WANAFOTO: Niki de Saint Phalle

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13/07/25

Niki de Saint Phalle & Jean Tinguely: Myths & Machines @ Hauser & Wirth Somerset

Niki de Saint Phalle & Jean Tinguely

Myths & Machines

Hauser & Wirth Somerset

17 May 2025 – 1 February 2026

Niki de Saint Phalle and Jean Tinguely

in front of their home and studio ‘Auberge du Cheval Blanc,’

Essonne region, 3 March 1967

Harry Shunk and Shunk-Kender Photographs

Getty Research Institute, Los Angeles (2014.R.20)

Gift of the Roy Lichtenstein Foundation in Memory

of Harry Shunk and Janos Kender

@ J. Paul Getty Trust

Courtesy Niki Charitable Art Foundation and Hauser & Wirth

Niki de Saint Phalle and Jean Tinguely

Nana dansant (Nana mobile), 1976

Painted polyester, iron stand with electric motor

by Jean Tinguely

43.5 x 20 x 14 cm / 17 1/8 x 7 7/8 x 5 1/2 in

Courtesy Niki Charitable Art Foundation and Hauser & Wirth

Niki de Saint Phalle and Jean Tinguely

La Grande Tête, 1988

Painted polyester, electrical system

225 x 225 x 140 cm / 88 5/8 x 88 5/8 x 55 1/8 in

Photo: Laurent Condominas

Courtesy Niki Charitable Art Foundation and Hauser & Wirth

‘We couldn’t sit down together without creating something new, conjuring up dreams.’—Niki de Saint Phalle, ‘A little of my story with you Jean’ (1996)

Niki de Saint Phalle (1930 – 2002) and Jean Tinguely (1925 – 1991) are reunited in a major site-wide takeover at Hauser & Wirth Somerset in collaboration with the Niki Charitable Art Foundation. The first exhibition dedicated to both artists in the UK illustrates Saint Phalle and Tinguely’s visionary artistic output and enduring creative collaboration over three decades. Two emblematic figures of contemporary art, Niki de Saint Phalle and Jean Tinguely defied conventional artmaking and were fuelled with rebellion, in both life and art. The exhibition features unseen works on paper and art décor by Niki de Saint Phalle, alongside her Shooting Paintings and monumental open-air sculptures. Iconic kinetic machines by Jean Tinguely range from the 1950s to the final year of his life, in addition to multifaceted collaborative works made by the duo throughout the 1980s.

The Bourgeois Gallery introduces the artists’ distinct visual language, production methods and social commentary that developed in parallel, and through collaboration, over the course of their careers. The Tinguely works within this space are exemplary of his sculptural practice as research, exploring art based on movement, chance, relative speed and sound. His ‘anti-machines’ feel more relevant now than ever before, constructed from scrap metal and an assemblage of found materials, designed to highlight the flaws of modern technology and society’s displacement of humanity. Overlooking these works stands Saint Phalle’s ‘Big Lady (black)’ (1968/1995). By 1965, Saint Phalle began to introduce polyester to create more voluptuous dancing figures that could be displayed in public parks and other outdoor locations, as seen in ‘Les Trois Graces’ (1995 – 2003) that is presented in the farmyard in Somerset.

The Rhoades Gallery features Saint Phalle’s first functional sculptures, made for the film ‘Un Reve plus long que la nuit’ (1976). The film was written, directed and acted by Saint Phalle, alongside Tinguely and her daughter Laura Duke. Art and life were interchangeable in Saint Phalle’s universe and the decorative elements for the film, such as thrones, tables and mirrors, instigated a sustained interest in making art to be lived with, which resulted in larger-scale immersive projects. It was Saint Phalle’s passion for fantasy and mythology that contributed to Tinguely’s monumental sculptural work, ‘Le Cyclop’ (1969 – 1994), in the forest of Milly-la-Forêt, France, a project of boundless action between artists and a dream of utopia. A mutual source of inspiration can be seen in ‘Le Grande Tête’ (1988), a union of Tinguely’s robust mechanical base with Saint Phalle’s mysterious abstract face as a silent observer, a motif she began developing from the 1970s, in response to multiple realities and dream states that can exist simultaneously. Skating amongst the gold furniture is ‘Patineuse’ (c. 1967), from her most famous and recognizable series, the Nanas. Saint Phalle’s army of brightly colored Nanas interrogate the various roles of women, often liberated from tradition and radiating energy and vitality.

The Pigsty Gallery pays homage to Saint Phalle’s Shooting Paintings, which began in 1961 against a backdrop of political violence and unrest in France. Saint Phalle fired a rifle at canvases or low reliefs resembling altars or effigies, often exploding bags of hidden paint across the work’s surface. The process of creation was a paradoxical destructive act, utilizing sensations of violence and demolition to promote a sense of renewal and catharsis for the artist and the viewer. The performative action was both inward-looking, demonstrating Saint Phalle’s regaining of control and strength over a strict Catholic upbringing and abusive father but, at the same time, responding to the period in which they were made, and bursting with rage at institutional forces and masculinist values. Tinguely was a primary supporter of these works and his own auto-exploding sculptures and incendiarism in art shared this adventurous spirit and eagerness to challenge artistic norms.

The Workshop Gallery presents an intimate collection of drawings and works on paper by Saint Phalle, many of which reflect on her relationship with Tinguely and the creative stability and trust they provided for one another. The repetition of birds, snakes, dragons and mythical creatures appear frequently in Saint Phalle’s writings and sculptural work, drawing from the symbolic language of African, preColumbian and eastern cultures. Birds are often believed to be messengers from one world to the next, representing complete freedom and immortal reinvention. In addition to independent works by Tinguely, including ‘Radio Sculpture’ (1961), ‘IBM’ (1960) and Rocker III (1963), stands a final collaborative work, ‘Pallas Athéna (le chariot)’ (1989) that relates to the seventh card in the Tarot which appears in Saint Phalle’s Tarot Garden in Garavicchio, Italy.

Saint Phalle’s extraordinary combination of architecture, the enchantment of nature, and the spiritual world is integral throughout her practice, most notably in her ambitious vision for the Tarot Garden. This is prominent across the open-air presentation in Somerset, including ‘The Prophet’ (1990), ‘Tête de mort I’ (1988), ‘Le Poète et sa Muse (1999) and ‘Les Trois Graces’ (1995 – 2003), alongside Tinguely’s ‘Fountain III’ (1963), a large motor-driven fountain on display in the Rhoades Gallery lobby that is activated throughout the summer.

Jean Tinguely and Niki de Saint Phalle

back from the Cyclop, La Commanderie,

Dannemois, France, 1973

Photo: Laurent Condominas

Courtesy Niki Charitable Art Foundation and Hauser & Wirth

Niki de Saint Phalle and Jean Tinguely met and started working together in Paris, France in the late 1950s and were married in 1971. The pair forged an extraordinary personal and artistic relationship that continued to renew itself across multiple projects until Tinguely’s death in 1991, when Saint Phalle took over stewardship of his works until she died a decade later. The artists’ legacy and work are continued through the work of Niki Charitable Art Foundation and Museum Tinguely in Basel, Switzerland. The basis for the collection at the Museum Tinguely was provided by Niki de Saint Phalle’s donation of 52 sculptures from the Estate of Jean Tinguely, alongside many letters, graphics and archives.

HAUSER & WIRTH SOMERSET

Durslade Farm, Dropping Lane

Bruton, Somerset BA10 0NL

www.hauserwirth.com

15/06/25

Exposition Niki de Saint Phalle, Jean Tinguely, Pontus Hulten @ Grand Palais X Centre Pompidou, Paris

Niki de Saint Phalle, Jean Tinguely, Pontus Hulten

Grand Palais X Centre Pompidou, Paris

20 juin 2025 – 4 janvier 2026

Niki de Saint Phalle (1930−2002) et Jean Tinguely (1925−1991) marquent les premières décennies du Centre Pompidou avec des réalisations spectaculaires, telles Le Crocrodrome de Zig & Puce (1977) dans le forum du bâtiment ou la Fontaine Stravinsky (1983) au pied de l’Ircam. Cette exposition – qui inaugure la collaboration entre le Centre Pompidou et le GrandPalaisRmn pendant la fermeture pour rénovation du site « Beaubourg » – met en lumière des moments clés de la carrière de ce couple mythique, uni par des liens artistiques indéfectibles et une vision de l’art comme acte de rébellion contre les normes établies.

C’est par le prisme de Pontus Hulten (1924−2006), premier directeur du Musée national d’art moderne au Centre Pompidou de 1977 à 1981, que l’exposition revient sur les créations de Niki de Saint Phalle et Jean Tinguely. Grâce à l’impulsion donnée par cette personnalité très tôt remarquée dans le monde des musées, les deux artistes bénéficient d’une importante visibilité. Pontus Hulten, animé par l’idée rimbaldienne de « changer la vie » et porté par une approche muséale radicale et novatrice, offre un soutien inconditionnel au couple d’artistes. Il partage leurs conceptions anarchistes au service d’un art pour tous, pluridisciplinaire et participatif, qui bouscule les conventions et déplace les lignes

Pontus Hulten favorise l’acquisition par les institutions d’œuvres majeures de Niki de Saint Phalle et Jean Tinguely, et organise au Centre Pompidou des rétrospectives des deux artistes, celle de Niki de Saint Phalle en 1980 et de Jean Tinguely en 1988. Il orchestre également la réalisation de leurs projets d’installations hors normes, tant au Moderna Museet de Stockholm, la première institution qu’il dirige, avec la gigantesque Nana pénétrable Hon – en katedral en 1966, qu’à Paris au Centre Pompidou avec Le Crocrodrome de Zig & Puce et ses éléments de fête foraine, en 1977. C’est aussi grâce à Pontus Hulten que Niki de Saint Phalle parachève la réalisation d’une vie de Jean Tinguely après son décès, Le Cyclop, monstre de métal visitable ponctué d’œuvres d’amis artistes et caché au cœur des bois de Milly-la Forêt, près de Paris.

L’exposition « Niki de Saint Phalle, Jean Tinguely, Pontus Hulten » propose un parcours à la fois historique et ludique, où s’entrelacent art, amour, amitié et engagement, tout en soulignant la part d’utopie et de provocation artistique partagée par les trois protagonistes.

La richesse de la collection du Centre Pompidou, associée à des prêts majeurs d’institutions nationales et internationales, permet de découvrir ou redécouvrir des œuvres emblématiques des deux artistes. Les machines animées, plus ou moins autodestructrices et «inutiles», de Tinguely, sont une critique acerbe de la mécanisation et du progrès technologique de la société industrielle des Trente Glorieuses. Les Tirs de Niki de Saint Phalle, reliefs blancs renfermant des poches de couleurs sur lesquels elle tire pour «faire saigner la peinture », renversent tant les codes de l’art que de la société, en mettant en évidence le pouvoir féminin. Ses célèbres Nanas colorées et joyeuses s’inscrivent dans la continuité de cette approche iconoclaste. L’exposition présente également des films d’archives rares et toute une correspondance de lettres-dessins autour des œuvres et des projets titanesques de Niki Saint Phalle et Jean Tinguely, menés en complicité avec Pontus Hulten.

Au-delà de la célébration de deux artistes majeurs du 20e siècle, portés par la vision d’un homme de musée d’exception, cette exposition interroge leur horizon de pensée selon lequel la revendication d’une autonomie de l’art, la remise en question de l’institution et l’adresse directe au public, deviennent des moteurs de la création.

2025 marque le centenaire de la naissance de Jean Tinguely

Commissariat : Sophie Duplaix, conservatrice en chef, service des collections contemporaines, Musée national d’art moderne – Centre Pompidou

Commissaire associée : Rita Cusimano, chargée de recherches, attachée de conservation, Musée national d’art moderne – Centre Pompidou

Un catalogue est publié à l'occasion de cette exposition.

Niki de Saint Phalle, Jean Tinguely, Pontus Hulten

Sous la direction de Sophie Duplaix

21 × 30 cm, 336 pages, 45€

Coédition Centre Pompidou / GrandPalaisRmn

Photo de couverture Niki de Saint Phalle

Photo repeinte de « Hon », 1979

Niki Charitable Art Foundation, Santee, Californie

Exposition coproduite par le Centre Pompidou et le GrandPalaisRmn avec la participation de la Niki Charitable Art Foundation

GRAND PALAIS, PARIS

Galeries 3 et 4

www.grandpalais.fr

CENTRE POMPIDOU, PARIS

www.centrepompidou.fr

05/10/22

Parisiennes Citoyennes ! @ Musée Carnavalet – Histoire de Paris - Engagement pour l'émancipation des femmes (1789–2000)

Parisiennes Citoyennes !

Engagement pour l'émancipation des

femmes (1789–2000)

Musée Carnavalet – Histoire de Paris

28 septembre 2022 - 29 janvier 2023

Pierre Michaud, 6 oct 1979 Marche des femmes,

Groupe de femmes assises faisant le signe « féministe », 1979

Graphisme : Atelier Pierre Pierre

Le musée Carnavalet présente une synthèse inédite sur l’histoire et la mémoire des luttes pour l’émancipation des femmes en se concentrant sur l’histoire des féminismes à Paris. Aux côtés de certaines figures incontournables, d’Olympe de Gouges à Gisèle Halimi, une large place est faite aux Parisiennes moins connues ou anonymes : citoyennes révolutionnaires de 1789, de 1830, de 1848, Communardes, suffragettes, pacifistes, résistantes, femmes politiques ou syndicalistes, militantes féministes, artistes et intellectuelles engagées, travailleuses en grève, collectifs de femmes immigrées…

G. Charles, Hubertine Auclert tenant une

banderole concernant le suffrage

des femmes, vers 1890

Bibliothèque Marguerite Durand

Albert Harlingue, Ligue d’action féministe,

Marthe Bray, manifestante en voiture, ligue d’action féministe :

calicot sur une automobile transportant

un groupe de militantes dont Melle Marthe Bray, 1929

Bibliothèque Marguerite Durand

Le parcours de l’exposition suit un fil chronologique qui commence avec la revendication du « droit de cité » pour les femmes, pendant la Révolution, et se clôt avec la loi sur la parité, en 2000. Entre ces deux dates se déploie une dynamique de l’émancipation des femmes explorée dans toutes ses dimensions : elle implique le droit à l’instruction comme celui de travailler, les droits civils et les droits civiques, si difficiles à obtenir, mais aussi la liberté de disposer de son corps et l’accès à la création artistique et culturelle.

Peintures, sculptures, photographies, films, archives, affiches, manuscrits, ou autres objets militants voire insolites, rendent compte de la diversité des combats et des modes de revendications. Les Parisiennes citoyennes ont mille et un visages au service d’innombrables causes, dans une capitale qui crée l’événement, fabrique des icônes et rend possible les avant-gardes et les combats collectifs.

William Elborne, Camille Claudel modelant Sakountala et

son amie Jessie Lipscomb dans leur atelier, 1887

Camille Claudel

Les Causeuses, dites aussi Les Bavardes, 2e version, 1895

Brassaï, Boîte de nuit « Le Monocle », Paris 1933

Succession-Philippe Ribeyrolles

André Morain, Niki de Saint Phalle, «le tir», 1961

Maison européenne de la photographie, MEP

Esther Ferrer, Série: Mains Féministes - Photo noir et blanc à

partir d’un rayogramme de 1977 - N° série: 2/9C - 1977/2005

- Tirage 2012

Collection privée Esther Ferrer

Commissariat général : Valérie Guillaume, conservatrice générale du patrimoine, directrice du musée Carnavalet - Histoire de Paris

Commissariat scientifique extérieur : Christine Bard, professeure d’histoire contemporaine à l’Université d’Angers (UMR TEMOS), membre de l’Institut universitaire de France

Commissariat scientifique au musée Carnavalet – Histoire de Paris : Catherine Tambrun, attachée de conservation au département Photographies et Images numériques et Juliette Tanré-Szewczyk, conservatrice du patrimoine, responsable du département des sculptures et du patrimoine architectural et urbain.

Parisiennes citoyennes !

Engagements pour l’émancipation des femmes

(1789-2000)

Catalogue de l'exposition

Sous la direction de Christine Bard, Catherine

Tambrun et Juliette Tanré-Szewczyk

Textes de Christine Bard

Dessins de Lisa Mandel

432 pages, 180 illustrations

Publié par Paris Musées

Conception graphique : Pentagon / Vanessa Goetz

& Guillaume Allard

« C’est un défi d’explorer l’histoire de Paris du côté de ses habitantes. L’entreprise n’est pas facile puisque l’histoire nationale (et globale) s’y joue autant qu’une histoire locale, dans un périmètre en lien avec sa banlieue et déjà en soi extraordinairement divers. En conséquence, ce qui revient à Paris et ce qui revient à « la France » est difficile à départager. Ce qui se déroule à Paris prend très vite une envergure nationale. Les femmes de Paris partagent avec les femmes d’ailleurs une condition commune. Des spécificités se dessinent tout de même, comme l’intensité de la vie politique, de la vie culturelle, artistique, intellectuelle, scientifique, des activités économiques de production et d’échange, l’importance de la population étrangère et du nombre de domestiques et de prostituées. Paris concentre les particularités de la vie urbaine, cosmopolite. L’anonymat y joue un rôle protecteur. Les contrastes socio-économiques y sont violents. Et la vie politique intense, troublée, secouée par des révolutions, assombrie par des guerres. Le mode de vie des élites comme des classes populaires y favorise le collectif, les rencontres, la circulation, les échanges. Souvent, c’est à Paris que « ça » se passe. »

Extrait du catalogue, texte de Christine Bard (p. 19)

MUSÉE CARNAVALET – HISTOIRE DE PARIS

23 rue de Sévigné, 75003 Paris

www.carnavalet.paris.fr

25/10/16

Impasse Ronsin @ Paul Kasmin Gallery, NYC

Impasse Ronsin
Paul Kasmin Gallery, New York
October 28, 2016 - January 14, 2017

Paul Kasmin Gallery announces the forthcoming exhibition, Impasse Ronsin, which will be on view at 515 West 27th Street from October 28th – December 23rd, 2016. Taking as its focus the historic Parisian alley once home to the studios of Constantin Brancusi, William N. Copley, Max Ernst, Yves Klein, Les Lalanne, Larry Rivers, Niki de Saint Phalle, Jean Tinguely and numerous other seminal 20th-century artists, the exhibition will include work by these artists in an elaborate installation designed to embody the collaborative atmosphere of the Impasse Ronsin.

At the heart of the original Impasse Ronsin complex, as well as in this exhibition, stands Constantin Brancusi, who moved into the Impasse in 1916 and would remain there until his death in 1957. During those forty-one years, countless seminal artists made the pilgrimage to the Impasse Ronsin in hopes of meeting the artist, whom Marcel Duchamp famously referred to as “The Queen Mother of the Impasse Ronsin” . The exhibition will feature a bronze edition of Princess X, one of Brancusi’s most iconic forms, as well as a selection of the artist’s vintage photographs depicting the studio and its contents. Brancusi’s studio as it was arranged at the time of his death was later meticulously reconstructed opposite the Centre Pompidou in Paris, where it has been open to the public since 1997.

From the 1930s through the 1950s, the Impasse Ronsin was an area closely associated with Dada and Surrealism. While neither had permanent studios in the Impasse, both Man Ray and Marcel Duchamp were fixtures at the complex. Included in the exhibition is a vintage photograph of Brancusi and his dogs taken at the Impasse by Man Ray, as well as an original set of Duchamp’s “Rotoreliefs” and his film Anemic Cinema, 1926, in which they were used.

This Surrealist spirit would remain at Ronsin through the 1950s and 1960s, when artists such as William N. Copley, Max Ernst and Les Lalanne would inhabit studios. Max Ernst’s Dancers Under the Starry Sky, 1951, a painting aptly characteristic of this spirit, will be on view for the first time in sixty-four years. Also executed in 1951 is William N. Copley’s Steroptic Nude, one of the artist’s most important early paintings and last exhibited in the artist’s 1980 retrospective at the Kunsthalle Bern. The renowned collaborative duo Francois-Xavier Lalanne and his wife Claude Lalanne first met at the Impasse Ronsin in 1952, where iconic works such as Mouton de Laine and Choupatte were initially conceived, and which will be included in the exhibition.

More than anything else, collaboration and perpetual dialogue defined the Impasse Ronsin. In 1961, it was the locale in which Niki de Saint Phalle famously staged her “Shooting Paintings” with the help of Jean Tinguely, Yves Klein and Pierre Restany. On view in Impasse Ronsin will be Tir (Fragment de Dracula II), 1961 – one of the most substantial and important works from the series. Also included is Turning Friendship Model from the same year – a kinetic sculpture made by Larry Rivers with the help of Jean Tinguely.

In the rear gallery The Noguchi Museum will create an installation that evokes the ‘Brancusi-like’ studio Isamu Noguchi established just south of Paris, in Gentily, in 1927, after serving as the Romanian’s assistant. As the only artist to have come out of Brancusi’s studio, Noguchi’s insights into that Modernist Eden of ambiguity- where traditional craft met the avant-garde, object became indistinguishable from base, and art was life-are of particular interest.

The cooperative, convivial environment of the Impasse Ronsin has never been adequately articulated in the history of 20th-century art, but today, with sprawling artist communities thriving in Beijing, Berlin, Brooklyn, London, Los Angeles, Mexico City, etc., its story has never been more relevant.

A comprehensive monograph including an essay by Jerôme Neutres, extensive archival images and texts, and a selection of interviews conducted by independent curator and art historian Adrian Dannatt will accompany the exhibition.

PAUL KASMIN GALLERY
http://paulkasmingallery.com

21/09/14

Niki de Saint Phalle au Grand Palais, Paris - Exposition rétrospective

Niki de Saint Phalle
Grand Palais, Paris
17 septembre 2014 - 2 février 2015

Niki de Saint Phalle au Grand Palais

Affiche de la Réunion des musées nationaux-Palais

NIKI DE SAINT PHALLE (1930-2002) est l’une des artistes les plus populaires du milieu du XXe siècle mais paradoxalement la richesse et la complexité de son oeuvre restent à découvrir. Elle compte parmi les premières artistes femmes à acquérir de son vivant une reconnaissance internationale et à jouer de sa personnalité médiatique. Niki est d’ailleurs l’une des premières personnalités – au même moment que Andy Warhol – à utiliser la presse et les media pour contrôler ou orienter la réception de son travail.

Autodidacte, Niki de Saint Phalle s’inspire de Gaudi, Dubuffet et Pollock pour mettre en place dès la fin des années 50 un univers singulier, en dehors de toute tendance et mouvement. Son parcours biographique y est sublimé par la création de grands thèmes et de mythes qui articuleront ensuite toute son oeuvre. On en connaît le caractère joyeux et coloré, mais on en a oublié la violence, l’engagement et la radicalité. Qu’il s’agisse de l’audace de ses performances, du contenu politique et féministe de son travail ou de l’ambition de ses réalisations dans l’espace public.

Cette rétrospective, première grande exposition consacrée à Niki de Saint Phalle depuis vingt ans, présente toutes les facettes de l’artiste qui fut à la fois peintre, assemblagiste, sculpteure, graveuse, performeuse et cinéaste expérimentale, et renouvelle profondément le regard posé sur son travail. Plus de 200 oeuvres et archives dont beaucoup sont inédites émaillent un parcours de 2000 m2 à la fois chronologique et thématique, ponctués d’écrans montrant l’artiste commentant son travail. Des maquettes de projets architecturaux et une sculpture-fontaine (L’Arbre de Vie) devant l’entrée du Grand Palais, permettent d’évoquer l’ampleur et la diversité de son oeuvre publique.

Niki de Saint Phalle

Dolorès, 1968-1995, 550 cm, polyester peint sur grillage, Sprengel Museum, Hanovre

Niki de Saint Phalle : Une artiste franco-américaine

Née en France où elle passera une grande partie de sa vie mais élevée aux États-Unis et choisissant d’y passer la fin de sa carrière, elle ne cessera de voyager entre ses deux pays d’origine et d’en réconcilier les tendances artistiques. Connue comme la seule artiste femme du Nouveau Réalisme en France, on a oublié que c’était aussi une artiste américaine - dont les oeuvres sont à replacer dans une histoire des Combine Paintings Néo Dada - au côté de Jasper Johns et Robert Rauschenberg, mais aussi à l’origine du Pop Art dont son approche renouvelle la lecture. Le multiculturalisme - les références à l’art des natifs d’Amérique et à la civilisation mexicaine, la question raciale et la critique de la politique de Georges Bush sont autant de sujets américains qui caractérisent ses dernières oeuvres.

Niki de Saint Phalle : La première artiste féministe

Articuler une vie de femme avec une vie d’artiste, renouveler la représentation du corps féminin et de l’érotisme, réinterpréter les grandes figures mythiques, interroger le rôle de la femme dans la société et en proposer un autre sont autant de thèmes contenus dans son travail dès la fin des années 50 et qui seront récurrents jusqu’à la fin de la vie. Fille, épouse, mère, guerrière, sorcière et déesse, pour n’en citer que quelques-unes, sont autant de facettes ou d’interprétations possibles des fameuses « Nanas » qui sont autant d’autoportraits, à la fois réels et fantasmés, de l’artiste et de la femme contemporaine. De fait, les séries successives des Mariées, Accouchements, Déesses puis après les Nanas, des Mères dévorantes, recréent une véritable mythologie féminine. S’y ajoutent les performances, les textes et les déclarations de l’artiste, le contenu des longs métrages : autant de preuves pour réhabiliter Niki de Saint Phalle comme la première grande artiste féministe du XXe siècle.

Niki de Saint Phalle

Skull (Meditation Room), Sprengel Museum, Hanovre, donation de l’artiste en 2000

Niki de Saint Phalle : Une artiste engagée

Le féminisme n’est qu’un élément de sa lutte précoce et constante contre les conventions et les carcans de la pensée. Chacune de ses oeuvres comporte plusieurs niveaux de lecture et d’interprétation dont on a souvent omis le caractère politique au profit d’une lecture décorative et superficielle de son oeuvre. Aller au-delà, c’est reconnaître par exemple aux « Tirs » toute leur puissance subversive. Ces performances, où des tableaux étaient détruits à la carabine par l’artiste ou le public invité, furent à la fois fondatrices dans l’histoire du happening et particulièrement scandaleuses car orchestrées par une femme. Dirigés contre une vision de l’art, une idée de la religion, une société patriarcale, une situation politique où guerre froide et guerre d’Algérie s’entremêlent, un pays – les États-Unis – où le port d’arme est légalisé, les Tirs sont à l’image de son oeuvre ultérieure, qui se nourrit presque toujours de questionnements sociétaux. Niki de Saint Phalle fut l’une des premières artistes à aborder la question raciale et à défendre les droits civiques puis un multiculturalisme américain ; une des premières aussi à utiliser l’art pour sensibiliser le grand public aux ravages du sida.

Niki de Saint Phalle : A l’avant-garde d’un art public

Première femme à s’imposer dans l’espace public à l’échelle mondiale, Niki de Saint Phalle a eu le souci très tôt de s’adresser à tous, bien au-delà du seul public des musées. Le choix d’un art public est à voir comme un choix politique ; il est précoce puisqu’elle en fait une direction essentielle de ses recherches dès le milieu des années 60. Projets architecturaux et sculptures monumentales se suivent ensuite tout au long de sa carrière : fontaines, parcs pour enfants, jardins ésotériques et maisons habitables sont parmi ses plus importantes réalisations. Central et majestueux, le Jardin des Tarots est son oeuvre majeure, qu’elle a entièrement financé elle-même, en partie grâce au développement d’éditions ; un parfum, du mobilier, des bijoux, des estampes, des livres d’artistes.

Niki de Saint Phalle

Vue du Jardin des Tarots, Garavicchio, Italie

Cette exposition est organisée par la Réunion des musées nationaux - Grand Palais avec l’aimable participation de la Niki Charitable Art Foundation et co-organisée avec le Guggenheim Museum de Bilbao. Elle bénéficie de prêts exceptionnels des musées de Hanovre et Nice, qui ont reçu d’importantes donations de l’artiste. Elle sera présentée au musée Guggenheim de Bilbao du 27 février au 29 juin 2015.

Commissariat général : Camille Morineau

GRAND PALAIS, PARIS
www.grandpalais.fr