Exposition Générale @ Fondation Cartier, Paris - Exposition inaugurale du nouveau bâtiment Place du Palais-Royal de la Fondation Cartier pour l'art contemporain

Exposition Générale

Fondation Cartier pour l’art contemporain, Paris

25 octobre 2025 - fin août 2026

Le nouveau bâtiment de la Fondation Cartier, 

situé 2, place du Palais-Royal à Paris, 

dont l’architecture intérieure est signée par Jean Nouvel

Photo © Luc Boegly

Le 25 octobre 2025, la Fondation Cartier pour l’art contemporain inaugure ses nouveaux espaces dans le centre historique de Paris, au 2, place du Palais-Royal. Entièrement ouvert sur la ville grâce à ses grandes baies vitrées, le projet architectural conçu par Jean Nouvel s’inscrit dans l’édifice haussmannien des anciens Grands Magasins du Louvre. Composée de cinq plateformes mobiles, son architecture dynamique ouvre la voie à un renouvellement profond des possibilités d’exposition. Dans ce lieu de rencontre saisissant entre le passé et l’avenir, l’architecture de la nouvelle Fondation Cartier est à la fois une extension du paysage urbain et un prolongement de son histoire.

Présentée jusqu’à fin août 2026, l’Exposition Générale dévoile l’identité artistique de la Fondation Cartier et son patrimoine à travers près de 600 oeuvres de plus de 100 artistes qui ont jalonné sa programmation de 1984 à aujourd’hui. Reflet de l’histoire de l’institution et de son ouverture au monde dans toute sa diversité, la Collection de la Fondation Cartier témoigne de quatre décennies de création contemporaine internationale. L’exposition met ainsi en lumière la singularité d’une collection unique, qui s’est construite, tout au long de son histoire, à travers sa programmation. Elle est composée d’expositions personnelles et d’ensembles thématiques autour desquels s’articulent les engagements artistiques de la Fondation Cartier : architectures, mondes vivants, technologies et sciences se déploient à travers des oeuvres emblématiques et des fragments d’expositions marquantes qui ont façonné l’histoire de l’institution.

L’Exposition Générale emprunte son titre aux expositions d’objets et de vêtements qui se tenaient aux Grands Magasins du Louvre. Contemporaines des Expositions universelles, dont la première édition parisienne de 1855 fut concomitante de la construction du bâtiment lors de la première phase des travaux du baron Haussmann, ces « Expositions Générales » étaient de véritables lieux de sociabilité et de découvertes, offrant une nouvelle compréhension de la culture matérielle. Le bâtiment incarne un symbole de l’avènement de la modernité dans Paris que la Fondation Cartier fait dialoguer avec sa Collection. En la présentant dans l’esprit d’ouverture qui caractérisait ces « Expositions Générales », l’institution conçoit l’exposition comme un lieu public d’expérimentation et de partage au coeur de la ville.

Week-end d’ouverture gratuit les 25 et 26 octobre 2025 

A l’occasion de l’inauguration de son nouveau site au coeur de Paris, la Fondation Cartier invite le public à découvrir gratuitement ses espaces et l’Exposition Générale. 

Réservation obligatoire et dans la limite des places disponibles

A paraître aux Éditions de la Fondation Cartier

Catalogue Exposition Générale 

© Fondation Cartier pour l'art contemporain

Image courtesy Fondation Cartier pour l'art contemporain

En précommande le 1er octobre

La Fondation Cartier pour l’art contemporain par Jean Nouvel

© Jean Nouvel © Fondation Cartier pour l'art contemporain

Image courtesy Fondation Cartier pour l'art contemporain

En précommande le 1er octobre

Fondation Cartier pour l’art contemporain POP UP

© Fondation Cartier pour l'art contemporain

Image courtesy Fondation Cartier pour l'art contemporain

Parution 22 octobre

Fondation Cartier pour l’art contemporain by Yann Kebbi

© Yann Kebbi © Fondation Cartier pour l'art contemporain

Image courtesy Fondation Cartier pour l'art contemporain

Parution 22 octobre

FONDATION CARTIER POUR L'ART CONTEMPORAIN

2, place du Palais-Royal, Paris

www.fondationcartier.com

Maj 23.09.2025

Fernand Khnopff @ Petit Palais, Paris

Fernand Khnopff, Le maître de l’énigme
Petit Palais, Paris
Jusqu' au 17 mars 2019

Fernand Khnopff

Une Ville morte (Avec Georges Rodenbach), 1889

Pastel, crayons de couleurs et rehauts blancs sur papier

Collection The Hearn Family Trust, New York.

Le Petit Palais présente actuellement une exposition inédite dédiée à Fernand Khnopff conçue en collaboration avec les Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique. Artiste rare, le maître du Symbolisme belge n’a pas bénéficié de rétrospective à Paris depuis près de quarante ans. L’exposition du Petit Palais, empruntant dans de nombreux musées, comme le Metropolitan Museum de New York, la Neue Pinakothek de Munich, l’Albertina de Vienne mais aussi auprès de nombreuses collections privées, rassemble près de 150 pièces. Elle offre un panorama emblématique de l’esthétique singulière de Fernand Khnopff, à la fois peintre, dessinateur, graveur, sculpteur et metteur en scène de son oeuvre. L’exposition évoque par sa scénographie le parcours initiatique de sa fausse demeure qui lui servait d’atelier et aborde les grands thèmes qui parcourent son oeuvre, des paysages aux portraits d’enfants, des rêveries inspirés des Primitifs flamands aux souvenirs de Bruges-la-Morte, des usages complexes de la photographie jusqu’aux mythologies personnelles placées sous le signe d’Hypnos.

Fernand Khnopff

A Fosset, l’entrée du village, 1885

Huile sur toile

Collection particulière

Fernand Khnopff

Un hortensia, 1884 

Huile sur toile

Metropolitain Museum of Art, New York

Photo Metropolitan Museum of Art

A la fois point de départ et fil rouge de l’exposition, la maison-atelier de Fernand Khnopff est un véritable « temple du Moi » au sein duquel s’exprime pleinement sa personnalité complexe. A travers une scénographie qui reprend les couleurs de son intérieur – bleu, noir, blanc et or, le parcours évoque les obsessions et les figures chères à l’artiste : du portrait aux souvenirs oniriques, du fantasme au nu. Après une salle introductive recréant le vestibule de son atelier et évoquant la demeure même de l’artiste, le parcours débute avec la présentation de peintures de paysages représentant Fosset, petit hameau des Ardennes belges où Fernand Khnopff passe plusieurs étés avec sa famille. De ces paysages de petit format, saisis sur le vif, on perçoit tout de suite chez l’artiste un goût pour l’introspection et la solitude.

Une autre facette de son oeuvre, plus connue du grand public, est son travail de portraitiste. Fernand Khnopff représente des proches comme sa mère, des enfants qu’il dépeint avec le sérieux d’adultes, parfois des hommes. Mais il affectionne surtout les figures féminines, toutes en intériorité et nimbées de mystère. Sa soeur Marguerite avec qui il noue une secrète complicité devient son modèle et sa muse. Marguerite est également le sujet de nombreux portraits photographiques. Fernand Khnopff s’intéresse à ce médium avec beaucoup d’intérêt. L’artiste utilise ce procédé moderne au service de son art afin d’étudier la pose et la gestuelle de son modèle favori qu’il déguise en princesse de légende ou en divinité orientale. Il fait également photographier un certain nombre de ses oeuvres par un photographe de renom Albert-Edouard Drains dit Alexandre et retravaille les tirages avec des rehauts de crayon, d’aquarelle ou de pastel.

Fernand Khnopff

Sleeping Medusa ou Méduse endormie, 1896

Pastel sur papier

Collection Particulière

Comme d’autres peintres symbolistes, l’artiste est fasciné par les mythes antiques. Parmi ses obsessions, la figure d’Hypnos, le dieu du Sommeil apparaît de manière récurrente. La petite tête à l’aile teintée en bleu, couleur du rêve, est représentée la première fois en 1891 dans le tableau I Lock My Door Upon Myself. Hypnos est l’objet de plusieurs tableaux tout comme la Méduse ou bien encore OEdipe qui esquisse dans le tableau Des caresses un étrange dialogue avec un sphinx à corps de guépard.

Fernand Khnopff consacre également différents tableaux à Bruges, ville elle aussi énigmatique, où il vécut jusqu’à l’âge de six ans. La nostalgie de ces années d’enfance mêlée à une admiration pour le primitif flamand Memling donne naissance à plusieurs tableaux. Fernand Khnopff exécute aussi des vues de Bruges qu’il associe à un portrait de femme ou à un objet symbolique renvoyant à la cité des Flandres.

Fernand Khnopff

Souvenir de Flandre. Un canal, 1904

Craie et pastel sur papier.

Collection The Hearn Family Trust, New York

En fin de parcours, une série de dessins et de tableaux de nus sensuels évoquent son rapport à la féminité. Ces femmes à la chevelure rousse, vaporeuse, au regard insistant, représentées dans un halo semblent tout droit sorties d’un songe. Contrairement aux héroïnes de Klimt peintes à la même époque, elles ne paraissent aucunement en proie aux tourments de la chair. Elles ne sont que les représentations de l’« éternel féminin ».

Commissaires de l'exposition :
Michel Draguet, directeur des Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique
Christophe Leribault, directeur du Petit Palais
Dominique Morel, conservateur général au Petit Palais

A lire, l'album de l'exposition :

Fernand Khnopff, Le maître de l’énigme

Textes de Michel Draguet et Dominique Morel

Éditions Paris Musées

22/28 cm - 96 pages - Broché - 75 illustrations 

A lire également :

Fernand Khnopff

Textes de Michel Draguet

Éditions Fonds Mercator

24/27 cm - 304 pages - Relié

PETIT PALAIS
Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris
Avenue Winston-Churchill - 75008 Paris
www.petitpalais.fr

Willy Ronis par Willy Ronis @ Pavillon Carré de Baudouin, Paris + Deux livres chez Fammarion

Willy Ronis par Willy Ronis
Pavillon Carré de Baudouin, Paris
27 avril - 29 septembre 2018

Willy Ronis par Willy Ronis

Affiche de l'exposition

Personnage clé de l’histoire de la photographie française, Willy Ronis (1910-2009) est l’une des plus grandes figures de cette photographie dite « humaniste », attachée à capter fraternellement l’essentiel de la vie quotidienne des gens. A partir de 1985, Willy Ronis se plonge dans son fonds photographique pour sélectionner ce qu’il considère comme l’essentiel de son travail. Il réalise une série de six albums, constituant ainsi son « testament photographique ». Ces albums inédits sont la matrice de cette exposition.

A l’invitation de Frédérique Calandra, Maire du 20e arrondissement, Willy Ronis par Willy Ronis est à voir au Pavillon Carré de Baudouin, qui fête ses dix ans cette année, au coeur de ce quartier de Paris qu’il aimait tant.

A l’initiative des exécuteurs testamentaires et détenteurs du droit moral, Jean Guerry, Daniel Karlin, Roland Rappaport et Gérard Uféras, l’exposition est organisée conjointement par la Médiathèque de l’architecture et du patrimoine (MAP) et la mairie du 20e arrondissement, en partenariat avec l’Agence photographique de la Réunion des musées nationaux – Grand Palais.

Devenu reporter photographe en 1936, Willy Ronis mène de front commandes et recherches personnelles. Observant le monde, ses photos dressent une sorte de portrait à la fois intimiste et profond de la société et de l’époque. Elles constituent un immense travelling qui donne à voir, à comprendre et à aimer les gens dans l’ordinaire de leur vie. En plaçant l’homme au centre de son oeuvre, en posant sur lui un regard optimiste et bienveillant, Willy Ronis n’en néglige pas pour autant de rendre compte de la dureté de l’époque, d’où ces nombreuses images sur le monde du travail et les luttes ouvrières, marquant son empathie et un engagement social qui perdure tout au long de son oeuvre.

En France comme à l’étranger, de multiples expositions et publications – dont Belleville-Ménilmontant en 1954, livre culte auquel une salle entière de l’exposition est consacrée – ont jalonné le parcours de Willy Ronis, marqué entre autres par le Grand Prix national des Arts et des Lettres, qui lui est décerné en 1979, et la grande rétrospective du Palais de Tokyo en 1985 célébrant la donation faite par le photographe de l’ensemble de son oeuvre à l’État français en 1983. Au coeur de celle-ci figurent en bonne place les six grands albums composés et sélectionnés par Willy Ronis lui-même, qui accompagne chaque photographie de réflexions et de commentaires très détaillés sur les circonstances de la prise de vue comme du matériel utilisé.

Outre les photographies exposées, près de deux cents, réalisées entre 1926 et 2001, le public peut également feuilleter les albums à partir de bornes composées de tablettes interactives. Par ailleurs, une série de films et de vidéos réalisés sur Willy Ronis sera projetée dans l’auditorium selon une programmation particulière. Une occasion unique d’entrer de plain-pied dans l’univers personnel de l’artiste.

Neuf ans après le décès de Willy Ronis, cette exposition célèbre la clôture de la succession et l’entrée de l’oeuvre dans les collections de la MAP, l’établissement du ministère de la Culture qui gère, entre autres, les grandes donations photographiques faites à l’État.

Le commissariat de cette exposition est assuré par Gérard Uféras, photographe, l’un des plus proches amis de Willy Ronis, et par Jean-Claude Gautrand, photographe, journaliste et historien de la photographie française. Toutes les photographies exposées font l’objet d’un travail exceptionnel au sein du laboratoire de l’Agence photographique de la Réunion des musées nationaux - Grand Palais, qui les diffuse en exclusivité.

A l’occasion de l’exposition, les éditions Flammarion publient deux livres :

> Paris Ronis (collection Photopocket), 128 p., 100 illustrations, avril 2018

Paris Ronis

(c) Flammarion

> Ronis par Ronis, édition scientifique intégrale et inédite des 590 images des six albums, avec les commentaires de Willy Ronis, septembre 2018

Willy Ronis par Willy Ronis

(c) Flammarion

PAVILLON CARRE DE BEUDOIN
121 rue de Ménilmontant, 75020 Paris
www.mairie20.paris.fr

Nikon D5200, un guide pratique pour réussir ses photos

Réussir ses photos avec le Nikon D5200

Mathieu Ferrier et Chung-Leng Tran

Eyrolles, septembre 2013

Doté d'un capteur de 24 Mpix offrant une grande définition, d'un système AF particulièrement précis avec ses 39 points et d'un écran orientable très pratique en vidéo, le Nikon D5200 présente en outre des caractéristiques et fonctionnalités séduisantes pour les photographes souhaitant notamment s'affranchir du tout automatique. Grâce à cet ouvrage, vous apprendrez à maîtriser les réglages et les modes semi-automatisés de l'appareil afin d'en exploiter tout le potentiel créatif.

Cette collection, dirigée par Vincent Luc, est une aide indispensable à la prise en main des reflex numériques. Forts de l'expérience de tests et d'utilisation en conditions réelles, Mathieu Ferrier et Chung-Leng Tran vous livrent dans ce guide l'essentiel de ce qu'il faut connaître sur votre boîtier, tout en vous accompagnant dans un apprentissage progressif des techniques de la photo (composition, exposition, cadrage...) ; véritable complément du mode d'emploi de l'appareil, il répond à des questions concrètes en traitant nombre de situations de prise de vue auxquelles vous serez confronté dans votre pratique quotidienne ou occasionnelle de la photo avec le D5200.

A propos des auteurs : 

Un temps rédacteur technique pour le magazine Photo, Mathieu Ferrier réunit désormais ses deux passions, l'histoire et la photographie, en se consacrant à la prise de vue d'objets d'art. Il a fondé l'agence Photo F (www.agencephotof.fr).

Ancien collaborateur du magazine Photo, devenu barista, Chung-Leng Tran conserve toujours un appareil à portée de main. Ses thèmes de prédilection sont le voyage et le portrait (www.chunglengtran.com).

Expo Césaire, Lam, Picasso Grand Palais. Une grande exposition à Paris puis en Martinique et en Guadeloupe et deux publications à ne pas manquer

Exposition : 

Aimé Césaire, Lam, Picasso 

Grand Palais, Paris 

16 mars - 6 juin 2011 

L'exposition consacrée à Aimé Césaire, Wifredo Lam et Pablo Picasso au Grand Palais à Paris est organisée par la Rmn-Grand Palais dans le cadre de 2011 Année des Outre-mer. L'exposition sera ensuite présentée en Martinique et en Guadeloupe.

Elle célèbre le 70e anniversaire de la rencontre entre Aimé Césaire (1913-2008) et Wifredo Lam (1902-1982), « un coup de foudre » dira le poète, « deux artistes frères » affirmera le peintre. Outre les toiles, eaux-fortes et dessins de Lam, elle réunit des gravures et une peinture de Picasso, deux dessins et le tableau Antille, d’André Masson (musée Cantini, Marseille),  des ouvrages ou témoignages de Jean Pons, Henri Guédon et Daniel Buren inspirés par les poèmes et écrits de Césaire.  

2011 inaugure aussi l’hommage voulu par l’UNESCO, qui a souhaité que soient, dans les quatre prochaines années, honorés à travers le monde les trois grands poètes du XXe siècle symbolisant « l’universel réconcilié » que sont Aimé Césaire, Pablo Neruda et Rabindranath Tagore.  

Le 6 avril 2011, une Cérémonie d’hommage de la nation, et la pose d’une plaque à son nom, marquera l’entrée d’Aimé Césaire au Panthéon. 

CESAIRE / LAM 

LAM ET CESAIRE

Wifredo Lam et Aimé Césaire, 1968, Congrès culturel, La Havane

Le 25 mars 1941, Lam réfugié à Marseille, quitte la France pour l'Amérique grâce à L'Emergency Rescue Committee  et son mandataire Varian Fry,  en compagnie de nombreux intellectuels et artistes fuyant le nazisme, parmi lesquels André Breton, Claude Lévi-Strauss, Anna Seghers et Victor Serge.  

Lorsque le navire fait escale à la Martinique, les autorités françaises fidèles au régime de Vichy arrêtent les passagers qui resteront un mois dans l’île. D’abord consignés à résidence aux Trois-Ilets, ils peuvent ensuite rejoindre Fort-de-France où, André Breton découvre la revue  Tropiques  et rencontre ses fondateurs Suzanne et Aimé Césaire. La lecture du  Cahier d'un retour au pays natal, publié en 1939, est pour Breton un choc ; il le qualifie de « plus grand monument lyrique de ce temps » et partage son enthousiasme avec Lam qui nouera une amitié créatrice et indéfectible avec Césaire. Lam regagne Cuba, son île natale quittée en 1923. Inspiré par la rencontre avec Césaire et la découverte de la forêt martiniquaise d’Absalon, il peint en 1943 La Jungle, œuvre majeure conservée au MOMA à New-York.  

Vers 1981 alors que Lam, très affaibli ne peut plus peindre, il demande à Césaire de reprendre le projet Annonciation, une dizaine d'eaux-fortes de grand format (vers 1969), pour chacune desquelles il lui propose de composer un poème. En 1982 les eaux-fortes sont éditées en Italie. La même année, les poèmes de Césaire inspirés par les œuvres de Lam sont publiés par les éditions du Seuil à la fin du recueil  Moi, Laminaire.  Un des propos de cette exposition est de réunir côte à côte, ces puissantes gravures en couleurs et les dix poèmes d’Aimé Césaire. Des peintures de grand format conservées par le Centre Pompidou, Musée national d'Art moderne, dont Lumière de la forêt, le musée Cantini à Marseille (Le Bruit) et plusieurs œuvres majeures, dont le très important tableau de 1942, La Réunion, I (collection particulière) viendront l’enrichir. 

Par ailleurs cette exposition permettra aussi la découverte d’un inédit de Césaire (1941/45), contemporain de La Jungle et de leur rencontre. 

CESAIRE / PICASSO 

Aimé Césaire et Picasso (1881-1973) se rencontrent une première fois en 1948 à l'occasion du Congrès de la Paix à Wroclaw (Pologne). En 1950 paraît le recueil Corps perdu, constitué de dix poèmes de Césaire illustrés de trente-deux gravures de Picasso. En frontispice, un profil de Noir ceint de lauriers, et intitulé « Poète couronné », renvoie symboliquement à l'image de Césaire. Il sera repris pour l’affiche du Premier Congrès des Ecrivains et Artistes Noirs organisé, à la Sorbonne en septembre 1956, par les  Éditions Présence Africaine. Publié aux éditions Fragrance, le recueil, non relié, a été tiré à 207 exemplaires. Les gravures ont été réalisées dans les ateliers Roger Lacourière.  

PICASSO / LAM 

« Je ne me suis jamais trompé sur toi. Tu es un peintre. C'est pour cela que j'ai dit la première fois que nous nous sommes vus que tu me rappelais quelqu'un : moi » (Picasso à Lam). Lorsque Wifredo Lam quitte l'Espagne en 1938, il est accueilli à Paris par Picasso qui lui présente Mirò, Breton, Eluard, Zervos, Kahnweiler, Pierre Loeb… C’est une fructueuse rencontre entre les deux hommes, que relie en outre une langue commune, qui fera aussi dire à Picasso « Lam, je crois que tu as de mon sang en toi, tu dois être un de mes parents, un primo, un cousin ». 

Commissariat général de l'exposition :

ESKIL LAM, responsable des archives Wifredo Lam 

DANIEL MAXIMIN, écrivain. Commissaire de 2011 Année des Outre-mer  (biographie ci dessous)

avec la collaboration de SYLVIE POUJADE 

HORAIRES D' OUVERTURE : du jeudi au lundi de 10h à 20h, nocturne le mercredi jusqu’à 22h - fermé le mardi - Ouverture exceptionnelle pour la Nuit des musées 

PUBLICATIONS 

Daniel Maximin 

Césaire & Lam 

Insolites bâtisseurs 

Collection « Art et Culture » 

© HC éditions 

En librairie le 20 mars 2011

Le 25 mars 1941, Lam quitte la France de Vichy depuis Marseille avec 300 autres artistes et intellectuels (parmi lesquels André Breton ou Claude Lévi-Strauss) en direction de la Martinique. C'est durant cette étape, et avant son départ pour Cuba, que Wifredo Lam rencontre Aimé Césaire. Cet ouvrage retrace leur amitié intellectuelle et artistique, notamment à travers un étonnant « dialogue entre Le Cahier et La Jungle » (Cahier d’un retour au pays natal, œuvre majeure de Césaire, et  La Jungle, œuvre majeure de Lam, exposée au MoMA à New York). Durant quarante ans, Césaire écrivit pour des œuvres de Lam et Lam illustra des poèmes de Césaire : ce sont toutes ces œuvres qui sont réunies dans cet ouvrage. 

DANIEL MAXIMIN : Poète, romancier et essayiste, il est notamment l’auteur de trois romans : L’isolé soleil (1981),  Soufrières (1987) et  L’île et une nuit (1996), publiés aux Editions du Seuil, ainsi que d’un recueil de poèmes : L’invention des Désirades (Editions Présence Africaine, 2000), d’un récit autobiographique :  Tu, c’est l’enfance (Gallimard, 2004, Grand prix Maurice Genevoix de l’Académie Française) et d’un essai :  Les fruits du cyclone, une géopoétique de la Caraïbe (Editions du Seuil, 2006). Professeur de Lettres puis producteur pour France Culture, il a été directeur littéraire des Éditions Présence Africaine avant de diriger la DRAC de la Guadeloupe de 1989 à 1997. En 1998, il a la charge de l’organisation de la Célébration Nationale du Cent Cinquantenaire de l’Abolition de l’Esclavage de 1848. Conseiller à la mission pour les Arts et la Culture au Ministère de l’Éducation Nationale entre 1999 et 2009, il a été nommé Commissaire pour “2011, année des Outre-mer en janvier 2010. Très proche d’Aimé Césaire, il fut Maître de cérémonie lors de l'hommage rendu au poète lors de ses obsèques nationales le 20 avril 2008. 

Coédition Editions de la Rmn et du Grand Palais, Paris 2011/HC éditions, 23 x 28,5 cm, 96 pages, broché, 22,50 €, ISBN 978-2-3572-0026-5, en vente dans toutes les librairies 

Aimé Césaire & Pablo Picasso 

Corps perdu, histoire d’une rencontre 

Collection « Art et Culture » 

© HC éditions 

En librairie le 20 mars 2011

Auteurs : Aimé Césaire & Pablo Picasso 

nouvelle édition présentée et commentée  

par Anne Egger  

Deux auteurs mythiques pour une œuvre unique 

Aimé Césaire et Pablo Picasso se rencontrent une première fois en 1948 à l'occasion du Congrès de la Paix à Wroclaw. En 1950 paraît Corps perdu ; en frontispice, un profil de Noir, ceint de lauriers et intitulé « Poète couronné », renvoie symboliquement à l'image de Césaire. Il sera repris pour l’affiche du premier congrès des écrivains et artistes noirs organisé à la Sorbonne en septembre 1956 par les Éditions Présence Africaine. Publié à 207 exemplaires par les Éditions Fragance et jamais réédité depuis, Corps perdu est un recueil (non relié) de 10 poèmes écris par Aimé Césaire en 1949 et illustré de 32 gravures de Pablo Picasso (une eau forte pour la couverture, une eau forte et pointe sèche, dix aquatintes et vingt gravures au burin).  

ANNE EGGER : Docteur en Histoire de l'art, écrivain, iconographe et commissaire d'exposition. Elle est l’auteur de plusieurs ouvrages dont :  Le Surréalisme, La Révolution du regard, Scala, 2002 ; Les Surréalistes, Le Cavalier Bleu éditions, 2003, coll. « Idées reçues ». Sa biographie de Robert Desnos, parue chez Fayard en 2007 a reçu deux prix : Bourse Thyde Monnier (Société des gens de lettres, 2007) et médaille d’argent du prix Emile Faguet (Académie française, 2008). Elle a été commissaire de l’exposition Robert Desnos.  Des mots et des Images, Bibliothèque historique de la Ville de Paris, 1999 et d’Un nomade à Paris André Masson, musée du Montparnasse, 2010-2011. 

Coédition Editions de la Rmn et du Grand Palais, Paris 2011/HC éditions, 23 x 28,5 cm, 112 pages, illustrations : reproduction de 32 gravures de Pablo Picasso, broché, 22,50 €, ISBN 978-2-3572-0061-6, en vente dans toutes les librairies 

RMN - GRAND PALAIS, PARIS

GALERIES NATIONALES 

Entrée Clemenceau 

Renseignements sur www.rmn.fr 

Alain, Art, Esthétique et Perception. Un livre d’Ollivier Pourriol, Alain, le grand voleur

Un livre d’ Ollivier Pourriol, Alain, le grand voleur

© Le Livre de Poche, 2006 / avec autorisation

ALAIN, LE GRAND VOLEUR par OLLIVIER POURRIOL
Le Livre de Poche, Collection « Biblio Essais »
Date de parution : Septembre 2006
EAN / ISBN : 9782253083801
224 pages - 6,00 €

En avril 2006, le roman d'Ollivier Pourriol, Le Peintre au couteau, sortait en format de poche. En septembre 2006, Le Livre de Poche a publié un autre livre, inédit, du même auteur, où il est également question d'art (en partie). Il ne s'agit plus, comme le précédent livre, d'un roman mais d'un essai qui trouve sa source dans une réflexion d'Ollivier Pourriol sur trois textes du philosophe Alain.

L'esprit, disait Alain, est un « grand voleur ». Il ajoutait que les grands esprits, vraiment grands, n'ont pas d'idées à eux. Ils sont pour ainsi dire immédiatement universels. Aussi la juste méthode pour penser consiste-t-elle à leur emprunter leurs idées, comme on emprunte des outils, et à se les approprier. C'est ce que l'auteur a fait et invite le lecteur à faire, en le guidant dans cet appropriation d'une pensée philosophique. Une appropriation qui peut n'être que partielle car n'excluant pas, bien sûr, l'exercice par le lecteur se son propre jugement.

Ce livre comporte trois parties dont une, « Art et perception », est consacrée à l'esthétique dont traite Alain dans son Système des Beaux-Arts. Cette partie du livre intéressera ceux qui aiment (aussi) aborder l'art autrement ; ici au travers d'un auteur classique de la philosophie. Et au travers d'une présentation d'un texte philosophique d'Alain qui le rend abordable à un plus grand nombre. Sans doute, certains lecteurs auront ensuite le désir d'aller lire le texte d'Alain lui-même. Par cet essai, Ollivier Pourriol y invite son lecteur.

Les deux autres parties de l'essai sont également très intéressante : « La force de l'opinion » traite de politique  à partir des Propos sur les pouvoirs d'Alain, et « La recherche de l'entendement », qui traite de la connaissance à partir des Entretiens au bord de la mer du philosophe.

Cet essai n'est pas une hagiographie d'Alain. Ce que souhaite l'auteur, c'est introduire à la philosophie d'Alain en sa compagnie en mettant à disposition du lecteur des outils et des méthodes qu'Alain a pratiqués, qu'il les ait empruntés ou mis au point.

Ollivier Pourriol est, à la fois, romancier et philosophe. Son premier roman, Méphisto valse - ainsi que les suivants, Le peintre au couteau et Polaroïd - rencontrent un bon accueil de la critique, du public et... des cinéastes. Mais c'est en tant qu'ancien normalien et agrégé de philosophie qu'il a rassemblé les cours de son maître , Hubert Grenier, dans un autre livre intitulé La liberté heureuse. Hubert Grenier, d'ailleurs, était un « maître à penser » de la famille d'Alain. D'où la cohérence du parcours d'un auteur qui n'oublie jamais de reconnaître ses dettes intellectuelles.

(Parmi les) Messages connexes de Wanafoto :

Jean-Jacques Rousseau, Discours sur les sciences et les arts (texte philosophique)
Ollivier Pourriol, Le Peintre au couteau (roman)

Ollivier Pourriol, Le Peintre au couteau, roman

Ollivier Pourriol, Le Peintre au couteau

© Le Livre de Poche / avec son autorisation

Le Livre de Poche, Collection « Littérature & Documents »
Date de parution : Avril 2006
324 pages - 5,50 €

Le roman d'Ollivier Pourriol, paru initialement chez Grasset, a été réédité par Le Livre de Poche.

« Qui sait que ces couleurs sont celles du visage de ma femme disparue et aimée tendrement et regrettée éternellement ? Là où l'oeil exercé voit un vert Véronèse, moi je sais qu'il s'agit du bleu des yeux de ma femme, mais d'un bleu en mouvement, ce n'est pas encore un vert, mais ce n'est plus vraiment un bleu, c'est un bleu en fuite, c'est le bleu des yeux de ma femme qui me trahit. Quel marchand de couleurs osera vendre un jour un tube de « Bleu des yeux de ma femme qui me trahit » ? »

Un peintre de quatre-vingt-cinq ans, cloué par une appendicite, ouvre à son chirurgien un monde sur le point de disparaître, où l'on croise Dubuffet, Camus, Simone de Beauvoir, Nicolas de Staël, René Char, Braque, Music, Gischia. Le temps de quelques conversations, l'homme du pinceau et du couteau transmet à l'homme de l'art et du scalpel ce qu'il a de plus précieux : son oeil. Que peut-on contre la mort ? Pas grand-chose, répond le chirurgien. Apprécier les couleurs de la vieillesse, répond le peintre. Et, si possible, finir en beauté.

EAN / ISBN : 9782253115199

A lire également sur Wanafoto un message consacré à l’essai d’Ollivier Pourriol, Alain, le grand voleur qui introduit notamment à une approche de l’art par le philosophe Alain.