Annette Messager @ ARoS - Aarhus Art Museum - Désirs désordonnés / Disordered desires

Annette Messager

Désirs désordonnés / Disordered desires 

ARoS - Aarhus Art Museum

27 May - 22 October 2023

Annette Messager

Daily, 2015-2016

Installation view of the exhibition

Annette Messager, Comme si (as if) in

LaM, Lille Métropole Musée d'art moderne,

d'art contemporain et d'art brut, France 

Courtesy the artist & Marian Goodman Gallery

Photograph: N. Dewitte / LaM

Annette Messager

Daily, 2015-2016 (detail)

Installation view of the exhibition

Annette Messager, Comme si (as if) in

LaM, Lille Métropole Musée d'art moderne,

d'art contemporain et d'art brut, France 

Courtesy the artist & Marian Goodman Gallery

Photograph: N. Dewitte / LaM

ARoS presents “Désirs désordonnés” (Disordered Desires) by internationally celebrated French artist, Annette Messager. The exhibition highlights major works and previously unseen projects. This is the premiere presentation of Annette Messager in Denmark. “Désirs désordonnés” offers the opportunity to appreciate Annette Messager's unique surrealist and feminist aesthetic.

Annette Messager (b. 1943, Berck-sur-mer, France), working since the beginning of the 1970 ́s, has been hailed as one the most important and influential artists of her generation. She gained international recognition during the 1980’s, showing in major Biennale surveys and international exhibitions. Her works combine a feminist sensibility with a strong link to the strategies and methodologies of Surrealism.

Annette Messager works with ordinary materials to create surreal assemblages staged in a theatrical way. Deliberately subjective, Annette Messager uses reminiscence and memory as a vehicle for inspiration. The use of ‘found objects’, assemblage and intuitive drawing in her artistic approach allows her to create works which refer to influences as varied as Surrealism, Dada, the grotesque, absurd, and the phantasmagoric.

Deeply free, Annette Messager is reluctant to be stuck with any kind of category, and although a part of her work explores the role of female artists and the status of women in contemporary society, her Oeuvre more widely touches on political and complex themes such as gender, identity, freedom and various issues raised by our society that she manages to transform into fables and fictions, blurring the boundaries between reality and imaginary.

Annette Messager 

Continent noir, 2018-2021

Installation view of the exhibition

Annette Messager, Comme si (as if) in

LaM, Lille Métropole Musée d'art moderne,

d'art contemporain et d'art brut, France 

Courtesy the artist & Marian Goodman Gallery

Photograph: N. Dewitte / LaM

Annette Messager 

Dessus-Dessous, 2019 

Installation view of the exhibition

Annette Messager, Comme si (as if) in

LaM, Lille Métropole Musée d'art moderne,

d'art contemporain et d'art brut, France 

Courtesy the artist & Marian Goodman Gallery

Photograph: N. Dewitte / LaM

Annette Messager has developed a seemingly personal world in which she takes on a range of identities: Collector, Trickster and Practical Woman among others. This provides her the freedom and distance to examine multiple aspects and to unravel the clichés traditionally associated with the dual status of being both a woman and an artist. As a creator of chimeras, lover of word games and hawker of dreams, Annette Messager delights in unnerving the public by immersing them in a world marked by carnival and fairy tales, where familiar things such as everyday objects, soft toys, cloths, photographs of parts of human body, etc. take on supernatural powers.

In “Désirs désordonnés” Annette Messager presents these imaginary narratives through installation, sculptures, drawings, and photos, which merge to offer a diverse, dynamic and rich experience for the viewer.

Rebecca Matthews, director of ARoS, says:

"Messager creates encounters that explore the grotesque, gothic and folkloric. In her works she exaggerates, diminishes and refashions ideas that have been stable, solid, and authoritative to provoke an alternative view from the position of the woman. Visiting “Désirs désordonnés”, the viewer will receive a unique insight into Messager’s aesthetic, which in this year of ARoS surrealisms, will expand the audience’s appreciation for new knowledge, curiosity and inspiration fashioned from the mind of the artist.”

Annette Messager

Installation view of the exhibition

Annette Messager, Comme si (as if) in

LaM, Lille Métropole Musée d'art moderne,

d'art contemporain et d'art brut, France 

Courtesy the artist & Marian Goodman Gallery

Photograph: N. Dewitte / LaM

Annette Messager

Installation view of the exhibition

Annette Messager, Comme si (as if) in

LaM, Lille Métropole Musée d'art moderne,

d'art contemporain et d'art brut, France 

Courtesy the artist & Marian Goodman Gallery

Photograph: N. Dewitte / LaM

Annette Messager: Celebrated artist

Annette Messager is celebrated in her home country, France. She was recently awarded the Légion d’honneur the most esteemed cultural acknowledgment conferred by the French Head of State. She was awarded the Praemium Imperiale in 2016 by the Japan Art Association in the scupture category for work achievement; and in 2005 at the 51st Venice Biennale she was awarded the Golden Lion of the best national presentation for her installation “Casino” in the French pavilion.

Annette Messager is inspired by female artists such as Louise Nevelson, Eva Hesse, and Louise Bourgeois as well as cinema and literature. Her work often challenges the traditional boundaries between art and life, gender roles and social norms. She has created a style and aesthetic, where she combines objects and photographs with textiles, embroidery and sewing. Although Messager has experimented a wide range of technics and mediums like found objects, photography, textile, embroidery and sewing she has created a singular style and unique aesthetic which she can stretch as easily from large scale immersive installation to smaller and intimate works. Breaking the limits, she explores spaces in every single dimension possible using suspension, walls, and floor as possibilities.

Ellen Langvold, curator at ARoS says:

“Working with a renowned artist like Annette Messager is a great privilege. Few artists challenge their audiences like Messager, and few have had a more liberating influence on younger generations of artists. “Désirs désordonnés” is Messager’s first major survey exhibition in Denmark and will provide an insight into her captivating, intriguing and compelling universe. Specially conceived by the artist, the exhibition will give pride of place to drawing, a technique dear to her heart, with a selection of seventy-six acrylic acrylic paint - drawings from the series Tête-à-tête (2019-2020). Among her recent works, Annette Messager will also present Dessus-Dessous (2019) an installation that revisits the work she created for the French Pavilion at the 2005 Venice Biennale.”

The exhibition is made possible in collaboration with LaM - Lille Métropole Musée d'art moderne, d'art contemporain et d'art brut, Villeneuve-d'Ascq, France, Annette Messager and Marian Goodman Gallery, Paris.

ARoS Aarhus Art Museum

Aros Allé 2, 8000 Aarhus C

www.aros.dk

Dorothea Lange: The Family Collection @ Phillips, NYC

Dorothea Lange: The Family Collection

Phillips, New York

Online Auction: 29 March - 5 April, 2023

DOROTHEA LANGE

White Angel Breadline, San Francisco, 1933

Estimate: $15,000 - 25,000

Image Courtesy Phillips

DOROTHEA LANGE

Women Workers, Richmond Shipyard, 1943

Estimate: $6,000 - 8,000

Image Courtesy Phillips

DOROTHEA LANGE

Street Demonstration, San Francisco (Down with Sales Tax), 1934

Estimate: $3,000 - 5,000

Image Courtesy Phillips

Phillips announces the second session of Dorothea Lange: The Family Collection, a trove of 50 photographs coming directly from the descendants of this seminal American photographer. This sale follows Phillips’ first offering from the Family Collection offered in October 2022. Part Two is open for bidding from 29 March to 5 April, 2023.

The sale features some of Dorothea Lange’s most indelible images from her multi-decade career in photography, as well as many images which will be new to collectors. All were in the photographer’s collection at the time of her death, passed along to her descendants, and represent the entirety of her career, from the first socially conscious images she made outside her portrait studio in San Francisco, through her work for the Farm Security Administration during the Depression, to her post-war documentary projects, much of it done in the company of her husband and collaborator Paul Taylor.

DOROTHEA LANGE

Paul S. Taylor with Farmer, circa 1936

Estimate: $3,000 - 5,000

Image Courtesy Phillips

DOROTHEA LANGE

Migratory Cotton Pickers, Eloy, Arizona, 1940

Estimate: $7,000 - 9,000

Image Courtesy Phillips

DOROTHEA LANGE

Vietnam, 1958

Estimate $3,000 - 5,000

Image Courtesy Phillips

Born in Hoboken in 1895, Dorothea Lange learned to photograph as a young woman before her departure for the west coast in 1918. Talented and ambitious, Dorothea Lange opened a portrait studio that catered to San Francisco’s upper crust. After witnessing first-hand the social upheaval caused by the Depression, she took to the streets with her camera, taking images of labor demonstrations, the newly unemployed, and men, women, and children who were without home or income – images that would set the trajectory for the rest of her career.

During the Depression she traveled the country under the auspices of the Farm Security Administration, documenting the poverty endured by Americans and creating some of the most culturally relevant images of the 20th century. She brought her incisive and empathetic documentary style to a variety of national and international subjects during and after World War II. Dorothea Lange was witness to a world in transition and her camera captured it all. Her photographs show that the story of the 20th century is the story of individuals: their struggle, their success, and their perseverance.

Online Auction: 29 March - 5 April

Auction Viewing: 432 Park Avenue, New York, NY 10022

Estimates do not include buyer’s premium; prices achieved include the hammer price plus buyer’s premium.

PHILLIPS NEW YORK

432 Park Avenue, New York, NY 10022

www.phillips.com

Deana Lawson @ High Museum of Art, Atlanta

Deana Lawson

High Museum of Art, Atlanta

October 7, 2022 — February 19, 2023

Deana Lawson (American, born 1979)

Hair Advertisement, 2005

Pigment print

Courtesy the artist; Sikkema Jenkins & Co., New York; 

and David Kordansky Gallery, Los Angeles

© Deana Lawson

Deana Lawson (American, born 1979)

Coulson Family, 2008

Pigment print

Courtesy the artist; Sikkema Jenkins & Co., New York; 

and David Kordansky Gallery, Los Angeles

© Deana Lawson

The High Museum of Art presents the first museum survey dedicated to DEANA LAWSON, who is known for investigating and challenging conventional representations of Black identities and bodies through her photographs. Co-organized by the Institute of Contemporary Art / Boston and MoMA PS1, “Deana Lawson” features nearly 60 works made over the past two decades that evoke a range of histories and photographic styles, including family albums, studio portraiture and staged tableaux, and employ documentary pictures and appropriated images.

“Lawson’s works, which are complex not only in their composition but also in the emotions they evoke, challenge us to think critically about Black representation and confront our perceptions of Black identity,” said Rand Suffolk, Nancy and Holcombe T. Green, Jr., director of the High. “Her photographs open important dialogues, and we look forward to bringing them to Atlanta and sharing them with our audience.”

In Deana Lawson’s highly staged tableaux, individuals, couples and families are pictured in intimate domestic spaces and public settings. As they depict these intimate scenes, they also channel broader ideas about individual and social histories, sexuality and spiritual beliefs. Lawson’s practice is global in scope, as she creates her images throughout the African diaspora in locations as varied as Brooklyn, Haiti, Jamaica, Ethiopia, Brazil, the Democratic Republic of the Congo and the Southern United States. This broad geographical range points to the artist’s interest in a collective memory of shared experiences and various cultural histories of the past.

Deana Lawson also uses photography to challenge assumptions about the facts the medium purports to deliver. She carefully composes each scene but does not always disclose details about how she has created them, or even where the photographs were taken. In some cases, she works with found images that depict people she does not know. Her tableaux tend to be composed of people she encounters on her travels rather than family, friends or acquaintances. Despite what certain pictures may suggest, some of the artist’s subjects may not have met before the shoot.

Deana Lawson (American, born 1979)

Nation, 2018

Pigment print and collaged photograph

Courtesy the artist; Sikkema Jenkins & Co., New York; 

and David Kordansky Gallery, Los Angeles

© Deana Lawson

Deana Lawson (American, born 1979)

Black Gold (“Earth turns to gold, in the hands of the wise,” Rumi), 2021

Pigment print with embedded hologram

Courtesy the artist; Sikkema Jenkins & Co., New York; 

and David Kordansky Gallery, Los Angeles

© Deana Lawson

“Lawson is a singular voice in contemporary photography who causes us to question our assumptions about the medium’s relationship to the real,” said Gregory Harris, the High’s Donald and Marilyn Keough Family curator of photography. “Though her photographs appear to be drawn from the happenstance of everyday life, they are rigorously orchestrated portals to a world of Deana’s creation that nevertheless offers deep insight into the lived experience of people across the diaspora.”

The exhibition is arranged chronologically according to when the photographs were created, with themes of familial bonds, the female figure and the allure of popular media images recurring throughout.

DEANA LAWSON (American, born 1979) lives and works in New York and Los Angeles. She received her B.F.A. from Pennsylvania State University (2001) and her M.F.A. from the Rhode Island School of Design (2004). She is the recipient of a Guggenheim Fellowship (2013), an Aaron Siskind Foundation Fellowship Grant (2008-2009), and a New York Foundation for the Arts Grant (2006), among others. In 2020, she was selected for the Hugo Boss Prize, the first photographer to receive the award in recognition of achievement in contemporary art. She is also the inaugural Dorothy Krauklis ’78 Professor of Visual Arts at Princeton University’s Lewis Center for the Arts.

Exhibition Catalogue

The exhibition is accompanied by the first scholarly publication on the artist, surveying 15 years of her photography. Featuring the voices and perspectives of a variety of scholars, historians and writers, the catalogue includes essays by exhibition curators Peter Eleey and Eva Respini, Kimberly Juanita Brown, Tina M. Campt, Alexander Nemerov and Greg Tate, and a conversation between the artist and Deborah Willis.

HIGH MUSEUM OF ART

1280 Peachtree St NE, Atlanta, GA 30309

high.org

Photographer Dorothea Lange Family Collection @ Philips, New York

Dorothea Lange: The Family Collection

Phillips, New York

2 - 13 October, 2022

DOROTHEA LANGE

White Angel Breadline, San Francisco, 1933

Estimate: $20,000 - 30,000

Courtesy of Phillips

DOROTHEA LANGE

Street Demonstration, San Francisco, 1933

Estimate $8,000 - 12,000

Courtesy of Phillips

DOROTHEA LANGE

Kern County, California (Olson for Governor), 1938

Estimate $7,000 - 9,000

Courtesy of Phillips

Phillips announces the sale of Dorothea Lange: The Family Collection, a trove of over 100 photographs coming directly from the descendants of this seminal American photographer. The collection will be sold in two separate online offerings scheduled alongside Phillips’ October 2022 and April 2023 Photographs auctions in New York. The first of these two online-only sales will be exhibited at Phillips’ Park Avenue galleries in New York from 2-13 October, with bidding open on 3 October.

The two sales feature some of Dorothea Lange’s most indelible images from her multi-decade career in photography, as well as many images which will be new to collectors. All were in the photographer’s collection at the time of her death, passed along to her descendants, and represent the entirety of her career, from the first socially-conscious images she made outside her portrait studio in San Francisco, through her work for the Farm Security Administration during the Depression, to her post-war documentary projects, much of it done in the company of her husband and collaborator Paul Taylor.

DOROTHEA LANGE

Shipyard Worker and Family in Trailer Camp, Richmond, California, 1944

Estimate $6,000 - 8,000

Courtesy of Phillips

DOROTHEA LANGE

New York City (Man in Raincoat), 1952

Estimate $4,000 - 6,000

Courtesy of Phillips

DOROTHEA LANGE

Selected Images from The Public Defender, 1955

Estimate $18,000 - 22,000

Courtesy of Phillips

DOROTHEA LANGE

Procession Bearing Food for the Dead, Egypt, 1963

Estimate $3,000 - 5,000

Courtesy of Phillips

Highlights of the October offering include a print of one of Dorothea Lange’s earliest and most decisive documentary images, White Angel Breadline, whose central figure embodies the poverty of the Depression and the grit to overcome it. The sale will feature a suite of 16 images from Dorothea Lange’s celebrated Public Defender series of 1955, in which her detailed portrayal of a public defense attorney and his clients set the template for a new kind of photojournalism. It is the largest group from this series to appear at auction.

The sale also includes an unprecedented selection of her international photography, begun in the 1950s, when she traveled with Paul Taylor to Ireland, Egypt, and Asia, creating a panoramic portrait of humanity across all cultures.

Estimates do not include buyer’s premium; prices achieved include the hammer price plus buyer’s premium.

Auction: 3 – 13 October 2022

Auction viewing: 2 – 13 October 2022

Location: 432 Park Avenue, New York, NY 10022

PHILLIPS NEW YORK 

432 Park Avenue, New York, NY 10022

www.phillips.com

Hito Steyerl @ Centre Pompidou, Beaubourg, Paris - I Will Survive. Espaces physiques et virtuels

Hito Steyerl. I Will Survive 

Espaces physiques et virtuels 

Centre Pompidou, Paris 

19 mai 2021 - 5 juillet 2021 

HITO STEYERL

SocialSim, 2020 (montage de deux détails)

Vidéo numérique, 16/9, couleur, son, 18min

Courtesy de l’artiste, Andrew Kreps Gallery, New York 

et Esther Schipper, Berlin

Still Photo © Image CC 4.0 Hito Steyerl

Le Centre Pompidou présente, en collaboration avec le K21 de Düsseldorf, la première exposition de large envergure consacrée à l’artiste allemande Hito Steyerl en France. Se déployant dans tout l’espace de la Galerie 2du Centre Pompidou, cette rétrospective fait écho d’emblée à par son titre : « I Will Survive ». Elle réunit un ensemble d’oeuvres majeures, articulées autour d’une nouvelle production qui imagine le devenir du monde à l’ère des technologies de simulation sociale. Elle retrace un parcours débuté dans les années 1990 dans le champ du cinéma documentaire et qui développe, depuis une dizaine d’années, des installations multimédias particulièrement inventives, vouées à transformer joyeusement le caractère immersif de notre culture visuelle en espace de réflexion. Pointant les échecs et les paradoxes de l’image, Hito Steyerl expérimente de nouvelles façons de parler du réel et aborde de manière critique le nationalisme, le capitalisme et l’intelligence artificielle.

Le tournant documentaire dans l’Allemagne réunifiée

Depuis le début des années 1990, les films, vidéos et installations immersives de Hito Steyerl abordent l’air du temps avec un humour corrosif, livrant une critique lucide du contrôle rentable accéléré de l’espace public et des données privées. Son travail s’amorce dans le contexte de la réunification allemande et la fin des utopies qu’elle examine à travers un regard très personnel sur le film documentaire. Le nationalisme et la recrudescence du racisme et de l’antisémitisme sont l’objet de ses premiers opus, pensés pour la diffusion cinématographique et télévisuelle. Le court-métrage Babenhausen (1997), le long-métrage Die leere Mitte [Le Centre vide] (1998) et la série Normality (1999-2001) opèrent le sondage sans concession d’une société allemande partagée entre l’emprise croissante de la spéculation néo-libérale et le retour des pires fantômes de l’histoire. La béance sans projet laissée par la chute du mur de Berlin, la banalité des crimes antisémites qui tient lieu de « normalité », sont examinées dans des narrations sophistiquées à la première personne, où la voix off de l’artiste alterne avec celles de personnes qu’elle invite à une parole située, élaborant autant de points de vue alternatifs à ceux des médias.

Sa propre biographie prend le premier plan lorsque, dans November (2004), elle évoque le parcours de son amie d’adolescence Andrea Wolf, jadis l’héroïne du féminisme enjoué de ses premiers courts tournés en Super 8, tuée en Turquie à la suite de son engagement politique armé pour la cause kurde. C’est encore un fil intime qu’elle tire dans Lovely Andrea (2007), pour faire résonner son expérience du bondage lors de ses études au Japon et de l’exploitation incontrôlée de sa propre image dans le circuit lucratif de l’imagerie érotique. 

HITO STEYERL

Die leere Mitte [Le Centre vide], 1998 (détail)

Bandes vidéo DV et Hi8 et film 16mm

transférés sur DVD, couleur, son, 62min

Courtesy de l’artiste, Andrew Kreps Gallery, New York 

et Esther Schipper, Berlin

Still Photos © Image CC 4.0 Hito Steyerl

HITO STEYERL

November, 2004 (détail)

Vidéo numérique, 4/3, couleur, son, 25min 19s

Courtesy de l’artiste, Andrew Kreps Gallery, New York 

et Esther Schipper, Berlin

Still Photos © Image CC 4.0 Hito Steyerl

Les « images pauvres » de l’Internet

Progressivement, son langage narratif singulier mêle l’essai à la satire, dans un ton direct et décapant qui lui vaut une notable reconnaissance internationale, tant pour ses productions, qui transitent du cadre cinématographique à celui du musée, que pour ses écrits, régulièrement publiés sur e-flux Journal. Sa vidéo In Free Fall (2009-2010), dont un exemplaire est conservé dans la collection du Musée national d’art moderne, répond à la crise bancaire de 2008 par un montage vertigineux autour du thème du crash aérien. Films hollywoodiens et démonstrations de sécurité aérienne se télescopent dans un mix énergique, évoquant une perte de tout repère de gravité. Dans son texte In Defense of the Poor Image [Pour une défense de l’image pauvre] (2009), Hito Steyerl annonce ce langage de recyclage d’images trouvées, assumant le piratage, la circulation et le remploi sauvage du film et de la vidéo dans le magma anarchique et inépuisable d’Internet. Son très remarqué How Not to be Seen. A Fucking Didactic.MovFile (2013) s’attaque à la surveillance aérienne sous la forme d’un tutoriel pour devenir invisible, où l’artiste entrelace des images promotionnelles pour des complexes immobiliers de luxe et une chorégraphie fantasque méditant sur la vie des pixels.

HITO STEYERL

Liquidity Inc., 2014 (détail)

Installation audiovisuelle

Environnement architectural et projection vidéo

numérique, 16/9, couleur, son, 30,15 min

Courtesy de l’artiste, Andrew Kreps Gallery, New York 

et Esther Schipper, Berlin

Still Photos © Image CC 4.0 Hito Steyerl

Par-delà les écrans : le pouvoir des algorithmes

Le tournant des années 2010 est aussi marqué par une transformation radicale de son oeuvre vers le format de l’installation vidéo. Des dispositifs à large échelle sont conçus pour étendre l’écran dans l’espace réel et renvoyer de manière sensible à l’environnement. Liquidity Inc. (2014), qui ironise sur la dérégulation mondialisée des flux financiers via le format de la prévision météo, accueille ainsi les spectateurs et les spectatrices sur une vague qui s’élève au-dessus de l’horizon de l’image, recouverte d’un tapis de judo. Hell Yeah We Fuck Die (2016) voit entrer dans l’espace d’exposition des robots androïdes, héros ambivalents de la science-fiction devenus les agents de l’intelligence artificielle à l’ère du numérique, tandis que les écrans démultipliés de la vidéo apparaissent fichés dans un méandre de tuyauteries de chantier. Ces constructions métalliques servant de support aux images deviendront une figure récurrente des installations récentes de Hito Steyerl, une manière de pointer du doigt les structures invisibles qui se cachent derrière la surface lisse et hypnotique des écrans.

Si Hito Steyerl emploie les technologies les plus récentes, c’est pour mieux questionner leur pouvoir d’emprise sur le public et leur capacité à refaçonner de manière souterraine ce qui tient lieu de « réel ». Dotées d’une forte charge d’ironie, ses oeuvres livrent un irrésistible persiflage des dérives de la surveillance globale et de la réduction du monde à un centre de données aux mains du plus offrant.

Attentive au devenir des institutions d’État, Hito Steyerl aborde sous plus d’un angle l’action croissante des multinationales dans l’ensemble de la sphère sociale et de l’espace public. Le pouvoir politique et économique exercé via les algorithmes est désormais au coeur de cette réflexion, développée dans une série d’oeuvres récentes jusqu’à la nouvelle pièce produite pour la présente exposition. Dans Power Plants et This is the Future (2018), l’artiste s’interroge à propos des logiciels d’anticipation qui, imaginant l’avenir sur la base de données existantes, sont réduits à prédire, en grande partie, une répétition de ce qui a déjà eu lieu. L’application de réalité augmentée qui prolonge l’installation vidéo donne la parole à l’imaginaire poétique des plantes qui, dans un futur proche, s’apprêtent à prendre le pouvoir. Dans The City of Broken Windows (2019), elle donne à réfléchir sur l’élaboration d’algorithmes par des compagnies privées qui, censées prévenir la criminalité, échafaudent un monde en forme de cloche étanche sous capteurs, où tout mouvement devient un suspect pour la technique.

HITO STEYERL

Dancing Mania, 2020

Simulation par ordinateur en temps réel, durée illimitée

Courtesy de l’artiste, Andrew Kreps Gallery, New York 

et Esther Schipper, Berlin

Still Photo © Image CC 4.0 Hito Steyerl

Musées et épidémie de danse à l’ère de la simulation sociale

L’installation SocialSim mène cette réflexion vers une nouvelle dimension. Hito Steyerl s’intéresse ici plus spécifiquement aux programmes de simulation sociale, qui s’attachent à étudier et à prédire les comportements des individus au sein d’une collectivité et à modéliser les interactions de masse. La vidéo tourne autour d’un « chef-d’oeuvre disparu » – le Salvator Mundi attribué à Léonard de Vinci, qui a défrayé la chronique en battant le record de « la peinture la plus chère du monde », en 2017. Sa recherche mène dans un musée imaginaire, « the museum of self-evolving art works » [le musée des oeuvres qui évoluent par elles-mêmes]. Dans ce musée du futur – peut-être déjà en partie présent – la flambée spéculative du marché de l’art, les assauts du nationalisme identitaire et la chute des subventions publiques allouées aux lieux culturels ont conduit les oeuvres à prendre en main leur propre destin dans le chaos dérégulé du néo-libéralisme sauvage, tandis que l’humanité apparaît livrée aux algorithmes gestionnaires d’une crise sans fin. Il s’avère que le nouveau Salvator Mundi est le « deus ex-machina », l’intelligence artificielle elle-même qui s’est emparée des outils de la simulation sociale pour diriger le monde.

Les applications Dancing Mania et Rebellion s’inspirent de ce que la pandémie révèle d’une perte généralisée de toute maîtrise des individus sur leur environnement. Avec l’humour grinçant propre à Hito Steyerl, elles modélisent une infection d’un autre genre : le retour des chorémanies du Moyen Âge, ces danses collectives irrépressibles soutenues sur les places publiques, jusqu’à l’épuisement, où certains historiens ont vu des manifestations de détresse des populations précarisées. Ce retournement carnavalesque face aux impasses sociales ne livre ni jugement ni réponse. Comme toujours dans l’oeuvre de Hito Steyerl, la fiction est un détour pour mieux ouvrir les yeux sur le présent, mettre les sens et la pensée en éveil.

« I Will Survive », le titre de l’exposition, sonne comme un défi autant qu’il constitue un hommage à la célèbre chanson disco (Gloria Gaynor, 1978), laissant à chacun et à chacune un espace d’introspection et de questionnement sur sa propre position.

HITO STEYERL 

© Trevor Paglen

HITO STEYERL

Née à Munich en 1966, Hito Steyerl a étudié au Japan Institute of the Moving Image (anciennement Yokohama Broadcasting Technical School, fondée en 1975 par Shohei Imamura), puis à l’université de la télévision et du film de Munich avant de soutenir une thèse en philosophie à l’académie des beaux-arts de Vienne. Elle vit à Berlin, où elle enseigne le New Media Art à l’université des arts de Berlin et a fondé le Research Center for Proxy Politics (avec Vera Tollmann et Boaz Levin). Son oeuvre a fait l’objet de plusieurs expositions monographiques et a été incluse dans nombre de manifestations internationales comme la documenta de Cassel en 2007, Skupktur Projekte (Münster) en 2017, les Biennales de Venise en 2013, en 2015 (où elle était l’une des quatre artistes à représenter l’Allemagne) et en 2019, enfin l’Armory Show (New York) où elle présentait en 2019 une exposition personnelle. En 2017, elle a été désignée à la première place de la liste Power 100 des « personnalités les plus puissantes du monde de l’art » par la revue ArtReview, avant d’être nommée lauréate du Käthe Kollwitz Preis 2018. Le Musée national d’art moderne conserve deux oeuvres de Hito Steyerl : l’installation multimédias Red Alert, 2007, et la vidéo In Free Fall, 2010.

L’exposition est organisée par le Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf et le Centre Pompidou Paris et bénéficie du soutien de la Kulturstiftung des Bundes, de la galerie Andrew Kreps, New York et de la galerie Esther Schipper, Berlin et du Goethe-Institut France.

Commissariat

Centre Pompidou, Musée national d’art moderne

Florian Ebner, chef du Cabinet de la photographie

Marcella Lista, cheffe du Service des nouveaux médias

Assistés d’Alexandra Delage, Attachée de conservation au Service des nouveaux médias et Daniel Mebarek, Assistant temporaire de recherche

K21

Doris Krystof, Curator

Assistée de Florentine Muhry, Assistant Curator

CENTRE POMPIDOU

Place Georges-Pompidou, 75004 Paris

www.centrepompidou.fr

Gilbert & George @ Schirn Kunsthale Frankfurt - The Great Exhibition

Gilbert & George

The Great Exhibition

Schirn Kunsthale Frankfurt

February 12 - May 16, 2021

GILBERT & GEORGE, 2015

Photo: Tom Oldham

GILBERT & GEORGE 

LEAFAGE, 1988

Courtesy of Gilbert & George

GILBERT & GEORGE

QUEER, 1977 

301 x 251 cm 

Courtesy of Gilbert & George

Gilbert & George have been creating art together now for over half a century. Their outstanding body of work is still as explosive as it is significant. The Schirn Kunsthalle Frankfurt is dedicating an extensive retrospective to the visually powerful and sometimes provocative universe of this eccentric, London-based artist duo, showing works from 1971 until 2019. As both subject and object of their own work, Gilbert & George form a complete artistic unity that draws no distinction between art and life. As “living sculptures,” they embody their art and are both topic and focal point of their large-format collages and screened pictorial worlds. Their work revolves around death, hope, life, fear, sex, money, and religion. These are also societal issues, which they depict in all their contradictions: at once joyful and tragic, grotesque and serious, surreal and symbolic. 

GILBERT & GEORGE 

CHRISTS, 1992

253 x 426 cm

Private Collection

Courtesy of Gilbert & George

The duo deal with everything that makes us uneasy. Their goal, however, is not to shock, but rather to make visible what is happening in the world, according to their motto “Art for All.” From punks to hipsters, from authorities to outsiders, and from headlines to advertising—Gilbert & George have something to say about it all. By challenging our picture of the world, their works demonstrate, time and again, how forward-thinking they are.

An exhibition by the Luma Foundation and Moderna Museet, Stockholm, in cooperation with the Schirn Kunsthalle Frankfurt.

Curators : Hans Ulrich Obrist and Daniel Birnbaum

SCHIRN KUNSTHALLE FRANKFURT 

Römerberg, 60311 Frankfurt

www.schirn.de

Garrett Bradley @ MoMA, New York

Projects: Garrett Bradley

MoMA, New York

Through March 21, 2021

GARRETT BRADLEY

America, 2019

Dir. Garrett Bradley

Courtesy the filmmaker

GARRETT BRADLEY

America, 2019

Dir. Garrett Bradley

Courtesy the filmmaker

The Museum of Modern Art presents Projects: Garrett Bradley, the artist’s first solo museum exhibition in New York, in the Museum’s street-level galleries. This exhibition, presented as part of a multiyear partnership between The Museum of Modern Art and the Studio Museum in Harlem, features a multichannel video installation, America (2019), a work organized around 12 short black-and-white films shot by Garrett Bradley and set to a score by Trevor Mathison and Udit Duseja. Among her original short vignettes, Garrett Bradley intersperses footage from Lime Kiln Club Field Day, an unreleased 1914 film believed to be the oldest surviving feature-length film with an all-Black cast. With America, Garrett Bradley imagines and pictures Black figures whose lives have been lost to history. Projects: Garrett Bradley is organized by Thelma Golden, Director and Chief Curator, the Studio Museum in Harlem, with Legacy Russell, Associate Curator, the Studio Museum in Harlem.

GARRETT BRADLEY

America, 2019

Dir. Garrett Bradley

Courtesy the filmmaker

The Library of Congress has estimated that 70 percent of the feature-length films made in the US between 1912 and 1929 have been lost. It is in these years that Garrett Bradley’s America finds its footing. Her evocative vignettes cite historical events, ranging from African American classical composer and baritone singer Harry T. Burleigh’s publication of the iconic spiritual “Deep River” in 1917, to the murder of popular jazz bandleader James Reese Europe in 1919, to the founding of baseball’s Negro National League (NNL) in 1920, and more. By including borrowed footage from Lime Kiln Club Field Day, Bradley also shines light on the history of a film radically progressive for its time. Lime Kiln Club Field Day evokes Black intimacy and a convivial sharing of space that celebrates Black vernacular movement and expression. This film had never been seen publicly until 2014, after it was rediscovered and restored by MoMA. By revisiting the recovery of this lost work and by giving lost stories visual life, Garrett Bradley considers how film impacts our ability to imagine history’s relationship to contemporary life. Garrett Bradley has said of her work, “I see America as a template for how visual storytelling and the assembly of images can serve as an archive of the past and a document of the present.”

Garrett Bradley’s Projects exhibition occurs in New York at a time when the status of early-20thcentury racial representations has become a matter of discussion and debate. As a multichannel installation, Garrett Bradley’s America constructs a physical space of invention in which turn-of-the-20th-century Black people and their ordinary lives are made present in ways that exceed the confines of what is available in an official archive.

GARRETT BRADLEY

America, 2019

Dir. Garrett Bradley

Courtesy the filmmaker

GARRETT BRADLEY BIOGRAPHY

Garrett Bradley (born 1986) is an artist and filmmaker born and raised in New York City. Working across narrative, documentary, and experimental modes of filmmaking, Garrett Bradley’s work addresses themes such as race, class, familial relationships, social justice, Southern culture, and the history of film in the US. Her collaborative, research-based approach to filmmaking is often inspired by the real-life stories of her subjects. For Garrett Bradley, this research takes multiple forms—deep dives into historical archives, in-depth dialogues prompted by Craigslist want-ads, or an extended engagement with the communities and individuals she seeks to represent—and results in works that combine both scripted and improvisatory scenes. Garrett Bradley’s films explore the space between fact and fiction, embracing modes of working and of representing history that blur the boundaries between traditional notions of narrative and documentary cinema.

Garrett Bradley received her MFA from University of California, Los Angeles, and a BA from Smith College. Her short films and feature-length projects have been exhibited internationally at museums and festivals including the New Orleans Museum of Art; Whitney Biennial 2019, Whitney Museum of American Art, New York; The J. Paul Getty Museum, Los Angeles; Sundance Film Festival, Park City, Utah; Tribeca Film Festival, New York; Festival du Nouveau Cinema, Montreal; Rotterdam Film Festival, The Netherlands; and SXSW, Austin, Texas; among many others. In 2020 Garrett Bradley became the first African American woman to win the Directing Award: U.S. Documentary at the 2020 Sundance Film Festival, and she has received numerous awards and honors, including a 2019–20 Rome Prize from the American Academy in Rome, and the 2017 Sundance Jury Prize for her short film Alone, which was released by the New York Times OpDocs and became an Oscar contender for short nonfiction filmmaking, included in Academy Shortlist. Garrett Bradley was second unit director on Ava DuVernay’s When They See Us, and in December 2019 she opened her first museum solo exhibition, Garrett Bradley: American Rhapsody at the Contemporary Arts Museum Houston, curated by Rebecca Matalon.

MoMA - MUSEUM OF MODERN ART

11 West 53 Street, New York

www.moma.org

Carl Chiarenza @ Virginia Museum of Fine Arts, Richmond

Carl Chiarenza
Virginia Museum of Fine Arts, Richmond
Through November 12, 2019

CARL CHIARENZA (American, born 1935)

Burnham Brothers, Essex, MA, 1962, printed later

Gelatin silver print

Virginia Museum of Fine Arts

Gift of Carl Chiarenza, 2016.516

© Carl Chiarenza, Courtesy of the VMFA

The Virginia Museum of Fine Arts (VMFA) presents an exhibition of works by photographer CARL CHIARENZA, on view in the Photography Gallery. Born to Italian immigrant parents and raised in Rochester, New York, Carl Chiarenza’s interest in photography developed early in his childhood. From 1953 to 1957, Carl Chiarenza studied at the Rochester Institute of Technology under the direction of Minor White and Ralph Hattersley. Since the late 1960s, Carl Chiarenza has been a leading figure in a movement that seeks to expand the conceptual boundaries of photography.

Carl Chiarenza’s photographs have been included in more than 80 solo and 250 group exhibitions since 1957. His black and white photographs, which often contain elements of collage, have continued to challenge notions of landscape, abstraction, visitor perspective, and the very medium of photography itself. This free exhibition is curated by Virginia Museum of Fine Arts Executive Director and CEO Alex Nyerges.

“The Virginia Museum of Fine Arts is incredibly grateful to Carl Chiarenza for his generous gift of works to the museum,” says Alex Nyerges. “I am honored to curate the first Chiarenza exhibition at VMFA, and hope that these twenty-two phenomenal works will offer museum members and visitors an opportunity for a deeper understanding and fresh perspective of the limitless world of photography.”

CARL CHIARENZA (American, born 1935)

Sulfite White Figure with Spears, 1962, printed later

Gelatin silver print

Virginia Museum of Fine Arts

Gift of Carl Chiarenza, 2016.517

© Carl Chiarenza, Courtesy of the VMFA

Carl Chiarenza is inspired by both the beauty and human connections to landscapes, but has been continuously dissatisfied with traditional outdoor nature photographs. In acknowledging that depictions of landscapes in paintings are constructed, he began to approach his photographs as abstract and emotional constructions that allow us to examine nature in relation to the self.

The key characteristic that came to dominate Carl Chiarenza’s style was nyctophilia, or a preference for and comfort in darkness. His photographs do not offer familiar faces or landscapes; there is no evident cultural or psychological framework for the viewer to build their response. Rather, the lack of specificity and sense of timelessness reminds us that all photographs are constructions of reality that produce various interpretations relative to each viewer. Carl Chiarenza’s work invites individual reflection by forcing us to examine the subliminal workings of the mind. In these photographs, nothing is absolute, leaving all realities subject to each observer. 

VIRGINIA MUSEUM OF FINE ARTS - VMFA
200 N. Arthur Ashe Blvd., Richmond,  VA 23220
www.vmfa.museum

Paris romantique, 1815-1848 @ Petit Palais, Paris

Paris romantique, 1815-1848
Petit Palais, Paris
22 mai - 15 septembre 2019

Edouard Dubufe 

Jeune fille au portrait, vers 1840 

Musée des Arts décoratifs, Paris 

Photo : MAD 

Après « Paris 1900, la Ville spectacle », le Petit Palais présente « Paris romantique » et poursuit ainsi son évocation des grandes périodes fondatrices de l’identité de Paris. Cette exposition-événement offre un vaste panorama de la capitale durant les années romantiques, de la chute de Napoléon à la révolution de 1848.

Plus de 600 œuvres -peintures, sculptures, costumes, objets d’art et mobilier- plongent le visiteur dans le bouillonnement artistique, culturel et politique de cette époque. Grâce à une scénographie immersive, le parcours invite à une promenade dans la capitale à la découverte des quartiers emblématiques de la période : les Tuileries, le Palais-Royal, la Nouvelle-Athènes, la cathédrale Notre-Dame de Paris de Victor Hugo, ou les Grands Boulevards des théâtres. Dans le même temps, un volet dédié aux salons littéraires et mondains est présenté au musée de la Vie romantique et complète l’exposition (pour plus d'informations cliquez ici : www.wanafoto.com/2019/05/paris-romantique-musee-vie-romantique.html)

Le parcours qui suit le déroulé d’une journée débute au petit matin dans les salons du palais des Tuileries, résidence royale et siège du pouvoir politique. Grâce à des prêts exceptionnels, notamment du musée des Arts décoratifs, certains intérieurs sont évoqués ainsi que des personnalités qui ont influencé la mode, comme la duchesse de Berry ou pratiqué les arts comme Marie d’Orléans dont l’œuvre sculpté est remarquable.

La journée se poursuit par une balade au Palais-Royal. Une spectaculaire maquette provenant du musée Carnavalet et une reconstitution scénographique permettent de revivre l’animation propre à ce temple du commerce et des plaisirs. Un ensemble d’objets de luxe, petits bronzes et accessoires de mode rappellent le raffinement de l’artisanat d’art de cette époque. Une sélection de costumes, prêtés par le Palais Galliera illustrent également le « chic » des Parisiennes et des dandys faisant déjà de Paris la capitale de la mode.

Le visiteur découvre ensuite un accrochage à touche-touche d’œuvres, qui recrée le Salon tel qu’il était présenté au Louvre. Peintures et sculptures s’y répondent et les représentants des différentes tendances artistiques y sont présentés côte-côte. On retrouve ainsi Chassériau, Delacroix, Girodet, Ingres, ou encore Vernet et Delaroche, à côté de Bosio, David d’Angers, Pradier ou Préault pour la sculpture.

Charles-Edouard Leprince (baron de Crespy)

Promenade de Julie et Saint-Preux sur le lac de Genève, 1824

Huile sur toile

Montmorency, musée Jean-Jacques Rousseau

Photo : Didier Fontan

Horace Vernet

Mazeppa aux loups, 1826 

Huile sur toile

Avignon, musée Calvet

Photo : Jean-Luc Maby

Pierre-Jean David, dit David d’Angers

La jeune grecque au tombeau de Marco Botzaris, plâtre, 

Angers, Galerie David d’Angers

Photo : Musées d’Angers

Le parcours se poursuit par une salle dédiée au goût pour le Moyen-Âge que l’on redécouvre après la Révolution. Il inspire les peintres « troubadour » avant d’enthousiasmer les artistes romantiques. Le succès du célèbre roman de Victor Hugo, Notre-Dame de Paris (1831) ravive la passion populaire pour des « siècles obscurs » et le patrimoine du vieux Paris pittoresque. 

L’exposition rappelle ensuite que cette effervescence culturelle a pour toile de fond une forte instabilité politique. En juillet 1830, le roi Charles X est renversé. À sa place, Louis-Philippe, est porté au pouvoir mais n’en devient pas moins très vite impopulaire. Les émeutes sont nombreuses, comme en témoigne la célèbre lithographie d’Honoré Daumier, Le massacre de la rue Transnonain (1834). Un ensemble de caricatures politiques de Daumier, Granville, Traviès, Roubaud restitue les débats et les luttes politiques de la période tandis qu’une sélection de peintures et de sculptures rappelle les combats menés dans les rues de Paris en juillet 1830.

Léon Cogniet

Les Drapeaux, 1830

Huile sur toile

Orléans, musée des Beaux-Arts

Photo : musée des Beaux-Arts/Ville d’Orléans

Le thème révolutionnaire est également abordé par le biais de deux œuvres emblématiques créées la même année : Hernani de Victor Hugo et La Symphonie fantastique d’Hector Berlioz.

La période voit également apparaître le mythe de l’artiste bohème, en quête d’inspiration et de reconnaissance, incompris du public bourgeois et voué à la misère. Des peintures et gravures évoquent la vie de ces artistes mais également les divertissements populaires comme les bals et les fêtes costumées qui se développent à cette période.

Le visiteur part ensuite à la découverte de la Nouvelle Athènes, quartier situé près de la gare Saint Lazare, et qui abrite alors de nombreux ateliers d’artistes : celui d’Ary Scheffer, aujourd’hui musée de la Vie Romantique, de Géricault et même pendant un temps, celui de Delacroix mais aussi les demeures de George Sand, Chopin...

Désiré Court 

Femme à mi-corps, couchée sur un divan, 1829

Huile sur toile

Montpellier, musée Fabre

Photo : Musée Fabre, Montpellier/Frédéric Jaulmes

La journée se termine sur les Grands Boulevards, lieu de promenade et de distraction favoris des Parisiens où se situent le Théâtre italien pour l’opéra et les salles de spectacles plus populaires. On retrouve les figures des grandes « vedettes » comme l’actrice Marie Dorval, l’acteur Mélingue, les danseuses Fanny Essler et Marie Taglioni à travers des portraits, des objets-souvenirs et des projets de décors et de costumes.

Le parcours se clôt par la révolution de 1848 et la désillusion de la génération romantique avec la présentation du manuscrit original de L’Éducation sentimentale de Gustave Flaubert.

Des dispositifs de médiation numériques pour prolonger l’expérience de visite :

Une première borne numérique rappelle le contexte politique de la période à travers quatre épisodes historiques : la Restauration, la révolution de 1830, la Monarchie de juillet et la révolution de 1848.

Un second dispositif présente une carte interactive de Paris pour situer les monuments ainsi que les lieux de divertissement, artistiques, littéraires et politiques emblématiques de la période romantique évoqués dans l’exposition.

Enfin, une application mobile invite le public à prolonger l’exposition en partant dans Paris sur les traces toujours palpables de cette époque. Le parcours, sous forme d’un jeu de piste, permet de découvrir de manière ludique les principaux quartiers évoqués dans l’exposition. Réalisée avec l’agence Ma Langue au chat, elle est disponible gratuitement pour iOS et Androïd en français et en anglais, et propose deux parcours, un famille et un adulte.

Paris romantique, 1815-1848

Editions Paris Musées

24 x 30 cm, 512 pages, relié, 430 illustrations, 49,90 euros

Sous la direction de Jean-Marie Bruson

Préface d’Adrien Goetz. Textes de Gérard Audinet, Olivier Bara, Thierry Cazaux, 

Cécilie Champy-Vinas, Stéphanie DeschampsTan, Anne Dion-Tenenbaum, Yves Gagneux, 

Audrey GayMazuel, Stéphane Guégan, Marie-Laure Gutton, Catherine Join-Diéterle, 

Wassili Joseph, Marine Kisiel, Élodie Kuhn, Vincent Laisney, 

Sylvie Le Ray-Burimi, Christophe Leribault,  Maïté Metz, 

Jean-Luc Olivié, Pauline Prevost-Marcilhacy, Cécile Reynaud, 

Gaëlle Rio, Thierry Sarmant, Miriam Simon, David Simonneau

COMMISSARIAT GÉNÉRAL :
Christophe Leribault, directeur, Petit Palais
Jean-Marie Bruson, conservateur général honoraire, musée Carnavalet
Cécilie Champy-Vinas, conservatrice des sculptures, Petit Palais

COMMISSARIAT :
Gérard Audinet, directeur, Maisons de Victor Hugo, Paris et Guernesey
Yves Gagneux, directeur, Maison de Balzac
Audrey Gay-Mazuel, conservatrice du patrimoine, musée des Arts décoratifs
Sophie Grossiord, conservatrice générale, Palais Galliera
Maïté Metz, conservatrice du patrimoine, musée Carnavalet
Cécile Reynaud, directrice d’études, EPHE
Gaëlle Rio, directrice, musée de la Vie romantique

PETIT PALAIS, PARIS
Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris
Avenue Winston-Churchill - 75008 Paris
www.petitpalais.paris.fr