Michael C. Rockefeller Wing: Collections of the Arts of Africa, the Ancient Americas, and Oceania @ Metropolitan Museum of Art, New York

Michael C. Rockefeller Wing

Collections of the Arts of Africa, the Ancient Americas, and Oceania

Metropolitan Museum of Art, New York

Opening Date: May 31, 2025

The Metropolitan Museum of Art announced that it will reopen the Michael C. Rockefeller Wing on May 31, 2025, following the completion of a major renovation. The wing includes the collections of the Arts of Africa, the Ancient Americas, and Oceania, and, when complete, will feature over 1,800 works spanning five continents and hundreds of cultures. These three major world traditions will stand as independent entities in a wing that is in dialogue with neighboring gallery spaces. The galleries have been closed to the public and under renovation since 2021.

Designed by WHY Architecture in collaboration with Beyer, Blinder, Belle Architects LLP, and with The Met’s Design Department, the reimagined galleries have been designed to transform the visitor experience and incorporate innovative technologies that will allow The Met to display objects in new ways. In galleries dedicated to each of the distinct collection areas, design elements reference and pay homage to the architectural vernaculars of each region.

The reinstallation of all three collection areas—Arts of Africa, the Ancient Americas, and Oceania—will also reflect new scholarship, undertaken in collaboration with international experts and researchers. Digital features and new wall text will allow for deeper contextualization of objects. Highlights of the collections that are well known to long-time visitors to The Met will be showcased in innovative ways with a completely new gallery design, which will also incorporate filtered daylight through a custom-designed, state-of-the-art sloped glass wall on the south facade, adjacent to Central Park. Additionally, across each collection there will be objects on view for the first time, including major new acquisitions of historic and contemporary art in the Arts of Africa galleries; a gallery dedicated to light-sensitive ancient Andean textiles, which will be the first of its kind in the United States; and several new commissions for the Oceania galleries by Indigenous artists and a range of new digital features that will present contemporary perspectives.

About the Michael C. Rockefeller Wing

The Met’s Michael C. Rockefeller Wing includes the three distinct collections—the Arts of Africa; the Ancient Americas; and Oceania—displaying them as discrete elements in an overarching wing that is in dialogue with the Museum’s collection as a whole.

During the 1950s and 1960s, the American statesman and philanthropist Nelson Aldrich Rockefeller assembled a fine-arts survey of non-Western art traditions that included the ancient Americas as well as areas of the world not represented in the Museum’s collection, notably African and Oceanic art. In 1969, it was announced that Rockefeller’s collection would be transferred to The Met as a new department and wing. Opened to the public in 1982, the addition was named after Nelson Rockefeller’s son, Michael C. Rockefeller, who was greatly inspired by the cultures and art of the Pacific and pursued new avenues of inquiry into artistic practice during his travels there. Among the wing’s signature works are the striking Asmat sculptures he researched and collected in southwest New Guinea.

Arts of Africa Galleries

The reenvisioned installation will reintroduce visitors to The Met’s collection of sub-Saharan African art through a selection of some 500 works organized to survey major artistic movements and living traditions from across the subcontinent. The new galleries will present original creations spanning from the Middle Ages to the present, including artworks such as a 12th century CE fired clay figure shaped in Mali’s Inner Niger Delta to the fiber creation Bleu no. 1 (2014) by Abdoulaye Konaté (born 1953, Diré, Mali), a critically acclaimed innovator based in Bamako, Mali. One-third of the works, which are new acquisitions given by donors to celebrate The Met’s capital project, will be on display at The Met for the first time.

The reconceived galleries anchor this extraordinary collection within regional architectural vernaculars and pay tribute to Africa’s distinctive cultural landmarks—such as a soaring ceiling spanned by a succession of horizontal baffles that suggest ribbing to pay homage to one of Africa’s most celebrated structures: the Great Mosque of Jenne in Mali—while highlighting connections to other major world traditions. The new galleries, which are immediately adjacent to those of Greek and Roman Art and European Sculpture and Decorative Arts, will underscore Africa’s ancient visual traditions and its historical connections with Europe going back to the Renaissance.

The reinstallation is grounded in contemporary research and exchanges with a network of international experts based in the United States and across sub-Saharan Africa. A major component of the expanded contextualization is a digital initiative that introduces Africa’s distinctive cultural landmarks in a series of original films produced with Ethiopian-American filmmaker Sosena Solomon that will be displayed in the gallery as well as online and that was undertaken in partnership with the World Monuments Fund (WMF).

Arts of the Ancient Americas

The reinstallation is organized around some 700 works selected to foreground the artistic legacy of Indigenous artists from across North, Central, and South America and the Caribbean prior to 1600 CE. This extraordinary collection will be reintroduced for a new generation of visitors while reflecting contemporary scholarship and research and providing greater illumination of the ancestral arts of the Americas.  The new galleries will include monumental stone sculptures and exquisite metalwork and will also include refined ceramic vessels; shimmering regalia of gold, shell, and semiprecious stone; and delicate sculptures of wood.

The new galleries for the Arts of the Ancient Americas are across from the Modern and Contemporary Art galleries and adjacent to those dedicated to the arts of the Oceania. Drawing inspiration from ancient American architectural traditions, the design incorporates stone platforms that echo the layout of landmarks from Mesoamerica and the Andean region, from the rectilinear plazas of Central Mexico to the U-shaped, enfolding arms of sacred architecture of Peru’s North Coast. A highlight will be a new gallery devoted to ancient American textiles and featherwork, which will frame a 3,000-year history of achievements in the fiber arts.

The new installation is the result of a close collaboration with colleagues across Latin America over the past eight years. The renovated galleries will reflect recent advances in scholarship, incorporating knowledge about artists, their materials, their techniques, and their social roles and newly revealed relationships between regions. They will also expand the scope to consider Indigenous traditions in the Viceregal (Colonial) period. The galleries also benefit from new perspectives on indigenous concepts of the natural world as well as nuanced perceptions of gender roles. Indigenous texts—ancient, historical, and modern—have informed the curatorial narrative, enriching the interpretation and appreciation of the works in the collection.

Joanne Pillsbury, the Andrall E. Pearson Curator of the Arts of the Ancient Americas, said, “Since the Museum's founding, the presence of these works at The Met has reflected shifting sensibilities about the place of ancient American art in a global history of art. Over the last 30 years, we’ve seen a revolution in our understanding of the Inca, the Classic Maya, and the other great cultures that thrived in Latin America before the 16th century, including the identification of specific, named artists. It has been exciting to work with scholars from across the Americas to reconceive the galleries in light of this new knowledge.”

Arts of Oceania Galleries

The reimagined galleries reintroduce The Met’s iconic collection of Oceanic art presenting over 500 years of art from this expansive region, newly framed in Indigenous perspectives and celebrating the unceasing creativity of Oceania’s finest visual artists.

The new galleries will feature over 650 stellar works from the Museum’s remarkable collection of Oceanic art, drawn from over 140 distinct cultures in a region of astonishing diversity, which covers almost one-third of the earth’s surface and continues to capture the global imagination. These include monumental artworks from the large island of New Guinea and the coastal archipelagos that stretch beyond its shores to the north, central, and eastern Pacific, as well as the two neighboring regions of Australia and Island Southeast Asia, whose Indigenous communities all share a common ancestry. A significant set of acquisitions substantively broaden the media and cultural scope of works presented in the galleries. These include works that expand the curatorial narrative, recalibrating and balancing the former focus on ceremonial architecture and men’s ritual practice, by broadening the collection to include the work of women, especially fiber work by senior female artists from Australia and New Guinea.

The galleries for the Arts of Oceania are organized around a stunning new diagonal trajectory through the Michael C. Rockefeller Wing designed to foreground ancestral connections and Indigenous temporalities, offering perspectives on art that reach deep into Oceania’s past while also acknowledging ongoing manifestations of its agency in the present. The newly designed layout establishes visual sightlines that emphasize the dynamic interactions between adjacent Island groups, which have paved the way toward innovation and creativity in the artistic sphere, with a soaring installation of Asmat art to the north and the iconic Kwoma ceiling, illuminated by natural light, to the south. These are linked by a suite of smaller, more intimate focus galleries designed for close looking and reflection where visual resonances reinforce the long-standing relationships between Austronesian-speaking peoples who are deeply connected, not separated, by the ocean. Written and digital narratives placed throughout the galleries elevate Indigenous voices, foreground the latest developments in interdisciplinary scholarship, and emphasize the continued creativity of Oceania’s Indigenous artists through the lenses of global history, storytelling, and Pacific oratory and performance.

Maia Nuku, John A. Friede and A. J. Hall Curator for the Arts of Oceania, said, “The Met’s collection of Oceanic art is unusually expansive in terms of breadth and range. This gives us a rare opportunity to present art from across the entire region of Oceania, astonishing artworks that were created in the last 500 years by descendants of the early Austronesian-speaking voyagers who settled this last region of the world in waves of migration that began 3,500 to 5,000 years ago. The conceptual framing of our new galleries for Oceania responds directly to the unique spatial and relational dynamics of Oceania: horizon lines, the arching dome of the sky, and islands tethered in a vast ocean—these are the coordinates that guide and shape life in this compelling landscape. The dynamic new layout is enhanced by architectural features specifically designed to frame the installation of artworks in vertical and horizontal planes. This formal arrangement for landmark works provides strong visual cues that emphasize connectivity and speak directly to the distinctive ways that Oceanic peoples approach life and use art to navigate physical and spiritual worlds.”

The renovation of the galleries was overseen by Alisa LaGamma, Ceil and Michael E. Pulitzer Curator of African Art and Curator in Charge of The Michael C. Rockefeller Wing and Doris Zhao, Project Manager.

The Arts of Africa team includes: Alisa LaGamma, Ceil and Michael E. Pulitzer Curator of African Art and Curator in Charge of The Michael C. Rockefeller Wing, Jennifer Peruski, Assistant Curator; Sandro Capo-Chichi, Senior Research Associate; and Imani Roach, Assistant Curator (2021-2024).

The Arts of the Ancient Americas team includes: Laura Filloy Nadal, Curator of the Arts of the Ancient Americas; Joanne Pillsbury, Andrall E. Pearson Curator of the Arts of the Ancient Americas; and Hugo Ikehara Tsukayama, Senior Research Associate.

The Arts of Oceania team includes: Maia Nuku, the Evelyn A. J. Hall and John A. Friede Curator for Oceanic Art; Sylvia Cockburn, Senior Research Associate; and Maggie Wander, Senior Research Associate (2022–24).

The Michael C. Rockefeller Wing team includes: David Rhoads, Christine Giuntini, Lauren Posada, Raychelle Osnato, Damien Marzocchi, Jessi Atwood, Matthew Noiseux, Paige Silva, Lydia Shaw.

The conservation of these collections was overseen by Lisa Pilosi, Sherman Fairchild Conservator in Charge with conservators Dawn Kriss, Sara Levin, Amanda Chau, Katharine Fugett, Teresa Jiménez-Millas, Caitlin Mahony, Marijn Manuels, Katherine McFarlin, Nick Pedemonti, Carolyn Riccardelli, Netanya Schiff, Chantal Stein, Ahmed Tarek, Marlene Yandrisevits, with additional help from the Objects Conservation Department, as well as a team of conservation preparators dedicated to the Michael C. Rockefeller Wing collection: Matthew Cumbie, Nisha Bansil, Johnny Coast, Jennifer Groch, Lindsay Rowinski, Nina Ruelle, Barbara Smith and staff preparators Warren Bennet, Andy Estep, Jacob Goble and Frederick Sager.

The Met’s Design team, overseen by Alicia Cheng, Head of Design, includes: Patrick Herron, Alexandre Viault, Tiffany Kim, Anna Rieger, Maanik Chauhan, Sarah Parke, Clint Coller, Jourdan Ferguson, Amy Nelson, with support from Rebecca Forgac.

The design of the Michael C Rockefeller Wing was led by WHY Architecture, in collaboration with The Met’s Design Department. Beyer Blinder Belle was the executive architect and led the design of the exterior sloped glazing wall. The construction was managed by AECOM Tishman. The team collaborated with engineers including Kohler Ronan, Thornton Tomasetti, and Arup. The cases were fabricated by Goppion. The design and construction process was led by Justin Mayer (Senior Project Manager, Capital Projects) and Mabel Taylor (Associate Project Manager) of The Met's Capital Projects department overseen by Jhaelen Hernandez-Eli (Vice President, Capital Projects).

"The complete renovation of the Michael C. Rockefeller Wing reflects The Met’s profound commitment to—and deep expertise—in caring for and expanding understandings of the works in the Museum’s collection. Together with our collaborative and community-based approach to curating these collections, the transformation of these galleries allows us to further advance the appreciation and contextualization of many of the world’s most significant cultures,” said Max Hollein, The Met’s Marina Kellen French Director and Chief Executive Officer. “When the wing first opened in 1982, it brought a much broader perspective on global art history to The Met, and this thoughtful and innovative reimagining reflects our ambition to continually expand and even complexifying narratives. We’re deeply grateful to the many artists, scholars, community leaders and cultural figures who are partnering with us on this essential and ongoing work, and we look forward to unveiling these stunning galleries to visitors across New York City and the world this spring.”

Kulapat Yantrasast, Founder and Creative Director of WHY Architecture, commented: “The Michael C. Rockefeller Wing affirms WHY’s belief that museums are true sites of empathy. Spaces where visitors from many different places can encounter and appreciate the artworks from other cultures around the world. Through our design with The Met, we hope to highlight the diversity and distinction within these rich collections while providing a welcoming and memorable sense of place. Natural light and visual connections to Central Park are essential to the reimagined wing, and moments of discovery are so crucial when we design art spaces. We hope that visitors remember what they experience and where that happens.”

Alisa LaGamma, Ceil and Michael E. Pulitzer Curator of African Art and Curator in Charge of The Michael C. Rockefeller Wing, said: “The primary goal of this considerable institutional project is to deepen appreciation for the greatness of the art displayed within. While the creation of the wing asserted the place of the arts of sub-Saharan Africa, the Ancient Americas, and Oceania in the world’s leading museum, the edition you will soon experience underscores their autonomy from one another and foregrounds the artists responsible for those achievements. The new galleries devoted to three major collections presented in the Michael C. Rockefeller Wing allow us to reintroduce them with to the public enriched with a wealth of contextual detail. Those layers of information range from artist bios to interviews with experts in the region that relate the works presented to specific historical sites in the form of audioguide commentary and documentary films produced as an integral part of the experience.”

Jhaelen Hernandez-Eli, Vice President of Capital Projects at The Met, commented: “Our buildings are works of art themselves, mediating the relationship between the environment, our collections, and the communities we host. The redesign of the wing addresses the most critical issues of our time, from carbon footprint reduction to the emphasis on local materials and artisanship. The project manifests the collective work and shared values of our architects and engineers—WHY Architecture, Beyer, Blinder, Belle Architects LLP, Kohler Ronan, Thornton Tomasetti and Arup—as well as our local trades shepherded by AECOM Tishman. Together, we prioritized job creation and workforce training, reuse of materials, and the reduction of energy consumption while ensuring that the resulting architecture supports our collection and inspires our public."

THE METROPOLITAN MUSEUM OF ART

www.metmuseum.org

Ways of Seeing: Four Photography Collections @ New Mexico Museum of Art, Santa Fe

Ways of Seeing 

Four Photography Collections 

New Mexico Museum of Art, Santa Fe

January 20 - June 16, 2024

Jeff Brouws 

Mobil/Trailer, Inyokern, Calif., 1991

Chromogenic print, 18 × 18 in. 

Collection of the New Mexico Museum of Art 

Gift of Jamie Brunson and Dr. Mark Levy, 2021 (2022.15.2) 

Photo Courtesy of Jeff Brouws / Robert Koch Gallery, San Francisco 

Showcasing three groups of recent donations and one promised gift to the New Mexico Museum of Art collection and highlighting individual approaches to collecting art, Ways of Seeing includes nearly forty photographs ranging from a 1903 photogravure by Gertrude Käsebier to a 2013 pigment print by local artist Anthony O’Brien. 

“Ways of Seeing is an interesting study of taste and the profound reasons why collectors select objects for their personal collections,” said the museum’s Executive Director Mark A. White. “In addition, the exhibition is an important reminder of how collectors have shaped and grown the photography collection of the New Mexico Museum of Art.” 

Photographer and photo dealer Donald B. Moritz began collecting photographs in the mid-1980s, working directly with the artists he admired to amass a holding of primarily black-and-white prints. He met one of them, longtime New Mexico photographer David Michael Kennedy, when taking a class at the Santa Fe Workshops. Struck by the beauty of Kennedy’s work, Moritz quickly became one of the El Rito artist’s major collectors. In 2022, Moritz donated Kennedy’s portfolio of cloud studies and four additional photographs, all on view. 

New Yorker W.M. Hunt chose a thematic approach to acquiring photographs. “Photography changed my life; it gave me one,” Hunt says in The Unseen Eye. The 2011 publication documents Hunt’s extensive collection of images from across the history of photography in which the eyes of the subject are hidden or obscured. Eight photographs from Hunt’s donation are on view, by artists Adam Fuss, Debbie Fleming Caffery, Inge Morath and Saul Steinberg, Ruth Thorne Thomsen, Arthur Tress, Gerald Slota, Minor White, and Joel-Peter Witkin. 

Painter Jamie Brunson donated seven photographs to the museum from a collection she assembled with her former husband, the late art historian and teacher Mark Levy, while living in Berkeley, California. The two were drawn to large-scale, contemporary photographs of the 1980s and 1990s, particularly those alluding to human interactions with the environment and those that reflected their interests in meditation and the concept of the void. The group is comprised of work by Tom Baril, Jeff Brouws, Kevin Bubriski, Edward Burtynsky, William Claxton, Richard Misrach, and John Pfahl.  

Another couple, Caroline Burnett and her late husband William, also shared the adventure of collecting photographs. In 1992, Bill gave Caroline a print of an Arnold Newman’s photograph of Georgia O’Keeffe at Ghost Ranch, as a reminder of their hike to the summit of Pedernal. The two moved to Santa Fe in 2001, and continued collecting photographs that touched their hearts and often feature a sense of serenity. After Bill’s death, Caroline continued to shape the collection and established it as a promised gift to the museum. On loan for this exhibition are gems by Ruth Bernhard, Manuel Álvarez Bravo, Harry Callahan, Kenro Izu, Gertrude Käsebier, local photographer Anthony O’Brien, Sebastião Salgado, Alfred Stieglitz, and Todd Webb. 

NEW MEXICO MUSEUM OF ART

Santa Fe, New Mexico

nmartmuseum.org

Populaire ? Les trésors des collections du Mucem @ Mucem, Marseille - Exposition permanente

Populaire ? 

Les trésors des collections du Mucem

Exposition permanente

Mucem, Marseille

A partir du 13 décembre 2023

Affiche Populaire ?, Mucem

Courtesy du Mucem

Alors que le Mucem fête cette année ses dix ans, l’occasion est belle de revenir sur ce qui constitue son cœur et son histoire : sa collection. Cette exposition permanente souhaite présenter sa collection dans toute sa diversité. Elle réunit en effet les fonds historiques du Musée national des arts et traditions populaires, les collections européennes du Musée de l’Homme et celles acquises depuis le début des années 2000 dans une volonté d’ouverture vers la Méditerranée et le monde contemporain. 

Au rez-de-chaussée du bâtiment, l’exposition permanente du Mucem est imaginée comme un espace de découverte visant à mettre en évidence le caractère profondément humain des objets et témoignages qui composent cette collection. Elle présente ce qui fait la « matière » du musée, elle témoigne du caractère à la fois sémiotique (ce que les objets disent de la société dans laquelle ils ont été produits) et esthétique de cette collection et permet de donner à lire toutes les histoires qui ont mené aux acquisitions, les parcours de vie des objets, ce qui a motivé leur entrée dans les réserves du musée, hier comme aujourd’hui.

Le parcours général propose un cheminement au gré de grandes catégories empruntées au vocabulaire de l’histoire des arts et des techniques (« peinture », « sculpture », « arts du métal », « céramique », etc.). Un parcours qui fait émerger les particularités de la collection du Mucem en rompant avec la hiérarchisation habituelle entre beaux-arts et arts populaires. On passe ainsi d’objets attendus dans un musée (par exemple des tableaux, des ex-voto, des icônes, etc.) à des éléments plus surprenants (comme des portes de ruche décorées), et d’objets familiers du grand public à des éléments plus inattendus voire mystérieux de prime abord. 

A côté des 1 200 objets et documents issus des fonds historiques du Mucem ou plus récemment acquis par le musée, un dispositif de médiation numérique immersive permet d’évoquer, à travers une sélection d’objets, l’idée de « culture populaire » qui irrigue ses collections.

Commissariat collectif

L’équipe de la conservation du Mucem : Justine Bohbote, Raphaël Bories, Marie-Charlotte Calafat, Caroline Chenu, Françoise Dallemagne, Camille Faucourt, Julia Ferloni, Émilie Girard, Vincent Giovannoni, Mireille Jacotin, Enguerrand Lascols, Édouard de Laubrie, Amélie Lavin, Hélia Paukner, Jean-Fabien Philippy.

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Au talent ! © Julie Cohen

Vendredi 15 décembre, l’exposition « Populaire ? » se visite en nocturne… Mais pas seulement !

« Au talent ! », c’est une soirée sous le signe de l’audace et de la créativité durant laquelle de jeunes médiateurs ont carte blanche pour vous parler de leurs plus belles découvertes au sein de l’expo.

 La soirée se prolonge dans l’auditorium avec une scène ouverte pluridisciplinaire animée par le Théâtre l’Art Dû. Au programme, danse, chant, beat box, impro, stand-up, et plus si affinités. Tout le monde peut participer (même vous !) et chacun dispose de 5 minutes sur la scène pour s’exprimer comme il le souhaite.

Pour conclure cette soirée plurielle, ambiance dancefloor avec une programmation musicale pensée avec l'agence Bi: Pole.

Entrée libre

MUCEM, MARSEILLE

Mucem J4, niveau Rdc (1 200 m²)

www.mucem.org

De Louis XIV à Louis XVI. Un art de vivre à la française - Musée du Louvre, Nouvelles salles des objets d'art

De Louis XIV à Louis XVI. Un art de vivre à la française - Musée du Louvre, Nouvelles salles des objets d'art

Au premier étage de l’aile nord et dans une partie de l’aile ouest de la cour Carrée, un chantier d’exception s’est achèvé : celui de la rénovation complète des salles consacrées aux objets d’art du règne de Louis XIV et du XVIIIe siècle. Il constitue la dernière étape des travaux du département des Objets d’art entrepris dans le cadre du projet du Grand Louvre. 

Le musée du Louvre abrite l’un des ensembles les plus riches et les plus complets jamais réunis dans une collection publique, témoignage éclatant du savoir-faire français du XVIIIe siècle, admiré dans le monde entier. Afin de donner aux visiteurs du musée une lecture plus compréhensible de cette collection, les salles ont connu un changement spectaculaire.

Une collection unique 

Les collections de l’art du XVIIIe du département des Objets d’art offrent un large panorama de la décoration intérieure, de la production des grandes manufactures, de l'artisanat et du commerce d'art, principalement français, du règne de Louis XIV à la Révolution. Elles sont constituées de boiseries et de décors peints, de tapisseries et de tapis, de meubles d'ébénisterie et de menuiserie, de bronzes d'ameublement, de marbres et pierres dures, d’orfèvrerie et de bijouterie, d’instruments scientifiques, de faïences et porcelaines européennes, de laques et porcelaines d'importation. L'origine principalement royale et princière de ces collections leur confère un caractère particulièrement remarquable, en comparaison de celles des autres musées d’arts décoratifs, en Europe et aux Etats-Unis. 

Les arts somptuaires des règnes de Louis XIV, Louis XV et Louis XVI n’ont pourtant acquis droit de cité au musée du Louvre que tardivement, à l’occasion de deux moments-clés. En 1870, lors du sauvetage in extremis de meubles et d’objets historiques retirés du palais des Tuileries et du château de Saint-Cloud avant qu’ils ne soient la proie des flammes. Puis, en 1901, lors d’un versement par le Mobilier national d’un grand nombre de chefs-d’œuvre de l’ébénisterie et de la tapisserie parisienne provenant des demeures royales et impériales. 

La générosité de très grands amateurs, tels qu’Isaac de Camondo ou Basile de Schlichting, à l’origine de legs fastueux, respectivement en 1911 et 1914, contribua à enrichir la collection au début du XXe siècle. Les enrichissements se sont poursuivis depuis de manière spectaculaire, permettant au Louvre de rassembler une des premières collections au monde. 

Un nouveau parcours muséographique

Les salles du premier étage de l’aile nord de la cour Carrée, dont l’installation remontait pour l’essentiel au début des années 1960, ont été fermées dès 2005 pour une nécessaire mise aux normes. Celle-ci impliquait, entre autres, l’établissement d’escaliers de part et d’autre du pavillon Marengo. Par ailleurs, la muséographie en place jusqu’en 2004 était encore, avec quelques aménagements plus récents, celle voulue par Pierre Verlet en 1962-1966.

A l’automne 2011 ont débuté les travaux de rénovation. La maîtrise d’oeuvre du chantier a été confiée à l’architecte Michel Goutal, suivant un projet muséographique élaboré de concert par Jacques Garcia et les conservateurs du département des Objets d’art, sous la direction de Marc Bascou, et avec l’assistance technique de la direction de la Maîtrise d’Ouvrage du musée du Louvre.

Les visiteurs peuvent ainsi maintenant découvrir un nouveau parcours muséographique de 2183 m2, comportant 33 salles et présentant plus de 2 000 objets.

Le circuit est divisé en trois grandes séquences chronologiques et stylistiques :

- 1660-1725 : règne personnel de Louis XIV et la Régence

- 1725-1755 : épanouissement du style rocaille

- 1755-1790 : retour au classicisme et règne de Louis XVI.

Les créations du Grand Siècle seront présentées dans les salles historiques du Conseil d’Etat, tandis que l’aile nord de la cour Carrée accueille une suite de period rooms, doublées de galeries de vitrines thématiques. Les premières permettent de remettre les oeuvres en contexte, les secondes de présenter les collections de céramique et d’orfèvrerie et de mettre en valeur des grands chefs d’oeuvre de la période.

La présentation essentiellement chronologique des collections a vocation à éclairer aussi bien l'histoire des techniques que celle des styles, à présenter les grandes résidences et les principales personnalités du temps : artisans, artistes ou commanditaires. A travers l'évocation des palais royaux ou princiers disparus (Saint-Cloud, Bellevue, les Tuileries, Montreuil, ...), des hôtels particuliers parisiens (hôtels Le Bas de Montargis, Dangé, de Chevreuse) et des résidences de campagne des élites (châteaux de Voré et d'Abondant), c'est toute la variété des lieux et des milieux à l'origine de la floraison des arts décoratifs des XVIIe et XVIIIe siècles, qui fonde l'arrière-plan historique de la présentation.

On y croise la famille royale (le Roi, le prince de Condé, le comte d'Artois, Mesdames de France, Marie-Antoinette), mais aussi les favorites (Madame de Pompadour, Madame du Barry), des grands seigneurs de la cour (le duc de Chevreuse, le marquis de Sourches) et des financiers parisiens (Claude Le Bas de Montargis, François-Balthazar Dangé).

La collection rend bien sûr hommages aux grands créateurs des arts décoratifs de cette période, dont on mesure mal aujourd’hui, pour certains, l’immense prestige dans toute l’Europe du temps : les ébénistes André-Charles Boulle, Charles Cressent, Bernard II Van Risenburgh, Jean-François Oeben, Martin Carlin, Jean-Henri Riesener, les orfèvres Thomas et François-Thomas Germain, les Roëttiers, Robert-Joseph Auguste, les peintres et décorateurs Charles Le Brun, Jean-Baptiste Oudry, Charles-Antoine Coypel. Les plus fameux sont logés à la Galerie du Louvre et forment, à l’instar d’André-Charles Boulle ou de Thomas Germain, des dynasties aussi renommées que durables. 

Véritables laboratoires d’invention, leurs ateliers travaillent autant pour le roi et la cour que pour les souverains étrangers, contribuant à cette diffusion de la culture française qui donne le ton à toutes les cours européennes. 

Un programme de médiation permet en outre l’intégration par des panneaux de contextualisation et des équipements multimédia, de références historiques ou sociologiques éclairant aussi bien l’histoire du goût que le monde de la production, celui des intermédiaires et marchands ou l’évolution de la commande et des usages. 

La découverte d’un art de vivre à la française : le choix des period rooms   

Au sein de chaque séquence, une attention particulière est portée à l’aménagement de period rooms, s’efforçant de rétablir des décors dans leur configuration originale. D’autres salles regrouperont dans des « évocations d’intérieur » des ensembles stylistiquement cohérents de mobilier et d’objets d’art au sein de décors recréés. Ce principe muséographique des period rooms, adopté dès le XIXe siècle par certains musées historiques ou d’arts décoratifs, permet de répondre aux attentes d’un large public, en rendant perceptible et compréhensible cet art de vivre luxueux, au raffinement inégalé, et en resituant les plus belles inventions des décorateurs et maîtres-artisans dans leur environnement naturel. 

Les period rooms ainsi réalisées permettent de restituer des décors documentés, accompagnés de meubles d’époque, comme les salons et bibliothèque de l’hôtel de Villemaré, le grand salon du château d’Abondant et la chambre de parade de l’hôtel de Chevreuse. 

En concertation avec les autres départements, sont présentés des peintures, des sculptures antiques ou modernes, des pastels et des estampes dans des installations pérennes ou des accrochages renouvelables. Le célèbre portrait de Louis XIV par Hyacinthe Rigaud est ainsi exposé dans l’une des salles du Conseil d’Etat, où est réunie l’une des plus belles collections de meubles Boulle au monde. 

La nouvelle muséographie permet notamment d’installer d’importants décors peints, comme les panneaux d’Oudry du château de Voré ou un plafond provenant du palais Pisani à Venise, attribué à Giovanni Scajario (1726-1792). Le pavillon Marengo accueillera une extraordinaire coupole peinte par Antoine-François Callet (1741-1823) pour l’hôtel de Bourbon Condé. 

Un chantier entièrement financé par le mécénat

Cette rénovation, d’un budget de 26 millions d’euros, est le premier grand projet muséographique entièrement financé grâce au mécénat. Elle a bénéficié du soutien de nombreux partenaires au premier rang desquels l’entreprise Montres Breguet, mécène principal du projet, et le Cercle Cressent du Louvre, présidé par Maryvonne Pinault, qui réunit amateurs et collectionneurs d’Objets d’art du XVIIIe siècle. 

En France et aux Etats-Unis, la Société des Amis du Louvre et les American Friends of the Louvre ont mobilisé de nombreux donateurs autour de ce projet. D’autres grands partenaires français et étrangers se sont engagés aux côtés du Louvre, en particulier MGM China, Eni, Kinoshita Group, la Fondation Stavros Niarchos, la Fondation Gilbert et Rosemary Chagoury et les Fondations Edmond de Rothschild. Enfin, deux collaborations d’envergure menées avec des musées américains, le High Museum d’Atlanta et les Fine Arts Museums de San Francisco, ont contribué au financement du réaménagement. 

Musée du Louvre

www.louvre.fr

De la Chine aux Arts Décoratifs. L'art chinois dans les collections du Musée des Arts décoratifs, Paris

De la Chine aux Arts Décoratifs. L'art chinois dans les collections du Musée des Arts décoratifs 
Musée des Arts Décoratifs, Paris 
13 février - 29 juin 2014 

Brûle-parfum en forme de gui couvert, 
Chine, dynastie Qing, période Qianlong (1736-1796)

Emaux cloisonnés et champlevés sur cuivre
Dépôt public Fondation Salomon de Rothschild, 1923

Musée des Arts décoratifs, Paris, photo Jean Tholance

De la Chine aux Arts Décoratifs retrace l’apparition du goût pour l’art chinois qui prend une ampleur manifeste en France au XIXe siècle, mais aussi l’histoire particulière d’une collection. Le Musée Chinois à Fontainebleau inauguré par l’Impératrice Eugénie en 1863, ou encore les Expositions Universelles, sont les prémices de ce nouvel et vif intérêt pour des formes d’art que ces amateurs éclairés vont, pour certains, collectionner avec passion.

Les premières salles de l’exposition rendent hommage à ces collectionneurs et ces légataires, tels que Jules Maciet, Raymond Koechlin, Jean Schlumberger, Raoul Duseigneur, Mademoiselle Grandjean, mais aussi David David-Weill et la Baronne Salomon de Rothschild. En faisant don au musée des Arts décoratifs, ils revendiquent le souci de préserver, valoriser et transmettre un répertoire esthétique nouveau, ainsi que les secrets de certaines techniques, comme la laque ou encore la porcelaine.

Aiguière, Chine, dynastie Ming, XVIe siècle

Porcelaine de Jingdezheng, monture en bronze doré

Don Alexis Rouart, 1898, Musée des Arts décoratifs, Paris

Les raisons données par David David-Weill, lorsqu’il offre ses émaux cloisonnés au musée en février 1923, valent sans doute pour chacun d’entre eux : « La collection (…) pourra être un enseignement utile pour toute une branche d’artistes décorateurs ». Cet art chinois prisé par les créateurs et les amateurs occidentaux offre la possibilité de renouveler les techniques et d’ouvrir la porte à un nouveau répertoire iconographique. Les représentations de dragons ou encore de « chiens Fô » et d’autres chimères sont, pour le public européen de l’époque, des figures étranges et cryptiques qui suscitent toute leur curiosité.

Double gourde (paire), Chine, dynastie Qing, laque, XVIIIe siècle

Dépôt public Fondation Salomon de Rothschild, 1923
Musée des Arts décoratifs, Paris

De la Chine aux Arts Décoratifs est l’occasion d’appréhender une collection qui révèle un héritage artistique inédit. A l’exception de pièces réalisées pendant les premières dynasties royales ou impériales chinoises, les objets exposés appartiennent aux dynasties des Song (960-1279), des Yuan (1279-1368) et, pour la majorité, aux deux dernières dynasties impériales, celles des Ming (1368-1644) et des Qing (1644-1912). Ces chefs-d’oeuvre datant des périodes les plus récentes sont parmi les plus prisés des collectionneurs de l’époque et forment ainsi une partie importante de l’exposition, permettant de se rendre compte de la finesse et de la richesse des fonds que conservent Les Arts Décoratifs. Le public est invité à admirer une grande diversité d’objets tels que des robes de cour (chaofu) ou de cérémonie (lifu), des habits semi-officiels (jifu), des armures, ou encore des textiles présentés sous forme d’échantillons plus ou moins grands, offrant un catalogue de motifs et de techniques extraordinaires qui ont fasciné les Européens. Des albums de papiers aquarellés du XVIIIe et du XIXe siècle, réalisés pour le marché occidental et illustrant le mode de vie et les décors chinois, sont sortis des archives de la bibliothèque des Arts Décoratifs pour l’occasion. 

Plat, Chine, dynastie Yuan (1279-1368)

Porcelaine avec décor en bleu de cobalt sous couverte

Achat Raoul Duseigneur, 1894
Musée des Arts décoratifs, Paris

Deux salles sont dédiées aux céramiques d’exportation provenant majoritairement des collections d’Alexandrine Grandjean et de Paul Pannier et des périodes plus anciennes sont classées par techniques, et mettent à jour des pièces d’exception comme le grand plat Yuan en porcelaine avec un décor bleu de cobalt sous couverte. Au même titre, des jarres, des vases ou encore des pots à anse en céramique évoquent l’époque durant laquelle les Compagnies des Indes orientales importaient par millions ces objets en Europe, alors que cette dernière recherchait encore le secret de la porcelaine. Ce parcours à travers l’histoire de l’art chinois retrace également l’évolution du goût des collectionneurs qui penchent pendant un temps pour les décors richement constitués d’émaux polychromes, et plus tardivement pour des objets initialement destinés au commerce en Chine.

Brûle-parfum en forme de li ding, Chine, dynastie Qing 

Bronze patiné, Achat Laurent Héliot, 1892

Musée des Arts décoratifs, Paris

Une autre partie de l’exposition, dédiée à un ensemble remarquable de cloisonnés provenant de dons de David David-Weill et de la Baronne Salomon de Rothschild, réunit l’une des collections les plus importantes de ce genre, très peu vues en Europe, offrant ainsi un panorama impressionnant qui retrace l’historique de cette technique. Ces chefs-d’oeuvre accompagnent des objets rares, tels qu’une vingtaine de cornes de rhinocéros sculptées appartenant aux dynasties Ming et Qing. Des pierres dures finement travaillées telles des vases, des pots et des coupes en jade, en agate et en lapis-lazuli sont également montrés au public et témoignent du raffinement de la culture chinoise. Aux côtés de ces pièces, s’ajoute une sélection d’éléments de mobilier dont des paravents qui rappellent la grande maitrise de la laque que les européens ont longtemps admirée des chinois.

L’exposition montre aussi des objets essentiellement fabriqués pour le marché chinois. Iconographies et symboliques des motifs sont décryptées au public pour mieux appréhender l’art et la culture de la Chine. Ces oeuvres figurant aujourd’hui au musée, sont ainsi l’occasion d’aborder les méthodes de création originales et anciennes, tout en distinguant le « goût chinois » de celui des français, dans la sphère des métiers d’art. En exposant cette collection, Les Arts Décoratifs souhaitent également apporter une ouverture sur la Chine du XXe siècle et contemporaine à travers des affiches et des jouets, mais aussi des oeuvres de designers ou de créateurs chinois.

En écho à l’exposition Les secrets de la laque Française. Le vernis Martin qui est installée dans la Nef du musée, De la Chine aux Arts Décoratifs s’étend dans les douze salles de la galerie d’étude, du 13 février à l’été 2014. Tout en mettant en lumière l’héritage du savoir-faire chinois et l’impact qu’il a eu sur les métiers d’art en Europe et en France en particulier, cet événement est ainsi l’occasion d’exposer une collection précieuse et riche, trop rarement montrée au public jusqu’à aujourd’hui. 

Commissaire de l'exposition : Béatrice Quette, Musée des Arts décoratifs

MUSEE DES ARTS DECORATIFS
107, rue de Rivoli – 75001 Paris
www.lesartsdecoratifs.fr

Les Impressionnistes en privé, Musée Marmottan Monet, Paris : Cent chefs-d'oeuvre de collections particulières

Les Impressionnistes en privé. Cent chefs-d'oeuvre de collections particulières 
Musée Marmottan Monet, Paris
13 février - 6 juillet 2014 

Ouvert pour la première fois au public en 1934, le musée Marmottan Monet célèbrera son quatre-vingtième anniversaire en 2014. En moins d’un siècle, le musée a bénéficié de legs et de donations d’une envergure sans égale faisant de lui le dépositaire du premier fonds mondial d’œuvres de Claude Monet et de Berthe Morisot. Sans la générosité des collectionneurs et des descendants d’artistes, il ne serait pas devenu un haut lieu de l’impressionnisme. Conscient de cet héritage, le musée souhaite débuter les cérémonies de son anniversaire en rendant hommage aux collections privées.

Berthe MORISOT 

Le Piano, 1888 

Collection particulière

Le musée Marmottan Monet présente ainsi du 13 février au 6 juillet 2014 une exposition intitulée : Les Impressionnistes en privé. Cent chefs-d'oeuvre de collections particulières, réunissant exclusivement des œuvres en provenance de collections particulières. L’historienne de l’art, Claire Durand-Ruel Snollaerts et Marianne Mathieu, adjointe au directeur du musée Marmottan Monet chargée des collections, assurent le commissariat de cette exposition.

Cinquante prêteurs se sont associés avec enthousiasme à ce projet et ont accordé des prêts en provenance de France, des Etats-Unis, du Mexique, de Suisse, de Grande-Bretagne et d’Italie. Cette exposition offre l’opportunité unique au public de découvrir des tableaux pour la plupart jamais vus. Une centaine de chefs-d’œuvre impressionnistes constituent un ensemble d’exception. Quatre-vingt peintures et une vingtaine d’œuvres graphiques par Jean-Baptiste-Camille Corot, Eugène Boudin, Johan Barthold Jongkind, Edouard Manet, Frédéric Bazille, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Gustave Caillebotte, Berthe Morisot, Armand Guillaumin, Paul Cézanne, Mary Cassatt, Eva Gonzalès et Auguste Rodin permettent de retracer une histoire de l’impressionnisme à travers des œuvres inédites. 

Armand GUILLAUMIN 

Quai de la Rapée, 1873 

Collection particulière

Le parcours de l’exposition présente d’abord les prémices de l’impressionnisme. Il continue avec son éclosion vers 1874, puis avec les années 1880-1890 quand le groupe des impressionnistes se disloque pour laisser place au génie créatif de chacun de ses membres. Enfin, l’œuvre ultime de maîtres tels Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley et Claude Monet, qui, par bien des égards se situe au-delà de l’impressionnisme, ouvre une fenêtre sur l’art moderne et clôt la manifestation.  

L’accrochage, chronologique, commence par des paysages de Jean-Baptiste-Camille Corot, Johan Barthold Jongkind et Eugène Boudin, dont, de ce dernier, La Plage de Bénerville, d’un format hors du commun.  Le Bar aux Folies Bergères d’Édouard Manet d’une part, et La Terrasse à Méric de Frédéric Bazille d’autre part concluent cette première partie. Chaque impressionniste est ensuite représenté à travers une dizaine de peintures couvrant l’ensemble de sa carrière. 

Edgar DEGAS 

Mary Cassat au Louvre, 1879-1880 

Collection particulière

Sur les planches de Trouville, hôtel des Roches Noires de Claude Monet (1870), en passant par cette jeune inconnue portraiturée par Berthe Morisot en 1871,  une Meule de Camille Pissarro (1873)  ou Le Jardin de Maubuisson de Paul Cézanne (c. 1874), sont quelques exemples éblouissants de la section dévolue aux années 1870. 

Le Tournant du Loing à Moret d’Alfred Sisley (1886), Les Jeunes filles au bord de la mer d’Auguste Renoir (vers 1890), le double portrait de Pagans et le père de l’artiste d’Edgar Degas (vers 1895) ou Les Dahlias, le jardin du Petit-Gennevilliers de Gustave Caillebotte (1893), sont en revanche des travaux typiques de la fin du XIXème siècle. 

Pierre-Auguste RENOIR 

Le chapeau épinglé, première planche, 1897 

Collection particulière

Paul CEZANNE 

Les grands baigneurs, Vers 1896-1898 

Collection particulière

A côté de ces toiles, l’exposition dévoile deux exceptionnelles sculptures, La Petite danseuse de 14 ans par Edgar Degas et Le Penseur, en terre cuite, d’Auguste Rodin, représentatifs d’une sélection digne des plus grands musées.

Cette exposition, unique et incontournable, témoigne de la présence et de l’engouement toujours vifs des maîtres impressionnistes au sein des collections privées.

MUSEE MARMOTTAN MONET 
2 rue Louis-Boilly - 75016 Paris
www.marmottan.fr 

Puces Design 2012 Bercy Village Paris 12e

Les Puces du Design, 2012, 26e édition Bercy Village / Cour Saint-Emilion, Paris 12e
10, 11, 12 et 13 mai 2012

Knoll, Eames et Prouvé; Panton, Saarinen et Dior, Sottsass, Paco Rabane et Paulin... éliront domicile à Bercy Village du 10 au 13 mai 2012 à l’occasion des 26e Puces du Design. Des grands noms du design seront représentés mais vous y trouverez aussi des pièces anonymes, d’autres signées de designers que l’on commence tout juste à découvrir, ainsi que des créations de designers à redécouvrir. Pour le plaisir, pour repérer ou pour acheter, les Puces du Design sont un rendez-vous intéressant des amoureux du design à Paris. Deux nouveautés cette saison, des experts vous accompagneront dans vos achats et une exposition, Quasar Khanh, pionnier du mobilier gonflable sera présentée par la Velvet Galerie.

 

Les Puces du Design : Précurseur et originalCréées en mai 1999, les Puces du Design ont été le premier événement en France à réunir des antiquaires spécialisés en mobilier d’après-guerre. L’idée de Fabien Bonillo de partager sa passion pour les pièces qui ont jalonnées le 20e siècle a immédiatement rencontré l’adhésion du public. Le succès est tel que, prévue pour l’année suivante, la deuxième édition des Puces du Design a lieu dès l’automne. Avec deux rendez-vous par an, Les Puces du Design restent aujourd’hui encore le seul rendez-vous de cette envergure et de cette qualité à être d’accès libre et gratuit. Il y avait à l’origine, une dizaine de participants et une représentation de pièces originales des années 1950 à 1970. Après 13 années et 25 éditions, les Puces du Design réunissent une centaines de participants, venant de toute l’Europe, qui proposent des pièces des années 1950 jusqu’aux débuts des années 2000.

 

Les Puces du Design : Fidélité et pérennitéUne majorité des participants aux Puces du Design reviennent à chaque édition; certains sont même là depuis la première... Nouveautés et surprises sont toutefois toujours là : ils apportent à chaque fois un regard neuf et leurs connaissances sur une époque, un designer, un style ; de plus, une dizaine de nouveaux venus apportent à chaque nouveau rendez-vous sa fraîcheur et son enthousiasme... Les visiteurs aussi sont fidèles, ils sont environ 30 000 à visiter l’événement. Ils viennent de tous les horizons et ont des profils très variés; de l’amateur éclairé au professionnel, du collectionneur au simple curieux. 

 

Les Puces du Design : Expertise et qualitéDepuis l’origine, une sélection est faite en amont de l’événement pour que ne soient présentées sur Les Puces du Design que des pièces originales, d’époque, restaurées s’il le faut, mais exclusivement dans les règles de l’art. Pour la première fois en mai 2012, des experts accompagneront le public dans sa découverte et, le cas échéant, dans ses acquisitions. Marc Mineray, sapiteur à la CEFA, spécialiste des années ‘50 vous aidera donc à authentifier des signatures telles que Jean Prouvé (voir ci-dessous la note sur la chaise Métropole de Jean Prouvé), Florence Knoll, ou Mathieu Matégot. Benoît Ramognino, expert CEA et CEFA, couvrira quant à lui les décennies 1960, 1970 et 1980, vous donnant toutes les astuces et les clefs pour reconnaître une édition originale Seventies, un authentique fauteuil de P. Paulin.

 

La chaise Métropole de Jean Prouvé

Mise sur le marché en 1950, la chaise dite « Métropole » n°305, dessinée par Jean Prouvé a été exclusivement fabriquée et vendue par Les Ateliers Jean Prouvé. Distribuée un temps par Steph Simon, il en devint finalement l’éditeur jusqu'à l’arrêt de la production en 1969. Cette chaise est le fruit d’une longue série d’études remontant à 1934. Elle ne casse pas si on se balance et son dessin répond à la volonté de J. Prouvé d’affirmer par celui-ci les qualités mécaniques d’un objet  dont il dira lui même : «  la chaise, le meuble le plus difficile à  construire ». Vitra réédite depuis 2001 cette chaise sous le nom de « chaise standard ». Les deux versions sont très éloignées en termes de prix : autour de 650 euros pour l’édition Vitra, elle peut atteindre plusieurs milliers d’euros selon l’état pour la  version ancienne, disponible à l’époque avec assise bois ou dans sa  variante n°306 coussinée de simili cuir.

Les machines et les modes de production ayant évolués, certaines  parties de la chaise peuvent permettre l’identification de la version  examinée, comme les deux piètements arrière en tôle pliée « d’égale résistance» qui sont soudés manuellement à l’arc par segments sur la  version ancienne et en continu par robot sur l’édition Vitra. Un autre élément comme l’aspect du contreplaqué de hêtre pour la  version ancienne, à l’aspect parfois « flammé » et sa finition avec un  vernis cellulosique, diffère de celui en chêne de chez Vitra avec vernis polyuréthane en finition claire ou foncée et au grain souvent très serré. La fixation du dossier peut compléter cet examen pour être certain de  la version que l’on souhaite acquérir. Une fois le dossier démonté,  il est simple de constater que cet élément a lui aussi évolué avec  les techniques : il est maintenant fixé sur une longue patte ajourée soudée dans la version Vitra. Quelle que soit la version choisie, on y retrouvera la caractéristique principale voulue par son concepteur, c’est à dire la  résistance importante de la structure à tout type d’utilisation malgré un poids limité du à un emploi économe des matériaux, du minimalisme avant l'heure et une intemporalité synonyme de qualité.

Les puces du Design 2012 : Exposition de la Velvet Galerie 

Enfin, il n’y a plus de Puces du Design sans la mise en lumière d’un créateur phare du 20e siècle. Ce sera, pour ce mois de mai 2012, une exposition exceptionnelle de pièces rarissimes, issues du stock neuf d’époque, de Quasar Khanh, pionnier du mobilier gonflable. En effet, la Velvet Galerie présentera dans son intégralité « Aerospace » la première gamme de mobilier gonflable jamais conçue ainsi que la première concept car de l’histoire : la « Quasar Unipower » ; des créations de Quasar Khanh, designer visionnaire aujourd'hui peu connu du grand public mais dont les inventions ont marquées l'histoire du design. Nous y reviendrons dans un tout prochain message.

 LES PUCES DU DESIGN sur internet : www.pucesdudesign.com
Accès libre et gratuit

Expo Comme Jamais ! Bordeaux Galerie des Beaux-Arts. Exposition d’oeuvres singulières des collections du MBA de Bordeaux

Exposition: Comme Jamais ! Oeuvres singulières de la collection, Galerie du Musée des Beaux-Arts de Bordeaux, 24 novembre 2011 - 27 février 2012

L’exposition d’automne Comme jamais ! à la Galerie des Beaux-Arts de Bordeaux aura lieu du 24 novembre 2011 au 27 février 2012. Cinquante œuvres des collections du musée des Beaux-Arts vont rejoindre les cimaises de la Galerie des Beaux-Arts pour une nouvelle présentation dont l’entrée sera libre. L’exposition permettra de profiter des collections permanentes pendant la période de rénovation et de fermeture du musée, entre le 1er octobre et le printemps 2012.

Cette exposition invite à découvrir des œuvres des collections du musée des Beaux-Arts de Bordeaux jamais ou rarement exposées. Elle donne à voir pour la première fois des œuvres sorties des réserves du musée, en fait découvrir d’autres nouvellement restaurées, d’autres encore récemment acquises. On peut aussi en redécouvrir certaines sublimées par une nouvelle présentation.

Le parcours composé par les équipes du musée des Beaux-Arts permet ainsi la découverte de plusieurs séries de tableaux et dessins pour la plupart inconnus du public :

- Les nouvelles acquisitions : deux acquisitions majeures du musée sont présentées pour la première fois : Portrait de Matisse d’Albert Marquet et Bordeaux. Le voilier blanc. Effet du soir qu’Eugène Boudin a peint en 1874. En outre Le Christ et la Samaritaine, un dessin d'Odilon Redon, et Portrait de femme de Théo Van Rysselberghe font partie des dons de la Société des amis des musées de Bordeaux en 2010.

- Exceptionnellement sortis des réserves : des artistes italiens, flamands ou français comme Alessandro Tiarini, Gaspare Diziani, Pieter Brueghel, Noël Coypel ou encore le contemporain Claude Lagoutte avec Voyage en France, ce rouleau de 17 mètres qui demande un espace approprié pour son déploiement.

- Des œuvres récemment restaurées : L'Adoration des bergers d'Abraham Hondius peinte sur ardoise, et aussi Sacrifice d'André Masson dont l'étude et la restauration complexes ont demandé trois ans au Centre de recherche et de restauration des musées de France.

- Des redécouvertes : c’est l’occasion d’apprécier de nouveau des peintures majeures, parfois éclipsées par d’autres sur les murs du musée : Sainte Famille avec Sainte Dorothée de Paul Véronèse, L'Homme à la main sur le cœur de Frans Hals, Portrait de John Hunter de Sir Thomas Lawrence ou encore Paysage de Venise d'Odilon Redon.

Pour cette exposition, le musée des Beaux-arts propose de présenter un petit nombre d’œuvres, mais chacune d'elle sera mise en valeur par un espace clair, élargi, évitant les interférences. Elle offre la possibilité d’une approche plus intime et plus intense des œuvres.

Galerie du Musée des Beaux-Arts, Bordeaux
Place du colonel Raynal - 33000 Bordeaux

The Metropolitan Museum’s Department of Photographs - History (1992 - 2009)

The Metropolitan Museum’s Department of Photographs - History

Established as an independent curatorial department in 1992, the Metropolitan Museum's Department of Photographs houses a collection of more than 20,000 works acquired by the Museum over 80 years.

The Museum's collection spans the history of photography. Among the treasures from the early years of the medium are an extremely rare album of photographs by William Henry Fox Talbot, made just months after he presented his invention to the public; a large collection of portrait daguerreotypes by the Boston firm of Southworth and Hawes; landscape photographs of the American West by Timothy O'Sullivan and Carleton Watkins; and fine examples of French photography from the 1850s by Edouard Baldus, Eugène Cuvelier, Gustave Le Gray, Henri Le Secq, Nadar, and others.

In addition, in 1997 the Museum acquired 78 nineteenth-century photographs from the renowned Rubel Collection. This group includes rare and beautifully preserved examples by the major figures of early British photography—William Henry Fox Talbot, the painter-photographer team David Octavius Hill and Robert Adamson, Roger Fenton, and Julia Margaret Cameron—and constitutes one of the most extraordinary representations of Britain's rich photographic history in the United States.

Alfred Stieglitz, a passionate advocate for the acceptance of photography into the pantheon of fine arts, made several important gifts to the Metropolitan (in 1928, 1933, and in his bequest of 1946) that ultimately numbered more than 600 works. In addition to superb examples of his own photography, his gift comprises the best collection anywhere of works by the Photo Secession, the circle of Pictorialist photographers shown at his influential gallery. The Stieglitz Collection is especially rich in large master prints by Edward Steichen; of special note are three large, unique prints of the Flatiron building, each a slightly different hue, evoking a different moment of twilight in the city. Also featured in the Stieglitz Collection are F. Holland Day, Adolph de Meyer, Gertrude Käsebier, Paul Strand, and Clarence White.

Building on the Stieglitz Collection, in 1997, through a major gift of Jennifer and Joseph Duke and The Georgia O'Keeffe Foundation, the Museum acquired 73 portraits of artist Georgia O'Keeffe taken by Alfred Stieglitz. Documenting one of the most famous and intimate artistic collaborations of modern times, the photographs are part of Stieglitz's extraordinary composite portrait of O'Keeffe, a series of more than 300 images produced between 1917 and 1937 that he considered to be among his greatest achievements.

The Ford Motor Company Collection, 500 works collected by John C. Waddell and donated to the Museum in 1987 as a gift of the Ford Motor Company and Mr. Waddell, represents avant-garde European and American photography between the two World Wars. Berenice Abbott, Brassaï, Walker Evans, André Kertész, Man Ray, László Moholy-Nagy, and some 70 other photographers chart the urban, technological, and psychological revolutions of the modern age.

In addition to these extensive holdings, the Metropolitan's representation of the first century of photography (1839-1939) was immeasurably enriched by the 2005 acquisition of the Gilman Paper Company Collection, widely regarded as the world's finest collection of photographs in private hands. Propelling the Metropolitan to the topmost ranks of museums collecting the art of photography, the Gilman Collection consists of more than 8,500 photographs, including many unique and beautiful icons of photography by the medium's greatest masters as well as works by little known—even unknown—photographers and extensive bodies of work by pioneers of the camera.

The personal archive of Walker Evans, acquired in 1994, traces the development of this American master and poet laureate of the documentary style, and provides scholars and the general public with a unique opportunity to study the complete creative output of this seminal photographer. The archive contains nearly 40,000 negatives and transparencies as well as Evans's boyhood snapshots, short stories, correspondence, library, postcard collection, and seldom-seen color Polaroids made in the year before his death.

In 2007 the Museum announced the gift and promised gift of the complete archive of Diane Arbus, including hundreds of the artist's early photographs; negatives and contact prints of 7,500 rolls of film; and her photography collection, library, and personal papers. The Diane Arbus Archive will be fully catalogued and eventually made available for research. Simultaneous with this acquisition, the Museum purchased 20 of Arbus's most iconic photographs.

The post-war years are also represented by important American photographers such as Harry Callahan, Robert Frank, William Klein, and Garry Winogrand. The Museum's collection is especially strong in representing the varied paths of photography since 1960: its role in conceptual art, earth art, and performance art, as seen in works by Robert Smithson, Gordon Matta-Clark, and Douglas Huebler; the "Dusseldorf School," featuring works by Bernd and Hilla Becher and their students Thomas Struth, Thomas Ruff, and Andreas Gursky; the "Pictures Generation," including Cindy Sherman and Richard Prince; and other important contemporary artists who use photography, such as Jean-Marc Bustamante, Adam Fuss, Felix Gonzalez-Torres, Rodney Graham, Sigmar Polke, and Charles Ray. The Museum has also recently added examples by younger artists such as Sharon Lockhart, Roe Ethridge, Rachel Harrison, Jane and Louise Wilson, and Doug Aitken, among others.

In 2001, the department acquired the Metropolitan's first work of video art—Ann Hamilton's a,b,c (1994/99)—and has since gone on to represent significant developments in film, video, and new media by artists including Lutz Bacher, David Hammons, Maria Marshall, Jennifer and Kevin McCoy, and Karin Sander.

In September 2007 the Museum inaugurated the Joyce and Robert Menschel Hall for Modern Photography, the Metropolitan's first gallery designed specifically for and devoted exclusively to the display of photographs created since 1960. Menschel Hall, with installations that change every six months, allows the department to show its contemporary holdings within the broader context of photographic traditions on view in the adjacent Robert Wood Johnson, Jr. Gallery. Also nearby is The Howard Gilman Gallery, the Museum's first permanent gallery dedicated exclusively to the display of photographs, which opened in October 1997. Addressing a changing roster of themes and topics, installations in the Gilman Gallery rotate three times a year and are drawn from the Metropolitan's collection and, on occasion, from those of other institutions.

The Department of Photographs periodically presents special exhibitions in the Galleries for Drawings, Prints, and Photographs or special exhibition galleries elsewhere in the Museum. Among the major exhibitions organized by the Metropolitan during the past 15 years and accompanied by scholarly catalogues have been:

The New Vision: Photography Between the World Wars (1989)
The Waking Dream: Photography's First Century, Selections from the Gilman Paper Company Collection (1993)
The Photographs of Édouard Baldus (1994)
Nadar (1995)
Sugimoto (1995-1996)
Georgia O'Keeffe: A Portrait by Alfred Stieglitz (1997)
Paul Strand Circa 1916 (1998)
Edgar Degas, Photographer (1998-1999)
Walker Evans (2000)
Earthly Bodies: Irving Penn's Nudes, 1949-50 (2002)
Richard Avedon: Portraits (2002)
Thomas Struth (2003)
The Dawn of Photography: French Daguerreotypes, 1839-1855 (2003)
Diane Arbus Revelations (2005)
All the Mighty World: The Photographs of Roger Fenton, 1852-1860 (2005)
The Perfect Medium: Photography and the Occult (2005)
Impressed by Light: British Photographs from Paper Negatives, 1840-1860 (2007)
The Pictures Generation, 1974-1984 (2009)
Looking In: Robert Frank's The Americans (2009)

METROPOLITAN MUSEUM OF ART - NEW YORK

www.metmuseum.org

Updated 07-02-2025

Centre Pompidou Collections Modernes 1905-1960 Nouvelle présentation

Nouvelle présentation des collections modernes

De 1905 aux années 1960

Musée national d'art moderne, 
Centre Pompidou - Beaubourg, Paris

Jusqu'en janvier 2013

Le Musée national d’art moderne expose, sur tout le niveau 5, la nouvelle présentation de ses collections de 1905 aux années 1960: elle est entièrement consacrée aux artistes, aux mouvements et aux thèmes fondateurs de l’histoire de l’art moderne du XXème siècle qui sont autant de repères pour le visiteur et éclairent son cheminement à travers tout un siècle de création.

Le Centre Pompidou propose sur plus de 7000 m² un parcours à la fois thématique et chronologique où sont mis en lumière les correspondances, les dialogues et analogies entre des œuvres emblématiques de toutes disciplines: arts plastiques, photographie, architecture, design ou encore films.

Cet accrochage reflète la vitalité du Musée national d’art moderne en présentant à la fois des grands noms de ses collections tels que Brancusi, Delaunay, Duchamp, Kandinsky, Léger, Matisse, Miró ou Picasso et les grands mouvements fondateurs de l’art moderne (du fauvisme au Nouveau réalisme et au cinétisme), mais aussi des acquisitions récentes comme la donation Lucien Hervé, la donation de Geneviève Catti-Gherasim Luca ou la dation Jean Le Moal.

Parallèlement, des salles historiques (Le Corbusier et l’Esprit nouveau), thématiques (Biomorphismes), ou plurisdisciplinaires (Italie 1950-1960, art et design), intègrent les arts graphiques, la photographie, le design, l’architecture. Des œuvres exceptionnelles ont également été prêtées par plusieurs fondations: la Fondation Alberto et Annette Giacometti, Paris, la Fondation Le Corbusier et la Fondation Georges Rouault.

Le principe de l’accrochage est de proposer un déroulement chronologique, scandé par les principaux mouvements apparus depuis le début du siècle, mais où les regroupements monographiques jalonnent aussi le parcours. Enfin, les actualités – hommages, donations, dations, prêts ainsi que de nouvelles acquisitions ponctuent l’ensemble de l’accrochage.

Le parcours chronologique proposé à travers l’histoire de l’art du XXème siècle est souligné par une nouvelle signalétique destinée à une meilleure orientation des visiteurs, les salles y sont orgnisées en deux parties : de 1905 à 1945 puis de 1945 aux annnées soixante. Pour compléter le parcours, des œuvres, films et documents d’archives viennent en écho aux salles d’exposition : peintures et sculptures de Victor Brauner, documents d’archives, autour de Kandinsky par exemple, photographies, comme celles de Gherasim Luca ou encore des dessins comme ceux de Jasper Johns.

Les salles plurisdisciplinaires, monographiques ou thématiques sont l’aboutissement d’un travail collectif des conservateurs du Musée selon leur domaine. Peintures, sculptures, dessins, photographies, films, architecture, design, archives, autant de pistes pour appréhender les croisements, comprendre les regroupements et les ruptures qui forment le tissu historique des différents courants de l’art moderne.

Afin d’offrir au public le plus large aperçu de la richesse des collections du Centre Pompidou, cet accrochage sera régulièrement renouvelé par la présentation d’œuvres qui viendront à leur tour s’inscrire dans le parcours et l’éclairer d’une lumière neuve.

Centre Georges Pompidou / Beaubourg
Musée national d'art moderne
www.centrepompidou.fr

Lise Sarfati Exhibition in Italy

LISE SARFATI Immaculate Mother & Daughter The New Life From 7th September to 19th October 2008 Tuesday, Friday, Saturday and Sunday 10.30 am – 7.30 pm Wednesday and Thursday 10.30 am – 9.00 pm Monday 3.30 pm – 7.30 pm Galleria Carla Sozzani corso Como 10 – 20154 Milano, Italia www.galleriacarlasozzani.org

For her first solo exhibition in Italy the French photographer Lise Sarfati has worked on a special selection of photographs from The New Life serie (2003) and reveals her two most recent series, never shown before: Immaculate and Mother & Daughter (2005-2007). The show is built in three parts corresponding to the three series to appreciate the full extent and significance of her work. The New Life has already been exhibited in museums and galleries all over the world (Yossi Milo Gallery in New York, Rose Gallery in Los Angeles, museum Foam in Amsterdam, Nicolaj Center of Contemporary Art in Copenhagen, Arles in France, Photographer’s gallery in London and Domus Artium Centro del Arte in Salamanca in Spain… )

The New Life (2003) - In the serie of color photographs taken through United States -from Austin to Asheville, Portland to Berkeley, Oakland, Los Angeles, New Orleans, Louisiana and small towns in Georgia- each portrait dramatizes the complexity of adolescent identity showing an intensity that adults will never be able to experience again. Lise Sarfati explores the dividing lines between good and bad, happiness and sadness, innocence and perversity, reality and fantasy. With a minimal choregraphy, she activates connections with her subjects in their everyday spaces and situations – bedrooms, backyards, kitchens, grocery stores. The title The New Life refers to Dante Aligheri and Beatrice Portinari, who were children when they met in 1274 in Firenze "She died and La Vita Nuova is a poem of love for Beatrice, with whom he was in love all his life" - A book has been published La Vie Nouvelle The New Life -Twin Palms publisher, 2005.

Immaculate (2006-2007) - The serie Immaculate took place in California, inside Catholic educational establishments for girls. The different high schools have been carefully chosen by the artist. She looked for places surrounded by the ‘Garden of Eden’ and she found it in Monterey, Sierra Madre, Alhambra and San Diego. The student girls photographed have decided of their attitude and expression. They are still in the garden of the school, just before returning home. The idea of “the fence” is central in this serie, referring to the enclosed garden of Middle Age. Lise Sarfati breaks the idyllic vision, when she captured the adolescent girls giving way to herself on the lawn of their school. Book published by Schirmer Mosel in Spring 2009, text by Thomas Weski.

Mother & Daughter (2005-2007) - In the serie Mother & Daughter, Los Angeles, Berkeley and Oakland in California are the main places chosen by the artist. The central subject is the role game that takes a real importance between parents and children, and even more between a mother and her daughter. The characters become interchangeable and their relation reinforce the mirror effect. The imaginative realm of the mother is embodied in the daughter and the girl's ideal is played out by her mother. Throughout the serie, Mother & Daughter were photographed separately, to underline the personality split. The disturbing play of competition between the two brings exhibitionism to its apotheosis. It refers to the use of masks – makeup, wigs – underscoring the loss of bearings. The outcome is a kind of tension between the mask-reflections and the exhibitionism of the two women.

Grew up in France, she lives in Paris. She obtained a master’s degree in Russian studies from the Sorbonne. She was the official photographer of the Academy des Beaux-Arts in Paris. Sarfati moved to Russia and photographed there for ten years. She received grants from both the Fiacre and Villa Medicis. She received the Prix Niepce in Paris and the Infinity award of International Center of Photography in New York for her work. For over five years now, she has been working in the United States. Lise Sarfati is represented by Yossi Milo Gallery in New York, Rose Gallery in Los Angeles and Magnum Gallery in Paris.

SELECTED SOLO EXHIBITIONS 2008 Russian Series Yossi Milo Gallery, New York, USA . American Trilogy Galleria Carla Sozzani, Milan, Italy. The New Life, Centre National de l’Audiovisuel, Dudelange, Luxembourg The New Life, Center of Comtaporary Art « Vinzavod » for the Seventh International Month of Photography “Photobiennale’’ Moscow, Russia, 2007 The New Life, FOAM Amsterdam, The New Life, Aberdeen Art Gallery, Aberdeen, Scotland, 2006 The New Life, UC Riverside California Museum of Photography, USA, La Vie Nouvelle, Rencontres Internationales d’Arles, France, The New Life, Rose Gallery, Santa Monica, CA, USA, Retrospective Nicolaj Center of Contemprary Art, Kopenhagen, Dannemark 2005 The New Life Yossi Milo Gallery, New York, USA, La Vie Nouvelle, Museo de San Telmo ,San Sebastien, Spain, American series, The Photographer’s gallery London, UK, 2004 Retrospective, Russian series, The New Life, Domus Artium Centro del Arte Salamanca, Spain 2002 Russian Series, Maison Européenne de la Photographie, Paris, France, Post Factum, Rencontres Internationales de la Photographie, Arles, France 1997 Musée Nicephore Niepce, Prix Niepce, Chalon-sur-Saone, France, 1996 Prix Niepce, Centre National de la Photographie, Paris, France

SELECTED GROUP EXHIBITION 2007 Easy Rider, Yancey Richardson Gallery, New York, USA. June Bride, Yossi Milo Gallery, New York, USA. Women of Many Faces, Isabelle Huppert. Fotomuseum Der Haag, The Netherlands. Museo Nazionale del Cinema, Turin, Italy. Euro Visions, Musée Royaux des Beaux-Arts, Bruxelles, Belgique, 2006 Women of Many Faces, Isabelle Huppert. PS1 Contemporary Art Center, Museum of Modern Art, Long Island City, Gallery C/O Berlin, Germany. Botanic Garden, Madrid, Spain. Metropolitan Museum of Photography,Tokyo, Japan. Couvent des Cordeliers, Paris, France. Euro Visions, Milan, Italie, Ludwig Museum, Budapest, Hunagry, Zamec, Warsaw, Poland. 2005 Euro Visions, Centre Georges Pompidou, Paris, France.

COLLECTIONS SFMOMA San Francisco of Modern Art, CA, USA Bibliothèque Nationale de France, Paris, France LACMA Los Angeles County Museum of Art, CA, USA Collection Michael Wilson, London, UK Brooklyn Museum, NY, USA Philadelphia Museum of Art, USA Maison Européenne de la Photographie, Paris, France Bouwfonds Kunststichting, Netherlands Fond National d’Art Contemporain, Paris, France Domus Artium, Salamanca, Spain Fondation ABN AMRO pour la Photographie, Paris, France Musée Nicephore Niepce, Chalon-sur-Saone, France Fondation Enrique ORDÓÑEZ, Spain Lhoist, Belgium

SELECTED BIBLIOGRAPHY 2008 Monography with Schirmer Mosel 2005 The New Life La Vie Nouvelle, Lise Sarfati Twin Palms Publisher 2004 Lise Sarfati, Fundacion Salamanca Cuidad de Cultura 2000 Acta Est, Lise Sarfati Phaidon