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11/03/25

Franz Kafka - Exhibition @ Morgan Library & Museum, New York

Franz Kafka
Morgan Library & Museum, New York
Through April 13, 2025

Frank Kafka Photography
Franz Kafka, ca. 1906
Unknown photographer
MS. Kafka 55, fol. 4r
© The Bodleian Library, University of Oxford

Franz Kafka Photograph
Franz Kafka, Altstädter Ring, Prague
 
© Archiv Klaus Wagenbach 

Franz Kafka Drawing
Franz Kafka
Postcard to Ottla Kafka, Schelesen (Želízy), December 1918
MS. Kafka 49, fol. 79r
Jointly owned by the Bodleian Library and the
Deutsches Literaturarchiv Marbach
© The Bodleian Library, University of Oxford

The Morgan Library & Museum presents Franz Kafka, on view through April 13, 2025, marking the 100th anniversary of the author’s death. The exhibition celebrates Kafka’s achievements, creativity, and continued influence on new literary, theatrical, and artistic creations around the world. Franz Kafka is presented in collaboration with the Bodleian Libraries at the University of Oxford, whose extraordinary Kafka holdings appear in the United States for the first time. The items on view include literary manuscripts, correspondence, diaries, and photographs, including the original manuscript of his novella The Metamorphosis.

When Franz Kafka died of tuberculosis at the age of forty, in 1924, few could have predicted the influence his relatively small body of work would have on every realm of thought and creative endeavor over the course of the twentieth century and into the twenty-first. Kafka’s novels and short stories have had an immense influence on literature, art, and culture in the United States in particular, and visitors to the Morgan can experience important items from the Bodleian’s Kafka archive in the place where his work has made an outsize impact. The exhibition not only sets Kafka in the context of his times but also shows how his own experiences nourished his imagination, taking visitors on a journey through his life and influences—from his relationship with his family and the people closest to him to the places where he lived and worked, through to his last years of illness and his death.

Highlights from the exhibition include the manuscripts of Kafka’s novels Amerika and The Castle; manuscripts of his major stories “A Hunger Artist” and “Josephine the Singer;” letters and postcards addressed to his favorite sister, Ottla; his personal diaries, in which he also composed fiction, including his literary breakthrough, the 1912 story “The Judgment”; and unique items such as his drawings, the notebooks he used when studying Hebrew, and family photographs. Drawing on institutional holdings and private collections in the United States and Europe, the Morgan will show a selection of key works, among them Andy Warhol’s portrait of Kafka, part of his 1980 series Ten Portraits of Jews of the Twentieth Century, and Vladimir Nabokov’s copy of The Metamorphosis.

Kafka’s best-known work, The Metamorphosis, is a central focus of the exhibition. Alongside the original manuscript of the novella, the exhibition includes entomological illustrations that explore the possibilities of what the creature that used to be Gregor Samsa might have looked like, as well as modern reinterpretations of the story.

Elisabeth Siefer Artwork
Franz Kafka, Der Heizer (The Stoker)
Illustrated by Elisabeth Siefer 
Mexico City, 1985
Private Collection 
Photography by Carmen González Fraile
courtesy of The Morgan Library & Museum

Rebecca Green Illustration
Larissa Theule, Kafka and the Doll
Illustrated by Rebecca Green (b. 1986)
New York: Viking, 2021
Bodleian Libraries
Penguin Random House LLC; 
Artwork © Rebecca Green

Rebecca Green Artwork
Rebecca Green (b. 1986)
Original artwork from Kafka and the Doll, 2019
Watercolor and pen and ink
© Rebecca Green, Courtesy the artist 

Rebecca Green Artwork
Rebecca Green (b. 1986)
Original artwork from Kafka and the Doll, 2019
Private Collection
Photography by Carmen González Fraile,
courtesy of The Morgan Library & Museum 
© Rebecca Green

The exhibition also examines how the afterlives of Kafka’s work have continued to reach across the world, and their particularly deep resonance in the United States. His influence and impact on the literary world and beyond is well-represented by Andy Warhol’s iconic painting Franz Kafka (1980). The exhibition showcases how the author’s work were created into numerous languages and artistic responses in a variety of formats, with a particular focus on Asia and the modern-day interest in Kafka in Korea and Japan. Kafka’s influence on American arts and culture is represented by an annotated galley proof of Philip Roth’s essay “‘I Always Wanted You to Admire My Fasting’; or, Looking at Kafka” from the Morgan’s collection.

To complete the picture of Kafka’s world, the exhibition dives into the author’s travels, both real and imaginary. We see in his notebooks and journals how his travels in Western Europe enabled him to practice descriptive writing, while his readings of travel narratives and poetry in translation strengthened his fascination with remote spaces and informed his subtle fictional critiques of European colonialism.

This exhibition is organized by the Bodleian Libraries, University of Oxford, in collaboration with the Morgan Library & Museum, New York. Franz Kafka at the Morgan is organized by Sal Robinson, Lucy Ricciardi Assistant Curator of Literary and Historical Manuscripts.

MORGAN LIBRARY & MUSEUM
225 Madison Avenue, New York City

Franz Kafka @ Morgan Library & Museum
November 22, 2024 -  April 13, 2025

15/09/24

Olimpia Zagnoli @ SCAD Museum of Art, Savannah - "Multifaceted" Exhibition

Olimpia Zagnoli: Multifaceted
SCAD Museum of Art, Savannah
July 31 – December 23, 2024

Artist and designer OLIMPIA ZAGNOLI (b. 1984, Montecchio Emilia, Italy) is world-renowned for her iconic Pop-Deco illustrations that frequently appear in major magazines, books, merchandise, and advertisements. Zagnoli’s process begins in the sketchbook, where her drawings take inspiration from her everyday surroundings and happenstance encounters, sharpening into stylized shapes imbued with vibrant colors that enhance their communicative power. For her site-specific installation in the museum’s public-facing Jewel Box vitrines, Olimpia Zagnoli transposes her bold images from their two-dimensional format into large-scale sculptures with careful consideration of every line, angle, and hue. Olimpia Zagnoli populates each space with a portrait of an invented character enshrined in a layered composition that plays with the rules of the grid. Inviting passersby into her technicolor universe, she creates a trail of graphic vignettes along the museum’s façade, imparting the impact of image-making while celebrating the elasticity of our identities.

SCAD MUSEUM OF ART - SCAD MOA
Savannah College of Art and Design
601 Turner Blvd., Savannah, Georgia

01/06/24

Exposition Corto Maltese @ Bpi Centre Pompidou, Paris - "Une vie romanesque"

Corto Maltese 
Une vie romanesque  
Bpi Centre Pompidou, Paris 
29 mai - 4 novembre 2024

Corto Maltese. Une vie romanesque
Aquarelle, encre de Chine, 31 x 46 cm
Affiche de l’exposition à la Bpi / Centre Pompidou
© 1983 Cong S.A. Suisse - Tous droits réservés 
Graphisme © Centre Pompidou - Direction de la 
communication et du numérique / Bpi

Corto Maltese - La jeunesse 
(couverture italienne, éditions Milano Libri)
© 1985 Cong SA Suisse - Tous droits réservés

Corto Maltese en Nouvelle-Irlande - 
J’avais un rendez-vous 
© 1994 Cong SA Suisse - Tous droits réservés

Créé par Hugo Pratt en 1967, Corto Maltese est devenu l’un des personnages les plus emblématiques de la bande dessinée. Gentilhomme de fortune, aventurier romantique, ce marin anarchiste et solitaire parcourt le monde en traversant les bouleversements politiques et historiques du premier quart du XXe siècle. Le récit de ses pérégrinations, riches en intrigues et rebondissements, est aussi parsemé de références et de citations littéraires. Elles viennent donner une dimension sensible à cette odyssée et construire une poétique singulière, où la valeur fictionnelle est nourrie et troublée par des “effets de réel” qui participent à l’ambiguïté du héros.

Appuyée sur une sélection de documents originaux (photographies, notes, storyboard, croquis, études, planches et aquarelles), l’exposition proposée par la Bibliothèque publique d’information (Bpi) explore tout particulièrement cette dimension “littéraire” des albums de la série.

Elle évoque pour cela la genèse du personnage : son apparition dans le paysage de la bande dessinée, la biographie “imaginaire” qui fait de Corto Maltese un héros à l’existence partagée entre réel et fiction, ainsi que sa relation complexe aux événements historiques de son époque : en même temps qu’il y est toujours plus fortement impliqué, il les tient à distance par le biais de l’ironie et d’une fausse indifférence. On appréciera les interactions qu’il établit avec d’autres personnages, féminins et masculins, qui lui permettent de révéler et d’affirmer sa personnalité au contact de figures tout aussi attachantes, qu’il s’agisse de Pandora, de Bouche Dorée, de Shanghai Lil, de Steiner ou du guerrier Cush.

Corto Maltese, Rodi 1923 
© 1987 Cong SA Suisse - Tous droits réservés

Pour construire son personnage et l’inscrire dans une tradition littéraire, Hugo Pratt puise une partie de son inspiration dans les grands récits qui ont fondé notre histoire littéraire : les légendes celtiques et leur déclinaison shakespearienne, la poésie de Coleridge et de Rimbaud, les romans d’aventure de Stevenson. Constamment présente dans l’intrigue, cette inspiration se retrouve de surcroît dans de nombreuses scènes de lecture évoquées dans la série : l’image de Corto un livre à la main est récurrente, ses lectures se mêlent souvent à ses rêves et donnent aux histoires racontées une forte dimension onirique. Corto Maltese croise dans ses périples d’illustres personnages : des écrivains, tels que Jack London, Hermann Hesse, Gabriele D’Annunzio, mais aussi des figures inscrites dans l’Histoire, qui viennent ajouter une véracité trouble au récit et apporter à la trame romanesque une dimension spatio-temporelle tout à fait originale par rapport aux codes traditionnels de la bande dessinée.

En filigrane à ces différents fils rouges, la figure imposante et tutélaire de Hugo Pratt, grand lecteur et amoureux de la littérature, reste toujours omniprésente.

Commissariat : 
Emmanuèle Payen, Directrice du département Développement culturel & cinéma
Monika Prochniewicz, Programmatrice au service Développement culturel & actualités

Commissariat scientifique associé : Patrizia Zanotti, Collaboratrice et coloriste d’Hugo Pratt, co-fondatrice de Cong S.A.

Bpi - BIBLIOTHEQUE PUBLIQUE D'INFORMATION / CENTRE POMPIDOU 

28/03/24

Exposition À nous les stades ! Une histoire du sport au féminin @ BnF Site François-Mitterrand, Paris

À nous les stades ! Une histoire du sport au féminin
BnF Site François-Mitterrand, Paris
22 mai - 13 octobre 2024 

17/04/20, stade Elisabeth, 
Mme Violette Gouraud-Morris au lancer de javelot
Agence Rol - BnF, Estampes et photographie 

L’exposition À nous les stades ! Une histoire du sport au féminin dessine un panorama du sport féminin en France depuis la fn du XIXe siècle jusqu’à la période la plus récente. Cette histoire est par bien des aspects une histoire contrariée, souvent même empêchée. Bien que né au même creuset d’une culture des loisirs et d’un nouveau rapport au corps, progressivement diffusés à l’ensemble de la société, le sport féminin a connu un développement bien différent de celui de son homologue masculin. Plus de 250 documents issus des collections de la BnF, photographies, articles, affiches, illustrations, couvertures de magazines ou de livres, reproduits et présentés en accès libre dans l’allée Julien Cain, retracent les aléas de cette histoire mouvementée qui dit aussi, en creux, celle de la condition féminine en France. 

Parcours de l’exposition
- Présentation générale
- Le sport aristocratique
- Les intrépides
- La cycliste
- Dans l’espace public
- Les années folles du sport féminin
- Lenglen/ Morris : figures inversées
- Les femmes pilotes
- Contre le sport féminin
- Le sport politique
- La renaissance du sport féminin (années 1950 -1980 )
- À la conquête des bastions masculins
- Têtes d’affiche
- #MeeToo
- Mixité 

En 2024, les Jeux olympiques afficheront pour la première fois à Paris la parité totale : autant de femmes que d’hommes se trouveront sur la ligne de départ et participeront à toutes les épreuves. C’est peu dire que les femmes ont dû négocier, et parfois forcer leur intégration dans le nouvel espace social du sport dont les hommes ont fixé, à la fin du XIXe siècle, les règles, les valeurs et les institutions. Elles ont eu un accès plus tardif à l’ensemble des disciplines sportives, avec une ouverture plus limitée, certaines leur restant même interdites en compétition jusqu’à des périodes extrêmement récentes, à l’instar de la boxe ou du saut à ski inclus au programme des Jeux en 2012 et 2018. 

Une pratique transgressive pour les femmes au début du XXe siècle

« Ô mes sœurs ne craignez pas de développer un peu vos biceps, d’avoir la taille... pas trop mince, et des mains capables de saisir une carabine ou de diriger un cheval.» Lancé par l’opiniâtre duchesse d’Uzès en 1911, cet appel dit assez combien la voie à suivre pour pratiquer le sport était transgressive pour les femmes du début du siècle. Digne représentante de la nouvelle « classe des loisirs » qui importe depuis l’Angleterre le tennis ou le golf, la duchesse vient pourtant d’un milieu où la mixité est plutôt bien tolérée.

Les pionnières du sport ne se recrutent cependant pas que dans les milieux aristocratiques. Les participantes aux premières courses pédestres, de natation, de cyclisme et même d’aviation viennent de milieux sensiblement plus populaires. 

Reconquérir des bastions masculins

Au sortir de la Première Guerre mondiale, comme en témoignent les affiches, la presse et les collections de photographies présentées dans l’exposition, une certaine effervescence règne autour des pratiques sportives féminines. Délaissées par les fédérations masculines, les Françaises organisent leurs propres clubs et compétitions, et, sous l’égide de l’incontournable Alice Milliat, une fédération nationale puis internationale féminine. La conquête de cette autonomie ne va pas sans susciter de vives résistances : la pratique féminine est encouragée si elle s’inscrit dans les bornes de la bienséance et d’un destin biologique déjà tout tracé. Aux contacts brutaux des sports collectifs sont préférées les finalités esthétiques et prophylactiques de la gymnastique rythmique et de ses grands mouvements d’ensemble.

La Seconde Guerre mondiale achève de mettre en sommeil la pratique compétitive dans de nombreux sports collectifs. C’est seulement à la fn des années 1960 que les femmes reconquièrent progressivement les bastions masculins, à commencer par le rugby et le marathon. 

Des inégalités persistantes

Si les femmes ont gagné droit de cité dans le sport, des inégalités persistantes se manifestent encore aujourd’hui dans le nombre de licenciés, l’audience, les revenus des professionnelles ou encore la représentation dans les instances dirigeantes. Les fédérations sportives doivent quant à elles prendre la mesure des conséquences du mouvement #MeToo.

En même temps que des pratiques sportives, l’exposition À nous les stades ! témoigne ainsi de l’évolution des normes de genre à travers les performances corporelles, le choix des vêtements, des coiffures ou encore la manière de se tenir et de se mouvoir. À partir de l’objet « sport », c’est l’histoire, concrète, physique, des femmes en France depuis la fin du XIXe siècle qui se raconte. 

Commissariat : Christophe da Silva, chef du service de la conservation et des entrées au département Sciences et techniques, BnF

BnF I François-Mitterrand
Allée Julien Cain
Quai François-Mauriac - 75013 Paris
Exposition gratuite
Lundi 14h > 20h
Du mardi au samedi 10h > 19h, dimanche13h > 19h
Fermeture les jours fériés 

19/03/24

Atelier Picasso - Roman Graphique @ Editions Skira - Illustrations de Giulia Masia & Texte de Luca Masia

Atelier Picasso - Roman Graphique
Editions Skira
Parution Avril 2024

Atelier Picasso
Atelier Picasso
, Skira, 2024
Giulia Masia & Luca Masia
Couverture reliée, 20 x 28 cm 
176 pages,160 illustrations
ISBN 978-2-37074-240-7

Ce roman graphique écrit par Luca Masia et illustré par Giulia Masia offre une nouvelle perspective sur Pablo Picasso, sa vie et son entourage artistique, par le biais d’une histoire vraie, celle du tailleur Michele Sapone et de sa famille sur la Côte d’Azur dans les années d’après-guerre. 
 
Michele Sapone cousait des tissus comme l’on peint des toiles. Originaire d’un petit village du sud de l’Italie, près de Caserte, il s’installe à la fin de la Seconde Guerre mondiale à Nice, où il crée son propre atelier. Grâce au peintre florentin Manfredo Borsi, il rencontre les artistes locaux et réussit à mettre en lumière son talent artisanal. Au cours des années, il noue une amitié sincère avec Pablo Picasso et se lie également avec les artistes et peintres parmi les plus importants de l’époque dont Arp, Campigli, Giacometti, Hartung, Magnelli, Miró, ou Severini. 
 
En échange de costumes élégants et vêtements de travail, pantalons de cérémonie et manteaux d’hiver, Michele Sapone reçoit de ses amis artistes des toiles et des dessins qui forment, au fil des ans, le cœur d’une importante collection.
 
Élevée dans ce riche et stimulant environnement, sa fille Aïka développe une passion pour l’art. Elle grandit entourée d’artistes, pose pour Picasso et Giacometti, se dispute avec Hartung ou apparaît sur des clichés de David Duncan ou Edward Quinn… En 1973, grâce à la collection de son père et à la proximité de la famille avec les artistes, elle ouvre à Nice avec son mari Antonio, la Galerie Sapone, toujours en activité aujourd’hui. La première exposition est alors consacrée à Picasso, qui décède malheureusement quelques jours seulement avant l’inauguration, le 8 avril 1973. 
 
Cinquante ans plus tard, ce roman graphique revient sur cette facette méconnue de la vie de Picasso et des amitiés artistiques qui ont vu le jour dans la lumière de la Côte d’Azur. 

Illustrations - Giulia Masia est illustratrice indépendante. Après avoir terminé ses études à l’IED, elle a commencé à travailler pour plusieurs maisons d’édition et agences. Elle a été nominée pour d’importants prix d’illustration, tels que l’Annual Illustratori Italiani, le 3x3 Annual (USA) et le CQ Journal. Elle a fait partie des 50 illustrateurs primés lors du concours Golden Pinwheel Young Illustrators. 
 
Textes - Luca Masia est écrivain et créatif publicitaire. Il s’occupe de fiction, de télévision, de dramaturgie théâtrale et de communication d’entreprise. Il a travaillé au sein d’agences internationales de premier plan, a collaboré avec la Triennale de Milan pendant près de dix ans, et a écrit des textes et des livres sur l’art, le design et l’architecture. 

SKIRA

30/12/23

Théophile-Alexandre Steinlen @ MCBA, Lausanne - Exposition "Steinlen. Coups de griffe et patte de velours"

Steinlen 
Coups de griffe et patte de velours
MCBA, Lausanne
Jusqu'au 18 février 2024

Théophile-Alexandre Steinlen
Théophile-Alexandre Steinlen
Le Petit Sou, 1900
Lithographie en couleurs sur papier, 135 × 96 cm
MCBA. Donation Paul et Tina Stohler, 2021
Photo : MCBA

Théophile-Alexandre Steinlen
Théophile-Alexandre Steinlen
Passé le détroit. Dessin pour Gil Blas illustré, 1895
Encre de Chine et pastel sur papier, 37,2 × 32 cm
MCBA. Acquisition, 2022
Photo : MCBA

Théophile-Alexandre Steinlen
Théophile-Alexandre Steinlen
Couverture pour Fernand Vandérem, Asche, 1895
Lithographie en couleurs sur papier, 20 × 26,5 cm
MCBA. Donation Paul et Tina Stohler, 2021
Photo : MCBA

Le Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne (MCBA) célèbre Théophile-Alexandre Steinlen, fabuleux chroniqueur du Paris Belle Époque, mort il y a tout juste 100 ans. L’exposition présente pour la première fois un riche ensemble d’oeuvres issues de la donation Paul et Tina Stohler.

Dessinateur, graveur, caricaturiste, illustrateur, affichiste, peintre et sculpteur, Théophile-Alexandre Steinlen (1859-1923) met ses talents d’observateur de la société au service de son militantisme : « – À quoi bon prêcher ? Il faut agir. Le monde ne va pas ainsi qu’il devrait aller… ». Né à Lausanne et installé à Paris dès 1881, il rejoint les artistes du cabaret littéraire Le Chat noir et devient un contributeur régulier de leur revue, conquérant rapidement la réputation d’un des meilleurs illustrateurs de son temps. Ses dessins, amusants ou mordants, envahissent les pages des revues enfantines, du Mirliton d’Aristide Bruant et surtout du Gil Blas illustré, son gagne-pain. Il fournit aussi avec la même productivité des sujets socialisants et contestataires à des journaux engagés tels Le chambard socialiste, L’assiette au beurre, ou La feuille. Toujours du côté du petit peuple, il dénonce les injustices et les violences, en particulier avec ses célèbres estampes de la Première Guerre mondiale qui décrivent l’épouvantable boucherie des tranchées. Cette face publique est la plus connue et lui assure une réputation internationale, mais Steinlen est aussi le peintre de l’intime. Dans le cercle familial, il croque avec tendresse ses proches, ses modèles et ses chats, livrant des dessins et des estampes qui révèlent son beau tempérament, son regard compatissant et sans préjugés, son adhésion spontanée à la vie dans toutes ses manifestions.

L’exposition présente pour la première fois de nombreuses oeuvres issues de l’exceptionnelle donation des époux Paul et Tina Stohler, fervents admirateurs de l’artiste. Elle instaure un dialogue entre ce riche ensemble et la collection du MCBA qu’il vient enrichir. Coups de griffe et patte de velours : mort il y a tout juste cent ans, Steinlen interpelle et émeut, aujourd’hui comme hier.

Théophile-Alexandre Steinlen
Publication : Catherine Lepdor, Théophile-Alexandre Steinlen. Coups de griffe et patte de velours (FR), 48 p., 41 ill., MCBA, 2023 (coll. Espace Focus, n° 11).
Commissaire de l'exposition : Catherine Lepdor, conservatrice en chef

MCBA LAUSANNE
Musée cantonal des Beaux-Arts, Lausanne
Plateforme 10 - Place de la Gare 16 - 1003 Lausanne

Steinlen. Coups de griffe et patte de velours, MCBA, LAUSANNE, 22.9.2023 – 18.2.2024

16/11/22

Exposition ZEP : Titeuf, 30 ans de dessins @ Galerie Huberty & Breyne, Paris

ZEP : Titeuf, 30 ans de dessins
Galerie Huberty & Breyne, Paris
2 décembre 2022 - 21 janvier 2023

Zep - Autoportrait avec Titeuf
Zep - Autoportrait avec Titeuf 
Dessin -15,9 x 12,4 - 45678 
© Courtesy de l'artiste et de la galerie Huberty & Breyne 

Présentant des œuvres originales, exceptionnellement mises en vente par l'auteur, cette exposition vient marquer trois décennies de création du dessinateur de Titeuf, Zep.

À ce jour, plus de 20 millions d’albums de Titeuf ont été vendus dans le monde et ses aventures sont diffusées dans plus de 25 pays, dont la Chine. L’événement coïncide avec la publication aux Éditions Glénat de Titeuf, le livre d'or, 30ème anniversaire par Zep. L’aspect pédagogique de l’exposition est également remarquable : les enfants verront les étapes de création d’une histoire de Bande Dessinée : du crayonné synoptique à la planche originale encrée.

L'exposition réunit une sélection de 130 dessins illustrant l'ensemble du parcours graphique et la vie du célèbre héros de BD : crayonnés préparatoires, couvertures, planches originales et dessins promotionnels depuis 1993 - date de la création du personnage de Titeuf - à aujourd’hui. Cette sélection exceptionnelle permet de suivre les évolutions du dessin et de constater qu'au fil des albums, le trait de Zep s’est affirmé au service d’une narration graphique parfaite.

À l’occasion de l'exposition, la galerie Huberty & Breyne édite une affiche d’un dessin original inédit en deux tirages dont un de luxe. 300 exemplaires de Titeuf, le livre d'or publié aux éditions Glénat avec une jaquette inédite seront également proposés à la vente, dont certains seront dédicacés par Zep. 

Zep - Titeuf,  Le sens de la vie, Tome 12
Zep - Titeuf,  Le sens de la vie, Tome 12 
© Courtesy de l'artiste et de la galerie Huberty & Breyne 

Titeuf 

Depuis sa création en 1993, Titeuf enchante des générations de lecteurs dans le monde entier. C'est par hasard que Zep donna naissance à Titeuf , sur un carnet de croquis, alors qu’il dessinait des souvenirs d’enfance. En s’inspirant de sa vie personnelle, Zep a su créer un univers riche, drôle et émouvant dans lequel chacun est à même de se reconnaitre. Avec délicatesse et élégance, Titeuf  fait (re)vivre une vaste gamme d'émotions, allant du rire à la mélancolie, en passant par la tendresse, nous ramenant  à l’enfance. Ses chroniques en forme de gag ont souvent un goût doux amer, surtout lorsqu'elles traitent de sujets profonds comme le racisme ou le chôm​age... Mais quand il s'agit de la cour d'école et des amours naissantes, en revanche, les rires sont toujours au rendez-vous.

Zep - Titeuf, Le guide du zizi sexuel
Zep - Titeuf, Le guide du zizi sexuel 
© Courtesy de l'artiste et de la galerie Huberty & Breyne 

Zep

Philippe Chappuis dit Zep est né le 15 décembre 1967 à Onex, dans le canton de Genève. Il est reconnu aujourd'hui comme un auteur majeur de la Bande Dessinée. En 2004, il a reçu le Grand Prix de la ville d’Angoulême pour l’ensemble de sa carrière. En donnant naissance à Titeuf, il ne se doutait pas qu’il allait créer un personnage iconique, véritable phénomène du monde de l’édition.

Avec Tébo, Zep lance en 2004 la série Captain Biceps, adaptée et diffusée sur France 3. Il renouvelle cette collaboration en 2008 avec la parution de Comment dessiner ? Il s’associe également en 2008 avec Stan et Vince pour le lancement de Chronokids, les aventures de deux enfants capables de remonter le temps. En 2011, pour le tome 3, la série a reçu le prix de la meilleure série Jeunesse au Festival International de la BD d’Angoulême.

En 2009, Zep publie chez Delcourt Happy Sex dans un registre plus adulte, suivi de Happy Girls et Happy Rock.

Il écrit et réalise Titeuf, le film, sorti en avril 2011.

En septembre 2013, avec la parution d’Une histoire d’hommes, Zep propose, dans un tout autre registre, un album au graphisme ouvertement réaliste dont la thématique dresse l’inventaire des passions et des désirs enfouis d’un groupe d’anciens musiciens. L’année suivante, Zep revient à l’humour et publie Happy Parents, un album drôle et touchant sur la relation parents-enfants, ainsi qu’un album spécial des Chronokids consacré aux grandes inventions de l’Histoire.

En 2014, outre le 14e tome de Titeuf : Bienvenue en adolescence !, Zep publie chez Glénat un ouvrage érotique dessiné par Vince : Esmera. Il poursuit ensuite son exploration de récits aux dimensions plus réalistes avec Un bruit étrange et beau, une œuvre qui s’apparente à une ode à la liberté et à la simplicité.

En 2018, il flirte avec la science-fiction et l’ésotérisme dans The End et l’année suivante, il scénarise Paris 2119 avec Dominique Bertail au dessin. En 2022, il signe Ce que nous sommes, un thriller transhumaniste qu’il scénarise et dessine. 

Zep - Titeuf - Nadia se marie, Tome10, 4e de couverture
Zep - Titeuf - Nadia se marie, Tome10, 4e de couverture 
© Courtesy de l'artiste et de la galerie Huberty & Breyne 

TITEUF, LE LIVRE D'OR PAR ZEP
30e anniversaire
Éditions Glénat 
Collection Tchô !
160 pages. Format : 22,6 x 30,3 cm. Cartonné.
Prix public en France : 25 euros

En janvier 1993 sortait Dieu, le sexe et les bretelles, premier volume des aventures du légendaire personnage à la mèche blonde. Pour l’occasion, Zep et les éditions Glénat célèbrent ce remarquable anniversaire avec un magnifique Livre d’or qui vient retracer les grandes lignes de l'aventure Titeuf mais aussi fait découvrir des dessins jamais publiés. L’occasion de présenter dans un grand écrin, toute la beauté et l'évolution du dessin si singulier de Zep. 

Zep - Titeuf, La photo de classe
Zep - Titeuf, La photo de classe 
© Courtesy de l'artiste et de la galerie Huberty & Breyne 

GALERIE HUBERTY & BREYNE
36 avenue Matignon, 75008 Paris

06/10/22

Imprinted: Illustrating Race @ Norman Rockwell Museum, Stockbridge, MA - Exhibition + Catalogue

Imprinted: Illustrating Race
Norman Rockwell Museum, Stockbridge, MA
June 11 — October 30, 2022

Loveis Wise
Loveis Wise
(b. 1995)
Taking Care, detail, 2019
Print, Cover illustration for The New Yorker, April 22, 2019.
© 2019 Loveis Wise. All rights reserved.

Norman Rockwell Museum presents Imprinted: Illustrating Race. This special exhibition examines the role of published images in shaping attitudes toward race and culture. More than 150 works of art and artifacts of widely circulated illustrated imagery are on view, produced from 1590 to today. The exhibition explores harmful stereotypical racial representations that have been imprinted upon us through the mass publication of images and the resulting noxious impact on public perception about race. It culminates with the creative accomplishments of contemporary artists and publishers who have shifted the cultural narrative through the creation of positive, inclusive imagery emphasizing full agency and equity for all. 
“Published images hold powerful sway on shaping our cultural attitudes. Images can uplift, as Norman Rockwell’s work did, and they also can be deployed to establish negative and demeaning attitudes, as often happened with intention during formative centuries of published images in the United States. As our nation redresses a renewed era of racial reckoning, it is important to examine how systems of publishing were used to form commonly held beliefs and attitudes. Published illustration had a role in framing the United States racial attitudes – it is also a powerful tool for reframing stereotypes and celebrating this country’s strength in many cultural identities. We are grateful for the support of many partners, who are making this exhibition possible, from outstanding scholar contributors to our sponsors,” noted director/CEO Laurie Norton Moffatt.
Illustration has been at the forefront of significant, defining events in the United States from the Civil War and Reconstruction Era to the Harlem Renaissance and the Civil Rights Movements of the 1960s and today. The exhibition focuses on artwork commissioned by publishers and advertisers and created by illustrators, engravers, and printers, as well as the work of contemporary creators that will spark dialogue and raise awareness about the role of published art in reflecting and shaping beliefs and attitudes about race.

Imprinted: Illustrating Race is co-curated by guest Curator Robyn Phillips-Pendleton and the Museum’s Deputy Director/Chief Curator, Stephanie Haboush Plunkett. Phillips-Pendleton is the Interim Director of the MFA in Illustration Practice program at Maryland Institute College of Art (MICA), and University of Delaware Professor of Visual Communications; she has written and spoken widely on the theme of this exhibition. They are joined by a distinguished panel of national advisors including 10 academic scholars, curators, and artists with expertise related to the focus of the exhibition’s thesis.

Imprinted: Illustrating Race - Exhibition catalogue - Artwork © 2022 Emory Douglas
Imprinted: Illustrating Race
Exhibition catalogue
Artwork © 2022 Emory Douglas
Accompanying the exhibition is an extensive exhibition catalogue featuring essays by noted scholars and curators and designed by Hollis King. Robyn Phillips-Pendleton and Stephanie Haboush Plunkett present an exhibition overview and selections from the exhibition, preceded by a foreword by Museum Director/CEO Laurie Norton Moffatt. Additional chapters and authors include:

Michele Bogart, Ph.D.
Professor Emeritus, Department of Art History, SUNY Stonybrook
Artwork and the Cream of Wheat Campaign

Heather Campbell Coyle, Ph.D.
Chief Curator and Curator of American Art, Delaware Art Museum
Historical Fictions: African Americans within Historical Narratives, 1880s to 1920s

Karen Fang, Ph.D.
Professor, Department of English, University of Houston
Asian Americans in Published Imagery: The Nineteenth Century Chinese Exclusion and World War II

William Foster, III
Professor Emeritus, Department of English, Naugatuck Valley Community College
Independent Black Comic Book Artists and Publishers

Colette Gaiter
Professor, Departments of Africana Studies and Art & Design, University of Delaware 
Imagery and the Black Panther Party

Theresa Leininger-Miller, Ph.D.
Professor of Art History, University of Cincinnati
Are They Equal in the Eyes of the Law?: African American Soldiers in World War I Illustrated Sheet Music

Andrea Davis Pinkney
New York Times bestselling author of Martin Rising: Requiem for a King, and Regina Medalist recipient
Embossed, Erased, Embraced: How Racial Representation Impacts the Minds and Hearts of Children

Cherene Sherrard-Johnson, Ph.D.
Professor and Chair of English, Pomona College
Illustration, Publishing, and the Female Artists of the Harlem Renaissance Jazz Age

Michelle Joan Wilkinson, Ph.D.
Curator, Smithsonian Institution National Museum of African American History and Culture
African American Artists in Contemporary Illustration

Published interviews with contemporary illustrators such as Hollis King, Jerry Pinkney, James Ransome, and others who discuss their art and experiences are also included.

NORMAN ROCKWELL MUSEUM
9 Route 183, Stockbridge, MA 01262

20/02/22

Henning Wagenbreth @ Centre de design de l'UQAM, Montréal - Le design graphique pour les 6 à 99 ans

Henning Wagenbreth 
Le design graphique pour les 6 à 99 ans
Centre de design de l'UQAM, Montréal
24 février – 10 avril 2022

Henning Wagenbreth
HENNING WAGENBRETH
Les cyclistes n’ont rien à perdre que leurs chaînes !
Affiche en sérigraphie 4 couleurs en ton direct
Imprimée par Lézard Graphique, Brumath, France
Crédit photo : Centre de design de l'UQAM

Henning Wagenbreth
HENNING WAGENBRETH
The Mazookas
Pique-niques du dimanche
Illustrations de Henning Wagenbreth
Crédit photo : Centre de design de l'UQAM

Henning Wagenbreth
HENNING WAGENBRETH
L’usine Wagenbreth d’illustrations
Affiche en sérigraphie 5 couleurs en ton direct
Imprimée par Squadro, Bologna, Italie
Crédit photo : Centre de design de l'UQAM

Un OVNI s’est posé à Montréal, déversant sa cargaison d’objets graphiques inusités au Centre de design de l’UQAM. L’affichiste et illustrateur berlinois Henning Wagenbreth en est le commandant de bord. Son univers se compose de personnages de bandes dessinées qui assurent dans presque toutes les œuvres une présence humaine plus ou moins caricaturée, de robots, de fusées, de machines infernales, que l’on peut retrouver à travers diverses créations.

Ce designer graphique exerce ses talents tous azimuts : illustrations, affiches, livres, timbres, pochettes de disques, jeux, costumes et décors de théâtre, marionnettes. Son graphisme coloré, foisonnant et déconstruit se donne des airs naïfs, mais est parfaitement pensé et maîtrisé. Identifiable parmi tous, sa touche originale a fait la renommée internationale de son auteur.

Henning Wagenbreth
HENNING WAGENBRETH
Petit-déjeuner en plein air
Affiche en sérigraphie 4 couleurs en ton direct
Imprimée par Lézard Graphique, Brumath, France
Crédit photo : Centre de design de l'UQAM

Henning Wagenbreth
HENNING WAGENBRETH
Festival du film d’animation hollandais
Affiche en sérigraphie 4 couleurs en ton direct
Imprimée par Lézard Graphique, Brumath, France
Crédit photo : Centre de design de l'UQAM

Henning Wagenbreth
HENNING WAGENBRETH
Kosmostage, 2021
Affiche en sérigraphie 4 couleurs en ton direct
Imprimée par Lézard Graphique, Brumath, France
Crédit photo : Centre de design de l'UQAM

Henning Wagenbreth
HENNING WAGENBRETH
Zones de transit
Livre édité par Kunstbibliothek Berlin, 120 illustrations
Crédit photo : Centre de design de l'UQAM

Élevé en Allemagne de l’Est, Henning Wagenbreth participe, jusqu’à la chute du mur de Berlin, à un certain activisme anti-régime. Depuis, son regard critique sur nos sociétés s’exerce à travers des images destinées à nous faire réfléchir. Son commentaire social ou politique s’accompagne le plus souvent d’une pointe d’humour, un peu sarcastique, d’une satire sensible. L’approche ludique du graphisme de Henning Wagenbreth lui permet de séduire le client pour ensuite, au second regard, l’amener à se questionner sur des sujets sérieux, voire sombres. L’idée finale n’est pas de plaire, mais de passer le message. « La lisibilité de mon idée est importante. J’attrape les gens avec une image intéressante et après ils regardent le reste », affirme-t-il avec un sourire en coin. Visiblement, pour Henning Wagenbreth, on peut rire de tout. Encore faut-il savoir comment.

Outre les très grandes affiches en sérigraphie, qui caractérisent l’œuvre de Wagenbreth, l’exposition rassemble des créations de formats différents, réalisées grâce à des techniques d’impression variées. Elle amène les visiteurs à découvrir le travail de Wagenbreth, jongleur d’idées et d’illustrations dont l’univers graphique évoque l’Art brut. Les illustrations sont constituées de morceaux découpés, sortes de puzzles géométriques auxquels s’ajoutent des typographies composites que Wagenbreth aime dessiner. Le tout s’agence dans une cacophonie visuelle pouvant rappeler les cadavres exquis des surréalistes. L’affichiste s’amuse et nous entraîne irrésistiblement dans son monde, un monde de poésie visuelle, d’enfants sensibles, parfois blessés par l’état de nos sociétés.

Henning Wagenbreth
HENNING WAGENBRETH
Handisport – Pour le sport
Timbres de la série annuelle sur le sport, créés par Henning Wagenbreth 
Crédit photo : Centre de design de l'UQAM 

Henning Wagenbreth
HENNING WAGENBRETH
Behindertensport – Für den Sport, 145, 2015
Timbres de la série annuelle sur le sport, créés par Henning Wagenbreth 
Crédit photo : Centre de design de l'UQAM 

Henning Wagenbreth
HENNING WAGENBRETH
Appels à l’aide – 36 courriels d’escroquerie provenant d’Afrique 
Livre édité par Gingko Press, 42 pages 
Crédit photo : Centre de design de l'UQAM 

HENNING WAGENBRETH est né en 1962 à Eberswalde, en Allemagne de l’Est, et a étudié à la Kunsthochschule Berlin-Weißensee de 1982 à 1987. Depuis, il œuvre principalement comme illustrateur. Il crée du graphisme et ses propres caractères de typographie, et inclut la connaissance des techniques artisanales et industrielles dans son processus de création. Il vit à Berlin, mais a aussi séjourné à Paris et à San Francisco. Il illustre et conçoit des graphismes de tous formats, du timbre à la bannière, des peintures uniques ou des impressions produites en série, livres, affiches, journaux et magazines. Parfois, il vagabonde vers l’animation et le théâtre. Avec le groupe The Mazookas, il combine discours visuel par projection et musique. Depuis 1994, il est professeur de communication visuelle à l’Universität der Künste Berlin. Il a reçu le prix du « plus beau livre au monde » de la Stiftung Buchkunst en 2000 et de nombreux autres pour ses affiches et ses livres. Wagenbreth a présenté plusieurs expositions à travers le monde et est membre de l’Alliance graphique internationale (AGI) depuis 2002.

Le commissaire de l'exposition, MARC H. CHOKO, est professeur émérite à l’École de design de l’Université du Québec à Montréal (UQAM), où il a enseigné de 1977 à 2018. Il a été directeur de recherche à l’Institut national de la recherche scientifique (INRS) Urbanisation, Culture et Société de 1985 à 2005 et directeur du Centre de design de l'UQAM de 1999 à 2008. Passionné par les affiches, il les collectionne depuis sa jeunesse. Depuis le début des années 1980, il a organisé des expositions, dont plusieurs à titre de commissaire, et a publié de nombreux ouvrages reconnus dans le domaine. De 2008 à 2018, il a été responsable du cours Design graphique et culture à l’École de design de l’UQAM. Marc H. Choko consacre dorénavant ses activités professionnelles à la publication de livres, à la production d’expositions et à des conférences sur le graphisme et sur l’affiche.

CENTRE DE DESIGN DE L’UQAM
1440 rue Sanguinet, Montréal, Québec H3X 3X9

01/09/20

Léopold Chauveau @ Musée d'Orsay, Paris - Au pays des monstres

Au pays des monstres.
Léopold Chauveau (1870-1940)
Musée d'Orsay, Paris
Jusqu'au 13 septembre 2020

Médecin par obligation familiale, Léopold Chauveau s'est réfugié en autodidacte dans un univers artistique étrange et singulier. À la fois sculpteur, illustrateur et auteur de livres pour adultes et enfants, il est longtemps resté oublié de l'histoire de l'art, avant que plusieurs donations de son petit-fils au musée d’Orsay ne permettent sa redécouverte. Désormais riche de 465 dessins, 48 sculptures et d’archives liées à sa production artistique, le musée propose au public une immersion dans son oeuvre, en résonance avec ses sources d’inspiration et ses contemporains.

Les premières sculptures de Léopold Chauveau sont datées 1905, alors qu’il réside à Versailles, non loin du peintre et sculpteur Nabi Georges Lacombe. Les monstres deviennent rapidement un leitmotiv de sa production, en sculpture comme en dessin, avec la première série de la Maison des monstres (1910-1919). Hybrides, ses créatures sont souvent attachantes, maladroites et comme étonnées de leur propre présence. Semblant sortir de son inconscient, elles constituent pour Léopold Chauveau de véritables compagnons, le peuple d'un monde imaginaire dans lequel il trouverait refuge, loin de l’exerce de la médecine qu’il abhorre. Malgré leur singularité, les monstres sculptés de l'artiste peuvent s'inscrire dans une généalogie de l'histoire de l'art, on pense notamment aux gargouilles médiévales ou à des influences japonaises. Pendant la première guerre mondiale, Léopold Chauveau oeuvre comme chirurgien aux armées et doit faire face à une série de deuils. Durant l’année 1917, il envoie à ses enfants des cartes postales du front illustrées de monstres à la plume proches de ceux de la Maison des monstres.

Vers 1922, il abandonne la médecine et se consacre à sa production littéraire et artistique. Léopold Chauveau se lie alors avec des écrivains tels Roger Martin du Gard, André Gide ou encore Paul Desjardins. Il écrit puis illustre des recueils d’histoires pour enfants. Dépourvues de morale, ironiques et souvent cruelles, les histoires de Léopold Chauveau mettent en scène des animaux confrontés à des péripéties fantastiques. Il dessine également des Paysages monstrueux, étendues antédiluviennes et désertiques où évoluent des monstres biomorphes qui se plient à des activités étranges. Léopold Chauveau adopte un trait synthétique, précis et incisif pour créer ses personnages, d’un trait souple à l’encre de Chine dans un style naïf inspiré par l’univers enfantin, dans des décors simplifiés mais explicites. Léopold Chauveau a aussi illustré de grands classiques (L'Ancien et le Nouveau Testament, Les Fables de La Fontaine), dont il a même parfois revisité le texte (Le Roman de Renard). Au début des années 1930, Léopold Chauveau manifeste son antifascisme dans le roman illustré le Bouffon Babriot, qui conte avec humour noir et des moyens plastiques épurés la montée sur le trône d’un bouffon doté de bon sens, qui renverse la hiérarchie militaire et prône la paix. Cette exposition permet une complète redécouverte d'un oeuvre sans équivalent à son époque.

Commissariat :
Ophélie Ferlier-Bouat, conservatrice Sculpture au musée d’Orsay
Leïla Jarbouai, conservatrice Arts graphiques au musée d'Orsay
Avec Géraldine Masson, collaboratrice scientifique
Scénographie : Martin Michel

Cette exposition sera présentée à La Piscine, musée d'Art et d'Industrie André Diligent de Roubaix du 17 octobre 2020 au 17 janvier 2021.

Musée d'Orsay
1 rue de la Légion d'Honneur, 75007 Paris

12/12/17

The Wyeths: Three Generations @ Portland Art Museum, Oregon - Works from the Bank of America Collection

The Wyeths: Three Generations
Works from the Bank of America Collection
Portland Art Museum, Oregon

Through January 28, 2018


N.C. Wyeth
N.C. WYETHS (American, 1882 - 1945)
Why This Map is Invaluable, What is Your Name, My Boy?, 1907
Oil on canvas
Bank of America Collection


N.C. Wyeth
N.C. WYETHS (American, 1882 - 1945)
The Astrologer Emptied the Whole of the Bowl, 1916
Oil on canvas
Bank of America Collection

Drawing from the Bank of America Collection, this exhibition provides a revealing survey of works by N.C. Wyeth, one of America’s finest illustrators; his son Andrew, an important realist painter; Andrew’s son Jamie, a popular portraitist; and members of the extended family. Visitors can explore 74 paintings and drawings by artists from three generations of the Wyeth family, all showcasing a commitment to realism, technical brilliance, and narrative sensibility.


N.C. Wyeth
N.C. WYETHS (American, 1882 - 1945)
Cover Illustration for Rip Van Winkle, 1921
Oil on canvas
Bank of America Collection


N.C. Wyeth
N.C. WYETHS (American, 1882 - 1945)
Gnomes Bowling, 1921
Oil on canvas
Bank of America Collection

N.C. WYETHS (American, 1882–1945) has long been considered one of the nation’s leading illustrators, a versatile artist who was able to traverse fantasy and realism. In the early 1900s, he studied with illustrator Howard Pyle in Delaware. In 1911, he built a house and studio in nearby Chadds Ford, Pennsylvania. Later, he bought a sea captain’s house in Maine and in 1931 built a small studio, which he shared with his son Andrew and his daughters. The exhibition includes illustrations for books by Robert Louis Stevenson and Washington Irving as well as historical scenes, seascapes and landscapes that illuminate N.C. Wyeth’s work.


N.C. Wyeth
N.C. WYETHS (American, 1882 - 1945)
On the Sea Wall With John Paul Jones, 1928
Oil on canvas
Bank of America Collection


N.C. Wyeth
N.C. WYETHS (American, 1882 - 1945)
Eight Bells, 1937
Oil on hardboard
Bank of America Collection


N.C. Wyeth
N.C. WYETHS (American, 1882 - 1945)
Marines Landing on the Beach, 1944
Oil on hardboard
Bank of America Collection

Born 100 years ago, ANDREW WYETHS (American, 1917–2009) is one of the United States’ most popular artists, known for his haunting, detailed paintings in the American Realist tradition. He was influenced by the works of Winslow Homer, whose watercolor technique he admired, as well as by the art of Howard Pyle and his father N.C. While Andrew painted recognizable images, his use of line and space often imbue his works with an underlying abstract quality. The exhibition includes important works from across his career.

Although not as well-known as her brother, HENRIETTE WYETHS (American, 1907-1997) painted striking portraits, landscapes, and still lifes. She is also represented in the exhibition, as is her husband, PETER HURD (American, 1904-1984), who chronicled the landscape of the American West.

JAMIE WYETHS (American, b. 1946), like his father and grandfather, paints subjects of everyday life, turning his wry, playful eye to the landscape, animals and people of Pennsylvania and Maine. In contrast to his father—who painted with watercolor, drybrush and tempera—Jamie works in oil and mixed media, creating lush painterly surfaces. The 17 paintings in the exhibition represent all periods of his career.

“We’re excited for our community to see the evolving legacy of one of America’s most illustrious artistic families,” said Brian Ferriso, The Marilyn H. and Dr. Robert B. Pamplin, Jr. Director and Chief Curator of the Portland Art Museum. “As the Museum approaches its 125th anniversary this fall, it’s clear that a big part of our mission is to celebrate, support, and spark the spirit of creative inquiry that the Wyeths represent, from one generation to the next. We are grateful to Bank of America for its generosity in lending this collection.”

Curator: Brian J. Ferriso, The Marilyn H. and Dr. Robert B. Pamplin Jr. Director and Chief Curator.

PORTLAND ART MUSEUM
1219 W Park Avenue, Portland, Oregon 97205
www.portlandartmuseum.org