Anselm Kiefer - Exhibitions in Amsterdam @ Van Gogh Museum and Stedelijk Museum Amsterdam: "Sag mir wo die Blumen sind"

Anselm Kiefer - Sag mir wo die Blumen sind

Van Gogh Museum and Stedelijk Museum Amsterdam

7 March – 9 June 2025

Anselm Kiefer, Sag mir wo die Blumen sind (2024), 

installation view at studio, Croissy, France.

Emulsion, oil, acrylic, shellac, gold leaf, sediment of electrolysis, 

clay, dried flowers, straw, fabric, steel, charcoal and 

collage of canvas on canvas.

Copyright: Anselm Kiefer. Photo: Nina Slavcheva

Anselm Kiefer, De sterrennacht (2019)

470 x 840 cm, emulsion, oil, acrylic, shellac, straw, gold leaf,

wood, wire, sediment of an electrolysis on canvas

Copyright: Anselm Kiefer. Photo: Georges Poncet

A major new immersive painting installation by Anselm Kiefer will form the centerpiece of a landmark exhibition of the artist’s work in Amsterdam. For the first time in their history, the Van Gogh Museum and the Stedelijk Museum Amsterdam are joining forces to stage the exhibition Anselm Kiefer - Sag mir wo die Blumen sind.

The exhibition brings together twenty-five works by Anselm Kiefer, including paintings, installations, film and works on paper, across the two museums. The presentation at the Van Gogh Museum will demonstrate the enduring influence of Vincent van Gogh on Kiefer’s work. In 1963, Kiefer won a travel scholarship and chose to follow the route taken by Van Gogh, from the Netherlands to Belgium and France. Van Gogh and his work have remained a vital source of inspiration for him.  

Vincent van Gogh, Wheatfield with Crows, (1890)

50.5 cm x 103 cm, oil on canvas

Van Gogh Museum (Vincent van Gogh Foundation)

The exhibition presents seven key works by Vincent Van Gogh, alongside previously unseen paintings and thirteen early drawings by Kiefer. Paintings, such as Van Gogh’s Wheatfeld With Crows (1890) will be juxtaposed in the same space as Kiefer’s monumental works of the same theme. 

Emilie Gordenker, Director, Van Gogh Museum, said: “Anselm Kiefer has been engaged with Van Gogh’s work from his early years. Sometimes the inspiration is almost literal, as in the use of sunflowers and the composition of his landscapes. Kiefer’s recent work – displayed here for the first time – shows how Van Gogh continues to make his mark on his work today.” 

Anselm Kiefer, Innenraum (1981)

287.5 x 311 cm, oil, acrylic and paper on canvas

Stedelijk Museum Amsterdam

Anselm Kiefer, Voyage au bout de la nuit (1990)

239 x 750 x 750 cm, lead, glass, mixed media

and Untitled (1989)

340 x 501 x 100 cm, lead, lime, chalk and salt on wood.

Stedelijk Museum Amsterdam

The presentation at the Stedelijk Museum focuses on Anselm Kiefer’s close ties to the Netherlands, particularly the artist’s connection with the museum, which has been pivotal to his career. The Stedelijk acquired Innenraum (1981) and Märkischer Sand (1982) early in the artist’s practice and staged an acclaimed solo exhibition of his work in 1986. This exhibition is not only an unprecedented opportunity to see all the works in the Stedelijk’s collection together, but also a chance to see Anselm Kiefer’s more recent paintings and especially two new spatial installations. The titular work Sag mir wo die Blumen sind is an immersive painting installation of more than 24 meters long, which the artist is currently completing to fill the space around the historic staircase of the museum. The second installation Steigend, steigend, sinke nieder is made from photographs and lead, an important material that recurs throughout Anselm Kiefer’s work, alluding to the heavy weight of human history. The exhibition will also feature films by and about Anselm Kiefer, including the unknown film Noch ist Polen nicht verloren (1989), which he made in Warsaw shortly before the fall of the Iron Curtain.

Rein Wolfs, Director, Stedelijk Museum Amsterdam, said: “The Stedelijk has a long relationship with Anselm Kiefer and has played an important role in the acceptance of the artist’s work. That connection will be expressed in the two special spatial installations he will show in our building, and which will be an immersive experience. It will be truly remarkable to see these installations amid several of his iconic works from the 1980s. In this way, Kiefer looks back at the past and towards the future.” 

SAG MIR WO DIE BLUMEN SIND

The title of the exhibition Sag mir wo die Blumen sind is taken from the 1955 protest song Where have all the flowers gone by American folk singer and activist Pete Seeger, which became famous when Marlene Dietrich performed the song in 1962. Anselm Kiefer’s expansive new installation for the Stedelijk Museum Sag mir wo die Blumen sind combines paint and clay with uniforms, dried rose petals and gold, symbolising the cycle of life and death with the human condition and fate of mankind playing a central motif. The flowers of the title are also a reference to the Sunflowers (1889) by Vincent van Gogh and to recent landscapes by Anselm Kiefer, which will be seen for the first time in the exhibition.

Portrait of Anselm Kiefer

Photo by Summer Taylor

From left to right: Edwin Becker and Emilie Gordenker

(respectively Curator and Director, Van Gogh Museum),

Anselm Kiefer, Rein Wolfs and Leontine Coelewij

(respectively Director and Curator, Stedelijk Museum

Amsterdam), April 2024. Photo: Tomek Dersu Aaron

ANSELM KIEFER (b. 1945, Donaueschingen, Germany) was born in the closing months of World War II, and as a boy he played in the debris of post-war Germany. In the late 1960s, Anselm Kiefer was one of the first German artists to address the country’s fraught history in monumental, acerbic works for which he sustained intense criticism in his homeland. In the Netherlands, his work first gained recognition among collectors and museums like the Stedelijk. Later, Kiefer would be hailed for breaking the silence surrounding Germany’s past. His work reflects on themes such as history, mythology, philosophy, literature, alchemy, and landscape. 

Van Gogh Museum 

Museumplein 6, 1071 DJ Amsterdam

www.vangoghmuseum.nl

Stedelijk Museum Amsterdam 

Museumplein 10, 1071 DJ Amsterdam

www.stedelijk.nl

De Basquiat à Édith Piaf. Passions partagées. La Collection Lambert au Mucem, Marseille

De Basquiat à Édith Piaf. Passions partagées. La Collection Lambert au Mucem

Mucem, Marseille

17 avril - 23 septembre 2024

Affiche de l'exposition

Courtesy Mucem, Marseille

Kiki Smith 

(1954, Nuremberg) 

Blue Moon III. 2011 

Association Collection Lambert 

© Kiki Smith et Pace Gallery, photo Pace Gallery

Andres Serrano 

(1950, New-York, Etats-Unis, vit et travaille à New-York) 

Yellow, Blue, Green de la série de la chapelle de Matisse à Vence. 2015. 

Cibrachrome. Collection privée, Paris, 

en dépôt à la Collection Lambert 

© Courtoisie Andres Serrano et Galerie Nathalie Obadia, Paris / Bruxelles, 

Photo Studio Andres Serrano

Cy Twombly 

(1928, Lexington, Etats-Unis – 2011, Rome, Italie). 

Pan. Polyptyque en sept éléments. 1980. 

Huile, pastel gras, graphite, gravure, affiche, papier et papier chiffon. 

Centre national des arts plastiques, 

donation Yvon Lambert en 2012, FNAC 2013-0244 (1 à 7) 

© Cy Twombly Foundation / Cnap ; photo : Fabrice Lindor

Anselm Kiefer 

(1945, Donaueschingen, Allemagne, 

vit et travaille à Croissy-Beaubourg, France). 

Cette obscure clarté qui tombe des étoiles. 1996. 

Acrylique et graines de tournesol sur photographie. 

Centre national des arts plastiques, 

donation Yvon Lambert en 2012, FNAC 2014-0032 

© Anselm Kiefer / Cnap ; photo : Franck Couvreur

La Collection Lambert et le Mucem s’unissent pour une exposition inédite.

La culture méditerranéenne a profondément façonné le destin du grand marchand d’art Yvon Lambert, dont le nom et l’histoire résonnent avec les richesses culturelles de la Provence.

Né en 1936 à Vence, Yvon Lambert a grandi au cœur d’une région imprégnée par la présence de grands artistes tels qu’Henri Matisse à Vence ou Paul Cézanne à Aix-en-Provence.

Dès les premiers temps de la galerie d’Yvon Lambert, le marchand d’art s’est fait également collectionneur et commence à constituer des ensembles importants d’œuvres d’artistes de son temps, pour la plupart encore inconnus. Ainsi commence presque 60 années d’une histoire intime de l’art. Son regard singulier est marqué par la poésie, l’amour, la liberté de pensée et la défense de l’art de son temps. Chaque pièce traduit l’amitié indéniable entre le collectionneur et les artistes. La donation exceptionnelle faite en 2012 à l’État français par Yvon Lambert a permis de consolider la présence d’un grand musée public d’art contemporain à Avignon : La Collection Lambert.

Amoureux des objets insolites, témoignages des croyances populaires de tous les âges, en particulier issus de la culture provençale, Yvon Lambert ressent une proximité naturelle forte avec les collections du Mucem dont la constitution lente et fabuleuse lui rappelle ses propres recherches vagabondes de choses étonnantes allant d’ex-voto fantasmagoriques, à des scènes de genre de petits maîtres provençaux, de la bibliothèque félibrige de son père aux ustensiles et pièges à grives que ce dernier fabriquait.

Les objets d’art populaire du Mucem sont le fruit de collectes d’enquêteurs sur le terrain : ethnologues, observateurs des mutations de la société et défenseurs des savoirs du peuple. Ces collections sont des témoins précieux, des documents sur nos modes de vie et sur l’évolution des mœurs, mais ils présentent aussi une valeur esthétique qui se font particulièrement jour dans des analogies étonnantes avec des œuvres d’art.

L’exposition commence par l’évocation du parcours d’Yvon Lambert, lié aux cultures provençales et méditerranéennes, pour s’attarder ensuite sur des thématiques autour desquelles dialogueront ses collections et celles du Mucem : le populaire et le quotidien, l’homme et la nature, la poésie et la littérature, l’intime et l’existence.

Ainsi, la rencontre entre la Collection Lambert et celle du Mucem présentée lors de l’exposition « De Basquiat à Édith Piaf. Passions partagées. La Collection Lambert au Mucem » est bien plus qu’une juxtaposition de collections exogènes. Des fils sensibles tissent spontanément leur toile par résonances formelles et poétiques entre les œuvres d’art et celles issues de cultures populaires. Par affinité réciproque de récits et de formes, le dialogue entre ces deux collections patrimoniales est une tentative de voyage au centre d’un regard singulier, celui d’une personnalité majeure de l’art contemporain, et invite les visiteurs du Mucem au jeu des coïncidences, de la libre interprétation et des associations poétiques empreintes du charme et des passions tenaces qui ont été les ferments de ces deux grands musées.

Des invitations pour des interventions artistiques et littéraires :

Ryoko Sekiguchi (née à Tokyo en 1970) a été invitée à écrire pour l’exposition vingt-et-un cartels imaginaires dans lesquels elle déploie une écriture sensible et poétique pour aborder les objets et leurs odeurs, notamment celle du musée, de la lumière, des couleurs des œuvres. Elle propose une véritable ode à la contemplation et aux sens.

L’artiste peintre et designer Nathalie Du Pasquier (née à Bordeaux en 1957) a conçu une cabine peinte afin d’abriter les projets des chapelles de Vence réalisés en 1994 par Jean Charles Blais, Sol Lewitt, Jean-Michel Othoniel, Niele Toroni, Robert Barry à l’invitation d’Yvon Lambert. A l’extérieur, couleurs et objets de la collection du Mucem liés aux croyances et coutumes en Provence se répondent : amulettes, santibelli, croix de la Passion, boîtes-oratoires, ex-voto, palmes des rameaux…

Œuvres exposées :

Le Mucem bénéficie de prêts exceptionnels d’Yvon et Ève Lambert, mais aussi du Centre national des arts plastiques (CNAP) : 80 œuvres ont été soigneusement sélectionnées parmi les 600 œuvres données par le marchand et collectionneur Yvon Lambert à l’Etat en 2012. Ces pièces couvrent une large gamme de médiums artistiques, tel que la peinture, la sculpture, l’installation, la vidéo ou la photographie.

Elles côtoient 150 œuvres de la collection du Mucem, référence dans le domaine des arts populaires. Ces objets du quotidien se mêlent subtilement avec les créations contemporaines.

Artistes présentés :

Parmi les artistes dont les œuvres de la collection Lambert sont présentées, on compte notamment Jean-Michel Basquiat, Andres Serrano, Christian Marclay, Sol Lewitt, Daniel Buren, Mircea Cantor, Marcel Broodthaers, Cy Twombly, Kiki Smith, Nan Goldin, Christian Boltanski, Louise Lawler...

Commissariat :

—Marie-Charlotte Calafat, conservatrice en chef du patrimoine, Mucem

—Stéphane Ibars, directeur artistique, Collection Lambert

L’exposition est conçue et organisée par la Collection Lambert et le Mucem, Musée des civilisations de l’Europe et de la Méditerranée.

MuCEM, MARSEILLE

Mucem J4 Niveau 2 (1 200 m2)

mucem.org

Polke, Kiefer & Baselitz @ Kunsten Museum of Modern Art Aalborg

Polke, Kiefer & Baselitz

Kunsten Museum of Modern Art Aalborg

March 27 - September 15, 2024

Anselm Kiefer

Jason, 1989

Bly, glas, tandben, træ, plastik og slangeskind, 14 dele med samme mål

Louisiana Museum of Modern Art. 

Donation: Ny Carlsbergfondet, Augustinus Fonden og Louisiana-Fonden

Anselm Kiefer

Ausgiessung, 1982-1986

Olie på lærred med påmonteret blyobjekt og strå, 330 x 555 x 55 cm

Louisiana Museum of Modern Art. Donation: Ny Carlsbergfondet

Anselm Kiefer

Säulen, 1983

Olie, shellak og strå på lærred, 280 x 280 x 7 cm

Louisiana Museum of Modern Art. 

Donation: Ny Carlsbergfondet, Augustinus Fonden og Louisiana-Fonden

War, crisis and taboos can generate breakthroughs and artistic development. Following World War II, three masters of German art grappled with history and took a new, ground-breaking look at Germany.

”The most intact world is the world of art.”

– Georg Baselitz

The exhibition at Kunsten presents a number of major works in Louisiana’s collection by three notable artists – Sigmar Polke (1941-2010), Anselm Kiefer (b.  1945) and Georg Baselitz (b. 1938) – three of the most influential voices in German post-war art.

More information about the exhibition will be available later in the year. Stay tuned.

Georg Baselitz

Der neue Typ, 1966

Olie på lærred, 166,5 x 133 x 4 cm

Louisiana Museum of Modern Art 

Donation: Franz Dahlem

Georg Baselitz

Fingermalerei - weiblicher Akt, 1972

Olie på lærred, 254 × 184,3 × 4,2 cm

Louisiana Museum of Modern Art. Donation: Georg Baselitz

 

Georg Baselitz

Der neue Typ (Remix), 2005

Olie på lærred, 304 x 254 x 5 cm

Louisiana Museum of Modern Art. 

Erhvervet med midler fra Ny Carlsbergfondet

Kunsten Museum of Modern Art Aalborg

Kong Christians Allé 50 - 9000 Aalborg, Denmark

kunsten.dk

Exposition Anselm Kiefer @ White Cube, Paris - For Jean-Noël Vuarnet

Anselm Kiefer

For Jean-Noël Vuarnet

White Cube Paris

24 janvier – 2 mars 2024

Anselm Kiefer

Aurora, 2014

Watercolour and pencil on collage of paper

41.5 x 55.5 cm | 16 5/16 x 21 7/8 in.

© Anselm Kiefer 

Photo © White Cube (Thomas Lannes)

Anselm Kiefer

Semele, 2013

Watercolour and pencil on paper

50.5 x 40.5 cm | 19 7/8 x 15 15/16 in.

© Anselm Kiefer 

Photo © White Cube (Thomas Lannes)

White Cube Paris présente une exposition d'aquarelles d'Anselm Kiefer, réalisées au cours de la dernière décennie dans l'atelier de l'artiste en France. Cette exposition, qui met en lumière un aspect distinct et important de la pratique de Kiefer, est la première depuis plus de 40 ans à être uniquement consacrée à ses aquarelles.

Comprenant une sélection d'œuvres sur papier, l'exposition est intitulée d’après le philosophe et écrivain français Jean-Noël Vuarnet (1945-1996), dont le séjour à la Villa Médicis (Académie de France à Rome) à la fin des années 1970 inspira son livre Extases féminines (1980).

Représentant des figures littéraires, bibliques, mythiques et artistiques, dont Aurora, la déesse romaine de l'aube, et Die Windsbraut, d'après le tableau d'Oskar Kokoschka de 1913-14, ainsi que des images de fleurs et de paysages, ces œuvres offrent une occasion rare de découvrir les aquarelles les plus intimes de Kiefer.

WHITE CUBE

10 avenue Matignon, 75008 Paris

whitecube.com

Anselm Kiefer @ Grand Palais Éphémère, Paris - Exposition Anselm Kiefer Pour Paul Celan

Anselm Kiefer Pour Paul Celan 

Grand Palais Éphémère, Paris 

17 décembre 2021 - 11 janvier 2022 

Anselm Kiefer Pour Paul Celan

Affiche de l'exposition

Für Paul Celan das Geheimnis der Farne

© Anselm Kiefer

Photo : Georges Poncet

Conception graphique : Atelier Pierre Pierre

© Réunion des musées nationaux - Grand Palais, 2021

Quinze ans après avoir inauguré la série des Monumenta au Grand Palais en 2007, Anselm Kiefer est le premier plasticien à investir l’intégralité de l’espace du Grand Palais Éphémère, à l’invitation de la Rmn – Grand Palais pour un projet inédit.

Avec Pour Paul Celan, Anselm Kiefer poursuit son travail sur la mémoire européenne dont la France et l’Allemagne sont les grands acteurs. Dans cette exposition des sculptures, installations, et 19 toiles de grand format interagissent avec la poésie inapaisée du grand poète de langue allemande, Paul Celan.

L’oeuvre de Paul Celan a sans cesse été présent dans les peintures d’Anselm Kiefer, depuis l’adolescence et la découverte du poème « Todesfuge » (« Fugue de mort »), et se poursuit jusqu’à aujourd’hui avec ce nouvel ensemble de peintures. Ce dialogue se densifie au cours des dernières années et notamment en 2020 à la faveur de la période d’isolement du confinement.

Dans les extraits de son journal rédigés pendant la préparation de l’exposition au Grand Palais Éphémère, Anselm Kiefer écrit :

Celan ne se contente pas de contempler le néant, il l’a expérimenté, vécu, traversé.

(...)

la langue de paul celan vient de si loin, d’un autre monde auquel nous n’avons pas encore été confrontés, elle nous parvient comme celle d’un extraterrestre. nous avons du mal à la comprendre. nous en saisissons ça et là un fragment. nous nous y accrochons sans jamais pouvoir cerner l’ensemble. j’ai humblement essayé, pendant soixante ans. désormais, j’écris cette langue sur des toiles, une entreprise à laquelle on s’adonne comme à un rite.

(...)

l’exposition au grand palais : comment mettre celan dans une salle construite pour des olympiades ? n’est-ce pas une entreprise impossible, blasphématoire ? tes grands tableaux dans lesquels tu cites celan : n’est-ce pas comme si tu placardais celan sur des colonnes morris ? ne devrais-tu pas mettre le feu aux tableaux, les brûler en public ?

Selon le penseur et cinéaste Alexander Kluge, les tableaux d’Anselm Kiefer font vivre les vers de Celan, qu’ils commentent, et en retour les vers du poète donnent vie aux peintures. Ici les disciplines artistiques s’emparent des conflits de l’histoire, même si, toujours selon Alexander Kluge, « un Bauhaus pour la prévention de la guerre, » ça n’existe pas.

Cette exposition se déroule au moment où la France prend la présidence de l’Union européenne. Elle en est une forme de prologue, comme si, selon les mots d’Anselm Kiefer, « Madame de Staël s’adressait à l’Allemagne ». Les peintures de Pour Paul Celan sont posées dans l’espace dénué de scénographie classique et de cimaises, sans chronologie, comme les mémoires non traitées de notre existence humaine.

Le Grand Palais Éphémère, espace monumental de 10.000m2 conçu par l’architecte Jean-Michel Wilmotte, est l’environnement vivant de cette installation. L’Ecole Militaire ainsi que les bâtiments modernes de l’UNESCO au Sud, feront écho aux leitmotivs qui hantent l’oeuvre de l’artiste : l’histoire politique de l’Europe traversé e par ses conflits.

Un catalogue de l’exposition accompagne le projet, rassemblant des textes du philosophe Emanuele Coccia, de l’artiste Edmund de Waal, du cinéaste Alexander Kluge et du conservateur Ulrich Wilmes ainsi que des extraits du journal d’Anselm Kiefer.

Commissariat : Chris Dercon, Président de la Rmn – Grand Palais

GRAND PALAIS EPHEMERE

2 Place Joffre, 75007 Paris

www.grandpalais.fr

Anselm Kiefer, BnF, Paris - l'alchimie du livre

Anselm Kiefer, l'alchimie du livre
BnF François Mitterrand, Paris
Jusqu'au 7 février 2016

Anselm Kiefer

Shevirat Ha-Kelim (Le bris des vases), 2011

© Anselm Kiefer, Photo Avraham Hay

La Bibliothèque nationale de France organise une exposition consacrée aux livres d’Anselm Kiefer. Avec une scénographie inédite signée par l’artiste allemand, l’exposition dévoilera plus d’une centaine de livres réalisés entre 1968 et 2015, associés à des sculptures et des tableaux récents. Une occasion unique de découvrir l’aspect le plus intime du travail de cet artiste contemporain majeur et de comprendre le rôle essentiel que joue le livre dans son processus de création.

« Au moment même où il réfléchissait à sa grande rétrospective au Centre Pompidou, Anselm Kiefer nous a confié son désir de mettre en valeur séparément l’aspect le plus personnel et le moins exposé de son œuvre. J’ai immédiatement répondu à ce vœu, en lui donnant carte blanche pour présenter ses livres à la BnF », déclare Bruno Racine, président de la BnF.

Exposé dans le monde entier, Anselm Kiefer est connu essentiellement pour ses tableaux et ses sculptures alors que ses livres qui fondent l’œuvre et représentent soixante pour cent de son travail, n’ont, paradoxalement, jamais fait l’objet d’une rétrospective en France.

Anselm Kiefer 

Für Jean Genet, 1969

Photographies en noir et blanc, gouache, roses séchées, aquarelle sur papier 

et mine de plomb sur carton relié

Collection privée © Anselm Kiefer, Photo Charles Duprat

Existant en un seul exemplaire, ces livres sont des œuvres uniques dont les formats et la présentation évoluent au cours des décennies. Pouvant atteindre de grandes dimensions, ils intègrent dans leurs pages divers matériaux, tels que l’argile, le sable, la cendre, les cheveux, les plantes, la paille, des photos… et bien sûr, le plomb, medium privilégié de l’artiste, d’abord utilisé sous forme de feuilles ou de fragments, avant de devenir, vers la fin des années 1980, les livres eux-mêmes, pesant alors entre 70 et 200 kg. Pour l’artiste, outre sa plasticité, le plomb se caractérise par sa puissance poétique et spirituelle.

Dans une mise en espace conçue par Anselm Kiefer pour la BnF, l’exposition recrée tour à tour l’atelier, la bibliothèque de l’artiste, projetant le visiteur dans son univers le plus intime, inaccessible habituellement au public. L’exposition présente deux cabinets de lecture, ses premiers livres conceptuels utilisant la photographie, autre medium privilégié de Kiefer, indissociable de son œuvre depuis 1968. Elle explore les différents thèmes traités par l’artiste depuis plus de 40 ans, à travers une sélection de plus d’une centaine de pièces. On y voit ainsi un ensemble de livres consacrés aux écrivains, aux cosmogonies (The secret life of plants), aux grands mythes antiques (Gilgamesh et Enkidu) ; mais aussi des livres de sable, des livres brûlés, des livres de plomb et les livres, récents, d’aquarelles érotiques, réalisées sur des pages enduites de plâtre.

Pour la première fois, les livres d’Anselm Kiefer sont installés, dans un dialogue stimulant, en parfait écho avec une dizaine d’œuvres, sculptures et tableaux évoquant le livre. Une bibliothèque, Shevirat Ha-Kelim (Le bris des vases), est également exposée. Composée d’une trentaine de volumes de plomb et de verre brisé, elle évoque le mythe kabbalistique de la Création divine selon Isaac Louria. Cette exposition spécialement créée pour la BnF, révèle le cheminement de la pensée d’Anselm Kiefer dont le livre est au cœur du processus artistique. De même, elle éclaire la manière dont l’artiste évolue d’un medium à l’autre. Elle met également en évidence combien l’écrit est au centre de son œuvre et comment les références littéraires, philosophiques et historiques irriguent son art.

Anselm Kiefer 

Vue d’installation, Croissy, 2015 

© Anselm Kiefer, Photo Charles Duprat

ANSELM KIEFER, BIOGRAPHIE

Né le 8 mars 1945, à la fin de la Seconde Guerre mondiale, à Donaueschingen dans le Bade-Wurtemberg, Anselm Kiefer étudie le droit et la littérature, avant de bifurquer vers l’école des Beaux-arts de Karlsruhe. Depuis ses débuts sur la scène artistique dans les années 1960, Anselm Kiefer consacre une rare énergie à analyser les possibilités de créer après l’Holocauste. Il réalise une série de performances appelées Occupations qui consistent à se faire photographier « occupant » différents lieux d’Europe, en parodiant le salut hitlérien. Acte d’identification conceptuelle, ses « autoportraits » seront utilisés dans ses premières œuvres peintes et dans ses livres : Heroische Sinnbilder, Für Jean Genet qui témoignent d’un travail sur la mémoire individuelle et collective pour lutter contre l’oubli et le refoulement du souvenir. Il n’aura, dès lors, de cesse, d’interroger son identité d’Allemand, son histoire, ses racines, sa culture par cet important travail de mémoire.

A partir des années 1970, son œuvre prend progressivement la forme d’une quête spirituelle à la portée universelle, qui sait prendre en compte l’Histoire, les mythes germaniques, grecs, assyriens, la religion, les femmes, mais aussi le cosmos, la mystique juive et la Kabbale qui traverse l’œuvre sous diverses formes depuis 1983. Grand lecteur, Kiefer nourrit son œuvre de ses lectures : Ingeborg Bachmann, Paul Celan, Céline, Paul Valéry, Velimir Khlebnikov, Ossip Mandelstam, Robert Fludd… 

Installé en France depuis 1993, il a travaillé d’abord à Barjac, dans le Gard, avant d’établir son atelier en région parisienne en 2007. 

Commissariat de l'exposition : Marie Minssieux-Chamonard, conservateur, Réserve des livres rares, BnF

Publication : Anselm Kiefer, l’alchimie du livre. Sous la direction de Marie Minssieux-Chamonard, 256 pages, 366 illustrations, 39 euros, Éditions du Regard/BnF

BnF François Mitterrand, Paris
www.bnf.fr

A voir également sur Wanafoto : Anselm Kiefer au Centre Pompidou

Anselm Kiefer - Rétrospective Centre Pompidou, Paris

ANSELM KIEFER

Centre Pompidou, Paris

16 décembre 2015 - 18 avril 2016

Le Centre Pompidou propose une traversée inédite de l’œuvre d’Anselm Kiefer. Cette rétrospective, la première présentée en France depuis trente ans, invite le visiteur à parcourir une dizaine de salles thématisées retraçant l’ensemble de la carrière de l’artiste allemand, de la fin des années soixante à aujourd’hui.

Déployée sur 2000 m2 , elle réunit près de cent cinquante œuvres dont une soixantaine de peintures choisies parmi les chefs-d’œuvre incontournables, des installations, des œuvres sur papier ainsi que quelques livres d’artiste. L’exposition, qui donnera à voir les peintures historiques et emblématiques telles que Quaternität (1973), Varus (1976), Margarete (1981) ou encore Sulamith (1983) dévoilera un ensemble de quarante « vitrines » réalisées spécifiquement pour cet événement sur les thèmes de l’alchimie et de la Kabbale. Sous verre, ces environnements mettent en jeu l’univers disloqué d’un âge industriel révolu : vieilles machines, morceaux de ferrailles rouillées, plantes, photographies, bandes et objets de plomb ; loin des cabinets de curiosités, c’est le mystère de leur présence que l’artiste met en exergue, l’émission d’une lumière de mystère propre à l’alchimie....

L’œuvre d’Anselm Kiefer invite le visiteur, avec une singulière intensité, à découvrir les univers denses et variés, de la poésie de Paul Celan, Ingeborg Bachmann ou encore Jean Genet, à la philosophie d’Heidegger, aux traités d’alchimie, aux sciences, à l’ésotérisme, à la pensée hébraïque du Talmud et de la Kabbale. Des installations monumentales et des peintures de très grands formats voisineront au Centre Pompidou avec des œuvres sur papier et des objets à la résonance plus intime.

Dès le forum du Centre Pompidou, le visiteur se trouvera face à une des installations monumentales que l’artiste a réalisées à Barjac (Gard), son lieu de vie et de travail entre 1993 et 2007. À l’intérieur de cette «maison tour», installée dans le vaste espace d’accueil du Centre Pompidou, un univers saturnien attendra le public. On trouvera dans cette installation les matières de prédilection de l’artiste (le plomb, l’eau, le métal), ainsi que des milliers de photographies prises par Anselm Kiefer au cours de sa carrière et qui constituent une banque de données quasi biographique. Comme une mémoire déroulée, ces bandes alimentent la réflexion de l’artiste sur le temps et la mémoire, deux thèmes au cœur de son œuvre.

ANSELM KIEFER

Né en mars 1945 à Donaueschingen, Anselm Kiefer participe avec Georg Baselitz, Gerhard Richter, Sigmar Polke ou encore Jörg Immendorff au renouveau de la peinture allemande des années 1970, qui émerge dans un contexte international marqué par le néo-expressionnisme. L’œuvre d’Anselm Kiefer apparaît très vite comme singulier, par son obsession à traiter de l’Histoire et des mythes propres à la culture germanique. Représentant l’Allemagne à la Biennale de Venise en 1980 avec Georg Baselitz, Anselm Kiefer est accusé de réveiller les démons d’un passé, quand il n’est pas suspecté de travers nationalistes.

Les paysages urbains contemporains en déréliction où s’enchevêtrent blocs de béton et ferrailles tordues ont fait fonction de catharsis d’un trauma originel lié à sa naissance en mars 1945, et engendré la mise en œuvre d’une esthétique de la ruine. S’il existe une tradition d’un art de la ruine depuis la Renaissance, avec Joachim du Bellay puis Hubert Robert, Diderot et les romantiques, chez Anselm Kiefer, elle est à l’œuvre, elle en constitue le présent. Pour l’artiste, la matière porte en elle son propre esprit, et sa mémoire. Aux matériaux habituels de la peinture, il adjoint de la glaise, du plâtre, des végétaux (tournesols, fougères), de la paille, de la cendre, des métaux comme le fer et surtout le plomb, qu’il utilise depuis le milieu des années 1970. Ce métal a pour l’artiste des qualités électives : qualités physiques de la malléabilité, de la densité extrême, de l’imperméabilité aux rayonnements électromagnétiques. Ce matériau de base des alchimistes dans leur processus de transmutation, est selon Anselm Kiefer, capable de produire une étincelle de lumière, «une étincelle qui semble appartenir à un autre monde, un monde qui nous est inaccessible».

Commissaire de l'exposition : Jean-Michel Bouhours, Conservateur au musée national d’art moderne

Centre Pompidou : www.centrepompidou.fr

Villa Grisebach, Berlin: 200th auction celebrated with seven artworks auctions

Masterpieces of German Expressionism and Twentieth Century Art 
Exceptional Offerings at Grisebach’s Fall Auctions - Inaugural Auction ORANGERIE - Selected Objects From Two Millennia  
At Villa Grisebach Auction House in Berlin, Germany

Villa Grisebach invites to Fasanenstrasse in Berlin to celebrate her 200th auction. From November 28 to December 1, 2012, in seven auctions, each accompanied by a separate catalogue, a total of more than 1,200 works of art with a pre-sale estimate of 17 to 23 million euros will be offered.  

OTTO MUELLER, Zwei Mädchen (Zwei Mädchenakte in Dreiviertelfigur), Circa 1924  

Distemper on burlap. Relined. 120 x 89,5 cm 

Photo Courtesy Grisebach, Berlin

Masterpieces of German Expressionism take the lead with the large-format painting “Zwei Mädchen” by Otto Mueller of 1924 (€ 800,000/1,200,000), Schmidt-Rottluff’s important 1919 double portrait “Frauen am Meer” (€ 400,000/600,000), Max Pechstein’s powerful “Sonnenuntergang am Meer” of 1921 (€ 400,000/600,000), Erich Heckel’s “Blick aufs Meer” at the Flensburg Förde of 1920 (€ 300,000/400,000) and a watercolor, saturated in intensely glowing hues, by Emil Nolde, “Zwei bärtige Männer (Apostel)” (€ 300,000/400,000). 

OTTO DIX, Sonnenaufgang, 1913 

Oil on paper on cardboard. 50,5 x 66 cm

Photo Courtesy Grisebach, Berlin

Another piece of museum quality is “Sonnenaufgang” by Otto Dix (€ 300,000/400,000), created in 1913 it can be seen as an apocalyptic vision of the First World War. Originally in the collection of the Dresden Stadtmuseum, the painting was displayed in the 1937 propaganda show “Degenerate Art.“ Since the 1960s, due to its significance, it has been included in many exhibitions in Germany and abroad. 

WILLI BAUMEISTER, Kessaua statuarisch, 1954 

Oil with resin on masonite. 65 x 81 cm 

Photo Courtesy Grisebach, Berlin

German post-war art is represented by superb works by Willi Baumeister (“Kessaua statuarisch,” 1954,  € 250,000/300,000), Ernst Wilhelm Nay (“Motion,” 1962, € 300,000/400,000), and Emil Schumacher (“Hephatos,” 1959, € 220,000/280,000) leading over to the contemporary art section. 

Here, Andy Warhol’s  large-format “Friedrich der Grosse,” entrusted to Grisebach by the Daimler AG (€ 700,000/1,000,000), and Anselm Kiefer’s “Odin and the World-Ash” (€ 400,000/600,000) take first positions.  

ANDY WARHOL, Friedrich der Grosse, 1986 

Acrylic and screenprint on canvas, 213 x 184 cm

Photo Courtesy Grisebach, Berlin

ANSELM KIEFER, Odin and the World-Ash, 1981 

Oil over woodcut over wove paper on burlap, 170,5 x 190,2 cm 

Photo Courtesy Grisebach, Berlin

On the occasion of Villa Grisebach’s 200th auction the renowed german auction house's program expanded once again: The new department “ORANGERIE” offers selected objects from an Attic stamnos from  the 6th century B.C. (€ 80,000/100,000) to four of Mies van der Rohe’s “MR10” tubular steel chairs of 1927 (€ 10,000/15,000). The 2012 celebrations of Prussian King Frederick the Great’s 300th birthday are reflected in this auction by the rediscovered first marble bust of his descendant, Queen Luise, created by Christian Daniel Rauch in 1804 and believed to be lost until recently (€ 100,000/150,000).

Bernd Schultz: “We are pleased to offer in our 200th auction museum-quality examples of German Expressionism that, in many cases, have not surfaced the market for several decades. The strong offerings in our post-war art section is a sign for the  growing importance of the activities in our contemporary art department. For me, a  personal pleasure is our new department, ORANGERIE, which we designed to entice our clients to collect exceptional objects from ancient times through today.” 

Villa Grisebach's Auction dates 

- 19th Century Art: Wednesday, 28 November 2012, 2:30 pm
- Modern and Contemporary Photographs (read previous post): Wednesday, 28 November 2012, 5 pm
- ORANGERIE - Selected Objects: Thursday, 29 November 2012, 11 am
- Selected Works: Thursday, 29 November 2012, 5 pm
- Modern Art: Friday, 30 November 2012, 11 am
- Post-War and Contemporary Art: Friday, 30 November 2012, 2:30 pm

- Benefit Auction for the Max Beckmann Distinguished Visitorship of the American Academy in Berlin: Friday, 30 November 2012, 7 pm

- Third Floor - Estimate up to € 3,000: Saturday, 1 December 2012, 11 AM (Part I) and 2:30 PM (Part II)

All auction catalogues are available at www.villa-grisebach.com. Preview exhibitions will be held in Berlin from November 23 to 27 at three venues at Fasanenstrasse.

Text by Micaela Kapitzky

Villa Grisebach Auktionen GmbH  
Fasanenstrasse 25 • D-10719 Berlin

Anselm Kiefer: Art and Myth at Louisiana Museum, Denmark

Anselm Kiefer, Art and Myth
Louisiana Museum of Modern Art, Humlebaek, Denmark
10 September 2010 - 9 January 2011

Anselm Kiefer was on the list of post-war artists that the museum would like to show in the large, perspectivizing format. There are many good reasons for this: Kiefer is well represented in Louisiana’s collection, and his works are unconditionally among the visitors’ favourites. In addition, the museum, with a good 70 works in the exhibition, can boast of the first major showing of his work in Scandinavia. The project rounds off Louisiana’s showings of the post-war German ‘gang of four’: Polke, Richter, Baselitz and now Kiefer.

In terms of content, Anselm Kiefer represents one of the most striking new departures in post-war Germany. And it is this activity over four decades that the museum wants to bring out: not as a narrowly chronological development, but as five demarcating themes each of which clarifies an artistic concern, where Kiefer can be said to have made a striking contribution to the discussion of central issues of the age.

The five themes:

The Artist and the Function of Art,

The Landscape as Myth,

Between Heaven and Earth,

Materials and History,

The Book.

The title of the exhibition originates in the artist’s particular insistence on the relevance of grand narratives. Anselm Kiefer uses myths that to a considerable extent absorb classical material, but which still – with the biography of the artist in mind – must be called both the myths of the age and his own myths.

Postulating the fundamental meaning of the mythical material for mankind, as Kiefer does, puts his work and thus the exhibition on a course towards dialogue with received opinion today.

ANSELM KIEFER, ART AND MYTH
10 September 2010 - 9 January 2011
Louisiana Museum of Modern Art
Gl. Strandvej 13
3050 Humlebaek
Denmark

Blood on Paper: The Art of the Book at V&A Museum, London

BLOOD ON PAPER: 

THE ART OF THE BOOK
Victoria and Albert Museum, London
15 April - 29 June 2008

Blood on Paper: The Art of the Book reveals the astonishing inventiveness with which the book has been treated by some of the most influential and respected artists of our time. Blood on Paper presents a selection of works from Matisse, Miró and Pablo Picasso to Anthony Caro, Damien Hirst and Anish Kapoor and includes a major new work by Anselm Kiefer. On show will be beautifully bound volumes, sculptural works and installations.

Many notable artists of the 20th and 21st centuries have produced books, or works that refer to books. The exhibition displays 60 works by 38 artists and focuses on new and contemporary work but also looks back to the artists working in Paris shortly after World War II, who gave a new breath of life to the genre of the ‘livre d’artiste’.

Anselm Kiefer’s monumental book The secret life of plants (2008) has been commissioned for Blood on Paper. Created in lead and cardboard and standing almost two metres tall, it will be installed at the entrance to the exhibition. Three other large-scale works by Anselm Kiefer will also be exhibited. 

Anish Kapoor’s intimately disturbing Wound (2005) is a work in four parts, the third of which is a book sculpture with a ‘wound’ laser-cut through hundreds of sheets of paper. All four parts including drawings will be on display.

Two cabinets from Damien Hirst’s New Religion (2005) will be on show. The first is a black leather cabinet entitled Jesus Christ and the second a white leather cabinet named Saint Philip. The cabinets open to reveal five satin lined compartments each holding Damien Hirst sculptures, The Crucifix, The Fate of Man, The Eucharist, The Sacred Heart and a single butterfly painting. A set of drawers house 44 silkscreen prints in cloth-bound portfolios. Each cabinet reflects Damien Hirst’s concern with issues such as belief, mortality, love, seduction and consumption.

Pablo Picasso’s Deux Contes (1947) and Matisse’s Jazz (1947) are among works which set an international standard for the ‘livre d’artiste’. Artists have reacted in different ways to the possibilities offered by books as a means of expression. Powerful interpreters of texts include Balthus and his dramatic illustrations for the narrative of Wuthering Heights (1993), while Louise Bourgeois’ spiders in Ode à Ma Mère (1995) almost creep out of the page.

Set against these finely-printed editions are commercially produced publications by Edward Ruscha and Jeff Koons. Copies of Ed Ruscha’s Twenty six gasoline stations (1962) were sold for $1 at supermarkets to avoid the gallery and art-publishing network. The Jeff Koons Handbook (1992) is the first book where Koons himself presents his work and is billed as an ‘indispensable paper-back guide to his art and ideas’.

Blood on Paper aims to show books as a unique way of seeing artists’ creative processes. The results range from the humble to the sophisticated, from traditional fine printing to advanced computer-based methods of design and craftsmanship. Martin Parr’s Benidorm Album (1997) uses the simple solution of a standard mount for his book of colour photographs. The creative partnership between artist and publisher is highlighted in Anthony Caro’s Open Secret (2004). Caro and Ivory Press worked closely together using advanced technology in metal fabrication to create books in stainless steel and bronze.

Blood on Paper: The Art of the Book is co-curated by Rowan Watson, Senior Curator in the National Art Library, part of the Word & Image Department at the V&A and Elena Foster, founder and director of Ivory Press, publisher of limited edition books containing original works of art by contemporary artists. Nine works are on loan from Ivory Press for this exhibition including Anish Kapoor’s Wound and Anthony Caro’s Open Secret.

Rowan Watson said, “In all their myriad formats, books continue as among the most potent means of artistic expression. This exhibition examines what happens when major artists of today – all of whom have established their presence through other media – consider the matter of making books. In many, such is the fusion between text and image that subsequent readings of either text or image in different contexts appear impoverished.”

Elena Foster said, “Passion and energy are the creative blood which permeates all of these works. Yet Blood on Paper aims to break away from the conventions of the artists’ book, to show how the genre has developed from the historically important ‘livre d’artiste’ of Matisse and Picasso to powerful contemporary interpretations of Kiefer and Caro who have used lead and metal instead of paper.”

Art works are on show by: Francis Bacon, Balthus, Georg Baselitz, Joseph Beuys, Louise Bourgeois, Daniel Buren, Jean-Marc Bustamante, Cai Guo-Qiang, Anthony Caro, Eduardo Chillida, Francesco Clemente, Jean Dubuffet, Sam Francis, Alberto Giacometti, Damien Hirst, Iliazd, Anish Kapoor, Anselm Kiefer, Jeff Koons, Pierre Lecuire, Sol LeWitt, Roy Lichtenstein, Richard Long, Paul McCarthy, Henri Matisse, Joan Miró, Robert Motherwell, Isamu Noguchi, Martin Parr, Tom Phillips, Pablo Picasso, Robert Rauschenberg, Paula Rego, Dieter Roth, Edward Ruscha, Antoni Tàpies, Richard Tuttle and Not Vital.

The National Art Library: The V&A has collected books as objects since 1851. 40 per cent of the exhibition comes from the holdings at the National Art Library. The National Art Library holds the largest collection of artists' books in the UK. The collection is international in scope and is particularly strong in examples from the British Isles and the United States. The Library also has significant holdings from other western European countries, as well as some examples from Russia, Australia, Latin America, Japan and a number of other countries. The collection includes both multiples and unique works. New acquisitions of works are made on a highly selective basis.

Blood on Paper: The Art of the Book is sponsored by Deutsche Bank.

Blood on Paper: The Art of the Book
Victoria and Albert Museum, London
15 April - 29 June 2008
Posts about other 2008 exhibitions at A&V London
Cold War Modern: Design 1945-1970
The Story of The Supremes from the Mary Wilson Collection
China Design Now
The Golden Age of Couture: Paris and London 1947-1957
The Art of Lee Miller

Anselm Kiefer, Frauen, Villa Medicis, Rome

ANSELM KIEFER

DIE FRAUEN

VILLA MEDICIS, ROME
27 janvier - 8 mars 2005

L’Académie de France à Rome organise une grande exposition consacrée à Anselm Kiefer et son oeuvre. L’exposition présente une vision de l’oeuvre de cet artiste, notamment autour d’une thématique spécifique: les figures féminines les plus représentatives de l’histoire et de la mythologie classique et germanique.

L’exposition se déroulera le long d’un parcours qui, des Grandes Galeries jusqu’à l’Atelier Balthus, situé dans les jardins de la Villa Médicis, dessinera les contours de ce voyage parmi les grandes icônes féminines du passé, des Reines de France aux poétesses grecques, jusqu’aux vestales, aux divinités et aux figures mythologiques, de Madame de Staël à Bérénice, de Sapho à Daphné. 

Une vaste gamme d’oeuvres, pour la plupart inédites, la majorité desquelles réalisées sur place et exclusivement pour l’exposition à l’Académie de France, entre dessins, peintures, livres, sculptures et installations, qui raconteront l’Histoire à travers des voix de femmes.

BIOGRAPHIE

ANSELM KIEFER est né le 8 mars 1945, à Donaueschingen, dans le  Baden-Wüttemberg. En 1965, après son diplôme, il entreprend des études de droit à la Albert Ludwig Universität de Fribourg, qu’il interrompt en 1966 pour ne se consacrer qu’à la peinture. 

Il fréquente la Staatliche Hochschule der Bildenden Künste et est l’élève de Peter Dreher. En 1969, il est à la Kunstakademie de Karlsruhe, auprès de Horst Antes, et inaugure sa première exposition  individuelle à la Galerie am Kaiserplatz de Karlsruhe.

Entre 1970 et 1972, il est l’élève de Joseph Beuys  à la  Düsseldorf Kunstakademie. A partir de ce moment, sa biographie est confiée presque exclusivement à une lapidaire « Autobiographie », présentée dans le catalogue  de l’exposition individuelle de 1977 au Bonner Kunstverein, et à une longue liste de présences aux expositions, individuelles ainsi que collectives, dans différents musées et centres d’exposition parmi les plus importants du monde.

Il participe en effet à la Documenta à Kassel en 1977 et 1982. En 1980, le cycle  Verbrennen, verholzen, versenken, versanden, exposé à la Biennale de Venise, suscite de remarquables controverses.

En 1984, l’exposition personnelle à la  Staatliche Kunsthalle de Düsseldorf a un énorme succès et est ensuite « exportée », d’abord au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, ensuite à l’Israël Museum  de Jérusalem.

L’exposition itinérante aux Etats Unis, entre 1984 et 1987, le consacrera définitivement artiste de niveau international.

Depuis 1993, il réside à Barjac, en France, et a transformé son studio de 35 hectares en une oeuvre d’art globale. 

En 2003 et 2004, il a participé à d’importantes expositions collectives et individuelles et notamment en Italie : au Museo Archeologico Nazionale de Naples, commissaires Mario Codognato et Edoardo Cicelyn, et à l’Hangar la Bicocca de la Fondation Pirelli à Milan « Sieben Himmelspaläste » commissaire Lia Rumma. Il a par ailleurs réalisé les costumes et les décors pour l’« Oedipus auf Kolonos » avec la mise  en scène de Klaus Michael Gruber au Burgtheater de Vienne et l’ « Elektra » au Théâtre San Carlo de Naples.

L’exposition sera accompagnée d’un livre d’art publié par la maison d’édition  Edizioni dell’Elefante en collaboration avec l’Académie de France à Rome. Ce livre comprend l’introduction du Directeur de l’Académie de France à Rome Richard Peduzzi, les textes de Henri Loyrette, Pierre Morel, Giacomo Marramao, une digression historique de Philippe Dagen et sera illustré avec les photographies de Claudio Abate. Ce livre d’art a comme but de constituer un document tangible du passage de l’artiste à Rome et en particulier au sein de l’Académie de France. 

Accademia di Francia a Roma - Villa Medici
Académie de France à Rome - Villa Médicis
Viale Trinità dei Monti, 1 - 00187 Roma

Horaires: 11h00 – 19h00 sans interruption 
Jour de fermeture: mardi
Entrée: 8 Euro (plein tarif) 4.50 Euro (tarif réduit).

Cette exposition est réalisée grâce au soutien du Ministère français de la Culture et de la Communication – Délégation aux  Arts Plastiques, en collaboration avec les  Incontri Internazionali d’Arte et avec la participation d'Air France, de  Hydrowatt, de  Reggiani S.p.a. Illuminazione, de Assicurazioni Generali et de Castello del Terriccio.