Stéphane Couturier / Fernand Léger, Musée national Fernand Léger, Biot

Stéphane Couturier / Fernand Léger
Musée national Fernand Léger, Biot
6 octobre 2018 - 4 mars 2019

Les musées nationaux du XXe siècle des Alpes-Maritimes invitent des artistes contemporains à exposer ou créer des œuvres dans le cadre d’expositions conçues en résonance avec les collections et le site du musée.

En 2018, le musée national Fernand Léger a souhaité mettre en lumière les riches correspondances thématiques et plastiques qui existent entre la peinture de Fernand Léger (1881-1955), pionnier de l’avant-garde de la première moitié du XXe siècle, et l’œuvre photographique de Stéphane Couturier, artiste français né en 1957. 

La rencontre de Stéphane Couturier avec l’œuvre du peintre a donné lieu à la création de photographies inédites,inspirées par la collection du musée : Stéphane Couturier a choisi le tableau intitulé Le Grand remorqueur, paysage industriel des bords de Seine peint par Fernand Léger en 1923, point de départ pour le photographe de nouvelles prises de vue, réalisées dans la ville de Sète à l’automne 2017.

L’exposition présente également des œuvres plus anciennes de Stéphane Couturier, qui établissent un dialogue in situ avec les tableaux de Fernand Léger. Les deux artistes partagent une même fascination pour les profondes mutations de la ville, un intérêt commun pour le monde du travail, l’esthétique industrielle ou l’architecture moderne, notamment celle de Le Corbusier. Mais, tandis que Fernand Léger exprime, après la Seconde Guerre mondiale, sa foi dans le progrès, la modernité et la reconstruction, Stéphane Couturier documente, à partir des années 1990, la disparition progressive de la société industrielle et la transformation de l’espace urbain qui en découle, dans les métropoles mondiales (Paris, Berlin, Séoul, Brasilia, Salvador da Bahia, Alger).

Dans sa série inédite, conçue en écho à l’œuvre de Fernand Léger, Stéphane Couturier utilise la superposition de plusieurs photographies numériques, technique initiée en 2004 dans ses premières séries intitulées Melting Point. L’artiste fait naître une réalité hybride, à partir de la fusion de deux ou trois images. Cette synthèse entre deux réalités produit une multitude de détails, où l’œil du spectateur se perd et provoque une impression de mouvement et de dissolution du sujet, au sein d’une composition monumentale.

Aujourd’hui, l’œuvre photographique de Stéphane Couturier, jouant des potentialités infinies de l’outil numérique, allie une approche documentaire à un traitement complexe de la composition. A la manière d’un tableau cubiste, elle puise dans le réel, le fragmente et, grâce au rythme et aux contrastes entre lignes, formes et plans colorés, le dépasse pour en offrir une nouvelle perception.

Stéphane Couturier interroge ainsi la nature prétendument objective du medium photographique : s’affranchissant de la réalité la plus immédiate, ses photographies nous font voyager dans un paysage imaginaire où tout devient possible.

MUSEE NATIONAL FERNAND LEGER
Chemin du Val de Pôme - 06410 Biot
musees-nationaux-alpesmaritimes.fr

Tableau de Théodore Géricault en vente à Drouot par Piasa

Théodore Géricault, Etude pour le Trompette de Hussards d’Orléans en grande tenue, 1814-1815
Vente Piasa, Tableaux anciens, Objets d'art, Bel ameublement
Drouot Richelieu, 12 décembre 2012

Une rare huile sur toile de Théodore Géricault intitulée Etude pour le Trompette de Hussards d’Orléans en grande tenue a été mise en vente aujourd'hui par la maison de vente aux enchères Piasa à Drouot Richelieu dans le cadre de la vente Tableaux anciens, Objets d'art, Bel ameublement. 

THEODORE GERICAULT (Rouen 1791-1924 Paris), outre le fait d’avoir été l’un des plus grands peintres romantiques, fut aussi un militaire, engagé en juillet 1814 dans la 1ère compagnie des Mousquetaires du Roi. La composition du tableau au hussard est si naturelle qu’il est tout à fait possible qu’il ait fait poser l’un de ses amis, engagé comme lui dans la nouvelle armée royale de la Restauration. Les hussards étaient à l'époque considérés pour leur courage, et le peintre a su transcrire la fierté de ces soldats de cavalerie.

THEODORE GERICAULT

Théodore Géricault (1791-1924), Etude préparatoire pour le Trompette de hussards d’Orléans en grande tenue, Vers 1814-1815, Huile sur toile, 47 x 38 cm - Paris, Collection particulière 

Photo courtesy Piasa, Paris

Avec l’énergie du moment, laissant apparaître la toile à plusieurs endroits, brossant l'uniforme avec ardeur, le peintre laisse son œuvre d’après modèle volontairement inachevée. Il reprend cette ébauche pour peindre le même motif quelques temps après, dans le calme de son atelier et de manière plus finie. Cette seconde toile, intitulée Trompette de Hussards d’Orléans en grande tenue est depuis 1925 conservée à l’Osterreochische Gallerie de Vienne. Le tableau mis en vente en est l'étude préparatoire, estimée à 300 000 / 400 000 €.

Une autre peinture de Théodore Géricault, Etude de cheval espagnol dans une écurie figurait dans la vente avec une estimation de 30 000 / 50 000 €. Il s'agit d'une étude sur papier vergé, marouflé sur toile de 26,1 x 33,1 cm. Au total, 203 lots de choix étaient proposés à la vente.

Prochaines ventes organisées par Piasa, Société de Ventes volontaires aux enchères publiques :

Bijoux et Orfèvrerie, 18 décembre 2012
Art Moderne, 19e et 20e siècle, 19 décembre 2012
Art d'Asie, 20 décembre 2012

Les catalogues sont en ligne sur le site de la maison de vente.

PIASA
5, rue Drouot, 75009 Paris
www.piasa.fr

Expo Tobeen à Bordeaux au Musée des Beaux-arts

Tobeen - Un poète du cubisme
Musée des Beaux-arts de Bordeaux
8 juin - 16 septembre 2012

L'oeuvre de Félix-Elie Bonnet dit TOBEEN (Bordeaux, 1880-1938,  Saint-Valery-sur-Somme) est celle d'un peintre fortement imprégné de ses origines bordelaise qui participe activement au renouvellement artistique mené par les avant-gardes qui sont les acteurs de la naissance de l’art moderne.

Né à Bordeaux en 1880, Tobeen fait partie du cercle du collectionneur et mécène Gabriel Frizeau. Il gardera des liens d'amitié avec certains de ces intellectuels et artistes entourant l'esthète bordelais, comme le critique Olivier Hourcade et surtout André Lhote avec qui il partage très vite un grand intérêt pour le cubisme.

 TOBEEN (1880-1938)
La nageuse, Collection privée
Courtesy Musée des Beaux-arts de Bordeaux

Il s'établit à Paris en 1907 et fréquente les artistes regroupés à Montparnasse, à la Ruche, foyer de l’avant-gardisme parisien, où il trouve un premier atelier. Cette même année, Pablo Picasso peint Les demoiselles d'Avignon et sonne le coup d'envoi du cubisme. Tobeen est aussi un proche du cercle de Puteaux, côtoyant Jacques Villon, Metzinger, Gleizes et prêche, comme eux, pour un art dont le "sujet devenait le métier" (Jacques Villon).

Dès 1911, il expose à Paris, au Salon des Indépendants dans la salle des cubistes. Mais c'est en 1912 qu'il se fait remarquer, au Salon de la Section d'Or où il présente onze oeuvres en compagnie du groupe qui, sous l'impulsion de Picabia, déferle rue de La Boétie, avec les grands noms de l’art moderne que sont Metzinger, Juan Gris, Gleizes, Marcel Duchamp, Marcoussis, Picabia, Fernand Léger, André Lhote ou encore Jacques Villon et Alexandra Exter.

Son oeuvre qui rencontre alors un grand succès est Les Pelotaris, déjà présentée au Salon des Indépendants de 1912 et acquise par le critique d'art Théodore Duret. Quant au critique du Mercure de France, Gustave Kahn, il juge le peintre "compréhensif, robuste, sculptural, dans ses Pelotaris".

Autre oeuvre remarquable, Le bassin dans le parc de 1913, acquise par Gabriel Frizeau et donnée au musée des Beaux-Arts de Bordeaux par son fils Jean en 1947. Tobeen pousse le cubisme jusqu'à l'abstraction, tout en suggérant, grâce à une touche légèrement mouchetée, les variations de lumière irisant un point d'eau. Guillaume Apollinaire, dans ses commentaires du Salon des Indépendants de 1913, note ses « efforts fervents vers le beau ».

La même année, Tobeen est sélectionné avec trois oeuvres à l’Armory show de New York, Chicago et Boston.

De cette phase cubiste, Tobeen conservera une vision synthétique de la nature qu'il appliquera aussi à la scène de genre et aux portraits. Il ne se départira pas de cette vision de constructeur, qu’il adoucit d’une touche mouchetée qui confère à ses oeuvres, notamment à ses bouquets, un aspect velouté captant la lumière dans une douce sensualité.

La fracture de la première Guerre mondiale entraîne, comme chez beaucoup de ses confrères, un abandon de l’avant-garde artistique. Mais l’adoption d’une figuration qui doit au cubisme une structuration de l’espace et une synthèse des formes maintient l’oeuvre de Tobeen dans la modernité.

Cette exposition rétrospective constitue un événement important dans la mesure où il s'agit de la première consacrée à l'artiste.  Elle comprend une centaine d’œuvres, paysages, portraits, scènes de genre et natures mortes. Ces oeuvres proviennent d’institutions publiques ou de collections particulières de France, des Pays-Bas et de Belgique. Tobeen - Un poète du cubisme ne manquera pas de séduire par les thèmes mêmes que l'artiste aborde, notamment sa série consacrée au Pays Basque. Dans des gestes rituels, les pêcheurs ramènent le poisson, les femmes ravaudent les filets alors que dans le lointain brille le petit port de Socoa. Aucune mièvrerie dans cette peinture, mais une construction rigoureuse de rythmes géométriques que couleurs et matière harmonisent selon un songe intérieur. "La peinture doit être architectonique, décorative d'une surface sans recherche imitative, mais suggestive" écrit le peintre.

L'exposition Tobeen a été proposée au Musée des Beaux-Arts de Bordeaux par deux chercheurs néerlandais, Edo et Rosella Uber. Les Musées des Pays-Bas sont en effet riches en oeuvres de l'artiste qui, de son vivant même, a exposé tant à Amsterdam, Rotterdam qu'à La Haye. Après sa présentation cet été  à Bordeaux à la galerie des Beaux-Arts, Tobeen - Un poète du cubisme sera exposée cet automne 2012 au musée Flehite à Amersfoort, aux Pays-Bas.

MUSEE DES BEAUX-ARTS DE BORDEAUX : www.bordeaux.fr

Expo Danser sa vie, Art & Danse, Beaubourg, Centre Pompidou, Paris

Exposition : DANSER SA VIE, ART & DANSE DE 1900 à nos jours Centre Pompidou, Beaubourg, Paris
Jusqu'au 2 avril 2012

Les liens entre les arts visuels et la danse, depuis des années 1900 à aujourd’hui sont le sujet d'une exposition remarquable organisée actuellement au Centre Pompidou (galerie 1, niveau 6). L’exposition puise dans la tradition  des grandes manifestations transdisciplinaires du Centre Pompidou que son Président,  Alain Seban, a voulu réactiver. Sur plus de deux mille mètres carrés sont présentées  près de 450 œuvres  : des chefs-d’œuvre de l’art du XXème siècle, de Henri Matisse à Andy Warhol (voir la liste des artistes ci-dessous) ;  des chorégraphies qui marquèrent des moments clefs d’un siècle de danse, de Nijinski à  Merce Cunningham  ; et des œuvres d’artistes contemporains inspirés par la danse, d’Olafur Eliasson à Ange Leccia.

Le titre Danser sa vie est emprunté à la danseuse Isadora Duncan, pionnière de la danse moderne  : « Mon art est précisément un effort pour exprimer en gestes et en mouvements la vérité de mon être. (…) Je n’ai fait que danser ma vie », explique-t-elle dans son ouvrage Ma vie, publié en 1928.

Les commissaires de cette exposition sont Christine Macel, conservatrice en chef, en charge du département création contemporaine et prospective et Emma Lavigne  conservatrice, département création contemporaine et prospective, assistées de Anna Hiddleston et Florencia Chernajovsky.

A travers un parcours en trois actes, l’exposition montre la passion de l’art et de la danse pour le corps en mouvement.

LES TROIS GRANDS VOLETS DE L'EXPOSITION

LA DANSE COMME EXPRESSION DE SOI, DE VASLAV NIJINSKI A MATTHEW BARNEY

L’invention d’une nouvelle subjectivité est explorée à travers la naissance de la « danse libre » dégagée du ballet classique avec Isadora Duncan. En Allemagne, à l’heure de l’expressionnisme et de la Freikörperkultur (la culture du corps libre), se noue un échange sans précédent entre artistes et danseurs qu’incarnent par exemple la danseuse Mary Wigman, les peintres Ernst Ludwig Kirchner et Emil Nolde.

 

Emil Nolde
Kerzentänzerinnen (Danseuses aux bougies), 1912
Huile sur toile - 100,5 x 86,5 cm
Neukirchen, Stiftung Seebüll Ada und Emil Nolde
© Nolde Stiftung Seebuell, Allemagne

 

Ernst Ludwig Kirchner, admirateur de Mary Wigman, la peint à plusieurs reprises.

 Charlotte Rudolph
Mary Wigman dans Hexentanz, 1926
Photographie
Wichtrach/Berne, Galerie Henze & Ketterer& Triebold

 

A Hambourg, dans les années 1920, un couple météore, Lavinia Schulz et Walter Holdt, crée une oeuvre d’art totale récemment découverte, mêlant danse, costume et musique.

 Lavinia Schulz and Walter Holdt
Toboggan Frau, 1923
Costume présenté sur un mannequin
1,67 m de hauteur environ.
Hambourg Museum für Kunst und Gewerbe (MKG)

De Vaslav Nijinski à Matthew Barney, de Mary Wigman à Kelly Nipper, l’art contemporain dialogue également avec les chefs-d’œuvre modernes.

DANSE ET ABSTRACTION, DE LOIE FULLER A NICOLAS SCHOFFER
La naissance de l’abstraction est envisagée à travers les inventions de Loïe Fuller, ou par la façon dont Kandinsky, les cubistes, les futuristes, le Bauhaus et les avant-gardes russes s’emparent de la danse. Certains artistes, comme Sophie Taeuber-Arp, pratiquent à la fois danse et arts plastiques.

« Elle dansait et rêvait, un triangle, un rectangle, un rectangle dans un cercle, un cercle dans un cercle, un cercle qui luit, un cercle qui sonne, un rectangle immobile avec beaucoup de petits cercles sonnants, elle rêvait nuit et jour de cercles vivants. » Jean Arp au sujet de Sophie Taeuber-Arp

Photographie de Sophie Taeuber-Arp dansant avec un masque de Marcel Janco au Cabaret voltaire, Zürich, 1916
Photographe anonyme, épreuve gélatino-argentique
Clamart, Fondation Arp, Maisons-ateliers Jean Arp et Sophie Taeuber

Des artistes dialoguent avec des danseurs, comme Kandinsky avec Gret Palucca. Ballets mécaniques notamment avec Oskar Schlemmer, inventions cinétiques et ballets virtuels achèvent cette histoire avec les recherches de Nicolas Schöffer et d’Alwin Nikolais. Cette section présente aussi Movement Microscope, 2001, une oeuvre inédite d’Olafur Eliasson conçue pour l’exposition.

DANSE ET PERFORMANCE, DE DADA A JEROME BEL
Un dernier volet évoque les liens de la danse avec l’art de la performance, et réciproquement : depuis les premières actions dadaïstes du Cabaret Voltaire jusqu’à l’invention des tasks (gestes empruntés à la vie quotidienne) par la danseuse Anna Halprin, en passant par les happenings d’Allan Kaprow et les recherches du Black Mountain College de Caroline du Nord (Etats-Unis). Dans les années 1960, Merce Cunningham dialogue avec Jasper Johns, ou encore Andy Warhol. Un ensemble d’œuvres et de documents évoque le Judson Dance Theater à New York, puis dévoile l’influence sur l’art de la culture populaire du clubbing et de la techno.

Jan Fabre
Quando l’uomo principale è una donna, 2004
Filmé par Charles Picq à la Maison de la Danse, Lyon, 2004
Film 16 mm, couleur, sonore
Direction, scénographie et chorégraphie : Jan Fabre
Danseuse : Lisbeth Gruwez

OEUVRES LIVE
L’exposition active l’oeuvre Untitled (Go-Go Dancing Platform), 1991 de Felix Gonzalez-Torres.

Felix Gonzalez-Torres
Untitled (Go-Go Dancing platform), 1991
© Kunst Museum St. Gallen, Saint Gall

Cette oeuvre de Felix Gonzalez-Torres est activée 5 min par jour pendant toute la durée de l’exposition

et l’installation Instead of allowing some thing to rise up to your face dancing bruce and dan and other things, 2000 de Tino Sehgal pour un danseur. Trisha Brown (avec le soutien du Centre National de la Danse, Paris, et du Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris) réactive l’œuvre Planes datant de 1968 (10 séances). De jeunes artistes contemporains donnent également à voir la danse en live. Davide Balula réalise Mechanical Clock for 60 dancers, une performance qui prend la forme d’une horloge mécanique où 60 danseurs incarnent littéralement le passage du temps (1 séance). Alex Cecchetti réalise pour le Centre Pompidou The Conversation of the Arrows, 2011 qui réunit cinq danseurs dans un chassé-croisé d’exercices ludiques laissant la place à l’improvisation.

PUBLICATIONS
Trois ouvrages sont publiés aux éditions du Centre Pompidou sous la direction de Christine Macel et Emma Lavigne accompagnent cette manifestation :

Un catalogue de référence de 320 pages avec illustrations couleurs et essais par des spécialistes : Marc Dachy, Douglas Crimp, Marcelle Lista, Pascal Rousseau, Norbert Servos, Adrien Sina…

Danser sa vie. Art et danse de 1900 à nos jours, Catalogue de l’exposition
Sous la direction de Christine Macel et d’Emma Lavigne,
Editions du Centre Pompidou, Paris
270 ill. couleurs, 22 x 28 cm, broché, 320 pages, 49,90 €

Danser sa vie. Ecrits sur la danse
Sous la direction de Christine Macel et Emma Lavigne
Parallèlement au catalogue, cet ouvrage propose une compilation inédite de textes capitaux autour de la danse, provenant de sources très diverses, de Nietzsche à Mary Wigman, en passant par Maurice Béjart et Henri Michaux. Editions du Centre Pompidou, Paris, 12 x 18,5 cm, broché, 240 pages, 19 €

Danser sa vie. Art et danse de 1900 à nos jours
Sous la direction de Christine Macel et Emma Lavigne
Editions du Centre Pompidou, Paris
Parcours illustré de l’exposition. Bilingue français  /  anglais
60 pages, 70 illustrations

EN RESONANCE AVEC L'EXPOSITION DANSER LA VIE

Parallèlement à l’exposition, le Centre Pompidou propose une programmation de Spectacles vivants riche en danse contemporaine, couvrant une large palette de propositions et d’approches du corps en mouvement : Meg Stuart, Maria La Ribot, Olga de Soto, Myriam Gourfink, Herman Diephuis…

Le Festival Vidéodanse présente les oeuvres de 150 chorégraphes à travers une programmation de 250 films qui retracent une histoire de la danse moderne et contemporaine.

Un programme de conférences et des cycles de Prospectif Cinéma et Vidéo et après sont organisés en lien avec l’exposition.

L’installation interactive de Richard Siegal If/Then, 2001, sera présentée dans le Forum du Centre Pompidou.

LE CENTRE POMPIDOU sur internet : www.centrepompidou.fr

French drawings US traveling exhibition - Storied Past: Four Centuries of French Drawings from the Blanton Museum of Art at The Frick, Pittsburg, The Blanton, Austin and Stanford University Center for Visual Arts

Storied Past: Four Centuries of French Drawings from the Blanton Museum of Art 

This traveling  Exhibition featuring 56 drawings chronicling a 400-year period in France, between 1500 and 1900, makes its debut at the Frick in Pittsburgh, where it is on view through April 17, 2011. Following its showing at the Frick, the exhibition will be on view at the Blanton Museum of Art at The University of Texas from September 18 - December 31, 2011, and the Iris and B. Gerald Cantor Center for Visual Arts at Stanford University from May 28 - August 24, 2012.

The Frick Art & Historical Center, Pittsburg

February 5 - April 17, 2011 

The Blanton Museum of Art, Austin, Texas

September 18 - December 31, 2011 

Iris & B. Gerald Cantor Center for Visual Arts at Stanford University

May 28 - August 24, 2012 

Storied Past: Four Centuries of French Drawings from the Blanton Museum of Art chronicles the full range of artistic uses of the medium, from quick sketches to finished compositional studies, to drawing as an end in itself. The Blanton Museum at the University of Texas at Austin has organized the exhibition from their permanent collection, which was supplemented a bit more than a decade ago by a large gift of drawings. The French drawings from this gift had not received systematic academic study, nor had most of them been published. 

Especially rich in 17th and 18th century drawings, the exhibition illustrates the rise to dominance of the Académie royale de peinture et de sculpture as one of the most dominant cultural and political institutions in Europe.  

The exhibition includes works by François Boucher (1703-1770), Jean-Baptiste Greuze (1725-1805), and Nicolas Lancret (1690-1743), among others, with the nineteenth century represented by choice sheets from François-Marius Granet (1777-1849), Théodore Rousseau (1812-1867), Jean Forain (1852-1931), Théophile-Alexandre Steinlen (1859-1923), and others who reflect shifts in the approach to drawing in the modern era. 

At the Frick, the exhibition find a perfect counterpart in the museum’s permanent collection, which visitors enter as they exit the traveling drawings show. Paintings by Jean-Marc Nattier (1685-1766), Lancret (1690-1743), Jean-Baptiste Pater (1695-1736), Boucher, Hubert Robert (1733-1808), and Nicolas-Bernard Lepicié (1735-1784), are displayed with examples of decorative arts from the period. Interpretation links the Frick’s collection to the Blanton exhibition through specific Collection Connection labels, and with a printed gallery guide. 

Frick Director Bill Bodine comments, “The Frick’s presentation of Storied Past: Four Centuries of French Drawings from the Blanton Museum of Art reflects an institutional interest in French art established by Helen Clay Frick, founder and benefactor of the museum. We are delighted to be the first museum to host this exhibition of the Blanton’s magnificent drawings, many of which are unpublished and unfamiliar to the art world at large. This exhibition also provides us with the opportunity to highlight select French drawings and paintings in our collection that were purchased by Miss Frick and relate to the body of work on loan from the Blanton Museum of Art.”

STORIED PAST: 

FOUR CENTURIES OF FRENCH DRAWINGS 

FROM THE BLANTON MUSEUM OF ART 

ABOUT THE EXHIBITION 

The exhibition begins in a period of transition from the mannerism of the late Renaissance to the Baroque period. Two sheets showing designs for a powder flask made by an artist associated with the School of Fontainebleau show the sophisticated sense of decoration that prevailed among artists working around the court of Francis I. Two drawings attributed to seminal printmaker Jacques Callot (1592-1635) and his circle date to the period he spent in Florence, and show his interest in melding his observations of life around him into his expressive and inventive finished compositions. The fluid chalk Study of a Man with a Turban, c. 1617, attributed to Callot, is characteristic of his elegant figures and displays a masterful ability at controlling light and shade and swiftly capturing the spirit of a figure, as well as its contours.  

The Académie royale de peinture et de sculpture was founded in 1648. Modeled on Italian examples, the Académie provided training for and official recognition of artists, and allowed for artists to categorize themselves more highly than craftsman or tradespeople. Instruction at the Académie was based on a combination of lectures and studio classes. By the 1680s the Académie royale was an extremely influential organization, with well-established rules, a code of practice, lectures, regular competitions and prizes, exhibitions, and life-drawing-classes.  

The Académie, like those in Italy, considered drawing a fundamental part of the training of an artist and a necessary skill for a successful painter. Engrained in the academic system was a hierarchy of importance with history painting (narrative painting of religious, classical or mythological subject matter) being the most important, followed by portraiture, genre, landscape, and still-life painting. As the exhibition progresses through the Baroque period, examples of typical classical, mythological and religious subjects are prevalent, featuring an annunciation by Michel Dorigny (1616-1665) and a fascinating Elevation of the Cross attributed to Raymond LaFage (1656-1684). Religious and mythological subjects, along with the occasional classical landscape, dominate for about 50 years, until the emergence of the Rococo. 

The style of Jean-Antoine Watteau (1684-1721) is represented in this exhibition by Landscape in a Venetian Manner, c. 1715-1716 (Circle of Watteau). Watteau is best known for his fêtes galantes, a term invented by the Académie in 1717 to describe the artist's variation on the traditional theme of outdoor feasts. This drawing depicts the type of classicized, pastoral setting that might have been populated by fashionable couples in one of Watteau’s finished paintings. The artist kept bound albums of his landscape drawings —some made from nature and others copied from earlier artists— which he later incorporated into his painted compositions. This drawing exhibits the distinctive featherlike touch and delicacy of Watteau that suggests life's fragility and transience. 

The drawings of the Rococo period have exceptional crossover in artists and subject matter with the permanent collection at the Frick, both collections include Watteau’s contemporary Lancret, as well as Jean-Marc Nattier and François Boucher, and demonstrate the period’s interest in portraiture, allegory, mythology, and idealized landscapes. The favorite painter of Louis XV’s mistress, Madame de Pompadour, Boucher is represented by two drawings in this exhibition. Mucius Scaevola Putting His Hand in the Fire, c. 1726-1728, an early drawing, shows the influence of his teacher, François Le Moyne (1688-1737), whose work is also included in the exhibition. A later sheet by Boucher, Juno Commanding Aeolus to Unleash the Winds,1769, is executed in a markedly different style than the earlier drawing and was made in preparation for a painting now in the collection of the Kimbell Art Museum in Fort Worth, Texas. 

The neoclassical period is exemplified by François-Marius Granet, who studied in the studio of Jacques-Louis David (1748-1825) along with Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867). Granet traveled to Italy early in the 19th century and there developed a market for his works focusing on church interiors, ruins, and monuments. His drawing Monks Entering a Cloister, c. 1802-1819, shows his fascination with the atmosphere of classical architecture, and his typical skill at employing dramatic light effects.

By the mid-19th century, the hold of academic training on the art world began to weaken, and the lure of Italy as the land of both ideal landscape and ideal architecture collapsed as younger artists, like Théodore Rousseau, began to find deeper meaning in creating images of their own landscape. Rousseau’s small charcoal drawing on pink paper A Marshy River Landscape, c. 1845, illustrates his interest in responding directly to nature. The decidedly unpicturesque view of scrubby growth and wintry trees growing alongside a chill and grey looking river bordered by swampy land, has his characteristic manner of close observation combined with sketchy, more poetic passages. The pink paper and the use of white chalk on the horizon create an effect of either sunrise or sunset, and an atmosphere of sublimity and transcendence. As the exhibition concludes at the cusp of the 20th century we see artists exploring a variety of more moderns subjects—from the late realism of Workers Loading Ballast by Frédéric Jacque (1859-1931), to the more academic and conservative orientalism of Alexandre-Louis Leloir (1843-1884) and his Moroccan Girl Playing a Stringed Instrument, 1875, to the graphic sensibility employed by Théophile Alexandre Steinlen in preparatory drawings for his famous lithographs.

EXHIBITION CATALOGUE

A catalogue published by Hudson Hills Press accompanies the exhibition. Storied Past: Four Centuries of French Drawings from the Blanton Museum of Art includes essays by Cheryl K. Snay, the Blanton’s former Associate Curator of Prints and Drawings; Jonathan Bober, Senior Curator of Prints, Drawings and European Paintings; and Kenneth M. Grant, Paper Conservator, Harry Ransom Center. The catalogue includes entries on all works, which are accompanied by full-color images. 

STORIED PAST

Four Centuries of French Drawings from The Blanton Museum of Art

By Jonathan Bober, Kenneth M. Grant, and Cheryl K. Snay

Hudson Hills Press, March 2011 

Hardcover - 304 pages - 10 x 11 in. - 25 x 27 cm 

100 color plates - 30 black & white

Storied Past: Four Centuries of French Drawings from the Blanton Museum of Art is organized by the Blanton Museum of Art at the University of Texas at Austin. Support for the exhibition is provided by Continental Airlines and the Still Water Foundation.  

Upcoming exhibitions at the Frick

A Closer Look: France and the Automobile, 1890-1925

March 8 - April 17, 2011

PAN–Fin de Siècle Prints: Art Nouveau on Paper 

May 21 - September 11, 2011 

Fabergé: The Hodges Family Collection

October 22, 2011 - January 15, 2012 

FRICK ART & HISTORICAL CENTER  

Pittsburgh, PA 15208 

www.thefrickpittsburgh.org

Expo Valerie Belin, Paris, Galerie Jérôme de Noirmont

Exposition VALERIE BELIN, Black-Eyed Susan
Galerie Jérôme de Noirmont, Paris
Jusqu'au 27 janvier 2011

 

 

VALERIE BELIN, PHLOX NEW HYBRID (WITH DAHLIA REDSKIN), 2010 
Impression pigmentaire sur papier marouflé sur Dibond
Edition à 3 exemplaires et 1 épreuve d´artiste. 164 x 130 cm.
© Valérie Belin. Courtesy Galerie Jérôme de Noirmont, Paris.

 

Où femmes et fleurs fusionnent...

La photographie vit aujourd’hui les mêmes bouleversements que la peinture à l’époque où la photographie est apparue ; la peinture n’eût alors plus besoin de reproduire le réel, elle devint abstraite…

S’inscrivant dans le prolongement des investigations de l’artiste sur la nature hybride de la photographie, Valérie Belin nous dévoile le fruit de ses dernières expérimentations dans cette nouvelle exposition présentée à la galerie depuis le 1er décembre jusqu’au 27 janvier 2011 : une nouvelle série où des visages de femmes se mélangent de manière quasi-fusionnelle avec des bouquets de fleurs…

La naissance de la photographie à la fin du 19e siècle donna à la peinture une nouvelle liberté, l’affranchissant de son rôle de représentation du réel, de transcription d’une vérité, et lui offrit de nouveaux développements en l’obligeant à une remise en question du sujet.

Aujourd’hui, ce nouveau travail de Valérie Belin s’inscrit dans un même questionnement autour du médium: initialement conçue pour reproduire la réalité  – en particulier dans l’art du portrait – la photographie s’ouvre maintenant à des perspectives inédites de création, grâce aux nouvelles technologies de l’image qui lui ôtent tout caractère analogique et lui permettent de devenir virtuelle, abstraite et intemporelle.

A l’instar de la musique électronique née avec l’apparition de nouveaux instruments et de nouvelles techniques musicales, l’artiste élabore ainsi un nouveau vocabulaire plastique en utilisant des techniques digitales reconnues de façon inédite. Loin de leur rôle initial de correction et de retouche, les technologies de l’image ouvrent en effet aujourd’hui de nouveaux horizons de création, avec la possibilité de créer des images totalement irréelles.

Valérie Belin travaille ici en deux temps : elle réalise deux images distinctes, d’abord le portrait d’une femme élégante dans une esthétique très années 50, puis un bouquet de fleurs qui sera associé au portrait pour constituer l’oeuvre finale en « incrustant » les deux images l’une dans l’autre. Résulte de cette imbrication une image surprenante, évoquant une forme particulièrement sophistiquée de surimpression.

Les femmes choisies pour cette série sont des femmes élégantes, sélectionnées pour leur beauté formelle et plastique, dans un style se référant aux codes esthétiques des années 50, avec des formes rigides, artificiellement « montées », qui rappelle certaines icones conventionnelles de l’époque. L’artiste les a « décorées » de parures, maquillages et coiffures afin qu’elles entrent en relation avec les formes baroques des fleurs1. Les vagues et volutes des cheveux, les formes rondes des colliers de perles, la chromie des maquillages assurent alors le dialogue avec les fleurs et feuillages, qui prennent l’apparence d’ornements surajoutés au visage et à la peau.

Dans un même souci de formalisme, voulant recréer avec les bouquets de fleurs une sorte de trame végétale et décorative dans laquelle le visage de la femme s’inscrit comme faisant partie d’un tout, comme dans un papier peint, l’artiste a choisi des fleurs au dessin simple et précis, utilisé ici pour son caractère purement graphique.

La gamme colorée est réduite à deux ou trois nuances, avec une prédominance du noir, évoquant la mise en couleur simplifiée de la BD et apparaissant ici comme un fard apposé à la surface des choses.

Dans chacune des images de cette série, Valérie Belin s’est appliquée à créer une équivalence dans l’image entre femmes et fleurs, en travaillant à la fois par addition de formes et soustraction d’informations. Femmes et fleurs se voient ainsi attribuer la même importance et le même statut de pur décor. Cette surenchère de décor semble placer l’image dans une esthétique totalement formaliste, le sujet se dérobant sous les effets de style.

Tout au long de sa carrière, l’artiste a remis en question les frontières entre réel et virtuel, depuis les Verres (1993) et miroirs de Venise I et II (1997) jusqu’aux Mannequins (2003), Modèles et Métisses (2006), dans le cadre général d’une investigation sur les limites de la photographie. Ses œuvres photographiques ont toujours eu un caractère surréel, obtenu par des effets d’optique ou par un surdimensionnement du sujet. Dans ses séries récentes comme Lido (2007) ou les Têtes Couronnées (2009), l’artiste choisissait des sujets ayant une image forte, un fort pouvoir de représentation, qualités mises en valeur dans un traitement totalement onirique du portrait grâce à des technologies nouvelles et différentes selon la série.

Aujourd’hui, Valérie Belin poursuit sa quête « surréaliste » autour de cette nouvelle hybridation du medium photographique en repoussant une fois encore les frontières de la création, la technique devenant le sujet même de sa création. N’est-il d’ailleurs pas amusant de constater qu’elle retrouve ici dans une certaine forme de « transparence » les recherches plastiques qu’effectuait Picabia au début du XXe siècle, artiste qui a toujours inspiré Belin dans sa perpétuelle remise en question de la peinture ?

Galerie Jérôme de Noirmont, Paris

Oeuvres exposées
11 œuvres de Valérie Belin sont présentées lors de cette exposition. Ces oeuvres sont toutes datées 2010. Chaque image est de format 164 x 130 cm. Impression pigmentaire sur papier marouflé sur aluminium. Edition limitée à 3 exemplaires et 1 épreuve d’artiste.

EXPOSITIONS VALERIE BELIN sera aussi présente lors de la prochaine exposition à la Galerie Jérôme de Noirmont, ALREADY-MADE ? une exposition collective, 4 février - 24 mars 2011. A l'approche de l'été 2011, Valérie Belin présentera son travail à la Sikkema Jenkins & Co Gallery, New York, 21 Mai - 2 Juillet 2011

CATALOGUE Pour ceux et celles qui apprécie le travail de Valérie Belin, on ne saurait trop recommander le catalogue édité par la Galerie Jérôme de Noirmont lors de la dernière exposition de l'artiste à la galerie (7 Novembre 2008 - 31 Janvier 2009). Ce catalogue d'exposition reproduit l'ensemble des oeuvres qui avaient alors été présentées : la série de photographies d'une danseuse du Lido, la série de photos de magiciens et une troisième série consacrée aux bouquets de fleurs. Ce catalogue qui est une édition limitée à 2000 exemplaires est pour l'instant encore disponible à la galerie Jérôme de Noirmont. Les oeuvres de Valérie Belin sont accompagnées dans ce catalogue d'un texte bilingue français/anglais très éclairant de Larisa Dryansk.

 

© & courtesy Valérie Belin – Galerie Jérôme de Noirmont, Paris

VALERIE BELIN
Edité par la Galerie Jérôme de Noirmont, Paris
Texte bilingue français/anglais de Larisa Dryansk
Publication : octobre 2008
Edition limitée à 2000 exemplaires
34 x 27,3 cm - 52 pages
16 illustrations pleine page noir et blanc
ISBN : 2-912303-28-1 - 30 EUR

GALERIE JEROME DE NOIRMONT
36-38 avenue Matignon
75008 PARIS

www.denoirmont.com

Expo Corps a Corps à Dunkerque au Musée des Beaux-Arts

Corps α corps
MBA - Musée des Beaux-Arts, Dunkerque
Jusqu’en Octobre 2011

 

Affiche de l’exposition au MBA de Dunkerque. Sur l’affiche, une photo de Nicole Tran Ba Vang, Sans titre 06, série Collection printemps/été 2001, 2001 © ADAGP, Paris 2010. Courtesy MBA de Dunkerque / Ville de Dunkerque.

Quatrième invitation à explorer la diversité des collections des musées de Dunkerque, Corps α corps met en exergue le corps, objet de tous les fantasmes et désirs, sujet de fascination des artistes depuis des temps immémoriaux. Commencée en mai, cette exposition ce termine ce mois-ci.

Avec les deux affiches ci-dessus et ci-dessous, le Musée des Beaux-Arts de Dunkerque souligne parfaitement sa volonté de mettre en lumière la diversité des approches du corps par les artistes. Cette différence peut être liée aux changements culturels d’une époque à une autre. Mais parmi les artistes d’une même époque, les différences sont également importantes.

 

Affiche de l’exposition au MBA de Dunkerque. Sur l’affiche, une peinture de Charles Zacharie Landelle, Suzanne au bain, 19e siècle © Pierre Moine. Courtesy MBA de Dunkerque / Ville de Dunkerque.

Oeuvre figurant sur la seconde affiche. Charles Zacharie Landelle, Suzanne au bain, 19e siècle © Pierre Moine. Courtesy MBA de Dunkerque / Ville de Dunkerque.

Certains diront que le sujet a été maintes fois rebattu. Pourtant, les démarches d’artistes contemporains tendent à prouver que cette fascination est toujours d’actualité puisqu’elle est cœur de leurs recherches artistiques. A croire que le sujet est inépuisable. Car depuis les représentations des plus classiques, proches d’un réalisme extrêmement codifié, les représentations du corps ont donné lieu à diverses partitions artistiques, à leurs débuts scandaleuses, qui continuent aujourd’hui d’alimenter le débat.

Qu’il est pourtant loin le temps où pudeur et mœurs contraignaient les artistes à se plier aux règles de bienséance. Le chemin parcouru depuis leur laisse une liberté d’expression sans entrave mais cela ne signifie pas pour autant que leur démarche emporte systématiquement l’adhésion de chacun.

Joseph Felon, Andromède, 1849
© Philippe Beurtheret. Courtesy MBA Dunkerque

Le corps est l’une des données constitutives de l’existence humaine : c’est dans et avec son corps que chacun de nous naît, vit et meurt. C’est dans et par son corps qu’on s’inscrit dans le monde et que l’on rencontre autrui. À la fois objet matériel qui s’inscrit dans le devenir et le paraître et objet que nous sommes (signe de notre humanité et de notre subjectivité) le corps trouve tout son intérêt lorsqu’on cherche à comprendre ce qu’est l’homme. C’est ce qui intéressait le musée et c’est ce que l’exposition Corps α Corps cherche à montrer : comment le corps, objet de multiples représentations et aussi d’obsessions dans notre civilisation contemporaine, objet aussi d’enjeux extrêmement divers, de l’initiation rituelle à la séduction ou même à la domination, incarne-t-il la personne humaine au sein du monde dans lequel elle vit ?

Aristide Emilie Numa Bourel, L’Ecorcheuse de raies, 1875
© Jean-Claude Mallevaey. Courtesy MBA Dunkerque

L’exposition du musée des Beaux-Arts offre un parcours en cinq volets présentant diverses approches.

- Corps, parure, apparence
- Corps, séduction, sensualité
- Corps, tension, énergie
- Fragments, morceaux, é-cor-chures
- Corps émergents, corps évanescents

Le point de départ de ces questionnements est la collection des musées de Dunkerque, enrichie d’œuvres d’autres institutions de l’Euro-région, musées, FRAC, de galeries, de chercheurs, d’artistes ou de collectionneurs ; celles-ci viennent renforcer ou éclairer les différentes séquences (voir liste des prêteurs ci-dessous).

Tony Oursler, How does it feel, 1995
Installation vidéo © Tony Oursler.
Courtesy MBA Dunkerque

 

Commissaires de l’exposition

Aude Cordonnier, conservateur en chef
Claude Steen-Guélen, attaché de conservation
Nadia Rambaud, chargée de médiation
Avec l’assistance de Pauline Lourdel, étudiante en master à Paris

Listes des prêteurs

Musée/site archéologique départemental, Bavay ; Château-musée, Boulogne-sur-Mer ; Musées royaux d’art et d’histoire de Belgique, Bruxelles ; Musée des Beaux-Arts, Calais ; Musée de la Chartreuse, Douai ; Musée du Dessin et de l’Estampe originale, Gravelines ; Musée départemental Henri Matisse, Le Cateau-Cambrésis ; Musée d’Histoire naturelle et d’Ethnographie, Lille ; Musée du Quai Branly, Paris ; Musée de l’Hôtel Sandelin, Saint-Omer ; Musée départemental -Atelier du Verre, Sars-Poteries ; Musée des Beaux-Arts, Valenciennes ; FRAC Nord-Pas de Calais ; Galerie Serge Le Borgne, Paris ; Henri Cueco ; Angèle Etoundi Essamba ; Bertrand Gadenne ; Nicole Tran Ba Vang ; Jabiru Prod, Toulouse ; Terredocs, Toulouse ; Maïté et Paul Dequidt, Wormhout ; Eugène-Jean Leroy

INFORMATIONS PRATIQUES
Musée des Beaux-Arts
Place du Général-de-Gaulle - 59140 Dunkerque

www.ville-dunkerque.fr

Dates et horaires: Ouvert tous les jours sauf le mardi de 10h à 12h15 et de 14h à 18h. Fermé le 1er mai, le 15 août, le 1er novembre, les 24 et 31 décembre après-midi, le 25 décembre.

Tarifs : Billet commun pour le LAAC et le musée des Beaux-Arts, valable 7 jours. Entrée individuelle : 4 € 50 / Tarif réduit : 3 € / Tarif 18-25 ans : 1 € 50. Gratuit pour les moins de 18 ans et chaque premier dimanche du mois.

Philippe Pasqua par Nicolas Reynal sur France 4

Pasqua L'insaisissable
Film documentaire inédit de Nicolas Reynal
sur l’artiste Philippe Pasqua
Diffusé sur France 4 le 2 juin 2010 à 22h30

Réalisateur : Nicolas Reynal
Producteurs : Marc Rousseau & Jérôme Cheval
Produit par : Films Concept Associés

« Pasqua l'insaisissable », c'est le quotidien d'un artiste contemporain français en plein essor et qui dépense sans compter pour ses oeuvres, comme pour ses loisirs. Son dernier projet est encore plus démesuré : prendre sa propre Ferrari pour la gainer de cuir avant de la faire entièrement tatouer et de la fixer au mur.

Né en 1965, PHILIPPE PASQUA est un artiste autodidacte qui participe au renouveau de l'art figuratif français. Sur des toiles monumentales chargées de matière, il représente la figure humaine. Depuis quelques mois, il sculpte des têtes de mort géantes en marbre de Carrare et des crânes d'hippopotame en chrome. Sa cote ne cesse de grimper tant en peinture qu'en sculpture, les expositions s'enchaînent dans le monde entier, et les grands collectionneurs lui passent commande.

La singularité de Philippe Pasqua ne se retrouve pas seulement dans ses oeuvres. Son rythme de vie (il ne se déplace qu'en jet privé), ses loisirs (il est passionné de voitures de sport), son lieu d'habitation (un loft de 1500 m2) et ses fréquentations (une galerie de personnages étonnants) échappent à toute norme. Perfectionniste et en constante recherche de nouveaux projets délirants, il incarne parfaitement une certaine image de l'artiste du 21ème siècle, celle d'un homme d'affaires créatif en perpétuel mouvement.

Philippe Pasqua expose depuis le début des années 90, et désormais ses oeuvres se vendent très cher. Son atelier-loft de 1500 mètres carrés meublé par les plus grands noms du design est jonché de pinceaux. C'est normal, à chaque coup de pinceau, il jette l'outil. Passionné de voitures rapides, de paint-ball, de jet privés, de villas somptueuses, de yachts et d'hélicoptères, sa vie est une succession d'événements extraordinaires et de démesure.

Le réalisateur, Nicolas Reynal, a eu l'opportunité unique de suivre pendant plusieurs mois le quotidien de ce peintre et sculpteur français dont la cote ne cesse de monter. Alors que le milieu de l'art contemporain apparaît uniquement comme un univers spéculatif où seule l'extravagance semble payante, il paraît intéressant de suivre pas à pas les étapes de création et de commercialisation des oeuvres d'un artiste en pleine ascension. Grâce à une immersion au coeur de ce processus, ce film décrypte les codes et le mode de fonctionnement du marché de l'art contemporain, tenter de comprendre comment la cote d'un artiste évolue, et quelle influence ce marché exerce sur la création.

Source : France 4 – www.france4.fr

Expo ArtParis 2010 Grand Palais

ARTPARIS+GUESTS

18 > 22 mars 2010 

EXPOSITION AU GRAND PALAIS, PARIS

La date se rapproche. ARTPARIS+GUESTS va réunir au Grand Palais à Paris pas moins de 105 galeries d’art offrant un cocktail artistique diversifié. C’est donc un événement important que ne manqueront sans doute pas les amateurs d’art. Au programme : peintures, photographies, sculptures, dessins, vidéos artistiques, installations, performances, combinaisons transdisciplinaires et trans-géographiques...

“Foire” d’art moderne et contemporain, Art Paris réunit chaque année amateurs, collectionneurs, artistes et autres professionnels du monde de l’art autour de galeries. Cette nouvelle édition 2010 traduit particulièrement la volonté d’exposer les liens unissant les différentes formes d’expression artistique, le mélange, la mixité, l’enrichissement mutuel que la grande majorité des artistes a toujours pratiqué et les passionnés d’art apprécié  : l’architecture, la mode, le design, la gastronomie, la littérature, le cinéma auront donc aussi leur place dans cette exposition.

Si un salon prétendait représenter en un même lieu, toutes les formes de créations artistiques, en faisant une place à la diversité qui se manifeste dans chaque mode d’expression, avec leurs spécificités aussi, par delà la force de leurs liens, il n’existe pas de lieu assez grand pour l’organiser. Ou alors la rue, mais s’il pleut ? en plus en mars… Mais on ne peut que se réjouir de la  volonté des organisateurs du salon de souligner les passerelles qui existes dans la réalité de l’activité créative. Même si cette volonté ne se traduit que de façon limitée. 28 galeries s’associent à des « Guests » pour souligner les approches croisées de la création contemporaine (indiqués en gras dans la liste des exposants ci-dessous).

Galerie Vieille du Temple + Franck Sorbier

La galerie Vieille du Temple (Paris) a ainsi eu la bonne idée de prendre pour guest, de s’associer lors de l’exposition, au grand couturier Franck Sorbier pour allier la haute couture, la peinture, la photo et la vidéo interactive.

  Guy de Malherbe, Paysage minéral, huile sur toile,
  125x100cm, 2010, Galerie Vieille du Temple
  © Alberto Ricci. Courtesy Galerie Vieille du Temple

« Franck Sorbier a toujours été sensible à l’art au point de faire des créations clins d’œil : l’art premier, les primitifs italiens, Yves Klein, Calder… Il nous est paru évident de faire appel à Franck Sorbier car nous étions certains qu’il saurait donner un souffle nouveau aux œuvres peintes de Guy de Malherbe, Jeff Kowatch et Herta Müller comme aux photos et vidéo interactive de Hanna Haaslahti en les faisant dialoguer avec ses propres créations. Chacune des créations de Franck Sorbier sera choisie pour les résonances qu’elle provoque dans l’approche de chacun de ces artistes de la galerie », explique Marie-Hélène de la Forest Divonne.

 

Création de Franck Sorbier © Pierre Belhassen, Courtesy Franck Sorbier

La galerie Lélia Mordoch + Espace 54 

© Francisco Sobrino, Déplacement Bleu, 1965
plexiglas transparent teinté, bois, moteur, source lumineuse
60 x 140 x 15 cm, Courtesy Galerie Lélia Mordoch

La galerie Lélia Mordoch (Paris) s’associe avec Espaces 54, où Juliette Aittouarès fait la promotion du design, pour bâtir sur son stand une maison cinétique, inspirée de Jacques Tati. On y trouve des tableaux des années soixante, des meubles de Romain Minar, des sculptures, des objets de collection qui se jouent des lignes graphiques, des couleurs et du mouvement, dans un esprit constructiviste. Les œuvres d’art optique de Julio Le Parc, Horacio Garcia Rossi, François Morellet, Francisco Sobrino ou encore Jesús Rafael Soto dialoguent ainsi avec des pièces de design dont ils sont la source.

La galerie Nathalie Gaillard + Publicis Dialog

Constatant qu’artistes et créatifs d’agence se côtoient et interagissent souvent, la galerie Nathalie Gaillard (Paris) invite quant à elle PUBLICIS DIALOG à intervenir sur son stand pour changer la perception que l’on a des œuvres grâce à une technologie novatrice et interactive. Le système interactif conçu par les créatifs de Publicis Dialog invite à communiquer avec les œuvres  spectaculaires d’Aurèle (né en 1963), de Bernard Pras (né en 1952) et de Robert Combas (né en 1957). 

© Bernard Pras, Le Christ, 2009 
Installation monumentale composée de vêtementsbà La Collégiale Sainte-Croix de la Ville de Loudun 
Courtesy Galerie Nathalie Gaillard

► LES 7 “PLATEFORMES” D’ARTPARIS+GUESTS

Géographiques et culturelles, ces plateformes ont pour but de représenter les scènes artistiques parmis les plus dynamiques sur le marché de l’art contemporain, de l’Afrique à l’Indonésie, en passant par l’Ukraine et la Finlande, sans oublier Paris…

• INDONESIE : The Grass Looks Greener Where You Water It (Stand C16)
Le meilleur de l’art contemporain indonésien
Organisé par Deddy KUSUMA, collectionneur
Curateur : Enin SUPRIYANTO, co-curateur : Agung HUJATNIKAJENONG
Chef de projet : Tommy SUPRAJITNO

L’Indonésie fait part d’une manière exemplaire de son milieu créatif et de son inventivité au sein des scènes émergentes sur ARTPARIS+GUESTS. Organisée par le collectionneur et mécène Deddy Kusuma, la plateforme indonésienne intitulée The Grass Looks Greener Where You Water It compose, par l’entremise de ses deux curateurs  Agung Hujatnikajennong et Enin Supriyanto, un ensemble étonnant de forces sensibles.  Se fiant à son instinct lorsqu’il acquiert des œuvres, Deddy Kusuma a toujours eu pour devise : « Achetez les œuvres que vous aimez, dès que vous le pouvez, avant même que les autres aient une chance de les voir. »  Reflet d’une nouvelle esthétique politique et sociale, sa collection comprend à la fois des œuvres de peintres indo-européens issus d’avant l’indépendance, ainsi que d’artistes d’Indonésie et d’autres pays d’Asie. Exceptionnelle à plus d’un titre, The Grass Looks Greener Where You Water It confère donc une place essentielle à l’art d’Indonésie dans le contexte actuel de l’art mondialisé.

A travers un large choix d’œuvres et de médiums : peintures, sculptures, installations, assemblages et autres volumes, cette exposition échappe entièrement aux canons de l’esthétique occidentale, soulignant parfaitement la diversité des pratiques modernes et contemporaines d’un pays qui se rêve en nouvel axe de la création asiatique. 

AGUS SUWAGE, Luxury Crime. 2007-2009. 
Stainless steel, gold plated brass, and rice. 
124 x 77 x 52 cm

A travers un large choix d’œuvres et de médiums: peintures, sculptures, installations, assemblages et autres volumes, cette exposition échappe entièrement aux canons de l’esthétique occidentale, soulignant parfaitement la diversité des pratiques modernes et contemporaines d’un pays qui se rêve en nouvel axe de la création asiatique. 

Tandis que le monde artistique figure de plus en plus la zone de convergence des échanges internationaux, l’Indonésie se positionne aujourd’hui comme un nouvel acteur régional sur lequel il faudra compter dans un avenir multipolaire.

• FINLANDE : La beauté sous pression – Stand C19
Design et art contemporain de Finlande Curateur : Leevi HAAPALA (Musée d’Art Contemporain d’Helsinki KIASMA)
Scénographié par Ben SCHULTEN (architecte-designer) et Antti SILTAVUORI (designer industriel)
En coopération avec : GALERIE FORSBLOM - GALERIE ANHAVA - GALERIE HEINO - GALLERY KALHAMA&PIIPPO CONTEMPORARY - GALLERY HUUTO – GALLERY MUU – GALLERY SCULPTOR – PHOTOGRAPHIC GALLERY HIPPOLYTE et le Ministère de la Culture de Finlande

La Finlande hisse fièrement ses couleurs sur ARPARIS+GUESTS avec « La Beauté sous pression ». Au cœur du design et de l’art contemporain, c’est le pays des extrêmes nordiques, des aurores boréales et des soleils de nuit. Orchestrée avec l’aide de huit importantes galeries d’Helsinki – Anhava, Forsblom, Heino, Photographic Gallery Hippolyte, Huuto, Kalhama & Piipo Contemporary, Muu et Sculptor  –, La Beauté sous pression s’offre comme le miroir singulier des contrastes plastiques d’un pays au faîte du Septentrion.

Mises en scène par Leevi Haapala du musée d’art contemporain de Helsinki Kiasma, lui-même assisté par l’architecte-designer Ben af Schulten et le designer industriel Antti Siltavuori, c’est une trentaine de jeunes artistes finlandais qui sont exposés, dévoilant une esthétique très pointue, entre fonctions et lignes high-tech. Citons Veli-Matti Rannikko qui travaille l’aluminium et la mousse, HC Berg et sa peinture pleine de couleurs psychédéliques (ci-contre), Kim Simonsson plus proche de la céramique et du verre glacé, Pink Twins branchés vidéo ou encore Liisa Lounila sculptant la lumière. Parmi d’autres créations inédites, une édition spéciale du célèbre siège « Pastille » signée Eero Aarnio est également prévue pour un lancement en avant-première sur le salon.                   

  HC BERG, Visual Vortex,
  Oily Colours, Barb, Wave I, 2009, acrylics
  Courtesy Galerie Forsblom

• UKRAINE : Concerning The Present Moment
L’art contemporain d’Ukraine
Curateur : Peter DOROSHENKO (directeur artistique du Pinchuk Art Centre à Kiev)
en coopération avec la TAÏSS GALERIE

• AFRIQUE. Paris 
Le meilleur de l’art contemporain africain Organisateur et curateur : André MAGNIN
en coopération avec la collection Gervanne et Matthias LERIDON

• L’APPARTEMENT DE COLLECTIONNEUR   <<< PLUS D’INFOS L’appartement imaginaire d’un collectionneur de Saint-Germain-des-Prés
Organisateurs et curateurs :
GALERIE DOWNTOWN FRANCOIS LAFFANOUR
GALERIE LOEVENBRUCK
IN SITU - FABIENNE LECLERC  
JOUSSE ENTREPRISE
GALERIE GEORGES-PHILIPPE & NATHALIE VALLOIS

• VISIONS
Organisateurs et curateurs :
GALERIE RICCARDO CRESPI
BONGOUT, BERLIN
AEROPLASTICS CONTEMPORARY
GALERIE ERIC MIRCHER

La plateforme « Visions »  est née de l’idée d’un cabinet de curiosités, autour des artistes représentés par 4 galeries européennes choisies pour la singularité de leur démarche ultra contemporaine : Aeroplastics contemporary (Bruxelles), Bongoût (Berlin), Riccardo Crespi (Milan) et  Eric Mircher (Paris).

Aeroplastics Contemporary montre pour la première fois en France les caissons lumineux du peintre Américain Terry Rodgers dans lesquels il explore différemment ses scènes de genre sexy et trash. La galerie présente  également une nouvelle installation de Samuel Rousseau et deux sculptures de  John Isaacs. L'une d’entre elles représente « le rocher du penseur de Rodin après que celui-ci ait fichu le camp ». (sic)

La galerie Eric Mircher expose un ensemble diversifié centré sur les interprétations contemporaines du clair-obscur. A côté dune sculpture monumentale de Max Streicher spécialement réalisée pour le salon, on découvre un accrochage d'oeuvres en noir et blanc de trois artistes de la galerie : l'Américain Steve Galloway et ses paysages mentaux, des dessins de Marko Velk et des pièces brodées de fil noir sur la toile représentant des crânes et des  femmes en extase par Danato Amstutz

La galerie Riccardo Crespi propose un ensemble de pièces très contemporaines au travers desquelles se tissent des liens formels et métaphoriques avec l'architecture : des ruines photographiées et un amoncellement de poutres grises du Danois Soren Lose ainsi que des sculptures de Stephanie Nava. 

Bongoût est une jeune galerie berlinoise fondée par Christian Gfeller et Anna Hellsgard, elle fonctionne à la fois comme galerie d'art contemporain, éditeur et atelier graphique. Elle  appartient à une nouvelle génération de galeries directement marquées par une culture rock anglo-saxonne. Pour sa première participation à une foire d’art contemporain, Bongoût s’inscrit sur la plateforme  Visions avec une présentation des tableaux de Laurent Impeduglia.

 

  LAURENT IMPEDUGLIA, Stupidman, 2008, huile sur toile, Courtesy Bongoût

• UTOPIA/DYSTOPIA

« Utopia/Dystopia » réunit 6 galeries parisiennes du quartier Marais/Beaubourg : Anne Barrault, Patricia Dorfmann, Frank Elbaz, Nuke, Odile Ouizeman et Chez Valentin. Cette plateforme a pour curateur le critique d’architecture Christophe Le Gac, qui en a conceptualisé les tenants et aboutissants. Il explique : « Tout le monde a en tête le mot « utopie » et une vague idée de sa définition. Historiquement, l’utopie est un genre littéraire inventé par le diplomate-politique et philosophe anglais Thomas More. Le mot « utopie » vient du titre de son ouvrage écrit en 1516 et du nom donné par l’auteur à l’île où se situe l’action…» Tout au long de son récit, la description d’un monde idéal surgit....mais,  déception ! Au fil des pages, apparaît le côté obscur de ce monde  prétendument merveilleux  mais en fait totalement réglementé. « La « dystopie » (ou de la « contre-utopie ») incarne ce côté obscur. L’histoire offre de nombreux exemples où la revendication par l’homme de la recherche du bonheur pour tous a débouché sur une catastrophe.

Depuis très longtemps les artistes sont fascinés par ce pouvoir de l’homme à toujours transformer ses rêves en cauchemars. Souvent, ils tirent des éléments de la réalité la plus banale et les malaxent, les assemblent de telle manière que leurs œuvres traduisent cette fascination/répulsion envers cette schizophrénie humaine ».

LAURENT PERNOT, Le temps égaré,  2008.
Photo couleur contrecollée sur aluminium, sous Diasec. Courtesy Galerie Odile Ouizeman

Ainsi, sur cette plateforme d’art contemporain, c’est une parabole douce amère qui crée l’ambiance générale d’un parcours qu’il faut voir comme « un paysage dystopique où dessins, peintures, photographies, vidéos, installations et volumes en constituent les recoins ».

Parmi les 105 galeries rassemblées lors d’ARTPARIS+GUESTS on compte 40 nouveaux exposants (indiqués ci-dessous par une astérisque*). Les deux tiers des galeries sont françaises (ci-dessous le pays n’est pas indiqué pour les galeries françaises) mais au total ce sont 17 pays / régions qui sont représentés : Afrique Noire (plateforme), Autriche (1 galerie), Allemagne (4), Belgique (5), Chine (2), Etats-Unis (1), Finlande (8), France (71), Hongrie (1), Inde (1), Indonésie (plateforme), Italie (4), Luxembourg (3), Maroc (1), Monaco (1), Suisse (2), Ukraine (plateforme). 

► LES 105 EXPOSANTS+GUESTS D’ARTPARIS+GUESTS

10 CHANCERY LANE * (HONG-KONG) 
64 BIS *                                                                        
A GALERIE *                                                              
ABSOLUTE ART * (BELGIQUE) 
ACTE 2 + ART-U ROOM, galerie japonaise
AD GALERIE * + BVA, Institut de sondage
AEROPLASTICS CONTEMPORARY * (BELGIQUE) 
ANHAVA * (FINLANDE) 
ARNOUX                                                                     
ALBERT BAUMGARTEN (ALLEMAGNE) 
ALBERT BENAMOU                                                  
CLAUDE BERNARD                                                   
CHRISTIAN BERST * + ARNULF RAINER MUSEUM (Baden)
BERTHET AITTOUARÈS                                          
BONGOUT *  (ALLEMAGNE) 
JEAN BROLLY  + Jean de GASTINES Architectes
REMY BUCCIALI  + Isabella & Mathew TYSON - IMPRINTS
CAMERA OBSCURA                                                
BERNARD CEYSSON                                                
GALLERIA D'ARTE CONTINI (ITALIE) 
RICCARDO CRESPI * (ITALIE) 
DIE GALERIE  (ALLEMAGNE) 
FRANCOIS DITESHEIM (SUISSE) 
PATRICIA DORFMANN                                       
DOWNTOWN FRANCOIS LAFFANOUR *               
FONDATION FRANCÈS *                                        
FORSBLOM (FINLANDE) 
PASCAL GABERT                                                  
CHRISTOPHE GAILLARD + ARNULF RAINER MUSEUM (Baden)
NATHALIE GAILLARD + PUBLICIS DIALOG
GALERIE DE L'INSTANT                                           
CLAIRE GASTAUD                                                    
GUILLAUME + Paul FACCHETTI, marchand et photographe
HAIM CHANIN FINE ARTS (ETATS-UNIS 
HEINO * (FINLANDE) 
THESSA HEROLD                                                        
ERNST HILGER (Autriche) + Lichterloh Design (Vienne) + Coll° Reznikov
PHOTOGRAPHIC GALLERY HIPPOLYTE* (FINLANDE) 
OLIVIER HOUG *  + JC Ansanay-Alex, chef de l'Auberge de l'Ile, Lyon 
HUUTO * (FINLANDE) 
IN CAMERA                                                                  
IN SITU - FABIENNE LECLERC *                                
JGM  GALERIE                                                           
JOUSSE ENTREPRISE *                      
KALHAMA&PIIPPO CONTEMPORARY * (FINLANDE) 
KALMAN MAKLARY FINE ARTS (HONGRIE) 
KEZA *                                                                         
LAHUMIERE + MUSEUM IM KULTURSPEICHER (Wüzburg)
LAROCK GRANOFF                                                     
ALEXIS LARTIGUE *                                                    
L'ATELIER 21 * (MAROC) 
BAUDOIN LEBON *                                                     
LELONG                                                                     
LES YEUX FERTILES + Daniel FILIPACCHI, collectionneur
LOEVENBRUCK *                                                       
MARION MEYER CONTEMPORAIN  + Claude RUTAULD, artiste
MARTEL *                                                                   
MARUANI & NOIRHOMME (BELGIQUE) 
METROPOLIS                                                        
MEYER ZAFRA                                                          
MF TONINELLI ART MODERNE, Monaco + IMAGO Gallery + Galleria RUSSO (Rome) ERIC MIRCHER *                                                         
LELIA MORDOCH + Espaces 54 (Design) Paris
MORONE DI PLANART (ITALIE) + Galleria DE' FOSCHERARI (Bologne)
MUU (FINLANDE) 
NATHALIE OBADIA                                                   
OBSIS                                                                        
ONIRIS                                                                  
OREL ART                                                            
PARIS-BEIJING (FRANCE/CHINE) 
POLKA * + Studio Willy Rizzo + La Cinémathèque Française, Musée du Cinéma 
PROTÉE                                                                    
RABOUAN-MOUSSION                                             
RIFF ART PROJECTS * + Collection Sarah GRILO & José A. Fdz. MURO
JEAN-PIERRE RITSCH-FISCH + Antoine de Galbert + Galerie Damgaard (Maroc)
RIVE GAUCHE                                                        
ROBINSONS ART (BELGIQUE) 
RX + CIAV, Centre international d’art verrier + MMOAM, Moscow Museum of Modern Art
SAPONE + Palazzo Albizzini, collection Alberto BURRI
SOPHIE SCHEIDECKER                                         
MICHAEL SCHULTZ * (ALLEMAGNE) 
LUCIEN SCHWEITZER (LUXEMBOURG) 
SCULPTOR * (FINLANDE) 
SEMIOSE GALERIE EDITIONS *                            
NICOLAS SILIN *                                                       
ANDRÉ SIMOENS (BELGIQUE) 
LAURENT STROUK                                                    
VANESSA SUCHAR + VALÉRIE BACH (Bruxelles), Marie Darrieusecq et Jeanne Susplugas
TAÏSS GALERIE + Lorenz BAUMER, joaillier
DANIEL TEMPLON                                             
THE GUILD * (INDE) 
TOOLS GALERIE *                                                     
TOXIC (LUXEMBOURG) 
HELENE TRINTIGNAN + Galerie HAMBURSIN-BOISANTÉ (Montpellier) VALLOIS*                                                                   

PASCAL VANHOECKE * + MARC DORCEL PRODUCTIONS
SABINE VAZIEUX                                                     
VENICE PROJECTS * (ITALIE) 
VIEILLE DU TEMPLE + Maison de couture FRANK SORBIER
VALENTINA VOLCHKOVA *                   
VU' *  + L'architecte Christian BIECHER & Associés
OLIVIER WALTMAN + Richard PEDUZZI, scénographe
SONIA ZANNETTACCI (SUISSE)
NORDINE ZIDOUN * (LUXEMBOURG) 

► ARTPARIS+GUESTS / INFORMATIONS PRATIQUES

18 > 22 mars 2010 au Grand Palais
(Avenue Winston Churchill, 75008 Paris)
Tous les jours de 11h à 20h30, sauf lundi 22 mars, de 11h à 18h
Après-midi professionnelle : Mercredi 17 mars de 14h à 17h
Vernissage public : Mercredi 17 mars de 18h à 23h
Prix d’entrée : 20 € (10 € : artistes et étudiants)

ARTPARIS+GUESTS est organisé par Lorenzo Rudolf, Caroline Clough Lacoste et Henri Jobbé Duval qui ont uni leur expertise et leur connaissance du marché, pour mettre en œuvre cette manifestation.