Atelier Picasso - Roman Graphique @ Editions Skira - Illustrations de Giulia Masia & Texte de Luca Masia

Atelier Picasso - Roman Graphique

Editions Skira

Parution Avril 2024

Atelier Picasso, Skira, 2024

Giulia Masia & Luca Masia

Couverture reliée, 20 x 28 cm 

176 pages,160 illustrations

ISBN 978-2-37074-240-7

Ce roman graphique écrit par Luca Masia et illustré par Giulia Masia offre une nouvelle perspective sur Pablo Picasso, sa vie et son entourage artistique, par le biais d’une histoire vraie, celle du tailleur Michele Sapone et de sa famille sur la Côte d’Azur dans les années d’après-guerre. 

 

Michele Sapone cousait des tissus comme l’on peint des toiles. Originaire d’un petit village du sud de l’Italie, près de Caserte, il s’installe à la fin de la Seconde Guerre mondiale à Nice, où il crée son propre atelier. Grâce au peintre florentin Manfredo Borsi, il rencontre les artistes locaux et réussit à mettre en lumière son talent artisanal. Au cours des années, il noue une amitié sincère avec Pablo Picasso et se lie également avec les artistes et peintres parmi les plus importants de l’époque dont Arp, Campigli, Giacometti, Hartung, Magnelli, Miró, ou Severini. 

 

En échange de costumes élégants et vêtements de travail, pantalons de cérémonie et manteaux d’hiver, Michele Sapone reçoit de ses amis artistes des toiles et des dessins qui forment, au fil des ans, le cœur d’une importante collection.

 

Élevée dans ce riche et stimulant environnement, sa fille Aïka développe une passion pour l’art. Elle grandit entourée d’artistes, pose pour Picasso et Giacometti, se dispute avec Hartung ou apparaît sur des clichés de David Duncan ou Edward Quinn… En 1973, grâce à la collection de son père et à la proximité de la famille avec les artistes, elle ouvre à Nice avec son mari Antonio, la Galerie Sapone, toujours en activité aujourd’hui. La première exposition est alors consacrée à Picasso, qui décède malheureusement quelques jours seulement avant l’inauguration, le 8 avril 1973. 

 

Cinquante ans plus tard, ce roman graphique revient sur cette facette méconnue de la vie de Picasso et des amitiés artistiques qui ont vu le jour dans la lumière de la Côte d’Azur. 

Illustrations - Giulia Masia est illustratrice indépendante. Après avoir terminé ses études à l’IED, elle a commencé à travailler pour plusieurs maisons d’édition et agences. Elle a été nominée pour d’importants prix d’illustration, tels que l’Annual Illustratori Italiani, le 3x3 Annual (USA) et le CQ Journal. Elle a fait partie des 50 illustrateurs primés lors du concours Golden Pinwheel Young Illustrators. 

 

Textes - Luca Masia est écrivain et créatif publicitaire. Il s’occupe de fiction, de télévision, de dramaturgie théâtrale et de communication d’entreprise. Il a travaillé au sein d’agences internationales de premier plan, a collaboré avec la Triennale de Milan pendant près de dix ans, et a écrit des textes et des livres sur l’art, le design et l’architecture. 

SKIRA

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Pascal Haudressy - Monographie aux Editions Skira - Sous la direction de David Rosenberg

Pascal Haudressy

Nouvelle monographie éditée par Skira

Sous la direction de David Rosenberg

PASCAL HAUDRESSY 

Parution mai 2023

Editions Skira

Édition reliée bilingue en français et anglais

24 x 32 cm, 160 pages

100 illustrations 

39 € - ISBN 978-2-37074-206-3

PASCAL HAUDRESSY

Heart, 2009

Boucle numérique : étude de bruit génératif

150 x 100 cm 

Édition de 6 exemplaires, collection particulière, Allemagne

Artiste français d'origine tatare, Pascal Haudressy (1968-2021), a développé une œuvre singulière et innovante mêlant sculpture, peinture et nouvelles technologies. Cette monographie, qui fait suite à un premier ouvrage publié par Skira en 2011, permet de découvrir les multiples facettes de son art et rend hommage à la mémoire de l'artiste, disparu prématurément à l'âge de 53 ans.

Après dix années à l’Unesco en tant que responsable de projets culturels, où il a notamment lancé les « Drapeaux de la Tolérance », un projet avec des artistes tels que Robert Rauschenberg, Gordon-Matta Clarke ou Friedensreich Hundertwasser, Pascal Haudressy décide de se consacrer à son travail artistique en 2005. Développant une approche esthétique singulière, il est le pionnier d’un nouveau format centré sur le mouvement, la matérialité et l’immatérialité. Dans son travail, Pascal Haudressy explore les profondes mutations de notre monde marqué par la coexistence du digital et du biologique. Chacune de ses œuvres forme un lien ou une réconciliation entre le passé et l’avenir, la nature et l’activité humaine, la science et le mythe, l’Orient et l’Occident.

PASCAL HAUDRESSY

Diptych Project, 2017/ Piero Viti - LABOTIV

« Ce sont les inter-mondes, les émulsions, les interrelations entre les médiums qui m'intéressent et que j'aime perturber. Les choses sont mouvantes et mutantes, en particulier à notre époque. Ce changement perpétuel de perception, de perspective, nous ouvre un nouvel espace d'incertitude et de liberté. »  -- Pascal Haudressy

Images digitales et réalité virtuelle, intelligence artificielle et robotique : les mutations du réel et la pluralité des expériences nouvelles qui en découlent constituent le point de départ de la réflexion et de la pratique artistique de Pascal Haudressy.

PASCAL HAUDRESSY 

Step 1-C (acides aminés), 2010

Marbre 270 cm

Édition de trois exemplaires, collection particulière, Londres, Royaume-Uni

PASCAL HAUDRESSY 

Light Painting, Magenta and Blue, One Stripe, 2021

Impression et acrylique sur toile et vidéo projection

200 x 200 cm

Dessin et sculpture, selon lui, ne peuvent plus être envisagés en termes de structures figées, mais comme des activités et des formes génératives en devenir. Il expérimente en introduisant délibérément des bugs, des « virus » dans le flux des calculs qui sous-tendent ses images numériques. Des mutations improbables se font ainsi jour, les contours se faisant et se défaisant, les formes se réordonnant ou se désagrégeant sans cesse.

Pascal Haudressy a participé à de nombreuses expositions internationales et ses œuvres figurent dans d'importantes collections. En France, elles ont notamment été présentées en 2018 au Centre Pompidou ainsi qu'au Grand Palais lors de l'exposition Artistes & Robots.

Cet ouvrage édité sous la direction de David Rosenberg, auteur et commissaire d'exposition, rassemble les contributions de spécialistes qui furent des proches de l'artiste : un essai de Domitille d’Orgeval, historienne de l’art contemporain, un entretien avec Jérôme Sans, co-fondateur du Palais de Tokyo et commissaire d'exposition, les textes de Jérôme Neutres et de Françoise Paviot, commissaires d’exposition, ainsi que de Miguel Chevalier, artiste.

EDITIONS SKIRA

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Brahim Alaoui, Regard sur les artistes modernes et contemporains arabes - Éditions Skira

Brahim Alaoui

Regard sur les artistes modernes et contemporains arabes

Éditions Skira - Parution Novembre 2022

Brahim Alaoui

Regard sur les artistes modernes et contemporains arabes

© Éditions Skira 2022

Cinquante portraits d’artistes arabes modernes et contemporains, photographiés dans leurs ateliers ou lieux de vie, viennent composer un vaste panorama de l’art au Proche-Orient et en Afrique du Nord depuis la fin de la Seconde guerre mondiale à nos jours.

L’ouvrage présente une génération d’artistes modernes - dont Shakir Hassan Al-Saïd, Etel Adnan, Farid Belkahia, Abdellah Benanteur, Mounir Canaan, Inji Aflatoun, Paul Guiragossian, Saliba Douaihy, Adam Henein - souvent formés dans l’Europe d’après-guerre et qui, une fois de retour dans leurs pays, entamèrent une réflexion sur leur identité et élaborèrent leur propre modernité post-coloniale. L’ouvrage rend aussi compte d’une nouvelle génération au tournant du XXIe siècle – Ghada Amer, Kader Attia, Mounir Fatmi ou Youssef Nabil – qui s’est émancipée des voies classiques de la représentation, explore de nouveaux médiums, et s’impose sur la scène internationale de l’art contemporain. 

Dans cet ouvrage qui s’enrichit d’un important entretien avec la critique d’art Pascale Le Thorel qui a permis de contextualiser ses rencontres avec les différents artistes, l’historien de l’art et commissaire d’exposition Brahim Alaoui propose ainsi sa vision des évolutions et des voies nouvelles de l’art moderne et contemporain arabe depuis les débats de l’ère post-coloniale jusqu’à aujourd’hui où se mêlent utopies, tragédies, résistances et espérances. 

BRAHIM ALAOUI

D’abord chercheur au Musée d’art moderne de la Ville de Paris, Brahim Alaoui a ensuite été directeur du musée de l’Institut du monde arabe à Paris où il a organisé entre 1987 et 2007 de prestigieuses expositions. Il partage désormais sa vie entre des activités de conseil en ingénierie culturelle, d’édition et le commissariat d’exposition. 

Édition en français - Reliée – 16,5 x 24 cm -

376 pages - 250 illustrations - ISBN 978-2-37074-195-0 - 49 €

Monographie de Philippe Cognée, Editions Skira - Par Julie Chaizemartin, Marc Donnadieu, Guy Tosatto

Philippe Cognée

Éditions Skira Paris et Galerie Templon

Parution Septembre 2022

PHILIPPE COGNÉE

© Éditions Skira 2022 / Galerie Templon

Né en 1957, PHILIPPE COGNÉE est peintre, graveur et dessinateur. Représenté par la galerie Templon depuis 2002, il est aujourd'hui reconnu comme l'un des principaux artistes français de sa génération qui furent à l'origine d'un intérêt nouveau pour le médium de la peinture, et ce, dès les années 1990. 

Procédant par effets de « floutage et amélioration », son travail se distingue par une approche et une technique particulières par le biais desquelles il cherche à transcender la banalité quotidienne en perdant le sujet choisi - fleurs, architectures, objets, foules, vues familières - dans le flou. Son travail pose notamment la question de l’épuisement de l’image et de la condition humaine dans son rapport à l’environnement urbain, il interroge le rôle de la peinture dans une société où l’image, sous les effets des nouvelles technologies, est à la fois omniprésente et appauvrie.

Philippe Cognée photographie ou capte en vidéo ses sujets puis en photographie quelques images diffusées sur un moniteur. Ces images, telles quelles ou déconstruites ou ré-assemblées, sont ensuite projetées sur la toile ou sur un panneau de bois. L'artiste utilise alors une peinture à l'encaustique faite de cire d'abeille et de pigments de couleur pour reproduire les images choisies. Il dispose cette peinture au pinceau sur la toile, puis recouvre celle-ci d'un film plastique sur lequel un fer à repasser chauffe la cire pour la liquéfier, étalant et déformant les formes, ce qui a pour effet de créer un enfouissement trouble du sujet dans la matière. Le film plastique, lorsque décollé, produit à certains endroits des manques dûs à l'arrachage de la couche picturale. L'image semble alors piégée sous une surface glacée.

Au cours de sa carrière, Philippe Cognée a notamment pu porter son attention sur des sujets tels que des architectures ou des lieux - supermarchés, abattoirs - liés à la société de consommation. Dans sa peinture, des monuments tels que le Centre Georges Pompidou, la basilique Saint-Pierre de Rome ou le Musée Guggenheim de Bilbao apparaissent non dans leur structure réelle et objective mais tels qu'ils pourraient exister dans notre mémoire. Ces images viennent restituer une réalité altérée par le souvenir et la subjectivité de l'artiste. 

Depuis 2006, Philippe Cognée s'est également intéressé aux clichés satellite diffusés sur Internet ainsi qu'aux clichés Google Street View à 360° qui lui permettent d'explorer le monde entier depuis son atelier, de travailler sur les bâtiments et d’observer les différents régionalismes et particularismes architecturaux.

Aujourd’hui, ses paysages champêtres, champs de coquelicots ou de tournesols, bien qu'évoquant le plein air des impressionnistes, viennent témoigner d'une réalité autrement plus étouffante. Diptyques ou triptyques, étrangement déserts, figés dans une lumière ambigüe, ces morceaux de campagne familière fascinent autant qu’ils inquiètent. Leur apparente immuabilité, traversée de couleurs vives voire incongrues, leurs surfaces en dripping ou grattées, font état d'une forme de résistance : résistance contre le réalisme, résistance contre la superficialité au sens propre comme figuré. Les terres agricoles deviennent sauvages et les forêts tourmentées, elles s'inscrivent dans une majesté qui contraste avec une sensation de disparition imminente, chaque paysage se faisant le constat d’un irréconciliable malentendu entre nature et culture.

Auteurs

Julie Chaizemartin

Critique d'art et journaliste, Julie Chaizemartin écrit notamment pour artpress, Le Quotidien de l’Art, Beaux-Arts Magazine et Transfuge.

Marc Donnadieu

Commissaire d'exposition, Marc Donnadieu est actuellement conservateur en chef à Photo Élysée à Lausanne.

Guy Tosatto

Historien de l'art et conservateur, Guy Tosatto est directeur du musée de Grenoble depuis septembre 2002. 

Édition bilingue en français et en anglais - Reliée - 23,5 x 30 cm -

288 pages - 220 illustrations - ISBN 978-2-37074-198-1 - 45 € 

Livre de photographies de Kiki Xue, Potraits - Éditions Skira - Essai et entretien par Denise Wendel-Poray

Livre de photographies de Kiki Xue, Portraits

Éditions Skira - Parution Novembre 2022

Kiki Xue, Portraits

© Éditions Skira 2022

KIKI XUE est né en 1986 en Chine dans la province du Sichuan. Il vit et travaille à Paris. Alors étudiant en mathématiques, c’est par hasard qu’il s’est tourné vers la photographie en collectionnant les livres des « grands maîtres de la photo » avant d’apprendre les techniques de la photographie. Depuis 2010, il s’est imposé comme l’une des principales figures émergentes de la photographie de mode. Il a notamment remporté le prix PhotoVogue à Milan et collabore avec les magazines Vogue et L’Officiel en Italie, ainsi qu’avec Harper’s Bazaar en Chine.

« Je travaille comme un réalisateur de film : je pense mon script avant ma création. Mais je suis à la fois réalisateur et scénariste », explique Kiki Xue. Également peintre, Kiki Xue est très sensible à l’art de la Renaissance. « J’apprécie ses couleurs vives, ses effets de profondeurs et de jeu d’ombres, et les lumières de ces chefs-d’œuvre (…) J’expérimente d’ailleurs des combinaisons de couleurs en peinture, pour pouvoir un jour les utiliser en photographie ». 

Dans ses décors picturaux, ses modèles – souvent des femmes – évoluent, « sensibles, et pleins d’émotion ». Son art mêle noblesse et modernité dans une interrogation sur la beauté à travers ses multiples formes temporelles, culturelles et ethniques, ou à travers ses troubles, ce qui l’a amené, dans ses nouvelles séries, à s’extraire de la mode pour se diriger vers l'art contemporain. 

Ainsi, ses photographies révèlent-t-elle un travail de composition, de mise en scène et d’attention au détail. Loin de considérer la photographie de mode comme une pratique mineure, l’artiste y puise inspiration et stimulation pour créer en parallèle de véritables tirages d’art. Ses séries se concentrent autour du nu, du portrait et du costume traditionnel auxquels s’ajoutent un intérêt croissant pour les fleurs. 

Cet ouvrage, qui comprend un essai approfondi de Denise Wendel-Poray et un entretien entre l'autrice et l’artiste, se propose d’explorer la pratique de Kiki Xue dont la connaissance de l’art et de son histoire infuse l'œuvre. 

Édition trilingue en français, en anglais et en chinois - Reliée -

25 x 32 cm - 160 pages - 63 illustrations - ISBN 978-2-37074-197-4

Parution novembre 2022

Monographie de L'Atlas, Editions Skira - Par Paul Ardenne et David Rosenberg

Monographie de L'Atlas

Éditions Skira - Parution Octobre 2022

Couverture L'Atlas 

© Éditions Skira 2022

Figure majeure du street art français, Jules Dedet Granel, dit L’Atlas, né en 1978, trouve par ses recherches autour de l’écriture le point de départ de son travail plastique et pictural. Ayant étudié la calligraphie dans plusieurs pays arabes, il crée ses propres typographies originales. Il est particulièrement animé par l’idée de créer un langage pictural universel, qui soit un juste équilibre entre la forme et la lettre, entre l’acte et l’intention. Ses œuvres prennent pour point de départ la signature de l’artiste – L’Atlas, qu’il décline de mille manières.

Cette monographie avec les essais de Paul Ardenne et David Rosenberg présente les variations infinies du langage codifié de l'artiste, entre art optique, abstraction, street art, pop art et minimalisme, depuis les années 1990 où il s’est fait connaitre par ses interventions radicales dans l’espace public et les années 2000 depuis lesquelles il développe un travail en atelier et expose ses œuvres dans des galeries d’art urbain contemporain.

L’Atlas présente la particularité de rechercher et de renouveler systématiquement son approche et son expression de la lettre et de la ligne, du rythme codifié de l’écriture, cherchant la frontière de l’illisible, et menant méthodiquement son œuvre vers l’abstraction et le minimalisme ; il considère toute forme comme une lettre et toute lettre comme une forme, ce qui l'a conduit à travailler récemment avec des urbanistes pour donner une troisième dimension à son art et réinvestir l’espace public d'une autre manière redonnant ainsi un sens à la dimension architecturale de son travail.

Auteurs

Paul Ardenne est historien de l'art, commissaire d'exposition et écrivain. Il enseigne l'histoire de l'art contemporain à l'Université d'Amiens. 

David Rosenberg est commissaire d'exposition. Il collabore régulièrement avec différents musées, fondations et galeries à travers le monde. Il est l'auteur de nombreux ouvrages consacrés à l’art moderne et contemporain. 

Édition bilingue en français et en anglais - Reliée - 23 x 29 cm -

208 pages - 130 illustrations - ISBN 978-2-37074-185-1 - 39 €

Signature à la Galerie Perahia le 15 octobre 2022 de 17h00 à 22h00 

24 rue Dauphine, 75006 Paris

Barthélémy Toguo, Monographie par Philippe Dagen, Skira

Barthélémy Toguo

Texte de Philippe Dagen

Editions Skira, 2021

BARTHÉLÉMY TOGUO

« Mon travail est toujours un lieu où la violence côtoie le plaisir, où le plaisir côtoie la douleur, la sexualité côtoie la guerre, qui côtoie à son tour la solitude. La nature est célébrée, l’être humain est violenté par le monde. »

Coïncidant avec les expositions que lui consacrent cette année le musée du Quai Branly - Jacques Chirac et la Galerie Lelong & Co., cet ouvrage est la première monographie encore jamais dédiée à l’un des artistes africains les plus importants de notre époque : Barthélémy Toguo, né en 1967 à Mbalmayo au Cameroun.

Artiste protéiforme, se partageant entre Paris et Bandjoun au Cameroun, Barthélémy Toguo a recours dans son travail au dessin, à la sculpture et à la peinture mais aussi à la performance et à l’installation, en fonction du message qu’il souhaite transmettre et selon le médium qui lui semble le plus adapté.

Barthélémy Toguo s’intéresse particulièrement aux flux, qu’ils soient de marchandises ou d’êtres humains, ainsi qu’à ceux qui les animent, comme dans sa série Urban Requiem présentée en 2015 à la Biennale de Venise, ou dans l'installation Road to Exile, une barque remplie de baluchons sur une mer en bouteilles de verre. Artiste engagé, Barthélémy Toguo est aussi au coeur du projet Bandjoun Station, un lieu de création artistique pluridisciplinaire, autonome et autarcique, proposant des activités pédagogiques, expositions, rencontres, ateliers et résidences d’artistes.

Ses oeuvres sont aujourd’hui conservées par de grandes institutions internationales dont le MoMA et le Studio Museum de Harlem à New York, le Centre Pompidou à Paris, la Tate Modern à Londres, les Kunstsammlungen der Stadt de Düsseldorf.

Cette publication de 280 pages et 350 illustrations, bilingue français/anglais, réalisée en étroite collaboration avec l’artiste et la Galerie Lelong & Co., s’enrichit d’un essai de Philippe Dagen, historien de l'art, chercheur, critique d'art et écrivain et chroniqueur pour le quotidien Le Monde.

Édition reliée, bilingue français/anglais, au format 27 x 30 cm - 280 pages - 350 illustrations

ISBN 978-2-37074-144-8 - 49 € - Cette édition comprend également trente exemplaires numérotés de 1 à 30 enrichis d’une oeuvre originale signée Barthélémy Toguo.

Hahaha L'humour de l'art - Catalogue d'exposition - Skira

Hahaha

L'humour de l'art

Catalogue de l’exposition à l’ING ART CENTER, Bruxelles

SKIRA, 2021

Venant accompagner l’exposition Hahaha. L'Humour de l'Art (15 septembre 2021 - 16 janvier 2022) une collaboration entre Kanal-Centre Pompidou, le Centre Pompidou et ING Belgique, ce catalogue met en lumière la place centrale de l’humour dans l’art moderne et contemporain qui, depuis le célèbre urinoir Fontaine (1917) de Marcel Duchamp, a révolutionné notre regard sur l’art. Une plaisanterie qui n’a pas été sans conséquence, l’humour s’étant dès lors vu attribuer un rôle définitif au royaume de l’esthétique débouchant sur un profond bouleversement dans la création qui sera à l’origine de la transition entre art moderne et art contemporain.

Caricatures, jeux de mots, oeuvres-jouets, canulars, parodies, dérision, artistes-bouffons, cet ouvrage reprend et approfondit les différents thèmes développés par l’exposition et en explore les origines et prolongements : depuis les caricatures d’Honoré Daumier aux ready-mades de Duchamp, depuis les jeux de mots Dada aux publicités de Jeff Koons. Prolongeant cette exploration de la place de l’humour en art jusqu’aux oeuvres de John Baldessari et de Marcel Broodthaers, il met aussi en lumière la façon dont l’humour reste un outil puissant pour l’art en vue d’émettre sa propre critique.

Hahaha. L’humour de l’art s’enrichit d’un essai par le commissaire d’exposition Nicolas Liucci-Goutnikov en vue d’introduire le sujet, une anthologie de textes philosophiques et historiques — de Pascal à Montaigne, de Baudelaire à Nietzche — remettant en perspective l’humour comme outil de critique, des citations humoristiques d’artistes et écrivains Dada et surréalistes ponctuent l’ouvrage.

Nicolas Liucci-Goutnikov est conservateur au Centre Pompidou, Musée national d'art moderne, commissaire d'exposition (Rouge, Grand Palais 2018, Prix Marcel Duchamp, Centre Pompidou, 2019, entre autres).

Un livre à rire.

Edité par SKIRA - Edition bilingue français-flamand avec un cahier de textes en anglais - couverture brochée 23 x 31 cm - 208 pages - 150 illustrations - ISBN 978-2-37074-151-6 - 39 €

Sandro Miller, Crowns, Skira - Mes Cheveux - Mon Ame - Ma Liberté

Sandro Miller

CROWNS

Mes cheveux - Mon âme - Ma libeté

SKIRA, 2021

Sandro Miller (né en 1958) est un photographe américain d’origine italienne et allemande connu – sous le nom professionnel de « Sandro » – pour ses images expressives, son étroite collaboration avec l'acteur John Malkovich et les autres membres de la Steppenwolf Theatre Company de Chicago.

Avec une préface d’Angela Bassett, actrice, productrice et réalisatrice américaine, et un texte d’introduction de la poétesse et dramaturge américaine Patricia Smith, cet opus vise à rendre hommage, par le biais d’une série de portraits, au pouvoir inventif et à la beauté des femmes noires tout en célébrant leur résilience sociale et leur mémoire culturelle.

Son épouse, l’artiste multimédia américaine aux origines haïtienne et dominicaine Claude-Aline Nazaire (née en 1972), a été l’inspiration première et la source des recherches du photographe pour ce projet axé sur la réalité à la fois créative, fière et personnelle, qu’induit la tradition et l'héritage noirs.

Sandro Miller met ainsi en lumière l’art corporel et les nombreuses façons, explicites ou tacites, par lesquelles les femmes noires affirment leur liberté en sculptant leurs cheveux.

Un très beau livre.

Edité par SKIRA - Edition en français - couverture rigide avec étui - 30,5 cm x 35,10 cm - 168 pages - 140 images en couleur - ISBN 978-2-37074-166-0 - 65 €

Diane Hervé-Gruyer, L'art et la manière. Guide pratique sur les décors peints en trompe-l'oeil, Skira

Diane Hervé-Gruyer 

L'art et la manière 

Guide pratique sur les décors peints en trompe-l'oeil 

© Skira, mai 2021 

Édition en français au format 16,5 x 24 cm - couverture brochée 

144 pages - 200 illustrations - ISBN 978-2-37074-156-1 - 25 € 

En 144 pages et 200 illustrations explicatives, ce guide pratique vise à faire connaitre tous les secrets et les techniques de l’art du trompe-l’œil, que ce soit pour un usage de décoration domestique ou à des fins artistiques.

Depuis l’Antiquité - Pline l’Ancien ne rapporte-t-il pas l’anecdote selon laquelle Zeuxis avait peint des raisins si réalistes que des oiseaux, trompés par leur exécution parfaite, s'étaient précipités contre le tableau - le trompe-l’œil fascine aussi bien les artistes que leurs admirateurs.

Art de l’illusion, le trompe-l’œil investit le lieu pour lequel il est créé. Il imite les matériaux, donne l’illusion de la perspective, rafraîchit par la magie des patines meubles et objets. C’est un art difficile et minutieux d’une grande technicité. 

Destiné tant aux débutants qu’aux professionnels, cet ouvrage en explique, étape par étape, tous les secrets et savoir-faire.

DIANE HERVÉ-GRUYER est historienne de l'art et artiste peintre de trompe-l’œil, diplomée de la Sorbonne et de l’Institut Supérieur de Peinture Décorative de Paris. Passionnée, elle a mis au point différentes techniques.

Asdrúbal Colmenárez, Forever Play : Exposition au Musée en Herbe, Paris & Livre d'enfants chez Skira

Asdrúbal Colmenárez, Forever Play 

Exposition au Musée en Herbe, Paris 

& Livre d'enfants chez Skira 

ASDRUBAL COLMENAREZ 

FOREVER PLAY 

SKIRA, 2021 

Édition en français au format 21 x 21 cm 

80 pages + 1 planche d’autocollants

ISBN 978-2-37074-150-9 - 15 € 

« Le jeu est gratuit, c’est la liberté »

L’art ludique d’Asdrúbal Colmenárez invite le public à l’interaction et à la participation et ce livre d’enfants vient accompagner l’exposition que lui consacrera le Musée en Herbe (Paris) au printemps/été 2021 dès que la réouverture des musées sera rendue possible. 

Si dans les oeuvres d'Asdrúbal Colmenárez les règles du jeu et « paramètres » sont fixés au préalable par l’artiste, la composition esthétique finale est décidée par le public, en l’occurence les enfants. 

Les oeuvres « psychomagnétiques » de l’artiste vénézuelien de Paris dont les formes peuvent se décliner à foison ouvrent ainsi un champ infini de possibles. Elles offrent ainsi une expérience novatrice, à la fois sensorielle et intellectuelle, particulièrement stimulante pour un public d’enfants, toujours avide d’amusement et de découverte. 

En suivant son alphabet imaginaire, et à travers des activités interactives, ce livre invite les enfants à jouer tout autant que les oeuvres de l'artiste. De plus, des QR codes placés au long de l'ouvrage amènent le lecteur vers des vidéos qui montrent les oeuvres en action. 

Asdrúbal Colmenárez (né en 1936) vit et travaille à Paris depuis son arrivée dans les années 1960 aux cotés d’autres artistes sud-américains dont Julio Le Parc, Carlos Cruz Diez, Rafael Soto, Francisco Sobrino, Antonio Asis, Luis Tomasello, Hugo Demarco. 

Asdrúbal Colmenárez a représenté le Venezuela à la Biennale de Paris en 1969. Bousier de la Fondation Guggenheim à New York en 1970, il a été professeur d’art contemporain à l’Université de Vincennes à partir de 1973. Il a participé à la Biennale de La Havane en 1983 et en 1985. De nombreuses expositions lui ont été consacrées et des œuvres monumentales sont installées au Japon, à Puerto Rico, en Corée, aux États-Unis ou en Espagne. 

Le Musée en Herbe 

23 rue de l’Arbre-Sec, 75001 Paris 

www.musee-en-herbe.com

Sophie Taeuber-Arp, A Life through Art, by Silvia Boadella, Skira

Sophie Taeuber-Arp, A Life through Art

by Silvia Boadella

translated from the German by Tess Lewis 

SKIRA, 2021

Nic Aluf, Sophie Taeuber-Arp, Portrait with Dada-head, 1920

Gelatin silver print, vintage-print, 13.2 × 9.9 cm

© Private ownership Photocredit: Nic Aluf

Sophie Taeuber-Arp

Composition dans un cercle (éléments d’objets coïncidents), 1936

Gouache on paper, 27.8 × 26 cm

© Private ownership, permanent loan Aargauer Kunsthaus Aarau

Photocredit: Peter Schälchli

Sophie Taeuber-Arp (1889-1943) is considered the most important female Swiss artist of the early 20th century.

A pioneer of modern art, she was at the center of Zurich’s Dada movement. As a modern dancer, painter, sculptor, textile artist, designer and interior architect, she created choreographies and works on paper, textiles, wood and glass: paintings, jewelry, embroidery, rugs, marionettes, furniture and sculptures.

This year, the Kunstmuseum in Basel, Tate Modern in London and MoMA in New York celebrates her work and achievements with a major touring retrospective, highlighting the life and career of one of the first women artists of the 20th century.

This book, conceived and written by Silvia Boadella, the great-niece of Sophie Taeuber-Arp, goes beyond the classical genres of a biography, an essay, or even an exhibition catalogue.

Based on family memories, stories, unpublished sources and documents, Sophie Taeuber-Arp: A Life through Art is an intimate portrait of the artist and her inner self. It offers a personal and remarkable account of how Sophie Taeuber-Arp remained passionately dedicated to her art despite the threat of two world wars in a time of tremendous historic and artistic upheavals.

The author grew up surrounded by Sophie Taeuber-Arp’s art. With her intimate and empathetic approach, as if she were looking at the world through the artist’s eyes, Boadella develops a visually and verbally powerful narrative that, for the first time, connects key moments in the artist’s life with her works.

This unique, exceptional portrait is a tribute to how Sophie Taeuber-Arp not only preserved her identity and found joy in extremely difficult circumstances but mustered enormous strength to endure the challenges in her life. It traces her sources of inspiration and love of nature, her childhood, generosity, and relationship with her husband, the famous sculptor Hans (Jean) Arp (1887-1966). It also delves into the couple’s artistic life and circle of friends, including Alexander Calder, Max Ernst and Sonia and Robert Delaunay, and the circumstances of her tragic and accidental death in Zurich en route to exile with Arp to the US in 1943.

Silvia Boadella

Photocredit: Christine Kocher 

The author, Silvia Boadella, PhD, great-niece of Sophie Taeuber-Arp, is a writer and psychotherapist. She studied philosophy, literature, psychology and art history in Basel and at the University of Tübingen in Germany, where she received a PhD in philosophy. She was a guest professor for four years at the University of Kanazawa, Japan, where she also trained in Butoh dance with Kazuo Ohno. She then lectured in philosophy at the Goethe Institute in New Delhi, before studying somatic psychotherapy. Since 1985, she and her husband David Boadella have been developing Biosynthesis, a form of somatic psychotherapy, which – following their training courses – is now widely practiced internationally. Silvia Boadella directs the International Institute for Biosynthesis in Switzerland, where she teaches her own combination of art, therapy and dance. She has served as co-editor of Energy & Character, the journal of Biosynthesis, and regularly lectures at international congresses. In 2014, she published a first novel Die tragende Haut (Arbor editions).

Dates of publication: Mid-March 2021 (German-speaking countries), April 2021 (Rest of Europe and UK), June 2021 (USA)

Size 21.5 × 26 cm (8 ½ × 10 ¼ in), bilingual edition (English-German)

224 pages, 80 color and b/w illustrations, paperback

ISBN 978-88-572-4332-0 - Price €32.00, £30.00, $39.95