Expo Magritte @ Centre Pompidou, Paris : La trahison des images

Magritte
La trahison des images
Centre Pompidou, Paris
Jusqu'au 23 janvier 2017

L’exposition « Magritte. La trahison des images » propose une approche à ce jour inédite de l’oeuvre de l’artiste belge René Magritte. Rassemblant les oeuvres emblématiques, comme d’autres peu connues de l’artiste, provenant des plus importantes collections publiques et privées, l’exposition offre une lecture renouvelée de l’une des figures magistrales de l’art moderne.

Une centaine de tableaux, de dessins, et des documents d’archives, sont réunis pour offrir au public cette approche qui s’inscrit dans la ligne des monographies que le Centre Pompidou a consacré aux figures majeures de l‘art du 20e siècle : « Edward Munch. L’oeil moderne », « Matisse. Paires et séries » et « Marcel Duchamp. La peinture, même ». L’exposition Magritte. La trahison des images explore un intérêt du peintre pour la philosophie, qui culmine, en 1973, avec Ceci n’est pas une pipe que publie Michel Foucault, fruit de ses échanges avec l’artiste.

Dans une conférence qu’il donne en 1936, Magritte déclare que Les affinités électives, qu’il peint en 1932, marque un tournant dans son oeuvre. Ce tableau signe son renoncement à l’automatisme, à l’arbitraire du premier surréalisme. L’oeuvre, qui montre un oeuf enfermé dans une cage, est la première de ses peintures vouées à la résolution de ce qu’il nomme : un « problème ». Au hasard ou à la « rencontre fortuite des machines à coudre et des parapluies », succède une méthode implacable et logique, une solution apportée aux « problèmes » de la femme, de la chaise, des souliers, de la pluie…. Les recherches appliquées à ces « problèmes », qui marquent le tournant « raisonnant » de l’oeuvre de Magritte, ouvrent l’exposition.

À l’art de Magritte sont associés des motifs (Rideaux, Ombres, Mots, Flamme, Corps morcelés..), que le peintre agence et recompose au fil de son oeuvre. L’exposition replace chacun de ces motifs dans la perspective d’un récit d’invention de la peinture, de mise en cause philosophique de nos représentations : aux rideaux, l’antique querelle du réalisme qui prit la forme d’une joute entre Zeuxis et Parrhasios ; aux mots, l’épisode biblique de l’adoration du veau d’or qui confronte la loi écrite et les images païennes ; aux flammes et aux espaces clos, l’allégorie de la caverne de Platon ; aux ombres, le récit de l’invention de la peinture relatée par Pline l’ancien.

L’exposition sera présentée dans un format concentré à la Schirn Kunsthalle Frankfurt, en Allemagne du 10 février au 5 juin 2017.

Le catalogue de l’exposition est publié par les Editions du Centre Pompidou, sous la direction de Didier Ottinger, commissaire de l’exposition.

Magritte. La trahison des images

Sous la direction de Didier Ottinger

Editions du Centre Pompidou, 2016

23,5 x 28

224 p., 162 ill. couleur

Prix : 39,90 €

SOMMAIRE ET CONTRIBUTEURS DU CATALOGUE

Avant-Propos, Serge Lasvignes

Préface, Bernard Blistène

Ut pictura philosophia. Portrait de Magritte en philosophe, Didier Ottinger

La Ligne de vie I (Conférence de 1938), René Magritte

Mots, ombres, flammes, rideaux, fragments
Magritte et les mythes fondateurs de la peinture, Didier Ottinger

L’ADORATION DU VEAU D’OR
Les mots et les images
La Bible, Exode XXXII
Des signes arbitraires aux affinités électives.
Peindre contre les bornes imaginaires de l’imagination, Klaus Speidel

LA FILLE DU POTIER DE CORINTHE
Ombres, profils, silhouettes
Histoire naturelle, livre XXXV, chap. 43
Pline l’Ancien
Le voir pour le croire. René Magritte et l’invention de l’art, Jan Blanc

LA CAVERNE
Feux, simulacres et aveuglements
La République, livre VII
Platon
Le peintre-roi, Barbara Cassin

ZEUXIS ET PARRHASIOS
Rideaux et trompe-l’oeil
Histoire naturelle, livre XXXV, chap. 36
Pline l’Ancien
Magritte et ses rideaux, Victor I. Stoichita

LES FILLES DE CROTONE
La beauté fragmentée
De l’invention, livre II
Cicéron
La beauté est un problème plastique, Jacqueline Lichtenstein
De l’image-écran à l’art du problème, Michel Draguet

Correspondances

Liste des oeuvres et documents exposés

CENTRE POMPIDOU, PARIS
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Beat Generation @ Centre Pompidou, Paris - Exposition "Beat Generation New York, San Francisco, Paris"

Beat Generation
New York, San Francisco, Paris
Centre Pompidou, Paris
Jusqu'au 3 octobre 2016

John Cohen

Robert Frank, Alfred Leslie, Gregory Corso, 1959

Épreuve gélatino-argentique, 22.2 x 33 cm

© John Cohen

photo © Courtesy L. Parker Stephenson Photographs, New York

Le Centre Pompidou présente « Beat Generation. New York, San Francisco, Paris », une rétrospective inédite consacrée au mouvement littéraire et artistique né à la fin des années 1940 et étendant son influence jusqu’à la fin des années 1960. C’est tout le Centre Pompidou qui se met à l’heure de la Beat Generation à travers une riche programmation d’événements conçue avec la Bpi et L’Ircam, en écho à l’exposition: lecture, concerts, rencontre, cycle de films, colloque, programmation au Studio 13/16, etc.

Aux Etats-Unis au lendemain de la Seconde Guerre mondiale et aux premiers jours de la guerre froide, l’émergence de la Beat Generation "scandalisa" l’Amérique puritaine et maccarthyste et préfigura la libération culturelle, sexuelle et le mode de vie de la jeunesse des années 1960. D’abord perçus par la culture dominante comme des rebelles subversifs, les beats apparaissent aujourd’hui comme les acteurs d’un mouvement culturel parmi les plus importants du 20è siècle que le Centre Pompidou se propose de traverser en le replaçant dans un horizon élargi, de New York à Los Angeles, de Paris à Tanger.

L’exposition du Centre Pompidou replace le mouvement beat dans un horizon élargi et protéiforme. Les pratiques artistiques de la Beat Generation témoignent en effet d’un décloisonnement des mediums et d’une volonté de collaboration qui met en question la notion de singularité artistique. Si des artistes issus de la scène californienne (Wallace Berman, Bruce Conner, George Herms, Jay DeFeo, Jess…) sont présentés dans l’exposition, celle-ci se concentre surtout sur le phénomène littéraire et les connexions que la littérature entretient avec la scène des arts plastiques. Une place importante est réservée à la poésie orale, véritable préfiguration des oeuvres sonores qui se sont mulitpliées dans l’art contemporain, et aux innombrables revues (Yugen, Big Table, Beatitude, Umbra …) à travers lesquelles les textes beat circulaient et dans lesquelles collaboraient écrivains et plasticiens.

La photographie, essentiellement des portraits, d’Allen Ginsberg et de William Burroughs mais aussi d’importants ensembles de Robert Frank (The Americans, From the bus …), de Fred McDarrah, de John Cohen pris sur le tournage de Pull My Daisy ou encore d’Harold Chapman qui, entre 1958 et 1963 a tenu la chronique du Beat Hotel à Paris, fait partie intégrante des médiums utilisé par la generation beat. Il en est de même pour le cinéma (Christopher MacLaine, Bruce Baillie, Antony Balch, Stan Brakhage, Ron Rice…) dont la pratique a accompagné de manière continue les développements et l’histoire de ce mouvement.

Les beats prennent rapidement possession des techniques de la reproductibilité : machines à écrire bien sûr mais également enregistreurs puis magnétophones à bande, phonographes, imprimantes primitives et miméographes, appareils photo, caméras… tout ceci avec l’idée de l’expérimentation, du bricolage dont l’exposition se propose de rendre compte. Limitée à un cadre historique précis, celle-ci illustre à quel point la beat generation, dans sa liberté d’expression, sa volonté de décloisonnement des disciplines et des cultures, son esthétique pauvre, extatique et contemplative, sa violence aussi, a conditionné les développements ultérieurs des contre- cultures contemporaines, dont elle apparait comme l’origine et auxquelles elle permet de donner une perspective historique.

Bob Thompson

LeRoi Jones and his Family, 1964

Huile sur toile, 92,4 × 123,2 cm

Courtesy of Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, 

Smithsonian Institution, Washington, D.C.

© Estate of Bob Thompson; 

Courtesy of Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York, NY

Photography by Lee Stalsworth

Jack Kerouac

The Slouch Hat, vers 1960

Huile et fusain sur papier, 43× 35,5 cm

Il Rivellino Gallery, Locarno

Jack Kerouac

©John Sampas, Executor, The Estate of Jack Kerouac

Photo © il Rivellino Gallery, Locarno

La Beat Generation est née de la rencontre de William Burroughs, Allen Ginsberg et Jack Kerouac qui se rencontrent à New York, à la Columbia University en 1944. Le mouvement se déplace ensuite sur la côte Ouest et gravite autour de la librairie de Lawrence Ferlinghetti à San Francisco, la maison d’édition City Lights et brièvement, autour de la Six Gallery où a lieu, le 7 octobre 1955 la célèbre lecture par Ginsberg de son poème Howl, qui donnera lieu à un retentissant procès pour obscénité et apportera aux poètes beat une célébrité paradoxale. Deux autres figures majeures de la Beat Generation, les poètes Philip Lamantia et Michael McClure prirent une part active à l’événement fondateur à la Six Gallery. Entre 1957 et 1963, Paris sera un des foyers essentiels de la Beat Generation : William Burroughs, Gregory Corso, Allen Ginsberg, Peter Orlovsky, Brion Gysin, etc. logent régulièrement au Beat Hotel, 9 rue Gît-le-Coeur, haut lieu de la marginalité du Paris polyglotte d’après-guerre et véritable laboratoire pour les expérimentations visuelles et sonores. C’est là en particulier que Brion Gysin, William Burroughs et Antony Balch développent la technique du « cut-up », que Burroughs compose Naked Lunch, et que Brion Gysin invente sa Dreamachine.

La présente manifestation fait suite aux récentes expositions sur le même thème du Centre Pompidou-Metz, du ZKM à Karlsruhe du Fresnoy à Tourcoing, des Champs Libres à Rennes et du Musée d’art moderne de Budapest présentées entre 2013 et 2014 dont le commissaire était Jean-Jacques Lebel.

L’exposition est accompagnée d’un catalogue avec des textes de Barry Miles, Alain Cueff, Jean-Jacques Lebel, Philippe-Alain Michaud, Rani Singh, Enrico Camporesi, Pascal Rousseau, Gilles A. Tiberghien et Jean-Pierre Criqui. L’ouvrage présente également des interviews (la plupart inédits en français) de Lawrence Ferlinghetti, Joanne Kyger, Brion Gysin, Michael McClure, Shigeyoshi Murao, William S. Burroughs et Allen Ginsberg.

BEAT GENERATION

New York, San Francisco , Paris

Catalogue de l’exposition,

sous la direction de Philippe-Alain Michaud

Format : 23 x 30,5 cm

Illustrations : 300

Pages : 304

Reliure : broché avec rabat

Prix : 44.90 €

Enfin un ouvrage de référence illustré et en français sur un mouvement à l’influence décisive sur la création contemporaine qui propose différents essais des plus grands spécialistes du sujet. Huit entretiens avec des protagonistes du mouvement ainsi que des extraits de textes et poèmes sources (Allen Ginsberg, Gregory Corso, Diane diPrima ou LeRoi Jones, notamment) viennent enrichir le catalogue.

SOMMAIRE

Avant-propos, Serge Lasvignes
Préface, Bernard Blistène

Essais
Barry Miles, Les écrivains de la Beat Generation dans les années 1950 et 1960 : une introduction
Gilles A. Tiberghien, Dynamo beat, Écriture et voyages
Philippe-Alain Michaud, Odds and Ends
Franck Leibovici, beat media (unruly reports) - carte de conversation avec howard becker, enrico camporesi, jean-jacques lebel et philippe-alain michaud
Pascal Rousseau, Dreammachine : opticalisme beat et transgression homo-érotique
Alain Cueff, Sur la route, sous le ciel
Rani Singh, Les écrivains beat à Paris
Jean-Jacques Lebel, Dadaïstes, surréalistes, clochards célestes et compagnie
Enrico Camporesi, « Man, I’m beat. » Puissance d’un lieu commun
Jean-Pierre Criqui, Honey, I rearranged the poem. Quelques remarques sur Allen Ruppersberg
et The Singing Posters

Entretiens
Barry Miles, Publier « Howl ». Entretien avec Lawrence Ferlinghetti
Barry Miles, City Lights Books. Entretien avec Shigeyoshi Murao
Rani Singh, Entretien avec Joanne Kyger, Bolinas, Californie, 10 octobre 2015
Barry Miles, La guerre des poésies. Entretien avec Michael McClure
Eduardo Lipschutz-Villa, À propos de Semina. Entretien avec Michael McClure
Barry Miles, À propos du procès de « Howl » et de Paris. Entretien avec Allen Ginsberg
Barry Miles, Le « B eat Hotel ». Entretien avec William S. Burroughs
Gérard-Georges Lemaire, « Rub Out the Words ». Entretien avec Brion Gysin (Paris, novembre 1974)

BEAT GENERATION

New York, San Francisco, Paris

Auteur : Philippe-Alain Michaud

Format: 27 x 27 cm

Illustrations : 70

Pages : 60

Reliure : broché

Prix : 9,50 €

L’album de l’exposition retrace en images le parcours de cette exposition passionnante avec une sélection des oeuvres majeures éclairées par un texte d’introduction. Un ouvrage à destination du grand public, clair et concis. Version bilingue français / anglais.

CENTRE POMPIDOU, PARIS
www.centrepompidou.fr

Un art pauvre, Centre Pompidou, Paris

Un art pauvre
Centre Pompidou, Paris
Jusqu'au 29 août 2016

PIERO GILARDI
Totem domestico, 1964
200 x 200 x 300 cm
Don de la Société des Amis du musée national d’art moderne, 2014 

Coll. Centre Pompidou, mnam /cci

© Piero Gilardi - photo : © François Fernandez

Avec « Un art pauvre », manifestation pluridisciplinaire et inédite, le Centre Pompidou propose d’examiner les pratiques artistiques attachées à la question du «pauvre» dans la création, dès les années 1960 : dans les arts plastiques, bien sûr, avec l’éminence du courant de l’Arte Povera, mais également dans le champ de la musique, du design, de l’architecture, du théâtre, de la performance et du cinéma expérimental.

Attentifs aux traces, aux reliefs, aux plus élémentaires manifestations de la vie, les artistes de la mouvance de l’Arte Povera et plus largement de « l’art pauvre » revendiquent des gestes archaïques. Les matériaux qu’ils utilisent sont souvent naturels et de récupération. La volonté de ces artistes n’est pas de faire de l’or avec de la paille ou des chiffons, mais d’activer un nouveau pouvoir symbolique. Cette forme de recyclage tient moins d’un credo que d’une pratique, à l’origine en opposition avec le minimalisme américain. L’ Arte Povera apparaît par émulation, pas par adhésion. Deux manifestes annoncent cependant sa naissance en 1967 : l’un du critique Germano Celant, qui inventa l’expression ; l’autre de l’artiste Alighiero Boetti, qui créa alors son affiche Manifesto dressant une liste de seize noms, certains reconnus, certains oubliés, d’autres qu’on peut s’étonner d’y trouver.

Pour Serge Lasvignes, président du Centre Pompidou, « L’exposition « Un art pauvre » a été conçue comme une nouvelle expression de cette capacité du Centre Pompidou à orchestrer la rencontre des disciplines. D’autres exemples viendront bientôt.»

Avec « Un art pauvre » ce sont, en effet, toutes les composantes du Centre Pompidou qui s’unissent, du musée national d’art moderne à l’Ircam en passant par le service Cinéma ou les Spectacles Vivants, pour mettre en valeur la richesse et l’ampleur de cette manifestation. « Un art pauvre » c’est également une invitation à parcourir tout le Centre Pompidou :

∙ Dès le Forum, avec la présentation de la sculpture murale : Crocodilus Fibonacci, 1972, de Mario Merz, dont l’animal engendre la suite arithmétique emblématique de l’artiste.

∙ L’exposition de la Galerie 4 s’ouvre et se referme sur trois figures de l’art italien d’après guerre : Lucio Fontana, Piero Manzoni et Alberto Burri. Elle dévoile toute la diversité de l’Arte Povera à travers une quarantaine d’oeuvres des principaux représentants de la mouvance et d’autres artistes moins connus pour en avoir été les pionniers : Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Mario Ceroli, Luciano Fabro, Piero Gilardi, Jannis Kounellis, Mario Merz, Giulio Paolini, Pino Pascali, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Emilio Prini et Gilberto Zorio. L’exposition retrace la décennie 1964-1974. Il faut y ajouter, outre quelques rares exceptions plus tardives, la notable année 1960 qui, en guise d’accueil, réunit Burri, Fontana, Manzoni et Merz, avant que ne se déploient plusieurs préoccupations majeures de l’Arte Povera : la tautologie, l’écriture, la parole, l’énergie vitale, l’animalité, l’abri... Des documents historiques imprimés ou photographiques présentés en vitrines complètent et remettent en situation oeuvres et artistes. Le musée national d’art moderne conserve l’un des ensembles les plus importants d’Arte Povera au monde. Le don récemment consenti à la Bibliothèque Kandinsky des archives d’Ida Gianelli (photographies, objets, imprimés, correspondance), hôte privilégiée de ces artistes, viendra enrichir cette présentation.

∙ Au cinéma. En écho à l’exposition « Un art pauvre », deux séances autour de l’Arte Povera et de ses principales figures sont proposées au Cinéma 2. Conçus à partir de films d’artistes et d’archives d’expositions, ces deux rendez-vous invitent à appréhender les relations étroites que ce courant artistique a entretenu avec l’art cinématographique, mais également à envisager les rapports à la fois complémentaires et contradictoires qui se jouent entre l’oeuvre et sa documentation. Par ailleurs, au terme du parcours de la Galerie 4 sont projetés deux films, tournés par Thierry De Mey et par Raphaël Zarka sur le site de Gibellina en Sicile reconfiguré en un immense tableau par Alberto Burri.

∙ Au musée. Dans les collections du Centre Pompidou, au niveau 5 du musée, l’architecture et le design sont abordés à travers installations, films, photos, maquettes, objets conçus autour du mouvement « Global Tools », fondé en 1973. Cette « contre-école » de design consiste en ateliers, performances, expérimentations urbaines, revendiquant le retour à un savoir-faire manuel ainsi qu’à une nouvelle pédagogie multidisciplinaire du projet et à la création collective. Andrea Branzi, Ettore Sottsass, Michele de Lucchi, Ugo La Pietra, Gianni Pettena, Riccardo Dalisi, Franco Raggi se réapproprient la ville à travers des actions qui se donnent comme un instrument de confrontation avec la société.

Evènements terminés

∙ Festival ManiFeste. L’édition 2016 du festival de l’Ircam est maintenant terminée (2 juin-2 juillet). Rendez-vous annuel de la création pour les arts du temps et l’innovation technologique, le festival de l’Ircam rencontrait pour la première fois les arts visuels autour de cette question du « pauvre » qui ainsi s’expose et s’entend au Centre Pompidou et dans les salles partenaires (Grand halle de la Villette, Théâtre des Bouffes du Nord). Nature ré-enchantée, apparition d’un matériau sonore raréfié, sollicitation de l’écoute par un énoncé fragile : toute une histoire du contemporain peut s’écrire autour du «pauvre», du pionnier vagabond Harry Partch aux États-Unis jusqu’à l’art par soustraction du chorégraphe Xavier Le Roy en passant par les compositeurs Beat Furrer, Gérard Pesson, Salvatore Sciarrino. ManiFeste réunit chaque année cent vingt artistes (compositeurs et interprètes, metteurs en scène et acteurs, chorégraphes et danseurs, designers sonores, vidéastes...) venus des cinq continents.

∙ Danse et Performance. Dans la Galerie 4 et au Forum – 1, la danse et la performance ont été abordées durant trois week-ends. L’un avec un solo du chorégraphe Thomas Hauert sur un madrigal baroque de Monteverdi. Le deuxième avec la compagnie Grand Magasin en deux conférences performances, dont l’une sur l’histoire de l’écran noir au cinéma. Le dernier week-end étant consacré à la jeune scène avec le duo EW, entre danse, sculpture et architecture informelle, et avec Marius Schaffter et Jérôme Stünzi créant des objets d’études et leur prêtant, avec humour, le statut d’oeuvres d’art.

∙ Colloque. Une journée d’études sur l’Arte Povera était, en outre, organisée le 9 juin 2016 en partenariat avec l’Université de Strasbourg.

Commissariat coordonné par Frédéric Paul, conservateur, service des collections contemporaines, musée national d’art moderne

Avec la collaboration de :

Marie-Ange Brayer, conservatrice, chef du service design et prospective industrielle, musée national d’art moderne

Serge Laurent, chef du service des spectacles vivants, département du développement culturel

Frank Madlener, directeur, Ircam

Jonathan Pouthier, attaché de conservation, service de collection des films, musée national d’art moderne

Didier Schulmann, conservateur, Bibliothèque Kandinsky, musée national d’art moderne.

CENTRE POMPIDOU
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Rétrospective Wifredo Lam, Centre Pompidou, Paris

Wifredo Lam
Centre Pompidou, Paris
Jusqu'au 15 février 2016

Le Centre Pompidou consacre une ample rétrospective à l’oeuvre et à la trajectoire du peintre WIFREDO LAM (1902 - 1982), des années 1930 aux années 1970. L’exposition s’attache à replacer l’oeuvre de l’artiste cubain dans une histoire internationale de l’art moderne, dont il est l’un des acteurs essentiels, tant en Europe qu’aux Amériques.

Une exposition de grande envergure

A travers plus de 400 oeuvres - peintures, dessins, photographies, revues et livres rares, l’exposition propose une traversée inédite de l’oeuvre de l’artiste dans un parcours chronologique : Espagne, 1923-1938 ; Paris-Marseille, 1938-1941, Cuba et les Amériques ,1941 - 1952, Paris, Caracas, La Havane, Albissola, Zurich, 1952-1961, Paris et Albissola, 1962-1982. Cette rétrospective bénéficie du prêt exceptionnel de La Jungla, 1943, oeuvre phare de l’artiste, conservée au MoMA de New York.

Traversant toutes les périodes, l’exposition retrace le parcours original de l’artiste.

Des toutes premières années cubaines et du séjour espagnol (1923-1938) - dont nombre d’oeuvres ont été retrouvées tardivement à Madrid - à l’éblouissante séquence des gravures des années 1960 et 1970, l’exposition apporte un nouvel éclairage sur les oeuvres capitales du « Retour au pays natal » (1942 -1952), dans le contexte politique et culturel de l’époque. Le parcours de l’exposition suit les différentes séquences de la vie et du travail de l’artiste au gré de ses rencontres avec des intellectuels et des poètes qui ont marqué le siècle.

Une itinérance internationale

Après le Centre Pompidou, l’exposition sera présentée au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, du 12 avril au 15 août 2016, puis à la Tate Modern, Londres, du 14 septembre 2016 au 8 janvier 2017.

Un ouvrage de référence

Un catalogue publié aux éditions du Centre Pompidou, sous la direction de Catherine David, commissaire de l’exposition, comportant 240 pages, accompagne la manifestation. Avec des textes inédits de Kobena Mercer, Mathew Gale et Catherine David et une anthologie incluant les textes de Michel Leiris, Pierre Mabille, Fernando Ortiz, Alain Jouffroy et de Lowery Stokes Sims.

Exposition organisée par le Centre Pompidou, en collaboration avec le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, et la Tate Modern, Londres.

Commissaire de l'exposition: Catherine David

Centre Pompidou, Beaubourg, Paris
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Centre Pompidou : Bilan fréquentation 2013

La fréquentation du centre pompidou en 2013 égale le record établi en 2012

Au musée et dans ses expositions, le Centre Pompidou a réalisé 3,745 millions d’entrées en 2013. Cette fréquentation est sensiblement équivalente au record historique établi en 2012 (3,791 millions de visites).

Elle est à l’image du succès de l’exposition Roy Lichtenstein (546 229 visiteurs) ou encore celle de Dalí (790 090 visiteurs), qui a confirmé l’engouement du public pour les grandes rétrospectives monographiques. Le public a également été nombreux à découvrir l’oeuvre de Simon Hantaï (260 365 visiteurs) ou de Pierre Huyghe (actuellement plus de 1 700 visiteurs par jour).

Hors les murs, les expositions proposées par le Centre Pompidou ont également rencontré un vif succès avec près de 667 000 visiteurs.

Le public brésilien a notamment réservé un excellent accueil à l’exposition « Elles » au Centro Cultural Banco do Brasil de Rio de Janeiro (247 290 visiteurs) et au CCBB de Belo Horizonte (67 309 visiteurs) ; en Suisse, l’exposition « Modigliani » présentée à la Fondation Gianadda à Martigny a reçu 155 000 visiteurs ; à Dhahran en Arabie Saoudite, l’exposition « Couleurs Pures » a accueilli en six semaines 44 113 visiteurs.

Enfin, www.centrepompidou.fr, centre de ressources et plateforme de diffusion de contenus sur internet, a accueilli près de 6 millions de visites.

Deux nouvelles oeuvres de Matisse au Centre Pompidou, Paris

Une donation historique de deux chefs-d'oeuvres de Henri Matisse au Centre Pompidou, Paris

Le Centre Pompidou vient de recevoir, le 23 octobre dernier, deux chefs-d’oeuvre d’Henri Matisse en donation de la part de Madame Claude Duthuit, en mémoire de son mari Claude Duthuit, petit-fils d’Henri Matisse.

Le portrait de Marguerite au chat noir (1910, huile sur toile, 94 x 64 cm) grand chef-d’oeuvre d’une période majeure du peintre et La Jérusalem céleste, une imposante composition en papiers gouachés et découpés (1948, 270 x 130cm), rejoignent ainsi la collection du musée national d’art moderne du Centre Pompidou.

La représentation déjà très riche de l’oeuvre d’Henri Matisse dans la collection du musée national d’art moderne, une des deux plus importantes collections d’art moderne et contemporaine au monde, se trouve aujourd’hui spectaculairement renforcée par l’arrivée de ces deux oeuvres essentielles.

Geste d’une grande générosité, cette donation vient consacrer les liens d’amitiés et de confiance noués entre l’artiste, sa famille et le musée national d’art moderne, à travers ses directeurs successifs notamment Dominique Bozo et aujourd’hui Alfred Pacquement, ainsi qu’Isabelle Monod-Fontaine, ex-directrice adjointe et co-commissaire avec Dominique Fourcade de la mémorable exposition de 1993 consacrée à l’oeuvre de Matisse. L’exposition récente Matisse, paires et séries présentée au Centre Pompidou l’an dernier a encore contribué à renforcer cette proximité. 

L’artiste avait fait lui-même plusieurs dons au musée dont La Blouse roumaine (1940) en 1949. Depuis les années 1970, ses héritiers ont à plusieurs reprises très généreusement enrichi les collections nationales par leurs dons, comme en témoignent les collections du Centre Pompidou.

Serviteur inlassable de l’oeuvre de Matisse, Claude Duthuit a conseillé et accompagné le musée dans les différents projets menés par le Centre Pompidou autour de l’oeuvre de Matisse, expositions et publications, notamment par l’accès privilégié qu’il réservait à sa propre collection. Cette relation exemplaire se trouve scellée par ces deux dons d’exception consentis par Barbara Duthuit. 

Henri Matisse, Marguerite au chat noir, 1910

Huile sur toile, 94 x 64 cm

Donation 2013

Collection Centre Pompidou, musée national d’art moderne

Photo : Georges Meguerditchian, Centre Pompidou / Dist. RMN-GP

© Succession H. Matisse

Marguerite au chat noir (1910, huile sur toile, 94 x 64 cm) représente la fille de l’artiste alors âgée de quinze ans, et fait partie de la série des grands portraits des années 1908-1911, période « radicale » dans l’oeuvre de l’artiste : le modèle est peint de face, sur fond plat, coloré, parfois très travaillé. Le tableau était jusqu’à ce jour la dernière grande peinture de cette période à être conservée dans une collection particulière. Peint par Henri Matisse au début de l’année 1910, ce chef-d’oeuvre a été très rarement montré au public.

Il a été exposée pour la dernière fois en 1993 dans l’exposition « Henri Matisse. 1904 -1917 » au Centre Pompidou. Ce type de portrait est pour l’artiste le territoire d’expérimentations plastiques très audacieuses. On trouve dans cette composition hiératique et imposante une intensité affective, magnifiée par une approche ambitieuse, des dimensions importantes et un parachèvement du traitement pictural.

A travers le travail de simplification et le chromatisme acidulé, Matisse amplifie ici la stylisation à l’oeuvre dans des portraits antérieurs. 

Henri Matisse, La Jérusalem céleste, 1948

Papiers gouachés et découpés, 270 x 130 cm

Donation 2013

Collection Centre Pompidou, musée national d’art moderne

Photo : Philippe Migeat, Centre Pompidou / Dist. RMN-GP

© Succession H. Matisse

La Jérusalem céleste, papiers gouachés et découpés (1948, 270 x 30cm), est issue des travaux préparatoires de Matisse pour la Chapelle du Rosaire à Vence qui sera inaugurée en 1951. Il s’agit de la première maquette, réalisée par l’artiste à demi-grandeur, pour le grand vitrail qui connaît trois versions successives. Ce premier projet forme l’un des très importants papiers gouachés découpés par sa composition géométrique et son chromatisme lumineux aux dominantes jaunes et rouges. Témoignage essentiel de la dernière période de l’artiste, cette oeuvre vient en complément de l’ensemble des maquettes pour la chapelle précédemment entrée dans la collection du Musée par la générosité de la famille Matisse.

Expo Roy Lichtenstein, Centre Pompidou, Beaubourg, Paris

Exposition rétrospective Roy Lichtenstein

Centre Pompidou, Beaubourg, Paris

3 juillet - 4 novembre 2013

A travers une sélection exceptionnelle de plus d’une centaine d’œuvres majeures, le Centre Pompidou présente la première rétrospective complète de l’œuvre de l'artiste américain, icone du pop art ROY LICHTENSTEIN (1923-1997) en France. 

Cette exposition nous invite à poser un nouveau regard sur cette figure emblématique de l'art contemporain en allant au-delà du pop art afin de découvrir en Roy Lichtenstein l’un des premiers artistes postmodernes. De ses premières œuvres iconiques inspirées par les comics et la culture populaire des années 1960, aux travaux dialoguant avec les grands maîtres de la peinture moderne ou avec l’art classique, ce parcours éclaire les moments forts de la carrière d’un des plus grand artiste de la seconde moitié du 20e siècle.

Peintre pop, Roy Lichtenstein est aussi un véritable expérimentateur de matériaux, un inventeur d’icônes mais aussi de codes picturaux brouillant les lignes de partage entre figuration et abstraction, entre picturalité et objet tridimensionnel. Sa pratique précoce de la sculpture et de la céramique, ainsi que sa passion pour l’estampe, nourrissent et prolongent constamment son travail de peintre. Amateur éclairé d’art moderne, fasciné notamment par Picasso, Matisse, Léger – qu’il cite à diverses reprises dans ses œuvres –, Roy Lichtenstein renoue, à la fin de sa vie, avec les genres traditionnels de la peinture classique : le nu, la nature morte, le paysage.

La force de l’art de Roy Lichtenstein, c’est aussi, enfin, cette distance amusée, critique, mais jamais cynique qui lui est propre et qui le caractérise tout au long de sa carrière. Un aspect que l’exposition invite également à redécouvrir.

La présence renforcée de sculptures et de gravures distingue la présentation parisienne de celles de l’Art Institute de Chicago, de la National Gallery de Washington et de la Tate Modern de Londres. L'exposition proposée au Centre Pompidou dévoile l’exceptionnelle inventivité technique et artistique de Lichtenstein à travers un corpus d’œuvres pour la plupart encore jamais montrées en France. 

Un catalogue inédit, publié sous la direction de Camille Morineau, commissaire de l’exposition, ainsi qu’un premier recueil d’entretiens de l’artiste, paraîssent aux Éditions du Centre Pompidou à l’occasion 

de cette rétrospective.

L’exposition est organisée par l’Art Institute of Chicago et par la Tate Modern de Londres en association avec le Centre Pompidou.

Commissaire de l'exposition au Centre Pompidou : Camille Morineau, Conservateur au Musée national d’art moderne, assistée de Hanna Alkema.

Nous avons déjà publié un post sur l'exposition l'image dans la sculptue, à voir au Centre Pompidou, jusqu'au 5 août 2013.

CENTRE GEORGES POMPIDOU, BEAUBOURG, PARIS
www.centrepompidou.fr

Autres post sur Roy Lichtenstein sur Wanafoto :
Fast Forward: Modern Moments 1913 ›› 2013, High Museum of Art, Atlanta (2012-2013)
Roy Lichtenstein: Art as Motif, Museum Ludwig Cologne (2010)
Roy Lichtenstein: Reflected, Mitchell-Innes & Nash, NYC (2010)
Roy Lichtenstein, Fondation Beyeler, Bâle (1998)

Image & Sculpture, Expo Centre Pompidou, Paris

L'image dans la sculpture

Nina Beier, Simon Denny, Navid Nuur, Yorgos Sapountzis

Centre Pompidou, Espace 315, Beaubourg, Paris

Jusqu'au 5 août 2013

Le Centre Pompidou présente L'IMAGE DANS LA SCULPTURE, une nouvelle exposition de l’espace 315 dédiée à la jeune création contemporaine. L'exposition s’intéresse à une nouvelle approche de l’image à travers le travail de quatre jeunes artistes nés au tournant des années 1970-1980 : Navid Nuur, Nina Beier, Simon Denny et Yorgos Sapountzis. 

NAVID NUUR

Redblueredblue, 2012

Téléphone portable, carte prépayée, argile synthétique, son

Courtesy : Navid Nuur - Plan B, Berlin / Cluj - Martin van Zomeren, Amsterdam

Ces quatre artistes s’inscrivent dans une interdisciplinarité qui casse les hiérarchies entre les médiums, hybridant photographie, vidéo, Internet, télévision, téléphone mobile, magazines, textes, images produites volontairement ou non : les artistes de cette génération s’intéressent à l’image quelle qu’en soit la provenance. Tout en interrogeant les notions d’image et de médium à la suite de l’iconologie de W.J.T. Mitchell ou de la récente approche anthropologique d’un Hans Belting qui inscrit l’image dans une relation au médium et au corps, l'exposition L’Image dans la sculpture répond en écho à celle du Moma de New York de 1970, Photography into Sculpture, qui soulignait pour la première fois le mariage littéral de la photographie à la sculpture.

Au sein de l’Espace 315, les piliers en mousse florale de Navid Nuur perclus d’empreintes de doigts rythment l’exposition et se confrontent au mobilier hybridé d’images trouvées de Nina Beier, aux images et caissons de Simon Denny où se noient des télévisions, ou encore aux environnements en toiles de tente de Yorgos Sapountzis abritant une vidéo performative. 

L’exposition est réalisée en co-commissariat par Christine Macel, conservatrice au Musée national d’art moderne, chef du service Création contemporaine et prospective et l’artiste Navid Nuur. 

La Galerie des enfants du Centre Pompidou accueille au même moment une exposition conçue par Navid Nuur.

Les artistes : brèves biographies

NAVID NUUR (né à Téhéran en 1976) a été présenté dans des expositions monographiques, notamment au Fridericianum de Kassel, au van Abbe Museum d’Eindhoven, au S.M.A.K. de Gand, ainsi qu’à la Kunsthalle de Saint-Gall, et ses sculptures ont été exposées dans le Jardin des Tuileries et le Jardin des Plantes de Paris dans le cadre des Fiac 2011 et 2012. Par ailleurs, il a participé à la 54ème Biennale de Venise (2011) et a remporté la même année le Prix royal de peinture des Pays-Bas (remis par la reine Beatrix au Palais royal d’Amsterdam). Son travail a fait l’objet de nombreuses publications, dont trois catalogues monographiques (le prochain à paraître sera publié à l’occasion de son exposition à la fondation Parasol Unit à Londres en 2013) et plusieurs livres d’artiste.

NINA BEIER (née en 1975 à Arhus, au Danemark) a exposé dans des expositions monographiques au Mudam de Luxembourg et à la Kunsthal Charlottenborg de Copenhague. Elle a par ailleurs participé à des expositions collectives à la Tate Modern de Londres, au Moca de Miami, au Macro de Rome, au Hamburger Bahnhof de Berlin et son travail a été présenté dans le project space Art Unlimited lors de la dernière foire de Bâle. Deux ouvrages monographiques (l’un accompagnait l’exposition de Charlottenborg, l’autre est un recueil de textes de critiques et d’images de l’artiste) lui ont été consacrés.

YORGOS SAPOUNTZIS (né à Athènes en 1976) a exposé en solo au MUSAC de Léon, et dans des expositions collectives au Louisiana Museum de Humlebaek au Danemark, au Kunstverein de Francfort, au Ludwig Forum d’Aix la Chapelle, et dans le Monbijou Park dans le cadre de Based in Berlin. Ses œuvres font partie de la collection du Louisiana Museum. Son premier catalogue monographique, édité par Sternberg Press, a été publié à l’occasion de son exposition au Westfälischer Kunstverein de Münster.

SIMON DENNY (né à Auckland, Nouvelle-Zélande, en 1982) a participé à des expositions collectives au CAPC de Bordeaux, au Kunsthaus de Bregenz, à l’espace Witte de With, à Rotterdam. Une exposition monographique lui sera consacrée au MuMoK de Vienne en 2013 et il a remporté le prestigieux Prix Art Basel Bâloise 2012. Deux catalogues monographiques lui ont déjà été consacrés, dont celui de son exposition au Musée d’Aspen (USA) en 2012.

Site internet du Centre Pompidou : www.centrepompidou.fr

Expo Vidéo Vintage, Beaubourg, Centre Pompidou, Paris. L'art vidéo de 1963 à 1983

Exposition : Vidéo Vintage 1963-1983
Centre Pompidou, Beaubourg, Paris
Jusqu'au 7 mai 2012

Vidéo Vintage offre une sélection inédite de plus de soixante-dix bandes vidéo d’une cinquantaine d’artistes qui dessine une trajectoire de l’art vidéo de 1963 à 1983. Une exposition à voir au Centre Pompidou.

WGBH, Fred Barzyk, The New Wave, 1973,  

N&B et coul., son, 59”  

Collection du Centre Pompidou, Mnam / Cci

1963-1983, vingt années fondatrices ont vu défiler les recherches et les développements de ce « nouveau » médium comme instrument de l’expression artistique la plus contemporaine et comme outil critique. La vidéo a traversé tous les courants esthétiques de la modernité, de la performance à la mouvance fluxus, de l’art minimal à l’art conceptuel pour poursuivre son évolution dans le courant post-conceptuel et enfin servir les investigations actuelles.

La vidéo a été adoptée en tant que mode d'expression par différents artistes aux démarches esthétiquement très diverses,  expérimentant la bande vidéo analogique par l’auto-filmage ou, dans le contexte des laboratoires de télévision par les recherches plus approfondies sur les diverses possibilités de l’analogique.

Cette première exposition thématique de la collection nouveaux médias du Centre Pompidou rassemble les oeuvres de 52 artistes internationaux, de Vito Acconci, Sonia Andrade, Ant Farm, Samuel Beckett à Les Levine, Bruce Nauman ou Nam June Paik. Des oeuvres de Valie Export, Mona Hatoum, Gina Pane, Carole Roussopoulos et Nil Yalter sont également sélectionnées, mettant l’accent sur l’importance du travail réalisé par les artistes femmes avec ce médium. 

La scénographie, elle-même « vintage », donne la priorité au confort de visionnage : les vidéos de l’exposition sont installées dans seize environnements-salons meublés d’éléments de récupération. Ils structurent l’espace en différentes sections et accueillent les spectateurs pour un voyage dans le temps, celui de l’oeuvre visionnée.

ART VIDEO : LA PERFORMANCE DE L'AUTO-FILMAGE

Dès 1965, Nam June Paik acquiert une caméra vidéo Portapak Sony et se filme en gros plan. L’oeuvre Button Happening ouvre cette section. Des artistes ayant acquis ou emprunté ces premières caméras portables et légères, tels Sonia Andrade, Valie Export, Esther Ferrer, Sania Ivekovic, Paul McCarthy, Bruce Nauman, Nil Yalter, s’autofilment dans leur studio utilisant les spécificités de ce matériel : retour direct de l’image et du son sur le moniteur de contrôle. 

ART VIDEO : LA RELATION A LA TELEVISION

Dans les années 1960 et 1970, les chaînes de télévision sont à la recherche de nouvelles réalisations, esthétiques, différentes de celles du cinéma. En France, le Service de la recherche de l’O.R.T.F, en relation avec l’Ecole des Beaux-arts de Paris, invite des réalisateurs et des artistes à utiliser les premiers équipements de tournage et de montage. Jean-Christophe Averty, Jean-Luc Godard, Thierry Kuntzel ont réalisé de nombreuses oeuvres dans ce contexte. Aux États-Unis, les télévisions mettent également en place des laboratoires auxquels participent  Nam June Paik ou encore Woody et Steina Wasulka. Quelques initiatives privées ont également lieu : en 1969 et 1970, le célèbre producteur allemand Gerry Schum passe commande à des artistes tels que Joseph Beuys, Daniel Buren, Lawrence Weiner…  pour une exposition télévisuelle.

ART VIDEO : LES RECHERCHES CONCEPTUELLES

La vidéo est un outil comme les autres pour aborder les divers courants de l’histoire de l’art et cette dernière section illustre les recherches conceptuelles dans ce domaine, réunissant des oeuvres d’artistes européens (Daniel Buren, Imi Knoebel, Thierry Kuntzel…), évidemment d’artistes américains (Martha Rosler, Denis Oppenheim) mais aussi brésiliens et coréens (Anna Bella Geiger et Theresa Hak Kyung Cha).

Les commissaires de l'exposition : Christine Van Assche, conservatrice au Musée national d’art moderne, chef du service Nouveaux Médias, associée à Florence Parot, attachée de conservation au MNAM, service Nouveaux Médias

Vidéo Vintage - Couverture du Catalogue de l'exposition

PUBLICATION : VIDEO VINTAGE 1963-1983 

Une sélection de vidéos fondatrices des collections nouveaux médias du Musée national d’art moderne, Centre Pompidou sous la direction de Christine Van Assche, Editions du Centre Pompidou 

 Ce qui m'intéresse au sujet de la vidéo, c'est la possibilité de l'utiliser comme une sorte de compagnon domestique, c'est le lieu du gros plan - Vito Acconci 

Ce catalogue de l'exposition apparaît comme un incontournable pour ceux et celles qui s'intéressent à l'art vidéo. A la fois riche en contenu et synthétique (80 pages), avec une centaine d'illustrations en couleur (et en N&B lorsque l'original l'est), il offre les repères essentiels (artistes, oeuvres, dates, contextes, analyses...) pour mieux comprendre le développement de l'art vidéo autour des grands axes qui sont ceux de l'exposition. 

MUSEE NATIONAL D'ART MODERNE 
CENTRE GEORGES POMPIDOU
BEAUBOURG, PARIS
WEB : www.centrepompidou.fr

Expo Danser sa vie, Art & Danse, Beaubourg, Centre Pompidou, Paris

Exposition : DANSER SA VIE, ART & DANSE DE 1900 à nos jours Centre Pompidou, Beaubourg, Paris
Jusqu'au 2 avril 2012

Les liens entre les arts visuels et la danse, depuis des années 1900 à aujourd’hui sont le sujet d'une exposition remarquable organisée actuellement au Centre Pompidou (galerie 1, niveau 6). L’exposition puise dans la tradition  des grandes manifestations transdisciplinaires du Centre Pompidou que son Président,  Alain Seban, a voulu réactiver. Sur plus de deux mille mètres carrés sont présentées  près de 450 œuvres  : des chefs-d’œuvre de l’art du XXème siècle, de Henri Matisse à Andy Warhol (voir la liste des artistes ci-dessous) ;  des chorégraphies qui marquèrent des moments clefs d’un siècle de danse, de Nijinski à  Merce Cunningham  ; et des œuvres d’artistes contemporains inspirés par la danse, d’Olafur Eliasson à Ange Leccia.

Le titre Danser sa vie est emprunté à la danseuse Isadora Duncan, pionnière de la danse moderne  : « Mon art est précisément un effort pour exprimer en gestes et en mouvements la vérité de mon être. (…) Je n’ai fait que danser ma vie », explique-t-elle dans son ouvrage Ma vie, publié en 1928.

Les commissaires de cette exposition sont Christine Macel, conservatrice en chef, en charge du département création contemporaine et prospective et Emma Lavigne  conservatrice, département création contemporaine et prospective, assistées de Anna Hiddleston et Florencia Chernajovsky.

A travers un parcours en trois actes, l’exposition montre la passion de l’art et de la danse pour le corps en mouvement.

LES TROIS GRANDS VOLETS DE L'EXPOSITION

LA DANSE COMME EXPRESSION DE SOI, DE VASLAV NIJINSKI A MATTHEW BARNEY

L’invention d’une nouvelle subjectivité est explorée à travers la naissance de la « danse libre » dégagée du ballet classique avec Isadora Duncan. En Allemagne, à l’heure de l’expressionnisme et de la Freikörperkultur (la culture du corps libre), se noue un échange sans précédent entre artistes et danseurs qu’incarnent par exemple la danseuse Mary Wigman, les peintres Ernst Ludwig Kirchner et Emil Nolde.

 

Emil Nolde
Kerzentänzerinnen (Danseuses aux bougies), 1912
Huile sur toile - 100,5 x 86,5 cm
Neukirchen, Stiftung Seebüll Ada und Emil Nolde
© Nolde Stiftung Seebuell, Allemagne

 

Ernst Ludwig Kirchner, admirateur de Mary Wigman, la peint à plusieurs reprises.

 Charlotte Rudolph
Mary Wigman dans Hexentanz, 1926
Photographie
Wichtrach/Berne, Galerie Henze & Ketterer& Triebold

 

A Hambourg, dans les années 1920, un couple météore, Lavinia Schulz et Walter Holdt, crée une oeuvre d’art totale récemment découverte, mêlant danse, costume et musique.

 Lavinia Schulz and Walter Holdt
Toboggan Frau, 1923
Costume présenté sur un mannequin
1,67 m de hauteur environ.
Hambourg Museum für Kunst und Gewerbe (MKG)

De Vaslav Nijinski à Matthew Barney, de Mary Wigman à Kelly Nipper, l’art contemporain dialogue également avec les chefs-d’œuvre modernes.

DANSE ET ABSTRACTION, DE LOIE FULLER A NICOLAS SCHOFFER
La naissance de l’abstraction est envisagée à travers les inventions de Loïe Fuller, ou par la façon dont Kandinsky, les cubistes, les futuristes, le Bauhaus et les avant-gardes russes s’emparent de la danse. Certains artistes, comme Sophie Taeuber-Arp, pratiquent à la fois danse et arts plastiques.

« Elle dansait et rêvait, un triangle, un rectangle, un rectangle dans un cercle, un cercle dans un cercle, un cercle qui luit, un cercle qui sonne, un rectangle immobile avec beaucoup de petits cercles sonnants, elle rêvait nuit et jour de cercles vivants. » Jean Arp au sujet de Sophie Taeuber-Arp

Photographie de Sophie Taeuber-Arp dansant avec un masque de Marcel Janco au Cabaret voltaire, Zürich, 1916
Photographe anonyme, épreuve gélatino-argentique
Clamart, Fondation Arp, Maisons-ateliers Jean Arp et Sophie Taeuber

Des artistes dialoguent avec des danseurs, comme Kandinsky avec Gret Palucca. Ballets mécaniques notamment avec Oskar Schlemmer, inventions cinétiques et ballets virtuels achèvent cette histoire avec les recherches de Nicolas Schöffer et d’Alwin Nikolais. Cette section présente aussi Movement Microscope, 2001, une oeuvre inédite d’Olafur Eliasson conçue pour l’exposition.

DANSE ET PERFORMANCE, DE DADA A JEROME BEL
Un dernier volet évoque les liens de la danse avec l’art de la performance, et réciproquement : depuis les premières actions dadaïstes du Cabaret Voltaire jusqu’à l’invention des tasks (gestes empruntés à la vie quotidienne) par la danseuse Anna Halprin, en passant par les happenings d’Allan Kaprow et les recherches du Black Mountain College de Caroline du Nord (Etats-Unis). Dans les années 1960, Merce Cunningham dialogue avec Jasper Johns, ou encore Andy Warhol. Un ensemble d’œuvres et de documents évoque le Judson Dance Theater à New York, puis dévoile l’influence sur l’art de la culture populaire du clubbing et de la techno.

Jan Fabre
Quando l’uomo principale è una donna, 2004
Filmé par Charles Picq à la Maison de la Danse, Lyon, 2004
Film 16 mm, couleur, sonore
Direction, scénographie et chorégraphie : Jan Fabre
Danseuse : Lisbeth Gruwez

OEUVRES LIVE
L’exposition active l’oeuvre Untitled (Go-Go Dancing Platform), 1991 de Felix Gonzalez-Torres.

Felix Gonzalez-Torres
Untitled (Go-Go Dancing platform), 1991
© Kunst Museum St. Gallen, Saint Gall

Cette oeuvre de Felix Gonzalez-Torres est activée 5 min par jour pendant toute la durée de l’exposition

et l’installation Instead of allowing some thing to rise up to your face dancing bruce and dan and other things, 2000 de Tino Sehgal pour un danseur. Trisha Brown (avec le soutien du Centre National de la Danse, Paris, et du Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris) réactive l’œuvre Planes datant de 1968 (10 séances). De jeunes artistes contemporains donnent également à voir la danse en live. Davide Balula réalise Mechanical Clock for 60 dancers, une performance qui prend la forme d’une horloge mécanique où 60 danseurs incarnent littéralement le passage du temps (1 séance). Alex Cecchetti réalise pour le Centre Pompidou The Conversation of the Arrows, 2011 qui réunit cinq danseurs dans un chassé-croisé d’exercices ludiques laissant la place à l’improvisation.

PUBLICATIONS
Trois ouvrages sont publiés aux éditions du Centre Pompidou sous la direction de Christine Macel et Emma Lavigne accompagnent cette manifestation :

Un catalogue de référence de 320 pages avec illustrations couleurs et essais par des spécialistes : Marc Dachy, Douglas Crimp, Marcelle Lista, Pascal Rousseau, Norbert Servos, Adrien Sina…

Danser sa vie. Art et danse de 1900 à nos jours, Catalogue de l’exposition
Sous la direction de Christine Macel et d’Emma Lavigne,
Editions du Centre Pompidou, Paris
270 ill. couleurs, 22 x 28 cm, broché, 320 pages, 49,90 €

Danser sa vie. Ecrits sur la danse
Sous la direction de Christine Macel et Emma Lavigne
Parallèlement au catalogue, cet ouvrage propose une compilation inédite de textes capitaux autour de la danse, provenant de sources très diverses, de Nietzsche à Mary Wigman, en passant par Maurice Béjart et Henri Michaux. Editions du Centre Pompidou, Paris, 12 x 18,5 cm, broché, 240 pages, 19 €

Danser sa vie. Art et danse de 1900 à nos jours
Sous la direction de Christine Macel et Emma Lavigne
Editions du Centre Pompidou, Paris
Parcours illustré de l’exposition. Bilingue français  /  anglais
60 pages, 70 illustrations

EN RESONANCE AVEC L'EXPOSITION DANSER LA VIE

Parallèlement à l’exposition, le Centre Pompidou propose une programmation de Spectacles vivants riche en danse contemporaine, couvrant une large palette de propositions et d’approches du corps en mouvement : Meg Stuart, Maria La Ribot, Olga de Soto, Myriam Gourfink, Herman Diephuis…

Le Festival Vidéodanse présente les oeuvres de 150 chorégraphes à travers une programmation de 250 films qui retracent une histoire de la danse moderne et contemporaine.

Un programme de conférences et des cycles de Prospectif Cinéma et Vidéo et après sont organisés en lien avec l’exposition.

L’installation interactive de Richard Siegal If/Then, 2001, sera présentée dans le Forum du Centre Pompidou.

LE CENTRE POMPIDOU sur internet : www.centrepompidou.fr

Exposition Matisse au Centre Pompidou, Beaubourg, Paris : 60 chefs d’oeuvre de l’art moderne par un de ses plus grands maîtres

Exposition Matisse. Paires et Séries Musée national d’art moderne, Centre Georges Pompidou - Beaubourg, Paris7 mars - 18 juin 2012

Henri Matisse est l'un des plus grands maîtres de l'art moderne. C'est aussi l'un des artistes préférés du public. Nombreux sont donc ceux qui se réjouissent de cette nouvelle exposition du Centre Pompidou. D’autant plus qu’elle offre une perspective inédite sur l’oeuvre de Matisse.

 Henri Matisse: Le Rêve, Hôtel Régina, 1940
” La Dormeuse “
Collection particulière 
Photo Courtesy Centre Pompidou, Paris

Matisse. Paires et séries rassemble une sélection exceptionnelle de chefs-d’oeuvre provenant des plus prestigieuses collections publiques et privées dans le monde: soixante peintures, dont quatre grands papiers gouachés découpés, ainsi qu’une trentaine de dessins, parfois réunis et confrontés pour la première fois depuis l’époque de leur création. L'exposition au Centre Pompidou en propose une lecture originale axée sur l’un des aspects singuliers de l’oeuvre de Matisse : l’exploration répétitive d’un même sujet, d’un même motif, qui permet à Matisse d’explorer la peinture elle-même. Ces différents points de vue qu’adopte l’artiste s’expriment, à travers des variations de cadre, de dessin, de touche et de couleurs.

Face à ces couples et à ces digressions, c’est toute l’oeuvre de l’artiste qu’il est ainsi permis de saisir, avec ses interrogations, ses ruptures, ses revirements, ses conquêtes. L’exposition dont Cécile Debray, assistée de Elsa Urtizverea, a assuré le commissariat,  invite le visiteur à comprendre combien le travail de Matisse a contribué à engendrer et à nourrir la peinture moderne, interrogeant sans cesse la représentation, la notion de réalisme, le rapport entre le dessin et la couleur, entre la surface et le volume, entre l’intériorité et l’extériorité. Etudiant de nouvelles solutions formelles, remettant en cause chacune de ses avancées plastiques, Henri Matisse fut un penseur profond de la forme.

 Henri Matisse: Blouse roumaine, 1940
Don de l’artiste en 1953,
Musée national d’art moderne, Centre Pompidou
© Succession Henri Matisse, 2011
Photo Courtesy Centre Pompidou, Paris

De la méthode pointilliste à laquelle Matisse s’essaye à l’été 1904 - Luxe, Calme et Volupté et Le Goûter se trouvent exceptionnellement réunis pour l’occasion - aux ambitieux papiers découpés des années 1950 - la célèbre série Nu bleu de 1952 - en passant par l’ensemble de dessins de Thèmes et variations qui constitue un aboutissement conceptuel du procédé, les grandes périodes du peintre sont représentées dans un parcours chronologique. L’exposition à Beaubourg permet également un nouvel éclairage de la genèse de chaque œuvre de Matisse présentée.

Un catalogue Matisse. Paires et séries est publié par les Editions du Centre Pompidou, sous la direction de Cécile Debray, commissaire de l’exposition et conservateur au Musée national d’art moderne. Un e-album Matisse pour Ipad est également disponible sur l’app store au prix de 4,90€

L’exposition sera ensuite présentée à Copenhague, au Statens Museum for Kunst, du 14 juillet au 28 octobre 2012, et au Metropolitan Museum of Art, à New York, du 4 décembre 2012 au 17 mars 2013.

CENTRE POMPIDOU - BEAUBOURG - PARIS
MUSEE NATIONAL D'ART MODERNEBillet imprimable à domicile
www.centrepompidou.fr

Horaires : L'exposition est ouverte tous les jours de 11h à 21h, sauf le mardi, jours de fermeture du Centre Pompidou.

Expo Francois Morellet, Centre Pompidou, Beaubourg, Paris

Exposition rétrospective: 

François Morellet, Réinstallations 

Centre Pompidou, Beaubourg, Paris 

Commissaires de l'exposition : 

Alfred Pacquement et Serge Lemoine 

2 mars - 4 juillet 2011 

Le Centre Pompidou à Paris présente une exposition d'oeuvres de l'artiste FRANCOIS MORELLET. Cette exposition se situe dans le cadres de la série des grandes rétrospectives que le Centre Pompidou consacre aux grandes figures de l'art actuel. Cette exposition inédite propose une relecture du travail de François Morellet. L'exposition met l’accent  sur un aspect original et pionnier de l’œuvre de l’artiste, les installations.

En collaboration avec les commissaires de l’exposition, Alfred Pacquement et Serge Lemoine, François Morellet a sélectionné vingt-six œuvres de dimensions variées qui retracent les grands tournants de sa carrière de 1963 à aujourd’hui. De nature très différentes les unes des autres et faites de matériaux divers - tubes de néon, lumières avec projection, pièces de bois, papier sérigraphié, bandes adhésives aux murs, toiles sur châssis, tubes d’aluminium, plaques de métal, elles sont installées dans l’espace et sur les murs.

L’ensemble est « réinstallé » dans la galerie 2, au 6e étage du Centre Pompidou, de façon à créer un parcours varié plein de contrastes et réservant des surprises, de nature à provoquer des chocs visuels comme de susciter du plaisir tant par l’élégance du propos que par la beauté de l’effet.

CENTRE POMPIDOU - BEAUBOURG - PARIS

MUSEE NATIONAL D'ART MODERNE

Galerie 2, Niveau 6

www.centrepompidou.fr

Exposition rétrospective Mondrian-De Stijl au Centre Pompidou (Beaubourg)

Exposition Art moderne > Piet Mondrian, Mouvement De Stijl
Exposition Art moderne > Paris > Centre Pompidou

Une grande rétrospective Mondrian - De Stijl

Centre Pompidou, Paris

Commissaires : Brigitte Léal, Frédéric Migayrou

1er décembre 2010 - 21 mars 2011

Entre 1911 et 1938, Piet Mondrian mène à Paris sa quête d’une harmonie plastique fondée sur la tension entre la géométrie de l’angle droit et la densité des trois couleurs primaires. Son abstraction radicale à la recherche d’une langue universelle visait à dépasser la peinture. Elle s’incarne dans le mouvement De Stijl créé en 1917 par Theo van Doesburg. Pour Mondrian, Huszár, Oud, Rietveld, Vantongerloo, Bart van der Leck et bien d’autres artistes, l’utopie sociale était au bout de l’art, précisément à la pointe de son avant-garde. L’oeuvre d’art totale était la clé d’un nouveau monde, symbole et prototype d’un équilibre parfait où chaque élément s’intègre et fusionne avec l’ensemble, au sein de la communauté humaine. Cet instant crucial qui vit naître l’Europe contemporaine est le thème d’une rétrospective majeure et inédite du Centre Pompidou consacrée aux parcours croisés de Piet Mondrian et du mouvement De Stijl.

UNE GRANDE RÉTROSPECTIVE MONDRIAN-DE STIJL
1er décembre 2010 - 21 mars 2011
Centre Georges Pompidou - Beaubourg
Musée National d'Art Moderne
Galerie 1, Niveau 6

Exposition rétrospective Arman au Centre Pompidou, septembre 2010-janvier 2011

Exposition Art contemporain > Nouveau réalisme > Arman
Exposition Art contemporain > Paris > Centre Pompidou

Arman
Une exposition rétrospective

Centre Pompidou, Paris

Commissaire de l’exposition Jean-Michel Bouhours

22 septembre 2010 - 17 janvier 2011

Les cent cinquante oeuvres d’Arman présentées dans cette rétrospective proposent une traversée de toute la carrière de l’artiste, de la fin des années 50 aux dernières années du siècle. Elle met au jour un itinéraire qui va de la peinture informelle des années 1950 à l’élaboration d’un langage personnel basé sur l'objet. Le propos artistique d'Arman se positionne dès lors à partir de la production industrielle de masse et de ses excès (les rebuts) pour fonder une nouvelle esthétique (Nouveau réalisme).

Sa carrière est émaillée de nombreuses actions en public: les fameuses « colères », les « coupes », les « combustions », les monuments à base d’accumulations, dont l’exposition rend compte par de multiples documents d’époque.

EXPOSITION RETROSPECTIVE ARMAN
22 septembre 2010 - 17 janvier 2011
Centre Georges Pompidou - Beaubourg
Musée national d'art moderne
Galerie 2, Niveau 6

Exposition Gabriel Orozco au Centre Pompidou – Beaubourg, Paris

Exposition Art contemporain > Gabriel Orozco
Exposition Art contemporain > Paris > Centre Pompidou

GABRIEL OROZCO 

Centre Pompidou, Paris

Commissaires de l’exposition: Christine Macel, assistée de Celia Crétien

15 septembre 2010 - 3 janvier 2011

 

GABRIEL OROZCO, My Hands Are My Heart, 1991. Deux épreuves argentiques à blanchiment de colorants. 23.2 x 31.8 cm © Gabriel Orozco. Courtesy de l’artiste, de Marian Goodman Gallery, New York et du Centre Pompidou, Paris.

 

Cette exposition exceptionnelle est la première que le Centre Pompidou consacre à Gabriel Orozco et la première présentation de son travail à Paris depuis Clinton is Innocent, en 1998, au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris.

L’artiste, qui vit plusieurs mois par an en France, s’est étroitement impliqué dans l’élaboration du projet : il a conçu, avec la commissaire du Centre Pompidou, Christine Macel, un parcours autour de plus de 80 œuvres depuis ses débuts jusqu’à aujourd’hui. Cette exposition offre une occasion unique de découvrir ses dessins, photographies, peintures et sculptures provenant en partie des collections françaises et de nombreuses oeuvres qui n’ont jamais encore été montrées en France.

L ’exposition au Centre Pompidou fait suite aux présentations au Museum of Modern Art de New York et au Kunstmuseum de Bâle et précède celle de la Tate Modern de Londres. Par rapport aux deux premiers volets, la présentation à Paris est la plus importante en termes de surface d’exposition et de nombre d’œuvres.

 

GABRIEL OROZCO, Black Kites, 1997. Mine de plomb sur crâne. 21.6 x 12.7 x 15.9 cm. Philadelphia Museum of Art, Philadelphie © Gabriel Orozco. Courtesy de l’artiste, du Philadelphia Museum of Art et du Centre Pompidou.

 

Gabriel Orozco est reconnu comme l’un des artistes majeurs de sa génération qui s’est imposé dès le début des années 1990 sur la scène internationale. Artiste en constant déplacement, sans atelier fixe, Gabriel Orozco rejette les identifications nationales ou régionales, et puise son inspiration dans les différents lieux où il vit et voyage. Né en 1962 à Jalapa au Mexique, il vit actuellement entre Mexico, New York et Paris.

Son approche ouverte, en perpétuelle évolution, propose des échelles variées ainsi qu’une grande diversité de médiums : photographie, dessin, peinture, sculpture, installation sont maniés avec aisance, liberté et fluidité.

Pour l’exposition au Centre Pompidou, Gabriel Orozco propose un dispositif inédit basé sur l’idée de l’atelier. Sans cimaises, sans dénominations ni commentaires, les œuvres sont disposées avec une simplicité proche du moment de leur création.

 

GABRIEL OROZCO, Kites Trees, 2005. Peinture polymère synthétique sur toile. 200 x 200 cm. The Museum of Modern Art, New York © Gabriel Orozco. Courtesy de l’artiste, du Museum of Modern Art, New York et du Centre Pompidou, Paris.

 

Le travail de Gabriel Orozco se caractérise par la diversité des médiums employés : photographie, dessin, peinture, sculpture, installation, intervention et vidéo sont maniés avec autant d'aisance, de liberté et de fluidité.

 

Les commissaires de l’expositions

Christine MACEL est conservatrice au Musée national d’art moderne, chef du service Création contemporaine et prospective.

Celia CRETIEN est chargée de recherches et de coordination au Musée national d’art moderne

 

GABRIEL OROZCO aux Editions du Centre Pompidou

Auteurs : Christine Macel (sous la direction de), Ann Temkin, Briony Fer, Benjamin H. D. Buchloh, Paulina Pochoba et Anne Byrd

272 pages, 22,5 x 30 cm

Photo de couverture © Gabriel Orozco / Editions du Centre Pompidou, 2010

Catalogue de l’exposition en coproduction avec le MOMA de New York

« L’oeuvre de Gabriel Orozco s’appuie sur une pratique étonnamment diverse, où l’on trouve tous les genres, la photographie d’abord, puis le dessin, la sculpture, la vidéo, jusqu’à, plus récemment, la peinture et l’architecture. Dès les débuts de sa pratique, ses photographies immédiates d’objets parfois arrangés, révèlent un intérêt pour les incidents au sein du quotidien. Orozco propose un regard empreint de matérialisme et une conscience du flux du vivant, du perpetuum mobile héraclitéen. « Lo que sea es lo que sea es lo que sea » écrit-il, à la manière du « Rose is a rose is a rose is a rose » de Gertrude Stein, repris par Barbara Rose au sujet de la répétition minimaliste. Il s’arrête cependant sur les accidents qui surviennent à l’intérieur de cette boucle de l’éternel retour. Orozco recherche une tension visible, dès les premières photographies, dans l’articulation entre organique et géométrique qui a été, depuis les années 1980, une de ses préoccupations centrales […] » -- Christine MACEL, Extrait du catalogue

 

EXPOSITION GABRIEL OROZCO
15 septembre 2010 - 3 janvier 2011
Centre Georges Pompidou
Musée national d'Art moderne
Galerie Sud, Niveau 1

Message mis à jour le 16 juillet 2010.