Icônes de Mai 68 - Les images ont une histoire
BnF François-Mitterrand, Paris
17 avril - 26 août 2018
BnF François-Mitterrand
Quai François-Mauriac, 75013 - Galerie 1
www.bnf.fr
BnF François-Mitterrand, Paris
17 avril - 26 août 2018
Comment s’est construite notre mémoire visuelle collective des événements de Mai 68 ? Selon quels processus certaines photographies, présentées comme documentaires, ont-elles atteint un statut d’icônes? S’appuyant sur près de deux cents pièces - photographies, planches contact, magazines, documents audiovisuels -, l’exposition présentée par la BnF fait l’histoire de certaines de ces images désormais célèbres. Elle suit leur trajectoire médiatique pour mettre en évidence les conditions de leur émergence culturelle dans la mémoire collective.
La barricade, le duel CRS/étudiants, le pavé lancé, le poing levé... depuis 50 ans, la représentation des événements de Mai 68 est associée à des motifs récurrents. L’exposition analyse le parcours sinueux de différentes photographies, depuis la planche-contact jusqu’à leur circulation dans les magazines et autres produits éditoriaux : elle revient sur l’élaboration médiatique et culturelle de la représentation de ces événements historiques.
De la photographie à l’icône
Le portrait de Daniel Cohn-Bendit face à un CRS par Gilles Caron et la « Marianne de 68 » de Jean-Pierre Rey constituent deux exemples caractéristiques de la fabrique des icônes.
La photographie de Daniel Cohn-Bendit par Gilles Caron n’a pas immédiatement été distinguée et mise en exergue par les grands titres de la presse magazine. Reprise dans le milieu photojournalistique à partir de 1970, elle circule plus largement à partir de 1978 puis à l’occasion des anniversaires décennaux de Mai 68 et de l’agence Gamma (fondée en 1967). Ce sont ces publications successives dans la presse et autres supports culturels (livres, catalogues,…) qui ont contribué à sa singularisation. Pour éclairer la trajectoire de cette photographie devenue icône, l’exposition en présente des tirages originaux mais aussi de nombreuses formes éditées jusqu’en 2008, tout en retraçant la légende photojournalistique de son succès dans les médias.
La « Marianne de 68 » de Jean-Pierre Rey a également évolué vers un statut d’icône. Publiée en petit format en 1968, elle a ensuite été diffusée à plusieurs reprises jusqu’en 2008. Au fur et à mesure de ses publications, le cadrage se resserre, faisant perdre à la photographie son ancrage historique, et les commentaires se recentrent sur l’image elle-même faisant d’elle un symbole de Mai 68.
Une mémoire en noir et blanc
L’exposition interroge également la pratique de la couleur : comment et pourquoi la mémoire visuelle de Mai 68 se conjugue-t-elle en noir et blanc alors que les événements ont été couverts et diffusés en couleurs par la presse de l’époque ? Des clichés couleurs ont été pris par de nombreux photographes : Janine Niépce, Georges Melet, Bruno Barbey, Claude Dityvon... Peu de ces images sont pourtant remobilisées dans les médias par la suite. L’exposition éclaire ces choix éditoriaux rétrospectifs et l’amnésie associée à cet usage de la couleur .
Récits photographiques
D’autres récits photographiques des événements ont à l’inverse échappé à la mémoire visuelle commune. En marge de la presse magazine, des photographes ont pris part à des démarches collectives. Des initiatives d’expositions et de projections photographiques ont vu le jour, portées par des personnalités qui racontent leur propre printemps 1968 et participent aux réflexions politiques et sociales à l’oeuvre. C’est le cas de l’exposition du club amateur des 30X40 ou du diaporama collaboratif de Jean Pottier et Jacques Windenberger présentés dans l’exposition. Ces montages et séries photographiques constituent une redécouverte de recherches d’alternatives aux représentations dominantes des grands médias.
« L’icône absente »
Pour finir, l’exposition interroge en creux le statut d’icône. Pourquoi la première « nuit des barricades » n’a-t-elle paradoxalement laissé aucune image persistante ? Il s’agit de la nuit du 10 au 11 mai, qui a fait monter en Une des principaux magazines d’information de l’époque les événements du printemps 1968. Malgré l’imaginaire puissant qu’elles suscitent, ces scènes d’affrontements nocturnes n’ont généré aucune icône. Les photographies produites ont peu fait l’objet de publications à l’époque et de citations ultérieures. Cette absence d’icône trouve des pistes d’explication dans le manque de lisibilité de ces images et leur inadéquation visuelle avec le récit porté par les médias : celle d’un duel entre jeunesse et forces de l’ordre.
Commissariat :
Dominique Versavel, conservatrice au département des Estampes et de la photographie, BnF
Audrey Leblanc, docteure en histoire et civilisations (Ehess), Université Lille 3
Publication : Catalogue de l’exposition - Editions de la BnF, 20x30 cm, 128 pages, Prix : 29 euros
BnF François-Mitterrand
Quai François-Mauriac, 75013 - Galerie 1
www.bnf.fr
Entre gloire de la couleur, interrogation sur l’effacement et mélancolie de la disparition, Le Champ d’un regard présente quelque cent cinquante images du photographe français John Batho. Des pièces les plus célèbres aux récentes séries moins connues, l’exposition permet de redécouvrir le travail de ce grand artiste qui fonde son oeuvre sur les enjeux de la photographie et ceux de la couleur. « Avec John Batho, la photographie en couleur nous plonge dans l’émerveillement et la délectation du visible. Nous nous réjouissons qu’une partie de son travail vienne à cette occasion enrichir nos collections grâce à une donation de l’artiste », précise Bruno Racine, président de la BnF. Né en 1939, John Batho commence à photographier en 1961. A une époque où prédomine le noir et blanc, il concentre sa recherche sur la question de la couleur en photographie. Au-delà du factuel, de l’anecdote et des sujets, son oeuvre se fonde sur la couleur considérée pour elle-même, sur son pouvoir d’attraction, sur sa manière de perturber ou de surprendre la perception. « La couleur n’est pas vraiment saisie, elle saisit plutôt celui qui la regarde. Originale, elle ne se réduit pas à l’image d’elle-même. Elle se photographie pourtant, le photographe en rapporte les effets, en prolonge la vibration ». Auteur de célèbres séries (les Parasols, les Manèges, les Nageuses), John Batho a mis rapidement à profit l’invention de l’impression numérique. La liberté et la précision qu’elle offre, lui ont permis, à partir de 1993, de développer son oeuvre dans de nouvelles directions et de parfaire des travaux précédents. L’exposition présente également un autre aspect moins connu de son oeuvre, son récent travail en noir et blanc tiré en grand format. Le parcours mène le visiteur d’une méditation sur la lumière et l’ombre, le passage du temps et le vertige de l’espace, à un suspens devant la présence des choses, leur matière, leur forme et leur contingence. Sans être une rétrospective, l’exposition retrace le cheminement rigoureux né d’un foisonnement de questions. Qu’ajoutait la couleur à ce médium ? Quel champ spécifique Batho allait-il lui offrir, alors que le noir et blanc était encore largement dominant ? Comment l’impression jet d’encre, avec la précision qu’elle autorise, a–t-elle amené le photographe à réinterpréter l’ensemble de son travail ? « Le point de départ est l’étude de la couleur et de son effet sur le regard » écrivait Kandinsky (Du spirituel dans l’art, 1912). Retournant la situation, se plaçant à contrecourant de cette première phase de son oeuvre, John Batho nous offre, de surcroît, la primeur de ses séries récentes, en noir et blanc, voire en « faux » noir et blanc. Prix Kodak en 1977, John Batho sera à partir de cette date représenté par la Galerie Zabriskie à Paris et New York. De nombreuses expositions ont été consacrées à son travail, en France et à l’étranger, entre autres au musée d’Art moderne de la ville de Paris (1977), au musée Fratelli Alinari à Florence (1987) et récemment au musée Nicéphore Niepce (2000 et 2001) et au Musée des Beaux-Arts de Dijon (2008). Son travail fera également l’objet d’une exposition à Paris à la Galerie Nicolas Silin en novembre 2009. Le Champ d’un regard présente près de cent cinquante photographies en couleur et noir et blanc, allant de formats 40 x 60 cm, au format 209 x 134 cm. Quel que soit le mode de prise de vue originel, qu’elles soient encadrées ou présentées « à cru », sans verre ni cadre, toutes les images exposées sont des impressions jet d’encre. John Batho a souhaité faire donation d’un large choix de ses oeuvres au département des Estampes et de la photographie. Une partie de cette donation est montrée à la faveur de cette exposition.
Le parcours de l’exposition propose des aires visuelles propres à chacune des recherches du photographe. Quiétude et mystère des études sur l’ombre et la lumière répondent au dynamisme, à la vibration, au volume né de la couleur. Parmi les photographies exposées au travers de deux mosaïques de la série Ombres (1999 et 2000), John Batho tente, à une époque où la photographie en couleur prend une place quasi exclusive, une expérience liée à la pure présence de la lumière. Tirées en noir et blanc, sur toile, non encadrées, les oeuvres de la série Présents & absents (1998) sont issues d’une commande réalisée à Vilnius (Lituanie). Postés face à une cabine camera obscura munie d’un verre de grand format couvert de buée, les modèles sont des passants anonymes, visiteurs du Centre d’art contemporain de la ville. L'exposition présente également des oeuvres des séries Photocolore (1974-1992), Papiers froissés (1987-1990), Papiers lumière (1988-1992), Surfaces (1994-1996), Cartes (2008), Nuages peintures (1998) qui utilise la technique de la double exposition, Manèges (1980) avec des temps de pose longs qui amène produisent une dilution des couleurs, Parasols (1981-2002) dont une partie d'une photo est représentée sur l'affiche de l'exposition, Nageuses (1990), Visages (1998), Neige (2004). Commissaire de l'exposition : 