Portrait(s) 2023 : Le rendez-vous photographique de Vichy

Portrait(s) 2023

Le rendez-vous photographique de Vichy

23 juin - 1 octobre 2023

PORTRAIT(S) 2023

LE RENDEZ-VOUS PHOTOGRAPHIQUE DE VICHY

Affiche de l'événement

Photo de l'affiche © Erwin Olaf, Courtesy Galerie Rabouan Moussion, Paris

Pour sa 11e édition, Vichy propose un ensemble d'expositions photographiques en différents lieux de la ville : Esplanade du Lac d'Allier, Grand Etablissement thermal, Parvis de la gare. A côté d'expositions dédiées à un grand photographe, la manifestation présente une exposition collective de grande qualité.

EXPOSITIONS SOLO

ERWIN OLAF

JACQUES SONCK

STÉPHANE LAVOUÉ

GILLES LEIMDORFER

LETIZIA LE FUR

ÉTOILES D'AGENT EXPOSITION COLLECTIVE :

CHARLOTTE KRIEGER

BENNI VALSSON

LAURA PELISSIER

EVA WANG

VALENTIN ABAD

CHARLES NEGRE

KORNER UNION

SOPHIE VAN DER PERRE

LILIAN HARDOUINEAU

KOURTNEY ROY

MARINE ARMANDIN

VINCENT FOURNIER

12 ARTISTES DE LAMBERT LAMBERT

DES MOTS POUR VOIR : MATHIEU PERNOT

LA VOIX DU REGARD : LIU BOLIN

CARTE BLANCHE À BRIGITTE PATIENT

PORTRAIT(S) S’INVITE À L’ÉCOLE

VILLE DE VICHY

www.ville-vichy.fr

Bamako 2011 Expo Photo Panafricaine, Musée national du Mali - National Museum of Mali

9e RENCONTRES DE BAMAKO
BIENNALE AFRICAINE DE LA PHOTOGRAPHIE
Bamako, 1er novembre 2011 - 1er janvier 2012

Exposition Panafricaine au Musée national du Mali / Pan-African Exhibition at National Museum of Mali

L’exposition panafricaine, au sein des salles d’expositions temporaires du Musée National du Mali, réunit 45 photographes et 10 vidéastes, issus de 27 pays. Elle présente un panorama de la création contemporaine en Afrique, avec environ 280 photographies exposées.

The Pan-African Exhibit, in the temporary exhibition rooms of the National Museum of Mali, brings together 45 photographers and 10 videographers from 27 countries. The exhibit presents a panorama of contemporary photography in Africa, with about 280 photographs.

Commissaires de l'exposition / Curators : Michket Krifa & Laura Serani

PHOTOGRAPHIE / PHOTOGRAPHY

Nana Kof ACQUAH, Ghana
Akintunde AKINLEYE, Nigeria
Uzoma ANYANWU, Nigeria

 

Uzoma Anyanwu
Série « Log Jam »
© Uzoma Anyanwu

Sophia BARAKET, Tunisie / Tunisia
Arturo BIBANG, Guinée Equatoriale / Equatorial Guinea
Lien BOTHA, Afrique du Sud / South Africa
Drissa COULIBALY, Mali
Raymond DAKOUA, Côte d’Ivoire / Ivory Coast

 Raymond Dakoua
La grande période de la traversée des animaux
Série « Djoliba et les gens du fleuve », 2009
© Raymond Dakoua

Emmanuel B DAOU, Mali-Côte d’Ivoire / Mali-Ivory Coast
Fatoumata DIABATE, Mali
Omar Victor DIOP, Senegal

Victor Omar Diop
Soif, série « Fashion 2112, L’élégance du 22e siècle », 2011
© Victor Omar Diop

Calvin DONDO, Zimbabwe

Hichem DRISS, Tunisie / Tunisia

 Hichem Driss
Série « Le grand parcours », 2009-2010
© Hichem Driss

Hasan et Husain ESSOP, Afrique du Sud / South Africa

Hasan et Husain Essop
Fast Food, série « Hallal Art 2008 »
© Hasan et Husain Essop

Ymane FAKHIR, Maroc / Morocco
Amr FEKRY, Egypte / Egypt

 Amr Fekry
Série « Cairo flying patterns »
© Amr Fekry

Elise FITTE-DUVAL, Martinique
Faten GADDES, Tunisie / Tunisia
François-Xavier GBRE, Côte d’Ivoire / Ivory Coast
Lotf GHARIANI, Tunisie / Tunisia
Bruno HADJIH, Algérie / Algeria
Nermine HAMMAM, Egypte / Egypt
Pieter HUGO, Afrique du Sud / South Africa
Délio JASSE, Angola
Mouna KARRAY, Tunisie / Tunisia

 Mouna Karray
Série « L’équilibre précaire », 2006 et 2011
© Mouna Karray

Kiripi KATEMBO, Congo
Francis KODIA, Congo
Mamadou KONATE, Mali
N’Krumah LAWSON DAKU, Togo

 N’Krumah Lawson Daku
Série « Kraftwerk made in Cotonou », 2009
© N’Krumah Lawson Dakou

Armel LOUZALA, Congo
Mário MACILAU, Mozambique
Sabelo MLANGENI, Afrique du Sud / South Africa
Fabrice MONTEIRO, Bénin / Benin
Tsvangirayi MUKWAZHI, Zimbabwe
Daniel NAUDE, Afrique du Sud / South Africa

 Daniel Naudé
Quagga. Elsenburg, Stellenbosch, Western Cape
Série « Animal farm » 2010
© Daniel Naudé

Khalil NEMMAOUI, Maroc / Morocco

Jehad NGA, Libye / Libya

 Jehad Nga
Série « Turkana », 2009
© Jehad Nga

Charles OKEREKE, Nigeria
Adolphus OPARA, Nigeria

 Adolphus Opara
Série « Neglect », 2010
© Adolphus Opara

Nyaba Léon OUEDRAOGO, Burkina Faso
Nyani QUARMYNE, Ghana
Jo RACTLIFFE, Afrique du Sud / South Africa
Roberto STEPHENSON, Haiti
Michael TSEGAYE, Ethiopie / Ethiopia
Thandile ZWELIBANZI, Afrique du Sud / South Africa

  Thandile Zwelibanzi
Market Photo Workshop, série « Still Existence 2010 »
© Thandile Zwelibanzi

VIDEO

Bakary DIALLO, Mali
Dimitri FAGBOHOUN, Benin
Em’Kal EYONGAKPA, Cameroun / Cameroon
Khaled HAFEZ, Egypte / Egypt
Katia KAMELI, Algérie / Algeria
Amal KENAWY, Egypte / Egypt
Brent MEISTRE, Afrique du Sud / South Africa
Grace NDIRITU, Kenya
Rina RALAY-RANAIVO, Madagascar
Ahmed SABRY, Egypte / Egypt

 

BAMAKO 2011 WEBSITE: www.rencontres-bamako.com

Breitner: Pioneer of Street Photography, Institut Néerlandais, Paris

Breitner: Pioneer of Street Photography
Institut Néerlandais, Paris Through 22 January 2012

For the first time in France, the Rijksmuseum (Amsterdam), in collaboration with the Institut Néerlandais (Paris), has mounted a large retrospective exhibition of photographs taken around 1900 by the Dutch artist GEORGE HENDRIK BREITNER (1857-1923). Breitner is known mainly as a painter of cityscapes, nudes and genre studies. In the present exhibition, however, he emerges as one of the most intriguing photographers of his day, who recorded life in Amsterdam and other large cities such as Paris and Berlin in an eminently modern and personal style.

GEORGE HENDRIK BREITNER Het Kolkje and the Oudezijds Achterburgwal in Amsterdam, 1894-1898 
Rijksmuseum’s collection. Courtesy of the Rijksmuseum, Amsterdam

Precisely a century ago, it became clear that G. H. Breitner was not only a major painter but also an excellent photographer. Since then Holland has staged numerous exhibitions of his photos, but in France he is less well-known as a photographer. His photographic work has been compared to that of such well-known French contemporaries as Pierre Bonnard, Maurice Denis, Henri Toulouse-Lautrec, and Eduard Vuillard. Like them, he had a penchant for city streets as well as the intimate family circle. Breitner's earliest photos probably date from 1889, a year or two after he settled in Amsterdam.

He was one of the first to explore the possibilities of the new hand-held cameras, which were easy to carry and inconspicuous. He photographed life on the streets of that dynamic city. In the approximately 30 surviving photographs taken during his various stays in Paris, we see a great many horses, which at the time dominated the street scene. In the photos featured in this exhibition, we see how Breitner 'experimented' with various photographic techniques. By photographing against the light, for example, he created powerful silhouettes. And by adopting a very  high or very low standpoint, he lent his photos an unusual perspective. Not only was he successful in evoking the vitality of a large city and the liveliness of its passers-by, he also knew how to create an alienating effect by photographing individuals  at very close quarters. Breitner was a voracious photographer, unflinching and impulsive. These qualities lend his photos an intensity that is lacking in the work of the professional photographers active in his day, who as a rule produced images that were  more static and perfunctory. Breitner broke with all the traditional rules and regulations.

BREITNER: PIONEER OF STREET PHOTOGRAPHY consists of a broad selection of photos taken by George Hendrik Breitner, mainly cityscapes and images of street life in Amsterdam. The Rijksmuseum has contributed 33 original enlargements, as well as one painting, one watercolour, two sketchbooks, and a well-worn, paint-spattered camera that belonged to Breitner. The Musée d'Orsay owns two paintings by G. H. Breitner. One of them, the early Clair de lune, is on display at the Institut Néerlandais. The exposition also features several dozen original small-format prints, as well as modern enlargements of Breitner's negatives, all on loan from the Netherlands Institute for Art History in The Hague.

INSTITUT NEERLANDAIS 121, rue de Lille -  75007 Paris, France
www.institutneerlandais.com

Since 3 November 2011 the Netherlands Institute for Art History (The Hague) has published a digital overview of the photographs of George Hendrik Breitner. For the first time, no fewer than 2,300 original photos from the Institute's own collection are now accessible to an international audience.

Expo Sabrina Biancuzi Le Crissement du temps - Centre Iris pour la photographie, Paris

Exposition : Sabrina Biancuzzi 

Le crissement du temps

Centre Iris pour la photographie, Paris 

31 mars - 11 juin 2011

SABRINA BIANCUZI

Série Le Crissement du Temps, 2010 © Sabrina Biancuzzi

Sabrina Biancuzzi Le crissement du temps

Le temps, la mémoire et l’enfance ont, à diverses intensités, toujours été au cœur de l’œuvre de Sabrina Biancuzzi, dans la gravure comme dans la photographie. Si elle contnue à s’exprimer dans ces deux disciplines, c’est parce que leur frontère reste ténue, poreuse. Cette perméabilité afranchit Sabrina Biancuzzi des cadres qui bornent rêve et réalité.

Cete nouvelle expositon photographique, Le Crissement du Temps nous entraîne dans l’obsession en fligrane dans tout son travail, celle de la dispariton.

SABRINA BIANCUZI

Série Le Crissement du Temps, 2010 © Sabrina Biancuzzi

« Un assourdissant silence »

Un univers sombre. De rares silhouetes humaines, plus fantomatques que réellement incarnées. Des espaces vides, expurgés de toute vie. Des objets abandonnés, en atente des protagonistes d’une pièce de théâtre qui n’aura pas ou plus lieu.

Le temps est paradoxe dans les images de Sabrina Biancuzzi : il semble à la fois avoir déserté les lieux représentés et fgé le vivant, comme gelé sous un inextricable glacis de gris. Le temps parait pourtant imperceptblement faire son office. Sournoisement et inexorablement en marche.

Les œuvres de Sabrina Biancuzzi deviennent sonores. Elles bruissent, grincent, soufent, râlent. Elles ponctuent l’existence de l’artste. Nous les contemplons alors à l’aune de nos propres destnées. Elles sont les comptables des heures qui s’égrènent et nous rapprochent un peu plus de l’heure ultme. Nul besoin des aiguilles de la pendule pour nous rappeler la fuite du temps. Les objets (chaises, lits, statues, poupées...) sont les vestges d’un passé, la trace d’une histoire, le symbole du trépas des êtres aimés. 

SABRINA BIANCUZI

Série Le Crissement du Temps, 2010 © Sabrina Biancuzzi

Ce vide nous renvoie à notre propre dispariton, à notre conditon mortelle et éphémère. A cete enfance révolue dont les traces sont pourtant si profondes, gravées à jamais dans la mémoire. Les lieux (église, chambre, bois, chemins humides…) sont emplis d’un assourdissant silence, où viennent poindre des sons inquiétants, révélant les angoisses qui taraudent l’artste.

Le rendu des trages de Sabrina Biancuzzi, leur épaisseur, établissent un parallèle entre la  technique utlisée et l’expression fnale. Une fois les trages réalisés, les images sont recouvertes de pigments noirs et disparaissent complètement sous cete matère opaque, comme si Sabrina voulait les enfouir, les oublier. Puis ces souvenirs s’imposent à nouveau à elle, leur force dissout la noirceur qui les dissimule : la photographe doit retrer l’encre masquant les images. Ces dernières, désormais imprégnées d’un reliquat pigmentaire noir, révèlent une  vision crépusculaire.

Subtiles, ces images sollicitent plusieurs de nos sens : elles s’ofrent non seulement à notre vue, mais aiguisent aussi notre envie d’expérimenter cete matère photographique par le toucher. Enfn, elles crissent à nos oreilles. 

L’atmosphère onirique des compositons de Sabrina Biancuzzi laisse fltrer une peur que l’on percevait déjà dans ses séries antérieures : celle du temps qui passe.

Et donc la peur du temps qu’il reste.

BIOGRAPHIE SABRINA BIANCUZI

Sabrina Biancuzzi, 32 ans, est née en Belgique. Elle vit et travaille à Paris, enseigne la photographie et anime des ateliers d’arts plastiques.

Spécialisée en photographie argentique et en procédés alternatifs, Sabrina Biancuzzi est à la fois photographe et graveur. Elle aime le travail de laboratoire et le grain des pellicules d’argent. Elle mélange souvent les techniques, joue des caractéristques de chaque médium car au-delà de la nécessité que l’image naisse, vient la recherche de matière, essentielle dans son expression.

Dans son travail elle laisse entrevoir l’intimité de ses voyages et rêves, mêlant ainsi le temps et les souvenirs.

Cette série de photographies est tirée sur papier baryte et peinture à l’huile

Format  des images : 30x30cm

CENTRE IRIS... POUR LA PHOTOGRAPHIE

238 rue Saint-Martin 

75003 PARIS

du mardi au samedi, de 14h à 19h

Entrée libre

www.centre-iris.fr 

Festival Photos à Bagatelle : Circulations - Exposition de 42 photographes - Festival de la jeune photographie européenne

Circulation(s) 

Festival de la jeune photographie européenne 

Galerie Côté Seine, Parc de Bagatelle, Paris 

19 février - 20 mars 2011 

L'association FETART organise à la galerie Côté Seine du parc de Bagatelle à Paris CIRCULATIONS, " FESTIVAL DE LA JEUNE PHOTOGRAPHIE EUROPEENNE ". Cette édition 2011 est la première d'un nouveau rendez-vous photographique annuel parisien. 

Circulation(s) présente une exposition de 42 photographes. Toutes les manifestations du festival sont en accès libre et gratuit. Un catalogue bilingue français/anglais sera édité. 

Une exposition présente les photographies de 15 jeunes photographes européens sélectionnés par un jury à la suite d'un appel à candidature. Ont été retenues pour cette exposition des photographies de : Jean-Jacques Ader, Robert Baum, Julien Benard, Frédéric Delangle, Lucia Ganieva, Thomas Guyenet, Alessandro Imbriaco, Alban Kakulya, Bénédicte Lassalle, Guillaume Millet, Eric Pillot, François Pinçon, Lionel Pralus, Nora Rupp, Tilby Vattard 

Le festival présente également des oeuvres d'artistes présentés par Fetart, les photographes Guillaume Amat, Thomas Jorion, Lucie & Simon et Julien Taylor. 

Ce festival photo présente aussi les travaux d'invités. La galerie tchèque Café Amadeus présente ainsi des photographies de Jitka Horozna. Sont également invités le collectif de photographes franco-allemand ParisBerlin>fotogroup, les photographes du collectif belge CARAVANE, le festival lituanien IN FOCUS avec des photographies de Gytis Skudzinskas et Joana Deltuvaite, la Maison du Geste et de l'Image avec des photographies de Juliette Agnel et l'école de photographie et de l'image des Gobelins avec des photographies de Maia Flore et de Lise Lacombe.

Carte blanche a été donnée à Laura Serani, marraine du festival, qui a invité dix photographes à exposer : Carmine Mauro Daprile, Martina Della Valle, Pavlos Fysakis, Yo-Yo Gonthier, Andrea Guastavino, Hélène Jayet, Tim  Parchikov, Arno  Roncada, Viktoria Sorochinski et Flore-Aël Surun. Sophie Bernard, d'Images Magazine, partenaire du festival photo à quant a elle invitée Anna Skladmann pour une exposition de ses photographies. Autre partenaire, SFR Jeunes Talents présente des photographies d'Alban Lécuyer, Chiara Dazi, Aurélie Belair et Orlando Pereira Dos Santos.

HORAIRES : de 11h à 17h du 19 février au 1er mars puis de 11h à 18h30 du 2 au 20 mars 2011.

www.festival-circulations.com

Expo Valerie Belin, Paris, Galerie Jérôme de Noirmont

Exposition VALERIE BELIN, Black-Eyed Susan
Galerie Jérôme de Noirmont, Paris
Jusqu'au 27 janvier 2011

 

 

VALERIE BELIN, PHLOX NEW HYBRID (WITH DAHLIA REDSKIN), 2010 
Impression pigmentaire sur papier marouflé sur Dibond
Edition à 3 exemplaires et 1 épreuve d´artiste. 164 x 130 cm.
© Valérie Belin. Courtesy Galerie Jérôme de Noirmont, Paris.

 

Où femmes et fleurs fusionnent...

La photographie vit aujourd’hui les mêmes bouleversements que la peinture à l’époque où la photographie est apparue ; la peinture n’eût alors plus besoin de reproduire le réel, elle devint abstraite…

S’inscrivant dans le prolongement des investigations de l’artiste sur la nature hybride de la photographie, Valérie Belin nous dévoile le fruit de ses dernières expérimentations dans cette nouvelle exposition présentée à la galerie depuis le 1er décembre jusqu’au 27 janvier 2011 : une nouvelle série où des visages de femmes se mélangent de manière quasi-fusionnelle avec des bouquets de fleurs…

La naissance de la photographie à la fin du 19e siècle donna à la peinture une nouvelle liberté, l’affranchissant de son rôle de représentation du réel, de transcription d’une vérité, et lui offrit de nouveaux développements en l’obligeant à une remise en question du sujet.

Aujourd’hui, ce nouveau travail de Valérie Belin s’inscrit dans un même questionnement autour du médium: initialement conçue pour reproduire la réalité  – en particulier dans l’art du portrait – la photographie s’ouvre maintenant à des perspectives inédites de création, grâce aux nouvelles technologies de l’image qui lui ôtent tout caractère analogique et lui permettent de devenir virtuelle, abstraite et intemporelle.

A l’instar de la musique électronique née avec l’apparition de nouveaux instruments et de nouvelles techniques musicales, l’artiste élabore ainsi un nouveau vocabulaire plastique en utilisant des techniques digitales reconnues de façon inédite. Loin de leur rôle initial de correction et de retouche, les technologies de l’image ouvrent en effet aujourd’hui de nouveaux horizons de création, avec la possibilité de créer des images totalement irréelles.

Valérie Belin travaille ici en deux temps : elle réalise deux images distinctes, d’abord le portrait d’une femme élégante dans une esthétique très années 50, puis un bouquet de fleurs qui sera associé au portrait pour constituer l’oeuvre finale en « incrustant » les deux images l’une dans l’autre. Résulte de cette imbrication une image surprenante, évoquant une forme particulièrement sophistiquée de surimpression.

Les femmes choisies pour cette série sont des femmes élégantes, sélectionnées pour leur beauté formelle et plastique, dans un style se référant aux codes esthétiques des années 50, avec des formes rigides, artificiellement « montées », qui rappelle certaines icones conventionnelles de l’époque. L’artiste les a « décorées » de parures, maquillages et coiffures afin qu’elles entrent en relation avec les formes baroques des fleurs1. Les vagues et volutes des cheveux, les formes rondes des colliers de perles, la chromie des maquillages assurent alors le dialogue avec les fleurs et feuillages, qui prennent l’apparence d’ornements surajoutés au visage et à la peau.

Dans un même souci de formalisme, voulant recréer avec les bouquets de fleurs une sorte de trame végétale et décorative dans laquelle le visage de la femme s’inscrit comme faisant partie d’un tout, comme dans un papier peint, l’artiste a choisi des fleurs au dessin simple et précis, utilisé ici pour son caractère purement graphique.

La gamme colorée est réduite à deux ou trois nuances, avec une prédominance du noir, évoquant la mise en couleur simplifiée de la BD et apparaissant ici comme un fard apposé à la surface des choses.

Dans chacune des images de cette série, Valérie Belin s’est appliquée à créer une équivalence dans l’image entre femmes et fleurs, en travaillant à la fois par addition de formes et soustraction d’informations. Femmes et fleurs se voient ainsi attribuer la même importance et le même statut de pur décor. Cette surenchère de décor semble placer l’image dans une esthétique totalement formaliste, le sujet se dérobant sous les effets de style.

Tout au long de sa carrière, l’artiste a remis en question les frontières entre réel et virtuel, depuis les Verres (1993) et miroirs de Venise I et II (1997) jusqu’aux Mannequins (2003), Modèles et Métisses (2006), dans le cadre général d’une investigation sur les limites de la photographie. Ses œuvres photographiques ont toujours eu un caractère surréel, obtenu par des effets d’optique ou par un surdimensionnement du sujet. Dans ses séries récentes comme Lido (2007) ou les Têtes Couronnées (2009), l’artiste choisissait des sujets ayant une image forte, un fort pouvoir de représentation, qualités mises en valeur dans un traitement totalement onirique du portrait grâce à des technologies nouvelles et différentes selon la série.

Aujourd’hui, Valérie Belin poursuit sa quête « surréaliste » autour de cette nouvelle hybridation du medium photographique en repoussant une fois encore les frontières de la création, la technique devenant le sujet même de sa création. N’est-il d’ailleurs pas amusant de constater qu’elle retrouve ici dans une certaine forme de « transparence » les recherches plastiques qu’effectuait Picabia au début du XXe siècle, artiste qui a toujours inspiré Belin dans sa perpétuelle remise en question de la peinture ?

Galerie Jérôme de Noirmont, Paris

Oeuvres exposées
11 œuvres de Valérie Belin sont présentées lors de cette exposition. Ces oeuvres sont toutes datées 2010. Chaque image est de format 164 x 130 cm. Impression pigmentaire sur papier marouflé sur aluminium. Edition limitée à 3 exemplaires et 1 épreuve d’artiste.

EXPOSITIONS VALERIE BELIN sera aussi présente lors de la prochaine exposition à la Galerie Jérôme de Noirmont, ALREADY-MADE ? une exposition collective, 4 février - 24 mars 2011. A l'approche de l'été 2011, Valérie Belin présentera son travail à la Sikkema Jenkins & Co Gallery, New York, 21 Mai - 2 Juillet 2011

CATALOGUE Pour ceux et celles qui apprécie le travail de Valérie Belin, on ne saurait trop recommander le catalogue édité par la Galerie Jérôme de Noirmont lors de la dernière exposition de l'artiste à la galerie (7 Novembre 2008 - 31 Janvier 2009). Ce catalogue d'exposition reproduit l'ensemble des oeuvres qui avaient alors été présentées : la série de photographies d'une danseuse du Lido, la série de photos de magiciens et une troisième série consacrée aux bouquets de fleurs. Ce catalogue qui est une édition limitée à 2000 exemplaires est pour l'instant encore disponible à la galerie Jérôme de Noirmont. Les oeuvres de Valérie Belin sont accompagnées dans ce catalogue d'un texte bilingue français/anglais très éclairant de Larisa Dryansk.

 

© & courtesy Valérie Belin – Galerie Jérôme de Noirmont, Paris

VALERIE BELIN
Edité par la Galerie Jérôme de Noirmont, Paris
Texte bilingue français/anglais de Larisa Dryansk
Publication : octobre 2008
Edition limitée à 2000 exemplaires
34 x 27,3 cm - 52 pages
16 illustrations pleine page noir et blanc
ISBN : 2-912303-28-1 - 30 EUR

GALERIE JEROME DE NOIRMONT
36-38 avenue Matignon
75008 PARIS

www.denoirmont.com

Expo Photos Irving Penn, Les petits métiers au Musée de l’Elysée à Lausanne

Irving Penn, Les Petits métiers 
Musée de l’Elysée, Lausanne 
Jusqu'au 16 janvier 2011

IRVING PENN, Chestnut Vendor, New York, 1951 
Copyright by The Irving Penn Foundation

LES PETITS METIERS A TRAVERS L'OBJECTIF D'IRVING PENN 

Pendant plus de soixante ans, IRVING PENN (1917-2009) a marqué l’histoire de la photographie par ses images de mode, ses natures mortes et ses portraits. Photographe pour le magazine Vogue, Irving Penn a réalisé au début des années 1950 Les Petits Métiers –Small Trades. Recrutés dans les rues de Paris, Londres puis New York, les vendeurs de journaux, marchands de rues, chiffonniers, ramoneurs posaient en tenue de travail pour le photographe new-yorkais qui était convaincu que nombre de ces activités allaient disparaître. Envoyé à Paris par Vogue en juin 1950 pour couvrir ses premières collections de haute-couture, Irving Penn saisit l’opportunité d’entreprendre ce projet personnel basé sur son admiration pour ces petits métiers, incontestablement associés à l’image de la ville.

Recrutés dans la rue, les modèles se rendaient au studio du photographe, dans leurs tenues de travail. En plus des petits vendeurs traditionnels, Penn photographiait également les gens de la classe ouvrière du quartier Mouffetard, comme les sculpteurs bohêmes ou la chanteuse Benoîte Lab. Irving Penn poursuivit son projet à Londres en septembre de la même année et continua son exploration des métiers de retour à New York. Ayant à l’esprit combien ces ouvriers s’identifiaient à leur travail, il a sciemment inclus leurs outils (de même que leurs tenues) dans ses portraits. Afin de créer des compositions équilibrées et élégantes qui mettent en valeur leurs spécificités, il mettait en scène avec précaution les travailleurs et leurs outils. En convoquant « les petits métiers » dans le territoire neutre du studio, Penn démontrait ainsi son intérêt pour l’individualité des modèles plus que pour leur milieu social. Après avoir publié dans un premier temps des extraits de chaque série dans les éditions française, anglaise et américaine de Vogue, Penn rassembla 91 portraits tirés des Petits Métiers dans l’ouvrage Moments Preserved  (1960) et inclut 10 portraits dans la publication World in a Small Room (1974) où il fit ce commentaire:

« Eloigner les modèles de leur environnement naturel et les installer dans un studio face à l’objectif n’avaient pas seulement pour but de les isoler, cela les transformait. »

IRVING PENN ET LE TIRAGE AU PLATINE 

 
Au milieu des années 1960, Penn commença une période d’expérimentations approfondies qui lui permit d’abord de maîtriser et ensuite de perfectionner la technique de tirage au platine. Ce procédé diffère significativement du tirage gélatino-argentique : pour le procédé au platine, la couche sensible à la lumière est absorbée dans les fibres du papier du support qui reste donc visible. Alors que dans les tirages gélatino-argentiques, les particules sensibles à la lumière sont suspendues dans une émulsion de gélatine qui masque le support.

Irving Penn a testé d’infinies variations du procédé, y compris en combinant deux ou plusieurs négatifs de contrastes variables, ou en recouvrant le tirage de diverses combinaisons de platine et de palladium et en l’exposant une nouvelle fois sous le même négatif ou sous un autre. Relativement fort en contraste, les tirages gélatino-argentiques décrivent bien les tenues et les outils, modelés par la lumière naturelle. Les tirages au platine sont plus resserrés sur les figures et leurs dimensions sont plus grandes que les tirages gélatino-argentiques, ce qui donne aux modèles une monumentalité quasi sculpturale. Les tirages qui en résultent sont très expressives, révélant une gamme de tonalités allant des gris nuancés aux noirs profonds.

IRVING PENN, LES PETITS METIERS : LES PUBLICATIONS 

L’année de leur création, plusieurs sélections des Petits métiers de Paris, Londres et New York apparurent dans les éditions internationales de Vogue. Les portraits des artisans réalisés par Penn démontrent non seulement la diversité des métiers découverts dans chaque ville, mais aussi les différentes attitudes des travailleurs face à leurs activités. Dans l’ouvrage Worlds in a Small Room de 1974, Penn fit l’observation suivante:

« En général, les Parisiens doutaient que nous ferions exactement ce que nous avions promis. Ils pensaient que quelque chose de louche allait arriver, mais ils arrivaient au studio plus ou moins comme convenu – motivés par le cachet. Les Londoniens étaient assez différents des Français. Il leur semblait tout à fait logique d’être photographiés en tenues de travail. Ils arrivaient au studio, toujours à l’heure et se présentaient devant l’appareil photo avec un sérieux et une fierté tout à fait remarquables. Des trois, les Américains étaient les plus imprévisibles. En dépit de nos recommandations, quelques-uns arrivèrent aux séances changés de pied en cap, rasés de frais et parfois même dans leurs costumes sombres du dimanche, convaincus de faire leur premier pas vers Hollywood. »

IRVING PENN : L'EXPOSITION AU MUSEE DE L'ELYSEE A LAUSANNE 

L’exposition est organisée en collaboration avec le J. Paul Getty Museum de Los Angeles, qui a acquis en 2008 l’ensemble le plus complet de cette série. Conçue par Virginia A. Heckert et Anne Lacoste, conservatrice associée et conservatrice adjointe du département de photographies du J. Paul Getty Museum, elle comporte une centaine  de tirages montrés pour la première fois en Suisse. En outre l’exposition propose une confrontation des différents procédés d’impression utilisés par Penn en comparant les tirages originaux gélatino-argentiques avec les tirages plus tardifs au platine de ses séries.

BIOGRAPHIE : IRVING PENN  (Plainfield/USA, 1917 - New York, 2009) 

Né en 1917, Irving Penn s’oriente d’abord vers la peinture et le dessin. Il étudie le graphisme auprès d’Alexey Brodovitch à Philadelphie. En 1938, il s'installe à New York où il travaille en free-lance. Il débute véritablement  sa carrière  au début des années 1940. En 1941, il réalise ses premières photographies de mode pour le Harper's Bazaar. En 1943, il fait la couverture pour l’édition américaine de Vogue magazine avec la photographie d'une nature morte en couleur. De 1943 à 1948, ses photographies paraissent régulièrement dans Vogue et d'autres magazines. Plus de 150 photographies sont publiées durant cette période. En quelques années seulement, Irving Penn invente sa lumière dans un souci d’authenticité. Il se confronte également à des sujets académiques comme le nu ou la nature morte. En plus des séances photo pour Vogue, il photographie les plus grands ; actrices, écrivains, mannequins (Picasso, Colette, Marlène Dietrich…). Décédé en 2009, Irving Penn a imposé pendant plus de soixante ans une nouvelle façon de voir.

CATALOGUE : IRVING PENN, SMALL TRADES

Textes de Virginia A. Heckert et d’Anne Lacoste, conservatrice associée et conservatrice adjointe du département de photographies du J. Paul Getty Museum. Publié par le J. Paul Getty Museum, Los Angeles (2009), 272 pages, 259 illustrations. Edition anglaise. CHF 59.- à la librairie du Musée de l’Elysée.

IRVING PENN - LES PETITS MÉTIERS
MUSEE DE L'ELYSEE, LAUSANNE - SUISSE 
9 octobre 2010 - 16 janvier 2011 
www.elysee.ch

Expo Photos Bruno Boudjelal, Alger

Bruno Boudjelal, Goudron Tanger - Le Cap
Centre culturel français d'Alger
28 octobre - 25 novembre 2010

 

© BRUNO BOUDJELAL / AGENCE VU

Le Centre culturel français d'Alger propose une exposition de photographies de Bruno Boudjelal. Cette exposition a été réalisée avec la collaboration de Patricia Morvan / Agence Vu. Le vernissage aura lieu, en présence de l'artiste photographe.

Bruno Boudjelal, membre de l'Agence Vu, pratique la photographie comme un mode de vie qui interroge sans cesse sa propre identité pour la confronter à celle des autres.

Tendu entre deux continents, entre deux cultures, BRUNO BOUDJELAL a traversé l’Afrique du Nord au Sud et présente le résultat de cette traversée et de ses rencontres à travers des photographies et des vidéos réalisées entre 2005 et 2009. La traversée des routes et des frontières africaines de Tanger au Cap, rythmée par les diverses difficultés et entraves, montre que les frontières interafricaines sont tout aussi périlleuses, contrôlées et infranchissables que celles qui mènent vers l’Europe.

Bruno Boudjelal interroge, à travers ce travail, la situation des pays africains, les conditions de circulation des humains et des marchandises sur ce continent. Son écriture restitue tout cela avec une poésie qui accompagne tout au long du voyage la valeur documentaire de son récit.

Vernissage jeudi 28 octobre à 18h00 au centre culturel français d'Alger.

Pour en savoir plus sur Bruno Boudjelal, lire son interview sur le site Fill-In

Emmanuel Peillet Photographe Expo à Reims, Bibliothèque Carnégie

Emmanuel Peillet Photographe
Bibliothèque Carnegie, Reims
Jusqu'au 2 octobre 2010

Affiche de l’exposition © Ville de Reims et L'Hexaèdre, éditeur
Photo d’Emmanuel Peillet sur l’affiche © Rafael de Luc

Emmanuel Peillet (1914-1973), philosophe né à Reims, professeur de philosophie à Reims puis à Paris, fut aussi un photographe passionné. La bibliothèque Carnegie à Reims, qui dispose d’un fonds important de photographies du philosophe, a organisé la première rétrospective consacrée au photographe et philosophe depuis cinquante ans. Au total, 130 clichés sont dévoilés au public, portraits, natures mortes, surimpressions, mises en scènes inattendues d’où filtrent humour et ironie, mais aussi séries photographiques sur la Champagne d’après-guerre et paysages ardennais…

Depuis 2004, Rafael de Luc a fait don à la bibliothèque municipale de Reims de nombreux documents concernant Emmanuel Peillet : on trouve aujourd’hui dans ce fonds des archives privées, des manuscrits, des brouillons, des notes, des lettres, des coupures de presse… Mais la partie la plus remarquable du fonds est certainement l’immense collection de clichés qu’Emmanuel Peillet réalisa entre 1936 et 1973 : plus de 8000 négatifs, plusieurs centaines de tirages, et 15 albums… parmi lesquels la bibliothèque Carnegie a sélectionné 130 clichés, imprimés sur canson à partir de négatifs restaurés.

 

Photographies d’ EMMANUEL PEILLET © Rafael de Luc

 

Philosophe, Emmanuel Peillet a été cofondateur du "Collège de pataphysique" et également l'un des initiateurs de l’Oulipo. Photographe, il prenait ses photos  avec un Leica 24x36 puis un Rolleiflex 6x6. L'exposition Emmanuel Peillet photographe retrace l’histoire de ses travaux depuis ses premières superpositions surréalistes dans les années 1940, jusqu’aux châteaux et églises de la vallée de l’Ardre, et aux études rimbaldiennes réalisées dans les Ardennes dans les années 1950. Enfin, dans la dernière période de sa vie, le philosophe, qui s’installe à Lozère-sur-Yvette après avoir quitté le laboratoire photographique de son domicile rémois, passe du noir et blanc à la couleur et commence à se concentrer presque exclusivement sur ses cactus. Il aura ainsi pratiqué la photographie toute sa vie durant, avec application comme avec inspiration, allant parfois jusqu’à calculer, pour obtenir la lumière voulue, l’heure exacte du cliché : « un éclairage de cinq heures du soir, quelque chose d’inoubliable », disait-il à Henri Bouché, lors d’une expédition dans la vallée de l’Ardre.

Catalogue Emmanuel Peillet photographe, coédité par L’Hexaèdre éditeur et la Ville de Reims, 160 p., 20 x 20, comprenant les 130 photos de l'exposition -  20 €
Avec des textes de : Remy Bellenger, Paul Gayot, Matthieu Gerbault, Christophe Henrion.

Bibliothèque Carnegie
2, place Carnegie
51100 Reims

Site internet de la Ville de Reims : www.reims.fr
Bibliothèque municiaple de Reims : www.bm-reims.fr

Autres messages récents du blog sur les expos à Reims :

Exposition de Stéphanie Aubin et Arnaud Baumann, Palissade des Halles du Boulingrin, Jusqu'au 20 novembre 2010

Nos meilleurs souvenirs, Expérience Pommery #8 - Jusqu'au 31 mars 2011

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L'Hexaèdre, co-éditeur du catalogue de l'exposition, a également édité 18 cartes portales de photos de Emmanuel Peillet faisant partie de l'exposition.

L'Hexaèdre a également édité ou réédité des livres d'Emmanuel Paillet :

Emmanuel Peillet, Canticum canticorum, 2nde édition piqûre métal, 15 €
Emmanuel Peillet, Philosophie du Départ, 64 p, 13x18 cm, Broché piqûre - 13 €
Emmanuel Peillet, L’Ordre, 64 pages, 13 x 18 cm, Broché cousu - 13 €
Emmanuel Peillet, A l’amiable, 128 pages, 24 x 24  cm - 62 collages, impression quadri (offset) sur papier couché mat 170g  cousu collé - 99 €
Emmanuel Peillet, Antonin Artaud, 64 pages, 13 x 18 cm, Broché cousu - 13 €

Et, toujours chez le même éditeur, une biographie consacrée à Emmanuel Paillet : Ruy Launoir, Biographie d’Emmanuel Peillet, 17 x 23 cm, Broché avec rabats, 400 pages, plus deux cahiers photos (n/b et couleur) de 16 pages, plus de 200 illustrations, dont de nombreuses inédites. 30 €

Site de l'éditeur où il est possible de commander en ligne : www.hexaedre.fr

Lieu d’exposition photo : le BAL à Paris 18e - Un nouvel espace d’art prometteur

LE BAL : Nouvel espace d’art à Paris dédié à l’image

"Notre rêve est d'ouvrir à Paris un nouveau lieu dédié à l'image-document, à l'emplacement d'une ancienne salle de bal derrière la place de Clichy. Un lieu d'exposition, de confrontation et d'interrogation des multiples approches possibles du réel, un lieu en résonance avec l'histoire en marche" - Raymond Depardon, Président du BAL

NB : Ce message est une présentation du BAL. Pour l'actualité du BAL sur ce blog c'est ici :)

LE PROJET DU BAL

Le BAL a pour vocation de faire découvrir au public des travaux d'auteurs engagés dans la représentation du réel par l'image, sous toutes ses formes (photographie,vidéo, cinéma, nouveaux médias) , et dans ses écritures les plus stimulantes.

"Dans un monde englouti sous des couches de représentations" (Jean Baudrillard), le BAL propose une lecture inédite du monde contemporain grâce à des oeuvres documentaires singulières : essais, typologies, albums, pamphlets, récits, détournements...

Espace transversal pour penser le "document" entre enquête et expérience, entre enregistrement et construction, le BAL explore de nouvelles formes visuelles qui questionnent à la fois le sujet documenté et la forme document.

Des temps de débats et de réflexions mettent l'accent sur l'histoire sociale et culturelle des images où se tissent des implications politiques et enjeux esthétiques.

Mené par Diane Dufour et son équipe, le BAL est un projet de l'association des Amis de Magnum Photo, présidée par Raymond Depardon.

Situé à deux pas de la place Clichy dans une ancienne salle de bal des années folles, cet espace, dont la ville de Paris est propriétaire depuis 2006, a été rénové par un duo de jeunes architectes, Caroline Barat et Thomas Dubuisson/ Agence SEARCH.

LES MISSIONS DU BAL

Afin de mener à bien son objectif, le BAL s'est fixé quatre missions fondamentales :

Une mission de programmation

Découvrir des travaux historiques méconnus, de nouveaux projets de talents confirmés ou de jeunes auteurs
Favoriser le dialogue entre les médias par la confrontation d'oeuvres de photographies, vidéastes et cinéastes
Organiser une programmation cinéma hors les murs en partenariat avec le cinéma des cinéastes, voisin du BAL
Inviter des artistes et des commissaires indépendants à concevoir des projets d'expositions exigeants et audacieux
Coproduire des expositions avec des institutions partenaires, françaises et étrangères (de 3 à 4 cycles d'exposition par an)

Une mission de réflexion : Le BAL LAB

Susciter des débats et rencontres autour de la programmation des expositions
Organiser des conférences et séminaires pour penser les modalités de conception, production, diffusion et réception des images-documents
Ouvrir la réflexion à des intervenants de tous horizons (sociologues, historiens, juges, géographes...)
Organiser des soirées performances pour se confronter autrement aux oeuvres
Travailler en partenariat avec des universités françaises et étrangères pour susciter des échanges autour de visual studies

Une mission d'éducation  : La Fabrique du regard

Former les enfants et les adolescents à la lecture des images: plus de 3000 écoliers, collégiens et lycéens de la région Ile-de-France sensibilisés à nos actions depuis 2008, principalement issus d'établissements de l'éducation prioritaire
Concevoir des programmes pilotes avec les enseignants et les équipes pédagogiques
Former les enseignants à la pédagogie de l'image
Organiser une fois par an un séminaire automnal autour des enjeux de la création documentaire, à destination des enseignants, des professionnels et du public
Proposer des programmes de formation pour tous les publics

Une mission d'édition

Coéditer des catalogues d'exposition et monographies d'artistes
Proposer deux titres par an de "l'anti-collection": un graphiste de talent s'empare d'une oeuvre jamais publiée et conçoit un livre d'artiste en duo avec l'auteur
Publier des actes de séminaires et tous types de supports de réflexion liés aux activités du BAL LAB

Parallèlement à ces missions, le BAL offrira une librairie et un café :

Le BAL Books

Afin de donner une juste place au livre, forme d'expression privilégiée par les photographes, la librairie du BAL proposera une sélection pointue d'ouvrages historiques et contemporains, avec un accent particulier sur les livres rares ou peu diffusés en France, un choix de films et de vidéos qui ont marqué l'histoire du document de création sera également disponible. Le BAL BOOKS entend être un espace dynamique où se rencontreront le public, les auteurs, les graphistes et les éditeurs.

Le BAL Café

Un trio de jeunes restaurateurs franco-britanniques, ayant participé à la création de Rose Bakery (Paris) offrira une carte du jour “gourmande, originale, abordable, aux accents très british”. Un espace de plaisir pour déguster, se retrouver, travailler (espaces en Wi-Fi) ou consulter les revues françaises et internationales sélectionnées par le BAL BOOKS.

Les partenaires du BAL

Le BAL beneficie du soutien de partenaires publics et privés.

Les partenaires de la rénovation : Ville de Paris, Conseil régional d'Ile-de-France, Ministère de la culture et de la communication, Fondation du Patrimoine grâce au mécénat de Total, Suez Environnement, Vinci, Iguzzini, SEDP, un club de 20 collectionneurs fondateurs

Les partenaires fondateurs : Ville de Paris, Conseil régional d'Ile-de-France, Ministère de l'Education Nationale, Ministère de la Culture et de la Communication, Alcatel-Lucent, Avenance, BNP Paribas, Fondation Culture et Diversité, Fondation de France, Fondation France Télévisions, PMU, SFR

Les lieux associés : Cinéma des cinéastes, Jeu de paume, La Fémis, L'Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales (EHESS), Play Bac, Sciences Po Paris

Les partenaires techniques : CIRCAD, Dupon, Fot Imprimeurs, Fuji, Veuve Cliquot

LE BAL
6, impasse de la défense (au niveau du 20, avenue de Clichy)
75018 Paris

Métro Place de Clichy - lignes 2,13
Bus 54, 74, 81

Site internet : www.le-bal.fr

Exposition Rashid Rana - Musée Guimet, Paris

 

Rashid Rana
Perpétuel Paradoxe

Musée Guimet, Paris

Jusqu'au 15 novembre 2010

Le musée Guimet présente jusqu’au 15 novembre 2010 l’exposition Perpétuel Paradoxe et expose pour la première fois en France les oeuvres contemporaines de Rashid Rana, considéré comme le plus grand artiste pakistanais contemporain pour ses montages de photographies numériques, ses sculptures ou encore ses installations vidéos.

Une vingtaine d’oeuvres sont dispersées dans la collection permanente du musée, offrant ainsi l’occasion de confronter art contemporain et oeuvres asiatiques millénaires du musée Guimet, questionnant ainsi la tradition et ses « illusions de permanence », les temps profonds et les temps contemporains.

A travers cette présentation nouvelle, le musée Guimet se lance pleinement dans le champ de l’art contemporain. Jacques Giès, Président du musée Guimet justifie ainsi sa démarche : « Le musée est bien plus qu’un dépôt de trésors. En regard de l’importance de la « question asiatique » dans notre monde contemporain – où ces cultures se font pour la première fois, dans notre propre histoire et dans un devenir commun, une place de plus en plus large –, il est temps, telle est notre conviction, de revoir, de repenser notre conception muséale. »

Depuis une dizaine d’année, RASHID RANA, peintre à l’origine reconnu publiquement au Pakistan et dans de nombreux pays du Moyen Orient et en Europe, a choisi de travailler l’image digitale, lui permettant d’associer dans une même oeuvre des éléments opposés par micro-incrustations de détails photographiques et pixellisation de l’image. En associant le vu et le non vu, l’artiste souligne les antagonismes qui se jouent entre les cultures et pointe la responsabilité de ceux qui fabriquent les images d’aujourd’hui en jouant un rôle dans la construction des traditions de demain… « En ces temps incertains, nous avons perdu le privilège d’avoir une vision du monde sans équivoque. Aujourd’hui, chaque image, chaque idée ou chaque vérité comprend en même temps son contraire » note Rashid Rana.

Commissariat de l'exposition - Musée Guimet : Jacques Giès, Président et Caroline Arhuero, chargée d’études documentaires – Commissaires invités : A&E, Arianne Levene et Eglantine de Ganay

Rashid Rana, Perpétuel Paradoxe, 7 juillet - 15 novembre 2010

Musée Guimet - 6 place d’Iéna - 75116 Paris - www.guimet.fr

Sophie Calle Exposition au Danemark, Musée d'art moderne Louisiana, Humlabaek

Sophie Calle

Musée d'art moderne Louisiana, Humlabaek, Danemark

23 juin - 24 octobre 2010

Sophie Calle (née en 1953, Paris), artiste contemporaine française parmi les plus connues, expose une sélection de ses oeuvres au Musée d'art moderne de Lousiana, à Humlebaek, au Danemark. L’exposition présente un ensemble relativement important d'oeuvres de l'artistes dont l'installation Prenez Soin de Vous, qui a suscité un grand intérêt à la Biennale de Venise en 2007 et dont une version anglaise, Take care of You, a été conçue.

Avec ses photographies, textes et installations vidéo, Sophie Calle crée des oeuvres dites réalistes mêlant souvent vie privée et vie publique. Cet aspect de sa démarche était apparu dès ses tous premiers travaux photographiques menés, notamment, aux Etats-Unis dans les années 1970. Sophie Calle travaille sur des thèmes aussi divers que la journalistique, l’anthropologie ou la psychanalyse et en s’inspirant de formes de création artistique très variées, telle que la littérature, les journaux intimes et les romans-photos, jouent ainsi avec notre perception de la réalité.

Louisiana Museum of Modern Art
Gl. Strandvej 13, 3050 Humlebæk, Danemark

Valérie Jouve Exposition à Beaubourg Centre Georges Pompidou

Exposition de Photographies > Paris > Centre Georges Pompidou > Valérie Jouve


  Valérie Jouve, Sans titre, 2010 © et courtesy Valérie Jouve

Exposition personnelle de  Valérie Jouve
Centre Georges Pompidou
23 juin - 13 septembre 2010

Le Centre Pompidou est la première grande institution parisienne à présenter une exposition personnelle de Valérie Jouve.

Valérie Jouve mène une réflexion sur la place de l’humain dans la ville. Elle inscrit de manière documentaire et poétique des individus dans un espace par le biais du cadrage, voire du montage d’images. Fluidité des corps contre rigueur des structures : cette dualité fonde sa démarche, structure ses films et ses photographies. L’artiste a précisément conçu sa proposition pour le Centre Pompidou, jouant ainsi pleinement de l’espace de la Galerie d’art graphique du Musée national d’art moderne. Elle y fait dialoguer des images de dimensions et de statuts différents, et organise leur confrontation.

VALERIE JOUVE

Valérie Jouve, née en 1964 à Saint-Étienne, vit et travaille à Paris. Anthropologue de formation, elle décrypte notre société et ses aspects de théâtralité quotidienne par la mise en scène photographique de moments grâce à des « images jouées » ou « performées ». Elle considère que ces photographies ont une valeur documentaire sans pour autant nier la dimension sociologique que cet aspect sous-entend. Ses oeuvres y associent toutefois une certaine mélancolie poétique.

Le monde urbain est un des thèmes centraux de l’oeuvre de Valérie Jouve. Fascinée par la ville, elle capte ses personnages, leurs comportements et saisit cette représentation quotidienne que nous impose la ville en figeant, à travers la photographie, tout ce qui forme son identité. La question du traitement de l’espace est au coeur du sujet : il s’agit de comprendre comment la figure confère une présence à ce qui l’entoure. L’architecture intervient comme forme emblématique de l’espace que se donne l’individu pour exister. Ce décalage entre conscience collective et individuelle se trouve ainsi posé en termes esthétiques.

Commissaire de l’exposition : Quentin Bajac, conservateur au Musée national d’art moderne (Centre Pompidou), chef du cabinet de la photographie.

Un ouvrage retraçant l’ensemble des oeuvres de l’exposition est édité par les éditions du Centre Pompidou.

Centre Georges Pompidou - Paris - Beaubourg
Musée national d’art moderne 

www.centrepompidou.fr

Expo Photos Etaples Du Cliché au numérique, Musée Quentovic

Exposition de photographies > France > Région Nord-Pas de Calais > Etaples-sur-Mer 62630

Exposition de photographies > Achille Caron

 

Du cliché au numérique

Musée d’Archéologie Quentovic 

20 février - 14 juin 2010

Etaples, Cité des pêcheurs.

Comment décrire ce village de marins au début du 20ème siècle ?

C’est au travers de la collection de photos anciennes prises par un étaplois, Achille CARON, que nous pouvons constater qu’Etaples a sensiblement conservé bâtiments et maisons de pêcheurs malgré les guerres et le passage à la modernité. 

Certaines rues ont disparu, remplacées par des nouvelles constructions.

Etaples détient à jamais un passé riche en coutumes mais aussi en épreuves et en drames.

L’exposition « Du cliché au numérique… » raconte l’histoire d’une cité de pêcheurs de 1900 à nos jours.

Musée d’Archéologie Quentovic
8, place du général de Gaulle
62630 Etaples-sur-Mer

Horaires : du mercredi au samedi de 14h à 17 h et Dimanche de 14h30 à 17h30

Exposition de photos de Lisette Model au Jeu de Paume, Paris

Lisette Model

Jeu de Paume, Paris

Jusqu’au 6 juin 2010

LISETTE MODEL

Promenade des Anglais, Nice, c. 1934 

National Gallery of Canada, Ottawa, don de la Succession de Lisette Model, 1990, sous la direction de Joseph G. Blum, New York, par l'entremise des American Friends of Canada. 

© The Lisette Model Foundation Inc. (1983). Used by permission.

C’est sur la promenade des anglais à Nice, en 1934,  que Lisette Model a réalisée sa première série de photos : des portraits de la “classe de loisirs” (Veblen) c’est à dire de la bourgeoisie oisive.

"Lorsque je pointe mon objectif sur quelque chose, je pose une question, à laquelle la photographie permettra peut-être de répondre. En d’autres termes, je ne suis pas celle qui sait ou qui veut prouver quelque chose, mais celle qui reçoit une leçon (1)." – Lisette Model

Dans le contexte d’une certaine photographie documentaire — la street photography qui se développe à New York pendant les années quarante avec les travaux de Weegee, Helen Levitt, Roy de Carava…—, l’oeuvre de Lisette Model apparaît comme étant unique : pour elle, réussir une photographie c’est, selon ses propres termes, photographier "avec ses tripes".

 

LISETTE MODEL

Albert-Alberta, Hubert's 42nd Street Flea Circus, New York, c. 1945 
National Gallery of Canada, Ottawa, don de la Succession de Lisette Model, 1990, sous la direction de Joseph G. Blum, New York, par l'entremise des American Friends of Canada. 
© The Lisette Model Foundation, Inc. (1983). Used by permission

Lisette Model était passionnée par le monde du spectacle et des arts vivants. Elle y consacra de nombreuses photos à l’image de la photographie bien connue d’un artiste travesti.

Avec 120 photographies, l’exposition regroupe des extraits de l’ensemble des grandes séries de l’artiste, de ses premières photographies prises à Paris et à Nice au début des années 30, à celles du Newport Jazz Festival ou de l’hippodrome de Belmont Park prises à New York dans les années 50. Cristina Zelich, commissaire de l’exposition s’est attachée à mettre en avant les aspects les plus caractéristiques des prises de vue de Lisette Model : approche audacieuse et franchise du regard ; utilisation du gros plan ; contreplongée ; cadrages radicaux (elle n’hésitait pas à recadrer certains négatifs pour en éliminer les détails superflus, leur imprimer un certain dynamisme et conférer à l’image plus de force ou d’expressivité) ; accentuation du noir afin d’augmenter les contrastes lors du tirage des épreuves.

Les photographies sont accompagnées de vidéos et d’enregistrements sonores qui permettront de voir et d’entendre Lisette Model, ainsi que de revues originales avec lesquelles elle a collaboré telles que Regards ou Harper’s Bazaar.

(1) Model, Lisette texte pour Invisions Portfolio. Document d’archive de la National Gallery of Canada, réf. LM.AR5.PRP.03.11 n.d.

Commissaire de l'exposition : Cristina Zelich

Exposition organisée par le Jeu de Paume et la Fundación Mapfre. 

Gilles Saussier Le tableau de chasse

 

Livre et exposition de photographies jusqu’au 6 juin 2010

Le Point du Jour, Centre d’art. Editeur

 

GILLES SAUSSIER

Le tableau de chasse

 

En 1989, Gilles Saussier avait couvert pour l'agence Gamma, la révolution en Roumanie. Depuis 2003, il y est revenu régulièrement pour pratiquer une relecture de ses photographies d'actualité, et mettre en relation les événements de 1989 avec le passé plus lointain et la situation actuelle du pays. Vigoureuse critique du photoreportage, Le Tableau de chasse est aussi une méditation sur l'art et la mort, l'histoire racontée par les pouvoirs et la mémoire des sans-voix.

GILLES SAUSSIER, né en 1965, développe des projets qui entrecroisent photographie documentaire, art conceptuel et anthropologie visuelle. A l'étranger, son travail a notamment été présenté à la Documenta de Kassel (2002), au Kunstmuseum de Bâle (2005) et au MACBA de Barcelone (2008). Il a déjà publié au Point du Jour en 2006 Studio Shakhari bazar (ce message du blog présente le livre et une exposition de photographies du livre organisée en 2007 ; vous y trouverez un bref complément biographique). Ses photographies ont également été publiées dans Le Ruban documentaire en 2003 avec des textes de Octave Debary et Arnaud Tellier, co-édité par 779 Editions et la Société Française de Photographie. A lire aussi dans ce blog la présentation de son exposition L’Ile d’après à la Galerie Zurcher (qui le représente depuis 2003) en mai-juin 2009.

 

Gilles Saussier
Le tableau de chasse
Le Point du Jour
Mars 2010
158 pages - 17 x 23 cm
85 photographies en couleurs et noir & blanc
ISBN : 978-2-912132-63-5
27 €

 

L’exposition de photographies présentée par Gilles Saussier lui-même

 

  © GILLES SAUSSIER, Le Tableau de chasse, 2003-2010
  Ouvrière au trophée, usine ELBA, Timisoara
  Exposition Le Tableau de chasse

EXPOSITION

6 mars - 6 juin 2010

Le Point du Jour, Cherbourg-Octeville

« Il ne suffit pas d´être au cœur des grands événements et de les photographier pour écrire l´histoire. Dans « Le Tableau de chasse », je reviens sur mes propres photographies de la révolution roumaine, prises entre le 23 et le 26 décembre 1989 lorsque j´étais reporter à l´agence Gamma. Ces photographies - dont un instantané de soldats sous le feu, publié dans Time, Stern, Paris-Match - permettent-elles de penser au présent l´histoire des événements de la révolution roumaine ?

Je suis retourné depuis 2003 à plusieurs reprises enquêter à Timisoara et montrer mes photographies à des acteurs de la révolution roumaine. Ces images, prises avec les premiers reporters étrangers, et ne concernant pas les journées décisives de l´insurrection entre le 16 et le 20 décembre, ont peu intéressé mes interlocuteurs roumains.

A Timisoara, aucune photographie n´a permis d'établir la responsabilité de l'armée roumaine dans le meurtre de 146 civils et les blessures infligées à 400 autres personnes. On sait cependant que c'est l'armée roumaine qui a tiré sur la foule désarmée et non pas la Securitate qu'aucun reporter étranger n'a pu voir ni photographier. Parce qu'elle montre des soldats de l'armée roumaine victimes de tirs, que les journaux ont systématiquement attribué à la Securitate, ma photographie de Stern a symboliquement dédouané l'armée de ses crimes envers les civils.

Vingt ans après les événements, on ne sait toujours pas qui tirait sur ces soldats mais on continue de publier ma photographie. Pour la profession, cette image reste une excellente image de guerre. Pour tous ceux qui cherchent à penser la révolution roumaine, elle est une image dont il faut travailler l'actualité.

C´est ce travail que je propose en confrontant cette photographie à des nouvelles séries d'images sur lesquelles on voit des journalistes tirer au fusil lors d'un voyage de presse de la fédération de chasse de Timisoara ou bien des portraits d'ouvrières de l´usine Elba, où a été déclenchée la première grève de la révolution roumaine.

La monumentalité des images-symboles, affranchie le plus souvent des exigences minimum de contextualisation, fige la pensée et le questionnement de l´histoire. Ces séries proposent au contraire d´autres lectures et une méditation sur le rapport des images à l'histoire, à la mémoire, au monument. Elle interrogent également la manière dont l'héroïsme des reporters peut parfois recouvrir celui des acteurs des événements eux-mêmes. »  -- GILLES SAUSSIER

Le Point du Jour
Centre d'art/éditeur
107, avenue de Paris
50100 Cherbourg-Octeville
t. 33 (0)2 33 22 99 23
infos (at) lepointdujour.eu

Expo Photo Olivier Meriel Giverny 2010

 

OLIVIER MERIEL. LUMIERE ARGENTIQUE :

SUR LES TRACES DE L’IMPRESSIONNISME EN NORMANDIE

Musée des impressionnismes Giverny

4 juin - 31 octobre 2010

 

 

  © OLIVIER MERIEL, Etretat-Les Barques, mai 2009.

Comme les impressionnistes en leur temps sont sortis de l’atelier pour se régénérer au contact de la nature, le photographe Olivier Mériel sillonne les lieux emblématiques de la côte normande et les  bords de Seine. Il prend son temps et observe. Il attend une certaine correspondance entre l’heure, le lieu et son paysage intérieur. Devant les ciels changeants, devant la nature en perpétuel renouvellement, il s’interroge sur la manière de témoigner de l’éphémère. Le jour fuit comme l’ombre dit le cadran solaire. Reste la lumière, la même depuis la nuit des temps, le grand sujet d’Olivier Mériel finalement. Quelques lieux photographiés :

Les bords de Seine : Giverny,  Jumièges, Les Andelys, Rouen, Villequier...

La Côte normande entre architecture balnéaire et falaises sauvages : Asnelles, Cabourg, Deauville, Dieppe, Étretat, Fécamp, Le Havre, Yport...

Les gares, symboles du mouvement et du départ vers l’inconnu : Saint-Lazare à Paris, Victoria à Londres...

 

  © OLIVIER MERIEL, Cabourg, mai 2009.

Olivier Mériel occupe une place singulière dans le panorama photographique contemporain. Depuis ses premiers voyages en Irlande au début des années 70, il construit avec rigueur une œuvre qui se démarque par son homogénéité et son  originalité. Un corpus unique constitué d’images d’une telle résonance qu’on ne peut les confondre ni les oublier. Ses images sont rares et précieuses comme leur processus de création, réalisées à la chambre photographique avec des temps de pose très longs, obtenues par contact et dont les tirages sont ensuite virés au platine et au sélénium sur des papiers riches en argent.

 

Cette exposition de photographies s’inscrit dans le cadre du Festival Normandie Impressionniste (juin – septembre 2010).

Autres expositions au Musée des impressionnismes Giverny :

L’Impressionnisme au fil de la Seine de Renoir et Monet à Matisse, 1er avril - 18 juillet 2010

Maximilien Luce, néo-impressionniste. Rétrospective, 28 juillet - 31 octobre 2010