Exposition des Lauréats du Prix Nouvelle génération de photographes - Katherine Takpannie, Curtiss Randolph, Noah Friebel, Chris Donovan, Dainesha Nugent-Palache, Dustin Brons @ Université Ryerson, Toronto

Exposition des Lauréats du Prix Nouvelle génération de photographes

Katherine Takpannie, Curtiss Randolph, Noah Friebel, Chris Donovan, Dainesha Nugent-Palache, Dustin Brons

Université Ryerson, Toronto

Jusqu'au 5 décembre 2021

Les œuvres d’art photographiques des lauréats des éditions 2020 et 2021 du Prix Nouvelle génération de photographes, Katherine Takpannie, Curtiss Randolph, Noah Friebel, Chris Donovan, Dainesha Nugent-Palache et Dustin Brons, font l’objet d’une exposition extérieure gratuite maintenant ouverte et présentée jusqu’au 14 novembre 2021 au Ryerson Image Centre sur le campus de l’Université Ryerson, au centre-ville de Toronto, dans le cadre du Festival de photo CONTACT Banque Scotia. Ces artistes ont été reconnus comme les jeunes photographes les plus brillants du Canada par le Musée des beaux-arts du Canada et la Banque Scotia. Le Prix Nouvelle génération de photographes est le seul qui récompense les artistes canadiens de 35 ans et moins qui travaillent avec l’objectif d’une caméra.

L’exposition de cette année, organisée par le Musée des beaux-arts du Canada en partenariat avec la Banque Scotia, le Festival de photo CONTACT Banque Scotia, et l’Université Ryerson, réunit les œuvres des lauréats de 2020, Curtiss Randolph, Katherine Takpannie, Noah Friebel, et ceux de 2021, Dustin Brons, Chris Donovan, et Dainesha Nugent-Palache.

Les artistes, qui ont reçu 10 000 dollars chacun, ont été sélectionnés par un jury de renom composé d’experts en photographie, d’artistes et de leaders de la communauté des arts visuels. Les œuvres des lauréats feront également l’objet d’une exposition au Musée des beaux-arts du Canada à Ottawa, du 13 août au 5 décembre 2021. 

Andrea Kunard, conservatrice principale des photographies au Musée des beaux-arts du Canada assure le commissariat des expositions du Prix Nouvelle génération de photographes.

Andrea Kunard souligne que : « L’édition combinée 2020 et 2021 témoigne de la grande capacité d’expression de la photographie. Dans certains cas, les approches documentaires directes transmettent des questions d’urgence sociale. D’autres œuvres mêlent les capacités descriptives de la photographie à des stratégies narratives pour présenter des parcours personnels. La relation privilégiée de ce médium avec l’art conceptuel est également explorée, ainsi que sa capacité à dépeindre les questions d’identité et de culture. »

LES LAURÉATS DE 2020

Originaire de Toronto, Curtiss Randolph construit des scènes sous forme de tableaux ou de récits documentaires mis en scène. Ayant grandi dans une famille de théâtre, les éléments de la production scénique se sont très tôt glissés dans son processus de travail. Mélangeant réalisme, surréalisme et journalisme gonzo, Randolph remet en question les idées préconçues des spectateurs sur le style documentaire, afin d’interroger les idées de fait et de fiction dans le médium photographique.

Katherine Takpannie est une artiste Inuite établie à Ottawa, une écrivaine et une diplômée du programme Nunavut Sivuniksavut (NS). Ses photographies mettent en scène des gestes performatifs et politiques dans des environnements naturels et construits, y compris des portraits intimes de femmes. Ses œuvres font partie de la collection d’art de la ville d’Ottawa et ont été présentées à l’exposition Getting Under Our Skin à la galerie d’art de Guelph et à l’exposition They Forgot We Were Seeds à la galerie d’art de l’Université Carleton.

Basé à Vancouver/Berlin, Noah Friebel se concentre sur l’aspect fabriqué de la photographie, utilisant des éléments de sculpture et d’installation pour examiner notre relation aux images, les uns aux autres, et l’espace rétréci entre les deux. Depuis qu’il a obtenu un BFA de l’Université Emily Carr en 2018, Friebel a fait partie de plusieurs expositions collectives : notamment Green Glass Door chez Trapp Projects et The Lind Prize 2018 à la Galerie Polygon. Il a une prochaine exposition solo à la Republic Gallery en avril 2020.

LES LAURÉATS DE 2021

Chris Donovan est un artiste photographe qui travaille à Toronto et au Nouveau-Brunswick. Originaire de la ville industrielle de Saint John, sa pratique se concentre sur l’intersection entre la communauté et l’industrie. Ses œuvres ont été récompensées par Pictures of the Year International (Université du Missouri), la Fondation Alexia (Université de Syracuse), le Conseil des arts du Nouveau-Brunswick et le Conseil des arts de Toronto, et ont été exposées partout au Canada dans le cadre de festivals de photographie, notamment CONTACT (Toronto), Capture (Vancouver), Exposure (Calgary), Flash (Winnipeg) et Zoom (Saguenay). Il est membre du collectif Boreal et poursuit actuellement une maîtrise en médias documentaires à l’Université Ryerson en tant que boursier d’études supérieures.

L’artiste torontoise Dainesha Nugent-Palache a participé à de nombreuses expositions au niveau national et international. Membre fondatrice de plumb, un collectif ad hoc d’artistes, d’écrivains, de conservateurs et d’un lieu d’exposition à Toronto, elle a également été conservatrice pour le festival de musique féministe et la série de concerts Venus Fest, ainsi que pour Blindspots, une exposition d’art et une projection de film où des artistes queer explorent l’expérience LGBTQ à travers une lentille diasporique. Diplômée et lauréate de prix importants, ses œuvres se trouvent dans la Wedge Collection, la Collection d’art de la Banque TD, et des collections privées. Ses expériences en tant qu’artiste ont également été mises en lumière dans la série sur les artistes durant la COVID, à laquelle s’est intéressée la CBC.

Dustin Brons, artiste basé à Vancouver, titulaire d’un MFA (UC San Diego) et d’un BFA (UBC), et récent participant au Whitney Independent Study Program, travaille à la recontextualisation de matériaux existants à travers des photographies, des vidéos et des textes. Son travail intègre des formes visuelles de l’histoire de l’art occidental comme outils de traitement des sources contemporaines. La nature morte et la peinture de paysage, l’abstraction gestuelle, le conceptualisme linguistique et les dispositifs photographiques, du pictorialisme à l’appropriation, sont reconfigurés dans des représentations du changement climatique et de l’embourgeoisement, en mettant l’accent sur la manière dont les formes visuelles contribuent à façonner les compréhensions sociales et politiques de ces processus intangibles, mais totalisants.

Ryerson University

350 Victoria St, Toronto, ON M5B 2K3

www.ryerson.ca

Musée des beaux-arts du Canada

380, promenade Sussex, Ottawa, ON K1N 9N4

www.beaux-arts.ca

Adrian Ghenie @ Pace Gallery, New York - The Hooligans

Adrian Ghenie: The Hooligans

Pace Gallery, New York

Through April 24, 2021

ADRIAN GHENIE

The Impressionists, 2020 

© Adrian Ghenie, courtesy Pace Gallery

The Hooligans, ADRIAN GHENIE’s fourth solo exhibition with Pace Gallery, brings together nine paintings and three drawings, all made during the last year. Influenced by Impressionist painters, as well as J.M.W. Turner, Vincent Van Gogh, and Paul Gauguin, this new body of work continues Adrian Ghenie’s exploration of abstracting figures, layering shapes, and using gestural painting techniques to create complex images intertwined with art historical narratives. Adrian Ghenie’s meditation on the idea of “hooliganism” examines the crucial role of rebellion in an artist’s process, working to reject or ignore traditionalism to create the new.

Since the mid-2000s, Adrian Ghenie has created drawings, collages, and paintings that mine the history of art as well as the darkest chapters of Europe’s past, notably World War II and the subsequent rise of communism, including in his native Romania. Somber and gritty, his canvases bear gestural, abstract brushstrokes that build as much as mar their representational contents. Beginning in 2014, the artist began to work from assembled images. In recent years, his focus shifted to an exploration of revolutionary figures from the late 19th century such as Vincent Van Gogh and Charles Darwin, using them as points of departure more than inspiration. Adrian Ghenie’s visceral, even iconoclastic, impasto conjures distortions of memory, as well as fraught experiences that exceed and collide with official accounts of history.

Primarily portraits of nineteenth-century artists, the works on view in The Hooligans suggest a genealogy that begins with J.M.W. Turner, runs through the Impressionists, and ends with Post-Impressionist figures, such as Vincent Van Gogh and Paul Gauguin. Quiet disruptors, these painters affirmed the materiality of oil paints with their loose brushstrokes, while amplifying painting’s optical qualities, namely its immersive luminosity and chromatic richness. Radicals in their time, their work unsettled the Romantic period, reflecting changes to modern vision as both bodily and subjective - a phenomenon that the nineteenth century’s new optical instruments and scientific experiments had already put underway. Adrian Ghenie, whose past work has explored the relationship between painting and cinema, continues to mine art’s ever-evolving relationship to history, vision and technology, as suggested by the presence of anachronistic details, such as sneakers and baseball caps, VR goggles and security cameras, that interrupt broad sections drawn from familiar nineteenth century paintings.

Meditating on the idea of hooliganism in art, Adrian Ghenie has shared the following statement about this new body of work:

When one stays for long hours in a studio year after year - besides doubting everything - you start to ask yourself what you are looking at when you look at paintings from the past. In time you develop a habit for peeling them like onions. Twenty years ago, I saw the surface, the skill, the prettiness. Now I see the energy behind this, the violence.

When I look at the Impressionists, I have the strange feeling that I am looking at something very schizophrenic. Behind those harmless colorful landscapes there is an incredible, destructive force; camouflaged. It is an act of hooliganism. It’s hard to ask someone to see that Claude Monet’s “Impression, soleil levant" from 1872 is not a sweet sea landscape with a sun rising but a bomb so powerful that it could put the Greek Roman canon to rest for good.

Looking again at these “harmless" paintings drew me deeper into the concept of hooliganism in art - the hooligan side of the artist, how crucial it is, how it manifests. The word hooliganism suggests something loud, exterior, aggressive and in your face. But in art it shows itself in the most discrete ways. Caravaggio’s pilgrims with dirty feet, for example. He was the first to paint the actual dirt on their feet. Such a small detail but it had such power, it could defy the church. Or when he chose a prostitute drowned in the Tiber as his model for the dead Virgin Mary. Or Cézanne’s bathers, for example - they are mockery of the Greek Roman and Prussian canons, but this mockery made Picasso possible. Turner! Oh my God! To paint a train ... when everybody was obsessed with the greatness of nature and the heroism of the past.

It seems that painting is in a crisis. It comes in waves or cycles. But in looking closer, it’s always hard to describe this crisis. It something we feel rather than explain. When I feel that the medium of painting is suffering a mutation or a contamination, more precisely I feel that painting is again becoming literature or journalism. Imagine going back in time and visiting a Pre Raphaelite show. You know it is literature. The medium of painting is strangled by that overdose of symbolism. Hooliganism saved painting by focusing on the medium itself, ignoring the "grand" subject matter and fighting only for the surface. It cleaned painting of literature and restored its autonomy. Even today, we consider this an act of restitution.

Was it clear then? Probably not. We never see it when it happens.

Turn your attention to landscape painting - such a minor genre for centuries but we have only to think of its attempt to impress Paris with apples and haystacks. Putting aside mythology, religion and the Greek Roman canon in these innocuous landscape paintings was in fact an act of hooliganism.

The hooligan inside the artist will not allow the soul to dry with pure intellect. It is a vital force that translates into an ability to rebel, reject, ignore or mock while staying away from ideological hate or fundamentalism. How else can I see the Impressionists or Turner, Van Gogh or Gauguin, if not as monuments to this quality?

This exhibition comes on the heels of two major solo museum exhibitions at The State Hermitage Museum, St. Petersburg, Russia; and Palazzo Cini, Venice, Italy in 2019.

ADRIAN GHENIE (b. 1977, Baia Mare, Romania) adopts elements from the tradition of history painting while subverting its conventions by representing provocative subjects and undermining norms of realism. A formally trained painter, he synthesizes his technical abilities with conceptual tendencies from Dada, merging representational and abstract imagery. His practice conflates and extends painting techniques of the past, displaying both a Baroque mastery of chiaroscuro and a gestural handling of paint indebted to Abstract Expressionism. With pronounced brushwork that introduces distortions of depicted space and his subjects’ features, Adrian Ghenie’s art unearths feelings of vulnerability, frustration, and desire, invoking human experience and themes of the collective unconscious.

PACE GALLERY

540 West 25th Street, New York, NY 10001

www.pacegallery.com

Frank Duveneck @ Cincinnati Art Museum - American Master

Frank Duveneck: American Master

Cincinnati Art Museum

Through March 28, 2021

FRANK DUVENECK (1848–1919), United States

He Lives by His Wits, 1878

Oil on canvas

Collection of Gates Thornton Richards and Margaret Kyte Richards

The Cincinnati Art Museum presents a major re-evaluation of the work of FRANK DUVENECK, the most influential painter in Cincinnati history.

Through his brilliant and inspiring work as a painter and printmaker and as a charismatic teacher, Frank Duveneck’s impact on the international art world of his time was substantial and enduring. More than 90 examples across media from the holdings of the museum, the leading repository of the Kentucky native’s work, and 35 pieces on loan from collections across the United States, provides a fresh, in-depth look at this important artist.

Once Cincinnati’s most celebrated artist, Frank Duveneck was born in Covington to Westphalian immigrants in 1848. He studied in Munich, Germany, where he became an influential teacher, and spent nearly two decades in Europe. His work reflected the impact not only of modern German art, as is widely acknowledged, but also French and Italian work. His paintings’ lack of finish and assertive brushwork parallel Impressionism, and his work as a printmaker positioned him centrally in the period’s etching revival.

A captivating educator of men and women, Frank Duveneck counted John Henry Twachtman and Elizabeth Boott among his pupils and James Abbott McNeill Whistler among his collegial friends. Returning to the United States in 1888, Duveneck taught at the Art Academy of Cincinnati, where he became director of the faculty in 1905. As a mentor and esteemed advisor to collectors and the Cincinnati Art Museum staff, Duveneck’s impact on the Cincinnati art world remains unparalleled.

This is the first exhibition in 30 years to dive deep into Frank Duveneck’s artistic development, his working methods, and the historical and social context of his subjects. Presenting abundant new research, the exhibition upends many common misconceptions and reveals the artist’s accomplishments across subjects and media, including oil paintings, drawings, watercolors, pastels, etchings, monotypes, and sculpture.

The paintings of streetwise kids and informal portraits for which he is renowned are accompanied by society portraits, Bavarian landscapes, Venetian harbor views, depictions of Italian city and country folk, renderings of the nude figure and more. A profusely illustrated catalogue published with D. Giles Ltd is available.

Dr. Julie Aronson, curator of American Paintings, Sculpture and Drawings at the Cincinnati Art Museum since 1999, has been working on the exhibition for several years.

“We are excited to celebrate Frank Duveneck with this exhibition that illuminates one of the unique strengths of the Cincinnati Art Museum’s collection: its deep concentration in the works of one of the towering figures of American art of the late nineteenth and early twentieth centuries. Side by side with our stunning Duveneck masterworks are key paintings on loan from across the country, presenting a fresh approach to the compelling story of one of our regional heroes. Duveneck’s bravura painting shines in this exhibition as never before!” said Julie Aronson.

Advanced online registration is required.

CINCINNATI ART MUSEUM

953 Eden Park Drive, Cincinnati, OH 45202

www.cincinnatiartmusem.org

David Douard @ Le Plateau, FRAC Ile-de-France, Paris - O’ Ti’ Lulaby

David Douard – O’ Ti’ Lulaby

Le Plateau, FRAC Ile-de-France, Paris

Jusqu'au 28 février 2021

DAVID DOUARD

Work in progress

© David Douard

DAVID DOUARD

Work in progress

© David Douard

Le Plateau présente une exposition personnelle de David Douard intitulée O’ Ti’ Lulaby, regroupant principalement des nouvelles productions, installations, pièces sculpturales et sonores ou éléments architecturaux.

Mêlant plusieurs registres de langage, objets quotidiens et matériaux à la fois issus du low-tech, de la culture populaire et mainstream, les oeuvres de David Douard provoquent des glissements de sens générateurs de poésie et de fiction. Les fragments de poésie collectés sur Internet associés à des formes tourmentées, abîmées, découpées et rapiécées donnent naissance à des pièces sculpturales de nature hybride. Récoltant indifféremment les scories du monde, ses installations – composées de matériaux dont les caractéristiques organiques et anarchiques font écho à celles des mouvements sociaux – nous donnent à voir des corps en mutation.

Pour son exposition au Plateau, David Douard transforme l’espace en y intégrant des éléments architecturaux – grilles, voilages, écrans, cloisons, stores – qui ne sont pas sans évoquer les surfaces des écrans dans un rapport quasi virtuel à l’espace, ou encore les playgrounds grillagés de certains interstices urbains.

Ces espaces multiples se jouent de la superposition et de la transparence, avec force trames et calques qui accentuent l’effet ondulatoire et mouvant des images, des objets et des corps. Le lieu se revêt ainsi d’un patchwork de peaux sensitives et architecturales, tel un corps dont les zones vitales sont alternativement en éveil ou en sommeil et activées par des flux multiples.

DAVID DOUARD

Work in progress

© David Douard

DAVID DOUARD

Work in progress

© David Douard

La représentation de soi et celle d’une identité en devenir dessinent les reflets miroitants d’une introspection surexposée. Le souffle, le langage et son bégaiement s’insinuent également sous différentes formes – cut-up de voix ou de paroles, fragments d’écrits – et cette petite ritournelle semble se faire l’écho d’une parole collective échappant à toute tentative de catégorisation.

Dans cet univers, l’architecture cloisonne aussi bien qu’elle révèle, se cache tout en affirmant son autorité, et les objets anthropomorphes qui s’y immiscent abandonnent les parois au profit d’une centralité éclatée. L’entrave et la contrainte des corps sont au centre de cette immersion individuelle et collective où les informations, les objets, les figures renvoient aussi bien à la maîtrise qu’au pouvoir subversif des images et du langage.

DAVID DOUARD, né en 1983 à Perpignan, vit et travaille à Paris. Son travail a fait l’objet d’expositions personnelles et collectives dans des institutions internationales telles que : Irish Museum of Modern Art (IMMA), Dublin, Irlande (2019) ; KURA. c/o Fonderia Artistica Battaglia, Milan, Italie (2018) ; Palais de Tokyo, Paris, France (2018 et 2014) ; Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Paris, France (2017 et 2015) ; Kunstverein Braunschweig, Allemagne (2016) ; Fridericianum, Kassel, Allemagne (2015) ; Sculpture Center, New York, États-Unis (2014) ; Astrup Fearnley Museet, Oslo, Norvège (2014) ; Fondation d’entreprise Ricard, Paris, France (2012). Il a participé à plusieurs biennales : Asia Culture Center - Biennale de Gwangju, Gwangju, Corée du Sud (2018) ; Biennale de Taipei, Taïwan (2014) ; 12e Biennale de Lyon, France (2013). Il a également été résident à l’Académie de France à Rome - Villa Médicis (2017-2018).

Commissaire de l’exposition : Xavier Franceschi

LE PLATEAU

FRAC ILE-DE-FRANCE

22 rue des Alouettes, 75019 Paris

www.fraciledefrance.com

Kandinsky @ Musée Guggenheim Bilbao

Kandinsky

Musée Guggenheim Bilbao

Jusqu'au 23 mai 2021

Le Musée Guggenheim Bilbao présente Kandinsky, une exposition exhaustive de peintures et d’oeuvres sur papier de l’artiste VASILY KANDINSKY (Moscou 1866 – Neuilly-sur-Seine 1944) issue principalement des collections de la Fondation Solomon R. Guggenheim. Avec le soutien de la Fondation BBVA, l’exposition retrace l’évolution esthétique d’un pionnier de l’abstraction et d’un théoricien de l’esthétique de premier plan. Dans sa volonté de libérer la peinture de ses liens avec le monde “naturel”, Kandinsky devait découvrir un nouveau type de sujet exclusivement fondé sur la “nécessité intérieure” de l’artiste, une préoccupation majeure qui l’accompagna tout le long de sa vie.

C’est à Munich dans les années 1900 et au début des années 1910 que Kandinsky commença à explorer les possibilités expressives de la couleur et de la composition, mais il se vit contraint de quitter précipitamment l’Allemagne lors du déclenchement la Première guerre mondiale en 1914. Il revint alors à Moscou, sa ville natale, et son vocabulaire pictural commença alors à se faire l’écho des expérimentations utopiques de l’avant-garde russe dont les recherches se concentraient sur les formes géométriques en vue d’élaborer un langage esthétique universel. Par la suite, Kandinsky devait rejoindre le Bauhaus, une école allemande d’art et de design appliqué avec laquelle il partageait la conviction que l’art a le pouvoir de transformer l’individu et la société. Forcé de quitter l’Allemagne lors de la fermeture du Bauhaus sous la pression nazie en 1933, Kandinsky s’installa près de Paris où le surréalisme et les sciences naturelles influencèrent le développement d’une iconographie biomorphique dans ses oeuvres.

Plus qu’aucun autre artiste, Kandinsky est inextricablement lié à l’histoire de la Fondation Guggenheim, créée en New York en 1937. En 1929, l’industriel et fondateur du Musée, Solomon R. Guggenheim, commença à collectionner les oeuvres de Kandinsky, dont il fera la connaissance une année plus tard au Bauhaus de Dessau. Parcourant les étapes-clés de son développement artistique en quatre sections géographiques qui se déroulent tout au long de trois salles, cette exposition illustre l’évolution complète de sa trajectoire.

Les débuts : Munich

Kandinsky passe son enfance entre sa ville natale, Moscou, et Odessa (actuellement en Ukraine), au sein d’une famille qui encourage l’amour de l’art et de la musique. Il étudie le droit et l’économie, mais en 1895, il décide de changer de cap et devient l’un des responsables de la société moscovite d’arts graphiques Kushnerev. Uneannée plus tard, inspiré par une exposition d’impressionnistes français et par l’opéra Lohengrin de Richard Wagner, il se rend à Munich pour se consacrer à l’art. Les souvenirs de la Russie, des meubles décorés de couleurs vives ou des icônes chez les paysans, ainsi que l’historicisme romantique, la poésie lyrique, le folklore et la fantaisie, alimentent alors ses premières oeuvres.

Entre 1904 et 1907, Kandinsky et sa compagne, l’artiste allemande Gabriele Münter, voyagent dans toute l’Europe et en Afrique du Nord avant de revenir s’installer à nouveau à Munich en 1908. Les paysages multicolores bavarois que peint Kandinsky en 1908–09 présentent des éléments de composition liés à la gravure, comme les formes clairement tracées ou la perspective aplatie. Ces tableaux sont sensiblement différents de ses exercices néo-impressionnistes précédents, réalisés à base de légères touches de couleur. A partir de 1909, Kandinsky adopte un style toujours plus expressionniste. S’éloignant de la représentation de scènes naturelles, il se tourne vers la peinture d’histoires apocalyptiques. Quelques-uns des motifs récurrents de son travail, comme le cheval et le cavalier, symbolisent sa croisade contre les valeurs esthétiques conventionnelles et sa quête d’un futur plus spirituel au travers du pouvoir transformateur de l’art. Dans son combat contre les règles de la figuration, Kandinsky est convaincu que la couleur, la forme et la ligne peuvent traduire la “nécessité intérieure” de l’artiste en affirmations universellement compréhensibles et ainsi offrir une vision régénératrice du futur.

Pendant son séjour à Munich, Kandinsky dirige les principaux groupes de l’avant-garde de la ville, comme Phalanx (la Phalange) et la Neue Künstlervereinigung München (Nouvelle association d’artistes de Munich). Il publie plusieurs traités fondamentaux dont Du spirituel dans l’art. En 1911, il fonde avec Franz Marc Der Blaue  Reiter (le Cavalier bleu), une société hétérogène d’artistes qui s’intéressent au potentiel expressif de la couleur et à la résonance symbolique (souvent spirituelle) de la forme.

En 1913, les thèmes récurrents dans son œuvre, comme le cheval et le cavalier, les collines ondulées, les tours et les arbres, passent sous l’empire de la ligne et de la couleur. Au fur et à mesure que leurs contours calligraphiques et leurs formes rythmiques perdent peu à peu toute trace de leur origine figurative, Kandinsky commence à cultiver l’abstraction et à formuler ce qu’il appelle “la puissance insoupçonnée de la palette”.

Domaines cosmiques : de la Russie au Bauhaus

Lorsque la Première guerre mondiale éclate en 1914, Kandinsky se voit contraint de quitter l’Allemagne en raison de sa nationalité russe. Il revient à Moscou, sa ville natale, où l’avant-garde tâtonne en cherchant à formuler un langage esthétique universel au moyen de formes géométriques. Après avoir rompu avec Gabriele Münter et d’autres artistes allemands, Kandinsky observe les expérimentations de ses contemporains russes, mais se rend compte que leur démarche objective et matérialiste de ces derniers ne correspond pas à sa propre quête artistique de spiritualité.

En 1922, Kandinsky retourne en Allemagne avec sa femme, Nina, et commence à enseigner au Bauhaus, l’école d’art et de design appliqué fondée par l’architecte Walter Gropius et financée par l’État. Kandinsky y découvre une atmosphère favorable à sa conviction que l’art peut métamorphoser l’individu et la société. Il poursuit ses recherches sur la correspondance entre la couleur et la forme et sur leurs effets psychologiques et spirituels, et sur les formes géométriques, qu’il utilise en plans superposés, qui envahissent peu à peu son vocabulaire pictural. Ce changement est en partie dû à l’influence du type d’oeuvres qu’il avait vu en Russie. Toutefois Kandinsky continue à prendre ses distances de ce qu’il appelle l’art “mécaniste” des constructivistes et de l’art “pur” des suprématistes comme Kazimir Malevich, en insistant sur le fait que même les formes les plus abstraites possèdent un contenu expressif et émotionnel. Pour Kandinsky, le triangle incarne l’action et l’agressivité, le carré signifie la paix et le calme et le cercle, le royaume du spirituel et du cosmique.

C’est à ce moment que le travail de Kandinsky attire l’attention du collectionneur Solomon R. Guggenheim, qui, avec sa femme Irene et sa conseillère artistique Hilla Rebay, lui rend visite dans son atelier au Bauhaus de Dessau en 1930. Il y achète la monumentale Composition 8 (1923), ainsi que d’autres pièces. Kandinsky continue à enseigner au Bauhaus jusqu’en 1933, date à laquelle l’école est fermée sous la pression des nazis.

Mondes minuscules : Paris

Kandinsky passe les onze dernières années de sa vie près de Paris, à Neuilly-sur-Seine. Il arrive en France en décembre 1933 en provenance de l’Allemagne nazie après la fermeture du Bauhaus de Berlin où il enseignait. La période est remarquablement féconde pour Kandinsky, en dépit de l’instabilité politique et des pénuries qui vont suivre. L’artiste expérimente avec les matériaux (par exemple en combinant sable et pigment) et son vocabulaire formel présente une palette adoucie et des formes biomorphes. Même si Kandinsky collectionne les spécimens organiques et les encyclopédies scientifiques dès son séjour au Bauhaus, il n’introduit pas ce type d’iconographie dans son travail avant 1934. Les compositions complexes de cette étape qui évoquent les univers minuscules d’organismes vivants sont clairement influencées par ses relations avec le surréalisme, avecl’art de Jean Arp et de Joan Miró, et par son intérêt pour les sciences naturelles, notamment pour l’embryologie, la zoologie et la botanique. Kandinsky montre une claire prédilection pour les tons pastel (rose, violet, turquoise et doré) qui rappellent les couleurs de ses origines russes.

Au cours de sa dernière période, Kandinsky conçoit une synthèse entre les thèmes de prédilection qui ont jalonné sa carrière, son passage par le Bauhaus et la pratique de ses contemporains. Il travaille à grande échelle dans des formats dont les fonds sombres rappellent ses toiles expressionnistes et ses peintures inspirées des légendes russes. Il y incorpore aussi des motifs qui renvoient à Paul Klee et aux surréalistes qui restent actifs à Paris, en dépit de sa réticence à s’associer à eux. Dans Autour du cercle (1940), cette influence est perceptible dans la composition complexe et dynamique de formes biomorphes ludiques. Vers le milieu de 1942, les pénuries de la guerre conduisent l’artiste à réaliser de petites oeuvres sur panneau, très éloignées des grandsformats de son travail  antérieur à Paris. Mais il continue à creuser le sillon de compositions imaginatives qui reflètent de plus en plus son intérêt pour les sciences, en s’inspirant d’illustrations de biologie parues dans revues et encyclopédies.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, les autorités allemandes confisquent l’oeuvre de Kandinsky et d’autres peintres modernes qu’ils considèrent comme de l’“art dégénéré”. En Union Soviétique, le stalinisme ferme des musées et relègue les toiles de Kandinsky dans des réserves. L’artiste décède en 1944 à 78 ans, en laissant derrière lui une oeuvre abondante.

L’industriel et fondateur du Musée qui porte son nom, Solomon R. Guggenheim, commence à collectionner le travail de Kandinsky en 1929, et son engagement pour l’art moderne le conduit à inaugurer à New York en 1939 le Musée de peinture non objective (Museum of Non-Objective Painting), précurseur du Musée Solomon R. Guggenheim. Aujourd’hui, la Fondation Guggenheim détient plus de 150 pièces de cet artiste fondamental.

Commissaire de l'exposition : Megan Fontanella, conservatrice au département « Modern Art & Provenance » du Solomon R. Guggenheim Museum.

KANDINSKI

Catalogue de l'exposition

A l’occasion de cette exposition, le Musée Guggenheim Bilbao publie un catalogue illustré avec un essai de Tracey Bashkoff et une série de brèves entrées signées par Karole P.B. Vail.

MUSEE GUGGENHEIM BILBAO

GUGGENHEIM MUSEUM BILBAO

Avenida Abandoibarra, 2 - 48009 Bilbao

www.guggenheimbilbao.es

¡Printing the Revolution! @ SAAM, Washington, DC - The Rise and Impact of Chicano Graphics, 1965 to Now

¡Printing the Revolution! 

The Rise and Impact of Chicano Graphics, 1965 to Now

Smithsonian American Art Museum, Washington, DC

Through August 8, 2021

LEONARD CASTELLANOS

RIFA, from Méchicano 1977 Calendario, 1976

Screenprint on paperboard

Smithsonian American Art Museum

Museum purchase through the Luisita L. 

and Franz H. Denghausen Endowment, 2012.53.1, 

© 1976, Leonard Castellanos

In the 1960s, Chicano activist artists forged a remarkable history of printmaking rooted in cultural expression and social justice movements that remains vital today. The exhibition “¡Printing the Revolution! The Rise and Impact of Chicano Graphics, 1965 to Now” presents, for the first time, historical civil rights-era prints by Chicano artists alongside works by graphic artists working from the 1980s to today. It considers how artists innovatively use graphic arts to build community, engage the public around ongoing social justice concerns and wrestle with shifting notions of the term “Chicano.” Mexican Americans defiantly adopted the term Chicano in the 1960s and 1970s as a sign of a new political and cultural identity. Graphic artists played a pivotal role in projecting this revolutionary new consciousness, which affirmed the value of Mexican American culture and history and questioned injustice nationally and globally.

The exhibition is on view at the Smithsonian American Art Museum’s main building. It includes 119 works, ranging from traditional screenprints to digital graphics and augmented reality (AR) works to site-specific installations, by more than 74 artists of Mexican descent and other artists who were active in Chicanx networks. All of the artworks on display are part of the museum’s permanent collection of Latinx art, one of the leading national collections of its kind and one of the most extensive collections of Chicanx graphics in an American art-focused museum. This exhibition features donated artworks from major collectors and an ambitious program to purchase artworks for the collection to create an inclusive view of American art that features Chicanx voices and contributions. The exhibition is organized by E. Carmen Ramos, acting chief curator and curator of Latinx art at the Smithsonian American Art Museum, with Claudia E. Zapata, curatorial assistant for Latinx art.

The museum is limiting the number of visitors permitted in the galleries and has established new safety measures in the museum to accommodate safe crowd management and implement safe social distancing. Visitors are required to obtain free, timed-entry passes in advance and should review new safety measures online before arriving at the museum.

“Since the late 1970s, the Smithsonian American Art Museum has demonstrated a deep commitment to building a rich collection of Latinx art in the nation’s capital,” said Stephanie Stebich, the Margaret and Terry Stent Director at the Smithsonian American Art Museum. “SAAM is uniquely positioned to engage in a conversation about an inclusive view of American history that features Chicanx voices and contributions, and we are proud to present the first major museum exhibition dedicated to this subject matter from a national perspective.”

The artists in the exhibition use graphics as a vehicle to debate larger social causes, reflecting the issues of their time period, including immigrant rights, opposition to the Vietnam War, the civil rights movement and the Black Lives Matter movement. Vibrant posters and images announced labor strikes and cultural events, reimagined national and global histories, and, most significantly, challenged the invisibility of Chicanos in U.S. society. The exhibition offers an expanded view of American art and the history of graphic arts, featuring previously marginalized voices from Chicano art, including women and LGBTQ+ individuals. The influential Chicano graphics movement has been largely excluded from the history of U.S. printmaking. “¡Printing the Revolution!” challenges this historical sidelining of Chicanx artists and their cross-cultural collaborators.

“Chicano graphic artists were among the first to immerse themselves in civil rights activism, many working to support the United Farm Workers union founded by César Chávez and Dolores Huerta,” Ramos said. “The exhibition explores how this early civil rights activity set the foundation for a truly noteworthy, politically engaged graphic arts movement among artists of Mexican descent and their cross-cultural collaborators that continues to thrive today, over five decades later. At a time when U.S. society is grappling with how to face a history of systemic racism, this exhibition presents a long line of artists doing exactly that.”

“¡Printing the Revolution!” includes iconic works by major artists like Rupert García, Malaquias Montoya, Juan Fuentes, Ester Hernandez, Yolanda López and members of the Royal Chicano Air Force collective (RCAF), and later generations working after the height of the civil rights era. It features works produced at major print centers, organizations and collectives located in cities across the U.S., including Austin, Texas; Chicago; Los Angeles; New York City; Sacramento, California; San Francisco; Santa Fe, New Mexico; and Oakland, California. The exhibition is the first to consider how Chicanx mentors, print centers and networks collaborated and nurtured other artists, including multigenerational stories like that of Chicana artist Yreina D. Cervántez, who mentored her student Favianna Rodriguez, born to Peruvian immigrants in Oakland. Rodriguez herself would go on to mentor digital artist Julio Salgado, a Mexican-born artist and DACA recipient, who is well known for his work exploring the intersection of LGBTQ+ and immigrant rights.

Visitors enter the exhibition through a site-specific installation, “Justice for Our Lives,” by San Francisco Bay Area artist Oree Originol. Inspired by the Black Lives Matter movement, this artwork, which Originol also presents online and as public art interventions, includes memorial portraits of Oscar Grant, Alex Nieto, George Floyd, Breonna Taylor and others killed during altercations and interactions with law enforcement. Begun in 2014, Originol continues to add portraits to the work. The project reflects a major undercurrent within Chicanx graphic arts to respond immediately to urgent concerns as they are unfolding.

The 74 artists featured in the exhibition are Lalo Alcaraz, David Avalos, Jesus Barraza (Dignidad Rebelde), Francisco X Camplis, Barbara Carrasco, Leonard Castellanos, René Castro, Melanie Cervantes (Dignidad Rebelde), Yreina D. Cervántez, Enrique Chagoya, Sam Coronado, Carlos A. Cortéz, Rodolfo O. Cuellar (RCAF), Alejandro Diaz, Dominican York Proyecto GRAFICA (Carlos Almonte, Yunior Chiqui Mendoza, Pepe Coronado, iliana emilia garcía, Scherezade García, Reynaldo García Pantaleón, Alex Guerrero, Luanda Lozano, Miguel Luciano, Moses Ros-Suárez, René de los Santos, Rider Ureña), Richard Duardo, Roxana Dueñas, Shepard Fairey, Ricardo Favela (RCAF), Sandra C. Fernández, Juan Fuentes, Eric J. García, Max E. Garcia (RCAF), Rupert García, Ramiro Gomez, Daniel González, Héctor D. González (RCAF) , Luis C. González (RCAF), Xico González (RCAF), Ester Hernandez, Nancypili Hernandez, Louis Hock, Nancy Hom, Carlos Francisco Jackson, Luis Jiménez, Carmen Lomas Garza, Alma Lopez, Yolanda López, Linda Zamora Lucero, Gilbert “Magu” Luján, Poli Marichal, Emanuel Martinez, César Maxit, Oscar Melara, Michael Menchaca, José Montoya (RCAF), Malaquias Montoya, Juan de Dios Mora, Oree Originol, Amado M. Peña Jr., Zeke Peña, Favianna Rodriguez, Sonia Romero, Shizu Saldamando, Julio Salgado, Jos Sances, Herbert Sigüenza, Elizabeth Sisco, Mario Torero, Patssi Valdez, Xavier Viramontes, Ernesto Yerena Montejano and Andrew Zermeño.

Note about terms: The museum uses the term “Chicano” to refer to the historical Chicano movement in the United States (starting roughly in 1965) and its participants. “Chicana” references women who fought for and prefer this designation. "Chicanx” is a current, inclusive designation that is gender-neutral and non-binary.

¡Printing the Revolution!

The Rise and Impact of Chicano Graphics, 1965 to Now

Exhibition Catalog

Edited by E. Carmen Ramos, with contributions from E. Carmen Ramos, Tatiana Reinoza, 

Terezita Romo, and Claudia E. Zapata. 

Co-published by the Smithsonian American Art Museum 

in association with Princeton University Press, Princeton and Oxford, 2020, 340 pages

ISBN Hardcover 9780937311066, ISBN Flexicover 9780691210803, Dimensions 9 x 12 in.

SAAM - SMITHSONIAN AMERICAN ART MUSEUM

8th and G Streets, NW, Washington, DC 20004 

americanart.si.edu

Exposition Rodin / Arp, Fondation Beyeler, Riehen / Bâle

Rodin / Arp

Fondation Beyeler, Riehen / Bâle

Jusqu'au 16 mai 2021

AUGUSTE RODIN 

AU MILIEU DE SES OEUVRES  DANS LE PAVILLON DE L'ALMA 

À MEUDON, VERS 1902

Photo : Eugène Druet

© Musée Rodin, Paris

»Et ainsi la vérité de mes figures, au lieu d’être superficielle, sembla s’épanouir du dedans au dehors comme la vie même.« 

Auguste Rodin

»Nous ne voulons pas copier la nature. Nous ne voulons pas reproduire, nous voulons produire. Nous voulons produire comme une plante qui produit un fruit et ne pas reproduire.«

Hans Arp

Pour la première fois, une exposition muséale fait dialoguer AUGUSTE RODIN (1840–1917) et HANS ARP (1886–1966), mettant face à face l’oeuvre pionnier du grand réformateur de la sculpture du 19ème siècle finissant et l’oeuvre influent d’un des protagonistes majeurs de la sculpture abstraite du 20ème siècle. Les deux artistes possédaient une puissance d’innovation artistique et un goût pour l’expérimentation exceptionnels. Leurs oeuvres ont fortement marqué leur époque et ont conservé toute leur actualité.

Les créations d’Auguste Rodin et de Hans Arp illustrent de manière impressionnante et exemplaire des aspects fondamentaux du développement de la sculpture moderne. Auguste Rodin a ainsi introduit des idées et des possibilités artistiques radicalement nouvelles dont Hans Arp s’est saisi plus tard dans ses formes biomorphes, les faisant évoluer, les réinterprétant ou les contrastant. Il n’est à ce jour pas certain que Rodin et Arp se soient jamais rencontrés personnellement, mais leurs oeuvres présentent des liens de parenté artistique et de références communes, tout comme des différences, qui font de la confrontation de leurs créations singulières une expérience visuelle particulièrement éloquente.

L’exposition prend pour point de départ la sculpture de Hans Arp Sculpture automatique (Hommage à Rodin) de 1938 et son poème Rodin de 1952, hommages explicites au grand précurseur, qui illustrent aussi le vaste éventail créatif de Arp, allant de la sculpture à la poésie. Outre ces références explicites, le dialogue entre Rodin et Arp révèle aussi de nombreux autres liens, repères et préoccupations artistiques communs. L’exposition met ainsi en lumière des rapports de contenu et d’approche conceptuelle qui s’enracinent dans l’exploration de thèmes existentiels tels la création, la croissance, la transformation et la déchéance. Il en résulte des représentations de corps humains, animaux ou végétaux qui se fondent de manière nouvelle. On rencontre chez Auguste Rodin et chez Hans Arp une conception de la nature et de l’art toute singulière et pourtant comparable, qui met en avant le processuel et l’expérimental, et fait aussi du hasard un principe artistique. Les deux artistes s’intéressent à l’idée du vivant en tant que thème philosophique, auquel ils donnent corps dans des sculptures éclatantes de vitalité. Les sculptures de Rodin et de Arp, mouvementées et émouvantes, fascinent aussi par leur jeu de volumes sensuels, fluides et immaculés d’une part et de surfaces et de formes altérées et accidentées d’autre part, qui trouvent leur idéal dans le torse. L’articulation entre construction et déconstruction est aussi palpable dans le genre de l’assemblage, que Rodin introduit en sculpture et que Arp développe plus avant. Il apparaît aussi chez les deux artistes des liens dans la méthode, par exemple dans le transfert des figures d’un matériau à un autre, et dans leur réalisation à différentes échelles allant du petit format au monument. Leur attention porte aussi sur la présentation de leurs sculptures, en particulier sur le socle, que Rodin est le premier à remettre en question. Enfin, il existe entre Rodin et Arp des liens en termes de motifs, par exemple celui de l’ombre, de la main créatrice ou du vase en tant qu’objet et volume. Les deux artistes puisent pour cela souvent dans la littérature, par exemple la mythologie antique ou la Divine Comédie de Dante.

Réunissant environ 110 oeuvres de musées et de collections privées du monde entier, «Rodin / Arp» est l’une des expositions de sculpture les plus vastes présentées à ce jour par la Fondation Beyeler. Si l’exposition met l’accent sur les sculptures d’Auguste Rodin et de Hans Arp (y compris une sculpture d’extérieur monumentale dans le parc du musée), elle présente également des reliefs de Arp ainsi que des dessins et des collages des deux artistes.

L’exposition réunit des oeuvres emblématiques comme Le Penseur et Le Baiser de Rodin ou Ptolémée et Torse de Arp. Des oeuvres moins célèbres font apparaître d’autant plus clairement les liens artistiques qui unissent les deux artistes.

L'exposition a été conçue par la Fondation Beyeler, Riehen/Bâle, en coopération avec le Arp Museum Bahnhof Rolandseck, Remagen, et organisée en collaboration avec le Musée Rodin, Paris. L’exposition est placée sous le commissariat de Dr. Raphaël Bouvier, commissaire d’exposition à la Fondation Beyeler.

FONDATION BEYELER

Baselstrasse 77, CH-4125 Riehen

www.fondationbeyeler.ch

Du fait du COVID-19, la Fondation est fermée actuellement. Pensez à vérifier sur le site la date de réouverture.

Wolfgang Tillmans @ Galerie Buchholz, Berlin

Wolfgang Tillmans

Galerie Buchholz, Berlin

Through 27 February, 2021

Galerie Buchholz presents its twelfth solo exhibition by WOLFGANG TILLMAN (b. 1968, Remscheid; lives and works in Berlin and London). The artist has installed the exhibition on both floors of Buchholz's Berlin gallery space. In addition to new photographs and works from well-known series such as the “Silver” and “Greifbar”, the show marks the debut of Wolfgang Tillmans’s 4K projection “Beleuchter in the Sky” (2020) and includes the audio piece “I want to make a film” (2018).

“Beleuchter in the Sky” is a 22-minute sequence of photographs of the same unchanging set of roofs and the sky above them as seen from Wolfgang Tillmans’s studio in Berlin. The images, accompanied by new music tracks by the artist that impart their rhythm to them, were taken starting in March of this year; reacting to the music, they are spliced together with hard cuts, or in crossfades.

The sound installation “I want to make a film” (9 minutes) is based on a dictaphone recording of the artist speaking about a fictional film project concerning the computing power of smartphones. The question of which technological changes and developments were required to move from the PC and floppy-disk system to the smartphone leads him to a meditation about how the omnipresence of information technologies is perceived, on their dominance and influence over our lives. To create a perfect acoustic situation in the space, the floor has been carpeted and sound panels covered with Green-Tek fabric, a lightweight textile originally developed for shade management in greenhouses, have been installed.

An extensive publication dedicated entirely to Wolfgang Tillmans’s “Silver” works will be released at the end of the exhibition. In addition to comprehensive documentation of the series, the book will contain a new essay by Tom Holert and a conversation between Wolfgang Tillmans and the photography restoration expert Klaus Pollmeier about the specific facture of these works. The book will be published in separate German and English editions.

WOLFGANG TILLMAN has presented his work in major solo exhibitions at museums since the 1990s. Kunsthalle Zürich (2012) and Les Rencontres d’Arles (2013) presented works from the series “New World.” In 2012, the Moderna Museet, Stockholm, showcased a selection of works from the past twenty-five years; the same exhibition was on view at K21, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, in 2013, while a comprehensive retrospective of Tillmans’s oeuvre toured South America. In 2014, installations by Tillmans were displayed at the 8th Berlin Biennale, Manifesta 10, and as part of presentations of art from the collections at the Fondation Louis Vuitton, Paris, and the Folkwang Museum, Essen. His video installation “Book for Architects,” which made its public debut at the 2014 Venice Architecture Biennale, subsequently travelled to the Metropolitan Museum, New York. A major solo exhibition opened at the National Museum of Art, Osaka, and in Gothenburg in 2015 on occasion of Tillmans’s receipt of the Hasselblad Award. In early 2016, he presented an extensive survey of his oeuvre at the Museu de Arte Contemporânea de Serralves, Porto, followed by major exhibitions at Tate Modern, London, and Fondation Beyeler, Riehen near Basel, in 2017. In 2018, he was awarded the Kaiserring, the art prize of the City of Goslar. Produced in collaboration with the Institut für Auslandsbeziehungen (ifa) in 2018, Tillmans’s travelling exhibition “FRAGILE” has toured venues in numerous African cities including Kinshasa, Nairobi, Johannesburg, Addis Ababa, and Yaoundé, with more cities to follow. Recent exhibitions have included retrospectives at the Carré d’Art-Musée d’art contemporain, Nîmes (2018), the Irish Museum of Modern Art, Dublin (2018), and WIELS, Brussels (2020). A show at the mumok, Vienna, is scheduled for the fall of 2021, followed by a comprehensive retrospective of Wolfgang Tillmans’s oeuvre at the MoMA, New York, in the summer of 2022.

GALERIE BUCHHOLZ

Fasanenstrasse 30, Berlin

www.galeriebuchholz.de

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Lucy McKenzie @ Museum Brandhorst, Munich - Prime Suspect

Lucy McKenzie – Prime Suspect

Museum Brandhorst, Munich

Through 21 February 2021

LUCY McKENZIE 

in front of the work "Mooncup" (2012) 

in the exhibition "Lucy McKenzie -Prime Suspect"

© Lucy McKenzie. Photo:Robert Haas

“Lucy McKenzie – Prime Suspect” is the first international survey exhibition of the Brussels-based Scottish artist Lucy McKenzie (b. 1977). Bringing together approximately 80 works dating from 1997 to the present, the exhibition brings together examples from all of the artist’s significant bodies of work. From her early works exploring the pageantry and iconography of international sport and the politics of postwar muralism, through her engagement with fin-de-siècle architecture and interior design and mid-century Belgian illustration, to her ongoing research into the intertwined histories of fashion and retail display, Lucy McKenzie has established herself among the most singular artistic voices of her generation.

In “Top of the Will” (1998-99), one of the earliest works in the exhibition, Lucy McKenzie combined staged photos of herself and her friends, dressed in gymnastics uniforms based on those worn by the Soviet teams of the 1970s, taped directly to the wall and interspersed with pages torn from vintage books and magazines. In its combination of fact and fiction, documentation and imitation – and a mode of presentation that simultaneously evokes a teenager’s bedroom décor and the “evidence wall” familiar to viewers of countless police procedurals – “Top of the Will” already introduces a combination of fanlike enthusiasm and forensic analysis that is among the most enduring features of Lucy McKenzie’s oeuvre.

Over the past two decades, Lucy McKenzie has excavated and transformed images, objects, and motifs from a wide range of historical moments and contexts, producing a body of work that defies easy categorization but that is, for that very reason, all the more compelling. She has revived the old tradition of trompe l’oeil painting—whose images are so convincingly real that they literally “deceive the eye”—using it as a means to inhabit, critique, and reimagine earlier styles and periods of art and design, illuminating an alternative history of modern art in which the so-called “applied arts” emerge as key players in a narrative that diverges from the established chronologies of modernism and the avant-garde.

Despite her own formidable skills as a painter, Lucy McKenzie has consistently refused to privilege one form of visual or material production over another, often highlighting vernacular and collaborative practices that have historically been marginalized or denigrated in the context of the fine arts. The large-scale installation “Interior” (2007) and the monumental painting “Ludwig Haus” (2009) each synthesize a variety of fin-de-siècle interior designs by Charles Rennie Mackintosh, Victor Horta, and others, enlarging small watercolor sketches and presentation drawings to one-to-one architectural scale. Despite this massive shift, through which they become both paintings and environments, each work nevertheless retains the provisional qualities of its sources. More recently, Lucy McKenzie has mined such seemingly disparate veins as the visual rhetoric of cartography and advertising, while expanding her ongoing series of trompe l’oeil “quodlibet” paintings from pinboards and tabletop arrangements into three dimensions, further destabilizing the relationship between the thing depicted and the thing itself.

The politics of gender and the place of women and the representation of the female body in twentieth century art, architecture, and fashion is also a major theme that runs throughout the exhibition. Where the early painting “Curious” (1998) highlights the eroticization of female athletes in popular media, “Copy of Untitled, 2005” (2014) speaks to the banality of sexual and pornographic content in contemporary culture. “Co? Në!” (2004) imagines a 1960s-era mural advertising a fictional ladies’ deodorant, while “Mooncup” (2012) presents an enormous (unauthorized) advertisement for a real British maker of silicone menstrual cups. Such recent works as “Vionnet Salon Murals after Georges de Feure” (2016) and “Rebecca” (2019) take up the legacy of the early French designer Madeleine Vionnet, known for the mathematical precision of her garments, with construction details often executed to create decorative effects, thereby obviating the need for additional ornament.

Fashion and its dissemination and display are the central concerns of Atelier E.B, Lucy McKenzie’s ongoing collaboration with the Scottish designer Beca Lipscombe. Originally founded in 2007 as an interior design firm, by 2011 Atelier E.B had morphed into a successful line of ready-to-wear fashion employing the highest quality Scottish materials and artisanship. It has also come to function as a kind of artistic research bureau investigating the history of fashion as well as the history of display, from Worlds’ Fairs and heritage exhibitions to department stores and retail showrooms, presenting their findings in the form of exhibitions and publications. Atelier E.B’s fundamentally hybrid nature is exemplified by the architectural work “Faux Shop” (2018), acquired by the Museum Brandhorst in 2019, which functions simultaneously as a showcase for their Jasperwear collection and as an enormous trompe l’oeil sculptural installation in its own right.

The title of the exhibition, “Prime Suspect”, alludes to the way that Lucy McKenzie’s exhibitions often function like detective stories, in which a fictional premise provides the structure for her own investigations, using historical material to ask important and resonant questions about contemporary society. It also points to her own elusiveness in the process – in which the artist herself has a way of disappearing into the dense web of references she weaves in her work – and the challenges this poses to the traditional model of the solo exhibition. Beyond the sheer variety of her output, the formal variation from one body of work to the next can be disconcerting. Her technical dexterity has allowed Lucy McKenzie to develop a methodology that involves taking up and temporarily inhabiting the styles of other artists and periods. In so doing, however, she operates more like a pathologist or method actor than a counterfeiter or forger: for McKenzie, imitation operates not as a form of deception but as a means of understanding her subjects (whether individuals, movements, ideologies, or some combination thereof): of getting inside their heads and figuring out what makes them tick. Similarly, her frequent use of existing historical material differs importantly from the model of appropriation familiar from the art of the 1980s, where artists often sought to undermine the authority of their sources and their claims to authenticity. Rather, Lucy McKenzie herself performs the role of the detective, uncovering and rearticulating overlooked details from the past in order to reveal something of the social relations involved in their production, as well as what made them compelling in the first place, and thereby to better understand those relations in the present.

LUCY McKENZIE - PRIME SUSPECT

The exhibition is accompanied by an extensive and profusely illustrated catalogue, documenting the full range of McKenzie’s oeuvre. It includes new essays by Mason Leaver-Yap, Leah Pires, Anne Pontégnie, and Jacob Proctor, as well as a short story by Lucy McKenzie. 350 pages, 282 color illustrations. Published by Museum Brandhorst in collaboration with Walther König. Language: German & English. ISBN 978-3-96098-852-6

Curator: Jacob Proctor

MUSEUM BRANDHORST

Theresienstraße 35a, 80333 München

www.museum-brandhorst.de

Senzeni Marasela @ Zeitz MOCAA, Cape Town - Waiting for Gebane

Senzeni Marasela

Waiting for Gebane

Zeitz Museum of Contemporary Art Africa (Zeitz MOCAA), Cape Town

Through 2 May 2021

Zeitz MOCAA presents a long-due institutional focus on the work of SENZENI MARSALA.  

Senzeni Marasela, who was born in Thokoza, South Africa, is an artist whose mediums include photography, video, prints, textiles and embroidery. Her work deals with history, memory, and personal narrative, and emphasises historical gaps and overlooked female figures. 

Titled Waiting for Gebane, the exhibition is an overview of the artist’s practice, and centres around Theodorah Mthetyane, Senzeni Marasela’s fictional alter ego who was inspired by, and is a femage to her mother. 

Theodorah’s story begins when her husband, Gebane, leaves her behind in a village in the Eastern Cape when he sets off to work in faraway Johannesburg. After many years of waiting, Theodorah leaves the village for the sprawling city streets to look for her partner. In a series of photographs and textile works, Marasela wears her mother’s yellow ishweshwe dress to depict Theodorah’s search for Gebane while simultaneously honouring her mother. 

In a later performance of the character that blurs the lines between performativity and everyday life, Marasela wore for six consecutive years exclusively the same red ishweshwe dress. Through Theodorah, the artist sought to explore the conditions of waiting and the stories of black women in South Africa, to make visible their subjectivities.  

In speaking about the performance, Senzeni Marasela says: “The idea of having multiple dresses throughout my performance work for Waiting for Gebane, was about an attempt to live or to walk in many shoes. Shoes that were sometimes smaller than mine, bigger than mine, wider than mine.  

“But it was an attempt to multiply this experience, this heavy experience of being a black woman on the continent. And when I do re-enact, I re-enact with the aim of changing, of altering, changing until I find a comfortable position to be in as an artist, as a person.” 

Koyo Kouoh, Executive Director and Chief Curator at Zeitz MOCAA says: “It is an important moment for us at Zeitz MOCAA to celebrate this artist, in presenting her first museum solo exhibition. That it is a first, is almost unfathomable – Marasela has been working consistently and steadfastly on one of the most compelling bodies of work on the African continent by a female artist. 

“What fascinates me about Marasela’s work is that it addresses and carries out, by way of re-enactments, a characteristic feature of contemporary life in Africa: waiting. She adds complexity to the act of waiting and translates it into an affecting visual language that is charged with political and historical gravity.”  

ABOUT SENZENI MARSALA

Born in 1977 in Thokoza, South Africa, Senzeni Marasela is a cross-disciplinary artist who explores photography, video, prints, and mixed-medium installations involving textiles and embroidery.

Her work deals with history, memory, and personal narrative, emphasising historical gaps and overlooked figures. She graduated from the University of Witswatersrand, Johannesburg, in 1998, and shortly thereafter completed a residency at the South African National Gallery, culminating in her work for the Gallery’s Fresh exhibition series.

Her work has been widely exhibited in South Africa, Europe and the US. Senzeni Marasela’s art features in prominent local and international collections, including MoMA, New York. She was recently part of the 56th Johannesburg Pavilion at the Venice Biennale (2015). Solo exhibitions include: Waiting for Gebane: Dolly Parton (2018) Toffee Gallery, Darling, South Africa, Sarah, Theodorah and Senzeni in Johannesburg (2011) Art on Paper, Johannesburg, Beyond Booty: Covering Sarah Baartman and other Tales (2010) Axis Gallery, New York, “Oh my God you look like shit. Who let you out of the house looking like that?”, a solo performance, Sternersen Museum, Oslo, JONGA – Look at Me! A Museum of Women, Dolls and Memories, Devon Arts residency, Devon, Three Women, Three Voices (2004) Johannesburg Art Gallery, Johannesburg, Fresh (2000) South African National Gallery, Cape Town.

Senzeni Marasela’s practice has been contextualised in the following publications, Jonga: Look at Me: Museum of Women, Dolls and Memories (2009), Unbounded (2009), South African Art Now (2009), Darkroom (2009), 10 Years, 100 Artists (2005), History After Apartheid (2003), FRESH (2001).

She lives and works in Soweto, South Africa.

Curators: Koyo Kouoh, Storm Janse Van Rensburg, Tammy Langtry

ZEITZ MUSEUM OF CONTEMPORARY ART AFRICA - ZEITZ MOCAA

Silo District, South Arm Road, V&A Waterfront, Cape Town 8002

zeitzmocaa.museum

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Shen Wei @ Flowers Gallery, Hong Kong - Self

Shen Wei: Self

Flowers Gallery, Hong Kong

Through 27 February 2021

SHEN WEI

Stage, 2017 

Archival Pigment Print

© Shen Wei, courtesy of Flowers Gallery

SHEN WEI

Self Portrait (Bent), 2009

Archival Pigment Print

© Shen Wei, courtesy of Flowers Gallery

Flowers Gallery presents Self, a solo exhibition by SHEN WEI in Hong Kong. The exhibition brings together selected works from several series from 2009 to the present day, incorporating photography and video work. Shen Wei’s diverse body of work explores notions of identity, memory and sexuality.

On view are photographs from his latest series Broken Sleeve, which was inspired by a legendary story of an ancient Chinese emperor whose lover fell asleep on his sleeve. Rather than wake him, the emperor cut off his own sleeve. The series is more than a love story; it explores how power and submission, harmony and danger coexist in the same space; how myth, magic and romance become intertwined together in the real world.

The notion of desire and control is explored in Shen’s nude self-portraits from his earlier series I Miss You Already. Self-portrait (Bent) portrays the body stretched to create a taut arch within the contained space of a cave, while Self-portrait (Syracuse) examines the seductive but also submissive/dominant interaction of two figures.

Two works from Between Blossoms, a series of landscapes created across continents, from the United States to Europe and Asia is exhibited. These photographs capture a unifying sense of other-worldliness within the changing landscape that Shen describes as “deeply connected to my inner melancholy, a dream-like state of mind.” Shen finds the unfamiliar and desire hidden in the nature and our unseen surroundings. The interplay of darkness and light, positive and negative elements also articulates oppositional emotional states of fear, attraction, joy, loneliness and absence. This can be seen in the near pitch-black void within Peach Tree from which a lush, flower-studded tree emerges.

Also on display are examples of Shen’s video work, Bubble (2013) and Dusk of the Harmonious Garden (2016). Performing for the camera in Bubble, Shen explores the intense effects of bodily experience, drawing out a provocatively extended gesture of blowing a bubble until reaching a state of exhaustion. In contrast, Dusk of Harmonious Garden is a meditative journey of time and fantasy.

SHEN WEI

Peach Tree, 2014

Archival Pigment Print (detail)

© Shen Wei, courtesy of Flowers Gallery

SHEN WEI (b. 1977)

Born and raised in Shanghai, Shen Wei is based in New York City. He is known for his intimate portraits of himself and others, as well as his poetic landscapes and still-life photography. His work has been exhibited internationally, with venues including the Museum of the City of New York, the Philadelphia Museum of Art, the Power Station of Art in Shanghai, China, the Hasselblad Foundation in Göteborg, Sweden, the North Carolina Museum of Art, and the Museum of Contemporary Photography in Chicago. His work has been featured in The New York Times, The Guardian, The New Yorker, CNN, Aperture, ARTnews, Paris Review, Financial Times, Le Figaro, and American Photo.

Shen Wei’s work is included in the permanent collection of the Museum of Modern Art (MoMA), the Philadelphia Museum of Art, the J. Paul Getty Museum, the Museum of Contemporary Photography, the Library of Congress, the Carnegie Museum of Art, the Museum of Chinese in America, CAFA Art Museum, and the Ringling Museum of Art, among others.

Shen Wei is a recipient of the Rockefeller Foundation Bellagio Center Arts Residency, the Asian Cultural Council Arts & Religion Fellowship, the New York Foundation for the Arts Fellowship, and the Lower Manhattan Cultural Council Arts Grant. He holds an MFA in photography, video, and related media from the School of Visual Arts, New York, and a BFA in photography from Minneapolis College of Art and Design. 

FLOWERS GALLERY HONG KONG

49, Tung Street, G/F, Sheung Wan, Hong Kong

www.flowersgallery.com

David Hockney @ Galerie Lelong & Co., Paris - Ma Normandie

David Hockney : Ma Normandie

Galerie Lelong & Co., Paris

Jusqu'au 27 février 2021

DAVID HOCKNEY

David & Ruby in the Normandy Studio, May 25th 2020 

© David Hockney 

Photo: Jean-Pierre Gonçalves de Lima

L'exposition "Ma Normandie" présente dans les trois espaces de la Galerie Lelong & Co. à Paris un ensemble d'une dizaine de nouvelles peintures ainsi qu'une série d'oeuvres sur papier que DAVID HOCKNEY a exécuté depuis son installation en Normandie en mars 2019. "Ma Normandie" est la 6ème exposition de David Hockney à la Galerie Lelong & Co. depuis 2001.

En octobre 2018, David Hockney séjourne quelques jours à Honfleur. De là, il se rend à Bayeux pour revoir la tapisserie de la Reine Mathilde. Il est alors fasciné par l’efficacité graphique et narrative de cette oeuvre du XIe siècle qui lui rappelle les anciens rouleaux chinois.

Faire sentir en peinture le passage du temps a toujours été l’une des préoccupations majeures du peintre anglais, fin lecteur de Marcel Proust. L’idée germe alors en lui de renouveler avec le paysage normand ce qu’il fit dans son Yorkshire natal dix ans plus tôt : peindre l’arrivée du printemps dans son déroulement, comme un récit.

Il cherche et trouve une maison dans la campagne normande, y fait aménager un atelier dans une grange attenante, et se met au travail dès le mois de mars 2019. La peinture de David Hockney est une sorte d’autobiographie en images : il peint ses proches et les lieux où il vit. Il commence donc par un long panorama qui représente ce qu’il voit autour de la maison, à 360°. Le souvenir de la tapisserie de Bayeux est patent. Puis viennent quelques vues de la maison, une architecture traditionnelle à colombages du XVIIe siècle. Il note que les Impressionnistes, à l’affût de la modernité, ont dédaigné ces maisons typiques de la région. David Hockney y voit par contre un écho des chaumières du paysage hollandais que représentèrent Rembrandt et le jeune Van Gogh, les deux grands maîtres qu'il aime à regarder en ce moment.

L’été venu, il commence une série de peintures à l’acrylique : une vue du village de Beuvron-en-Auge, les pommiers et poiriers du jardin, les arbres dans la brume du matin... Il capte cette lumière changeante, la vibration du ciel...

L'exposition est accompagnée d'un catalogue de 108 pages avec des textes de Jean Frémon, Donatien Grau et David Hockney.

GALERIE LELONG & CO.

13 rue de Téhéran & 38 avenue Matignon, 75008 Paris

www.galerie-lelong.com