Tania Mouraud. Rétrospective, Metz

Tania Mouraud. Une rétrospective
Centre Pompidou-Metz
4 mars - 5 octobre 2015

Le Centre Pompidou-Metz présente, en partenariat avec 9 sites culturels de Metz, la première exposition monographique d’envergure dédiée à l'artiste française Tania Mouraud.

TANIA MOURAUD

Affiche de l'exposition au Centre Pompidou-Metz

Amorcé à partir du 4 mars 2015 au Centre Pompidou-Metz, et pensé à l'échelle de la ville et de son agglomération, l'événement prendra toute son ampleur à partir de la fin juin 2015, déployant ainsi une rétrospective sans précédent dans sa forme et inédite dans son déploiement.

Artiste refusant tout rattachement à un courant ou à un dogme, Tania Mouraud n’a cessé de faire évoluer son œuvre depuis la fin des années 1960, explorant alternativement toutes sortes de disciplines – peinture, installation, photographie, performance, vidéo, son – autour d’un principe constant : interroger les rapports entre l’art et les liens sociaux. Elle propose ainsi de rajouter dans les habitations standardisées une chambre de méditation (1968). Elle affiche dans l’espace public sur les panneaux 4 x 3 m son désaccord avec une société glorifiant l’avoir au dépend de l’humain (1977). Elle réfléchit aux rapports esthétiques entre l’art et la guerre, et se penche avec l’aide de l’écriture sur les limites de la perception, en créant des « mots de forme » (1989). À partir de 1998, elle se sert de la photographie, de la vidéo et du son en lien étroit avec la peinture pour questionner différents aspects de l’histoire et du vivant.

Un catalogue accompagne l’exposition. Il constitue une monographie de référence sur l’artiste, faisant une large place à ses écrits et incluant des documents inédits. 

Commissaires : Hélène Guenin, Responsable du pôle Programmation, Centre Pompidou-Metz Élodie Stroecken, Chargée de coordination du pôle Programmation, Centre Pompidou-Metz 

Centre Pompidou Metz
1 parvis des droits de l’homme – 57000 Metz
www.centrepompidou-metz.fr

Sigmar Polke at Phillips, London & Berlin - A Selling Exhibition from an Important American Collection 1967 – 2000

Sigmar Polke: A Selling Exhibition from an Important American Collection 1967 – 2000

Phillips, London

27 February - 13 March 2015

Phillips, Berlin

20 April - 14 May 2015

Phillips presents Sigmar Polke: A Selling Exhibition from an Important American Collection 1967 – 2000. The travelling exhibition of 39 prints and one multiple, Apparatus Whereby One Potato Can Orbit Another will be on view in London and in Berlin.

A daring and irreverent artist, Sigmar Polke is considered one of the most important and influential German artists of the 20th century. His art both typifies and transcends his time, mixing Dada with Pop, the playful with the ironic, and elements of 60’s psychedelia with commercial culture. He is famous for his democratic use of materials and sources, pulling wildly varied mediums such as gold leaf, newspaper clippings, pigment extracted from snails and meteorite dust together in a frenetic array of work. The 40 editioned works for sale offer a window into the mind of the artist that the New York Times called “a social critic, a moralist and something of a mystic.”

The most notable multiple for sale is Apparat, mit dem eine Kartoffel eine andera umkreisen kann/Apparatus Whereby One Potato Can Orbit Another, 1969. This rare and lighthearted apparatus is comprised of a modified wooden stool, battery-driven electric motor, rubber band, wire, and two replaceable potatoes, and was produced in a small edition of 30.

Other examples from this edition are kept in prestigious museum collections, including one at the Walker Art Center, Minneapolis and another which was recently part of Alibis: Sigmar Polke 1963–2010 a retrospective on the artist at the Tate Modern in London.

Sigmar Polke was a voracious printmaker, working in a variety of mediums and formats, from offset lithography to screenprint and collage. He combined scraps of pop-culture with offset lithography in many works, including in the seminal Freundinnen I/Girlfriends I, 1967, which renders in blown-up raster - or dot pattern - a provocative newspaper ad of two modern women posing in swimsuits. He used this exaggerated raster throughout his career and specifically as late as 1999 in Experiment I, II, III and IV, a series of color screenprints offered here as the complete set of four.

Another irreverent work comprised of repurposed everyday materials is Sechs Richtige/Six Correct, 1995. This piece, composed of red felt-tip pen on mesh, is unique in that each example in the edition of 30 has marks in different places. S.H. Oder die Liebe Zum Stoff/S.H. or the Love of Fabric, 2000 is a print of an image of fingers turning a key, attached to a heart-shaped charm, screenprinted in unique colours onto a table cloth patterned with Euro currency.

Sigmar Polke often employed his own photography both as medium and source in his work, beautifully exemplified in Ohne Titel (Medium Fotografie), 1984. This unique black and white photograph depicts a mysterious form resembling a bunny in a windowsill, and was an important contribution to the photographic portfolio Medium Fotografie. Each example from the edition of 21 is a unique print, varying in composition and effect. A series of the artist’s photographs of the model Mariette Althaus, translated into offset lithographs in Weekend I, II, and III, 1971-72 is also offered as the complete set of three.

PHILLIPS

London Location: 30 Berkeley Square, London W1J 6EX

Berlin Location: Kurfürstendamm 193, Berlin 10707

www.philipps.com

PULSE New York Contemporary Art Fair 2015

PULSE New York Contemporary Art Fair 2015

Celebrating its 10th anniversary, PULSE Contemporary Art Fair returns for its New York edition from March 5 – 8, 2015 at the Metropolitan Pavilion in Chelsea. PULSE New York will continue the momentum established during its successful Miami Beach edition, which realized major sales and acclaim at the fair’s airy new mid-Miami Beach location. PULSE New York will present a tightly-curated selection of exhibitors showing work by more than 100 international artists, over 80% of exhibitors at the fair will present three artists or less, and a third will showcase two artists in conversation. As one of the longest-running contemporary art fairs in New York, PULSE offers visitors a welcoming environment in which to explore and discover the most compelling contemporary art produced today.

“We look forward to returning to March and introducing visitors to our select group of exhibitors and artists,” says Director Helen Toomer, “PULSE is an environment that encourages interaction and we take pride in showcasing a microcosm of the contemporary art market in which artists can be discovered, acquired and supported.”

PULSE New York 2015 Exhibitors and Artists:

523 Gallery Thomas Jaeckel, New York, NY: Diana Copperwhite

Adah Rose Gallery, Kensington, MD: Joan Belmar, Brian Dupont, Alan Steele

ANTONIO COLOMBO ARTE CONTEMPORANEA, Milan, Italy: Zio Ziegler

ART LEXÏNG, Miami, FL: Ye Hongxing

Black & White Gallery / Project Space, Brooklyn, NY: Liset Castillo, Cristina del Campo, Peter Brock, Michael van den Besselaar

Brodsky Center Rutgers University, New Brunswick, NJ (POINTS): Lynda Benglis, Trenton Doyle Hancock, William Kentridge, Irena Nakova, Chris Ofili, Kiki Smith, Pat Steir, Richard Tuttle, Chuck Webster, Carrie Mae Weems, Stephen Westfall

Causey Contemporary, New York, NY: Melissa Murray, John J. Richardson

Conduit Gallery, Dallas, TX: Marcelyn McNeil, Sandra Ono

CYNTHIA CORBETT GALLERY, London, UK: Fabiano Parisi

DAVIDSON CONTEMPORARY, New York, NY: Thomas Witte, Sam Messenger, Darren Lago, Kim Rugg, Ghost of a Dream, Mel Rosas, Kiel Johnson

De Soto Gallery, Venice, CA (IMPULSE): Laura Plageman, Osamu Yokonami

OSAMU YOKONAMI

Assembly d-3

Courtesy De Soto Gallery, Venice, CA

ELISABETH CONDON

Electric Lotus Land

Courtesy Emerson Dorsch, Miami

Emerson Dorsch, Miami, FL: Elisabeth Condon

Galerie Ernst Hilger GMBH, Vienna, Austria: Mel Ramos, Cameron Platter, Brian McKee, Oliver Dorfer, FAILE, Shepard Fairey

GALERIE FREY, Vienna, Austria: Herbert Golser, Anselm Gluck, Johannes Domenig

Galerie L’lnlassable, Paris, France (IMPULSE): Anne Deleporte, Reinhard Voss & Adam Dix

Galerie Sator, Paris, France: Yevgeniy Fiks

Gallery LVS, Seoul, South Korea: Tea Jin Seong, Won Kun Jun

gallery nine5, New York, NY: Jessica Lichtenstein, Katherine Tzu-Lan Mann

Gallery Poulsen, Copenhagen, Denmark: Jean-Pierre Roy, Christian Rex van Minnen, Aaron Johnson, Nicola Verlato

AARON JOHNSON

Voodoo Child, 2013

Courtesy Gallery Poulsen, Copenhagen

InLiquid, Philadelphia, PA (POINTS): Melissa Maddonni Haims

InSitu Works, New York, NY: Pablo Davila, TrujilloPaumier, Alexis Zambrano

Lesley Heller Workspace, New York, NY: Katherine Newbegin, Jim Osman

Livingstone gallery THE HAGUE/BERLIN, The Hague, The Netherlands: Raquel Maulwurf, Arnulf Rainer

Lyons Wier Gallery, New York, NY: Jeff Muhs, James Austin Murray

LMAKprojects, New York, NY: Russell Nachman

MC2Gallery, Milan, Italy: Renato D'Agostin, Trong Gia Nguyen

Mindy Solomon Gallery, Miami, FL: Osamu Kobayashi

My Name’s Lolita Art, Madrid, Spain: Paco Pomet, Joël Mestre

ODETTA, Brooklyn, NY (IMPULSE): Margaret Roleke, Ryan Sarah Murphy

Philip Bloom Gallery, Nantucket, MA (IMPULSE): Eli G. Halpern, Patrick Shoemaker

Pictura Gallery, Bloomington, IN: David Magnusson, Connor Green, Joe Johnson

Project ArtBeat, Tbilisi, Georgia (IMPULSE): Beso Uznadze, Maia Naveriani, Thea Gvetadze

RICK WESTER FINE ART, New York, NY: Alyse Rosner

ROCKELMANN&, Berlin, Germany (IMPULSE): Jeffrey Teuton, Kathleen Vance

Sienna Patti, Lenox, MA: Jonathan Wahl

Susan Eley Fine Art, New York, NY: Carole Eisner, Allison Green

SVA Galleries, New York, NY (POINTS): Curated Graduate Exhibition

TRANSFER, Brooklyn, NY: Carla Gannis

Uprise Art, New York, NY: Charlie Engman, Rachel Mica Weiss

Voltz Clarke, New York, NY: Michael Marra, Elaina Sullivan

WAGNER + PARTNER, Berlin, Germany: Peter Dreher, Ruud van Empel, Eckart Hahn

Waterhouse & Dodd, New York, NY & London, UK: Kim Keever, Jean-Francois Rauzier

X-Change Art Project, Lima, Peru (POINTS): Alessandra Rebagliati, Mariana Rivero, Iliana Scheggia

Yuki-Sis, Tokyo, Japan (IMPULSE): Katsutoshi Yuasa

A select jury will again award the PULSE Prize, a cash grant awarded directly to an artist of distinction, featured in a solo exhibition at PULSE New York. Nominees include:

Diana Copperwhite | 523 Gallery Thomas Jaeckel, New York, NY

Zio Ziegler | ANTONIO COLOMBO ARTE CONTEMPORANEA, Milan, Italy

Ye Hongxing | ART LEXÏNG, Miami, FL

Fabiano Parisi | CYNTHIA CORBETT GALLERY, London, UK

Elisabeth Condon | Emerson Dorsch, Miami, FL

Melissa Maddonni Haims | InLiquid, Philadelphia, PA (POINTS)

Yevgeniy Fiks | Galerie Sator, Paris, France

Russell Nachman | LMAKprojects, New York, NY

Osamu Kobayashi | Mindy Solomon Gallery, Miami, FL

Alyse Rosner | RICK WESTER FINE ART, New York, NY

Jonathan Wahl | Sienna Patti, Lenox, MA

Katsutoshi Yuasa | Yuki-Sis, Tokyo, Japan (IMPULSE)

PLAY, the fair’s showcase for video and new media, will be curated by Billy Zhao, a dynamic young curator from the Marina Ambramovic Institute (MAI). PERSPECTIVES is the fair’s series of in-depth conversations between prominent art world insiders, exploring ideas within contemporary art and the art market. On Saturday, March 7 the fair will host 10 x 10, a special curator-focused roundtable, featuring ten curators who will each have ten minutes to answer questions related to “The Future”, which is the overarching theme of this New York edition.

PROJECTS will feature a large site-specific entryway installation by Rachel Mica Weiss presented by Uprise Art, monumental sculptures by Aaron Stephans and Lauren Fensterstock presented by Sienna Patti, paintings by emerging London-based artist Danny Rolph presented by 523 Gallery Thomas Jaeckel, and a video sculpture by Jonathan Calm, presented by LMAKprojects. Carla Gannis will exhibit a large-scale digital print courtesy of TRANSFER.

www.pulse-art.com

Jérôme Zonder, La Maison Rouge, Paris

Jérôme Zonder 

La Maison Rouge, Paris

Jusqu'au 10 mai 2015

La maison rouge présente la première exposition monographique consacrée à Jérôme Zonder dans une institution parisienne.

Jérôme Zonder (né en 1974 à Paris) développe depuis plus de dix ans une œuvre virtuose centrée sur le dessin. Réalisées essentiellement à la mine de plomb et au fusain, ses œuvres souvent de très grands formats suscitent à la fois admiration et effroi.

Dans son travail les références à Albrecht Dürer, Robert Crumb, Rembrandt, Charles Burns, Otto Dix et Walt Disney voisinent pour composer des récits, souvent cruels : 

« La narration nous fait entrer dans le dessin, le corps seul nous retient à la surface. Dessiner pour moi, c’est sans cesse être entre distance et proximité, figuration et abstraction, attraction et répulsion ».

Pour son exposition à la maison rouge, Jérôme Zonder a imaginé une déambulation invitant le spectateur à pénétrer à l’intérieur même du dessin, puisque sols et murs en sont recouverts, établissant un cheminement, spatial et mental, dans les préoccupations de l’artiste.

« En 2009, une montée de violence me semblait palpable. J’ai commencé une série consacrée aux enfants du siècle, alors âgés de neuf ans, autour du thème de leur anniversaire les faisant rejouer des événements de l’actualité récente, où violence, enfance, cruauté et amour s’entremêlaient ».

Aujourd’hui, ces enfants ont grandi et arrivent à l’âge de l’adolescence. Après les terreurs et les mauvais rêves de la petite enfance, vient le temps des bouleversements intérieurs, des métamorphoses, des prises de conscience et des incertitudes.

Entre poésie et noirceur, les scènes qui composent cet ensemble juxtaposent la violence et les tragédies de l’histoire (la petite autant que la grande) avec l’immédiateté stylistique du dessin d’enfant et les prouesses de sa technique.

Nombreuses questions se posent : comment interpréter ces images ? Quel rapport entretient-on avec la violence quotidienne ? Quels témoins de ce qui nous entoure sommes-nous ?

LA MAISON ROUGE

www.lamaisonrouge.org

Exposition Velazquez, Grand Palais, Paris

Velazquez

Grand Palais, Paris 

25 mars - 13 juillet 2015

Né à Séville en 1599, Diego Velázquez est l’une des plus importantes figures de l’histoire de l’art, tout style et toute époque confondus. Chef de fil de l’école espagnole, peintre attitré du roi Philippe IV, au moment où l’Espagne domine le monde, il est le strict contemporain de Van Dyck, Bernin et Zurbaran, bien que son art ne l’élève à une intemporalité que seuls peuvent lui disputer les noms de Léonard, Raphaël, Michel-Ange, Titien, Caravage et Rembrandt.

Diego Velázquez, Portrait de Pablo de Valladolid (détail), vers 1635

huile sur toile, 209 x 125 cm,

Madrid, Museo Nacional del Prado 

© Madrid, Museo Nacional del Prado

Formé très jeune dans l’atelier de Francisco Pacheco, peintre influent et lettré de la capitale andalouse, il ne tarde pas à s’imposer et, encouragé par son maître devenu aussi son beau-père, décide de tenter sa chance à la cour de Madrid. Après une première tentative infructueuse, il est finalement nommé peintre du roi en 1623 marquant le début d’une ascension artistique et sociale qui le mène aux plus hautes charges du palais et au plus près du souverain. Sa carrière est rythmée par deux voyages déterminants en Italie, le premier autour de 1630, le second autour de 1650, et par les naissances et décès successifs des héritiers au trône. Maître dans l’art du portrait, dont il libère et renouvelle le genre, il n’excelle pas moins dans le paysage, la peinture d’histoire ou, dans sa jeunesse, la scène de genre et la nature morte.

Bien qu’il soit l’un des artistes les plus célèbres et admirés hier comme aujourd’hui, aucune exposition monographique n’a jamais montré en France le génie de celui que Manet a consacré « peintre des peintres ». La rareté de ses tableaux (à peine plus d’une centaine) et leur légitime concentration au musée du Prado (Madrid) rendent particulièrement difficile l’organisation d’une rétrospective complète. C’est cependant le défi relevé par le musée du Louvre et le Grand Palais qui joignent leur force en collaboration avec le Kunsthistorishes Museum de Vienne et avec l’appui généreux du musée du Prado. Certains prêts tout à fait exceptionnels ont ainsi pu être obtenus à l’instar de la Forge de Vulcain (Prado) et de la Tunique de Joseph (Escorial), de même que des chefs d’œuvre absolus comme la Vénus au miroir (Londres, National Galery) ou le Portrait d’Innocent X (Rome, Palais Doria Pamphilj) - si cher à Francis Bacon -, deux icônes universelles de l’histoire de l’art.

L’exposition entend présenter un panorama complet de l’œuvre de Diego Velázquez, depuis ses débuts à Séville jusqu’à ses dernières années et l’influence que son art exerce sur ses contemporains. Elle se donne en outre pour mission de porter les principales interrogations et découvertes survenues ces dernières années, exposant, dans certains cas pour la première fois, des œuvres récemment découvertes (L’Education de la Vierge [New Haven, Yale Art Gallery] ; Portrait de l’inquisiteur Sebastian de Huerta [collection particulière]).

Une première section s’attache à évoquer le climat artistique de l’Andalousie au début du XVIIe siècle, mettant en perspective les premières œuvres de Velázquez et restituant l’émulation de l’atelier de Pacheco autour de peintures et de sculptures d’Alonso Cano et Juan Martinez Montañés. 

Vient ensuite le moment d’aborder la veine naturaliste et picaresque de la peinture de Velázquez autour de ses scènes de cuisine et de taverne, en insistant particulièrement sur les concepts de variation et de déclinaison des motifs. Autour de 1620, le style du peintre évolue vers un caravagisme plus franc. Cette période correspond aux premiers contacts de l’artiste avec Madrid et la peinture qu’on y trouve et qui s’y produit. Cette partie de l’exposition, assurant la transition entre les années de formation à Séville et la première époque madrilène, présente ainsi les œuvres du peintre parmi celles de ses contemporains, espagnols ou italiens, qui partagèrent cette adhésion à une peinture plus « moderne ». Enfin, les débuts du peintre à la cour voient évoluer sa conception du portrait, passant d’un naturalisme bouillonnant à des formules plus froides et solennelles en accord avec la tradition du portrait de cour espagnol.

Tournant important de son art comme de sa carrière, le premier voyage en Italie de l’artiste est illustré par des œuvres qui pourraient avoir été exécutée à Rome ou immédiatement à son retour (Vue des jardins de la Villa Médicis, Rixe devant une auberge…). Ces chefs-d’œuvre de la première maturité offrent en outre l’occasion d’aborder un aspect peu exploré de son œuvre : le paysage. Stimulé par l’exemple de Rubens, Velázquez confère une fraîcheur et une liberté aux arrières plans de ses portraits en extérieur réalisés pour les différentes résidences royales. La partie centrale de cette deuxième section est consacrée à la figure de Balthazar Carlos. Fils chéri et héritiers attendu de la Couronne, il incarne tous les espoirs dynastiques des Habsbourg d’Espagne au moment où le règne de Philippe IV est lui-même à son apogée. A mi-parcours, l’exposition s’arrête sur la peinture mythologique, sacrée et profane de Velázquez dont la Vénus au miroir constituera le point d’orgue.

La troisième et dernière partie est dédiée à la dernière décennie du peintre et à son influence sur ceux que l’on appelle les vélazquésiens (velazqueños). Cette section consacre largement l’importance du peintre en tant que portraitiste, à la Cour de Madrid dans un premier temps, puis à Rome autour du pape Innocent X à l’occasion de son second voyage italien. A cette occasion seront évoqués deux de ces collaborateurs importants et demeuré dans l’ombre du maître : l’Italien Pietro Martire Neri et Juan de Pareja, esclave affranchi et assistant du peintre.

Il s’agit enfin de présenter les derniers portraits royaux exécutés par le maître espagnol, en regard de ceux de son gendre et plus fidèle disciple : Juan Bautista Martinez del Mazo. Une salle, dédiée à ce dernier, témoigne des derniers feux du styles de Velázquez, autour du tableau de La Famille du peintre de Vienne et de la version réduite des Ménines de Kingston Lacy, avant que d’autres influences, celle de Van Dyck notamment, ne s’exerce sur les peintres de la génération suivante dont le plus virtuose, Carreño de Miranda, nous livre les impressionnantes dernières images des derniers Habsbourg d’Espagne.

Cette exposition est organisée par la Réunion des musées nationaux - Grand Palais et le musée du Louvre, Paris en collaboration avec le Kunsthistorisches Museum, Vienne. Une première étape de la manifestation, dans un format réduit, a été présentée à Vienne, au Kunsthistorisches Museum, du 28 octobre 2014 au 15 février 2015

Commissaire d'exposition : Guillaume Kientz, conservateur au département des Peintures du musée du Louvre.

Publications aux éditions de la Réunion des musées nationaux - Grand Palais, Paris 2015 :

• catalogue de l’exposition, 24,5 x 29 cm, 432 p., 300 ill., 49 €

• album de l’exposition, 21 x 26,5 cm, 48 p., 40 ill., 10 €

• Velázquez l’Expo, 15 x 20 cm, 304 p., 120 ill., 18,50 €

• le film de l’exposition, réalisé par Karim Aïnouz, 52 mn, 19,95 €

Informations et réservations :

www.grandpalais.fr

Canon EOS 5DS & 5DS R DSLR Features

Setting a new benchmark for full-frame cameras, the EOS 5DS and EOS 5DS R combine fast, instinctive DSLR handling with the newly-developed 50.6 MP CMOS sensor, providing the flexibility to shoot a wide range of scenes and subjects, making it ideal for large format mediums, such as advertising billboards and magazine covers, where every pixel matters. The sensor’s advanced architecture provides ISO 100-6400 sensitivity, expandable to 50-12800, ensuring high quality images with low noise, accurate colours and wide dynamic range. For added flexibility, the cameras’ resolution enables three new in-camera crop shooting modes – 1.3x, 1.6x and 1:1. Visible through the viewfinder, the crop modes deliver outstanding results, with stills at 19 MP even when cropped to 1.6x.

Built to withstand the most demanding shoots, the EOS 5DS and EOS 5DS R’s dual DIGIC 6 processors provide the rapid performance and responsiveness required to deliver first-class images with exceptional colour reproduction. Both processors are designed to comfortably manage huge levels of image data from the 50.6 MP sensor, whilst simultaneously reducing image noise and providing the freedom to shoot at five frames per second. 

Created to ensure every detail of your exquisite landscape or high-fashion studio shoot is in focus, the EOS 5DS and

EOS 5DS R feature an advanced 61-point AF system, with 41 cross-type points, delivering incredible levels of image sharpness and accuracy across the frame. Both cameras comfortably maintain focus with moving subjects, using EOS Intelligent Tracking and Recognition AF (iTR) to track both faces and colour. To reduce image blur, Canon’s Mirror Vibration Control System uses cams to drive the cameras’ mirror up and down in a highly controlled fashion, avoiding all sudden stops and softening the shutter-release sound. 

Additionally, the EOS 5DS and EOS 5DS R’s 150k pixel RGB+IR metering sensor with Flicker Detection ensures images can be captured with consistent and accurate exposures under varying lighting scenarios, including florescent.

Putting unrivalled image quality at your fingertips, the EOS 5DS and EOS 5DS R include a number of customisable modes and settings to ensure stunning results every time. A new Fine Detail Picture Style maximises the level of detail that can be achieved from the sensor, enabling advanced sharpness adjustment without the need for editing software. 

Popular creative modes, including Multiple Exposure and HDR, provide instant, in-camera creativity, while a built-in timer allows you to shoot over long periods and create stunning time lapse videos, without being tied to the camera or needing advanced software and excessive kit.

The EOS 5DS and EOS 5DS R have been expertly constructed to allow you to operate quickly, regardless of the environment you’re shooting in. The 100% viewfinder with electronic overlay makes framing vital shots easy and can be customised to your preferred style. The large, 8.11cm (3.2”) Clear View II LCD screen, with an anti-reflective structure, minimises reflection or glare when reviewing shots and also acts as a visual and accessible dashboard of the most commonly used settings. The cameras’ new Custom Quick Control screen means that the type, size and position of icons are also easily customisable to the user or shooting scenario.  

Both cameras utilise Canon’s iconic design DNA – a highly durable body constructed from high-grade magnesium alloy to provide weather resilient shooting – ideal for landscape photographers who are dedicated to getting the perfect shot, whatever the weather. 

When nothing but the absolute maximum level of detail possible will do, the EOS 5DS R features a low pass cancellation filter to ensure the sharpest possible results. Great for landscape photographers, where patterns are organic, the camera’s low pass cancellation filter produces the stunning level of detail required to turn a great shot into an incredible shot.

The EOS 5DS and EOS 5DS R are compatible with Canon’s extensive EF lens range.

EOS 5DS Key features:

- 50.6 MP CMOS sensor with dual DIGIC 6 processors

- 150K Pixel RGB+IR Metering Sensor

- Up to 5.0 Frames Per Second

- 61-point AF

- Cropped Shooting

EOS 5DS R also includes:

- Low-pass cancellation filter

CANON EUROPE

www.canon-europe.com

Les Bas-fonds du Baroque : La Rome du vice et de la misère, Petit Palais, Paris

Les Bas-fonds du Baroque : La Rome du vice et de la misère 
Petit Palais, Paris
24 février - 24 mai 2015

L’exposition « Les Bas-fonds du Baroque, la Rome du vice et de la misère » invite le public à découvrir, dans les Grandes Galeries du Petit Palais, le visage sombre et violent de la Rome baroque du XVIIe siècle, souvent célébrée pour ses fastes et sa grandeur, symboles du triomphe de la Papauté.

Theodoor Rombouts, La Rixe, 1620-1630

150 x 241 cm, Statens Museum for Kunst, Copenhagen

Près de 70 tableaux évoquent l’univers clandestin et interlope de la capitale représentant un aspect inédit de cette étonnante production artistique romaine du Seicento, de Manfredi à Nicolas Régnier. Présentée à la Villa Medicis à l’automne 2014, l’exposition du Petit Palais est enrichie de nouveaux prêts prestigieux. Pour la première fois en France, est présentée cette « Rome à l’envers », au sein de laquelle s’épanouissent le vice, la misère et les excès de toutes sortes.

Grâce à des prêts exceptionnels de collections privées et de grands musées internationaux comme la National Gallery de Londres, le Nationalmuseum de Stockholm, la National Gallery d’Irlande, le Louvre, la Galerie Borghèse, le Palazzo Barberini, le Rijksmuseum d’Amsterdam entre autres, le public découvrira les œuvres de grands peintres caravagesques, des Bamboccianti et des principaux paysagistes italianisants. L’exposition réunit des artistes venus de toute l’Europe : de France comme Valentin de Boulogne, Simon Vouet, Nicolas Tournier, Claude Lorrain, des peintres de l’Europe du Nord tels Pieter Van Laer, Gerrit van Honthorst, Jan Miel ou du sud comme Bartolomeo Manfredi, Lanfranco, Salvator Rosa ou Jusepe de Ribera. Leur production artistique a alors comme point commun de dépeindre une Rome du quotidien privilégiant la vision « d’après nature » plutôt que celle louant le « beau idéal ». Ils participent à la vie nocturne de la cité et trouvent dans ses bas-fonds, ses tavernes, dans ce monde de misère, violent et grossier, où l’on boit et où l’on joue, une source inépuisable d’inspiration. Bon nombre de ces artistes, ceux venant d’Europe du Nord, se retrouvent au sein d’une société secrète, la « Bentvueghels » (les « Oiseaux de la bande »), placée sous la protection de Bacchus, dieu du vin et de l’inspiration artistique. Une vie de Bohême dont les peintres livrent parfois aussi des représentations empruntes de mélancolie, tirant des bas-fonds des toiles sublimes.

Le parcours de l’exposition évoque grâce à une scénographie spectaculaire du metteur en scène et scénographe italien Pier Luigi Pizzi, la dualité de la Rome de cette époque, entre la violence de ses bas-fonds et les fastes des palais de la Papauté.

Une application mobile est également disponible pour découvrir l’exposition grâce à une interview d’Annick Lemoine et de Pier Luigi Pizzi, à une sélection d’œuvres commentées ainsi que d’un jeu de piste.

Commissariat de l'exposition : Francesca Cappelletti, commissaire scientifique, professeur à l’université de Ferrare, Annick Lemoine, commissaire scientifique, chargée de mission pour l’histoire de l’art à l’Académie de France à Rome-Villa Médicis, maître de conférences des universités, Christophe Leribault, directeur du Petit Palais.

Petit Palais - Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris
www.petitpalais.fr

Paul Gauguin, Fondation Beyeler, Riehen / Bâle

Paul Gauguin 
Fondation Beyeler, Riehen/Bâle 
Jusqu'au 28 juin 2015 

Paul Gauguin (né en 1848 à Paris ; mort en 1903 à Atuona sur l’île d’Hiva Oa, Polynésie française), le peintre d’un monde exotique et radieux, doit sa place dans l’histoire de l’art à ses représentations somptueusement colorées des îles des mers du Sud. Ses oeuvres novatrices comptent parmi les icônes de l’art moderne. Par leurs couleurs « pures » et éclatantes et par leurs formes planes, elles ont révolutionné l’art et joué un rôle déterminant pour les artistes modernes de la génération suivante. Avant Gauguin, aucun artiste ne s’était consacré à une quête aussi acharnée du bonheur et de la liberté, tant dans sa vie que dans son art. C’est également une des raisons de son immense popularité, demeurée intacte jusqu’à ce jour.

Paul Gauguin

Autoportrait à la palette, vers 1893/94

Huile sur toile, 92 x 73 cm

Collection particulière

Paul Gauguin a déjà 35 ans quand il décide de renoncer à son existence de courtier en bourse et en assurances pour se consacrer entièrement à la peinture. Le bourgeois se transforme alors en bohème. Au cours de la petite vingtaine d’années qui suit, il produit une oeuvre d’une richesse et d’une diversité extrêmes, où peintures et sculptures côtoient dessins, gravures et écrits.

À travers des chefs-d’oeuvre uniques provenant des plus grands musées et des plus remarquables collections particulières du monde, l’exposition de la Fondation Beyeler se concentre sur la période de maturité de Gauguin, celle où l’artiste a trouvé son style personnel. Après les oeuvres novatrices réalisées en Bretagne, le parcours se poursuit par les célèbres tableaux qu’il peint en Polynésie d’abord à Tahiti, puis dans l’archipel des Marquises. Ce sont ces oeuvres qui font découvrir, mieux que toutes autres, les innovations formelles et la diversité de contenu du langage pictural expressif de Gauguin. Si la peinture unique de Gauguin occupe le centre de cette exposition, sa sculpture inspirée de la culture maohie se voit également accorder une place importante, un certain nombre d’oeuvres clés engageant ainsi un dialogue avec ses célèbres toiles. Sur le plan du contenu, l’accent est porté sur le traitement novateur de la figure et du paysage, lesquels entretiennent une interaction harmonieuse dans l’univers pictural de Gauguin.

Dégoûté par les milieux artistiques parisiens, Paul Gauguin décide d’explorer la Bretagne, plus proche de la nature, espérant y trouvant de nouvelles impulsions artistiques. Lors de son deuxième séjour dans le village breton de Pont-Aven, au début de 1888, il met au point son style personnel, dénommé « synthétisme ». Il y utilise des couleurs pures et lumineuses qui entretiennent de puissants contrastes, et juxtapose des formes clairement délimitées, accentuant la planéité du tableau. À la différence des impressionnistes, Gauguin ne cherche plus à reproduire la surface perceptible de la réalité : il se met en quête d’une vérité plus profonde, au-delà du visible. Un groupe d’artistes, connu sous le nom d’« École de Pont-Aven », se rassemble alors autour de lui. En Bretagne, Gauguin peint des paysages idylliques et des scènes de la vie rurale, des représentations sacrées véritablement novatrices et des autoportraits complexes, qui révèlent l’artiste sous diverses facettes.

Paul Gauguin

La Vision du sermon, 1888

Huile sur toile, 72,2 x 91 cm

Scottish National Gallery, Édimbourg

Toujours en quête d’authenticité et bien décidé à poursuivre sa démarche artistique, Paul Gauguin décide d’émigrer à Tahiti en 1891. Il croit trouver sur cette île du Pacifique un paradis tropical intact, où il pourra se développer librement en tant qu’artiste. Mais il constate rapidement que la réalité tahitienne est loin de correspondre à ses images idéalisées ; en effet, la colonisation et la christianisation ont déjà largement détruit le « paradis » qu’il espérait trouver. Gauguin cherche à compenser cette déception à travers son art, dans lequel il célèbre la beauté exotique rêvée des paysages polynésiens et de leur population indigène dans des toiles aux couleurs somptueuses et dans des sculptures remarquablement expressives, s’inspirant également des mythes et du langage iconographique des peuples océaniens.

Paul Gauguin

Aha oe feii?, 1892

Eh quoi! tu es jalouse?

Huile sur toile, 66 x 89 cm

Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou

Photo : © Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou

Des raisons financières et des problèmes de santé obligent Paul Gauguin à quitter Tahiti en 1893 pour regagner la France. Cependant, le public parisien ne lui accordant pas le succès espéré, il décide de regagner Tahiti dans le courant de l’été 1895. Il y réalise de nouvelles oeuvres marquantes dans lesquelles il célèbre son image idéale d’un monde intact et en même temps mystérieux, accédant ainsi à une perfection suprême. Accablé par les difficultés de l’existence et par son état de santé délabré, et désespéré par la mort prématurée de sa fille Aline, Gauguin fait une tentative de suicide dont les conséquences le feront longtemps souffrir. Pendant ce temps, le monde artistique commence enfin à prêter attention à son oeuvre, ce qui lui permet de conclure en 1900 avec le galeriste parisien Ambroise Vollard un contrat lui assurant un certain revenu.

Paul Gauguin se sent de moins en moins à l’aise à Tahiti : il trouve l’île trop européenne et la vie y est devenue trop chère. Il recherche également de nouvelles impressions artistiques. Il se rend alors en 1901 sur l’île d’Hiva Oa dans l’archipel des Marquises, à 1500 kilomètres de Tahiti, et qui passe pour plus sauvage encore. Malgré sa santé délabrée, sa profonde désillusion et des déconvenues de toutes sortes, il réalise encore au cours de ce deuxième séjour dans le Pacifique des oeuvres qui célèbrent la richesse culturelle et la beauté naturelle de la Polynésie dans une perfection suprême allant jusqu’à la transfiguration. Aux Marquises, comme il l’avait déjà fait à Tahiti, Gauguin prend également fait et cause pour la population indigène, ce qui lui vaut des démêlés avec l’administration coloniale, qui aboutissent à sa condamnation à une amende et à une peine de prison. Avant que ce jugement ait pu être appliqué, Paul Gauguin meurt, le 8 mai 1903, à 54 ans, malade, solitaire et démuni sur l’île d’Hiva Oa, où sa tombe se trouve encore aujourd’hui.

Associant sérénité rayonnante et sombre mélancolie, les tableaux de Paul Gauguin sont tout à la fois séduisants et énigmatiques. Ils nous livrent un récit fascinant de l’aspiration à un paradis terrestre perdu, d’une vie d’artiste tragique, mouvementée, toujours en voyage entre les cultures, déterminée par la joie et le désespoir, la passion et l’esprit d’aventure. Tiraillé entre une utopie rêvée et la dure réalité, Gauguin était sans doute condamné à l’échec, mais son refus de tout compromis et la singularité absolue de son oeuvre  ont fait de lui un mythe intemporel.

Cette exposition a pu être réalisée grâce à l’exceptionnel soutien de : Hansjörg Wyss, Wyss Foundation, Beyeler-Stiftung, Walter Haefner Stiftung, L. + Th. La Roche Stiftung, Novartis, Stavros Niarchos Foundation, Dr. Christoph M. et Sibylla M. Müller

FONDATION BEYELER

Baselstrasse 101, 4125 Riehen/Basel
www.fondationbeyeler.ch

Jessica Todd Harper: The Home Stage @ The Print Center, Philadelphia

Jessica Todd Harper: The Home Stage 
The Print Center, Philadelphia 
Through March 28, 2015

The Print Center opens its Centennial year with Jessica Todd Harper: The Home Stage, the first solo exhibition in Philadelphia by the renowned photographer (b. 1975, Merion, PA). The exhibition coincides with the release of her second monograph of the same name (Damiani Editore).

Jessica Todd Harper 

The Home Stage

Published by Damiani Editore (2015)

Foreword by Alain de Botton, text by Alison Nordstöm

The Home Stage continues Harper's photographic investigation into her own life and extended family, as well as the families of friends and other acquaintances. In many of her images we see Harper with her three young children and husband in scenes that writer Alain de Botton describes as showing "ordinary life in the family, an especially poignant subject, because marriage and life with children are always buffeted and frustrated by inescapable difficulties." Harper herself has said that the work grew out of an "overwhelming sense that when we became parents, Chris and I had entered into an alternate and strange world." 

Jessica Todd Harper's figures are captured in images suffused with gorgeous light recalling the work of painters from other centuries, including Whistler, Sargent and Vermeer. Photography curator Alison Nordström has written that while Harper's works are "casual in their framing, composition and content, they offer the initial impression that the viewer is a fly on the wall, accidentally observing the most intimate of interactions. In fact these images are carefully thought out, planned, and constructed." The Home Stage presents a world that is both deeply personal and deftly orchestrated.  

Jessica Todd Harper has had recent solo exhibitions at Rick Wester Fine Art, New York, NY; Galerie Confluence, Nantes, France; Cohen Amador Gallery, New York, NY; and The Museum of Art, Ball State University. Her work has also been included in recent group exhibitions at the Portland Art Museum, Portland, OR; Gallery 339, Philadelphia, PA; The George Eastman House International Museum of Photography and Film, Rochester, NY; Philadelphia Photo Arts Center, Philadelphia, PA; New Orleans Museum of Art, New Orleans, LA; and Corcoran Gallery of Art, Washington, DC. Harper's work is held in the collections of The Museum of Fine Arts, Houston, TX; Allentown Art Museum, Allentown, PA; Haverford College, Haverford, PA and the Photo Center NW, Seattle, WA. Harper earned her BA from Bryn Mawr College, Bryn Mawr, PA and her MFA from the Rochester Institute of Technology, Rochester, NY. 

This exhibition was awarded from The Print Center's 88th Annual International Competition, juried by Julia Dolan, Minor White Curator of Photography, and Bruce Guenther, Chief Curator, Mercedes Eichholz Curator of Modern and Contemporary Art, both of the Portland Art Museum, Portland, OR.

The Print Center

www.printcenter.org

Peter Doig, Fondation Beyeler, Riehen / Bâle

Peter Doig

Fondation Beyeler, Riehen / Bâle

Jusqu'au 22 mars 2015

Peter Doig est chez lui dans de nombreux univers. Né à Edimbourg en 1959, il n’avait que deux ans quand sa famille est partie pour Trinidad avant de déménager une nouvelle fois cinq ans plus tard, au Canada, cette fois. Aujourd’hui, Doig partage sa vie entre Trinidad, Londres et New York, tout en enseignant à la Kunstakademie de Düsseldorf. C’est un artiste extrêmement polyvalent, qui maîtrise différentes techniques et multiplie les expériences, notamment dans son oeuvre gravée. Ses toiles, généralement de grand format, séduisent par la densité de leur atmosphère en même temps que par l’intensité de leurs couleurs et de leur luminosité. Peu d’artistes contemporains savent aussi bien que Peter Doig jeter un pont entre l’art moderne et l’art contemporain tout en anticipant l’avenir.

Peter Doig est particulièrement à l’écoute des sensibilités de notre monde, qu’il exprime à travers son art. Dans ses tableaux, le temps paraît s’écouler à un autre rythme que dans la vie réelle, il semble se dérouler plus lentement, s’arrêter même, se rapprochant ainsi du rêve, de l’hallucination, de la méditation ou des effets spéciaux du cinéma. Cette impression est encore renforcée par les différents états de fluidité qu’adopte sa peinture. De même, ce qui se passe dans les tableaux de Doig n’est pas facile à définir temporellement. Le rapport au présent s’estompe dans la déperdition de soi des personnages, dans le jeu des reflets dans l’eau et dans l’intemporalité de la nature.

Le plus souvent, les idées picturales de Peter Doig se rattachent à des fragments de notre présent : photographies de famille, coupures de presse, images de films. Ceux-ci donnent l’impulsion à des toiles qui réalisent un collage si habile d’éléments qu’il en résulte une composition cohérente et pleine de tension, se dérobant à toute tentative d’élucidation. Ses toiles, aux dimensions souvent imposantes, créent une impression à la fois familière et mystérieuse, tout en restant indécises, évoquant des séquences oniriques ou cinématographiques concentrées.

Les oeuvres de Peter Doig sont autant d’expéditions fantastiques dans un monde merveilleux. La nature qui s’y épanouit en couleurs somptueuses est peuplée de créatures étranges humains, figures de carnaval ou êtres fabuleux. Malgré cette beauté ensorcelante et cette mélancolie onirique, il ne s’agit pas ici de l’ébauche d’un Paradis. Partout se dissimulent des ombres et des abîmes, en même temps que la solitude, le lugubre, le danger, la peur et l’égarement qui menacent les individus dans leur prétendue idylle. Cet art associe étroitement réalité et absurde, et l’on y perçoit parfois le frémissement sous-jacent d’un souffle d’ironie typiquement britannique. La peinture aussi mystérieuse que magistrale de Peter Doig en fait l’un des artistes les plus intéressants de notre temps.

Peter Doig est parfaitement conscient de la grande tradition dans laquelle il s’inscrit : il se réfère à des peintres tels que Gustave Courbet, Edvard Munch, Pierre Bonnard, Francis Bacon et plus particulièrement encore Paul Gauguin, la représentation de paysages tropicaux n’étant pas le seul point commun qui le lie à ce dernier. La profonde connaissance qu’il a de cet héritage pictural se révèle notamment dans la composition de ses tableaux, le choix des couleurs ou ses techniques picturales. Ce qui n’empêche pas Doig d’être fermement ancré dans le présent.

L’exposition de la Fondation Beyeler présente un choix d’oeuvres réalisées par l’artiste entre 1989 et 2014. Cet aperçu de la création de Peter Doig n’est pas ordonné chronologiquement mais en fonction de centres d’intérêt, le traitement de la couleur, tout à la fois moyen esthétique et matériau, occupant en l’occurrence le premier plan.

Le parcours s’ouvre sur ses tableaux emblématiques et nostalgiques de mondes exotiques, dont les représentations de canoë constituent des illustrations exemplaires. Ses tableaux reproduisant une peinture murale et construits de manière géométrique et tectonique nous rappellent que peindre, c’est travailler avec la surface du fond pictural. Les oeuvres dominées par le traitement de la couleur blanche dépassent la représentation de scènes hivernales. Ce sont également des tentatives pour débattre avec sa propre existence, « pour comprendre ce que vivre dans son propre univers de représentation veut dire », comme l’a formulé Doig à propos de l’oeuvre centrale qu’est Blotter (1993). Le blanc, qui se pose tel un rideau sur un fond qui n’est que partiellement visible, fait l’effet d’une trame empêchant le spectateur de se repérer dans l’image.

Les très célèbres tableaux de la série Concrete Cabin de la première moitié des années 1990 constituent peut-être un des meilleurs regards rétrospectifs peints sur l’art moderne : le spectateur a l’impression d’observer à travers l’écran d’une forêt, autrement dit d’une structure naturelle, la structure technique de la modernité architecturale, l’« Unité d’Habitation » de Le Corbusier à Briey, en Lorraine.

Des représentations d’apparitions quasi spectrales, constituées de différentes couches de couleur diluée et dont l’effet est absolument monumental (Man Dressed as Bat, 2007), sont placées en vis-àvis de travaux plus récents, dont l’intensité chromatique est encore accrue. (Spearfishing, 2013). En outre, l’oeuvre gravée expérimentale de Doig est ici présentée pour la première fois dans le cadre d’une exposition. Ces créations revêtent une fonction majeure dans son processus de travail, dans la mesure où elles naissent souvent avant les peintures proprement dites. Doig teste dans ces estampes les différentes ambiances qu’il cherche à transmettre dans ses grands formats. Le tableau achevé constitue ainsi en quelque sorte le dernier état d’une estampe.

Peter Doig est un homme d’une infinie curiosité, qui associe ses souvenirs d’observations personnelles à des archives photographiques considérables comprenant aussi bien des scènes de tous les jours que des innovations esthétiques. Observations quotidiennes, archives iconographiques et expérience pratique à l’atelier : ces trois voies d’exploration se fondent dans l’art de Doig. Sa curiosité lui inspire d’étranges expériences visuelles : il recouvre ainsi des couleurs éclatantes de lasures sombres, noirâtres (Concrete Cabin, 1991/92) ou applique de fines couches blanches, qui assourdissent paradoxalement l’atmosphère générale de la toile (Ski Jacket, 1994).

Peter Doig est un observateur incroyablement concentré, et souvent ironique : en tant qu’auteur de ses inventions visuelles, il y occupe évidemment une position centrale. Ce qui ne l’empêche pas de se poser en même temps en spectateur étranger, en marge, ouvert aux effets de surprise que recèle la couleur diluée par des solvants ou épaissie en une pâte couvrante. Il suit le déplacement du centre optique, tout en le gouvernant : il accorde une attention égale au « caractère » d’une figure, aux dessins muraux décoratifs ou aux voiles lumineux végétaux et atmosphériques, qui prêtent à ses environnements picturaux des qualités tout à fait singulières.

Peter Doig remarque que la réaction sensorielle, instinctive même, à telle ou telle toile peut varier selon les personnes, car la contemplation d’une peinture est un processus complexe qui ne se limite pas à une action unique : « Dans les peintures – par opposition aux images, quoi que puisse être une image – il me semble que regarder, regarder à travers (« looking-through ») et mettre au point sont absolument essentiels [de la part du spectateur] » Le peintre souligne que ce qui compte pour lui, ce n’est pas « peindre quelque chose de figé mais représenter le mouvement de l’oeil. L’oeil ne voit jamais une “image immobile”. »

En raison de son aspect primaire de sa « matérialité » fondamentale, la sphère de sensation de la peinture s’étend au-delà de chaque image, et même au-delà des images technologiquement au point et diffusées à l’infini de notre temps. Après des milliers d’années d’histoire, la peinture conserve un lien originel avec toute la gamme des sentiments humains, de l’intelligence et de l’évolution de l’homme. Quant à nous, spectateurs, nous perdons le fil narratif en regardant ses oeuvres. Nous perdons notre place dans la culture, notre monde de significations secondaires, détournées, même si nous conservons les bases de l’association conceptuelle. Cette perte est un gain : nous gagnons l’accès à l’expérience originelle, quand bien même celle-ci continue à se dérober à notre connaissance.

Peter Doig réalise spécifiquement pour cette exposition et pour la Salle Renzo Piano de la Fondation Beyeler une peinture murale monumentale avec la collaboration de ses élèves. Elle repose sur House of Pictures (Carrera) de 2004, une oeuvre qui traite du thème de la vision ou ouvre des aperçus imaginés sur un monde imaginé avec, à l’arrière-plan, la silhouette de l’île prison de Carrera, située au large de Trinidad.

La Fondation Beyeler remercie Steven A. and Alexandra M. Cohen Foundation; David Teiger; LUMA Foundation; Max Kohler Stiftung; Tarbaca Indigo Foundation; Noam Gottesmann et Walter Haefner Stiftung pour leur généreuse contribution à l’exposition.

PETER DOIG

Catalogue de l'exposition

A l’occasion de l’exposition « Peter Doig », la Fondation Beyeler publie un catalogue en allemand et en anglais avec un tiré à part en français. L’édition commerciale est éditée par Hatje Cantz Verlag, Ostfildern. Ce catalogue abondamment illustré contient des contributions d’Ulf Küster et de Richard Shiff. 176 pages, 177 reproductions, Prix : 62.50 CHF (ISBN 978-3-7757-3868-2, édition anglaise : 978-3-7757-3869-9). 

FONDATION BEYELER

Baselstrasse 101, 4125 Riehen/Basel

www.fondationbeyeler.ch

James Capper @ Paul Kasmin Gallery, New York

James Capper, Mountaineer
Paul Kasmin Gallery, New York
February 12 – March 14, 2015

James Capper

Mountaineer Tooth P, Mountaineer Tooth Q, Mountaineer Tooth M, 2015

Steel, 62.2 x 30.8 x 9.7 in/157.9 x 78.2 x 24.6 cm; 46.5 x 28.3 x 9.7 in/118.1 x 71.8 x 24.6 cm; 37.3 x 35.7 x 9.7 in/94.7 x 90.7 x 24.6 cm.

Courtesy of Damian Griffiths

Paul Kasmin Gallery announces the opening of Mountaineer, a solo exhibition of new sculptures and works on paper by London-based artist JAMES CAPPER, on view at 297 Tenth Avenue from February 12 – March 14, 2015. This is the artist’s first solo exhibition in the US and first with Paul Kasmin Gallery.

Mountaineer will feature a selection of imposing, welded-steel sculptures from the artists’ series of Mountaineer Teeth. Capper’s works follow the legacy of early Earthworks by Michael Heizer, Dennis Oppenheim and Robert Smithson whereby abstract changes to the land are reflective of human engagement with the environment. However, in Capper’s large-scale public installations this idea is accentuated by an emphasis on the role of man-made machinery’s affect on the landscape. The exhibition also includes several illustrative works on paper, which relate to the artist’s realized and theoretical “Earth-Marking” machines. In Cabs for Step Type Markers, 2012, alternating designs for a future mechanism are worked out in the artist’s characteristically loose, playful manner – adding a humanistic element to an otherwise industrial entity.

Over the last decade, Capper has created a population of his human-operated machines designed to interact with specific forms of natural terrain. They are often outfitted with interchangeable components, which allow for a variety of earth-markings to be left as evidence of such performative interactions. The ongoing evolution of these apparatus’ has been similarly chronicled in Capper’s recent solo exhibitions: Divisions, Yorkshire Sculpture Park, UK (2013) and Tools of the Trade, Hannah Barry Gallery, London (2015). Capper will unveil a new monumental machine later this year as part of a commission by the Cass Sculpture Foundation in Goodwood, UK.

JAMES CAPPER was born in 1987 in London. He received his B.A. in Sculpture from the Chelsea College of Art and Design and his M.A. from the Royal Academy of Art, London, where he was presented with the Jack Goldhill Award for Sculpture. Capper’s works have been included in recent important exhibitions at the Kunstlerhaus Bethanien, Berlin; The Moving Museum, Dubai; The Saatchi Gallery, London; and the Victoria and Albert Museum, London. He lives and works in London, UK.

Paul Kasmin Gallery
www..paulkasmingallery.com

Monir Shahroudy Farmanfarmaian: Infinite Possibility. Mirror Works and Drawings 1974–2014 at Solomon R. Guggenheim Museum, NYC

Monir Shahroudy Farmanfarmaian: Infinite Possibility. Mirror Works and Drawings 1974-2014 

Solomon R. Guggenheim Museum, NYC 
March 13 - June 3, 2015

The Solomon R. Guggenheim Museum will present the first comprehensive exhibition in the United States of the celebrated Iranian artist Monir Shahroudy Farmanfarmaian (b. 1924). In recognition of a lengthy career, Monir Shahroudy Farmanfarmaian: Infinite Possibility. Mirror Works and Drawings 1974–2014 focuses on the faceted mirror sculptures and corresponding geometric drawings Monir has produced over the past forty years. The majority of the selected works in this exhibition are from the artist’s own collection, and many have never been shown to the public.

MONIR SHAROUDY FARMANFARMAIAN 

Untitled, 2012. 

Felt-tip pen on paper, 70 x 100 cm. 

Collection of the artist, courtesy The Third Line, Dubai 

© Monir Shahroudy Farmanfarmaian. 

Photo: Courtesy of the artist and The Third Line, Dubai

Monir’s rich body of work references Persian architectural and decorative tradition, the mathematical basis of geometric forms in Islamic pattern, and Sufi cosmology. When considered along with the Guggenheim’s historical commitment to abstraction and internationalism, the exhibition offers a timely opportunity to examine Monir’s rich body of work in its own right and as part of an increasingly transnational perspective on artistic production and its reception.

Monir Shahroudy Farmanfarmaian: Infinite Possibility. Mirror Works and Drawings 1974–2014 is organized by the Serralves Museum of Contemporary Art, Porto, Portugal, where it was on view in fall 2014 before traveling to New York. The exhibition is curated by Suzanne Cotter, Director, Serralves Museum of Contemporary Art, Porto, and former Curator, Abu Dhabi Project, Solomon R. Guggenheim Foundation, with assistance from Karole Vail, Associate Curator, Solomon R. Guggenheim Museum, for its New York presentation.

The Leadership Committee for Infinite Possibility is gratefully acknowledged for its support, with special thanks to Simin N. Allison, Maryam Eisler, The Soudavar Memorial Foundation, Mohammed Afkhami, Patricia and Alexander Farman-Farmaian, Haines Gallery, Yasmine Nainzadeh and Sara Nainzadeh, Nazgol and Kambiz Shahbazi, and The Third Line.

MONIR SHAROUDY FARMANFARMAIAN

Mirror Ball, 1973

Mirror on plaster ball, 19 x 19 x 19 cm

Collection of Nima Isham, Montana

© Monir Shahroudy Farmanfarmaian

Photo: Filipe Braga 

© Fundação de Serralves–Museu de Arte Contemporânea, Porto, Portugal

Monir Shahroudy Farmanfarmaian: Infinite Possibility. Mirror Works and Drawings 1974–2014 includes early wood, plaster, and mirror reliefs, a series of large-scale geometric mirror sculptures, and an impressive body of works on paper, focusing on a sculptural and graphic oeuvre developed over a period of more than forty years. The presentation reveals how the compositional principles used by the artist during this period were translated into large-scale commissions, including a series of etched glass doors created for a New York townhouse in the early 1980s. A selection of previously unseen abstract works on paper produced between 1974 and 2014 reveals the central role of drawing as a conceptual foundation for Monir’s sculptural practice. The artist’s ambitious mirror sculptures, known as “geometric families,” which she produced in the last decade since reinstating her studio in Tehran, will also be on view. Monir’s prolific body of work is characterized by the merging of visual and spatial experience and a distinctive approach to abstraction, coupled with the aesthetic tradition of Islamic architecture and decoration, allowing for, in the artist’s own words, “infinite possibility.”

MONIR SHAROUDY FARMANFARMAIAN 

Untitled, 1980

Felt-tip pen and colored pencil on paper, 63 x 44.5 cm

Collection of the artist

© Monir Shahroudy Farmanfarmaian

Photo: Courtesy of the artist

Born in Qazvin, Iran, in 1924, MONIR SHAROUDY FARMANFARMAIAN attended the Fine Arts College of Tehran before moving to New York in 1945, where she studied at Cornell University and at Parsons School of Design and worked as a freelance illustrator for Vogue and as a graphic designer. These formative years in New York served as a sort of apprenticeship for Monir, who spent time alongside fellow artists Milton Avery, Willem de Kooning, Joan Mitchell, Louise Nevelson, Barnett Newman, and later Andy Warhol, among others. Notably, during her time in New York, Monir visited the Guggenheim in its founding locations and was present at the 1956 groundbreaking for the Frank Lloyd Wright–designed museum building on Fifth Avenue. She returned to Iran in 1957 and journeyed across the country, further developing her artistic sensibility through encounters with traditional craftsmanship. Indigenous art forms such as Turkoman jewelry and clothing, coffee house paintings (a popular form of Iranian narrative paintings), and the technique of reverse-glass painting influenced her work, resulting in a productive period of artistic discovery and breakthrough that culminated in a series of commissions in Iran and exhibitions in Europe and the United States, including presentations at Galerie Denise René in Paris and New York. The Islamic Revolution in 1979 marked the beginning of Monir’s twenty-six-year exile in New York, during which she focused on drawing, collage, and a few commissions, and also returned to carpet and textile design. In 2004, when she finally returned to Iran, she reestablished her studio there and resumed working with some of the same craftsmen she had collaborated with in the 1970s.

Monir Shahroudy Farmanfarmaian in her studio working on Heptagon Star, Tehran, 1975

Photo: Courtesy of the artist and The Third Line, Dubai

Monir Shahroudy Farmanfarmaian has been the subject of solo exhibitions at the Italian Institute, Tehran (1968); Jack Kaplan Gallery, New York (1975); the Kennedy Center, Washington, D.C. (1976); the Iran American Society, Tehran (1976); Galerie Denise René, New York and Paris (1977); the Victoria and Albert Museum, London (2007); and Leighton House Museum, London (2008). Her work has also been featured in a number of group exhibitions, including the first Tehran Biennial (1958); the Venice Biennale (1958, 1964, 1966, and 2009); Gold, The Museum of Modern Art, New York (1978–79); Living Traditions: Contemporary Art from Afghanistan, Iran, and Pakistan, Queen’s Palace, Bagh-e Babur, Kabul (2008); The Power of Ornament, Lower Belvedere, Orangery, Vienna (2009); Asia Pacific Triennial of Contemporary Art, Brisbane (2009–10); There is always a cup of sea to sail in, São Paulo Biennial (2010); and Jef Guys/Monir Shahroudy Farmanfarmaian: The world as seen through a Pelican in Plexi, Wiels, Brussels (2013).

Monir Shahroudy Farmanfarmaian’s works are found in numerous public collections, including the Metropolitan Museum of Art, New York; Queensland Art Gallery, Brisbane; Tate, London; and the Victoria and Albert Museum, London. Several of the artist’s extant works from the 1970s are in the collection of the Tehran Museum of Contemporary Art. Major commissions include installations at King Abdulaziz International Airport in Jeddah, Saudi Arabia, Dag Hammarskjöld Tower in New York, and the Niavaran Cultural Center in Tehran

Solomon R. Guggenheim Museum, NY

www.guggenheim.org

Helen Frankenthaler | Aimée Parrot, Pippy Houldworth Gallery, London - Soaked, Not Resting

Helen Frankenthaler | Aimée Parrot

Soaked, Not Resting

Pippy Houldworth Gallery, London

23 January – 21 February 2015

Before [Fall of 1952], I had always painted on sized and primed canvas – but my paint was becoming thinner and more fluid and cried out to be soaked, not resting.

– Helen Frankenthaler

Soaked, Not Resting examines the different ways in which celebrated Color Field painter Helen Frankenthaler and emerging artist Aimée Parrott negotiate the picture plane, looking in particular at both artists’ deployment of staining.

An exponent of Color Field painting, Helen Frankenthaler is renowned for pouring thinned paint directly onto raw, unprimed canvas to create stained pools of vibrant colour. Developing Pollock’s pouring technique, Helen Frankenthaler initiated a new way of working with paint. Using squeegees, sponges and household brushes to manoeuvre the paint horizontally across the canvas, the resultant ‘soak-stain’ effect serves to emphasise the physicality of the surface. As Professor Mona Hadler explains: ‘the stained image appears to be neither in front of nor illusionistically behind the picture plane. It is literally one with the canvas.’

Helen Frankenthaler’s early works are characterised by airy, luminous compositions which give over to pure colour, with figure and ground merging into one. By the 1980s, her work gradually became calmer; Helen Frankenthaler’s mark making occurred in more muted tones, and though still concerned with the relationship between shape and space, her gestures were more considered. Quattrocento (1984) exemplifies this shift. Deep mauves blend into turquoise greens, bleeding across the canvas from left to right. Demarcated by black striations, this expanse of colour is offset by a border of lush pink.

Combining methods of painting and printmaking, Aimée Parrott uses staining to a similar end. Her large watercolour paintings are made using an open screenprinting technique where pigment is transferred directly onto the canvas through a polyester mesh. Like Helen Frankenthaler, gestural washes are embedded into the fabric weave of her paintings. However, whilst Frankenthaler emphasises the flatness of the canvas, Aimée Parrott instead plays with pictorial depth by building up veil-like layers of colour that coalesce into amorphous forms.

Describing how these pieces are made, Aimée Parrott explains: ‘the transfer of the pigment from screen to canvas creates a disjunction, a stutter between the original gesture and the surface on which it sits. Specifically, I want to create different spaces within the work; using raw or stained canvas holds the viewer on the surface of the piece, forcing them to consider the texture, the weave, whilst gestural marks push beyond the physical object into an illusory or imaginary space.’ This sense of depth is further intensified by the use of bleach, which breaks the homogeneity of the canvas in order to create an uneven ground for the print to sit on.

Where the pigment is pushed through the screen, ghostly traces of the original squeegee marks remain floating on, and behind, the surface, serving to disrupt the original application of watercolour. Whilst strangely familiar, these amoeba-like shapes evade recognition by constantly shifting in and out of focus. In effect, Aimée Parrott’s mark making triggers deeper, sensory memories. Playing with our perception, her approach calls to mind the way in which we process external stimuli, both visual and physical, in order to understand the world around us. Treating the canvas surface like a layer of skin, the artist simulates how the world imprints itself on our bodies. Significantly, Helen Frankenthaler also cited the influence of such external stimuli within her work, often translating the natural landscape into abstract compositions. In 1957, she commented, ‘if I am forced to associate, I think of my pictures as explosive landscapes, worlds, and distances held on a flat surface.’

Continuing Aimée Parrott’s exploration of different surfaces, the exhibition also features her distinctive ‘overlap’ works. Sitting somewhere between painting and sculpture, these pieces feature an extra layer of fabric hanging from the top of the canvas which mimic the composition beneath. This reproduction is a flatter, more homogenised image that partially obscures the underlying canvas, sanitised and removed from the surface of its original counterpart.

Whilst Helen Frankenthaler’s works on canvas are characteristically flat, her works on paper play with layering in a similar way to Aimée Parrott’s overlap paintings. Built with multiple coats of oil and overlaid marks, painting on paper enabled Helen Frankenthaler to experiment with the interplay between surface and deep space. For instance, in Blue on One Side (1962), patches of opaque blue assert the flatness of the picture plane. However, where these blocks of paint bleed into the fibres of the paper, the colour begins to withdraw backwards.

HELEN FRANKENTHALER was born in New York City, 1928, and died in Darien, CT, 2011. Following her first solo show in 1951 at age 22, Helen Frankenthaler’s work has been exhibited at Whitechapel Gallery, London; the Whitney Museum of American Art, New York; the Metropolitan Museum of Art, New York; Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Museum of Modern Art, New York; Museum of Modern Art, Mexico and Museum of Fine Arts, Boston, amongst numerous others. Her estate is represented by Gagosian Gallery, New York.

Helen Frankenthaler’s work is in the collections of the V&A, London; Albright-Knox Art Gallery, Buffalo; Art Gallery of Ontario, Toronto; Brooklyn Museum, New York; Carnegie Museum of Art, Pittsburgh; Cincinnati Art Museum; Metropolitan Museum of Art, New York; Museum of Modern Art, New York; National Gallery of Art, Washington DC; Tate, London; Solomon R. Guggenheim Museum, New York and the Whitney Museum of American Art, New York, amongst many other public and private collections worldwide. Her work is currently the subject of a major solo exhibition at Albright-Knox Art Gallery, Buffalo.

Born in England, 1987, AIMÉE PARROTT graduated from the University College Falmouth in 2009 with a BA in Fine Art and in 2014 received a Post Graduate Diploma from the Royal Academy Schools, London. Her work has been shown at Breese Little, London; Ink-d Gallery, Brighton; Simmons and Simmons, London; Tintype Gallery, London; Matt Roberts Gallery, London; Minerva Theatre, Chichester and A.P.T. Gallery, London. Aimée Parrott has completed residencies with the Artists League of New York and Angelika Studios, and is the recipient of the Archie Sherman Scholarship and the Ford Award.

PIPPY HOULDWORTH GALLERY

6 Heddon Street, London W1B 4BT

www.houldsworth.co.uk

Emmanuel Van der Meulen, Galerie Allen, Paris - Exposition "Facta Non Verba"

Emmanuel Van der Meulen

Facta Non Verba

Galerie Allen, Paris

31 janvier — 28 février 2015 

La Galerie Allen présente une exposition personnelle de l’artiste français Emmanuel Van der Meulen (1972, vit et travaille à Paris).

Accrochées à la lisière du plafond, trois peintures sur toile libre déroulent leurs dimensions monumentales jusqu’au plancher de la galerie, sur lequel elles courent encore, s’avançant de quelques centimètres à nos pieds. Isolés, trois tableaux rayonnent à hauteur de regard. Différentes variations circulaires inscrites au sein de l’espace pictural rectangulaire, vertical, marquent une forme de permanence visuelle entre ces œuvres, dévoilées pour la première fois en France à l’occasion de Facta Non Verba, l’exposition personnelle d’Emmanuel Van der Meulen à la Galerie Allen.

Les trois compositions peintes sur toile libre appartiennent à une série que l’artiste a peint à plat, à même le sol de l’atelier occupé lors de sa résidence à la Villa Médicis, en 2012 - certaines en conservent l’empreinte directe, la résille du sol carrelé s’étant imprimée en creux dans la matière tissée, alourdie par la peinture. Toutes sont, de fait, intimement liées à l’architecture et à l’histoire de la demeure romaine où elles ont été imaginées par le peintre, dans le cadre d’un projet plus large développé en communauté d’esprit avec la graphiste française Fanette Mellier. L’ensemble, intitulé Cosmica Sidera, déplie les références aux quatre lunes de Jupiter, satellites naturels dont Galilée dédia la découverte à celui qui fut son élève, Cosme II de Médicis. Renouant en un sens avec la tradition des grands décors éphémères peints pour l’extérieur, au service de l’entrée triomphale d’un souverain, par exemple, et dont la vogue est notablement renouvelée par l’influence antique à la Renaissance, Emmanuel Van der Meulen a pensé ses peintures sur toile libre, entre monumentalité et maniabilité du dispositif, pour les arcades en enfilade du jardin de la Villa. Ou plutôt, comme le soulignait Philippe Dagen à propos d’une exposition récente de l’artiste au Château d’Eau, à Toulouse, « il a laissé l’architecture lui conseiller ses formats ».[1]

« Chaque œuvre comme un monde en soi. »

Ni tableau, ni drapeau, les toiles suspendues oscillent entre pesanteur et légèreté. Les photographies de l’installation en plein air témoignent du dialogue avec le cadre architectural où elles ont été visibles le temps d’une semaine. Au-delà de la richesse historique des relations entre peinture et architecture, les Cosmica Sidera éclairent l’intérêt de l’artiste pour les divisions possibles d’une surface, l’inscription d’une forme géométrique en une autre, ou encore les problèmes de délimitations entre le format d’une toile et le mur, cette interrogation permanente de l’espace, peut-être de l’instant, où une peinture s’achève. Les accords - désaccords ? - chromatiques entre les fonds unis et les cercles ou les disques, comme en suspension, qui s’en dégagent, caressent volontairement les limites du mauvais goût, confrontant allégrement des teintes rose chair, orange corail, bleu turquoise, à des nuances plus raisonnables, noires, grises ou marrons. Avec pour effet certain de provoquer la surprise, si ce n’est de dessiller le regard.

« Le tableau comme une expérience du visible. »

Or, c’est bien de l’acte de voir, plus que de savoirs, dont il est question. Dès les premières pages de son Récit d’un voyage à Assise paru en 2013, Emmanuel Van der Meulen, en méditation sur les pas de Saint François, s’interroge : « Le regard se suffit-il à lui-même, ou faut-il effectivement savoir quelque chose ? ».

« L’art naît dans l’étonnante banalité du quotidien et des matériaux : se nourrir, dormir, choisir du bois, de la toile, fabriquer, mélanger des couleurs, laver ses pinceaux. »

In Principio - Bereshit (étude), un tableau de petite taille montré sur un mur de l’espace de travail de l’équipe de la galerie, appartient à un ensemble d’œuvres à part dans la pratique de l’artiste, réalisées à partir de chiffons de travail montés sur châssis. Sur un fond maculé de diverses taches, un disque plein, densément noir, semble sourdre du tissu même ; la peinture, en s’infiltrant entre les fibres de coton, a fait vibrer les contours du disque avant de sécher. Comme si la couleur avait sué, voire saigné. À l’instar de la série des Chronochromies, qui ont pour point de départ le réemploi de couleurs restant après un tableau, faire œuvre à partir d’un chiffon de travail revient à affirmer que la peinture est une pratique quotidienne, une organisation de la matière à partir d’une réalité vécue. Comme l’écrivain, dont les notes, une fois publiées, témoignent de la continuité de la vie et de la pensée, la peinture de l’artiste ne se limite ni ne s’achève aux bords du tableau.

« L’image peinte n’est pas finie tant que personne ne l’a regardée. »

Les toiles libres des Comica Sidera sapent le rapport d’autorité qu’un tableau de format vertical, allongé, et de dimensions semblables pourrait imposer. Conçues dès l’origine comme des œuvres aisément transportables, essentiellement nomades, leur présentation à la Galerie Allen instaure un rapport de proximité inédit avec le regardeur dont elle partage l’espace. Concerné en son entier, corps et esprit, il fait face à un espace ouvert à une confrontation avec lui-même, une invitation à l’introspection (introspicere, « regarder à l’intérieur »). En cela, « les paysages verticaux » peints par Emmanuel Van der Meulen, selon une belle formule de Gabriel Orozco, s’adressent, tout à la fois, à la vue et à l’invisible.

Sauf indication contraire, toutes les citations sont extraites de l’ouvrage écrit par Emmanuel Van der Meulen, Récit d’un voyage à Assise, coll. Pratiquer, École européenne supérieure de l’image Angoulême-Poitiers, 2013.

[1] Philippe Dagen, « Derrière l’abstraction une vision mystique : Emmanuel Van der Meulen à la galerie du Château d’eau », Le Monde, 22 mai 2013

GALERIE ALLEN

59 rue de Dunkerque, 75009 Paris

www.galerieallen.com