur de film : je pense mon script avant ma création. Mais je suis à la fois réalisateur et scénariste », explique Kiki Xue. Également peintre, Kiki Xue est très sensible à l’art de la Renaissance. « J’apprécie ses couleurs vives, ses effets de profondeurs et de jeu d’ombres, et les lumières de ces chefs-d’œuvre (…) J’expérimente d’ailleurs des combinaisons de couleurs en peinture, pour pouvoir un jour les utiliser en photographie ». 

Dans ses décors picturaux, ses modèles – souvent des femmes – évoluent, « sensibles, et pleins d’émotion ». Son art mêle noblesse et modernité dans une interrogation sur la beauté à travers ses multiples formes temporelles, culturelles et ethniques, ou à travers ses troubles, ce qui l’a amené, dans ses nouvelles séries, à s’extraire de la mode pour se diriger vers l'art contemporain. 

Ainsi, ses photographies révèlent-t-elle un travail de composition, de mise en scène et d’attention au détail. Loin de considérer la photographie de mode comme une pratique mineure, l’artiste y puise inspiration et stimulation pour créer en parallèle de véritables tirages d’art. Ses séries se concentrent autour du nu, du portrait et du costume traditionnel auxquels s’ajoutent un intérêt croissant pour les fleurs. 

Cet ouvrage, qui comprend un essai approfondi de Denise Wendel-Poray et un entretien entre l'autrice et l’artiste, se propose d’explorer la pratique de Kiki Xue dont la connaissance de l’art et de son histoire infuse l'œuvre. 

Édition trilingue en français, en anglais et en chinois - Reliée -

25 x 32 cm - 160 pages - 63 illustrations - ISBN 978-2-37074-197-4

Parution novembre 2022

Dessins bolonais du XVIe siècle dans les collections du Louvre @ Musée du Louvre, Paris

Dessins bolonais du XVIe siècle dans les collections du Louvre

Musée du Louvre, Paris

21 Septembre 2022 – 16 Janvier 2023

Cette exposition propose de découvrir l’évolution du dessin bolonais tout au long du XVIe siècle à  travers une sélection de quarante-quatre feuilles, en mettant en valeur des personnalités artistiques majeures aux côtés d’autres demeurant parfois encore dans l’ombre, mais ayant énormément dessiné. L’exposition accompagne la parution du tome XII de l’Inventaire général des dessins italiens, consacré à l’école bolonaise du XVIe siècle, comprenant des dessins exécutés par des artistes natifs de la ville de Bologne, ou bolonais d’adoption, actifs avant l’arrivée des Carrache.

Dans les toutes premières années du Cinquecento, dans les ateliers de Francesco Francia, Peregrino da Cesena, Marcantonio Raimondi ou Amico Aspertini s’affirme une nouvelle manière de dessiner, raffinée et élégante, qui pousse parfois jusqu’au fantasque. Les personnalités moins connues d’Innocenzo da Imola, Bagnacavallo, Biagio Pupini et Girolamo da Treviso, actifs entre 1515 et 1550 environ, imprégnées de culture classique et raphaélesque, contribuent progressivement à la création d’un style nouveau, caractérisé par des effets d’ombre et de lumière particulièrement intenses, qui ouvrent la voie à la manière moderne.

Vers le milieu du siècle, Pellegrino Tibaldi importe à Bologne, depuis Rome, un nouveau langage monumental inspiré de Michel-Ange et dont le raffinement calligraphique doit beaucoup à Perino del Vaga.

 

Puis, dans la seconde moitié du XVIe siècle, Prospero Fontana, Lorenzo Sabatini ou Orazio Sammachini, après s’être distingués dans plusieurs décors palatiaux, exportent leur style dans toute l’Emilie, puis, lorsqu’ils furent appelés au service du pape bolonais Grégoire XIII, à Rome et ses alentours.

Dans ces mêmes années, avec ses dessins de facture soignée, mais énergique, Bartolomeo Passerotti, l’artiste le plus puissant de l’école bolonaise, impose son nouveau regard analytique du naturel, prémices du langage artistique de la génération suivante.

 

Commissariat : Roberta Serra, ingénieur d’études au département des Arts graphiques, musée du Louvre.

Inventaire général des dessins italiens, Tome XII

Dessins bolonais du XVIe siècle dans les collections du Louvre

Catalogue de l’exposition 

Sous la direction de Roberta Serra, musée du Louvre

Coédition musée du Louvre éditions / Silvana Editoriale

400 p., environ 600 ill., 95 €

MUSÉE DU LOUVRE

Rue de Rivoli, 75001 Paris

www.louvre.fr

Monographie de L'Atlas, Editions Skira - Par Paul Ardenne et David Rosenberg

Monographie de L'Atlas

Éditions Skira - Parution Octobre 2022

Couverture L'Atlas 

© Éditions Skira 2022

Figure majeure du street art français, Jules Dedet Granel, dit L’Atlas, né en 1978, trouve par ses recherches autour de l’écriture le point de départ de son travail plastique et pictural. Ayant étudié la calligraphie dans plusieurs pays arabes, il crée ses propres typographies originales. Il est particulièrement animé par l’idée de créer un langage pictural universel, qui soit un juste équilibre entre la forme et la lettre, entre l’acte et l’intention. Ses œuvres prennent pour point de départ la signature de l’artiste – L’Atlas, qu’il décline de mille manières.

Cette monographie avec les essais de Paul Ardenne et David Rosenberg présente les variations infinies du langage codifié de l'artiste, entre art optique, abstraction, street art, pop art et minimalisme, depuis les années 1990 où il s’est fait connaitre par ses interventions radicales dans l’espace public et les années 2000 depuis lesquelles il développe un travail en atelier et expose ses œuvres dans des galeries d’art urbain contemporain.

L’Atlas présente la particularité de rechercher et de renouveler systématiquement son approche et son expression de la lettre et de la ligne, du rythme codifié de l’écriture, cherchant la frontière de l’illisible, et menant méthodiquement son œuvre vers l’abstraction et le minimalisme ; il considère toute forme comme une lettre et toute lettre comme une forme, ce qui l'a conduit à travailler récemment avec des urbanistes pour donner une troisième dimension à son art et réinvestir l’espace public d'une autre manière redonnant ainsi un sens à la dimension architecturale de son travail.

Auteurs

Paul Ardenne est historien de l'art, commissaire d'exposition et écrivain. Il enseigne l'histoire de l'art contemporain à l'Université d'Amiens. 

David Rosenberg est commissaire d'exposition. Il collabore régulièrement avec différents musées, fondations et galeries à travers le monde. Il est l'auteur de nombreux ouvrages consacrés à l’art moderne et contemporain. 

Édition bilingue en français et en anglais - Reliée - 23 x 29 cm -

208 pages - 130 illustrations - ISBN 978-2-37074-185-1 - 39 €

Signature à la Galerie Perahia le 15 octobre 2022 de 17h00 à 22h00 

24 rue Dauphine, 75006 Paris

The Marvel Comics Library - Taschen and Marvel Collaboration - Inaugural volume: Spider-Man. Vol. 1. 1962–1964

The Marvel Comics Library

Spider-Man. Vol. 1, 1962–1964

Taschen, 2021

The Marvel Comics Library

Spider-Man. Vol. 1, 1962–1964

© 2021 MARVEL / TASCHEN

‘The Marvel Comics Library’, an exclusive, long-term collaboration between TASCHEN and Marvel, was announced yesterday. Over the next decade, Marvel’s rarest classic comics, including Spider-Man, Avengers and Captain America will be reproduced in their original glory, in extra-large format. The library offers collectors a once-in-a-lifetime opportunity to lay their hands on the world’s most desirable comics.

The inaugural volume of ‘The Marvel Comics Library’, Spider-Man. Vol. 1. 1962–1964, features the first 21 stories of everybody’s favorite web slinger, meticulously honoring the original vision of Spider-Man creators Stan Lee and Steve Ditko. An in-depth historical essay by Marvel editor Ralph Macchio, an introduction by uber-collector David Mandel, original art boards, rare photographs, and other neverbefore-seen gems make this book the ultimate tribute to the teen who redefined what it meant to be a hero, right ahead of Spider-Man’s 60th birthday.

The Marvel Comics Library

Spider-Man. Vol. 1, 1962–1964

© 2021 MARVEL / TASCHEN

TASCHEN’s extra-large format, close in size to the original artworks, reveal startling new details in the work of Marvel’s most acclaimed artists. For each title in the series, the most pristine pedigreed comics have been cracked open for reproduction in close collaboration with Marvel and the Certified Guaranty Company. Rather than recolor the original production artwork (as has been done in previous decades’ reprints of classic comics), TASCHEN has attempted to create an ideal representation of these books as they were produced at the time of publication. Beginning with high grade, top-quality comics sourced with the assistance of the CGC, super-high-resolution photographs of each page were made as printed more than half a century ago, using modern retouching techniques to correct problems with the era’s inexpensive, imperfect printing. This included improved and balanced ink densities and color matching, proper registration of the four-color printing and correction of thick/thin lines resulting from the flexible plates “smudging.” The end result is a finished product — as if hot off a world-class printing press produced without economic or time-pressure constraints – tailored for readers, fans, artists and collectors alike.

Each volume features an essay by a comic book historian alongside hundreds of photos and artifacts. The books use three different paper stocks, including an uncoated and woodfree paper exclusively developed for this series that simulates the feel of the original comics.

The Marvel Comics Library

Spider-Man. Vol. 1, 1962–1964

© 2021 MARVEL / TASCHEN

The first 5,000 copies of Spider-Man. Vol. 1 is numbered and released as a ‘Famous First Edition’. The book is also available as a Collector’s Edition, limited to 1,000 copies featuring an aluminum print cover tipped into a leatherette-bound spine, foil embossing, and housed in a slipcase. Each book is individually numbered. The inaugural purchase of the Collector’s Edition entitles the collector to preemptively secure the same identical edition number for all forthcoming Collector’s Edition titles in ‘The Marvel Comic Library’.

The next titles in ‘The Marvel Comics Library’ series will be Avengers. Vol. 1. 1963–1965, Fantastic Four. Vol. 1. 1961–1963 and Captain America, all scheduled for release in 2022 and 2023.

TASCHEN

www.taschen.com

Hahaha L'humour de l'art - Catalogue d'exposition - Skira

Hahaha

L'humour de l'art

Catalogue de l’exposition à l’ING ART CENTER, Bruxelles

SKIRA, 2021

Venant accompagner l’exposition Hahaha. L'Humour de l'Art (15 septembre 2021 - 16 janvier 2022) une collaboration entre Kanal-Centre Pompidou, le Centre Pompidou et ING Belgique, ce catalogue met en lumière la place centrale de l’humour dans l’art moderne et contemporain qui, depuis le célèbre urinoir Fontaine (1917) de Marcel Duchamp, a révolutionné notre regard sur l’art. Une plaisanterie qui n’a pas été sans conséquence, l’humour s’étant dès lors vu attribuer un rôle définitif au royaume de l’esthétique débouchant sur un profond bouleversement dans la création qui sera à l’origine de la transition entre art moderne et art contemporain.

Caricatures, jeux de mots, oeuvres-jouets, canulars, parodies, dérision, artistes-bouffons, cet ouvrage reprend et approfondit les différents thèmes développés par l’exposition et en explore les origines et prolongements : depuis les caricatures d’Honoré Daumier aux ready-mades de Duchamp, depuis les jeux de mots Dada aux publicités de Jeff Koons. Prolongeant cette exploration de la place de l’humour en art jusqu’aux oeuvres de John Baldessari et de Marcel Broodthaers, il met aussi en lumière la façon dont l’humour reste un outil puissant pour l’art en vue d’émettre sa propre critique.

Hahaha. L’humour de l’art s’enrichit d’un essai par le commissaire d’exposition Nicolas Liucci-Goutnikov en vue d’introduire le sujet, une anthologie de textes philosophiques et historiques — de Pascal à Montaigne, de Baudelaire à Nietzche — remettant en perspective l’humour comme outil de critique, des citations humoristiques d’artistes et écrivains Dada et surréalistes ponctuent l’ouvrage.

Nicolas Liucci-Goutnikov est conservateur au Centre Pompidou, Musée national d'art moderne, commissaire d'exposition (Rouge, Grand Palais 2018, Prix Marcel Duchamp, Centre Pompidou, 2019, entre autres).

Un livre à rire.

Edité par SKIRA - Edition bilingue français-flamand avec un cahier de textes en anglais - couverture brochée 23 x 31 cm - 208 pages - 150 illustrations - ISBN 978-2-37074-151-6 - 39 €

Sandro Miller, Crowns, Skira - Mes Cheveux - Mon Ame - Ma Liberté

Sandro Miller

CROWNS

Mes cheveux - Mon âme - Ma libeté

SKIRA, 2021

Sandro Miller (né en 1958) est un photographe américain d’origine italienne et allemande connu – sous le nom professionnel de « Sandro » – pour ses images expressives, son étroite collaboration avec l'acteur John Malkovich et les autres membres de la Steppenwolf Theatre Company de Chicago.

Avec une préface d’Angela Bassett, actrice, productrice et réalisatrice américaine, et un texte d’introduction de la poétesse et dramaturge américaine Patricia Smith, cet opus vise à rendre hommage, par le biais d’une série de portraits, au pouvoir inventif et à la beauté des femmes noires tout en célébrant leur résilience sociale et leur mémoire culturelle.

Son épouse, l’artiste multimédia américaine aux origines haïtienne et dominicaine Claude-Aline Nazaire (née en 1972), a été l’inspiration première et la source des recherches du photographe pour ce projet axé sur la réalité à la fois créative, fière et personnelle, qu’induit la tradition et l'héritage noirs.

Sandro Miller met ainsi en lumière l’art corporel et les nombreuses façons, explicites ou tacites, par lesquelles les femmes noires affirment leur liberté en sculptant leurs cheveux.

Un très beau livre.

Edité par SKIRA - Edition en français - couverture rigide avec étui - 30,5 cm x 35,10 cm - 168 pages - 140 images en couleur - ISBN 978-2-37074-166-0 - 65 €

Picasso-Rodin @ Musées Rodin & Picasso, Paris

Picasso-Rodin 

Musée Rodin, Paris 

Musée national Picasso-Paris 

Jusqu'au 2 janvier 2022 

Pour la première fois, le Musée Rodin et le Musée national Picasso-Paris s’unissent afin de présenter l’exposition-événement « Picasso-Rodin ». Ce partenariat exceptionnel entre deux grands musées monographiques offre un regard inédit sur ces artistes de génie qui ont ouvert la voie à la modernité dans l’art. Leurs chefs-d’oeuvre sont présentés simultanément au sein des deux monuments historiques qui abritent ces musées nationaux.

L’exposition invite à une relecture croisée des oeuvres de Auguste Rodin (1840-1917) et Pablo Picasso (1881-1973), ces deux grands artistes ayant durablement bouleversé les pratiques artistiques de leur temps pour les générations à venir. Il ne s’agit pas de montrer ce que Picasso a emprunté à Rodin, mais plutôt d’examiner les convergences signifiantes qui apparaissent entre l’œuvre de Rodin et plusieurs périodes de la production de Picasso. Cette relecture croisée de leurs oeuvres se décline en différents chapitres sur les deux lieux, au Musée Rodin d’une part à travers la crise de la représentation du début du XXe siècle, et au Musée Picasso d’autre part dans les processus créatifs mis en oeuvre par les deux artistes. A des époques et dans des contextes différents, Rodin et Picasso participent à une articulation décisive de l’histoire et sans doute est-ce là une des clés de leurs similitudes. A leur façon, ils inventent un nouveau mode de représentation, expressionniste chez Rodin, cubiste chez Picasso.

Pour Rodin, comme pour Picasso, l’atelier est un espace privilégié d’expérimentation sur les formes et les matériaux. Travail en série, fragmentation, assemblage, détournement sont autant d’approches singulières et novatrices. Le travail de l’artiste en perpétuel mouvement, explore un motif en constante métamorphose.

A travers un dialogue systématique, cette exposition riche de plus de 500 œuvres, peintures, sculptures, céramiques, dessins, documents d’archives, photographies invite le visiteur à une relecture inédite de leur parcours artistique foisonnant et innovant.

Catalogue avec les éditions Gallimard, 240 x 320 mm, relié, 424 pages, 490 illustrations, 45 €

Picasso Rodin

Édition publiée sous la direction de 

Catherine Chevillot, Véronique Mattiussi 

et Virginie Perdrisot-Cassan

Livres d'Art, Gallimard, 2021

Commissariat :

Catherine Chevillot, Conservateur général du patrimoine, Directrice du Musée Rodin

Virginie Perdrisot-Cassan, Conservateur du patrimoine, responsable des sculptures, des céramiques et du mobilier Giacometti, Musée national Picasso-Paris

Véronique Mattiussi, Cheffe du service de la recherche et responsable scientifique du fonds historique, Musée Rodin

Musée national Picasso-Paris

5 rue de Thorigny, 75003 Paris

museepicassoparis.fr

Musée Rodin

77 rue de Varenne, 75007 Paris

musee-rodin.fr

Diane Hervé-Gruyer, L'art et la manière. Guide pratique sur les décors peints en trompe-l'oeil, Skira

Diane Hervé-Gruyer 

L'art et la manière 

Guide pratique sur les décors peints en trompe-l'oeil 

© Skira, mai 2021 

Édition en français au format 16,5 x 24 cm - couverture brochée 

144 pages - 200 illustrations - ISBN 978-2-37074-156-1 - 25 € 

En 144 pages et 200 illustrations explicatives, ce guide pratique vise à faire connaitre tous les secrets et les techniques de l’art du trompe-l’œil, que ce soit pour un usage de décoration domestique ou à des fins artistiques.

Depuis l’Antiquité - Pline l’Ancien ne rapporte-t-il pas l’anecdote selon laquelle Zeuxis avait peint des raisins si réalistes que des oiseaux, trompés par leur exécution parfaite, s'étaient précipités contre le tableau - le trompe-l’œil fascine aussi bien les artistes que leurs admirateurs.

Art de l’illusion, le trompe-l’œil investit le lieu pour lequel il est créé. Il imite les matériaux, donne l’illusion de la perspective, rafraîchit par la magie des patines meubles et objets. C’est un art difficile et minutieux d’une grande technicité. 

Destiné tant aux débutants qu’aux professionnels, cet ouvrage en explique, étape par étape, tous les secrets et savoir-faire.

DIANE HERVÉ-GRUYER est historienne de l'art et artiste peintre de trompe-l’œil, diplomée de la Sorbonne et de l’Institut Supérieur de Peinture Décorative de Paris. Passionnée, elle a mis au point différentes techniques.

303 Gallery: 35 Years - Anniversary publication & exhibition

303 Gallery: 35 Years
Anniversary publication & exhibition celebrating 35 years of 303 Gallery, New York
July 18 - August 16, 2019

303 Gallery: 35 Years

© and courtesy 303 Gallery, New York

303 Gallery: 35 Years is a new hardcover publication chronicling the story of the gallery from its founding in 1984 through its history creating and mirroring developments in the New York and international art worlds, forming a portrait of the gallery as it stands in the present day. Edited by Kurt Brondo, designed by Common Name, and published by 303inPrint under the direction of Fabiola Alondra, the limited edition 448-page book is a culmination of years of research, collation, and unearthing of the gallery's archives in an attempt to construct a complete history. Documentation of early group shows, guest curatorial projects and provocations illustrate the collaborative nature of the program, where now-seminal artists, curators, gallerists, and writers exchanged ideas and roles in New York's fertile '80s heyday. It was a time where it would not be unusual for 303 Gallery's neighbor (American Fine Arts) to share a solo exhibition by an artist under a pseudonym (Richard Prince / John Dogg), or where 303 Gallery would host a group show for a like-minded but entirely separate gallery under both of their names (AC Project Room at 303 Gallery).

Texts from artists including Richard Prince, Collier Schorr, Karen Kilimnik, Kim Gordon, Mary Heilmann, Sue Williams, Rodney Graham, Doug Aitken, Nick Mauss and Alicja Kwade, among other important contributions, offer intimate and historically significant accounts of how 303 Gallery began, how it has progressed, and what it has meant to them.

A group exhibition of the same title accompanies the publication, with a selection of ephemera featured in the book alongside works that draw from the gallery's rich history and current program. Iconic works foregrounding the long relationships of many artists continuing to show with the gallery are exhibited here in conversation with recent works by artists who are newer additions to the roster. The show speaks to the continual evolution of the program over the years, creating a picture of what 303 Gallery has been, what it currently represents, and where it is headed.

ARTISTS IN THE EXHIBITION

Doug Aitken
Valentin Carron
Sam Falls
Hans-Peter Feldmann
Ceal Floyer
Karel Funk
Tim Gardner
Dominique Gonzalez-Foerster
Kim Gordon
Rodney Graham
Mary Heilmann
Jeppe Hein
Larry Johnson
Matt Johnson
Jacob Kassay
Karen Kilimnik
Alicja Kwade
Elad Lassry
Tala Madani
Florian Maier-Aichen
Nick Mauss
Mike Nelson
Kristin Oppenheim
Marina Pinsky
Richard Prince
Eva Rothschild
Collier Schorr
Stephen Shore
Sue Williams
Jane and Louise Wilson

303 GALLERY
555 W 21st Street, New York, NY 10011
www.303gallery.com

Miguel Rio Branco: Maldicidade @ Galeria Luisa Strina, Sao Paulo + Book Published by Taschen

Miguel Rio Branco: Maldicidade
Solo show & launch of a book published by TASCHEN
Galeria Luisa Strina, Sao Paulo
June 5 - July 27, 2019

“As a constellation of blatant urbanity entropy in cities distributed on varied latitudes and longitudes, even though the eye-conciousness does not resist looking for clues to which cities and countries the portrayed spaces were produced in, it is important that, in the face of Maldicidade, the moment in which the eye-skin assumes the impossibility of the task and realizes that the city is only one, after all: about what great cities, if its recent history and territorial extension are taken into consideration, could it be said that it does not know these images? 

(…) ‘Murió El Cuerpo’, says the headline on the newspaper held by a boy leaning against the side of a precarious settlement. It is difficult to understand who the original headline was referring to, but in this context, it is the body of the so-called Western civilization which, having achieved unprecedented scale and power in the planet’s history, caves in crushed under the very weight of the ideals it has nurtured”, curator Paulo Miyada writes in an unpublished essay, on the occasion of Miguel Rio Branco’s solo show  in Oi Futuro, Rio de Janeiro, in 2017.

Maldicidade, a work in progress by Miguel Rio Branco, only existed until now in photobook format, published by CosacNaify in 2014, and as stand-alone works or sets of photographs in narrative (polyptych) made during the artist’s stay in different cities where his international career took him to. Firstly, as a diplomat´s child, beginning with painting, until the end of the 1960s, later as a photography director in Brazilian film documentaries and then as a correspondent of the Magnum agency in the 1980s. Finally, as a multidisciplinary artist, he exhibited in institutions such as The Art Institute of Boston; Photo Forum, Frankfurt; Aperture’s Burden Gallery, NY; Maison Européenne de La Photographie, Paris; Rencontres d’Arles; Museum of Contemporary Art of Tokyo; Casa América, Madrid; Kulturhuset, Stockholm; and MASP; besides being one of the artists honored with a pavilion at the Inhotim Institute. In June 2019, Luisa Strina Gallery presents Maldicidade, a solo exhibition, showing about 20 works. At the opening, the artist launches a so titled book, in a new edition, by Taschen.

MIGUEL RIO BRANCO, Maldicidade 

with texts by Paulo Herkenhoff

Hardcover, 24.5 x 33 cm, 464 pages

Availability: June 2019

Published by TASCHEN: www.taschen.com

Photo © Miguel Rio Branco, Courtesy TASCHEN

Although there are new developments in the Maldicidade series, the text by Paulo Miyada continues to be current and precise. The city is one. All the works selected by Miguel Rio Branco for the solo show in the gallery picture the pulsating metropolis, between exuberance and misery, vibrant colors and nocturnal vapors, poetic abstractions and honest denouncements. About what big city could it be said that these contrasts are not known? Merging photos published in 2014 with new ones, which are only be revealed in the Taschen’s book and in the exhibition, the artist does not consider it relevant to think the image on these terms – “new”, “unpublished” etc. – because, according to him, “what the unprecedented amounts to is the construction and the intention”, that is, the edition of a book or a group of photographs to be enlarged, the sequence in which the images are presented, the context in which each snapshot is placed in relation to others – by approach or repulsion -, formal, narrative, color and so on, it always creates an unprecedented experience.

“The Taschen version has a new dynamic, possibly a little less melancholy, but placing importance, in addition to the construction, to the complete reading of each image. We see the details otherwise not perceivable in the small format. It ends up becoming a different book. A bit like some jazzy musical performances. As my work was being shown at the Magnum gallery in Paris (1985), it was critically defined by the photographer Denis Stock as if I had tried to create music with photographs: perhaps the greatest praise they have ever been given”, says Miguel Rio Branco about the book.

Since 1977, with “Strangler in a strangled land” and also the exhibition Negativo Sujo (1978), coming from painting and cinema, the artist has begun to create poetic narratives with assemblages made with groups of photographs; already then at that moment, the idea of a single photo, “a decisive moment”, has not been enough for him; the field of the image, according to him, needed a visual narrative context. “A set of pieces can reach a final format in the dialogue among them, just as others, by individual force, do not need or cannot be in sets, they are fully complete individually. The cement that unites them in different constructions is what creates the rhythm and the concepts that complete the works, even provisionally”, he explains.

Following this logic, at the exhibition Maldicidade, the visitor is faced, for example, with the Black and Rose with Flag diptych, a nearly perfect meeting between geometric patterns – one in an inside environment, another one caught on the street – where both depict an element in a state of suspension, the “punctum” of both, to connect with Roland Barthes, that unites them, or that cements, although provisionally, the construction of the diptych. Near this set of pictures, however, the spectator can contemplate Blue and Red Shoes, shown as a single piece in all its narrative force, without the need of another image to complement it, even though, in the most recent edition of the São Paulo Biennial, the same work was seen in a polyptych, entitled Geometry of Desire.

“My work is like a tide of images that can take different directions, as in a sea of images that create poetic discourses that often unravel their documentary capacity, generating more meaning. They create rhythms and meaning that obliterate a simple proposal of reality. ”

After Negativo Sujo, Miguel Rio Branco showed, at the 1983 São Paulo Biennial, an audiovisual piece called Dialogues with Amaú, composed of five translucent screens on which a sequence of images of a deaf-mute kayapó boy was projected in connection to other images of his life and images of the white civilization that surrounded his village. “The connections had a rhythm of their own, but they generated random, but significant relationships in the images choice; the work falls in the area defined by Hélio Oiticica as Almost Cinema”, tells us the artist. This work is permanently exhibited in the pavilion dedicated to the work of Miguel Rio Branco in Inhotim, and is considered one of the most iconic works of expanded photography by a Brazilian artist.

Still on the subject of the book and its relation with great cities, Miguel Rio Branco alleges that “the changes were provoked specially by issues related to the new size and by the city that attracts me, clearly not all, even less by ours that become more and more precarious structurally, but MALDICIDADE came from a mixture of the French expression. ‘mal d’amour’, love pain, and a damned city: sometimes I feel revulsion and, sometimes, attraction. But, I still think cities are on an irreversible path to terror after they reach a certain size, after an exaggeration made of millions of people. I do not think large concentrations of people are healthy; today, they seem to me a great attraction to disaster”.

MIGUEL RIO BRANCO

Born in 1946, Las Palmas de Gran Canaria, Spain, Miguel Rio Branco lives and works in Araras, Rio de Janeiro, Brazil. Graduated in the New York Institute of Photography and at the Superior School of Industrial Design, Rio de Janeiro, he began to show photographs and films in 1972, developing a documentary work with a strong poetic load. In the 1980s, he was acclaimed internationally for his films and photographs in the form of prizes, publications and exhibitions, such as the Grand Prize of the First Triennial of Photography of the Museum of Modern Art, São Paulo, and the prize Kodak de la Critique Photographique, 1982, in France.

Recent solo shows include: Nada levarei qundo morrer, MASP – Museu de Arte de São Paulo (2017); Wishful Thinking, Oi Futuro, Rio de Janeiro (2017); From Tokyo to Out of Nowhere, Galeria Filomena Soares, Portugal (2016); New York Sketches, Magnum Photo Gallery, Paris (2016); and Color Theory, Pinacoteca de São Paulo (2014).

Recent group shows include: Southern Geometries, from Mexico to Patagonia, Fondation Cartier pour l’art contemporain, Paris (2018); 33th São Paulo Biennial (2018); Door into Darkness, Galerija Kula, Institute Haru – Milesi Palace and The Institute for Scientific and Artistic Work, Croatian Academy of Sciences and Arts, Split, Crotia (2018); 11th Mercosur Biennial, Porto Alegre (2018).

The artist has works in the collection of important institutions such as Museum of Modern Art Rio de Janeiro; Museum of Modern Art São Paulo; MASP – Museum of Art of São Paulo; George Pompidou Center, Paris; San Francisco Museum of Modern Art; Stedelijk Museum, Amsterdam; Museum of Photographic Arts of San Diego; and Metropolitan Museum, New York.

GALERIA LUISA STRINA 
Rua Padre João Manuel 755
Cerqueira César 01411-001
São Paulo SP Brazil
www.galerialuisastrina.com.br

Martha H. Kennedy, Drawn to Purpose: American Women Illustrators and Cartoonists, 2018

Drawn to Purpose: American Women Illustrators and Cartoonists
University Press of Mississippi in association with the Library of Congress
March 2018

Martha H. Kennedy
Drawn to Purpose: American Women Illustrators and Cartoonists
Foreword by Carla Hayden
Published by University Press of Mississippi 
in association with the Library of Congress
Book cover courtesy of the Library of Congress

A new book presents a survey of the often-neglected artistic achievements of women in cartooning and illustration, featuring more than 250 color illustrations, comic strips and political cartoons, including original art from the collections of the Library of Congress. In “Drawn to Purpose: American Women Illustrators and Cartoonists,” Martha H. Kennedy, curator of popular and applied graphic art, presents a comprehensive look at the trailblazing artists whose work was long overlooked in the male-dominated field from the late 19th century into the 21st century.

“Drawn to Purpose” was published in March 2018 by University Press of Mississippi in association with the Library of Congress. It is the first overarching survey of these art forms by women in the Library’s collection. The book accompanies the Library’s exhibition “Drawn to Purpose” featuring original works by women cartoonists and illustrators.

“‘Drawn to Purpose’ brings together a remarkable sampling of book illustrations, posters, industrial design, courtroom sketches, comic strips, political cartoons and art for magazines and newspapers produced by women over a 150-year span,” Librarian of Congress Carla Hayden wrote in the forward for the book. “As a kid who read everything, I pored over the illustrations just as much as the accompanying words. Images can make reading more meaningful and more memorable.”

In 1915, portrait painter Cecelia Beaux predicted it would be at least 1,000 years before the term “women in art” would sound as strange as the term “men in art.” Indeed, Martha H. Kennedy’s book tracks the incremental progress and societal pressures that kept all but the most resilient women from advancing in the arts. It’s also a story of women artists who were moved by their creative drive, by commerce or by necessity to create art that fulfills a purpose.

Celebrated artists and works featured in the book and exhibition include New Yorker cartoonist Roz Chast, Lynn Johnston’s comic strip “For Better or For Worse,” innovative artists including Lynda Barry and Hilary Price, those who broke barriers of race or sexual orientation to become voices for underrepresented communities including Barbara Brandon-Croft and Alison Bechdel, and rising stars such as Jillian Tamaki.

The book explores several themes and artistic platforms: 

- The Golden Age of Illustration

- Early Cartoonists

- New Voices and New Narratives in Comics

- Illustrations for Industry 

- Editorial Illustrators

- Magazine Covers 

- Cartoons, and Political Cartoonists and Caricaturists.

LIBRARY OF CONGRESS SHOP
10 First Street S.E., Washington DC
www.loc.gov/visit/shopping/

Rmn-Grand Palais : Collection littéraire Cartels

Art & Littérature
Rmn-Grand Palais : Nouvelle Collection littéraire Cartels

La Rmn-Grand Palais propose, depuis fin septembre 2017, pour la première fois de son histoire éditoriale une collection de littérature: Cartels qui propose des rencontres inédites entre des grands auteurs de fiction du XXIème siècle et des artistes majeurs de l’histoire de la peinture.

Cartels. Dans un musée, placé sur le mur tout près d'une œuvre d'art, un cartel vient dire qui a peint, sculpté, fait naître cette œuvre d'art. Ses dimensions, aussi, sa provenance, sa matière... Un cartel explique. La collection "Cartels", elle, fait davantage qu'expliquer : elle donne à vivre l'œuvre d'art, sa genèse, l'univers dans lequel elle prend sa source, les histoires qu'elle porte ou suscite, grâce au regard d'un écrivain. Confrontée à ce regard, jamais innocent, toujours étonnant elle se livre ou résiste, défie son imaginaire ou se laisse porter par lui, ses obsessions, ses rêveries, donne matière à fiction. Cartels, ou quand les mots des écrivains se mettent à l'œuvre.

Nouvelle collection dans le paysage littéraire, Cartels offre la rencontre entre deux artistes de grande envergure, un écrivain reconnu et un peintre majeur.

La collection commence avec Philippe Forest (Rubens) et Zoé Valdés (Gauguin).

Dans Cartels les pages de gardes sont utilisées pour déployer les œuvres auxquelles le texte fait écho. Le brillant du papier comme la mise en page reprennent les codes des éditions d’art, et mettent en abîme le travail de l’artiste, au sein même de cet ouvrage littéraire.

Editions Rmn-Grand Palais, Paris 2017, en vente dans toutes les librairies.

Rmn - Grand Palais

www.grandpalais.fr

Jean-Pierrre Laffont, Le Paradis d’un Photographe. Tumultueuse Amérique 1960-1990

Jean-Pierrre Laffont, Le Paradis d’un Photographe. Tumultueuse Amérique 1960-1990

JEAN-PIERRE LAFFONT, Le Paradis d'un Photographe 

Publié par Glitterati Incorporated, New-York 

Sortie Automne 2014 

Reliure Cartonnée, 25 x 34 cm, 392 pages, 359 photos noir et blanc et couleur

Photojournaliste: une profession qui sent l'aventure. Animé par le désir d'être témoin de son temps, le photographe JEAN-PIERRE LAFFONT est parti à la découverte du monde en toute liberté. Couvrir l'actualité, raconter des histoires, voilà ce qu'il veut faire. Une liberté qui va lui permettre de documenter sans censure les maux de la société américaine. Dans aucun autre pays Laffont aurait pu photographier les événements si controversés de cette époque. Pour Jean-Pierre Laffont, l'Amérique était et continue d'être "Le Paradis d'un Photographe".

Libre, passionné, persévérant, curieux de tout, constamment en quête d'histoires, Jean-Pierre Laffont va tout photographier: les crises, les faits divers, la politique à la Maison-Blanche et aux Nations Unies. Jean-Pierre aime travailler seul, il fait ses propres itinéraires, choisit ses histoires, construit ses reportages, prend ses rendez-vous, avance ses frais, développe ses films, édite ses photos, écrit ses textes.

Il n'aime pas travailler en commande et travaille en spéculation. Les besoins du marché n'entrent jamais dans ses décisions de couvrir telle ou telle histoire et l'aspect financier ne l'intéresse pas.

Jean-Pierre Laffont, Bronx, New York City / été 1966 

Les voitures abandonnées deviennent le terrain de jeux des enfants en attendant que la fourrière passe ramasser l’épave, ce qui peut prendre des semaines. 

Jean-Pierre Laffont, Bronx, New York City, New York / 20 juillet 1972

A tous les coins de rue, il y a des espaces de jeux grillagés avec des panneaux de basket-ball. Le gang Savage Skulls adore grimper au grillage et réincarner les héros du film West Side Story. Les jeunes membres du gang sont d’origine portoricaine et, comme dans tous les gangs, aiment être en groupe pour se sentir forts.

Motivé par une curiosité insatiable, Jean-Pierre Laffont a parcouru tous les Etats-Unis pour documenter un large éventail de la société américaine. Il saisit l'Amérique dans sa période la plus turbulente faite de moments charnière qui peuvent sembler évidents à nos yeux aujourd'hui, mais qui furent des moments importants de notre histoire. Du gang des Savages Skulls dans le Bronx, à la chaise électrique de Sing Sing, des funérailles de Robert F. Kennedy aux protestations de l'Université de Kent State, ou encore des V.I.Ps à la sortie du match Ali contre Frazier au Madison Square jusqu'au KKK chez lui, Jean-Pierre Laffont est en même temps à l'avant et au centre de l'histoire au moment où elle se déroule.

Jean-Pierre Laffont voyait les Etats-Unis comme le paradis des photojournalistes. Reporter ou artiste ? Comme beaucoup de photographes de cette génération, Il ne se prenait pas pour un artiste et pourtant, comme un artiste, il a suivi son inspiration. Plus sensible au contenu qu'à la forme, il développe son propre style, puissant et cru.

“Jean-Pierre Laffont, photojournaliste reconnu depuis longtemps, nous donne une revue kaléidoscopique de ce qui s’est passé en Amérique entre 1960 et 1980. Son oeil ne s’arrête pas, il est moins attiré par le ballet politique de Washington que par l’importance des turbulences urbaines et du stoïcisme des fermiers.” -- Sir Harold Evans

Jean-Pierre Laffont a été diplômé de l'Ecole des Arts et Métiers de Vevey (Suisse) avant de servir dans l'armée française pendant la Guerre d'Algérie (il a été décoré de la Croix de la Valeur Militaire pour ses actions humanitaires). Il est membre fondateur des agences Gamma USA et Sygma Photo News. Pendant plus de quarante ans, il a parcouru le globe et il a été publié par les magazines les plus connus: Le Figaro, London Sunday Times, Newsweek, Paris Match, Stern et Time. Son travail a été récompensé par de nombreux prix prestigieux, notamment le Madeline Dane Ross Award de l'Overseas Press Club of America, le World Press Photo General Picture Award de l'Université de Missouri, le World Understanding Award et le 1er Prix du New York Newspaper Guild Award. En 1996, il a été fait Chevalier de l'Ordre des Arts et des Lettres. Il vit à New York avec sa femme Eliane.

Sir Harold Matthew Evans signe la préface du livre. Ancien directeur de la rédaction du Sunday Times et du Times, il est l'auteur de deux livres historiques acclamés par la critique, The American Century et They Made America. Son ouvrage sur le photojournalisme, Pictures on a Page publié au sein d'une série en cinq volumes sur l'édition et le design, est toujours en circulation comme la référence de ce métier. Ses essais sur la photographie comprennent War Stories, Shots in the Dark et Eye Witness to History. En 1978, Harold Evans a reçu la Hood Medal de la Royal Photographie Society pour ses services rendus au photojournalisme et en 1986, la Press Photographers Association of Great Britain lui a décerné le Battlefield Camera pour service exceptionnel rendu au photojournalisme. En 1999, il a été récompensé par le Lifetime Achievement Award de l'International Center of Photography. Harold Evans est actuellement éditeur "at large" de Thomson Reuters.

Photos de Jean-Pierre Laffont extraites de Le Paradis d’un Photographe : Tumulteuse Amérique 1960-1990 par Jean-Pierre Laffont © 2014, publié par Glitterati Incorporated, www.Glitteratiincorporated.com

Nikon D5200, un guide pratique pour réussir ses photos

Réussir ses photos avec le Nikon D5200

Mathieu Ferrier et Chung-Leng Tran

Eyrolles, septembre 2013

Doté d'un capteur de 24 Mpix offrant une grande définition, d'un système AF particulièrement précis avec ses 39 points et d'un écran orientable très pratique en vidéo, le Nikon D5200 présente en outre des caractéristiques et fonctionnalités séduisantes pour les photographes souhaitant notamment s'affranchir du tout automatique. Grâce à cet ouvrage, vous apprendrez à maîtriser les réglages et les modes semi-automatisés de l'appareil afin d'en exploiter tout le potentiel créatif.

Cette collection, dirigée par Vincent Luc, est une aide indispensable à la prise en main des reflex numériques. Forts de l'expérience de tests et d'utilisation en conditions réelles, Mathieu Ferrier et Chung-Leng Tran vous livrent dans ce guide l'essentiel de ce qu'il faut connaître sur votre boîtier, tout en vous accompagnant dans un apprentissage progressif des techniques de la photo (composition, exposition, cadrage...) ; véritable complément du mode d'emploi de l'appareil, il répond à des questions concrètes en traitant nombre de situations de prise de vue auxquelles vous serez confronté dans votre pratique quotidienne ou occasionnelle de la photo avec le D5200.

A propos des auteurs : 

Un temps rédacteur technique pour le magazine Photo, Mathieu Ferrier réunit désormais ses deux passions, l'histoire et la photographie, en se consacrant à la prise de vue d'objets d'art. Il a fondé l'agence Photo F (www.agencephotof.fr).

Ancien collaborateur du magazine Photo, devenu barista, Chung-Leng Tran conserve toujours un appareil à portée de main. Ses thèmes de prédilection sont le voyage et le portrait (www.chunglengtran.com).

Edition Video Pro : Adobe Production Premium CS6 au NAB 2012

Adobe présentera la semaine prochaine la nouvelle version de sa suite de logiciels dédiés à la vidéo professionnelle incluant Adobe Premiere Pro. La Creative Suite 6 Production Premium sera présentée au NAB 2012 (National Association of Broadcasters) qui se tient du 16 au 19 avril au Las Vegas Convention Center. Dans son communiqué de presse, Adobe qualifie de "majeures" les mises à niveau apportées à la suite de logiciels qui sera disponible dans le courant de se premier semestre 2012.

La CS6 Production Premium inclus SpeedGrade CS6 pour l'étalonnage et Prelude CS6 qui améliore l’assimilation, la journalisation et le transcodage. Premiere Pro CS6 est doté d'une nouvelle interface utilisateur et son moteur de lecture Adobe Mercury permet la prise en charge d'OpenCL. After Effects CS6 voit les fonctionnalités 3D du logiciel améliorées.

Pour plus d’infos (en anglais) :

 http://success.adobe.com/en/na/programs/events/1203_16108_nab.html..

Bernard Dufour: Manipulations, Maison des Arts Georges Pompidou, Carjac

Bernard Dufour: Manipulations

Maison des Arts Georges Pompidou, Carjac

8 avril — 3 juin 2012

Il est connu pour être peintre. Mais ses photographies éclairent autrement son travail d’artiste attaché à la représentation de sa propre vie. Ce sera la première exposition de photographies au Centre d’art contemporain… par un non-photographe, mais par un grand artiste. L’œuvre d’un quotidien où intime, infime et grandiose se croisent et s’apprivoisent.

« Tout mêler ou plutôt tout se faire succéder pour tout empiler, à la façon du temps dans son incoercible écoulement. Faire : ne rien retenir, ne rien privilégier… Comme si ce que je fais à l’atelier, quand j’y suis, n’était rien d’autre que l’image de ma vie. Devait n’être rien d’autre que l’image de ma vie. »

Dans cet esprit, et depuis plus de 60 ans, Bernard Dufour pratique régulièrement et presque quotidiennement la photographie. Ce corpus, présenté pour la première fois comme un véritable ensemble au Centre d’art contemporain à Cajarc, constitue rétrospectivement un grand corps composite, qui du noir et blanc argentique des années soixante, aux clichés numériques en couleur des années 2000-2011, témoigne, comme avec la peinture, de sa vie et du souci de vérité de Bernard Dufour.

Au même titre que la polarité peinture-littérature, repérée très tôt dans son œuvre, celle de photographie-peinture occupe une place importante. À l’exception de la présentation des clichés-verre à la Maison Européenne de la Photographie à Paris en 2000, c’est le plus souvent ce lien photographie-peinture qui a été évoqué dans différentes expositions. Or, nous souhaitons montrer ici comment l’intérêt de Bernard Dufour pour la photographie dépasse ce propos d’usage. Comment sa pratique permanente et sensible de la photographie est complexe. Comment il met en tension et accuse l’écart entre le réel et l’image. Comment les photographies échappent, malgré les tentatives d’organisation de leur auteur, à toute classification thématique qui les enfermerait dans un genre : la photo de nu, d’architecture, de voyage… Et comment donc, cet ensemble, « véritable bordel de la réalité, de la vie, son désordre perturbateur » est insoumis à tout pouvoir, à toute direction.

« Il me plaît beaucoup que l’usage crée chez moi de nouvelles choses, de même que l’usage de telle ou telle technique, inventent comme moi, autant que moi, au même titre que moi, dans une multiplication enchaînée et rebondissante des contraintes, des matériaux, donc de mes mains. »

Le titre Manipulations évoque ce jeu avec les matières, les gestes et les formes : le plaisir sensuel du laboratoire comme celui, aigu, du déclenchement, qu’une simple pression du doigt permet de capter. Saisissement du réel, de « ces très exacts reflets optiques de la réalité immobilisés dans l’instant. »

Commencée comme la tenue d’un journal, la photographie a connu différentes acceptions pour Bernard Dufour, dont la vie amoureuse et les amitiés constituent le socle du travail.

D’abord accumulées dans des boîtes, les images deviennent les modèles pour des peintures dans les années 70. Il amorce ce lien photo-peinture avec une série d’autoportraits réalisés au Pradier en 1972, quand, retiré dans la campagne aveyronnaise, il n’a plus l’occasion de draguer dans la rue les filles qui sont ses modèles à l’atelier.

Il va donc rechercher dans ses planches de contact, le corps des femmes qu’il représente dans ses peintures. « Les photos sont pour moi des supermodèles complexes, multiples, inépuisables et immuables : du réel à tout jamais mémorisé et disponible. »

Les séances de travail avec les modèles mais surtout avec sa femme Martine (des « photos sexuelles sans pudeur ni retenue »), puis son amante Laure, lui permettent de saisir « des situations scabreuses avec le maximum d’objectivité sans sombrer dans le naturalisme ».

Sa connaissance de l’histoire de la photographie et son admiration pour les photographes américains, notamment Weegee et Walker Evans, lui procurent une grande modestie quant à sa propre pratique, ce qui est sans doute une des raisons de ce relatif silence sur cet aspect de son œuvre. Il est fasciné par « ces machines efficaces, précises, ardentes et extrêmement belles » qui suffisent à impressionner l’événement sans qu’il soit nécessaire au photographe d’intervenir. Il fustige le photographe auteur qui veut imposer sa marque, son point de vue alors qu’il adule celui qui, à l’instar d’un Walker Evans, se suffit à fabriquer une gigantesque « leçon de choses : ni édifiant, ni critique : il constate, il enregistre : précisément. » Il retrouve cette pratique dans celle des photographes de la police criminelle (Identité Judiciaire), qu’il avait analysée pendant deux ans, pour finalement se voir interdire la publication de cette étude. Interdiction qu’il vécut douloureusement.

Ainsi Bernard Dufour écrit dans son œuvre polymorphe une sorte de poème épique où la subversion des images est un horizon à portée de mains.

Martine Michard

Janvier 2012

Manipulations Bernard Dufour

Co-produit avec Galerie Pictura, Cesson-Sévigné,

Centre d’art et de photographie de Lectoure

Les Éditions de Juillet

Textes : Éric Bodin, Marie-Sophie Carron de la Carrière, 

Benoît Decron, Martine Michard, Laurent Perez.

MAISON DES ARTS GEORGES POMPIDOU

CENTRE D'ART CONTEMPORAIN

Route de Gréalou, 46160 Cajarc

www.magp.fr