Christian Marclay @ Fraenkel Gallery, San Francisco

Christian Marclay

Fraenkel Gallery, San Francisco

January 21 – March 26, 2021

CHRISTIAN MARCLAY

Untitled (Crying), 2020

© Christian Marclay, Courtesy of Fraenkel Gallery

Fraenkel Gallery presents new work by CHRISTIAN MARCLAY, incorporating collage, video animation, and photography. The exhibition continues Christian Marclay’s investigation into the relationship between sound and image through sampling elements from art and popular culture, and reflects the anxiety and frustration of the current global pandemic and political crises. The exhibition will be accompanied by a musical performance in which Christian Marclay’s collage No! serves as a score, on a date to be scheduled soon. 

The voice is at the center of the exhibition. In a series of photographs showing screaming faces, cut and torn fragments from comic books, movie stills, and images found on the internet are arranged into haunting, mask-like composites, and then recorded by the camera. Capturing the paper’s inherent creases and tears, the photographs mix analog and digital elements, and investigate the computer screen as a contemporary physical surface.

This exhibition marks the premiere of Fire, 2020, a hypnotic new animation. Using small pieces cut from comic books, the single-channel video work is an impressionistic representation of fire. Hundreds of photographs shown in rapid succession suggest a flip book, creating the illusion of a flickering, fiery mosaic in motion. Flames are also the subject of Raging Fire, 2020, a large collage made of paper cutouts from comic book illustrations of fire. The piece transforms representations of all manner of war, catastrophe, explosion, and arson into abstracted yellows, oranges, and reds in a variety of styles.

Also on view is No!, 2019, a set of 15 original collages made from comic book fragments, and No!, 2020, a graphic score for a solo voice that comprises a facsimile of the 2019 collages. While earlier works such as Manga Scroll, 2010, incorporated onomatopoeias disconnected from their generative action, No! uses vocal utterances, facial expressions, and body movements to prompt a performance. Writes Christian Marclay, “Like my earlier graphic scores dating back to the 1990s, the use of words that illustrate their sonic counterparts engages non-traditional visualizations of sound as a possibility for generating music.” As in his music and video works, which splice together found recordings and film footage, the comic book segments are culled and re-contextualized in vibrant, dynamic ways.

CHRISTIAN MARCLAY (born 1955) works in a sampling aesthetic, using fragments from the ephemera of popular culture to create new forms and meanings. Christian Marclay’s work has been shown in museums and galleries internationally, including recent major one-person exhibitions at Museu d’Art Contemporani de Barcelona and Los Angeles County Museum of Art, as well as Kunsthaus, Zurich; Museum of Contemporary Art, Chicago; San Francisco Museum of Modern Art; and the Whitney Museum of American Art, New York. Christian Marclay received the Golden Lion award for best artist at the 54th Venice Biennale for his 24-hour virtuosic video piece, The Clock, which has been shown widely to great acclaim. His work is in the collection of Centre Georges Pompidou, Paris; Kunsthalle Zurich; Museum of Modern Art, New York; Musée d’Art Contemporain, Montreal; Philadelphia Museum of Art; San Francisco Museum of Modern Art; Tate Modern, London; Walker Art Center, Minneapolis; and the Whitney Museum of American Art, New York, among others.

FRAENKEL GALLERY

49 Geary Street, San Francisco, CA 94108

fraenkelgallery.com

Wong Ping @ Camden Arts Centre, London

Wong Ping
Camden Arts Centre, London
5 July – 15 September 2019

WONG PING

‘Who’s the Daddy’, 2017, single channel video animation, 9 min.

Image courtesy of Edouard Malingue Gallery and the artist.

Camden Arts Centre presents the first solo exhibition in a UK institution by Hong Kong-born artist Wong Ping. Wong is the inaugural recipient of Camden Art Centre’s new Emerging Artist Prize (2018) and will present an ambitious exhibition installed across the gallery’s iconic spaces. The exhibition will showcase a group of the artist’s most recent animated films, installed within his bespoke installation environments.

Described as ‘sino-futurism’, Wong Ping’s digital and sculptural works combine a contemporary aesthetic with more archetypal content – often employing absurd narratives that reveal very human, and often universal, pathologies and fantasies lurking within the collective unconscious. Drawing anecdotally from his own personal social encounters, he elaborates his stories into darkly humorous tales that touch on political and cultural anxieties, psycho-sexual taboos, and the complexities and perversities of contemporary human relationships. Digitally rendering them in a seductive, technicolour language that recalls the modernism of Fernand Leger, the pop languages of Tom Wesselman or Allen Jones, as well as the design aesthetic of The Memphis Group and early 1980s video games, the simple but seductive animations disguise a deeper social critique of technological modernity.

Two new films - Fables 1 (2018) and Fables 2 (2019) – are populated exclusively by animal characters. Part of a new, ongoing series, they take their form from the anthology tradition of Aesop’s Fables and Grimm’s Fairy Tales: contemporary morality tales re-written for our dystopian and alienated modern age. Wong Ping’s creatures, which include a convicted capitalist cow, a three-headed homicidal rabbit, and a telepathic tree, hold up a twisted mirror to our own humanity, whilst mutated figures with asymmetrical facial features, eyes that have slid down beneath a cheek, or breasts that have grown on an adolescent girl’s back, become the focal points of subversive domestic fantasies.

Narrated in a deadpan Cantonese, the sexually explicit content of Wong Ping’s work has been a consistent feature, but for the artist it is not the subject itself, but rather a universal language through which he communicates more pervasive concerns about identity, fear, mortality and loneliness. It points again to a contemporary condition where physical contact has been replaced by digital communication, romance is brokered through dating applications, and young people interact with friends in the virtual space of computer games and social media sites.

Entirely self-taught, Wong Ping began making animations in his free time, while working as a digital editor for a TV studio in Hong Kong. Initially releasing them through Vimeo and YouTube, his satirical humour and unique visual language soon attracted a large on-line following and he was invited to present the work within an exhibition context. The artist has continued to craft every aspect of the films himself and they retain a very personal quality of the hand-made. He was listed amongst Art Review Asia’s 2018 future greats and was included in the New Museum Triennial Songs of Sabotage and the Guggenheim’s One Hand Clapping last year. For his exhibition at CAC, the artist will create new installations that contextualise the digital materiality of his films with sculptural objects that speak to the mass production of the consumer market.

CAC’s Emerging Artist Prize was established in 2018 as part of the Centre’s commitment to nurturing and celebrating the most innovative artists of the moment, who have yet to receive the recognition their work deserves. The prize awards an artist exhibiting in the Focus section of Frieze London with an exhibition at CAC.

In 2019, Wong Ping (b. 1984, Hong Kong) had solo exhibitions at Kunsthalle Basel - Golden Shower – and CAPRI, Dusseldorf, Germany, and won the Ammodo Tiger Short Competition at the 48th International Film Festival, Rotterdam. In 2018 he was included in New Museum Triennial Songs of Sabotage and One Hand Clapping, at the Solomon R. Guggenheim Museum, both New York. Wong Ping was artist in residence at the Chinese Centre for Contemporary Art, Manchester, 2015.

CAMDEN ARTS CENTRE
Arkwright Road, London NW3 6DG
www.camdenartscentre.org

Planete Manga, Centre Pompidou, Beaubourg, Paris

Planète Manga !
Une approche de la Bande Dessinée au Japon, à Taiwan, en Corée, en Chine
Centre Pompidou, Paris
Jusqu'au 27 mai 2012

Avec Planète Manga ! le Centre Pompidou se met à l'heure du manga, du manhwa et du manhua avec le Studio 13-16 qui propose gratuitement aux adolescents de pénétrer ce territoire de la création en bande dessinée au Japon, en Corée du Sud et en Chine.

  © Centre Pompidou/ Visuel Pierre Vanni,
Direction de la communication et des partenariats,
conception graphique : Ch. Beneyton, Paris 2012

En présence de mangakas, les auteurs de mangas, de renommée internationale, et à travers  tous les registres du genre, les jeunes sont conviés à des rencontres, à des ateliers d’initiation,  à la conception de mangas, à des performances musicales et à des défilés de costumes manga…

Du manga japonais au manhwa coréen, en passant par le manhua taïwanais ou chinois, Planète Manga ! s’ouvre à toute la diversité de l’art du manga. Elle éclaire aussi l’univers des auteurs, invite à découvrir et à comprendre de manière ludique leur processus créatif,  les liens du manga avec la mode, la musique, les arts plastiques ou le cinéma.

Avec Hagio Moto, Takemiya  Keiko ou encore Fumiyo Kôno, pour les grands maîtres japonais du genre et une ouverture sur la jeune bande dessinée indépendante avec des éditeurs tels que Taiwan comix (Taïwan), Saï comics (Corée) et Special Comix (Chine)…

Dessin de Takemiya Keiko 
To Terra © Keiko Takemiya

Manhwa The spirit of the universe and the meaning of life
de Sobogi  © Edition Saï comics, Corée

Une quarantaine d’auteurs reconnus animent Planète Manga ! , grâce à des partenaires prestigieux tels que l’Université Joshibi Art et design de Tokyo et le Musée international du Manga de Kyôto associé à l’université Seika de Kyôto, le Centre Culturel Coréen de Paris, l’Université Paris Diderot et l’Institut Confucius, le Bureau de représentation de Taïpeï à Paris ainsi que tous les partenaires privés taïwanais qui ont permis la venue de tous ces auteurs pour vivre et partager cette aventure singulière.

CYCLE DE FILMS D'ANIMATION ASIATIQUES AU CENTRE POMPIDOU

C'est une centaine de réalisateurs, majoritairement japonais, dont le Centre Pompidou présente les oeuvres : un panorama inédit en France du cinéma d’animation asiatique, une toute première programmation d’ampleur consacrée au manga, avec des inédits et des séances présentées par les artistes.

 

Dororo, film de Gisaburô Sugii, Japon. Mangaka: Osamu Tezuka, Japon, 1968 © Tezuka Productions/Mushi Production, 1969-1970

 ASTRO BOY, extrait du film d’animation
Mangaka: Osamu Tezuka
© Tezuka Productions 1980 

Enfin, un salon de lecture gratuit et ouvert à tous s’ouvre pour quatre mois à la Bibliothèque Publique d’Information avec une mangathèque de plus de 2500 albums en libre consultation !

La culture manga est aussi à l’honneur au salon du livre.

Chef de projet : Boris Tissot
Conseiller pour le cinéma : Ilan Nguyên

CENTRE POMPIDOU, BEAUBOURG, PARIS
www.centrepompidou.fr

Amy Sillman at Capitain Petzel, Berlin

Amy Sillman, Thumb Cinema
Capitain Petzel, Berlin
November 5 - December 23, 2011

AMY SILLMAN

Nancy 2 (thank you to Bushmiller and Brainard) 2011

Digitally altered comic strip

© Amy Sillman, Courtesy Capitain Petzel, Berlin

Gisela Capitain and Friedrich Petzel present the first solo exhibition by AMY SILLMAN at Capitain Petzel in Berlin. Amy Sillman‘s newest work includes high and low, fast and slow, large and small, and ranges across mediums, from large-scale oil paintings to a 7-minute digital animation and several hundred inkjet prints made from stills of the animation.

Amy Sillman foregrounds the materiality of painting and its formal, psychological, and conceptual dimensions. She constructs her work in a physical way — through gesture, color, and drawing-based procedures — imbuing it with questions of feminism, performativity, and humor. In this show, as always, she is intensively engaged with drawing and its corporeality: drawings that she makes with her little finger on an iPhone screen, and the drawing process inherent to large-scale paintings which she makes using brushes, rags, scrapers and giant oil crayons. Her work is an ongoing negotiation between the improvisatory and the structural aspects of thinking itself, with painting posited as a language in which to express thinking in a formal and affective way. Over the past few years, Amy Sillman has also been staging painting shows that include their own comical forms of questions to painting itself. She has hung paintings alongside their own friendly, democratic forms of accompaniment, such as ‘zines, CDs, and posters. For this new solo show at Capitain Petzel, she proposes the most everyday form of digital technology -- the iPhone -- as the tool for the comic foil that accompanies her new oil paintings. Her digital animated drawing, „Pinky‘s Rule“ plays continuously alongside the paintings. While it loops, its images continually transform and mutate, and it sheds light on the procedures of the paintings. In Amy Sillman‘s hands, large oil paintings can be seen as points in a series of continually transforming moments that continue to roll on, rather than heroic endpoints. In this way, Sillman provides her own comical question to the dialectic of painting itself.

AMY SILLMAN‘s bibliography includes Amy Sillman: Works on Paper (Gregory R. Miller, 2006), a monograph of her drawings with text by Wayne Koestenbaum, and Between Artists: Gregg Bordowitz and Amy Sillman (ART Press, NY, 2009.) Sillman earned her BFA from the School of Visual Arts in New York and her MFA from Bard College in 1995. She has received numerous awards and grants, including a Guggenheim Fellowship, the Louise Comfort Tiffany Foundation Award, the Guna S. Mundheim Fellowship at the American Academy in Berlin in 2009. Her work has been widely exhibited and collected in public and private collections, including The Museum of Modern Art in New York, The Art Institute of Chicago, the Metropolitan Museum of Art, the San Francisco Museum of Modern Art, and the Whitney Museum of American Art. A survey of her work will be exhibited in 2013 at the Institute of Contemporary Art in Boston, which will be accompanied by a book.

CAPITAIN PETZEL
Kark-Marx-Allee 45, 10178 Berlin
www.capitainpetzel.de

Festival International Film Animation Annecy 2011 : Les films en compétition

Festival International du Film d'Animation, Annecy du 6 au 11 juin 2011

Affiche du festival 

© Stanislas Berthe, Oeil Neuf

Annecy, c’est un Festival dédié à l’image animée avec sa sélection officielle de longs et courts métrages, de films de fin d’études, de films de télévision et de commande, des Work in Progress, des making of, des rencontres avec les équipes de film… Annecy, c’est aussi un Festival tourné vers le grand public avec des expositions, une programmation pour petits et grands à voir en salle et en plein air chaque soir, des dédicaces, des émissions en direct… Annecy, c’est également un marché, le MIFA, Marché International du Film d'Aimation, du 8 au 10 juin, qui est un des plus important marché consacré à l’animation à l'échelle mondiale. Le MIFA connaît chaque année une participation croissante.

Le Festival présente également le Carrefour de la création qui est à la fois un révélateur de talents et une mise en relation entre décideurs et créateurs. Annecy, c’est aussi des conférences traitant des enjeux majeurs sur les plans artistique, technique et économique du secteur. Un événement tourné vers les professionnels et le grand public, organisé par CITIA, CIté de l’ImAge en mouvement, centre de ressources et de compétences dans le domaine de l’image en mouvement, qui se décline autour de trois axes : la culture, l’économie et la formation/recherche. 

Directeur : Patrick Eveno

Déléguée générale : Tiziana Loschi 

Délégué artistique : Serge Bromberg 

Délégué développement économique et Mifa : Mickaël Marin 

LES FILMS EN COMPETITION OFFICIELLE

FILMS COURTS METRAGES

Pixels
Un film de Patrick Jean, France, 2009, 1 min 30.
Production : One More Production - Benjamin Darras, Johnny Alves
Distribution :  Autour de Minuit

PIXELS de PATRICK JEAN

© Patrick Jean, OneMoreProduction, Benjamin Darras, Johnny Alves

L’invasion de New York par des créatures 8 bits ! PIXELS a reçu plus de 10 Prix saluant le travail de Patrick JEAN : Audi Talent Award, Animago Award, San Sebastian, Brest, Bradford, Madrid, St Louis, Toulouse… Il vient encore d'être récemment primé cette année au 20eme Festival du Film de Floride en avril 2011. 

Xing 
Une film d'animation 3D de Michael Naphan, Canada, 2009, 6 min 50.
Production : Orange Shorts, Tristan Zerafa, Chris Pozzebon

XING de MICHAEL NAPHAN

© Michael Naphan, Orange Shorts, Tristan Zerafa, Chris Pozzebon

Chris et Mike ont pris l'autoroute du nord de l'Ontario pour aller camper. Alors qu'ils sont sur un tronçon isolé, deux orignaux "socialement inadaptés" les forcent soudain à s'arrêter et se mettent à les harceler.

Luminaris

Un film d'animation d'objets, de photos, réalisé par Juan Pablo Zaramella, Argentine, 2011, 6 min
Scénario : Juan Pablo Zaramella et Gustavo Cornillon
Production : JPZtudio, Sol Rulloni
Distribution : JPZtudio, Juan Pablo Zaramella

LUMINARIS de JUAN PABLO ZARAMELLA

© Juan Pablo Zaramella, JPZtudio, Sol Rulloni 

Dans un monde contrôlé et minuté par la lumière, un homme ordinaire a un plan qui pourrait changer le cours des choses.

et bien d'autres films court métrages d'animation, parmi lesquels :

Pl.ink! de Anne Kristin Berge, Norvège-Pologne, 2011, 3' 22

Schlaf de Claudius Gentinetta et Frank Braun, Suisse, 2010, 4' 10

Something Left, Something Taken de Max Porter et Ru Kuwahata, USA, 2010, 10' 15

Sudd: Out of Erasers de Erik Rosenlund, Suède-Danemark, 2011, 15'

Teatriños : Homenaxe ao mineral do repolo de Stéphanie Dudley, Canada, 2010, 4' 45

The Monster of Nix / Le Monstre de Nix de Rosto, Pays-Bas-France-Belgique, 2011, 30'

The Waterwalk de Johannes Ridder, France, 2010, 4' 21

... et bien d'autres encore... un vrai plaisir pour vos yeux...

FILMS LONG METRAGES 

Sojunghan nare kkum / Green Days – Dinosaur and I, Jae Hoon An, Hye Jin Han, Corée du Sud, 2011

Jib / The House, Mi Sun Park, Eun Young Park, Joo Young Ban, Jae Ho Lee, Corée du Sud, 2010

The Great Bear, Esben Toft Jacobsen, Danemark, 2011

Chico & Rita, Fernando Trueba, Javier Mariscal, Espagne, 2010

Une vie de chat / A Cat in Paris, Jean-Loup Felicioli, Alain Gagnol, France, 2010

Le Chat du Rabbin, Joann Sfar, Antoine Delesvaux, France

L'Apprenti Père Noël, Luc Vinciguerra, France

Colorful, Keiichi Hara, Japon

Chico & Rita 
Un film d'animation de Fernando Trueba, Javier Mariscal et Tono Errando, Espagne, 2010, 1h 30
Scénario de Fernando Trueba, Ignacio Martinez de Pison
Production : Fernando Trueba PC
Distribution : Rezo Films, Florent Bugeau

CHICO & RITA de FERNANDO TRUEBA, JAVIER MARISCAL et  TONO ERRANDO

© Fernando Trueba, Javier Mariscal, Tono Errando, Rezo Films, Florent Bugeau

La Havane, 1948. Une histoire d'amour passionnée sur fond de jazz entre le jeune pianiste Chico et Rita, une chanteuse à la voix envoûtante.

Den Kaempestore Bjorn
The Great Bear [L'ours géant]
Un film d'animation 3D réalisé par Esben Toft Jacobsen, Danemark, 2011, 1h 13
Scénario de Esben Toft Jacobsen et Jannile Tai Mosholt
Production : Copenhagen Bombay Productions, Petter Lindblad
Distribution : Copenhagen Bombay Productions, Malene Iversen

DEN KAEMPESTORE BJORN de ESBEN TOFT JACOBSEN

© Esben Toft Jacobsen, Jannile Tai Mosholt, Copenhagen Bombay Productions, Petter Lindblad, Malene Iversen

Jonathan a 11 ans et passe toutes ses vacances avec son grand-père dans une forêt peuplée d'animaux mythiques. Cette année, Sophie, la petite sœur de Jonathan, le rejoint. Mais il n'apprécie pas sa compagnie et fait tout ce qu'il peut pour l'éviter... jusqu'à ce qu'elle se fasse kidnapper par un ours gigantesque.

Colorful 
Un film d'animation de Keiichi Hara, Japon, 2010, 2h 06
Production : Fuji Television Network Inc.
Distribution : Kaze SAS

COLORFUL de KEIICHI HARA

© Keiichi Hara, Fuji Television Network Inc., Kaze SAS

Un esprit gagne le droit d'avoir une seconde chance de vivre et d'apprendre de ses erreurs. Il est transféré dans le corps d'un adolescent qui vient de se suicider. Il va apprendre petit à petit quel est le sens de cette expérience.


L'Apprenti Père Noël
Santa's Apprentice

Un film d'animation de Luc Vinciguerra, France, 2010, 1h 18
Scénario de Alexandre Reverend
Graphisme de Jan Van Risselberge
Production : Gaumont Alphanim, Avrill Stark Entertainment Pty Ltd, Cartoon Saloon Ltd, Clément Calvet, Christian Davin, Yannick Mahe, Ross Murray, Paul Young
Distribution : Gaumont, Cécile Gaget

L'APPRENTI PERE NOEL de LUC VINCIGUERRA

© Luc Vinciguerra, Alexandre Reverend, Gaumont Alphanim, Avrill Stark Entertainment Pty Ltd, Cartoon Saloon Ltd, 

Clément Calvet, Christian Davin, Yannick Mahe, Ross Murray, Paul Young

Saviez-vous que le père Noël prenait sa retraite ? Tous les 178 ans exactement.

Une vie de chat
A Cat in Paris
Un film d'animation de Jean-Loup Felicioli et Alain Gagnol, France-Belgique, 2010, 1h 02
Production : Folimage, Lunanime, Digit Anima, Jacques-Rémy Girerd, Annemie Degryse, Arnaud Demuynck
Distribution : Gebeka Films, Films Distribution

UNE VIE DE CHAT de JEAN-LOUP FELICIOLI et ALAIN GAGNOL

© Jean-Loup Felicioli, Alain Gagnol, Folimage, Lunanime, Digit Anima, Jacques-Rémy Girerd, Annemie Degryse, Arnaud Demuynck, Gebeka Films, Films Distribution

Un chat mène une double vie : il passe ses journées avec Zoé, la fille d'un commissaire, mais la nuit il accompagne un voleur sur les toits de Paris.

Le Chat du Rabbin
Un film d'animation en 3D et 2D de Joann Sfar et Antoine Delesvaux, France, 2011
Scénario de Joann Sfar et Sandrina Jardel, d'après l'oeuvre originale en BD de Joann Sfar.

LE CHAT DU RABBIN de JOANN SFAR et ANTOINE DELESVAUX

© Joann Sfar, Antoine Delesvaux, Autochenille Production - TF1 Droits Audiovisuels - France 3 Cinéma

Plus d'infos et d'images sur Le Chat du Rabbin ici

The Tibetan Dog 
Un film d'animation 2D de Masayuki Kojima, Chine-Japon, 2011, 1h 30
Production : China Group Corporation, Madhouse Inc.

THE TIBETAN DOG de MASAYUKI KOJIMA 

© Masayuki Kojima, China Group Corporation, Madhouse Inc.

Après la mort de sa mère, Tenzin décide de quitter la ville pour aller vivre avec son père dans la prairie tibétaine. La vie est rude au départ, jusqu'au jour où le jeune homme est témoin d'un combat entre des chiens de garde tibétains et un chien aux poils dorés étranger à la meute. 

Curious George: A Bike Ride Adventure - George is back on a new DVD!

Curious George: A Bike Ride Adventure 
8  more shows from his Daytime Emmy-winner TV series 
DVD release date has been announced by Universal Studios Home Entertainment 

CURIOUS GEORGE 

A BIKE RIDE ADVENTURE 

CURIOUS GEORGE: A BIKE RIDE ADVENTURE
Cover of the New DVD, courtesy of Universal Studios

Get ready for adventure with everyone’s favorite little monkey—Curious George! George is back with a whole lot of exciting things to do and learn in 8 more shows from his Daytime Emmy-winning TV series. Join George as he goes on his first bike ride, chases rainbows, and meets canine royalty! Every day is a special day with Curious George: A Bike Ride Adventure!

DVD Release Date:  February 8, 2011 

Run Time: 1 Hour 48 Minutes 

Manga Impact ! Le monde de l’animation japonaise

 

 

Parution Novembre 2010 chez PHAIDON

Manga Impact !
Le monde de l’animation japonaise
Sous la direction de Carlo Chatrian et Grazia Paganelli 

Composée de deux idéogrammes, «  man » – qui désigne, selon le contexte, l’imprécision ou la légèreté – et « ga » – la représentation graphique –, l’expression « manga » a longtemps été traduite par « dessin au trait libre » ou « esquisse au gré de la fantaisie ». Si elle est utilisée dès la fin du XVIIIe siècle, elle n’est vraiment connue de l’Occident qu’avec Hokusai, à la fin du XIXe siècle, qui l’utilise pour désigner ses recueils de croquis et de caricatures. Existant sous leur forme actuelle depuis le milieu du XIXe siècle, les mangas sont aujourd’hui tirés à des millions d’exemplaires et font partie intégrante du quotidien des Japonais.

Prépubliés dans des magazines bon marché imprimés sur papier recyclé, ils paraissent par épisodes puis, en cas de succès, sous forme de volumes reliés. Chaque catégorie de citoyens a son manga : il y en a pour les filles (les shôjo) et pour les garçons (les seinen ou les shonen). On distingue également différents genres, tels les mecha mettant en scène des robots, les hentai, sexuellement très explicites, les lolicom, plus ou moins érotiques ou encore les yaoi, genre mettant en scène des amours homosexuelles masculines.

Tezuka Osamu peut être considéré comme le premier créateur moderne de manga (mangaka). Grand admirateur de Walt Disney, c’est lui qui va en définir les canons en créant le personnage d’Astro dont les yeux et la tête surdimensionnés ne sont pas sans rappeler les traits de personnages comme Bambi ou Mickey. Depuis les années 1960, les mangas à succès sont systématiquement adaptés en séries de dessins animés destinés à la télévision (anime) et diffusés partout dans le monde comme les Pokémon ou les Doraemon.

 

Nausicaa, p. 182 de Manga Impact ! (courtesy Phaidon)

 

C’est d’ailleurs en 1978, avec la série télévisée Goldorak, que le manga est popularisé en France. Tout au long des années 1980 et 1990, une génération entière d’enfants va grandir en découvrant ces animes aussi différents que Candy, Albator, Heidi ou Les Chevaliers du Zodiaque. Au même moment, le phénomène s’accentue avec l’apparition des consoles et jeux vidéo. Dans sa version papier, le manga caracole aujourd’hui en tête des ventes de livres et est devenu un phénomène éditorial majeur, notamment en France, qui est désormais, après le Japon, le pays le plus gros consommateur de mangas au monde.

Pour s’y retrouver dans cet univers tentaculaire, Manga Impact  ! privilégie une approche simple et didactique en récapitulant tous ces éléments, depuis les films mondialement connus jusqu’aux derniers projets d’avant-garde des nouvelles générations d’auteurs et d’animateurs.

Manga Impact  ! Le monde de l’animation japonaise présente, par ordre alphabétique,  plus de 300 entrées consacrées aux réalisateurs, producteurs, compositeurs, scénaristes, films et personnages les plus célèbres de l’animation japonaise.

Atom Astro Boy, p. 24 de Manga Impact ! (courtesy Phaidon)

Ce livre présente les grands réalisateurs les plus influents comme Miyazaki Hayao (Le Voyage de Chihiro, Le Château ambulant) et Otomo Katsuhiro (Akira), tout en donnant des informations complètes sur une myriade de séries télévisées, de studios et d’artistes – comme Dragon Ball, le studio Ghibli ou Tezuka Osamu. Il explore également la dimension historique, culturelle, sociale et économique de l’animation japonaise, tout en étudiant les développements de la technique et l’arrivée de l’informatique dans le paysage cinématographique.

Richement illustré et conçu dans l’esprit d’un manga, Manga Impact  ! Le monde de l’animation japonaise constitue une véritable encyclopédie, un livre de référence propre à satisfaire tout autant les néophytes, les fans de mangas et de films d’animation, et les cinéphiles.

 

Page 94 de Manga Impact ! Courtesy Phaidon

 

MANGA IMPACT ! – LES 13 ESSAIS : 

13 essais écrits par les plus grands spécialistes internationaux analysent l’importance de cette forme d’art et l’impact que le manga et le film d’animation ont eu en Europe, en particulier depuis le milieu  des années 1970.

- Des Doga Eiga au film d’animation. Une histoire de l’animation japonaise.

- Les perceptions enfantines. Pensées sur le génie japonais de l’animation.

- Éros anime : le manga prend vie.

- Regarder mieux et plus longtemps. Le temps de l’artifice et le temps de la réflexion.

- Comment le manga a réinventé la bande dessinée.

- Graphisme sur ordinateur ou retour aux origines ? La question de l’évolution du cinéma d’animation.

- La puissance de Dieu. Genèse et évolution des super-robots.

- Mes yeux s’amusent bien. Manga et pédagogie de la violence.

- La manne manga.

- Les relations entre manga et film d’animation.

- Jeux vidéo + manga + animation. La convergence croissante des médias.

- L’inquiétude de l’âme. Formes infinies du paysage dans l’animation japonaise.

- De la cité au réseau.

 

MANGA IMPACT ! – LES AUTEURS

L’intérêt de l’ouvrage repose bien entendu sur la qualité des auteurs qui y ont contribués. C’est grâce à la pertinence de leur analyse que Manga Impact ! Le monde de l’animation japonaise ne s’adresse pas seulement le “grand public” mais constitue aussi un ouvrage de référence pour les passionnés de mangas, disposant déjà d’un bon niveau de connaissance sur le sujet.

Calimero, page 27 du livre (courtesy Phaidon)

Car les auteurs sont à la pointe de l’information et de la réflexion sur les sujets qu’ils abordent.

Philip Brophy est musicien, cinéaste, auteur et universitaire.

Carlo Chatrian est critique de cinéma et consultant pour différents festivals de films.

Jonathan Clements est l’auteur de Schoolgirl Milky Crisis: Adventures in the Anime and MangaTrade et coauteur de The Anime Encyclopedia.

Jordi Costa est critique de cinéma et auteur de nombreux articles sur le cinéma asiatique.

Luca Della Casa est membre du comité de sélection de films et d’anime asiatiques pour le Future Film Festival de Bologne.

Stéphane Delorme est rédacteur en chef des Cahiers du cinéma.

Davide di Giorgio est critique de cinéma et auteur d’une rubrique pour le magazine en ligne Sentieri Selvaggi .

Daniele Dottorini est critique de cinéma, maître de conférences et consultant pour plusieurs festivals de cinéma.

Stefano Gariglio travaille dans le sous-titrage de films et est membre de l’association culturelle neo(N)eiga.

Paul Gravett est critique, maître de conférences, conservateur et historien de la bande dessinée.

Erwan Higuinen est journaliste et critique pour Les Inrockuptibles.

Fabrizio Liberti est chargé de la programmation de films pour la chaîne de télévision italienne Rai Uno.

Helen McCarthy est l’auteure de Osamu Tezuka, le dieu du manga et coauteure de The Anime Encyclopedia.

Fabrizio Modina est un artiste et un collectionneur de figurines connu dans le monde entier.

Giona A. Nazzaro est critique de cinéma et membre du comité de sélection au Festival dei Popoli, à Florence.

Maria Roberta Novielli enseigne le cinéma japonais à l’université Ca’ Foscari, à Venise.

Grazia Paganelli est critique de films et responsable de la programmation au musée national du Cinéma de Turin.

Gianni Rondolino est un historien du cinéma reconnu dans le monde entier et éditorialiste pour La Stampa.

Michel Roudevitch est illustrateur, scénariste, animateur et réalisateur et travaille dans le domaine du film d’animation depuis les années 1960.

Mario A. Rumor est le rédacteur en chef de la revue MANGA!

Stephen Sarrazin est critique d’art et de cinéma, commissaire d’expositions et enseignant.

David Surman enseigne la conception de jeux vidéo, University of Wales, Newport.

Carlo Chatrian et Grazia Paganelli dir., Manga Impact ! Le monde de l’animation japonaise, Phaidon, 2010, 296 pages - 250 x 290 mm - Broché - 500 illustrations couleur - ISBN : 978 0 7148 5717 6 - 39,95 EUR

Panique au village nominé aux Césars 2010

 

Le long-métrage d’animation Panique au village, réalisé par Vincent Patar et Stéphane Aubier, et coproduit par la société de production luxembourgeoise Melusine Productions (représentée par Stéphan Roelants), est nominé dans la catégorie « Meilleur film étranger » à la 35e cérémonie des « César » qui aura lieu le 27 février 2010 prochain.

Panique au Village, qui fait appel à la technique de « stop motion », fait suite à la série télévisée du même nom qui met en scène les aventures de Cow-boy, Indien et Cheval. Plus de la moitié des prises de vues et une partie des décors ont été réalisés au Grand-Duché par une dizaine de créatifs et techniciens parmi lesquels le jeune talent luxembourgeois Olivier Pesch, élu meilleur jeune espoir lors du Lëtzebuerger Filmpräis 2007. Quelques grands acteurs, comme Benoît Poelvoorde et Bouli Lanners ayant prêté leur voix à deux personnages du film, figurent au générique du film.

 

Films nominés aux Cesars dans la catégorie Meilleur film étranger

Avatar de James Cameron

Gran Torino de Clint Eastwood

Harvey Milk de Gus Van Sant

J’ai tué ma mère de Xavier Dolan

Le Ruban blanc de Michael Haneke

Slumdog Millionaire de Danny Boyle

Panique au village de Vincent Patar et Stéphane Aubier

 

Retrouvez l’ensemble des nominations aux  Césars 2010 sur Wanafoto

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DreamWorks Animation et Technologie HP

La création du film tridimentionnel Monstres contre Aliens de DreamWorks Animation utilise la technologie HP

La création du film Monstres contre Aliens a nécessité plus de 40 millions d’heures de travail informatique, ce qui représente plus de huit fois le nombre d’heures requises pour la production du film Shrek et près de deux fois le nombre d’heures requises pour la production du film Kung Fu Panda. « Pour nous, cette révolution dans le domaine de la filmographie tridimensionnelle plonge les spectateurs au cœur de l’action », a déclaré Ed Leonard, directeur des technologies de DreamWorks Animation. « La capacité unique de HP à offrir des outils technologiques avancés permettant de repousser les limites de la créativité nous a permis d’exploiter pleinement les possibilités de la stéréoscopie 3D. »

La technologie de HP a permis à DreamWorks Animation d’utiliser un plus grand nombre de caméras mobiles que lors du tournage de tous ses films précédents. L’entreprise a pu augmenter la qualité des éléments créatifs du film Monstres contre Aliens en utilisant plusieurs centaines de postes de travail HP xw8600 et la plus puissante grappe de serveurs (un regroupement de serveurs lames HP ProLiant qui travaillent rapidement de concert afin de traiter les séquences d’animation) jamais utilisée par DreamWorks Animation. « DreamWorks Animation repousse continuellement les limites de la créativité pour offrir aux spectateurs les images les plus réalistes du monde », a déclaré Phil McKinney, vice-président et directeur des technologies du Groupe des systèmes personnels de HP. « HP apprécie fortement de travailler avec des entreprises comme DreamWorks Animation, qui sont toujours à l’affût des plus récentes technologies. »

Pour créer des animations visuelles en 3D, DreamWorks Animation a dû restructurer sa chaîne de production et ses outils de conception pour permettre à ses artistes de profiter pleinement des possibilités de la technologie tridimensionnelle. Pour les films stéréoscopiques, par exemple, les deux images (œil gauche et œil droit) sont projetées séparément, ce qui a doublé les exigences de projection pour le film Monstres contre Aliens par rapport à ses prédécesseurs non stéréo. Le nombre accru de pixels transmis à la grappe de serveurs a également doublé les exigences en matière de traitement pour les postes de travail HP du studio. Pour créer les effets 3D d’avant-garde du film Monstres contre Aliens, les artistes de DreamWorks Animation ont fait appel aux technologies de pointe de HP pour répondre aux exigences suivantes :

- Utiliser près de 100 téraoctets d’espace disque.

- Intégrer plus de 30 séquences dans le film, ce qui aurait nécessité plus de mille ans de travail sur un seul poste de travail.

- Créer l’une des séquences les plus exigeantes du film sur le plan technologique, comprenant un survol de la ville, avec les maisons, les collines et les arbres. Dans cette séquence, les arbres en arrière-plan ont dû être divisés en plus de 300 couches.

- Reproduire une explosion dans l’une des scènes de bataille, ce qui a nécessité plus de trois téraoctets d’espace disque.

- Couvrir une distance de 480 kilomètres : le système de téléprésence HP Halo et le logiciel HP Remote Graphics ont permis une collaboration créative essentielle entre les artistes des studios de Glendale et de Redwood City, Californie.

Making of d'un jeu vidéo Cahier Designer 03

Making of d'un jeu vidéo, Cahier du Designer 03, Eyrolles, juillet 2002, 94 p.

Grâce à la création en 1998 du jeu multimédia pour enfants Les aventures de l'oncle Ernest Lexis Numérique s'est affirmé comme l'un des acteurs incontournables de la scène multimédia grand public, privilégiant un souci permanent d'originalité et de qualité. Dans ce cahier, l'équipe de Lexis Numérique dévoile au lecteur le making of des personnages principaux du jeu vidéo La Belle ou la Bête, un autre de leurs succès. Des premiers crayonnés à l'animation des héros du jeu, en passant par le morphing et le skinning, vous découvrirez toutes les étapes nécessaires à la conception d'un personnage 3D d'un jeu vidéo. En huit ateliers, vous aurez ainsi l'occasion de jongler avec des logiciels de 3D, de rendu, de retouche d'images ou encore de dessin vectoriel. L'ouvrage est vendu avec un CD-Rom contenant les animations cinématiques du jeu La Belle ou la Bête.

Vous pouvez consulter un extrait de cette publication sur Amazon [ cela est toujours possible en 2009 :) ]

Couverture (c) Eyrolles - Tous droits réservés

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