Kirchner. Picasso @ LWL Museum, Münster + Kirchner Museum Davos

Kirchner. Picasso

LWL Museum, Münster

26 September 2025 - 18 January 2026

Ernst Ludwig Kirchner

Kaffeetafel (Vs), 1908 

Acquired with the support of the

Landes Nordrhein-Westfalen

LWL-Museum für Kunst und Kultur 

Photo: LWL / Sabine Ahlbrand-Dornseif

Ernst Ludwig Kirchner

Drei Badende am Meer, 1912-1920

Switzerland, Private Collection

Photo: Sammlung Ulmberg

Ernst Ludwig Kirchner 

Tänzerin Palucca, 1929 

Private Collection

Photo: Georgios Michaloudis, farbanalyse, Köln

The LWL-Museum für Kunst und Kultur in Münster presents the exhibition ‘Kirchner. Picasso’. It is the first show to explore these two singular artists and their surprising parallels in such depth.

From the vibrant life of the big city to the intimacy of the studio and the stillness of the mountains: At the beginning of the 20th century, Ernst Ludwig Kirchner and Pablo Picasso bore witness to a new era, with their works speaking of change, crisis and passion. Though they never met in person, their pictorial worlds and styles converged. 100 works from major European museums will highlight the similarities and contrasts between two of the most important modernist artists.

Ernst Ludwig Kirchner 

Sängerin am Piano, 1930/31 

Courtesy Galerie Henze & Ketterer, Wichtrach/Bern

Ernst Ludwig Kirchner 

Blonde Frau in rotem Kleid (Bildnis Frau Hembus), 1932 

Private Collection

Photo: Dominique Uldry

Ernst Ludwig Kirchner 

Junkerboden, 1938

Kirchner Museum Davos,

Permanent loan from the 

Rosemarie Ketterer Foundation

Photo: Kirchner Museum Davos

Ernst Ludwig Kirchner and Pablo Picasso were born just one year apart, in the German Empire and in Spain. Their paths to art differed widely, yet both shared a passion for innovation and continually reinvented their artistic expression. The exhibition opens with the biographies of Kirchner and Picasso, intertwining the lives of the two artists not only with each other, but also with the events of contemporary history. At the same time, Kirchner and Picasso are placed within the wider context of Franco-German artistic exchange.

In their works, both artists depict people in the big city: while dancing, making music, or at variety shows. It is about glamour, speed and ecstasy – but also about the hard life behind the scenes, about loneliness and poverty. The exhibition tells of both – of the fascination of the stage and of what remains hidden from the audience.

Among the most well-known works by both artists are their expressive portraits. The focus is on the likenesses of their respective life partners. These portraits also clearly illustrate the stylistic developments of Kirchner and Picasso. The subject of the bather, a symbol of insouciance and joie de vivre, is also a recurring theme in both artists’ works. Whether in the studio or in nature – the nude is a is a recurring subject in the work of both Kirchner and Picasso. The view of naked female bodies contrasted with partially clothed men raises questions about the relationship between painter and model. The studio itself also plays an important role: it is more than just a workspace – here, famous works were created, here, ideas were toyed with, life was lived, and sometimes convivial time was spent.

Finally, the exhibition sheds light on the self-staging of both artists. Kirchner in particular regularly depicted himself in self-portraits, which offer a glimpse of his personal situation at various points in time. His life as an artist, as well as his struggle with physical and psychological health, are made visible in these works. Picasso, on the other hand, used the mythological figure of the Minotaur for his self-staging and mastered the art of presenting himself through photographic self-portraits.

An exhibition by the LWL Museum für Kunst und Kultur, Münster, and the Kirchner Museum Davos, where it will be on view from 15 February through 3 May, 2026.

LWL-MUSEUM FÜR KUNST UND KULTUR

Westfälisches Landesmuseum

Domplatz 10, 48143 Münster

www.lwl-museum-kunst-kultur.de

Picasso and Klee in the Heinz Berggruen Collection @ Thyssen-Bornemisza Museum, Madrid

Picasso and Klee in the Heinz Berggruen Collection

Thyssen-Bornemisza Museum, Madrid

28 October 2025 - 1 February 2026

The Museo Nacional Thyssen Bornemisza presents a selection of fifty masterpieces by Pablo Picasso and Paul Klee that belonged to the German dealer and collector Heinz Berggruen and are now part of the holdings of the Museum Berggruen in Berlin. 

In 1950 Heinz Berggruen (Berlin, 1914–Paris, 2007) opened a legendary art gallery in Paris that specialised in modern art and was frequented over the next three decades by a prestigious clientele, including his friend Baron Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza. From 1980 onwards Berggruen focused exclusively on expanding his own select holdings of twentieth-century works, assembling an outstanding collection that was later acquired by the German government in 2000. The establishment of the Museum Berggruen in the Charlottenburg district, as part of the Neue Nationalgalerie of Berlin, marked the fulfilment of the collector’s wish to not only preserve most of the collection intact for posterity but also be able to share it with the public. In a sense his case is similar to that of Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza in Madrid the previous decade. 

While the building is closed for renovation, the Museum Berggruen has organised several international exhibitions since 2022 in Japan and China and, more recently, Europe to show different aspects of the collection’s highlights. The discourse of the exhibition at the Museo Thyssen-Bornemisza is a visual and intellectual dialogue between Heinz Berggruen’s two favourite artists: Pablo Picasso and Paul Klee.

MUSEO NACIONAL THYSSEN-BORNEMISZA

Paseo del Prado, 8. 28014, Madrid

www.museothyssen.org

De Maria, Fontana, Judd, Manzoni, Merz, Picasso, Rauschenberg, Serra, Warhol @ Gagosian, Paris

De Maria, Fontana, Judd, Manzoni, Merz, Picasso, Rauschenberg, Serra, Warhol

Gagosian, Paris

2 avril - 31 mai 2025

Please scroll down for the English version

Tout acte de destruction est aussi un acte de création. Détruire, c’est ouvrir un espace, dégager un chemin pour quelque chose de nouveau.

—Gilles Deleuze, Différence et répétition, 1968

Cette exposition collective présente une conversation entre des artistes d’après-guerre ayant questionné les conventions de la forme, du matériau et de la perception, et souligne l’évolution de leurs pratiques. L’installation rassemble des œuvres majeures de Walter De Maria, Lucio Fontana, Donald Judd, Piero Manzoni, Mario Merz, Pablo Picasso, Robert Rauschenberg, Richard Serra et Andy Warhol.

Ces œuvres révèlent la façon dont la répétition dans l’art peut redéfinir les possibilités perceptuelles et formelles, en examinant la manière dont les artistes ont utilisé la sérialité, la variation et l’accumulation pour déstabiliser les schémas conventionnels de la vue et de la pensée. La déclaration de Picasso, « Dans mon cas, une image est la somme de destructions », résonne avec la pensée de Deleuze. Parallèlement aux recherches du philosophe sur la différenciation et l’itération, Serra affirme que « la répétition est le rituel de l’obsession ».

Le passage de Picasso à la sculpture, les structures modulaires et sérielles de Judd, l’insistance de Serra sur le processus de création et son exploration incessante de la matérialité, ainsi que les œuvres et sculptures à caractère durable de De Maria démontrent que la répétition n’est jamais statique, mais qu’elle est au contraire une force de renouvellement. Les œuvres de Fontana, Concetto spaziale, sont percées, ouvrant le plan de l’image à un espace infini, tandis que la série Achrome de Manzoni renonce à la couleur, à la représentation et à l’allusion pour mettre l’accent sur la présence matérielle. Dans leur art, Rauschenberg et Merz reconfigurent radicalement les objets quotidiens, tandis que la multiplication des images de Warhol déplace leurs significations reçues en faveur de nouvelles interprétations. Ensemble, ces oeuvres offrent une réflexion opportune sur la nature cyclique de l’innovation artistique et sur les relations changeantes entre le passé et le présent.

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Every act of destruction is also an act of creation. To destroy is to open up a space, to clear a path for something new.

—Gilles Deleuze, Difference and Repetition, 1968

This group exhibition presents a conversation between postwar artists who challenged the conventions of form, material, and perception, highlighting the evolution of their practices. On view through May 31, the installation gathers defining works by Walter De Maria, Lucio Fontana, Donald Judd, Piero Manzoni, Mario Merz, Pablo Picasso, Robert Rauschenberg, Richard Serra, and Andy Warhol.

These works reveal how repetition in art can redefine perceptual and formal possibilities, examining how artists have employed seriality, variation, and accumulation to destabilize conventional patterns of sight and thought. Picasso’s declaration “In my case, a picture is a sum of destructions” resonates with the thinking of Gilles Deleuze. Parallelling the philosopher’s inquiries into differentiation and iteration is Serra’s credo that “Repetition is the ritual of obsession.”

Picasso’s turn to sculpture, Judd’s modular and serial structures, Serra’s insistence on process and his relentless exploration of materiality, and De Maria’s durational works and sculptures demonstrate that repetition is never static, but rather a force of renewal. Fontana’s Concetto spaziale works are pierced, opening the picture plane up to infinite space, while Manzoni’s Achrome series negates color, representation, and allusion to emphasize material presence. Rauschenberg and Merz radically reconfigure everyday objects in their art, whereas Warhol’s multiplication of images displaces their received meanings in favor of new interpretations. Together they offer a timely reflection on the cyclical nature of artistic innovation and the shifting relationships between past and present.

GAGOSIAN, PARIS

4 rue de Ponthieu, 75008 Paris

gagosian.com

"Self-Portraits" Exhibition @ Skarstedt Paris

Self-Portraits

Skarstedt Paris

February 13 – March 29, 2025

Skarstedt Paris presents Self-Portraits, an exhibition that delves into the multifaceted nature of self-portraiture, exploring its significance as a means of self-expression throughout the twentieth and twenty-first centuries. Whether rendered in traditional or groundbreaking modes, each work on view delves into the paradoxes, nuances, and idiosyncrasies that make each identity unique, thereby connecting the artist’s individual ethos with universal values and themes.

Across the exhibition, the boundaries of self-representation dissolve into bold experimentation, where themes of transformation, temporality, and vulnerability intertwine. Jean Dubuffet’s Self-portrait from 1966, one of the six he ever made, would become the cover image of the Pompidou retrospective in 2001. It is part of the L’Hourloupe series, a cycle that sets a creative protocol between 1962 to 1974, a veritable exploration of a new language that touches on all artistic spheres explored by the French artist. Using sinuous, labyrinthine graphics, Jean Dubuffet composed schematic spaces like constructs of the mind. The surreal and the introspective converge in André Masson’s Le Voyant - Ville Crânienne (1940), a poetic synthesis of ink and gouache that evokes the fractured nature of identity as seen through a surrealist lens. The self emerges as both seer and subject, a fragment of the subconscious shaped by unseen forces. This notion of transformation continues in the conceptual play of Cindy Sherman, whose Untitled Film Still #24 (1978) disrupts the idea of self-portraiture as truth-telling. By embodying various personas through costumes and cinematic framing, Cindy Sherman dissolves herself into archetypes, exposing the performative masks society demands and the fluidity of personal identity. Martin Kippenberger's Untitled (1992), part of his series of Hand Painted Pictures, interrogates the conventions of self-portraiture by embracing irony and subversion, presenting the artist's identity as a fractured, performative construct. Through a deliberate amalgamation of self-deprecation and painterly virtuosity, Martin Kippenberger critiques the commodification of the artist's persona while questioning the authenticity of self-representation itself.

Georg Baselitz, by inverting his figure in Der Anfang ist der Abgang (The Beginning is the Departure) (2017), offers a meditation on the destabilization of the self. His deliberate subversion of form mirrors the psychological disorientation of self-reflection, confronting mortality and the inexorable passage of time. Similarly concerned with the interiority of human experience, Eric Fischl invites viewers into a deeply introspective yet playful meditation on the act of self-representation in Cat ‘n Hat (2024). By positioning himself in a jester’s hat, Eric Fischl underscores the inherent absurdity of the artist’s role—laying oneself bare before an audience through the act of painting. This duality, at once vulnerable and self-aware, reflects the paradox of creation as both an intimate exposure and a performative gesture, where humor becomes a defense against the weight of self-examination.

More than fifty years earlier, Pablo Picasso articulated his anxieties regarding his place within the art historical canon through works such as Buste d’Homme (1964), produced during a prolific period of introspective self-portraits that utilize a pared-down style to express the urgency of his feeling in his later years that he had “less and less time, and…more and more to say.”[1] Similarly, Francis Bacon’s late Study for Self-Portrait (1979) uses intense light and shadow to highlight the creases along his forehead and other visible signs of age, investigating himself as a means of simultaneously investigating the human condition, traumas, and violence. Turning to self-portraiture “because [he] had nobody else left to paint,”[2] this intimately-scaled work questions at what degree of distortion the work can still be a representation of the self. Juan Gris’s Autoportrait (1911-1912), rendered in the language of Cubism, deconstructs and reassembles the figure into facets of geometry. The fractured planes not only speak to the multiplicity of the self but also to the structural interplay between form and meaning in modernist art.

The tactile intensity of Frank Auerbach’s layered compositions further complicates notions of self. His visceral approach to works like Self-Portrait II (2024) transforms the portrait into a locus of memory, each mark carrying the weight of time’s erosion on identity. Similarly, Chantal Joffe’s vibrant palette and bold brushwork in a new painting imbue her portrayals with a raw immediacy and a diaristic quality that captures the precarious balance between strength and fragility, echoing themes of femininity, motherhood, and self-examination. Louis Fratino likewise fills his canvases with a quiet familiarity, using the queer body as a mirror for the vastness of memory and emotional expression. Throughout the 1980s, Robert Mapplethorpe also reflected his commitment to themes of gender expression. In Self-Portrait (1980), we find him draped in a luxurious fur coat, exuding an elegance in the style of Rrose Sélavy, Marcel Duchamp’s alter ego, whose playful fluidity of gender and self-reinvention are echoed by Mapplethorpe in a manner that suggests Robert Mapplethorpe’s rejection of traditional binary definitions of gender.

Through the subversive materiality of grease and pigment, David Hammons challenges the very medium of portraiture. His Untitled (circa 1970) resists conventional depictions of identity, offering instead an enigmatic interplay of texture and absence that critiques cultural and societal narratives, particularly as they relate to race in America. In making his body both the image and material of the work, David Hammons literally gives his viewers a reflection of his experience as a Black man in America. These themes continue in Untitled (SAMO) (1981) by Jean-Michel Basquiat. With its economy of means, Jean-Michel Basquiat conveys the reality of his place in American society and the visceral emotions that accompany it. His refusal to depict his true likeness in preference of a mask-like figure gets to the heart of self-portraiture’s role as a personal mode through which to explore identity, culture, and posit one’s own social commentaries. In making himself appear almost as an African mask, his experiences as a man of color in 1980s America act as proxy for the universal experiences of others like him.

Together, these artists reveal the self as a site of tension and transformation—a space where cultural, personal, and artistic identities collide and evolve. The works in Self-Portraits invite viewers to explore the shifting terrain of representation, where each artist unearths the essence of individuality within the universal human experience.

[1] Pablo Picasso quoted in Marie-Laure Bernadac, Late Picasso: Paintings, sculpture, drawings, prints 1953-1972 (London: Tate Publishing, 1988), 85.

[2] Francis Bacon, quoted in David Sylvester, Interviews with Francis Bacon (London: Thames & Hudson, 2016), 150.

SKARSTEDT PARIS

2 Avenue Matignon, 75008 Paris

www.skarstedt.com

Atelier Picasso - Roman Graphique @ Editions Skira - Illustrations de Giulia Masia & Texte de Luca Masia

Atelier Picasso - Roman Graphique

Editions Skira

Parution Avril 2024

Atelier Picasso, Skira, 2024

Giulia Masia & Luca Masia

Couverture reliée, 20 x 28 cm 

176 pages,160 illustrations

ISBN 978-2-37074-240-7

Ce roman graphique écrit par Luca Masia et illustré par Giulia Masia offre une nouvelle perspective sur Pablo Picasso, sa vie et son entourage artistique, par le biais d’une histoire vraie, celle du tailleur Michele Sapone et de sa famille sur la Côte d’Azur dans les années d’après-guerre. 

 

Michele Sapone cousait des tissus comme l’on peint des toiles. Originaire d’un petit village du sud de l’Italie, près de Caserte, il s’installe à la fin de la Seconde Guerre mondiale à Nice, où il crée son propre atelier. Grâce au peintre florentin Manfredo Borsi, il rencontre les artistes locaux et réussit à mettre en lumière son talent artisanal. Au cours des années, il noue une amitié sincère avec Pablo Picasso et se lie également avec les artistes et peintres parmi les plus importants de l’époque dont Arp, Campigli, Giacometti, Hartung, Magnelli, Miró, ou Severini. 

 

En échange de costumes élégants et vêtements de travail, pantalons de cérémonie et manteaux d’hiver, Michele Sapone reçoit de ses amis artistes des toiles et des dessins qui forment, au fil des ans, le cœur d’une importante collection.

 

Élevée dans ce riche et stimulant environnement, sa fille Aïka développe une passion pour l’art. Elle grandit entourée d’artistes, pose pour Picasso et Giacometti, se dispute avec Hartung ou apparaît sur des clichés de David Duncan ou Edward Quinn… En 1973, grâce à la collection de son père et à la proximité de la famille avec les artistes, elle ouvre à Nice avec son mari Antonio, la Galerie Sapone, toujours en activité aujourd’hui. La première exposition est alors consacrée à Picasso, qui décède malheureusement quelques jours seulement avant l’inauguration, le 8 avril 1973. 

 

Cinquante ans plus tard, ce roman graphique revient sur cette facette méconnue de la vie de Picasso et des amitiés artistiques qui ont vu le jour dans la lumière de la Côte d’Azur. 

Illustrations - Giulia Masia est illustratrice indépendante. Après avoir terminé ses études à l’IED, elle a commencé à travailler pour plusieurs maisons d’édition et agences. Elle a été nominée pour d’importants prix d’illustration, tels que l’Annual Illustratori Italiani, le 3x3 Annual (USA) et le CQ Journal. Elle a fait partie des 50 illustrateurs primés lors du concours Golden Pinwheel Young Illustrators. 

 

Textes - Luca Masia est écrivain et créatif publicitaire. Il s’occupe de fiction, de télévision, de dramaturgie théâtrale et de communication d’entreprise. Il a travaillé au sein d’agences internationales de premier plan, a collaboré avec la Triennale de Milan pendant près de dix ans, et a écrit des textes et des livres sur l’art, le design et l’architecture. 

SKIRA

www.skira.net

Gertrude Stein et Pablo Picasso, L’invention du langage @ Musée du Luxembourg, Paris

Gertrude Stein et Pablo Picasso, 

L’invention du langage 

Musée du Luxembourg, Paris

13 septembre 2023 – 28 janvier 2024

Gertrude Stein et Pablo Picasso, 

L’invention du langage

Musée du Luxembourg, Paris

Affiche de l'exposition

« Un écrivain devrait écrire avec ses yeux et un peintre peindre avec ses oreilles »

Gertrude Stein

« A writer should write with his eyes and a painter paint with his ears » (Gertrude Stein, What Are Masterpieces, Los Angeles, Conference Press, 1940, notre trad.)

L’amitié entre l’artiste Pablo Picasso et l’écrivaine Gertrude Stein s’est cristallisée autour de leur travail respectif, fondateur du cubisme, à partir de ce qui constitue leur pratique littéraire et picturale : décomposition analytique des objets du quotidien, du langage et de la peinture, sérialité, circularité et répétition – autant de formulations et de trouvailles fondatrices des avant-gardes picturales et littéraires du XXe siècle.

Gertrude Stein est une immigrée juive américaine, homosexuelle, installée à Paris, rue de Fleurus, peu après l’arrivée en 1901 de Pablo Picasso, jeune artiste espagnol. Leur position d’étrangers, maîtrisant approximativement le français, leur marginalité fondent leur appartenance à la bohème parisienne et leur liberté artistique.

Leur postérité est immense. Examiner leur complicité, leur inventivité et suivre le parcours de Gertrude Stein entre Paris et les Etats-Unis, permet d’esquisser une traversée des approches conceptuelles, performatives et critiques de l’art, de la poésie, de la musique et du théâtre à travers de grandes figures de l’art américain : John Cage, Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Merce Cunningham, Nam June Paik, Yvonne Rainer, Lucinda Childs, Trisha Brown, Ray Johnson, Bruce Nauman, Carl Andre, James Lee Byars, Joseph Kosuth, Hanne Darboven, Andy Warhol, Glenn Ligon, Ellen Gallagher, Gary Hill, Deborah Kass, Félix Gonzalez-Torres...

Ainsi l’exposition entend porter un éclairage inédit et documenté sur l’oeuvre poétique mal connue de Gertrude Stein, en regard des peintures et des sculptures de Picasso, le « Paris Moment » (rue de Fleurus et rue Christine, à deux pas du musée du Luxembourg qu’elle fréquente assidument). La postérité américaine de ce dialogue forme la seconde partie du parcours, l’« American Moment », avec des oeuvres emblématiques issues de l’écriture steinienne, des années 1950 à nos jours : depuis le Living Theater et les expérimentations musicales, plastiques et théâtrales néo-dada et fluxus, en passant par l’art minimal autour du langage et du cercle, jusqu’aux oeuvres néo-conceptuelles et critiques.

Une série de portraits et d’oeuvres hommages, comme le fameux polyptique Ten Portraits of Jews of the Twentieth Century d’Andy Warhol ou des photographies de Cecil Beaton, évoque l’icône Gertrude Stein.

Cette exposition est programmée dans le cadre de la Célébration Picasso 1973-2023, coordonnée par le Musée national Picasso-Paris, qui à cette occasion partage sa collection par le prêt exceptionnel de 26 oeuvres de sa collection essentiellement centrées autour des années héroïques des Demoiselles d’Avignon et du cubisme, ainsi qu’un ensemble d’archives remarquable. La Célébration Picasso et l’exposition sont placées sous le haut patronage de la Présidence de la République.

Commissaire générale : Cécile Debray, Présidente du Musée national Picasso, Paris

Commissaire associée : Assia Quesnel, historienne de l’art

Exposition organisée par la Réunion des musées nationaux - Grand Palais avec la collaboration et le soutien du Musée national Picasso-Paris.

Musée du Luxembourg

19 rue Vaugirard, 75006 Paris

museeduluxembourg.fr

Pablo Picasso @ Pace Gallery, NYC - "Picasso: 14 Sketchbooks" Exhibition

Picasso: 14 Sketchbooks

Pace Gallery, New York

November 10 - December 22, 2023

This exhibition marking the 50th anniversary of the artist’s death, is organized in collaboration with the Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso, Madrid (FABA). Picasso: 14 Sketchbooks offers a unique and intimate view of the ways in which Picasso worked, tracing the evolution of his observations and ideas into plans for his compositions across painting and sculpture.

Pace have worked with the Picasso family mounting extraordinary exhibitions over the last 40 years. This collaboration with FABA marks Pace's thirtieth show featuring Picasso's work and its eighth major solo presentation dedicated to the artist. As part of the gallery’s presentation, Pace Publishing has produced a new book focused on the sketchbooks in the exhibition, which is available to purchase on- site and online.

The sketchbooks featured in the show at Pace in New York—which is displayed chronologically—date between 1900 and 1959, spanning almost every period of Picasso’s career. These artworks are contextualized by a rich body of research about the events of Picasso’s life, assembled by curatorial advisors and Picasso experts Marilyn McCully and Michael Raeburn. Additionally, monitors installed atop the tables in the gallery space show images of all the pages from the sketchbooks in the exhibition, with each monitor running on its own loop to allow visitors to experience every sketchbook from cover to cover. A film about the making of the artist’s War and Peace murals in the French city of Vallauris is also presented in the exhibition alongside his drawings for the project.

Offering a window into Picasso’s imagination and creative process, each of the sketchbooks in the show is connected to well-known bodies of work by the artist, from his youthful experimentations in Spain and France around 1900 through the revolutionary developments of his time in Paris and his final years in the South of France. These sketchbooks—exhibited alongside related ceramics, paintings, photographs, and archival materials—shed light on Picasso’s approach for many of his major works, including his iconic painting Les Demoiselles d’Avignon (1907), part of the collection of the Museum of Modern Art in New York; Dora Maar in an Armchair (1939), part of the collection of the Metropolitan Museum of Art in New York; and his large-scale War and Peace murals, completed in 1952. Sketchbooks in the exhibition also feature pages of poetry by the artist, who often wrote in a lyrical, stream of consciousness style in both Spanish and French.

Picasso: 14 Sketchbooks opens nearly 40 years after Pace’s presentation of Je Suis le Cahier: The Sketchbooks of Picasso, a landmark exhibition organized by Arne and Marc Glimcher at the gallery’s East 57th Street space in 1986. Je Suis le Cahier, the first exhibition to introduce Picasso’s sketchbooks to the world, traveled to numerous art institutions internationally following its run at Pace, including the Royal Academy of Arts in London, Los Angeles County Museum of Art, the Art Institute of Chicago, the Musée des Arts Décoratifs in Paris, the Schirn Kunsthalle Frankfurt, and the Kunsthaus Zurich. Pace and Atlantic Monthly Press published a catalogue—edited by Arne and Marc Glimcher—devoted to the exhibition, and this book remains a key resource on the artist.

Pablo Picasso was perhaps the most influential artist of the 20th century. Though Spanish, Picasso worked mainly in France, and his first mature phase in Paris was his Blue Period, followed by the Rose period. With Les Demoiselles d’Avignon, he pioneered the style of Cubism without which modern and contemporary art would be radically different. Another of his most enduring images, the iconic Guernica, immortalizes the brutality of the Spanish Civil War. With Analytic Cubism, Synthetic Cubism, Surrealism, and the incorporation of “primitive” imagery, Picasso and his contemporaries Georges Braque and Marcel Duchamp challenged the trajectory of the arts and rebuilt the context in which future generations of artists practiced.

PACE NEW YORK

540 West 25th Street, New York City

www.pacegallery.com

The Echo of Picasso @ Almine Rech Galleries, NYC - Trebica and Upper East Side - Pablo Picasso in a contemporary perspective

The Echo of Picasso

Almine Rech Galleries, New York

November 8 — December 16, 2023 

In honor of the 50th anniversary of Pablo Picasso’s death (April 8, 1973), Almine Rech presents The Echo of Picasso, a wide-ranging group exhibition curated by Eric Troncy, spanning across its two locations in New York City.

The exhibition offers two perspectives: one that revisits a time in history wherein Picasso's contemporaries sought to challenge his work, and a second in which living artists today echo the Spanish artist’s oeuvre. As Michael Fitzgerald* described, "instead of being a potential adversary in life, in death, Picasso became a voluminous encyclopedia of ideas and images for artists.” 50 years since Pablo Picasso's death, the contemporary works on view still echo the formal, technical, and conceptual inventions of one of the most influential artists of the twentieth century. The exhibition also allows us to see Pablo Picasso in a contemporary perspective.

*Excerpt from the text by Michael Fitzgerald - Kluger family Professor of Art History Trinity College, Hartford, Connecticut - in Museo Picasso Malaga catalog, The Echo of Picasso.

The Echo of Picasso is on view simultaneously at both Almine Rech locations in Tribeca, and in the Upper East Side, in New York City.

Rare works by Pablo Picasso, including one of only six Glass of Absinthe sculptures from 1914 (on loan from Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso), is on view, alongside those by Willem de Kooning, Francis Bacon (on loan from the Museum of Modern Art New York), Louise Bourgeois, George Condo, Jeff Koons, Farah Atassi, and Genesis Tramaine, among others (listed below).

The Echo of Picasso is curated by Eric Troncy, French art critic, curator, and Director of the Consortium Museum in Dijon, France and Editor-in-chief of FROG Magazine.

Artists featured in The Echo of Picasso, New York, are as follows: Joe Andoe, Karel Appel, Farah Atassi, Francis Bacon, Cristina BanBan, Jean-Michel Basquiat, Oliver Beer, Louise Bourgeois, Brian Calvin, César, Antoni Clavé, George Condo, Timothy Curtis, Jose Dávila, Urs Fischer, Jorge Galindo and Pedro Almodóvar, Jameson Green, Peter Halley, David Hockney, Thomas Houseago, Marcus Jahmal, Rashid Johnson, Willem de Kooning, Jeff Koons, Maria Lassnig, Cristina de Miguel, Annie Morris, Louise Nevelson, Pablo Picasso, George Rouy, Claire Tabouret, Genesis Tramaine, Rebecca Warren, Zio Ziegler.

ALMINE RECH NEW YORK GALLERIES

361 Broadway, Trebica, New York, NY 10013

39 East 78th Street, Upper East Side, New York, NY 10075

www.alminerech.com

Pablo Picasso | Max Beckmann @ Von der Heydt-Museum Wuppertal + Sprengel Museum Hannover – Man - Myth - World

Pablo Picasso | Max Beckmann

Man – Myth – World

Von der Heydt-Museum Wuppertal 

17 September 2023  - 7 January 2024

Sprengel Museum Hannover

February  -  May 2024

Pablo Picasso (1881 - 1973) and Max Beckmann (1884 - 1950) are key figures of modernism. In the first half of the 20th century, both made decisive contributions to a redefinition of the possibilities and tasks of representational painting. However, it has never been possible to compare their works and thus their artistic attitudes and views on a broad basis and within the framework of an exhibition. The Von der Heydt Museum Wuppertal and the Sprengel Museum Hannover have joined forces to make this possible for the first time. With its exhibition the Von der Heydt Museum is an official partner of the international project "Celebration Picasso 1973-2023", which commemorates the 50th anniversary of the artist's death in 2023.

For the joint project, the two museums draw primarily on their own rich holdings. In doing so, they not only show the strengths of their collections, but also reflect on their history. The Von der Heydt Museum was the first museum in the world to acquire a painting by Pablo Picasso, in 1911, and one of Max Beckmann's key works, his "Self-Portrait as a Nurse" (1915), a turning point in his work, was secured for public art ownership in Wuppertal as early as 1925 by the Barmer Kunstverein.

Around 200 works by Pablo Picasso and Max Beckmann can be experienced in the exhibition: Paintings and graphics as well as individual sculptures. The highranking holdings of the Von der Heydt Museum and the Sprengel Museum are supplemented by precious loans - among others from the Centre Pompidou and the Musée Picasso, Paris, the Kunstmuseum Basel, the Bayerische Staatsgemäldesammlungen Munich and from private collections.

The exciting dialogue between the works reveals what moved Picasso and Beckmann as artists, how they revolutionised the history of painting, where they arrived at similar and where they arrived at opposing answers to the great challenges of their time. They were always concerned with man and his relationship to the world. They dealt intensively with the tense relationship between men and women. And both made use of the power of myth to give their statements weight and depth. In this way, they created symbols for the crises and ruptures of the 20th century that have lost none of their impact to this day.

The exhibition is under the patronage of the Ambassador of the French Republic in Berlin, François Delattre.

VON DER HEYDT-MUSEUM

Turmhof 8 - 42103 Wuppertal

von-der-heydt-museum.de

SPRENGEL MUSEUM HANNOVER

Kurt-Schwitters-Platz, 30169 Hannover

www.sprengel-museum.de

Picasso. Artiste et modèle – Derniers tableaux @ Fondation Beyeler, Riehen/Basel

PICASSO 

Artiste et modèle – Derniers tableaux 

Fondation Beyeler, Riehen/Basel 

19 février – 1er mai 2023 

Dans le cadre des commémorations internationales du 50ème anniversaire de la disparition de PABLO PICASSO (1881–1973), la Fondation Beyeler présente une sélection concentrée de dix toiles tardives de l’artiste en provenance de la Collection Beyeler, de l’Anthax Collection Marx et d’autres collections privées.

Au cours de la dernière décennie de sa vie, alors qu’il est déjà âgé de plus de 80 ans, l’artiste espagnol poursuit de manière hautement productive son œuvre audacieux. Avec une énergie irrépressible, au cours de cette ultime période il produit souvent plusieurs œuvres par jour, faisant preuve d’une saisissante puissance créatrice, comme s’il cherchait à combattre l’âge et la diminution attenante de ses capacités de création artistiques et corporelles. Parmi les nombreux travaux des années 1960 et du début des années 1970 figure un important groupe d’œuvres dans lesquelles Picasso se consacre au sujet de l’artiste et du modèle. Dans ces œuvres hautement expressives, il explore d’une part l’image (de soi) de l’artiste et d’autre part l’acte et le processus de création.

Oscillant entre autoportrait, cliché et caricature, certains des tableaux donnent à voir l’artiste en chemise rayée, convoquant ainsi aussi l’image déjà élevée au rang de mythe de Picasso. Cependant, comme une forme de contre-image à son apparence personnelle, il représente souvent l’artiste sous les traits d’un homme barbu. Par ailleurs, Picasso présente le plus souvent l’artiste peignant directement devant le modèle, à l’encontre de sa propre pratique de travail – il peignait toujours de mémoire. Dans cette constellation, le modèle féminin nu, dont la représentation oscille également entre idéalisation et caricature, est exposé au regard de l’artiste. Avec ces œuvres, la question reste ainsi ouverte de savoir dans quelle mesure Picasso exalte ou ironise sa fixation sur le nu féminin et l’appropriation visuelle du corps féminin. Son impressionnante série d’images du peintre et de son modèle soulève ainsi aussi des questions concernant le traitement personnel et artistique du corps féminin par l’homme et la possibilité de représenter ce corps dans le contexte actuel.

Placée sous le commissariat de Raphaël Bouvier, l’exposition s’appuie sur une sélection de tableaux représentatifs de l’immense œuvre tardif de Picasso pour entreprendre de retracer le cheminement et d’interroger la pertinence actuelle des explorations de l’artiste, qui tournent autour du processus créatif, des relations que structurent les regards croisés entre peintre et modèle, de la représentation de l’artiste masculin et de la mise en scène visuelle du modèle féminin.

Avec son inventivité picturale foisonnante, Pablo Picasso a marqué l’art du XXe siècle d’une empreinte singulière. La Fondation Beyeler possède plus de trente de ses œuvres et abrite une des plus belles collections de Picasso au monde. Parmi les protagonistes de l’art moderne, Picasso est ainsi l’artiste le plus fortement représenté dans la Collection Beyeler. Les œuvres couvrent une période allant du travail cubiste précoce de l’année 1907 aux travaux tardifs des années 1960. Une quinzaine d’autres chefs-d’œuvre de Pablo Picasso de la Collection Beyeler et de l’Anthax Collection Marx sont présentés dans les salles de la collection qui font suite à l’exposition, proposant ainsi un vaste panorama de l’œuvre de Picasso.

FONDATION BEYELER

Baselstrasse 101, 4125 Riehen/Basel

www.fondationbeyeler.ch

Pablo Picasso Cubist Masterpiece Buffalo Bill will Highlight Christie's 20th Century

Pablo Picasso Cubist Masterpiece Buffalo Bill will Highlight Christie's 20th Century Evening Sale in New York

17 November 2022

PABLO PICASSO (1881-1973)

Buffalo Bill

Oil and sand on canvas 18¼ x 13⅛ in. (46.3 x 33.3 cm.)

Painted in Paris in spring 1911

Photo courtesy of Christie's

$10,000,000-15,000,000

Christie’s announces Pablo Picasso’s Buffalo Bill as a leading highlight of the 20th Century Evening Sale taking place at Rockefeller Center Thursday, 17 November 2022. Estimated to achieve $10 million – 15 million, Buffalo Bill carries an esteemed provenance. The painting’s first owner was the legendary art dealer of the Cubist movement, Daniel-Henry Kahnweiler. It comes to Christie’s from a distinguished private collection where it has remained for more than thirty years.

David Kleiweg de Zwaan, Christie’s Senior Specialist, Impressionist and Modern Art remarks: “Buffalo Bill’s daring exploration of new territory as a scout resonated with Picasso, who himself was reconnoitering new frontiers in his pioneering Cubist art. With the recent opening of the Cubism show at The Met, we are thrilled to bring this rare Cubist portrait depicting an icon of the American West to the market in our 20th Century Evening Sale in New York this November.”

Painted in 1911 during the highpoint of Analytical Cubism, Buffalo Bill is singular within Pablo Picasso’s oeuvre, standing as one of the few named male portraits that he painted in the years of pre-war Cubism. It is exemplary of the artist’s practice during this period of radical artistic experimentation, as Picasso interpreted the well-known image of Buffalo Bill, an icon of the American frontier, through his newly conceived language of deconstructed lines and forms. In it, Picasso pushed the boundaries of representation to their extreme, reducing the well-known image of the Wild West star to its essentials, whilst retaining glimpses of his signifying characteristics—such as his flamboyant goatee and famed Stetson hat.

Pablo Picasso was a great fan of the rugged frontiersman and identified with this heroic adventurer and showman. Buffalo Bill’s Wild West Show first toured to Paris in 1889, and returned in 1905, filling a 17,000 seat arena to capacity for months. In letters to his Cubist accomplice, Georges Braque, Picasso signed himself “ton pard,” short for the cowboy “pardner,” playfully indulging in their shared love of, as they called it, “Le Far West.”

Buffalo Bill has been in a number of important exhibitions. Picasso selected it for his landmark 1932 retrospective at the Galerie Georges Petit, Paris, followed by the Kunsthaus Zurich, and it was included in the 1989-1990 exhibition Picasso and Braque, Pioneering Cubism at The Museum of Modern Art, New York. The sale of Buffalo Bill coincides with the Metropolitan Museum of Art’s current show, Cubism and the Trompe l’Oeil Tradition, open through January 2023. The exhibition is one of 40 exhibitions participating in the International Celebration Picasso 1973-2023, a worldwide initiative marking the 50th anniversary of the artist’s death and celebrating his lasting legacy.

CHRITIE'S NEW YORK

20 Rockefeller Plaza, New York, NY 10020

www.christies.com

The Picasso Century @ NGV, Melbourne - National Gallery of Victoria

The Picasso Century

National Gallery of Victoria, Melbourne

10 June – 9 October 2022

The world-premiere Melbourne Winter Masterpieces exhibition, The Picasso Century, charts the extraordinary career of Pablo Picasso in dialogue with the many artists, poets and intellectuals with whom he intercepted and interacted throughout the 20th century, including Guillaume Apollinaire, Georges Braque, Salvador Dalí, Alberto Giacometti, Françoise Gilot, Valentine Hugo, Marie Laurencin, Dora Maar, André Masson, Henri Matisse, Dorothea Tanning and Gertrude Stein.

Exclusively developed for the NGV by the Centre Pompidou and the Musée national Picasso-Paris, the exhibition features over 80 works by Picasso alongside over 100 works by more than 60 of his contemporaries, drawn from French national collections, as well as the NGV Collection. Audiences will also have the opportunity to discover a rich selection of works by artists rarely exhibited in Australia, including Natalia Goncharova, Julio González, Wifredo Lam, Suzanne Valadon and Maria Helena Vieira da Silva.

Curated by noted scholar of 20th century painting Didier Ottinger, Deputy Director of the Musée national d’art moderne, Centre Pompidou, Paris, The Picasso Century examines the diverse influences, encounters and collaborative relationships that steered Picasso through many distinct artistic periods, such as his Blue Period, Cubism and Surrealism, and draws lines between Picasso’s famous creations and the world around him.

By exploring Picasso’s career through his personal, artistic and intellectual engagement with his peers, the exhibition provides a unique insight into the artistic legacy of one of the 20th century’s most influential and celebrated artists, as well as the community of artists from which he emerged.

Victoria’s Minister for Creative Industries Danny Pearson said: ‘The Picasso Century brings together master works from across Picasso’s career, alongside those from other leading artists and innovators of the time. This world-premiere Melbourne Winter Masterpieces exhibition will be an absolute treat for art lovers from across Victoria and beyond, and a massive drawcard to our creative state this winter.’

Laurent Le Bon, President, Centre Pompidou, said ‘Picasso reunited at last with Australia and his fellow accomplices and travellers. I am delighted with this collaboration between two French institutions and the National Gallery of Victoria: this exceptional partnership will allow the Australian public to discover Picasso’s paintings, sculptures, drawings, ceramics, and the works of the artists with whom he never ceased to interact. I wish to extend a warm thank you to all those who have made this magnificent project possible.’

Cécile Debray, President, Musée national Picasso-Paris, said: ‘The Picasso Century offers an original, broad approach that allows us to grasp the artist’s career in his artistic and cultural context, from his formative years to his posterity. It thus offers an astonishing journey through the Parisian and cosmopolitan art scene of the 20th century. A Picasso, no longer a genius “ex-nihilo” but an artist in the world, with his friendships with poets, cubists, surrealists, his political commitments, his love affairs with artists, his circles of disciples and admirers.’

‘I am delighted by this partnership with the National Gallery of Victoria in Melbourne, which testifies to the ties of friendship and proximity between France and Australia, but also that the French museums participating in this major exhibition have the opportunity to be ambassadors of French heritage and of a historic artistic scene that was the foundation of Western modernity.’

Tony Ellwood AM, Director, NGV, said: ‘This exhibition offers visitors an extraordinary insight into the development of modern art and the preeminent figure at its centre, Pablo Picasso. Through more than 170 works of art – including many that have never been seen in Australia – audiences will come to appreciate the many ways in which Picasso influenced – and was influenced by – the artistic community that surrounded him.’

Fifteen thematic sections organise The Picasso Century, which trace the many distinct periods that shaped the artist’s career over more than seven decades, while also situating his work within a broader artistic and geographical context. Each exhibition section provides a nuanced perspective on a rich century of artistic experiment, in which Picasso stands prominently among many innovators.

The beginning of the exhibition explores Picasso’s formative years, which encapsulate significant artistic developments, most notably Cubism, the development of which Picasso led with Georges Braque. Considered by many the ‘experiment’ that most radically transformed 20th century art, Cubism saw Western art move away from representing likeness and, among many innovations, introduced multiple and simultaneous perspectives into a composition, resulting in the style’s recognisable fragmented imagery.

The Picasso Century also examines Picasso’s place within the multicultural crucible that was inter-war Paris, and his interaction with other artists and intellectuals including André Breton, Georges Bataille, Aimé Césaire, Alberto Giacometti and Gertrude Stein. The exhibition is particularly rich with works from Picasso’s Surrealist period, presented alongside works by artists including Kay Sage, Max Ernst, Salvador Dalí, Giorgio de Chirico and André Masson.

The final sections of the exhibition explore Picasso’s work in an increasingly international art world post-1945 and examine the contested artistic output towards the end of his career. His work of the 1950s and 1960s are positioned alongside later generations of painters, including Francis Bacon and Willem de Kooning.

The inevitable question of Picasso’s legacy in the 21st century is posed through the inclusion of the 2009 video work I see a woman crying (Weeping Woman), Tate Liverpool by Rineke Dijkstra. This engaging contemporary work invites reflection on Picasso’s position as a point of reference for all who seek to understand the history of 20th century art.

Coinciding with The Picasso Century is a free NGV Kids exhibition titled Making Art: Imagine everything is real featuring a range of hands-on activities and multimedia experiences inspired by methods of working invented by some of the leading European artists included in the Melbourne Winter Masterpieces exhibition. While learning about some of the leading artists of the twentieth century in Europe, children make their own surprising works as they explore collage techniques, write poetry and play surrealist games and turn everyday materials into large-scale sculptures.

Exhibition organised by the Centre Pompidou, Paris, the Musée national Picasso-Paris, and the National Gallery of Victoria.

NATIONAL GALLERY OF VICTORIA - NVG

180 St Kilda Rd, Melbourne VIC 3006 

www.ngv.vic.gov.au

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Pablo Picasso @ Acquavella Galleries, NYC - PICASSO: Seven Decades of Drawing

PICASSO: Seven Decades of Drawing

Acquavella Galleries, New York

Through December 3, 2021

Arguably the most influential artist of the 20th century, over the course of his career Pablo Picasso (1881-1973) pioneered successive artistic innovations that shaped the development of modern art. He was prolific in a wide range of mediums, including painting, drawing, sculpture, ceramics, and printmaking. Born in 1881 in Spain, the son of an art teacher, Pablo Picasso exhibited his first paintings in Barcelona at the age of 12. After an earlier trip to Paris, he left Barcelona in 1904 and moved permanently to France, where he would live until his death in 1973. 

Acquavella Galleries presents PICASSO: Seven Decades of Drawing, a survey of significant drawings by painter, draftsman, sculptor, printmaker, and ceramicist, Pablo Picasso. Curated by Olivier Berggruen, the show features over 80 drawings spanning seven decades of the artist's career, including works in an array of mediums such as charcoal, crayon, colored pencil, collage, graphite, gouache, ink, pastel, and watercolor. 

Drawing was the foundation of Pablo Picasso’s practice throughout the many stages of his stylistic development. The son of an art teacher, Picasso began to sketch at an early age; it is said that his first word was “piz,” short for “lápiz,” the Spanish word for pencil. He began his formal training at the age of seven, quickly mastering the techniques of classical draftsmanship. 

Pablo Picasso’s drawings reflect the artist’s lifelong quest to innovate and experiment; they also demonstrate his virtuosic ability to switch between styles, techniques, and mediums. Guided by his intuition and innate understanding of line, in his drawings Picasso imaginatively experimented and pioneered the development of radical ideas, innovating new approaches to form and expression in the process.

Several works on view provide insight into the evolution of his most influential, large-scale paintings, such as Les demoiselles d’Avignon, while others stand alone as virtuoso, independent works showcasing Picasso’s mastery of line, form, and medium. Developed in concert with his monumental paintings Les demoiselles d'Avignon [1907, The Museum of Modern Art, New York] and Les trois femmes [1908, The State Hermitage Museum, St. Petersburg, Russia], three drawings in the exhibition—Les demoiselles d'Avignon: Nu jaune (Étude) [1907, Collection of John and Gretchen Berggruen, San Francisco], Nu à genoux [1907-1908, The Metropolitan Museum of Art, New York] and Nu debout (Étude pour 'Les trois femmes') [1907-1908, Private Collection]—illustrate Pablo Picasso’s development of the striking, geometric female figures whose fragmented forms paved the way to Cubism. The watercolors, studies of the female form in motion, mark a radical break from traditional composition and perspective in painting. These bold and confrontational depictions of form became a seminal point in the development of Cubism and modern art. 

One of the most recurring subjects in Pablo Picasso’s oeuvre is the tête de femme or buste de femme (the female head or bust of a woman). The subject serves not only as a motif to explore the artist’s stylistic development, but also to chronicle his personal life and relationships. The notorious lothario’s rapid and often dramatic changes of style are frequently attributed to the presence of a new love interest, the waning of an old one, or both. Numerous examples of the motif of the buste de femme abound in the exhibition, including early portraits evincing his study of archaic sculpture; fragmented, Cubist representations; more naturalistic, classicizing portraits; biomorphic Surrealist abstractions; and later, more erotic portraits. In his early drawing, Buste de femme nue (1906), a representation of his mistress and muse Fernande Olivier, Picasso fused Fernande’s striking face with his study of ancient Iberian masks and Romanesque sculpture, while Buste de femme (1907) betrays Picasso’s increasing interest in African masks, a formative influence in his development of Cubism. The evocative Tête de femme (1921), reflects the artist’s study of Classical sculpture and art history after World War I, when he was married to Olga Khoklova, while the sensual Portrait de femme endormie, III (1946), reflects Picasso’s later impassioned affair with Françoise Gilot and his spurring rivalry with Henri Matisse.

PICASSO: Seven Decades of Drawing

Exhibition Catalogue, November 2021

A fully illustrated hardcover catalogue will be produced for the exhibition featuring critical essays by historian and curator Olivier Berggruen and historian Christine Poggi.

Seven Decades of Drawing is supported by loans from The Art Institute of Chicago, The Cleveland Museum of Art; Fondation Beyeler, The Metropolitan Museum of Art; The Morgan Library & Museum; The Museum of Modern Art, New York; The Museum of Fine Arts, Houston; The Solomon R. Guggenheim Museum, New York; and the Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso Para el Arte (FABA), Madrid. 

ACQUAVELLA GALLERIES

18 East 79th Street, New York, NY 10075

www.acquavellagalleries.com

Picasso. Baigneuses et baigneurs @ Musée des Beaux-Arts de Lyon

Picasso. Baigneuses et baigneurs

Musée des Beaux-Arts de Lyon

15 juillet - 3 janvier 2021

Le musée des Beaux-Arts de Lyon propose une relecture du thème de la baigneuse dans l’œuvre de Pablo Picasso avec, en contrepoint, des œuvres d’artistes du passé, comme Jean Auguste Dominique Ingres, Paul Cézanne ou Auguste Renoir, qui ont influencé Picasso dans le traitement de ce sujet. Des artistes modernes et contemporains seront également présentés car ils se sont intéressés aux baigneuses picassiennes et ont trouvé en elles une source d’inspiration ou le prétexte à une confrontation.

L’exposition est organisée en partenariat avec le Musée national Picasso - Paris et avec le concours de la Peggy Guggenheim Collection de Venise. Les trois institutions possèdent chacune une œuvre quasiment jumelle, exécutée en février 1937, quelques semaines avant que l'artiste ne travaille à Guernica.

L’exposition « Picasso. Baigneuses et baigneurs » a été conçue en grande partie à partir du fonds exceptionnel du Musée national Picasso - Paris. Elle présente près de 150 œuvres issues d'importantes collections publiques en Europe et au Canada ainsi que de collections particulières. Elle s’accompagne de la présentation de pièces d’archives relatives aux différents séjours en bord de mer effectués par Picasso et est rythmée par toute une série de photographies de l’artiste et de ses proches, dues notamment à Dora Maar et à Eileen Agar.

A l’origine de l’exposition, Femme assise sur la plage, 10 février 1937, un tableau de Pablo Picasso légué au musée des Beaux-Arts de Lyon en 1997 par l’actrice-collectionneuse Jacqueline Delubac. Ce tableau iconique est devenu un véritable emblème des collections. Les trois Baigneuses de 1937 ont été réunies en 2018pour la première fois depuis leur création à la Fondation Peggy Guggenheim dans l’exposition « Picasso on the Beach », puis au Musée national Picasso - Paris en 2018 dans l’exposition « Picasso. Chefs-d’œuvre!  ».

Musée des Beaux-Arts de Lyon

20 place des Terreaux - 69001 Lyon

www.mba-lyon.fr

Maj. 26.12.2023

Picasso-Rodin @ Musées Rodin & Picasso, Paris

Picasso-Rodin 

Musée Rodin, Paris 

Musée national Picasso-Paris 

Jusqu'au 2 janvier 2022 

Pour la première fois, le Musée Rodin et le Musée national Picasso-Paris s’unissent afin de présenter l’exposition-événement « Picasso-Rodin ». Ce partenariat exceptionnel entre deux grands musées monographiques offre un regard inédit sur ces artistes de génie qui ont ouvert la voie à la modernité dans l’art. Leurs chefs-d’oeuvre sont présentés simultanément au sein des deux monuments historiques qui abritent ces musées nationaux.

L’exposition invite à une relecture croisée des oeuvres de Auguste Rodin (1840-1917) et Pablo Picasso (1881-1973), ces deux grands artistes ayant durablement bouleversé les pratiques artistiques de leur temps pour les générations à venir. Il ne s’agit pas de montrer ce que Picasso a emprunté à Rodin, mais plutôt d’examiner les convergences signifiantes qui apparaissent entre l’œuvre de Rodin et plusieurs périodes de la production de Picasso. Cette relecture croisée de leurs oeuvres se décline en différents chapitres sur les deux lieux, au Musée Rodin d’une part à travers la crise de la représentation du début du XXe siècle, et au Musée Picasso d’autre part dans les processus créatifs mis en oeuvre par les deux artistes. A des époques et dans des contextes différents, Rodin et Picasso participent à une articulation décisive de l’histoire et sans doute est-ce là une des clés de leurs similitudes. A leur façon, ils inventent un nouveau mode de représentation, expressionniste chez Rodin, cubiste chez Picasso.

Pour Rodin, comme pour Picasso, l’atelier est un espace privilégié d’expérimentation sur les formes et les matériaux. Travail en série, fragmentation, assemblage, détournement sont autant d’approches singulières et novatrices. Le travail de l’artiste en perpétuel mouvement, explore un motif en constante métamorphose.

A travers un dialogue systématique, cette exposition riche de plus de 500 œuvres, peintures, sculptures, céramiques, dessins, documents d’archives, photographies invite le visiteur à une relecture inédite de leur parcours artistique foisonnant et innovant.

Catalogue avec les éditions Gallimard, 240 x 320 mm, relié, 424 pages, 490 illustrations, 45 €

Picasso Rodin

Édition publiée sous la direction de 

Catherine Chevillot, Véronique Mattiussi 

et Virginie Perdrisot-Cassan

Livres d'Art, Gallimard, 2021

Commissariat :

Catherine Chevillot, Conservateur général du patrimoine, Directrice du Musée Rodin

Virginie Perdrisot-Cassan, Conservateur du patrimoine, responsable des sculptures, des céramiques et du mobilier Giacometti, Musée national Picasso-Paris

Véronique Mattiussi, Cheffe du service de la recherche et responsable scientifique du fonds historique, Musée Rodin

Musée national Picasso-Paris

5 rue de Thorigny, 75003 Paris

museepicassoparis.fr

Musée Rodin

77 rue de Varenne, 75007 Paris

musee-rodin.fr

Picasso Poète @ Musée Picasso Paris

Picasso Poète
Musée Picasso Paris
21 juillet 2020 - 3 janvier 2021

PICASSO POÈTE

Musée national Picasso-Paris

Affiche de l'exposition
Oeuvre de Picasso © Succession Picasso 2020

« Après tout, les arts ne font qu’un. On peut écrire une peinture en mots tout comme on peut peindre des sensations dans un poème ». 

« Si j’étais chinois je ne serais pas peintre mais écrivain, j’écrirai mes peintures »

L’exposition « Picasso poète » montre l’importance de l’écriture poétique dans la démarche créatrice de Pablo Picasso. Entre 1935 et 1959, l’artiste produit plus de trois cent quarante poèmes. La présentation de ces manuscrits d’une grande beauté graphique permet de voir les liens étroits qui existent entre l’écriture et la peinture, et de mesurer combien, chez Picasso, la complexité du travail mené sur le texte (collage, répétions, variations) fait écho au processus pictural. Le contenu autobiographique de ces écrits – véritable « journal intime à la fois sensoriel et sentimental » – évoque le contexte historique et révèle la riche personnalité de l’artiste. L’exposition explore les sources et la genèse du rapport qu’à entretenu Picasso à l’écriture poétique, les correspondances thématiques entre ses textes et ses tableaux ainsi que son extraordinaire inventivité qui a façonné cette pâte verbale avec autant de liberté que les autres médiums.

Commissaires de l'exposition :

Marie-Laure Bernadac

Marie-Laure Bernadac, conservatrice générale honoraire du Patrimoine, a travaillé à la création du Musée national Picasso-Paris de 1980 à 1992. Elle fut ensuite directrice du cabinet d’art graphique du Centre Pompidou, co-directrice du CAPC musée de Bordeaux, et chargée de l’art contemporain au Louvre. Elle a été commissaire de nombreuses expositions sur Picasso, dont un premier « Picasso poète » en 1989, à l’occasion de la publication de Picasso, Ecrits, édité avec Christine Piot (Paris, Ron Gallimard, 1989), « Picasso y los toros » (1993), « Picasso et les choses » (1992), « Picasso et les Maîtres » (2008) avec Anne Baldassari. Elle a écrit de nombreux ouvrages sur Picasso ainsi que sur Louise Bourgeois, dont elle a publié la biographie en 2019.

Androula Michael

Androula Michael est historienne de l’art, maîtresse de conférences à l’UFR des arts de l’Université de Picardie Jules Verne, directrice par intérim du Centre de recherches en art et esthétique (CRAE) de la même université, responsable de relations internationales. Elle est l’auteure de nombreux textes sur Picasso dont Picasso poète, Les beaux-arts de Paris Éditions, (2008). Elle a récemment commissaire de l’exposition Picasso au Musée de Chypre : oeuvres en céramique (Musée de Chypre, 2019) et Retours à l’Afrique à Bandjoun Station (Cameroun) et co-commissaire de l’exposition : La cuisine de Picasso (Museu Picasso, Barcelone, 2018). Elle travaille actuellement sur la réception critique croisée de l’oeuvre de Pablo Picasso et de Marcel Duchamp et sur les questions de/post/coloniales dans l’art contemporain.

Johan Popelard

Johan Popelard est conservateur en charge des peintures (1895-1921) et des arts graphiques au Musée national Picasso-Paris. Il a été auparavant chargé d’études et de recherches à l’Institut national d’histoire de l’art et chargé de cours en histoire de l’art contemporain à l’Université Paris 1- Panthéon Sorbonne. Il a assuré en 2019 le co-commissariat de l’exposition « Picasso illustrateur » au MuBA de Tourcoing.

MUSÉE NATIONAL PICASSO-PARIS
5 rue de Thorigny, 75003 Paris
museepicassoparis.fr

Picasso et la bande dessinée @ Musée Picasso Paris

Picasso et la bande dessinée
Musée Picasso Paris
21 juillet 2020 - 3 janvier 2021

PICASSO ET LA BANDE DESSINÉE

Musée national Picasso-Paris

Affiche de l'exposition
Oeuvre de Picasso © Succession Picasso 2020

Première exposition consacrée à l’étude des liens entre les oeuvres de l’artiste et cette forme d’expression graphique, « Picasso et la bande dessinée » explore l’histoire foisonnante de ces échanges et appropriations croisées.

Né en 1881 à Malaga, Pablo Picasso est un enfant du XIXe siècle. L’exécution de ses premières oeuvres, au tournant des années 1890, coïncide opportunément avec la naissance, aux Etats-Unis, de la bande dessinée moderne.

Au rez-de-chaussée, le parcours met en lumière le goût de Picasso pour la bande dessinée, en explorant notamment ses lectures et en restituant ainsi une part méconnue de sa culture visuelle, largement imprégnée de sources populaires contemporaines. L’exposition montre également comment, en retour, Picasso s’approprie, dans certaines oeuvres, les codes du neuvième art, en privilégiant par exemple les séquences d’images à des compositions isolées, en utilisant le principe du phylactère – moyen graphique, banderole ou bulle, qui permet de déployer les paroles prononcées par les personnages représentés - ou encore en organisant la page en différentes cases. Elle revient, enfin, sur le phénomène Picasso dans la bande dessinée en mettant en évidence la présence parallèle de l’homme et de ses oeuvres dans les planches tout au long du XXe siècle et jusqu’à nos jours. Devenu un véritable personnage de bande dessinée, Picasso peuple les univers de Gotlib, Clément Oubrerie, Reiser ou Art Spiegelman. Plus encore, ses oeuvres ont été reprises ou évoquées par des auteurs aussi divers qu’Hergé, Edgar P. Jacobs, Milo Manara, ou Enki Bilal, souvent avec admiration, parfois avec humour ou irrévérence, créant ainsi un véritable musée Picasso imaginaire.

Au sous-sol de l’hôtel Salé, en complément des salles du rez-de-chaussée, un parcours autour de l’oeuvre et de la vie de Pablo Picasso invite le visiteur à faire l’expérience de formes plus monumentales et plus contemporaines de bandes dessinées. Constituée d’oeuvres pour la plupart inédites et créées spécifiquement pour les espaces du musée, cette partie de l’exposition comprend des fresques murales et installations sur papier. Sont ici réunies des oeuvres de Sergio García Sánchez, d’Emilie Gleason, François Olislaeger, Clément Oubrerie, et Marina Savani (en coproduction avec la Cité internationale de la bande dessinée et de l’image d’Angoulême). En marge de ces commandes, est également présentée une oeuvre du plasticien Richard Fauguet. En noir et blanc ou en couleurs, humoristiques ou tragiques, documentées ou décalées, les travaux rassemblés ici témoignent de la variété des styles graphiques et modes de narration de la bande dessinée contemporaine et montrent la multiplicité des regards aujourd’hui portés sur Pablo Picasso.

Commissaires de l'exposition :

Vincent Bernière, Écrivain, journaliste et éditeur de bande dessinée

Vincent Bernière est un auteur, journaliste et éditeur de bandes-dessinées. Rédacteur en chef des Cahiers de la BD il collabore à Beaux-Arts magazine en tant que critique de bande dessinée depuis 1999. Il est aussi producteur à France Culture et réalise plusieurs documentaires radios dont certains consacrés à la bande-dessinée.. Il a créé et dirigé les huit premiers numéros de la revue de bande dessinée Bang !, mélange de manga, BD franco-belge, comics US indépendants et bande dessinée de reportage. Vincent Bernière est également éditeur de bandes dessinées et a créé sa maison d’édition Revival, qui réédite les BD des années 1980. En 2016, il a publié chez Beaux Arts Éditions, Les 100 plus belles planches de la BD et en 2017, Les secrets des chefs d’oeuvre de la BD.

Johan Popelard, Conservateur du patrimoine, Musée national Picasso-Paris

Johan Popelard est conservateur en charge des peintures (1895-1921) et des arts graphiques au Musée national Picasso-Paris. Il a été auparavant chargé d’études et de recherches à l’Institut national d’histoire de l’art et chargé de cours en histoire de l’art contemporain à l’Université Paris 1- Panthéon Sorbonne. Il a assuré en 2019 le co-commissariat de l’exposition « Picasso illustrateur » au MuBA de Tourcoing.

MUSÉE NATIONAL PICASSO-PARIS
5 rue de Thorigny, 75003 Paris
museepicassoparis.fr

La collection Emil Bührle, Musée Maillol, Paris

La collection Emil Bührle : Manet, Degas, Renoir, Monet, Cézanne, Gauguin, Van Gogh, Modigliani, Picasso
Musée Maillol, Paris
20 mars - 21 juillet 2019 

LA COLLECTION EMIL BÜHRLE

Courtesy Culturespaces / Musée Maillol

Le musée Maillol accueille les chefs-d’oeuvre de la Collection Emil Bührle, une des collections particulières les plus prestigieuses au monde. Présenté pour la première fois en France, cet ensemble, réuni entre 1936 et 1956 à Zurich, propose un panorama de l’art français du XIXe et du début du XXe siècle.

Né en Allemagne, Emil Georg Bührle (1890-1956) s’établit en Suisse en 1924 et rassemble, surtout entre 1951 et 1956, plus de 600 oeuvres d’art. Pour la première fois à Paris, une partie de ces chefs-d’oeuvre est présentée et réunie au sein d’une même exposition.

Dévoilant une soixantaine de trésors de la Collection Emil Bührle, l’exposition parcourt plusieurs courants de l’art moderne : les grands noms de l’impressionnisme (Manet, Monet, Pissarro, Degas, Renoir, Sisley) et du postimpressionnisme (Cézanne, Gauguin, Van Gogh, Toulouse-Lautrec), les débuts du XXe siècle avec les Nabis (Bonnard, Vuillard), les Fauves et les Cubistes (Braque, Derain, Vlaminck), et l’École de Paris (Modigliani), pour finir avec Picasso.

En attendant son emménagement permanent dans la nouvelle extension du Kunsthaus de Zurich, la Collection Emil Bührle s’offre une visibilité nationale et internationale. Après la Fondation de l’Hermitage à Lausanne en 2017 et trois musées majeurs au Japon en 2018, le musée Maillol a le privilège de montrer des chefs-d’oeuvre tels que La petite danseuse de quatorze ans de Degas (vers 1880), Les coquelicots près de Vétheuil de Monet (vers 1879), Le garçon au gilet rouge de Cézanne (vers 1888/90), ou encore Le semeur au soleil couchant de Van Gogh (1888).

Leur confrontation souligne les liens et les filiations entre les courants artistiques à travers différentes époques, tout en illustrant l’apport personnel de chacun des peintres à l’histoire de l’art. Emil Bührle, pour qui les créations passées influençaient celles du présent, aimait préciser que « finalement Daumier me conduisait à Rembrandt et Manet à Frans Hals ».

L’exposition propose un témoignage historique majeur, présentant l’histoire de cette collection d’un industriel suisse pendant Seconde Guerre mondiale et de la décennie qui a suivi. Une salle, consacrée aux documents d’archives, évoquera le parcours des chefs-d’œuvre et présentera les résultats de la recherche que mène la Collection E. Bührle sur ses fonds depuis plus de quinze ans.

Une exposition de toiles incontournables à travers l’une des collections les plus importantes au monde.

Commissariat : Lukas Gloor, directeur et conservateur de la Collection Emil Bührle, Zurich.

Une exposition Culturespaces.

MUSEE MAILLOL PARIS
59/61 rue de Grenelle - 75007 Paris
www.museemaillol.com