Coco Fusco @ El Museo del Barrio, NYC - "Tomorrow, I Will Become an Island" Exhibition

Coco Fusco

Tomorrow, I Will Become an Island

El Museo del Barrio, New York 

September 18, 2025 — January 11, 2026

Coco Fusco

Photo by Aurelio Fusco

Coco Fusco

Your Eyes Will Be an Empty Word (still), 2021

HD Video, 13:30 mins

Courtesy of the artist and Mendes Wood DM

Coco Fusco

A Room of One's Own: Women and Power

in the New America, 2006-2008

Performance documentation

Courtesy the artist and Mendes Wood DM

El Museo del Barrio presents Coco Fusco: Tomorrow, I Will Become an Island, the first U.S. survey of the influential Cuban-American interdisciplinary artist and writer COCO FUSCO (b. 1960, lives in New York). The exhibition is spanning more than three decades of Fusco’s groundbreaking career.

Widely recognized for her incisive explorations of the dynamics of politics and power, Fusco’s interdisciplinary practice spans video, performance, installation, photography, and writing. Tomorrow, I Will Become an Island traces her extensive practice through a selection of more than twenty of her works, created since the 1990s and extending to a new photographic series on view for the first time at El Museo del Barrio.

“Coco Fusco stands among the most provocative voices in contemporary art. Her work challenges conventions, sparks vital conversations, and continues to resonate powerfully at a time of profound social and political reckoning.” —Patrick Charpenel, Executive Director, El Museo del Barrio

Organized thematically, the exhibition explores central concerns that Coco Fusco has addressed across her practice, including immigration, military power and surveillance, post-revolutionary Cuban history, and the lasting legacies of colonialism. The presentation offers an expansive view of her multidisciplinary approach through key bodies of work, including:

• Immigration Narratives: Works addressing the perception of immigrants in the US and Europe, including Everyone Here is a New Yorker (2025), a new photographic suite that extends from Fusco's 2024 public art video animation commission by More Art, Inc.

• Intercultural Misunderstandings: A room dedicated to Fusco’s projects, created in counterpoint to the 500th anniversary of the so-called “discovery” of the Americas, including a reproduction of her iconic Two Undiscovered Amerindians Visit the West (1992/2025), originally performed in collaboration with Guillermo Gómez-Peña.

• Interrogation Tactics: Video, photographs, and performance documentation that consider military tactics, surveillance technologies, and the exploitation of female sexuality in the War on Terror.

• Poetry and Power: A focused selection of video, featuring several works that reflect on the history of artists’ challenges to the Cuban government—a central subject in Fusco’s oeuvre. Together, this selection illuminates the breadth and depth of Fusco’s artistic vision—one that remains acutely relevant in today’s national political and cultural climate.

Coco Fusco 

La noche eterna (The Eternal Night), 2023

HD Video, 1:13:45 mins

Courtesy the artist and Mendes Wood DM

Coco Fusco 

La plaza vacía (The Empty Plaza), 2012

HD Video, 11:53 mins

Collection of El Museo del Barrio, New York 

Acquisition enabled by VEZA New Media Fund 2022 

and headline supporters South SOUTH and Niio 

Coco Fusco and Paula Heredia

The Couple in the Cage: A Guatinaui Odyssey, 2003

Video, 31 mins

Collection of El Museo del Barrio, New York

Acquired through "PROARTISTA: Sustaining the Work 

of Living Contemporary Artists," 

a fund from the Jacques and Natasha Gelman Trust 2008.1

“El Museo del Barrio has been a steadfast supporter of Coco Fusco’s groundbreaking practice from early on, recognizing the power and potency of her work. This includes her participation in the groundbreaking 2008 exhibition Arte No es Vida, as well as her presence in recent collection-based shows such as Culture and the People and Something Beautiful. This survey extends that dialogue, offering audiences a deeper understanding of an artist whose voice remains as vital as ever.” —Susanna V. Temkin, Interim Chief Curator, El Museo del Barrio

Tomorrow, I will Become an Island is organized by El Museo del Barrio in collaboration with MACBA Museu d’Art Contemporani de Barcelona.

Borrowing its title from the artist's recent monograph publication, Tomorrow, I will Become an Island is organized at El Museo del Barrio by Susanna V. Temkin, interim chief curator, and Rodrigo Moura, former chief curator, with support from Lee Sessions and Maria Molano Parrado. Exhibition design by Solomonoff Architecture Studio/SAS and graphic design by estúdio gráfico.

ARTIST COCO FUSCO

Coco Fusco is an interdisciplinary artist and writer based in New York. She is a recipient of a 2023 Free Speech Defender Award from the National Coalition Against Censorship, a 2021 American Academy of Arts and Letters Art Award, a 2021 Latinx Artist Fellowship, a 2021 Anonymous Was a Woman award, a 2018 Rabkin Prize for Art Criticism, a 2016 Greenfield Prize, a 2014 Cintas Fellowship, a 2013 Guggenheim Fellowship, a 2013 Absolut Art Writing Award, a 2013 Fulbright Fellowship, a 2012 US Artists Fellowship and a 2003 Herb Alpert Award in the Arts.

Fusco’s performances and videos have been presented at the 56th Venice Biennale, the Sharjah Biennale, Frieze Special Projects, Basel Unlimited, three Whitney Biennials (2022, 2008, and 1993), and several other international exhibitions. Her works are in the permanent collections of the Museum of Modern Art, The Walker Art Center, The Art Institute of Chicago, The Whitney Museum, the Centre Pompidou, and the Museum of Contemporary Art of Barcelona. 

Coco Fusco is the author of numerous books, and she contributes regularly to The New York Review of Books and numerous art publications. Her monograph publication Tomorrow, I will Become an Island was published by Thames & Hudson in 2023.

Coco Fusco received her B.A. in Semiotics from Brown University (1982), her M.A. in Modern Thought and Literature from Stanford University (1985), and her Ph.D. in Art and Visual Culture from Middlesex University (2007). She is a Professor at the Cooper Union School of Art.

EL MUSEO DEL BARRIO, NEW YORK

1230 5th Avenue at 104th Street, New York, NY 10029

www.elmuseo.org

mk2 Bibliothèque × Centre Pompidou : Programmation Cinéma, Septembre → Décembre 2025

mk2 Bibliothèque × Centre Pompidou

Programmation Cinéma

Septembre → Décembre 2025

Façade du mk2 Bibliothèque (BnF)

Photo © mk2

À partir de septembre 2025, et pendant les cinq années de rénovation du bâtiment historique du Centre Pompidou, les cinémas du Centre Pompidou et la Cinémathèque du documentaire à la Bpi s'installent au mk2 Bibliothèque.

Les précédentes collaborations entre le Centre Pompidou et mk2, notamment la rétrospective intégrale et exposition « Abbas Kiarostami, les chemins de la liberté » en 2021, ainsi que l’exposition « Corps à Corps, Histoire(s) de la photographie » en 2023, qui mettait en dialogue la collection de photographies du Centre Pompidou− Musée national d’art moderne et celle de Marin Karmitz, fondateur de mk2, ont naturellement conduit à ce partenariat.

Rebaptisé et habillé aux couleurs du Centre Pompidou, l’actuel mk2 Bibliothèque (entrée BnF) situé au cœur du bâtiment de la Bibliothèque nationale de France François−Mitterrand, face à l’entrée de la bibliothèque, devient mk2 Bibliothèque × Centre Pompidou et accueille dans ses quatre salles et son atrium rétrospectives, cycles, festivals, avant-premières, rendez-vous réguliers, rencontres et masterclasses conçus par le Centre Pompidou et la Cinémathèque du documentaire de la Bibliothèque publique d’information. Ponctuellement, une partie de cette programmation prend également place au mk2 Bibliothèque, sur le parvis, à proximité immédiate. 

La pluridisciplinarité qui définit le Centre Pompidou s’y incarne en une programmation de lectures, performances, concerts, installations, et créations XR à partir des images en mouvement.

À l’image de la collection du Musée national d’art moderne qu’il conserve, enrichit et expose, le Centre Pompidou s’attache, pour sa programmation cinéma, à la mise en avant de la création moderne et contemporaine internationale et à ses interactions avec la société. La programmation au mk2 Bibliothèque × Centre Pompidou est structurée par de grandes invitations à des cinéastes d’avant-garde, emblématiques comme moins repérés, à travers rétrospectives, commandes d’œuvres, expositions et publications, et ponctuée d’événements consacrés à des figures émergentes. Elle donne également une place importante à la Cinémathèque idéale des banlieues du monde, développée depuis 2020 par le Centre Pompidou et les Ateliers Médicis avec rendez-vous mensuels, avant-premières, restaurations, weekends dédiés, workshops et séminaires.

Comme elles le faisaient dans le bâtiment historique du Centre Pompidou, les images en mouvement dialoguent avec d’autres formes de pensée et de création au sein de rencontres, festivals, performances et concerts pour rendre compte du croisement des pratiques, de l’élan et de la vitalité qu’il insuffle au cinéma, un art en constante mutation. En préfiguration du Centre Pompidou 2030, la programmation au mk2 Bibliothèque continue d’explorer ces mutations et est un laboratoire de nouvelles manières d’imaginer et de faire vivre la programmation du cinéma et autour du cinéma, dans toute la variété de ses formes artistiques, en mobilisant les ressources de la pluridisciplinarité qui font l’identité du Centre Pompidou. Dans cette perspective, la proximité immédiate avec la BnF est aussi l’opportunité de collaborations inédites autour des programmes, des fonds et des ressources des deux établissements.

Radu Jude, Kontinental 25 

Ours d'Argent du Meilleur Scénario à la Berlinale 2025

Sortie en salle le 24 septembre 2025

RADU JUDE, CINÉASTE INTRANQUILLE

RÉTROSPECTIVE INTÉGRALE | AVANT-PREMIÈRES | MASTERCLASSE | RENCONTRES | LIVRE

23 septembre → 11 octobre 2025

EN PRÉSENCE DU CINÉASTE ET DE NOMBREUX INVITÉS

L’oeuvre du réalisateur roumain Radu Jude est, à bien des égards, le secret le mieux gardé de la cinéphilie contemporaine. Sa profusion et son amplitude – 28 films de tous formats depuis le début des années 2000, fictions, documents et expérimentations – ne sont parvenues en France qu'en petite partie, dans le sillage de l’Ours d’Or attribué en 2021 à Bad Luck Banging or Loony Porn à la Berlinale. Et pour cause : Radu Jude construit à une vitesse ébouriffante une filmographie qui traverse tous les territoires avec une grande fluidité formelle, bousculant le cinéma en le confrontant aux impasses mémorielles et aux aberrations actuelles pour le porter, avec la vigueur de la farce, à son plus haut degré d'intranquillité. Radu Jude s’est rapidement imposé comme l’une des voix les plus stimulantes du cinéma européen. Une Europe post-communiste et post-capitaliste, vue depuis la Roumanie, qui est précisément au centre de son travail et sur laquelle il pose un regard décapant, libre de toute allégeance et de toute bienséance.

Aussi singulière qu’elle soit, son oeuvre échappe à la définition tant elle est à la fois d’une immense fureur politique, d’une implacable précision historique, dialectique et filmique mais aussi d’une grande drôlerie, toujours impertinente et farcesque – Radu Jude reprenant à son compte la célèbre formule de Karl Marx selon laquelle l’histoire se répète toujours « la première fois comme une grande tragédie, la seconde fois comme une farce sordide ».

La clé, peut-être, pour appréhender cette oeuvre plurielle et fascinante est à chercher dans l’articulation de la colère intacte et palpable du cinéaste à son refus de tout cynisme, de toute paresse intellectuelle manichéenne comme de toute complaisance compassionnelle. Parce qu’il tient en haute estime le cinéma et ses spectateurs, il choisit plutôt de les confronter, avec un sérieux humour corrosif, à l’Histoire de l’Europe et à la mauvaise farce que joue un passé mal digéré – notamment dans ses documentaires et fictions sur le génocide des juifs par le pouvoir roumain pendant la Seconde Guerre mondiale, dont le remarquable Peu m’importe si l’Histoire nous considère comme des barbares en 2018. C’est avec la même curiosité et la même lucidité qu’il embrasse à la fois les inventions du présent et ses violences multiples comme peu de cinéastes le font aujourd’hui – N’attendez pas trop de la fin du monde, en 2023, mettait ainsi en vis-à-vis l’exploitation au travail et le défouloir sur les réseaux sociaux.

Dans un carton initial de Caricaturana, un court métrage réalisé en 2021, Radu Jude cite Baudelaire à propos du caricaturiste Honoré Daumier, dans un quatrain qui pourrait aussi bien servir de portrait du cinéaste :

« C’est un satirique, un moqueur ;

Mais l’énergie avec laquelle

Il peint le Mal et sa séquelle,

Prouve la beauté de son coeur »

Une rétrospective intégrale de son travail est présentée au mk2 Bibliothèque × Centre Pompidou, en présence du cinéaste et de nombreux invités. Cette dernière s’ouvre sur l’avant première de Kontinental ‘25 (Ours d’Argent du Meilleur Scénario, Berlinale 2025) dont la sortie en salles est assurée dans la foulée le 24 septembre 2025 par Météore Films et se clôture sur Dracula, film encore inédit de Radu Jude, présenté en première française avant sa sortie en salle le 15 octobre.

The Film Gallery présente parallèlement une exposition autour de Sleep #2 et The Exit of the Trains sous forme d’installation multi-écrans du 22 septembre au 25 octobre 2025.

Un livre, publié par les éditions de l'OEil et le FIDMarseille, en partenariat avec Le Centre Pompidou, paraît à cette occasion, rassemblant des extraits du journal du cinéaste, un long entretien et divers textes.

© Hervé Gloaguen

L’INVENTAIRE DELEUZE

CONFÉRENCES | PROJECTIONS | LECTURES | PERFORMANCES | ATELIERS | SÉANCES D’ÉCOUTE

7 novembre → 9 novembre 2025

« Un jour peut-être le siècle sera Deleuzien », écrivait Michel Foucault. Cent ans après la naissance de Gilles Deleuze, les échos de sa pensée sont au coeur des enjeux de l’époque, de la place des machines aux pulsations du désir, des devenirs-femmes émancipateurs à l’organisation des peurs par les néofascismes. À l’occasion de ce centenaire, le Centre Pompidou réunit aux côtés des lectrices et lecteurs de Deleuze de grandes voix de la création de tous horizons, français et internationaux.

S’inspirant de L'Abécédaire, série de dialogues télévisés avec Claire Parnet en fil rouge, l’inventaire des résonances contemporaines de l’oeuvre de Deleuze est dressé autour d’une programmation de conférences, projections, lectures, performances, ateliers et séances d’écoute. En parallèle, un colloque consacré à son ouvrage L’Image-temps dont c’est le quarantième anniversaire se déroule à l’université Paris 8 à partir du 5 novembre

Lecteur de Friedrich Nietzsche ou Baruch Spinoza, auteur avec Félix Guattari d’ouvrages où l’inconscient se fait révolutionnaire, Gilles Deleuze peuple la philosophie d’innombrables « personnages conceptuels ». Il y insuffle une inventivité dont la publication de ses cours fait aujourd’hui redécouvrir l’intensité vivante. Du vent de liberté né de mai 1968 à la lutte du peuple palestinien ou au développement de nouvelles formes de contrôle, sa pensée fut en prise directe avec les mouvements politiques de son temps : elle revient en boomerang interroger le nôtre.

Inspirateur d’innombrables artistes dans tous les domaines, cité tout autant par les peintres que par les musiciens ou les hackers, Gilles Deleuze fit du cinéma l’un des laboratoires de sa philosophie, et consacra deux grands livres au lien entre pensée et images – l’intervention qu’il donna à la FEMIS sur l’acte de création fit événement pour plus d’une génération de cinéastes. Quel meilleur cadre, alors, que des salles de cinéma pour faire résonner cet héritage et le conjuguer au futur ?

Aux côtés de L’Abécédaire et de la conférence à la FEMIS, d’autres films travaillant les archives audiovisuelles autour de Gilles Deleuze sont projetés – notamment ceux du duo d’artistes Silvia Maglioni et Graeme Thompson. L'artiste Frank Smith quant à lui, auteur de Deleuze Memories (2025), réalise un film spécialement pour l'occasion autour d'un texte de Deleuze. Il s’agit aussi d’explorer les concepts développés dans L’Image-temps et L’Image-mouvement à travers Europe 51 de Roberto Rossellini mais aussi des films contemporains (The Thoughts That Once We Had (2015) de Thom Andersen), de s’intéresser au contexte de certains moments clé de son parcours (l’université de Vincennes et la clinique de La Borde à travers des films documentaires) et enfin, de découvrir Gilles Deleuze acteur dans George qui ? de Michèle Rosier.

Rachid Djaidani, pour Rushes de cinéastes

LA CINÉMATHÈQUE IDÉALE DES BANLIEUES DU MONDE

LE GRAND WEEK END

PROJECTIONS | RENCONTRES | AVANT-PREMIERES

14 novembre → 17 novembre 2025

Du 14 au 17 novembre, la Cinémathèque idéale des banlieues du monde, portée depuis 2021 par les Ateliers Médicis à Clichy-Montfermeil et le Centre Pompidou, qui questionne la représentation des périphéries à travers l’image en mouvement – se déploie au mk2 Bibliothèque × Centre Pompidou en même temps qu’au tout nouveau cinéma Alice Guy, à Bobigny, pour un weekend composé de projections et de rencontres.

Au programme, des avant-premières et des inédits, des films récemment restaurés, et l’occasion de retrouver de grands invités et les personnalités qui ont marqué l’année de la Cinémathèque idéale des banlieues du monde.

Caravaggio, Derek Jarman, 1986 

© British Film Institute

The Last of England, Derek Jarman, 1987 

© Malavida Films

DEREK JARMAN

RÉTROSPECTIVE INTÉGRALE | RÉÉDITION DE FILMS REMASTÉRISÉS | PERFORMANCES | RENCONTRES

28 novembre → 16 décembre 2025

AVEC LA PARTICIPATION DE TILDA SWINTON ET DE NOMBREUX INVITÉS

Peintre, cinéaste, écrivain, militant des droits homosexuels, pionnier de la culture queer et jardinier : l’oeuvre de Derek Jarman s’incarne en de nombreuses formes et perspectives, faisant preuve d’une érudition considérable et d’une vitalité toujours renouvelée. Inscrits dans un continuum de pensée, de vie et de création, réalisés à l’époque du conservatisme thatchérien, ses films sont autant d’objets flamboyants qui confrontent les questions esthétiques et les problématiques sociales, chargés d’une force politique demeurant intacte. Le Centre Pompidou propose une rétrospective de ses longs métrages remastérisés - dont cinq ressortent parallèlement en salle grâce à Malavida Films - et de nombreux de ses courts en super 8, présentant la diversité de son geste, de la fiction à des formes personnelles, diaristiques ou expérimentales.

Parallèlement, la maison d'édition Actes Sud publie la traduction française de l'un des journaux de Derek Jarman, Modern Nature.

Alors que l’artiste, incarnant une figure de l’avant-garde et de l’underground anglais, a travaillé de façon extrêmement collective, entouré d’amis et de collaborateurs de longue date, cette rétrospective se veut polyphonique, peuplée de la parole de proches, dont Tilda Swinton, de témoins et d’héritiers, qui accompagnent de nombreuses séances.

Né en 1942 à Northwood, dans le Middlesex, Derek Jarman étudie à la Slade School of Fine Art (University College de Londres) et développe en premier lieu une pratique du film expérimental en 8mm. Il y reviendra régulièrement tout en travaillant en parallèle à la réalisation de longs métrages, pour lesquels il explore notamment des trames plus narratives. À commencer par Sebastiane (1976), autour du martyr de Saint Sébastien, premier film britannique avec des images positives de la sexualité gay. Son succès le plus retentissant, Caravaggio (1986), cinquième de ses longs métrages, est largement diffusé et lui vaut un Ours d’argent à la Berlinale. Ce film inaugure également sa collaboration avec l’actrice Tilda Swinton, ils feront huit films ensemble. La même année, sa séropositivité est diagnostiquée. Il en fait publiquement état ainsi que des traitements et de la maladie même, qui entraîne une cécité. Son dernier long métrage, Blue (1992), associe une riche bande sonore à un écran monochrome bleu. Ce film fait partie de la collection du Centre Pompidou, ainsi que trois courts métrages du cinéaste.

Derek Jarman, décédé en 1994, laisse une empreinte remarquable sur la création actuelle avec une oeuvre post-punk s’intéressant tout autant à la musique qu’à la peinture, au théâtre, à la poésie, à l’histoire, à la religion ou à la philosophie. Outre ses films, ses peintures ont fait l’objet d’expositions telle que « Dead Souls Whisper » au CRÉDAC (Ivry-Sur-Seine) en 2021. L’artiste a également laissé quantité d’écrits rendant compte de l’étendue de ses passions et de ses connaissances – scripts de ses films, journaux, ou encore un fabuleux texte sur les couleurs et leurs imaginaires, Chroma, rédigé alors qu’il perdait la vue. Dernier et fameux versant de son travail, le Prospect Cottage et son jardin sur la côte venteuse anglaise, dans le Kent, à quelques centaines de mètres de la centrale nucléaire de Dungeness. Au fil du temps, l’aménagement du lieu – fleurs et plantes sélectionnées pour survivre à un climat rigoureux, pieux de bois flotté, outils de jardinage, tableaux, sculptures – devient un symbole de son combat contre la maladie. C’est aussi un endroit de travail pour lui et ses amis, racheté en 2020 grâce à un appel aux dons en vue de sa préservation.

CENTRE POMPIDOU, PARIS

www.centrepompidou.fr

Wafaa Bilal: Indulge Me @ MCA Chicago - Museum of Contemporary Art Chicago

Wafaa Bilal: Indulge Me 

MCA Chicago 

Through October 19, 2025

Installation view, Wafaa Bilal: Indulge Me, 

MCA Chicago, February 1–October 19, 2025.

Photo: @bob.mov (Robert Chase Heishman)

Installation view, Wafaa Bilal: Indulge Me, 

MCA Chicago, February 1–October 19, 2025.

Photo: @bob.mov (Robert Chase Heishman)

Installation view, Wafaa Bilal: Indulge Me, 

MCA Chicago, February 1–October 19, 2025.

Photo: @bob.mov (Robert Chase Heishman)

Installation view, Wafaa Bilal: Indulge Me, 

MCA Chicago, February 1–October 19, 2025.

Photo: @bob.mov (Robert Chase Heishman)

Installation view, Wafaa Bilal: Indulge Me, 

MCA Chicago, February 1–October 19, 2025.

Photo: @bob.mov (Robert Chase Heishman)

Installation view, Wafaa Bilal: Indulge Me, 

MCA Chicago, February 1–October 19, 2025.

Photo: @bob.mov (Robert Chase Heishman)

The Museum of Contemporary Art (MCA) Chicago presents the exhibition Wafaa Bilal: Indulge Me. This is a major survey of renowned artist WAFAA BILAL (b. 1966, Najaf, Iraq; lives in New York, NY). Crucially, the exhibition takes a comprehensive look at Bilal’s myriad practice, highlighting the development of his work across decades and placing it in conversation with broader art histories. It also explores cultural cannibalism—that is, how culture (specifically the culture of the other) is used, disassembled, and consumed.

Working in performance, sculpture, and with online and interactive technologies, Bilal’s interdisciplinary practice investigates the dynamic between international and interpersonal politics while highlighting the tension between the United States, which he has deemed the “comfort zone,” and the “conflict zone” of Iraq. Through methods such as using his own body to interrogate notions of power and using innovative technologies to rectify acts of cultural destruction, Wafaa Bilal shows us what it means to consciously engage across cultures while highlighting negative global implications of consumption, exploitation, and profiteering.

The exhibition is organized into five immersive sections, each of which focuses on a major work from Bilal’s practice. Artworks on display include a reconstruction of a room in Chicago’s FLATFILE Gallery that the artist confined himself to for a month-long performance in Domestic Tension (2007). During this performance, Wafaa Bilal invited the audience to shoot at him with a paintball gun that was operated virtually by viewers who could also interact with him via camera feed and live chat. Over the course of thirty days, a total of 60,000 shots were fired by "shooters" from 128 countries. 

Installation view, Wafaa Bilal: Indulge Me, 

MCA Chicago, February 1–October 19, 2025.

Photo: @bob.mov (Robert Chase Heishman)

Installation view, Wafaa Bilal: Indulge Me, 

MCA Chicago, February 1–October 19, 2025.

Photo: @bob.mov (Robert Chase Heishman)

Installation view, Wafaa Bilal: Indulge Me, 

MCA Chicago, February 1–October 19, 2025.

Photo: @bob.mov (Robert Chase Heishman)

Installation view, Wafaa Bilal: Indulge Me, 

MCA Chicago, February 1–October 19, 2025.

Photo: @bob.mov (Robert Chase Heishman)

Installation view, Wafaa Bilal: Indulge Me, 

MCA Chicago, February 1–October 19, 2025.

Photo: @bob.mov (Robert Chase Heishman)

Installation view, Wafaa Bilal: Indulge Me, 

MCA Chicago, February 1–October 19, 2025.

Photo: @bob.mov (Robert Chase Heishman)

Also included in the MCA exhibition is a large-scale, towering video displaying images from Bilal’s year-long performance 3rdi (2010–11), wherein Wafaa Bilal surgically implanted a camera into the back of his head that, every minute on the minute, captured photographs. The photos included in the MCA display correspond to the minute, hour, and day they were taken.

Wafaa Bilal: Indulge Me also presents Thumbsat Satellite (2024), which comprises a golden bust of Saddam Hussein fixed to a satellite and launched into Earth’s orbit as part of the exhibition. Developed as a critique of the former Iraqi president’s rumored desire to launch a bust of himself into space, the work will also feature a number of in-gallery components, including a model of the satellite and bust and a way for visitors to track the artwork’s location through live-captured images before it is destroyed upon re-entry into the atmosphere.

Additionally, the exhibition features In a Grain of Wheat: Cultivating Hybrid Futures in Ancient Seed DNA, Bilal’s response to ISIS’s destruction of the Winged Bull of Nineveh sculpture, or Lamassu, in 2015. The piece involves inserting high-resolution 3D scans of the sculpture into the DNA of heirloom Iraqi wheat seeds. A commission by the MCA see the project activated in a new, sculptural form, which considers if it is possible for a wheat seed to transform terrorist violence into restorative agency.

The exhibition is accompanied by a major publication, the first to survey multiple projects by the visionary artist.

Wafaa Bilal: Indulge Me is curated by Bana Kattan, Pamela Alper Associate Curator, with Iris Colburn, Curatorial Associate.

WAFAA BILAL

Image courtesy of the artist

WAFAA BILAL (b. 1966, Najaf, Iraq; lives in New York, NY) is known internationally for his online performative and interactive works provoking dialogue about international and interpersonal politics. Bilal's work explores tensions between the cultural spaces he occupies—his home in the “comfort zone” of the US and his consciousness in the “conflict zone” in Iraq. For his 2007 installation, Domestic Tension, Wafaa Bilal spent a month in Chicago's FLATFILE Gallery where people could shoot him via a remote-access paintball gun. The Chicago Tribune called it "one of the sharpest works of political art to be seen in a long time"—naming him 2008 Artist of the Year. That same year, City Lights published Shoot an Iraqi: Art, Life and Resistance Under the Gun about Bilal's life and Domestic Tension. His work was part of the Iranian pavilion at the 2015 Venice Biennale.

Wafaa Bilal's work is in the collections of the Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles, CA; Museum of Contemporary Photography, Chicago, IL; MATHAF: Arab Museum of Modern Art, Doha,

MUSEUM OF CONTEMPORARY ART CHICAGO - MCA CHICAGO

220 East Chicago Avenue, Chicago, IL

mcachicago.org

Wafaa Bilal: Indulge Me, MCA Chicago, February 1 – October 19, 2025

Amandine Khulmann @ Studio de la MEP, Paris - Installation vidéo "Cash me Online"

Amandine Khulmann 

Cash me online

Studio de la MEP, Paris

3 avril - 18 mai 2025

Amandine Kuhlmann 

Delusional Queen, 2023 

© Amandine Kuhlmann

Amandine Kuhlmann 

Catfish Training, 2023 

© Amandine Kuhlmann

Amandine Kuhlmann

Fame Won't Love You, 2023 

© Amandine Kuhlmann

Amandine Kuhlmann 

I'm Just a Girl, 2023 

© Amandine Kuhlmann

Amandine Kuhlmann présente son installation vidéo Cash me Online au Studio de la MEP, dédié aux artistes émergents. Réalisé en 2023, ce projet mêlant performance et vidéo explore les réseaux sociaux comme espace de représentation et de mise en scène.

L’artiste a créé un personnage fictif, un alter ego hypersexualisé, qui évolue aussi bien en ligne que lors de performances publiques. Adoptant des poses glamour, artificielles ou suggestives, inspirées des tendances en vogue sur les plateformes sociales, ce personnage rejoue les stéréotypes omniprésents qui définissent ces espaces virtuels et imposent des normes codifiées. Le projet présente une succession de séquences courtes : des vidéos de « Mukbang » – un phénomène consistant à regarder des jeunes femmes manger des quantités excessives de nourriture – aux conseils bien-être de la « Clean girl », adepte d’un mode de vie sain et productif ponctué de mantras de développement personnel. Pour incarner ces multiples archétypes, Amandine Kuhlmann mêle des images d’elle-même à des vidéos trouvées en ligne. Grâce à la technique du deepfake, elle superpose son visage sur ces corps étrangers, accentuant l’artificialité et l’étrangeté de ces mises en scène. Ce travail met en lumière l’impact des réseaux sociaux sur la marchandisation des corps, en particulier celui des femmes, dont la condition reste largement influencée par ces normes imposées. Cash Me Online propose un regard critique et sarcastique sur ces injonctions, offrant ainsi un espace de réflexion pour mieux s’en libérer.

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Amandine Kuhlmann est née en 1992, elle vit et travaille à Paris. Elle est diplômée de l’École cantonale d’art de Lausanne (ECAL) en 2023 et a travaillé pour la presse féminine, notamment dans les domaines de la mode et de la beauté. Ces expériences viennent nourrir sa réflexion sur la notion de féminité et ses représentations. Sa pratique artistique, qui mêle la performance, la photographie et la vidéo, est marquée par des questions sociales et politiques. Son travail a été exposé lors d’expositions collectives en France et à l’étranger, comme « A Nova Feminilidade », Thirdbase Studio, Lisbonne. Elle a également participé à la Biennale Images Vevey en 2024.

Studio de la MEP

MAISON EUROPEENNE DE LA PHOTOGRAPHIE

5/7 rue de Fourcy, 75004 Paris

www.mep-fr.org

Artist Tracey Emin @ Faurschou New York - "Exorcism of the Last Painting I Ever Made" Exhibition

Tracey Emin

Exorcism of the Last Painting I Ever Made

Faurschou New York

Through 14 July, 2024

TRACEY EMIN

Life Model Goes Mad IV, 1996

Giclee on photo rag paper, 20.9 x 20.5 in

Image courtesy of © Tracey Emin Studio

TRACEY EMIN

Life Model Goes Mad XI, 1996

Giclee on photo rag paper, 20.9 x 20.5 in

Image courtesy of © Tracey Emin Studio

”I stopped painting when I was pregnant. The smell of the oil paints and the turps made me feel physically sick, and even after my termination, I couldn't paint. It's like I needed to punish myself by stopping the thing I loved doing the most. I hated my body; I was scared of the dark; I was scared of being asleep. I was suffering from guilt and punishing myself, so I threw myself in a box and gave myself three and a half weeks to sort it out. And I did. My only regret about this project was that I didn't carry on painting from that moment. It took me another five years before I started painting again.” – Tracey Emin

In 1996, British artist TRACEY EMIN (b. 1963) locked herself naked in an enclosed room at a gallery in Stockholm for 3 weeks to reconcile her anxieties and guilt around painting, a medium she had abandoned 6 years prior. After a traumatic period in the early 90s with two abortions, Tracey Emin could not physically stand the thought of painting and wanted to face her troubled relationship with the medium. Through fish-eye lenses in the exterior walls of the room, visitors could follow glimpses of Emin’s process. This exhibition at Faurschou New York marks the first time that this seminal work of art is exhibited in the United States.

Tracey Emin’s performance is not merely to be understood as catharsis, a cleansing self-therapy, but as the staging of an artistic exorcism by Tracey Emin enacting her own life in front of the viewers. Initially, Tracey Emin had intended for the paintings made inside the room to be destroyed in a fire after the performance, but she ultimately decided against it, leaving the space and works as a testimony of the physically and mentally challenging journey she had been through. The entire collection of artworks and objects in the room were preserved as an installation, which are all exhibited here in their original constellation.

TRACEY EMIN

Exorcism of the Last Painting I Ever Made

Installation view by Victoria Hely Hutchinson, 2023

© Faurschou

TRACEY EMIN

Exorcism of the Last Painting I Ever Made

Installation view by Victoria Hely Hutchinson, 2023

© Faurschou

TRACEY EMIN

Exorcism of the Last Painting I Ever Made

Installation view by Victoria Hely Hutchinson, 2023

© Faurschou

TRACEY EMIN

Exorcism of the Last Painting I Ever Made

Installation view by Victoria Hely Hutchinson, 2023

© Faurschou

TRACEY EMIN

Exorcism of the Last Painting I Ever Made

Installation view by Victoria Hely Hutchinson, 2023

© Faurschou

The paintings and drawings that Tracey Emin created in the process refer to and appropriate works by male artists Egon Schiele, Yves Klein, Edvard Munch, and Pablo Picasso. Historically, women’s access to the artist’s studio have been as models, not artists. The representation of women has been a male affair, where the female nude stands out as the most distinct example of the objectification of the female body. However, in Exorcism of the Last Painting I Ever Made, Tracey Emin positions herself in the double role as both model and artist, challenging the universal acceptance of women as objects of the male gaze. Further, Emin documented the performance in the photographic series The Life Model Goes Mad, in which she takes on the role of the model in her own studio, reclaiming female identity and sexuality.

Tracey Emin is known for her autobiographical and confessional works, with themes of femininity, abortion, and the political and stigmatic structures surrounding them. Exorcism of the Last Painting I Ever Made stands out as a pivotal work and predecessor to a line of works, in which Tracey Emin uses her own life, trauma, and emotions as a means of expression, with the most widely recognized piece being My Bed (1998). After the exhibition in 1996 in Sweden, Tracey Emin once again had to distance herself from painting, but ultimately took it up again. Today, Tracey Emin’s artistic practice and voice to further the recognition of female artists is as vibrant and poignant as ever.

Tracey Emin by Harry Weller

© Tracey Emin Studio

TRACEY EMIN - Biography

Tracey Emin was born in 1963 in London. She currently lives and works between London, the South of France, and Margate, UK.

Tracey Emin has exhibited extensively including major exhibitions at Munchmuseet, Oslo (2021); Royal Academy of Arts, London (2020); Musée d’Orsay, Paris (2019); Château La Coste, Aix-en-Provence, France (2017); Leopold Museum, Vienna (2015); Museum of Contemporary Art, Miami (2013); Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (2012); Turner Contemporary, Margate, UK (2012); Hayward Gallery, London (2011); Kunstmuseum Bern (2009); Scottish National Gallery of Modern Art, Edinburgh (2008); Centro de Arte Contemporáneo, Malaga, Spain (2008); Art Gallery of New South Wales, Sydney (2003); and Stedelijk Museum, Amsterdam (2002).

In 2007 Tracey Emin represented Great Britain at the 52nd VeniceBiennale and her installation My Bed has been included in ‘In Focus’ displays at Tate Britain with Francis Bacon (2015), Tate Liverpool with William Blake and also at Turner Contemporary, Margate alongside JMW Turner (2017).

In 2011, Tracey Emin was appointed Professor of Drawing at the Royal Academy of Arts, London, and in 2012 was made Commander of the Most Excellent Order of the British Empire for her contributions to the visual arts.

Tracey Emin’s expressive and visceral art is one of disclosure, dealing with personal experience and heightened states of emotion. Frank and intimate but universal in its relevance, her work draws on the fundamental themes of love, desire, loss and grief, unravelling in the process the nuanced constructs of ‘woman’ and ‘self’ through probing self-exploration. ‘The most beautiful thing is honesty, even if it’s really painful to look at’, she has remarked.

Wide-ranging in scope, Tracey Emin’s practice includes painting, drawing, film, photography, sewn appliqué, sculpture and neon, all of which are transformed into highly personalised mediums for her singular voice. The genres of self-portraiture and the nude run throughout, both intricately bound up with the emotional journey of her life and the travails of her own biography. In her early work, often characterised by unflinching personal revelation, Emin makes reference to her family, childhood, and chaotic teenage years growing up in the seaside town of Margate. Her relationships, pregnancies and abortions are recounted through drawings, photographs, found objects and videos in a manner that is neither tragic nor sentimental and which resonates deeply with the audience.

FAURSCHOU NEW YORK

148 Green Street, Brooklyn, NY 11222

www.faurschou.com

TRACEY EMIN: EXORCISM OF THE LAST PAINTING I EVER MADE 

FAURSCHOU NEW YORK, 21 October, 2023 – 14 July, 2024 

Absalon Absalon @ Capc, Bordeaux, Musée d’art contemporain de Bordeaux

Absalon Absalon

Absalon, Alain Buffard, Dora García, Robert Gober, Felix González-Torres, Marie-Ange Guilleminot, Mona Hatoum, Laura Lamiel, Myriam Mihindou

Capc, Musée d’art contemporain de Bordeaux

Jusqu'au 2 janvier 2022

ABSALON

Solutions, 1992.

Vidéo transférée sur DVD.

Couleur, son. 7’25’’, boucle.

Courtesy de l’artiste et Galerie Chantal Crousel, Paris. 

© The Estate of Absalon

Absalon Absalon est une exposition collective qui prend comme point de départ l’oeuvre prématurément interrompue de l’artiste franco-israélien Absalon pour en proposer une interprétation renouvelée, à travers un réseau d’affinités formelles et conceptuelles avec une sélection d’oeuvres de certain·e·s artistes de sa génération.

Meir Eshel est né à Ashdod en Israël, en 1964. Après avoir démissionné de son service militaire, Meir Eshel s’installe à Paris en 1987 où il s’inscrit, sur les conseils de son oncle, le critique d’art Jacques Ohayon, dans l’atelier de Christian Boltanski à l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris. Jacques Ohayon, collectionneur et enseignant en histoire de l’art, est également une figure flamboyante et subversive de la nuit parisienne. Cette année-là Meir prend le nom d’Absalon, inspiré par un récit de l’Ancien Testament, histoire d’un fils rebelle finalement vaincu et assassiné. Un nom associé à l’idée de révolte, mais aussi de destin tragique. Alors qu’Absalon, encouragé par un cercle d’enthousiastes de plus en plus large, commence à montrer son travail et reçoit rapidement un succès critique, il est admis à l’Institut des Hautes Études en Arts Plastiques, programme annuel dirigé par l’ancien directeur du Musée National d’Art Moderne Pontus Hulten, et par les artistes Daniel Buren et Sarkis. Absalon y rencontre notamment Michael Asher, qui a une influence importante pour la suite de son travail. Alors qu’il commence à collaborer avec la galerie Chantal Crousel à Paris en 1990, il déménage dans un atelier à Boulogne, construit par Le Corbusier pour l’artiste Jacques Lipchitz en 1924. En janvier 1993, il inaugure une importante exposition monographique au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, organisée par Béatrice Parent et Angeline Scherf. Il y présente les prototypes de ses Cellules, des constructions blanches, bâties selon les proportions des mesures du corps de l’artiste et destinées à être installées dans six villes différentes pour y vivre. Conçues comme des « espaces mentaux » par Absalon, les Cellules déterminent une forme de vie fondée sur la résistance, l’habitude, le mécanisme et la contrainte, comme formes non pas d’aliénation mais d’émancipation. Il s’agit pour Absalon de vivre selon ses propres termes en se libérant des identités assignées. En octobre 1993, à l’âge de 28 ans, Absalon succombe aux conséquences du virus du sida, sans avoir pu mener à bien son projet.

Connue, donc, pour ses Cellules, ses constructions architecturales géométriques d’un blanc immaculé, que l’artiste avait conçues et construites pour les habiter, la pratique d’Absalon a souvent été considérée à l’aune d’une généalogie des avant-gardes, dans la continuation d’une abstraction radicale, générique et idéalisée, déconnectée des contingences du monde. Sans nier que l’oeuvre d’Absalon ait des traits communs avec une certaine téléologie historique, l’exposition propose d’en questionner les intentions et significations en en proposant une approche plus subjective, politique et incarnée.

A partir d’une large sélection de ses dessins, maquettes, sculptures, plans et prototypes à l’échelle un, elle entend d’abord montrer comment l’oeuvre d’Absalon s’articule autour d’un unique programme, dont la trajectoire linéaire devait aboutir à un projet de vie, qui dépasserait le champ de l’art. Dès lors, sous son minimalisme de surface perce une multitude de questions sociales, affectives et psychologiques, qui toutes concernent l’émancipation d’un corps physique par rapport au corps social. Une échelle politique, mais absolument personnelle, minoritaire et non prescriptive, telle une poche de résistance lovée au coeur du système, plus implosive qu’explosive. Au sein des Cellules, il est moins question de claustrophobie ou de retranchement que de la construction d’un espace mental et physique à l’échelle un, à la fois protégé et connecté. Un bio-dispositif parasite qui fonctionne comme un lieu de vie et de soin dans un environnement considéré par l’artiste comme un ensemble d’assignations et de déterminations culturelles dont son oeuvre doit lui permettre de s’affranchir.

En regard de cette utopie concrète, dans une logique de dépliage plus que de dialectique, un choix précis de travaux de huit artistes -Alain Buffard, Dora García, Robert Gober, Felix González-Torres, Marie-Ange Guilleminot, Mona Hatoum, Laura Lamiel, Myriam Mihindou- crée des perspectives multiples, qui sont autant de courroies de transmission vers des questions culturelles, spirituelles, identitaires, poétiques et sentimentales, dissimulées au coeur de l’oeuvre-programme d’Absalon, en allant au-delà de son premier abord monolithique et insondable. Elle place rétrospectivement la carrière fulgurante d’Absalon non pas au sein d’un hypothétique esprit des temps (celui des années 1990), mais dans un réseau de résonances politiques, formelles et affectives dont les échos s’entendent encore aujourd’hui.

Reconsidérer l’oeuvre d’Absalon presque trente ans après sa disparition implique d’abord de réfléchir à sa singularité, mais aussi à sa proximité avec une certaine génération d’artistes qui a émergé internationalement au tournant des années 1990. L’oeuvre d’Absalon, tout entière tendue par une volonté de vivre, et de vivre selon ses propres termes, est à situer près de celles des artistes qui, notamment dans le contexte de la lutte contre le sida, ont mis de côté les atermoiements qui avaient un temps séparé l’activisme de la pratique artistique pour se lancer dans des pratiques motivées par l’urgence et la nécessité impérative d’exister et de témoigner. Une dénonciation incarnée, performée, physiquement « incorporée », des mécanismes de l’oppression et du déterminisme, qui place rétrospectivement la carrière fulgurante d’Absalon dans un réseau de résonnances dissidentes dont les échos s’entendent encore aujourd’hui.

Commissaires : Guillaume Désanges et François Piron

Cette exposition est coproduite avec l’Institut Valencià d’Art Modern (IVAM).

Cette exposition est reconnue d’intérêt national par le ministère de la Culture / Direction régionale des Affaires culturelles de Nouvelle-Aquitaine. Elle bénéficie à ce titre d’un soutien financier exceptionnel de l’État.

Capc, Musée d’art contemporain de Bordeaux

7 rue Ferrère, Bordeaux

capc-bordeaux.fr

Triiibe Exhibition, Dodge gallery, New York

TRIIIBE

Dodge gallery, New York 

January 8 - February 13, 2011

The collaborative TRIIIBE is on view at DODGEgallery in New York. This solo exhibition featuring both performance and photography.

 TRIIIBE, Compatibility Quiz, 2009, 5 x 7.

 Photo Courtesy Kayafas Gallery

TRIIIBE is a collaborative that obscures the seams of authorship, fusing the input of several parties, most prominently that of photographer Cary Wolinsky and triplets Alicia, Kelly and Sara Casilio. In the way one can imagine the social futility of distinguishing identical sisters growing up, the collaboration required by a multimedia production (including  performance, photography, and installation)  evades singularity. In  fact, TRIIIBEʼs intent is to shake-up and shift familiar modes of behavior by confusing boundaries and challenging definitions of self.

TRIIIBE raises critical dialogue in their work through usurping stereotypes, borrowing outward signs of observed identities. Like the identity chameleon Nikki S. Lee, TRIIIBE takes dress-up to an uncompromising, passable extent. The difference is, TRIIIBE is not infiltrating social contexts to be subsumed and accepted, they seek visibility in order to call our social constructs into question. Their work also relates to the persona shifting of icon Cindy Sherman, however, the tripling of TRIIIBEʼs dress-up brings a whole new measure of disruption to identity politics.

Picture three identical women dressed in an exacting fashion and behaving in unison in public. Imagine riding the train to work on a Wednesday morning and seeing three indistinguishable women wearing matching business suits, while periodically sipping their coffee in unison. The tripling of outfit and gesture  infuses a  lucid consciousness  into an otherwise mundane, habitual circumstance. Suddenly, our compliance with a daily routine is disrupted by the extraordinary, and our patterns start to look like choice rather than inevitability.

In a number of their pieces, the triplets take on three distinct, yet conflicting identities, complete with passable signifiers- a hoodie, a burka, or heels. In these constructed circumstances, they are often performing the same gesture-  leaning against a bar or standing frontal to the camera. The uncanny result is that they are each dressed in shocking, disruptive difference, yet their faces and bodies are clearly discernable as being the same. Picture three women standing side-by-side holding their pregnant bellies-  one  looks punk, one preppie and the other Latina. Despite the striking independence of their attire, the sameness of their circumstance, gesture, and faces brings attention to commonality, and calls to question the superficiality of difference. Identity starts to look like a performance, and the question arises, at what point does difference become a construct?

Whether they are dressed identically, or whether they each adopt characteristics that are in sharp contrast to one another, itʼs impossible to look away from the performances and photographs of TRIIIBE. In the same way, you canʼt take your eyes off of a car accident, or a deformity, TRIIIBEʼs work provokes a visceral uncertainty and an indulgent fascination.

TRIIIBE has performed at Institute of Contemporary Art, Boston, Republican National Convention, samsøn, Ground Zero, and Massachusetts College of Art. Their work has been covered by New York Public Radio, The Village Voice, Boston Globe, Forbes Online, Chronicle, Channel 5, The Improper Bostonian, and Philadelphia Weekly. The Casilio triplets received their BFA from Massachusetts College of Art where they received the Steven Paine Scholarship and the Crosby Sculpture Award. CARY WOLINSKY is a notable  photographer who shot for National Geographic for 35 years, co-founded Picture Network International and the Center for Digital Imaging Arts at Boston University, has been published widely, and is in the collection of the Museum of Fine Arts, Boston, deCordova Museum,  Fogg Art Museum  at  Harvard University,  Tikotin  Museum  Haifa,  and the Cleveland Art Museum. Barbara Wolinsky and their son Yari Wolinsky run Trillium Studio with Cary, supporting the design and film components of the collaboration. In 2009, TRIIIBE had their first solo exhibition of photographs at Kayafas Gallery. They unveiled a major solo exhibition in Boston University's 11,000 square foot gallery 808 in the fall of 2010. Their show at DODGEgallery is TRIIIBE's New York debut.

In collaboration with Gallery Kayafas.

DODGEgallery
15 Rivington St. – New York, NY 10002
www.dodge-gallery.com